Symboliikka

Suunta

Symbolismi (fr. Symbolisme) on yksi suurimmista taiteen (kirjallisuuden, musiikin ja maalauksen) suuntauksista, joka syntyi Ranskassa 1870-1880-luvuilla ja saavutti suurimman kehityksensä 1800- ja 1900-luvun vaihteessa, pääasiassa Ranskassa. itse, Belgia ja Venäjä. Symbolistit muuttuivat radikaalisti paitsi erilaisia taidetta, mutta myös asennetta siihen. Heidän kokeellisuudestaan, innovatiivisuudestaan, kosmopoliittisuudestaan ​​ja erilaisista vaikutteista on tullut malli useimmille nykytaiteen liikkeille. Symbolistit käyttivät symboliikkaa, vihjailua, vihjeitä, mysteeriä ja mysteeriä.

"Mielikuvitus, analogioiden tai vastaavuuksien luominen ja niiden välittäminen kuvassa, tämä on symbolismin kaava."

Käsitteen "symbolismi" taiteessa loi ensimmäisenä ranskalainen runoilija Jean Moréas samannimisessä manifestissa - "Le Symbolisme", joka julkaistiin 18. syyskuuta 1886 Le Figaro -sanomalehdessä. Erityisesti manifestissa julistettiin:

Siihen mennessä oli olemassa toinen, jo vakaa termi "dekadentismi", jota halveksivasti kutsuttiin heidän kritiikkinsä runouden uusiksi muodoiksi. Innokenty Annensky huomautti:

"Symbolismi" oli dekadenttien itsensä ensimmäinen teoreettinen yritys, joten rappion ja symbolismin välille ei muodostunut teräviä eroja, saati sitten esteettistä vastakkainasettelua. On kuitenkin huomattava, että Venäjällä 1890-luvulla, ensimmäisten venäläisten dekadenttien kirjoitusten jälkeen, näitä termejä alettiin asettaa vastakkain: he näkivät ihanteet ja hengellisyyden symboliikassa ja ilmensivät sitä vastaavasti tällä tavalla, ja dekadenssissa - tahto, moraalittomuus ja intohimo vain ulkoiseen muotoon. Joten Vladimir Solovjovin epigrammi tunnetaan dekadenttien suhteen:

Symbolismin estetiikan perusperiaatteet ilmestyivät ensimmäisen kerran ranskalaisten runoilijoiden Charles Baudelairen, Paul Verlainen, Arthur Rimbaudin, Stéphane Mallarmén ja Lautreamontin teoksissa.

Leon Trotsky selittää symbolismin ilmiön yksinkertaisesti "halulla unohtaa, olla hyvän ja pahan toisella puolella".

Teoksissaan symbolistit yrittivät heijastaa jokaisen sielun elämää - täynnä kokemuksia, hämäriä, epämääräisiä tunnelmia, hienovaraisia ​​tunteita, ohikiitäviä vaikutelmia. Symbolistirunoilijat olivat runollisen runouden keksijöitä, täyttivät sen uusilla, elävillä ja ilmeikkäillä kuvilla, ja joskus yrittäessään saavuttaa omaperäistä muotoa he menivät kriitikoiden merkityksettömiksi pitämien sanojen ja äänten leikkiin. Voidaan sanoa, että symboliikka erottaa kaksi maailmaa: esineiden maailman ja ideoiden maailman. Symbolista tulee eräänlainen sovintomerkki, joka yhdistää nämä maailmat siinä mielessä, kuin se synnyttää. Jokaisella symbolilla on kaksi puolta - merkitty ja merkitsevä. Tämä toinen puoli on käännetty epätodelliseen maailmaan. Taide on avain mysteeriin.

Mysteerin, salaperäisen, mystisen, käsite ja kuva ilmenee sekä romantiikassa että symbolismissa. Romantismi lähtee kuitenkin pääsääntöisesti siitä tosiasiasta, että "maailmantuntemus on tietoa itsestään, sillä ihminen on suurin salaisuus, universumin analogioiden lähde” (Novalis). Symbolistien käsitys maailmasta on erilainen: heidän mielestään todellinen Oleminen, "tosi olemassa oleva" tai mysteeri, on ehdoton, objektiivinen periaate, johon kuuluvat sekä kauneus että maailmanhenki.

Vjatšeslav Ivanov teoksessaan "Symbolismin testamentit" ytimekkäästi ja kuvaannollisesti ilmaistuna taiteellisia merkkejä ja esteettisiä periaatteita varsinainen "symbolinen" suunta taiteessa (se, mitä täällä sanottiin runoudesta, pätee varsin muuhun taiteeseen):

Seuraavat Konstantin Balmontin rivit, jotka valaisevat symbolismin esteettisiä periaatteita, ovat täynnä symbolisten kuvien hämmästyttävää taikuutta:

Toisin kuin muut taiteen suuntaukset, jotka käyttävät tunnusomaisen symbolismin elementtejä, symboliikka pitää "saavumattoman", joskus mystisen, Ideoiden, ikuisuuden ja kauneuden kuvien ilmaisua, taiteen päämäärää ja sisältöä sekä elementtiin kiinnitettyä symbolia. taiteellista puhetta ja sen kuvassa, joka perustuu polysemanttiseen runolliseen sanaan - tärkein ja joskus ainoa mahdollinen taiteellinen keino.

Silmiinpistävin symbolismin tuoma muutos koskee sen runouden taiteellisen ilmentymän muotoa. Symbolismin kontekstissa kaikenlainen taideteos alkaa leikkiä juuri runollisilla merkityksillä, runoudesta tulee ajattelun muoto. Proosa ja draama alkavat kuulostaa runoudelta, kuvataide maalaa sen kuvia ja musiikin myötä runouden yhteys muuttuu yksinkertaisesti kaiken kattavaksi. Runolliset kuvat-symbolit, jotka ikään kuin nousevat todellisuuden yläpuolelle ja antavat runollisen assosiatiivisen matriisin, ovat symbolististen runoilijoiden ruumiillistumia äänikirjoitetussa, musiikillisessa muodossa, ja itse runon ääni ei ole vähempää, ellei tärkeämpi merkityksen ilmaisemisessa. symbolista. Konstantin Balmont kuvaa omia tunteitaan äänistä, jotka sitten muodostavat runollisia sanoja:

Tämä on osa Wikipedian artikkelia, jota käytetään CC-BY-SA-lisenssillä. Artikkelin koko teksti täällä →

Wikipedia:

Symbolismi on idealistinen kirjallinen ja taiteellinen suunta toisen taiteen taiteessa puolet XIX sisään. Itse termi "symbolismi" on peräisin Kreikan sana simbolon - merkki. Siinä epätavallinen taide ilmaistiin osan eurooppalaisen älymystön pettymys nykytodellisuuteen, pelko tieteen ja teknologian maailman etenemisestä, jossa ei ole sijaa menneiden aikakausien henkisille ihanteille. Nämä tunnelmat johtivat täynnä pessimismiä ja nostalgisia viittauksia symbolististen taiteilijoiden menneisiin maalauksiin.

Symbolismin ideat ja periaatteet julisti ranskalainen runoilija Charles Baudelaire, joka uskoi, että taiteen todellisuus tulisi ilmaista symbolien kautta. Baudelairen teorian mukaan taiteellisia keinoja(maalien, viivojen jne.) käyttämät maalarit - tavanomaisia ​​merkkejä joiden avulla mestari voi välittää ajatuksiaan, tunteitaan ja tunnelmiaan. Kuvataiteen symboliikka nojautui kirjalliseen ja kuvalliseen romantiikkaan (erityisesti saksalaiseen intohimoineen kaikkeen salaperäiseen ja mystiseen).

Symbolistit lainasivat taiteellisia keinoja virallisesta, akateemisesta taiteesta (tiukkuudesta sävellysrakenne, viivojen selkeys) tai jugend (tasomainen sommittelu, koristeellisuus, ääriviivojen hienostuneisuus, figuurien pidentyminen).

Romantikkojen F. O. Rungen ja K. D. Friedrichin unenomainen maalaus, prerafaeliitien taide, O. Beardsleyn grafiikka ovat lähellä symboliikkaa.

