Muutokset arjessa ja niiden vaikutukset taiteeseen ja käsityöhön. Koristeen ja sisustuksen ominaisuudet taiteellisia tyylejä barokki, rokokoo, klassismi.

Hopea- ja kultaliiketoiminta: Pietarin koulu, Moskovan käsityöläiset ja manufaktuurit, Veliky Ustyugin musta hopea. Uudentyyppiset jalo- ja ei-rautametalliset astiat: teekannut, kahvipannut, bouillottet, samovaarit. taloustavarat ja kirkkovälineet. Valtion kuninkaalliset. Kunniamerkit ja mitalit. emalit. Emalitaiteilijat A.G. Ovsov, G.S. Musikisky.

Venäjän posliinin syntyminen. D.I. Vinogradov. Keisarilliset ja yksityiset posliinitehtaat. Majolika, fajanssi. Taide lasi. Koristekankaat ja kuvakudokset. Uutta vaatteissa. Kaappi- ja kirjoitusasustuskalusteet. Marquetry. Puuveistot siviili- ja kirkkosisustuksessa. Miehistöt. Koristeellinen rock. Cameos.

Taiteellisia kansankäsitöitä. Kaiverretut ja upotekoristeiset Gorodets-donetit. Luunveisto Kholmogor. Tverin provinssin kultakirjonta. Galichin ja Vologdan pitsiä. Gzhel keramiikka.

Musiikki ja teatteri 1700-luvulla

Moniääninen kuorolaulu. Kants. Instrumentaalimusiikki ja orkesterit. Oopperataide. Baletti. Musiikkia pihalla, kaupungissa ja talonpojan elämää. Kansallisen säveltäjäkoulun synty. E.I. Fomin. I.E.Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S. Berezovski. A. O. Kozlovsky.

Pietari Suuren johdolla yritetään perustaa julkinen julkinen teatteri. Amatööriesityksiä kentällä. Kouluteatterit hengellisessä ja maallisuudessa koulutusinstituutiot. Ulkomaisten näyttelijöiden ammattiryhmät.

Venäläisen klassismin dramaturgia: tragediat ja komediat. Sentimentaalismin vaikutus teatterin ohjelmistoon. Draaman ja koomisen oopperan esiintyminen Venäjän näyttämöllä. A.P. Sumarokov - näytelmäkirjailija ja teatterihahmo. Venäläisen ammattiteatterin perustaja, näyttelijä ja ohjaaja F. G. Volkov. Hänen ystävänsä ja seuraajansa I.A. Dmitrevsky. Joukkoteatteriesityksiä.

Linnoituksen teatteri. Kreivi P.B. Sheremetevin ryhmä. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova ja muut taiteilijat. Palace-teatteri Ostankinossa. Kansan teatteri.

KULTTUURIMUISTEIDEN LUETTELOSSA MAINITTUJEN PÄÄMUSEOKOKOELMIEN NIMEN LYHENTEET

BAN - Kirjasto Venäjän akatemia Tieteet (Pietari)

VMDPNI - Koko Venäjän museo koristeellinen ja levitetty kansantaidetta(Moskovan kaupunki)

GIM - osavaltio Historiallinen museo(Moskovan kaupunki)

GMGS - Valtion kaupunkiveistosmuseo (Pietari)

GMMK - Valtion museot Moskovan Kreml (Moskova)

GNIMA - Valtion arkkitehtuurin tutkimusmuseo (Moskova)

GOP – valtion asekammio (Moskova)

Venäjän valtionmuseo - Venäjän valtionmuseo (Pietari)

GTG - osavaltio Tretjakovin galleria(Moskovan kaupunki)

GE - Valtion Eremitaaši(Pietari)

ZIKHMZ - entinen Zagorsk (nykyinen Sergiev-Posad) historiallinen Taidemuseo- reservi (Sergiev Posad, Moskovan alue)

MIDU - Ukrainan historiallisten aarteiden museo (Kiova)

MPIB - 1600-luvun taideteollisuus- ja elämämuseo "Kahdentoista apostolin katedraali ja patriarkaalinen kammio Moskovan Kremlissä" (Moskova)

NGM - Novgorod United State Museum-Reserve (Novgorod)

NGP - Novgorod Chamber of Facets (Novgorod)

SHM - Samaran taidemuseo (Samara)

VENÄJÄLLISEN KULTTUURIN MONUMENTIT

OSA I. VENÄJÄN MUKAISEN JA KESIAJAN KULTTUURIN HISTORIA

(ENNEN XVII vuosisadan LOPPUA)

KANSAN PUUARKKITEHTUURIA

USKONTORAKENTEET

1. Klet-kirkot: Lasaruksen kirkko Muromin luostarista (1300-1500-luku) - Kizhin luonnonsuojelualue; Viittauskirkko Borodavan kylästä (1400-luku) - Kirillo-Belozerskyn museo-suojelualue; Kirkastumisen kirkko Spas-Vezhin kylästä (1600-luku) - Kostroman museo-suojelualue; Pyhän Nikolauksen kirkko Tukholjan kylästä (1600-luku) - Novgorodin museo-suojelualue "Vitoslavlitsy"; arkkienkeli Mikaelin kappeli Lelikozeron kylästä (1700-luku) - Kizhin museo-suojelualue; Pyhän Nikolauksen kirkko Glotovan kylästä (1700-luku) - Suzdalin museo-suojelualue.