Symbolismi Ranskassa, ilmaisumuodoiltaan hyvin monipuolinen, esitetään G. Moreaun hienostuneissa teoksissa,
O. Redonin mystisessä maalauksessa ja grafiikassa, P. Puvis de Chavannesin harmonisissa ja rauhallisissa sävellyksissä, E. Carrieren rakkauden ja ystävyyden tunteita täynnä olevissa teoksissa.

Suurimmat symbolistiset taiteilijat olivat: Saksassa - M. Klinger, Sveitsissä - A. Böcklin ja F. Hodler, Belgiassa - J. Ensor, Hollannissa - J. Toorop.

Gustave Moreau

Ranskalainen taiteilija Gustave Moreau syntyi vuonna 1826. Hänen aikainen työ Sellaisten taiteilijoiden kuin T. Chasserio, J. O. D. Ingres, E. Delacroix vaikutus on havaittavissa. Vuosina 1857-1859. taiteilija vieraili Italiassa, jossa hän teki suuren vaikutuksen Bolognan koulun mestareiden taiteesta. Moro kopioi italialaisten taiteilijoiden teoksia pitkään, mikä ei voinut muuta kuin vaikuttaa hänen tyyliinsä jossain määrin. Samaan aikaan Moreaun maalausten kirkas väritys, kuvien syvä draama ja eloisuus tulevat T. Chasserin ja E. Delacroix'n taiteesta, ja viivojen hienostuneisuus ja kompositiorakenteen selkeys tulee maalauksesta J. O. D. Ingres.

Moreau käytti maalauksissaan mytologisia ja raamatullisia aiheita (akvarelli "Yö"; "Hesiodos ja muusa", 1891). Melko usein hänen maalauksissaan esiintyy epätavallisia kuvia, jotka ovat saaneet vaikutteita muinaisista legendoista tai itämaisista tarinoista ("Chimera", 1884).

1850-luvun alusta. Moreau esittelee jatkuvasti maalauksia Salonissa, mutta suosio tulee hänelle vasta 1860-luvulla palattuaan Italiasta. Julkinen elämä iloitsee Salonissa vuosina 1864 ja 1865 näytetyistä maalauksista. Moreaun sävellykset "Oidipus ja sfinksi", "Nuoruus ja kuolema" ja "Jason ja Medea".

Oidipus ja Sfinksi on yksi suurimmista mielenkiintoisia teoksia Moreau. Taiteilija lainasi maalauksen juonen Ingresiltä, ​​joka maalasi samannimisen kankaan. Samaan aikaan Moreau tulkitsee tätä aihetta hieman eri tavalla. Jos Ingresin teoksessa katsoja näkee miehen kamppailun fantastisen dynamiikkaa täynnä olevan hirviön kanssa, niin Moreaun sävellyksessä sankari näyttää sulautuvan Sfinksin kanssa rakastavaan syleilyyn. Tätä teosta voidaan tulkita eri tavoin. Ehkä taiteilija halusi kuvaa luodessaan näyttää ihmisen kamppailun omien synkkien vaistojensa kanssa tai hän yritti purkaa jonkinlaisen luonnon mysteerin. Tai ehkä sen keskeinen ajatus on kuoleman väistämättömyys, jota ei kunnia, valta eikä rikkaus voi vastustaa. Ja tietysti Moron sävellys heijastaa hyvän ja pahan taistelun teemaa, jonka persoonallistaa sfinksinainen, jonka kasvot houkuttelevat katsojan silmää ilkeällä kauneudellaan. Myöhemmin tämä ajatus ekspressionististen taiteilijoiden teoksissa ilmentyy femme fatalen kuvassa.

1870-luvun jälkipuoliskolla. Moreaun maalauksesta tulee hieman erilainen. Nyt hänen taiteellinen tyylinsä on vapaampi kuin ennen. Koostumusrakenteesta tulee monimutkaisempi, ja värimaailma on kyllästetty uusilla sävyillä. Maalausten mytologisiin hahmoihin liittyy taiteilijan mielikuvituksen luomia kuvia.

Moreaun tämän ajanjakson teokset ovat tunnettuja huolellisesta huomioinnistaan ​​yksityiskohtiin, värien rikkaudesta ja soinnisuudesta. Yhtä värikkäitä ovat vesivärit, joiden ilmeisyyttä korostavat valon ja varjon vaikutukset ("Kuolleelle runoilijalle ja kentaurille"). Moreaun teosten sankarit ovat liikkumattomia ja hiljaisia, näyttää siltä, ​​että he nukkuvat tai uppoavat transsiin. Maalausten hahmot eivät elä omaa elämäänsä, he vain täydentävät salaperäistä ja outoa, kirkkaan koristepaneelin kaltaista maisemaa, jonka kuvioita taiteilija otti koristetaiteen aikakauslehdistä, kirjoista ja albumeista.

Tässä mielessä suoritettu kuuluisa kuva Moreau "Unicorns" (n. 1885), kirjoitettu 1400-luvun kuvakudoksen perusteella. Katsoessaan tätä kangasta katsoja tarkkailee naisten ja epätavallisten eläinten hahmoja, jotka ikään kuin liukenevat maiseman taustaan. Ihmisiä ja yksisarvisia ympäröivä luonto on värikäs, hieno koriste, jossa Moreau käytti vuosittaisen Magasin pittoresque -lehden ja kaksiosaisen "Unpublished French monuments" -lehden kuvituksia.

Aivan yhtä upea merenalainen maailma meren kasveja ja eläimiä maalauksessa "Galatea" (1880), joka kuvaa aistillisen kaunista Nereidinaista meren syvyyksissä.

Taiteilijan paletti on rikas eri sävyissä. Usein hänen sävellyksiensä hohtavat värit herättävät ahdistuksen, selittämättömän ahdistuksen tunteen. Sellaisen tunteen luo Salomen tanssi (1876) maalauksen kiiltävä kultainen värimaailma.

Joskus Moreau käyttää yhdessä kuvassa motiiveja eri mytologisista konteksteista. Esimerkiksi sävellyksessä "Orpheus" (1865) hän kuvasi nuorta traakialaista tyttöä surullisena katsomassa lyyraa Orpheuksen kuolleella päällä. Taiteilijan fantasia asettaa sankarit erilaisiin tilanteisiin: hänen kaunis Helenansa seisoo surullisena Troijan raunioiden päällä tai leijuu kuolleiden ja elävien maailman yllä.

Moreaun teosten joukossa on useita tanssivalle Salomelle omistettuja maalauksia. Maalauksessa "The Appearance" (n. 1875) Johannes Kastajan katkaistu pää ilmestyy tanssissa pyörivän tytön eteen. kirkas hehku siitä lähtöisin oleva symboloi hyvyyden ja oikeudenmukaisuuden lopullista voittoa. muinainen myytti ja kirjailijan fantasia kietoutuu moniin Moreaun teoksiin ("Peri", 1865).

Yksi kaikista merkittäviä töitä Moreausta tuli suuri sävellys "Jupiter ja Semele" (1894-1895). Maalaus perustuu antiikin Rooman myytteihin. Jupiterin mustasukkainen vaimo Juno taivutti häneltä lasta odottavan Semelen pyytämään Jumalaa näyttämään hänet todellisessa asussaan. Jupiterin, joka vannoi aiemmin täyttävänsä kaikki Semelen toiveet, oli täytettävä rakkaansa pyyntö. Hän ilmestyi hänen eteensä ja välähti salamaa, joka tappoi Semelen. Ennen kuolemaansa hän synnytti lapsen, josta tuli viininvalmistuksen jumala Bacchus (kreikkalaisten keskuudessa - Dionysos).

Maalauksessaan Moreau antaa muinaiselle myytille mystisen äänen, joka kuvaa Jupiterin valtaistuimen alla surevaa rakkaansa, kauheita hirviöitä, jotka symboloivat yön pimeyttä. Valtaistuimen juurella istuu surullinen faun (sis kreikkalainen mytologia- Pan), joka ilmentää maan voimaa sekä synkät hahmot, jotka persoonallistavat kärsimystä ja kuolemaa.

Moreaun teokset ovat moniselitteisiä ja sanomattomia, ne näyttävät sisältävän jonkinlaisen salaisuuden, jonka kirjailija piilotti katsojalta. Taiteilijan fantasia, joka synnyttää outoja hahmoja, jotka sulautuvat taustan koristeelliseen ornamenttiin, tekee hänen sävellyksistään synkkiä ja pelottavia.

Ennen kuvakoostumustensa luomista Moreau teki melkein aina lyijykynäluonnoksia, luonnoksia, öljy- tai akvarelliluonnoksia. Hänen synkkiä linnoja, majesteettisia kiviä, eksoottisia kukkia ja kasveja kuvaavat akvarellit hämmästyttävät toteutuksen vapaudella, värien eloisuudella ja soinnisella.

Akvarelleilla oli tärkeä paikka Moreaun töissä. Taiteilija ei käyttänyt sitä vain alustaviin luonnoksiin, vaan myös valmiisiin, suuriin koostumuksiin. Näissä teoksissa hän onnistui välittämään korujen loistoa, kankaiden tekstuuria, hienovaraisimmat valo- ja väriheijastukset. Vesivärien hahmot näyttävät yllättävän ilmavilta ja painottomilta, maisemat - värikkäiltä ja säteileviltä.

AT viime vuodet elämästä, taiteilija on täysin uppoutunut fantasiamaailmaan. Hän lähti harvoin kotoa ja opiskeli
se, että hän kirjoitti teoksensa uudelleen monta kertaa tuoden uusia yksityiskohtia ja kuvia valmiisiin sävelluksiin.

Moreau kuoli vuonna 1898. Hänen taitellaan oli suuri vaikutus ranskalaisiin taiteilijoihin. Symbolisti O. Redon, fauvistit A. Matisse ja A. Marquet tulivat ulos Moreaun työpajasta. Surrealistiset taiteilijat ihailivat Moron salaperäisiä maalauksia ja akvarelleja.

Pierre Puvis de Chavannes

Ranskalainen taiteilija Pierre Puvis de Chavannes syntyi vuonna 1824 Lyonissa varakkaaseen kaivosinsinööriperheeseen. Isänsä tavoin Puvis de Chavannes aikoi omistaa elämänsä luonnontieteet. Matkat Italiaan vuosina 1847 ja 1848 muutti hänen elämänsä dramaattisesti. Kotimaahansa palattuaan Puvis de Chavannes kiinnostui maalaamisesta. Hän opiskeli ensin A. Schaefferin, sitten E. Delacroixin ja myöhemmin T. Couturen ja T. Chasserin johdolla.

Vaikka vuonna 1850 Puvis de Chavannes esitteli maalauksiaan Salonissa, myöhemmin, vuoteen 1859 asti, Salonin tuomaristo kieltäytyi hyväksymästä hänen töitään.

Vuonna 1854 Puvis de Chavannes maalasi veljensä talon seinät ("The Seasons", "The Return of the Prodigal Son"). Vuonna 1861 hän sai mitalin Salonissa monumentaalisista sävellyksistä "Sota" ja "Rauha", jotka toivat taiteilijalle mainetta.

Erittäin kiinnostavia ovat kaksi Puvis de Chavannesin Ranskan ja Preussin sodan aikana luomaa maalausta - Ilmapallo (1870) ja Carrier Pigeon (1871). Teokset perustuivat tositapahtumiin: tuolloin kyyhkysiin ja Ilmapallot olivat piiritetyn Pariisin ainoa kommunikointikeino ulkomaailman kanssa. Juonen todellisuudesta huolimatta taiteilija luo selkeästi allegorisia teoksia. Molemmissa maalauksissa keskeisellä paikalla on mustassa mekossa oleva nainen. Maanmiehensä näkivät tässä kuvassa Preussin hyökkääjiä vastustavan Pariisin personifioinnin, jonka symboli oli kotka, joka uhkasi pientä kyyhkystä sävellyksessä "Kantajakyyhkynen".

Symbolinen on myös Louvren maalaus "Toivo", jonka Puvis de Chavannes on kirjoittanut vuonna 1871. Vuotta myöhemmin taiteilija sai valmiiksi teoksen toisen version, joka on nyt tallennettu Walters Galleryssä Baltimoressa. Kanvas kuvaa nuorta tyttöä istumassa kivien päällä. Hänen kädessään on oliivinoksa, rauhan symboli. Maisema tytön takana on tylsä ​​ja synkkä. Sitä ympäröivät rauniot ja hautamonumentit, joiden joukosta siellä täällä murtautuu vaatimattomia kukkia, jotka ilmoittavat kevään lähestymisestä ja uuden elämän heräämisestä.

Taiteilijan maanmiehet tervehtivät tätä sentimentaalista sävellystä kiinnostuneena, ja he näkivät siinä toivoa kotimaansa tulevasta hyvinvoinnista.

Kuten muutkin symbolistiset taiteilijat, Puvis de Chavannes kääntyy kuoleman aiheeseen. Hyvä esimerkki Tämä oli vuonna 1872 kirjoitettu maalaus "Girls and Death" ("Reaper"). Kanvas kuvaa iloisia tyttöjä, jotka poimivat kukkia tai tanssivat. Ja vain yksi heistä on surullinen, ikään kuin hän näkisi väijyvän niitetyssä ruohossa
Viikatemies. Kuvaa läpäisee ajatus maallisen olemassaolon ohimenevyydestä ja onnen hauraudesta.

Tärkeä paikka Puvis de Chavannesin työssä on monumentaalisilla teoksilla. Vuonna 1869 hän kirjoittaa kaksi sävellystä
Longchamp Palace Marseillessa - "Marseille - portti itään" ja "Massilia - kreikkalainen siirtomaa".

1870-luvulla taiteilija luo monumentaalisen kankaan historialliselle tontille Poitiers'n kaupungintalolle ja maalaussarjan Pariisin Pantheonille, jotka edustavat jaksoja St. Genevieven elämästä. Näissä teoksissa Puvis de Chavannes käyttää freskomaalauksen perinteitä Varhainen renessanssi. Nämä mestarin teokset erottuvat muotojen selkeydestä ja värien harmoniasta. Taiteilija yrittää korreloida teostensa sävyä sen seinän väriin, jolle ne asetetaan. Hän myös alistaa näiden paneelien sommittelurakenteen seinän tasolle.

Pyrkiessään välittämään maalauksessaan ympäröivän maailman harmoniaa Puvis de Chavannes kääntyy antiikin taiteen puoleen. Maalausten ihmishahmot ovat staattisia, ikään kuin ne uppoutuisivat omiin ajatuksiinsa ja sulautuvat luonnon kanssa yhdeksi kokonaisuudeksi. Elävä esimerkki tästä on koristekoostumus "Vision of Antiquity. Lomakkeen "(n. 1887-1890) symboli. Taiteilija viittaa ihmiskunnan kulta-aikaan, aikakauteen, jolloin ihmiset elivät sopusoinnussa keskenään sekä ympärillään olevaan eläinten ja kasvien maailmaan. Kulta-aika on hämmästyttävän kaunis järjen, hyvyyden ja oikeuden valtakunta. Siinä ei ole sijaa pahuudelle, julmuudelle, negatiivisille tunteille. Rauhan ja hiljaisuuden tunnetta välittävät kuvassa rauhallisissa ja vaaleissa sävyissä säilyvät värit, majesteettinen maisema, täydelliset ihmishahmot. Antiikin visiossa ei ole toimintaa: hahmot näyttävät liikkumattomilta, he ihailevat luonnon tai unen kauneutta.

Lyonin Taidepalatsille tarkoitettu koristepaneeli "Taiteiden ja muusojen rakastama pyhä lehto" (1884-1889) toteutettiin samalla tavalla. Tämän kappaleen pääidea on erottamaton side tieteet ja taiteet. Kuvan keskeisen paikan ovat maalausta, arkkitehtuuria, kuvanveistoa esittävät allegoriset hahmot. Lähistöllä ovat Muses - Polyhymnia, Clio, Calliope. Ei kaukana heistä, rannalla - Thalia ja Terpsichore, pyörivät tanssissa. Euterpe ja Erato jäätyvät ilmaan. Omiin ajatuksiinsa uppoutuneena Melpomene ja Urania, istumassa järven rannalla. Kaikki kuvassa näyttää olevan jäässä: Pyhässä lehdossa ei ole toimintaa, ei myöskään aikaa. Ei vain muusat ole liikkumattomia, vaan myös niitä ympäröivä luonto. Järven sileä pinta on tyyni, puussa ei liiku yksikään lehti. Kaikki on uppoutunut hiljaisuuteen: taide ja tiede eivät siedä meteliä ja melua. Muusat ja kasvot ja vartalo ovat samanlaisia ​​(luultavasti Puvis de Chavannes maalasi ne samasta mallista).