2. Telttakirkot: Pyhän Nikolauksen kirkko Ljavljan kylässä (1500-luku); Pyhän Yrjön kirkko Vershinan kylästä (1600-luku) - Arkangelin museo-suojelualue "Pieni Korely"; Ylösnousemuskirkko Patakinon kylästä (1700-luku) - Suzdalin museo-suojelualue; Neitsyt taivaaseenastumisen kirkko (1700-luku) Kondopogan kaupungissa.

Vuosisadan puolivälin tyyli vaikuttaa myös taiteeseen ja käsityöhön. Posliiniesineille, kuten Elizaveta Petrovnan "Oma"-palvelulle, ja muille materiaaleille on ominaista kaarevat muodot sekä mehukas, kuoreen nouseva stukkokornamentti ja joustavat kasvien versot. Esineiden hassu siluetti yhdistyy orgaanisesti kirkkaita värejä, runsaasti kultauksia, peilipintojen loistoa, jotka täydentävät sisustuksen juhlavaa kuvaa.

1700-luvun ensimmäisen puoliskon maalaus

Petrin aikakauden jälkeen maalaus on kokenut valtavia muutoksia. Telinemaalauksen taide sen semanttisella ja sävellysominaisuudet. Käänteinen perspektiivi on korvattu suoralla ja siihen liittyvällä avaruuden syvyyden välittämisellä. Tärkein ominaisuus on hahmon kuva anatomisen oikeellisuuden periaatteiden mukaisesti. Uusia keinoja tilavuuden siirtämiseen on tulossa. Tärkein ominaisuus on chiaroscuro, joka syrjäyttää ehdollisesti symbolisen ääriviivan. Itse tekniikka öljymaalaus tyypillisine erityistekniikoineen ja värien suhdejärjestelmänsä ansiosta se on lujasti, joskaan ei heti, sisällytetty taiteelliseen käyttöön. Parantaa tekstuurin tunnetta. Taiteilija saa kyvyn välittää pehmeän sametin, karkean hermellin turkin, raskaan kultabrokaatin ja hienon pitsin erityispiirteitä. AT juoni kuva voit jäljittää hahmojen suhteen uusia periaatteita. Alaston ruumiin kuvaaminen on uusi ja vaikein tehtävä. Maalauksen rakenne muuttuu haarautuneemmaksi. 1700-luvun alusta lähtien maallista taidetta on viljelty erilaisia ​​tyyppejä maalausteline toimii, monumentaalinen maalaus paneelien ja plafonien muodossa, pienoiskirjoitus. Muotokuva sisältää kaikki tunnetut lajikkeet - seremoniallinen, kammio, tavallisessa ja pukuversiossa, tupla- ja tuplaversiossa. Taiteilijat hallitsevat allegoriset ja mytologiset aiheet. Näiden piirteiden läsnäolo, vaikka ne ilmenevätkin aluksi kompromissimuodossa, antaa mahdollisuuden puhua uudenlaisen maalauksen syntymisestä.

Ensimmäiset askeleet kohti muotokuvan muodostusta liittyvät Armoryn maalauspajan toimintaan. Venäläisten ja ulkomaisten mestareiden teokset vetoavat luonteeltaan parsunaan. Kaikista typologisista muunnelmista parsuna suosii seremoniallista muotokuvaa, ja sitä esiintyy tässä ominaisuudessa useissa lajikkeissa. Heistä "muotokuva-tutkielma" on arkaaisin. Se yhdistää muotokuvia ja lukuisia selittäviä merkintöjä perinteisessä kuvaketilassa. Voit myös puhua "muotokuva-apoteoosista". Nämä ovat muotokuvia-maalauksia, jotka symboloivat Pietari I:n aseiden urotekoja. Myös tavalliset Pietarin, Menšikovin, Šeremetevin muotokuvat täydessä kasvussa ja hevosen selässä ovat yleisiä.