Muita taiteilijan monumentaalisia sävellyksiä kirjoitettiin samalla tavalla (koristemaalauksia Pariisin kaupungintalolle ja paneelit Bostonin julkiseen kirjastoon).

Tieteiden ja taiteiden liiton teemaa jatkettiin Rouenin museolle tarkoitetussa paneelissa "Taiteen ja luonnon välissä" (1888-1891). Kuvaa luodessaan taiteilija hylkäsi "Pyhälle lehdolle" ominaisen antiikin tyylitelmän. Kanvas kuvaa moderniin vaatteisiin pukeutuneita ihmisiä, jotka harjoittavat maalausta, arkeologisia kaivauksia, keramiikkaa tai yksinkertaisesti ihailevat luontoa, josta katsoja voi tunnistaa todellisen ranskalaisen maiseman - Bosincourt Hillin, josta on kauniit näkymät Seine-joelle.

Puvis de Chavannesin mielenkiintoinen maalaus "Kalastaja köyhä" (1881), joka aiheutti paljon keskustelua taiteilijan aikalaisten keskuudessa. Kuvan sankarit näyttävät irtautuneilta, ikään kuin mikään ei yhdistäisi heitä. Laiha kalastaja on uppoutunut synkkiin ajatuksiinsa, hänen tyttärensä poimii huolimattomasti kukkia rannalta ja pieni lapsi yksinäisenä ja avuttomana makaa rannikon nurmikolla. Suru ja yksinäisyys kumpuavat tylsästä maisemasta: autiosta rannasta ja tasaisesta joenpinnasta. Maisemalla on merkittävä rooli kankaalla - jos kalastajan asento välittää hillitysti hänen tunteitaan, luontokuva paljastaa täysin tunteet ja tuskalliset ajatukset, jotka hallitsevat ihmistä.

Usein Puvis de Chavannesin maalaus näyttää käsittämättömältä ja salaperäiseltä. Tällainen on hänen kuuluisa maalauksensa "Girls by the Sea" (1879). Meren rannalla sijaitsevien tyttöjen kuville on ominaista epäselvyys: katsojat ja taidekriitikot ihmettelevät, ketä taiteilija on kuvannut - hänen aikalaisiaan, uimassa meressä, kauniita Kreikan jumalattaret tai merisireenejä, jotka houkuttelevat yksinkertaisia ​​merimiehiä suloisen kuuloisella laululla. Kevyt, lähes läpinäkyvä
tyttöjen vartalot, niiden ääriviivat, ikään kuin liukenevat maiseman taustaan, saavat kuvan näyttämään horjuvalta ja tärisevältä miragelta.

Vanhan legendan inspiroima maalaus ”Unelma” (1883) on täynnä symboliikkaa. Sävellyksen juoni on seuraava: Varallisuus kultakolikoilla, Kunnia laakeriseppeleellä, Rakkaus ruusun terälehdillä ilmestyi nukkuvalle vaeltajalle. Sankarin on tehtävä valintansa, mutta syvään uneen hän on passiivinen. Joten useimmat symbolistiset taiteilijat ratkaisevat valintaongelman. Unen tila, irtautuminen todellisuudesta heidän maalauksissaan on unelman ruumiillistuma menneisyyden kadotetuista ihanteista.

Puvis de Chavannes kuoli Pariisissa vuonna 1898.

Odilon Redon

Ranskalainen taiteilija, maalari, piirtäjä ja kaivertaja Odilon Redon syntyi vuonna 1840. Hän opiskeli arkkitehtuuria Pariisissa (hän ​​ei suorittanut kurssia loppuun), sitten osallistui kuvanveistokouluun Bordeaux'ssa ja 1860-luvun alussa. opiskeli pariisilaisessa Jeromen työpajassa. Hänen taiteellinen tyyli syntyi Leonardo da Vincin, E. Delacroix'n, F. Goyan taiteen vaikutuksesta.

Tärkeä rooli Redonin luovan menetelmän muodostumisessa oli hänen tuttavuudellaan ammatiltaan kasvitieteilijä Armand Claveau kanssa. Claveau, jolla oli valtava kirjasto, esitteli nuoren taiteilijan H. Flaubertin, C. Baudelairen, E. Poen teoksiin, saksalaisiin filosofisiin järjestelmiin, intialaiseen runouteen ja mikä tärkeintä, hämmästyttävään ja kaunis maailma kasvit.

Vuonna 1863 Redon tapasi kaivertajan Rodolphe Bredenin, joka loi pieniä, miniatyyrimaisia ​​etsauksia, jotka kuvaavat puita, upeita kasveja, eksoottisia kukkia ja ihmishahmoja. Nämä Braedenin mystiikkaa täyttämät teokset kiehtoivat Redonin niin, että hän meni kaivertajan työpajaan ja hallisi kaiverrustekniikan metalliin ja litografiaan opettajansa ohjauksessa.

Näinä vuosina Redon kirjoittaa hiilellä ja harjoittaa mustavalkoista litografiaa. 1870-luvulla hän vieraili Hollannissa, jossa hän opiskeli suuren Rembrandtin työtä. Palattuaan Ranskaan vuonna 1878 hän esiintyy kypsänä mestarina, jolla on oma ainutlaatuinen taiteellinen tyylinsä.

1880-luvulla Redon luo useita litografisia albumeita (Unessa, 1879; Poe, 1882; Origins, 1883; In Memories of Goya, 1885; Night, 1886; Gustave Flaubert, 1889; Flowers of Evil, 1890; "Dreams", 1891). Taiteilija ei pyri välittämään todellisuutta, joten hän ei juuri käytä värejä, hänen pääilmaisukeinonsa ovat viiva, valo ja varjo.

Redonin työn täyttävät hahmot ovat tunnusomaisia ​​symbolistien taiteelle: luurangot, pelottavia demoneita, langenneita enkeleitä ja hurmaavia naisia. Yhdessä heidän kanssaan taiteilijan teoksissa elää hänen mielikuvituksestaan ​​syntyneitä outoja kuvia. Tämä on hämmästyttävä kasvi, jolla on ihmisen pää tai silmä, pelaaja, jonka harteilla on valtava noppaa- tuhoisan intohimon, aavemaisen vaalean haamujen, hirviömäisten eläinten ja kukkien symboli ("Swamp Flower"). Yleisimmät symbolit Redonin teoksissa ovat valo, silmä, ihmisen pää sielun ruumiillistumana, kasvi on elämän merkki ("Valon profiili", 1881-1886; "Silmä unikonkukana", 1892 ).

Hyvin usein outo fantasia Redonin teoksissa kietoutuu todellisuuteen (litografia "Smiling Spider", 1881). Monet kuvat näyttävät yllättävän eläviltä oudosta tai pelottavasta ulkonäöstään huolimatta.

Piirustuksiaan ja litografioita tehdessään Redon kääntyi usein raamatullisiin ja mytologisiin aiheisiin, mikä
voidaan yhdistää yhdeksi teokseksi. Esimerkiksi luodessaan piirustuksen ”Marttyyrin pää” (n. 1894) taiteilija käytti myyttiä Orfeuksen kuolemasta ja evankeliumiaihe Johannes Kastajasta.

Profeetan leikattu pää tässä työssä on ihmissielun kuolemattomuuden ja uhrauksen symboli.

Elävä esimerkki eri motiivien yhdistämisestä oli muinaisten legendojen ja Edgar Allan Poen runon inspiroima piirros "Korppi" (1882). Litografiassa "Scribe" (1892) kaivertaja Bradenin kuva muistuttaa tohtori Faustia.

Hyvin usein Redon korvasi litografioidensa otsikot lyhyillä kuvateksteillä, jotka eivät aina selittäneet, mitä taiteilija halusi näyttää. Nämä oudot kuvatekstit: "Varjon siiven alla musta olento puri salaisen pureman", "Muuri aukeaa ja kallo ilmestyy", "Silmä kuin outo pallo nousee äärettömyyteen" saavat katsojan purkamaan syntyneen mysteerin. kirjailijan hienostuneesta mielikuvituksesta äärettömän pitkään.

Kuva maailman pahuudesta vallitsee Redonin teoksissa, mutta samalla monissa hänen graafisissa teoksissaan, jotka on toteutettu v. myöhään XIX c., siellä on kirkkaita hahmoja nuorista naisista, lapsista, vanhoista ihmisistä. Niissä on myös Wagnerin kauniista musiikista inspiroituja kuvia. Taiteilija välittää niiden henkisyyden ja puhtauden hienostuneiden ja sirojen linjojen, kirkkaiden valovirtojen avulla.

Redonin työ ei menestynyt hänen aikalaistensa kanssa pitkään aikaan. Hänen näyttelynsä vuosina 1881 ja 1882. läpäissyt
huomaamatta. Kunnia taiteilijalle tuli vasta vuonna 1886 järjestetyn näyttelyn jälkeen.
kahdenkymmenen omaisuutta”, yhdistys, johon kuuluivat Redonin lisäksi kuuluisat mestarit kuten W. Van Gogh, P. Gauguin, J. Seurat, J. Ensor, J. Whistler, J. Toorop, L. Anqueten.

Mustavalkografiikan tekniikassa, valmistettu 1900-luvun alussa. muotokuvia Redonin ystävistä - taiteilijoista P. Serusier, P. Bonnard, E. Vuillard, M. Denis. Tänä aikana Redon alkaa maalata pastelliväreillä ja öljyillä. Hän maalaa luostarien ja kartanoiden seinät, tekee pahvia kuvakudoksiin. Vaikka maailman pahuuden motiivit ovat edelleen suurella paikalla hänen työssään, monissa maalauksissa esiintyy kuvia, jotka eivät ole hänelle ominaisia. varhaisia ​​töitä: Buddha uppoutunut itsetutkimiseen, kärsivä Jeesus Kristus, kuollut Orpheus ja meren vaahdosta syntynyt Venus.

Redonin maalauksessa on ihmisen irtautuminen häntä ympäröivästä todellisuudesta, mikä on ominaista useimpien symbolistien töille. Maalauksessa "Suljetut silmät" (1890) nuori nainen on uppoutunut omiin ajatuksiinsa kuin veteen. Pehmeä värimaailma tuo Redonin työn lähemmäksi hänen grafiikkaa.

Sama irtautuminen elämästä on läsnä mestarin pastelliteoksessa "Meditaatio" (1893). Taiteilija kuvasi jotain ajattelevaa miestä haalistun harmaan, aution maan taustalla. Kirkkaan sininen taivas hänen päänsä yläpuolella symboloi sankarin ajatusten syvyyttä ja intensiivisyyttä.

Maalauksen "Buddha" (n. 1905) hahmo on aivan yhtä hiljainen ja kaukana kaikesta maallisesta. Vieraantumisen tunne nirvanaan upotetun Buddhan todellisuudesta vahvistaa miragemaista aavemaisemaa.

Vuosina 1895-1899. aineelliset ongelmat Redonin elämässä sekä pitkittynyt sairaus johtivat luovaan kriisiin. Yrittäessään löytää ulospääsyä hän kääntyy uskonnollisiin aiheisiin. Litografioiden sykli "Kiusaus" juontaa juurensa tähän aikaan, jossa Kristuksen kuva on valon ja hyvyyden persoonallisuus. Tämä taistelu pahaa vastaan ​​on läsnä pastellissa "Pyhän sydämen Kristus" (n. 1895). Kristuksen figuuria ympäröi kirkas kultainen hehku, joka erottuu taustan mustat värit.

Mielenkiintoisia Redonin maisemia punaisella veneellä. Vene, laiva kristityille on ihmissielun symboli. Ensimmäisissä tämän teeman teoksissaan taiteilija keskittyy veneessä istuviin ihmisiin. Tulevaisuudessa ihmishahmot pienenevät - nyt taiteilija keskittyy kaiken huomionsa veneeseen ja mereen ("Red Boat", 1900). Merielementin kuva, joka houkutteli monia romanttisia taiteilijoita, on täynnä symbolista merkitystä Redonin toimesta. Valtavat aallot, uhkaavat pientä venettä, ukkosmyrskyä kantavat tummat pilvet - tämä on itse elämä, täynnä vaikeuksia ja vaaroja.

Redonin maalauksessa 1900-1910-luvuilla. Kukkien ja kirkkaiden, vaihtelevien kukkakimppujen joukossa vallitsevat naisen kuvat. Näissä maalauksissa taiteilija antaa fantastisia piirteitä todelliseen maailmaan, ja hienovarainen väritaju auttaa häntä tässä. Valikoima sointuvia, juhlavia sävyjä, kankaita, joissa on naisten kuvia ("Nainen kukkien keskellä", 1909-1910; "Unelma", n. 1912; "Naisen profiili ikkunassa"), eksoottisia kukkia, hienoja kuoria ja kirkkaat perhoset ("Sink", 1912; "Red Sphinx", 1910-1912; "Red Sphere", 1910, yksityinen kokoelma).

Monissa Redonin maalauksissa esiintyy samoja fantastisia kuvia, jotka olivat hänen grafiikoissaan ("Green Death", 1905-1910; "Man with a Snake", n. 1907).

Taiteilija muuttaa myytin Kyklooppeista ja Galateasta värikkääksi, fantastiseksi kuvaksi: yksisilmäinen hirviö näyttää valtavalta taivaansinistä taivasta vasten, ja nymfin pieni hahmo hukkuu maiseman kirkkaaseen koristeeseen (Kyklooppi, 1898) .

Valolla on tärkeä rooli Redonin maalauksessa. Se täyttää värit, jotka hohtavat ja leikkivät helmiä. Esineiden värit ovat kaukana luonnon luonnollisista väreistä, väri on taiteilijalle sama symboli kuin hänen mustavalkografiikkansa kuvat.

M. Denisin ja P. Serusierin esimerkkiä seuraten 1890-luvulla. Redon alkaa harjoitella sovellettu taide. Tähän mennessä hänen luomansa paneelit Domseyn linnaan Burgundiassa, mattopahvi ja koristeseinäkkeet kuuluvat.

Redon kuoli vuonna 1916. Hänen taiteensa, joka oli täynnä mystisiä kuvia ja outoja fantasioita, vaikutti suuresti surrealistisiin taiteilijoihin.

Runollisia unia, synkkiä ja tuskallisia näkyjä, kauheita naamioita, kauheita luurankoja symbolistien maalauksessa 1900-luvulla. herätti surrealistien huomion, jotka jatkoivat luova haku heidän edeltäjänsä.

XIX vuosisadan lopussa. eri taiteellisia suuntauksia voivat sekoittaa ja olla vuorovaikutuksessa keskenään. Postimpressionistit ja symbolistit ottivat usein ilmaisukeinoja jugendtyylisistä teoksistaan. Jotkut mysteerit tulevat symbolismista monien postimpressionismin edustajien maalauksessa.

Alun perin antiikin kreikkalainen sana "symboli" tarkoitti kolikkoa, joka on jaettu kahteen osaan.

Kaksi ihmistä, joilla oli puolet tästä kolikosta, saattoi tunnistaa toisensa tapaaessaan lisäämällä molemmat osat yhteen. Siitä huolimatta tavallisesta tunnistemerkistä peräisin olevasta symbolista on ajan mittaan tullut yksi monimutkaisimmista syistä ja tilavimmista filosofian ja taiteen maailmankulttuurin käsitteistä. Maalauksen symbolismin teemaa ei voi sisältyä tiettyyn suuntaan, tapaan, kouluun, tyyliin ....

Symbolismi kuvataiteen suuntauksena kehittyi samaan aikaan kuin symbolismi 1800-luvun 60-70-luvun kirjallisuudessa, "fin de sieclen" aikakaudella, jota sen kulturologi Max Nordau kutsuu tai dekadenssiksi. Symbolismin ominaispiirteet havaitaan kuitenkin paljon aikaisemmin: koko keskiajan maalaukselle ja ikonografialle oli ominaista syvä symbolinen luonne.

1700-luvun romanttinen estetiikka ilmaisi valtavan vaikutuksen symbolismin syntymiseen. XIX vuosisadalla, joka perustuu Saksan klassiseen filosofiaan ja erityisesti I. Kantin idealismiin. Hän väitti, että vain ilmiöt ovat mielemme hyväksyttäviä, toisin sanoen vain se, miten tämä esine esitetään aistiemme havainnoissa. Suoraan, aiheen luonne on käsittämätön. Tässä pimeydessä vaeltava ihmismieli tulee symbolin apuun. Se on tarkoitettu ilmaisemaan ilmiöiden ymmärrettävää merkitystä, ja se syntyy taiteilijan näkemyksestä.

Symbolistiset taiteilijat

Kehitys.

Rakkaus, kuolema, kärsimys - ns ikuisia teemoja, kuvataiteen symbolismin pääaiheet.

Esimerkiksi Tom Hansin teoksissa hänen kuvituksessaan Wagnerin "Nibelungien renkaaseen" toteutui juuri saksalaisen antiikin henki. Pohdiskelemme Hagenia tai Brynhildia sarvikypärissä, haarniskan ja lentävien punosten kanssa, Siegfriedin keihään lävistämänä... Kaikki täällä on eeppistä, horjumatonta, ikuista, kuten itse suuri Nibelungen, jota Heine kutsui "goottilaisten katedraalien kohtaamispaikaksi" syy, mutta tämän ohella on myös jonkinlaista hajoamista, pretenteettisyys, tyylitelty - niin tyypillisiä ovat symbolismille piirteet.

Elävästi kuvattu halu symbolismiin on havaittavissa 1880-luvun lopulla kuuluisan impressionisti P. Gauguinin ja hänen "Pont-Aven" -koulunsa kankaissa: (E. Bernard, L. Anquetin ym.). Nyt Pont-Avens kutsui taiteilijan koolle pitäytymään "ajatusten salaperäisissä syvyyksissä". Tarvittavat symbolit yritettiin ilmentää plastisen muodon luonteeseen tukeutuen ns. syntetismin kuvajärjestelmään, joka yksinkertaistaa ja yleistää muotoja ja viivoja, joka myös sijoitti rytmisesti suuria väritasoja, turvautuen selkeään ääriviivaan. , joka myöhemmin alkaa kuvata symbolismin olennaisia ​​piirteitä Venäjällä.

Moderni.

Symbolismi maalauksessa 1890-luvulla sai luotettavan vahvistuksen jugendtyylin estetiikassa. Symbolismin suuntauksena Art Nouveaun kehittivät: Nabis-ryhmä, jota johtivat P. Serusier ja M. Denis (Ranska), F. Holder ja G. Klimt (Itävalta), F. von Stuck, M. Klinger (Saksa) , A. Mucha Tšekin tasavallassa, F. Knopf ja J. Minnetin johtama Latem-koulu Belgiassa.

Pääominaisuus Art nouveau- tämä on sen erottamattomuus koristeista.

Moerne-kuvioiden samat tuskallisesti katkenneet käyrät ilmenevät niiden kiemurtelevissa hiuksissa ja kankaiden hahmojen vaatteiden poimujen luonteessa. Tämä genren kohtaus kuten - ikään kuin kirjoitettuna koristeeseen ja pidentää ja täydentää sitä. Usein kolmiulotteisesti piirretyn kuvan litistyvän mustan viivan ansiosta saavutetaan kuvan yhtenäisyyden vaikutus koristeen kanssa.

Yksi suurimmista taiteen suuntauksista 1800- ja 1900-luvun vaihteessa, joka syntyi Ranskasta ja levisi myöhemmin kaikkialle maailmaan, on symbolismi (käännetty kreikasta symbolon - symboli, merkki). Tämä suunta ilmestyi Ranskassa 1800-luvun 70-80-luvuilla ja saavutti korkeimman kehityksen huipun kotimaassaan sekä Belgiassa, Venäjällä, Saksassa, Norjassa ja Amerikassa 1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa. Symbolismista tuli yksi tuon ajan taiteen yleisimmistä ja hedelmällisimmistä suuntauksista, sen elementit havaitaan lähes koko ihmissivilisaation kehityksen ajan (keskiaikainen maalaus ja goottilaiset freskot ovat täynnä kristillisen symbolismin henkeä, monet symbolismin elementit on vangittu romantiikan aikakaudella kirjoittaneiden taiteilijoiden maalaukset).

Vuosisadan vaihteessa syntynyt symbolismi toimi taiteen uutena suuntauksena realismin ja impressionismin vastakohtana, se osoitti protestinsa ja kielteisen asenteensa porvarillisen moraalin ja arvojen kehittymistä vastaan, ilmaisi kaipauksen ja halun saada henkistä vapautta, tunsi hienovaraisesti tulevia muutoksia ja ennusti tulevaisuuden väistämättömiä sosiaalisia ja historiallisia mullistuksia sekä jokaiselle yksilölle että koko yhteiskunnalle.

Termiä "symbolismi" käytettiin ensimmäisen kerran ranskalaisen runoilijan Jean Moréasin artikkelissa "Le Symbolisme", joka julkaistiin Le Figaro -sanomalehdessä vuonna 1886. Tämä manifesti julisti uuden suunnan perusperiaatteet ja vahvisti symbolin ensisijaisuuden tärkeimpänä tapana ilmaista runoilijan tai taiteilijan hienovaraista mielentilaa. Symbolismin kannattajat etsivät maallisen olemassaolon merkitystä tunteissaan, unissaan, tietoisuuden syvyyksissä ja fantastisissa visioissaan, joissa realistit yrittivät kuvata ympäröivää maailmaa kaunistamatta, symbolistit pettyneinä heitä pelottavaan todellisuuteen. , peitti kaiken mysteerin ja mystiikan verhoon, käytti kuvia ja symboleja .

Symbolismi maalauksessa

(Gustav Klimt "Suudelma")

Ensinnäkin tämä suunta on yleistynyt kirjallisuudessa, filosofiassa ja teatteritaidetta, ja vasta sitten kuvataiteessa ja musiikissa. Hänen päätavoite symbolistit pitivät absoluuttisten totuuksien ilmaisua ja näyttöä oikea elämä käyttämällä metaforisia kuvia ja allegorioita, joilla on symbolinen merkitys. Tämän tyylin tärkeimmät ominaispiirteet voidaan kutsua: innovatiiviset pyrkimykset kokeiluun, mystiikka, mysteeri, vihjailu ja verho.

(Odilon Redon "Nuori Buddha")

Lopun symbolistiset taiteilijat XIX alku 1900-luvun romanttisen aikakauden runoudesta ja kirjallisuudesta, erilaisista legendoista, tarinoista, mytologiasta ja raamatun tarinoita, loivat kankaansa täynnä hahmoja ja esineitä, joilla on syvä myyttinen, mystinen ja esoteerinen merkitys. Tämän suunnan taiteilijoiden suosituimpia aiheita olivat uskonto ja okkultismi, erilaisten tunteiden ja tunteiden siirtäminen, rakkaus, kuolema, sairaudet ja erilaiset inhimilliset paheet. Symbolistisille maalauksille on ensisijaisesti ominaista syvä filosofista järkeä ja pyrkiä välittämään ei todellista kuvaa, vaan näyttämään tekijän tunteita ja tunteita, kokemuksia ja tunnelmia. Tämän tyylisistä kuvista tulee tunnistettavia ja erityisen ainutlaatuisia ei erityisten muotojen ja värien käytön, vaan sisällön vuoksi, syvä merkitys vangittu heihin.

(Jan Matejko "Stanchik")

Symbolistien kankaille kuvattujen hahmojen kasvoilla ei tapahdu melkein koskaan positiivisia tunteita, joka johtuu tämän opin vaatimuksista, välittää ihmisille ajatus heidän ympärillään olevan maailman epätäydellisyydestä. Tausta kankaat ovat yleensä sumeita ja kuvattu rauhallisessa univormussa väriskeema, etualalla oleva kuva on hyvin yleistetty ja yksinkertainen, pienimpien elementtien ääriviivat näkyvät selvästi. Juoni maalaukset ovat täynnä mysteeriä ja mystiikkaa, jokaisella yksityiskohdalla on oma erityinen symbolinen merkitys, joka vaatii harkittua pohdintaa ja tutkimista. Tällainen kangas lähettää sitä harkitsevan ihmisen ajatukset pitkälle matkalle mielensä syvyyksien läpi, vaatii tiettyä näkemystä ja luottamusta omia tunteita ja tunteita.

Tunnettuja symbolistisia taiteilijoita

(Gustave Moreau "Phaeton")

Ranskalaiset kuvataiteen symbolismin kannattajat erottuvat halusta dekadenssiin ja syntetismiin, jotka edustivat symbolismin ja kloisonnismin sekoitusta ja yhdistämistä (moniväriset hahmot ja tasot, joita ääriviivat leveät ääriviivat). Gustave Moreau (Salome tanssimassa Herodeksen, Oidipuksen ja Sfinksin edessä, Nuoruus ja kuolema, Syksy), Paul Gauguin (Näky saarnan jälkeen tai Jaakobin kamppailu enkelin kanssa), Odilon Redon (sarja litografioita "In the world of the world" unelmat", "Apokalypsi Pyhän Johanneksen", "Edgar Allan Poelle", "Yö", "Kyklooppi", Emile Bernard ("Rose Street Port Avenissa", "Espanjalainen katumuusikko ja hänen perheensä"), Puvis de Chavannes ("Dream", "Death of St. Sebastian", "Saint Camilla", "Reflection", "Juliet").

(Edvard Munch "Melankolia")

Yksi kirkkaimmat edustajat Norjalaista symboliikkaa kuvataiteessa pidetään taiteilijana ja graafikkona Edvard Munchina, hänen vaikeaa kohtaloaan heijastavat maalauksensa ovat täynnä pelon, yksinäisyyden ja kuoleman motiiveja. kuuluisia maalauksia"Scream", "Parting", "Melankolia".

(Xavier Mellery "Tunnit. (Ikuisuus ja kuolema)")

Erinomaiset belgialaiset symbolistitaiteilijat - Xavier Mellery ("Kello, eli ikuisuus ja kuolema", "tanssi", "kuolemattomuus"), James Ensor ("Christ Walking on the Sea", "Skeleton and Pierrot", "Intrigue", "Terrible" Muusikot "" "Kuolema lyö ihmisparven"), Jean Delville - ("God-Man", "Love of Souls"), Englannissa - niin kutsuttu prerafaeliittiveljeskunta William Hunt ("Maailman valo", "Kuoleman varjo", "Vapahtajan löytäminen temppelistä"), Dante Rossetti ("Annunciation", "Lucretia Borgia", "Proserpina"), John Millet ("Ophelia", "Cimone ja Iphigenia").

(Mikhail Vrubel "Istuva demoni")

Venäjällä nämä ovat Mihail Vrubel ("Istuva demoni", "Helmi"), Mihail Nesterov ("Näky nuorelle Bartolomeukselle", "Erakko"), Svjatoslav Roerich ("Jaakob ja enkeli", "Ristiinnaulittu ihmiskunta", "Ikuinen elämä", "Ikuinen kutsu", "Feat", Nikolai Gushchin, Konstantin Somov ("Lady at the Pond", "Ljudmila puutarhassa Chernomorissa", "Lady in Blue", " Sininen lintu).

Symbolismi arkkitehtuurissa

(Symbolinen merkitys näkyy Pyhän Iisakin katedraalin pohjalla)

Minkä tahansa ytimessä arkkitehtoninen rakenne valehtelee se symbolinen merkitys, jonka sen tekijät ovat panostaneet siihen. Monien rakennusten ja rakenteiden mittasuhteet (kreikkalaiset ja roomalaiset temppelit, goottilaiset katedraalit, babylonialaiset sikguratit, Egyptin pyramidit) määrittävät muotojensa symboliset merkitykset. Nämä uskonnolliset rakennukset toimivat mallien maaprojekteina ulkoavaruus: pylväiden tai pylväiden päällä lepäävä laaja ilmatila, joka yhdistää maan pinnan "primääriveteen". Arkkitehtuurissa tärkeimmät symbolit ovat ympyrä, joka symboloi äärettömyyttä, taivas, liike tai ylösnousemus, aurinko (kupolien valtavat rummut ovat ympyrän muotoisia Kölnin Suuressa Pyhän Martin katedraalissa, Iisakin katedraali Pietari), kolmio on symboli maasta ja sen vuorovaikutuksesta taivaan kanssa, neliö symboloi staattisen ja täydellisyyden periaatetta.

Myös erikoista symbolinen merkitys omistavat erilaisia ​​rakennusten julkisivuissa kuvattuja eläimiä ja lintuja (leijonat, härät, yksisarviset, kaksipäiset kotkat). Tätä ilmiötä kutsutaan zoomorfismiksi: kuva pyhistä eläimistä jumalallisten olentojen maallisena inkarnaationa, jokaisella eläimellä on oma mytologinen ja symbolinen merkitys.

Luettelo käytetystä kirjallisuudesta

Johtopäätös

Kaiken kaikkiaan 1800-luku oli venäläisen kulttuurin suuren nousun aikaa. se liittyy läheisesti muutoksiin talouden ja poliittinen elämä maat.

Orjuuden kaatuminen merkitsi uuden, kapitalistisen ajanjakson alkua Venäjän historiassa. Kapitalismi toi merkittäviä muutoksia yhteiskunnan elämään: se muutti talousjärjestelmää, muutti väestön sosiaalista ja hengellistä kuvaa, sen elämäntapaa, elinoloja ja myötävaikutti kulttuuristen tarpeiden kasvuun. Kulttuuri on tärkein järjestelmä julkinen elämä, kertynyt aikakauden ideoita.

Uudistuksen jälkeisellä aikakaudella Venäjällä syntyi merkittäviä kirjallisuus- ja taideteoksia, jotka ottivat oikeutetun paikkansa maailman kulttuurin aarrekammiossa. Venäjän vahvuus kansallista kulttuuria oli taiteellisissa ansioissaan, kansalaisuudessaan, korkeassa moraalissaan ja demokraattisessa suuntautumisessaan.

Valtava sosiaalinen kattavuus, hyökkäävä, syyttävä henki, vetoaminen ajankohtaisiin ongelmiin - tämä määritti uudistuksen jälkeisen kirjallisuuden. Venäläinen kirjallisuus erottui paitsi kriittisestä asenteestaan ​​todellisuuteen, se paljasti pahuuden, etsi tapoja torjua tätä pahaa ja suoritti yhteiskunnallisesti muuttavan tehtävän. Ideologinen täydellisyys, syvä tunkeutuminen elämän ilmiöihin, epäoikeudenmukaisuuden torjuminen, taiteellisen ilmaisun rikkaus kirjallisia teoksia määritti kirjallisuuden johtavan roolin muiden taiteen muotojen kehityksessä.

Progressiivinen sosiaalinen ajattelu asetti maalaukselle uusia tehtäviä. 1960-luku muodostaa tietyn sisäisen vaiheen venäläisen kuvataiteen historiassa, jossa yhteiskunnallinen genren hallitsee. Näiden vuosien ideologinen ja taiteellinen liike tasoitti tietä "Matkavien taidenäyttelyiden yhdistyksen" (1871) syntymiselle. Ajatus sen järjestämisestä syntyi vuonna 1865, kun Kramskoyn aloitteesta järjestettiin näyttely. maalauksista "Artels of Artists" esiteltiin Nižni Novgorodissa, mikä oli menestys. Vaeltaminen on 1800-luvun toisen puoliskon kansallisen taiteen johtava suuntaus, ideologisesti vastustaen akatemismia. Vallankumouksellisen demokraattisen estetiikan määräykset määrittelivät Wanderersin työn ohjelmallisuuden: kansalaisuus, tietoisuus aikansa sosiaalisista ja psykologisista ongelmista, kiinnostus nykyajan ulkonäköön. Vaeltajien virta käsitti yksinomaan Venäjän. 1800-luvun lopulla syntyi kumppanuus, joka käsitteli kiertäviä näyttelyitä maalaukset. Sen loivat maan realistisen suuntauksen johtavat edustajat. Yhdistyksen perustamisen myötä artelliin kuuluneet eivät myöskään jääneet liittymään Vaeltajien joukkoon. Heidän päätavoitteensa oli estetisoida väestö ja tutustua taiteeseen laajasti. He sisälsivät eniten kuuluisia taiteilijoita Venäjä - Shishkin, Vasnetsov, Repin, Surikov, Levitan, Savrasov ja monet muut. Muotokuvamaalauksen aihe muuttuu monipuoliseksi.

Venäläiset taiteilijat ovat saavuttaneet taitotason, joka asettaa heidän teoksensa eurooppalaisen taiteen parhaiden esimerkkien tasolle.

1800-1900-luvun vaihteessa tapahtuneen kulttuurivallankumouksen seurauksena Euroopan ja Venäjän henkiseen elämään ilmestyi suuntauksia, jotka liittyivät 1900-luvun ihmisen maailmankuvaan. He vaativat uutta ymmärrystä sosiaalisista ja moraalisia ongelmia. Kaikki tämä johti uusien visuaalisten menetelmien ja keinojen etsimiseen. Venäjällä on kehittynyt erikoinen historiallinen ja taiteellinen ajanjakso, jota hänen aikalaisensa kutsui venäläisen kulttuurin "hopeakaudeksi".

Niinpä 1800-luvun toisella puoliskolla Venäjällä syntyi merkittäviä kirjallisuuden ja taiteen teoksia, jotka ottivat oikeutetun paikkansa maailman kulttuurin aarrekammiossa.

1. Alenova O. A. Karl Bryullov. - M., 2000. - 376s.

1. Aleshina L.S., Rakova M.M., Gorina T.P. venäläistä taidetta XIX -n.XX vuosisadalla. - M.: Nauka, 1992. - 503s.

2. Anoshkina V.N., Petrov S.M. Venäjän historia kirjallisuus XIX vuosisadalla. - M.: Enlightenment, 1999. - 445s.

3. Berezovaya L.G., Berlyakova N.P. Venäjän kulttuurin historia. Osa 2. - M.: Vlados, 2009. - 398s.

4. Hollerbach E. Muotokuvamaalaus Venäjällä 1800-luvulla. - M., 1993. - 238s.

5. Gomberg-Verzhbinskaya E.N. Vaeltajat. - L .: Taide, 1990. - 231s.

6. Evangulova O.S. Kareev A.A. Muotokuvamaalaus Venäjällä 1800-luvulla - M., 1994. - 180-luvut.

7. Ilyina T.V. Taidehistoria. Kotimaista taidetta. -M.: valmistua koulusta,2009. - 368s.

8. Venäjän historia taide. - M.: Taide, 1980. - 551s.

9. Venäläisen maalauksen historia 3 osassa, osa III. - M.: Nauka, 1994. - 900-luku.

10. Lyhyt essee venäläisen kulttuurin historiasta. - L .: Nauka, 1997. - 651 s.

11. Miljukov P.N. Esseitä venäläisen kulttuurin historiasta 3 osassa, osa II. - M.: Edistys - Kulttuuri, 1994. - 528s.

12. Moleva N.M. Erinomaisia ​​venäläisiä taiteilijoita-opettajia. - M., 2007. - 380s.

13. Esseitä venäläisen kulttuurin historiasta 1800-luvun jälkipuoliskolla, toim. N.M. Volynkin. M.: Enlightenment, 1996. - 490-luku.

14. Pikulev I.I. Venäjän kuvataide. - M., 1997. - 264s.

1. Neuvostoliitto tietosanakirja. Kokoonpano: A. M. Prokhorov, - M. S. Gilyarov, E. M. Zhukov. - M., 1980. - 420s.

Berezovaya, L.G. Venäjän kulttuurin historia. - M. : Vlados, 2009. - S. 55.

Venäjän historia ja Neuvostoliiton taidetta. - M.: Higher School, 2008. - P.42.

Stasov V.V. Taide / V.V. Stasov // Valitut teokset. T.3. - M.: Taide, 1992. - P.56.

Venäjän ja Neuvostoliiton taiteen historia. - M.: Korkeakoulu, 1999. - P.38.

Stasov V.V. 1800-luvun taide / V.V. Stasov // Valitut teokset. T.3. - M.: Taide, 1992. - P.34.

Suuret venäläiset ihmiset: Kokoelma. - M.: Nuori vartija, 1994. - P.44.

Stasov V.V. Maalausmme / V.V. Stasov // Valitut teokset. T.2. - M.-L. : Taide, 1997. - P.34.

Stasov V.V. Maalausmme / V.V. Stasov // Valitut teokset. T.2. - M.-L. : Taide, 1997. - P.63.

Gomberg-Verzhbinskaya E.N. Vaeltajat. - L .: Taide, 1990. - s. 93.

Lyhyt essee venäläisen kulttuurin historiasta. - L .: Nauka, 1997. - P.57-58.

Aleshina L.S., Rakova M.M., Gorina T.P. Venäjän taidetta 1800-2000-luvuilla. - M.: Nauka, 1992. - P.70.

Miljukov P.N. Esseitä venäläisen kulttuurin historiasta 3 osassa Vol. 2, osa 2. - M.: Kustannusryhmä "Progress-Culture", 1994. - S.126.

Neuvostoliiton tietosanakirja. Kokoonpano: A.M. Porokhov, M.S. Gilyarov, E.M. Zhukov. M., 1990.

Alenova O.A. Karl Bryullov. - M, 2000. - P.79

"Taiteen maailma" -(1898-1910, 1910-1924): A. Benois, E. Lansere, K. Somov, Dobuzhinsky, A. Ostroumova-Lebedeva, L. Bakst, A. Golovin, I. Bilibin, N. Roerich.

Ne sijaitsevat symbolismin ja nykyaikaisuuden risteyksessä. 1904 - lasku. Toinen aalto liittyy muihin nimiin.

Z. Serebryakova, K. Bogojevski, A. Jakovlev, V. Shukhaev; grafiikat: S. Chekhonin, D. Mitrokhin, G. Narbut.

MI. – taiteilijoiden luova yhdistys; aikakauslehti, joka oli olemassa 6 vuotta (1899-1904); samannimistä näyttelyä Pietarissa.

Universalismi:

• taiteilijat kokeilivat itseään eri genreissä ja taidetyypeissä;
• 2 suurta synteesiä - synteettinen kirja (kirjasuunnittelu ja grafiikka) ja teatterisynteesi (osallistu skenografiaan).

Kustodiev B. Taiteilijoiden ryhmäkuva "World of Art" 1916-1920.

1899 - ensimmäinen aikakauslehti suojelijoiden S. Mamontovin ja kreivitär Tinishchevan avustuksella. Taiteen laitoksen lisäksi toimi taidekronikan, taiteen ja runouden osasto. Yleisiä teoreettisia ongelmia käsiteltiin.

1. Taiteellisen uudistuksen julistaminen. Akateemisuutta ja myöhäisiä vaeltajia vastaan. Perovin ja Repinin kritiikki. Muodon kokeilemiseen.
2. Iskulause vapaata taidetta. Kirjallisuutta ja taipumuksia vastaan. Ajatus taiteesta taiteeseen. Globaali pan-estetismi. Harmoniaa, kauneutta, täydellisyyttä. Lähestyi symbolismin poetiikkaa
3. Symbolismin poetiikkaa. Käytä metaforaa, kaikki kieli on metaforista. Naamion motiivi, mummit, naamiaisen teema. Vetoa mytologisoituun juonen.

D. Syrobyanov: "maailman kaksoismuutos" - taiteellista ilmaisua piirtää sisään tiettyä materiaalia taide itse, mielikuvituksen, fantasiamaailma, ei todellinen maailma; juonen teatralisointi (juhlat, kansankokoukset, kulkueet, opintomatkat, metsästys jne.).

S. Makovsky: "retrospektiiviset unelmoijat" - paluu 2 aikakauteen, "menneisyyden kaiku", menneisyyden kanonisointi; 1700-luku - 1800-luvun ensimmäinen puolisko (suuntautuminen kansallisiin perinteisiin taiteellista kulttuuria); Länsi-Euroopan kylmä 1800-20-luvuilla

Tyylin eklektiikkaa.

A. Benois.

(Versailles-sarja)

Walks of the King, 1906 (sekoitettu media)

Paraati Paavalin 1 johdolla, 1907

Kuvituksia A. Pushkinin runoon " Pronssi ratsastaja»

italialainen komedia(Teatro del Arte -teema)