Avaruutta käsitellään kaikkialla hyvin stereotyyppisesti, ja esineiden yleinen asettelu toimii pikemminkin symbolisena merkintänä todellisista tilasuhteista. Sisä- ja ulkotilan ongelma ratkaistaan ​​samalla ehdollisella tavalla merkityksen ja mittakaavan suhteen. Parsuna poikkeaa jonkin verran 1600-luvun ikonimaalaukselle tyypillisestä väririkkaudesta. Viittausten ornamenttien ja erilaisten yksityiskohtien tunnollinen siirto antaa kankaille kuitenkin korostuneen koristeellisen äänen.

Mestari ei vieläkään täysin hallitse volyymin siirron uusia periaatteita, jotka yhdistävät painokkaasti kuperat maalatut kasvot ja tasokuvioiset kaavut. Kankaasien suuri koko, vaikuttava henki, sisustuksen rikkaus ja esillä olevat jalokivet on tarkoitettu havainnollistamaan sosiaalinen merkitys kuvassa. Kuva on itsenäinen, se on keskittynyt itseensä ja välinpitämätön muita kohtaan. Maalaus, joka ei ole vielä kypsynyt välittämään yksilöä, yrittää omalla tavallaan havaita tälle hahmolle ominaisia ​​piirteitä. Yleistä ja yksilöä ei kuitenkaan ole vielä sulautettu orgaaniseksi kokonaisuudeksi, ja erityiset ominaisuudet tuskin näkyvät konsolidoidun tyypillisen maskin alla.

Suhteellisen lyhyen ajan, pääasiassa 80-luvulla ja erityisesti 1600-luvun 90-luvulla, olemassa ollut parsunalinja törmää sittemmin erittäin vahvaan ulkomaalaisten ja eläkkeellä olevien taiteilijoiden teosten virtaan, joka käytännössä syrjäytti sen. Samaan aikaan ei pidä ajatella, että se osoittautui vahingossa tapahtuneeksi jaksoksi venäläisen muotokuvan yleisessä kehitysprosessissa. Kun parsuna työnnettiin takaisin pääasennoilta, se jatkoi olemassaoloaan. Lisäksi sen piirteet esiintyivät useiden edistyneiden taiteilijoiden töissä todisteena keskeneräisestä siirtymisestä keskiaikaisesta kirjoittamisesta uusi tapa. Sellaisenaan se löytyy I. Nikitinin, I. Vishnyakovin ja A. Antropovin teoksista.

Pastorismin jälkiä löytyy myös 1700-luvun jälkipuoliskolta, erityisesti orja- tai maakuntataiteilijoiden teoksista, jotka tulivat itsenäisesti uuteen taiteeseen pääsääntöisesti ikonimaalauksesta alkaen. Huomattakoon, että jäsentäminen taiteellisena ilmiönä ei ole olemassa vain venäläisessä koulukunnassa, vaan myös Ukrainassa ja Puolassa. Sitä löytyy myös Bulgariasta, Jugoslaviasta ja jopa Lähi-idän maista, eli missä maalaus samanlaisessa historiallisessa tilanteessa kokee pohjimmiltaan samanlaista tutustumista uuden ajan taiteeseen ja maalliseen taiteeseen.

Venäjän historia 1700-luvun lopulla - 1700-luvun ensimmäinen neljännes on erottamaton yhden suurimmista nimestä. poliitikot Venäjä - Pietari I. Merkittäviä innovaatioita valtaa tänä aikana paitsi kulttuurin ja taiteen alalla, myös teollisuudessa - metallurgiassa, laivanrakennuksessa jne. 1700-luvun alussa ilmestyivät ensimmäiset mekanismit ja työstökoneet metallinkäsittelyyn . Paljon tällä alalla tekivät venäläiset mekaanikot Nartov, Surnin, Sobakin ja muut.

Samalla luodaan valtion yleis- ja erityisopetusjärjestelmän perusta. Vuonna 1725 perustettiin Tiedeakatemia, jonka alaisuudessa avattiin taidekäsityön osasto.

A. Nartov. Sorvi. Pietarin aikakausi. 1700-luvulla

1700-luvulla syntyi uudet arkkitehtuurin ja kaupunkisuunnittelun periaatteet, jota leimasi Länsi-Euroopan barokin (Hollanti, Englanti) ominaispiirteiden mukaisten tuotteiden muotoilun lisääntyminen.

Pietari I:n hankkeiden seurauksena perinteisen venäläisen muodon esineet katoavat nopeasti palatsin kuninkaallisesta ja aristokraattisesta elämästä ja jäävät edelleen maaseutu- ja kaupunkiväestön asuntoihin sekä kirkkokäyttöön. Juuri 1700-luvun ensimmäisellä neljänneksellä hahmottui merkittävä ero tyylin kehityksessä, joka pysyi pitkään tyypillisenä ammattimaiselle luovuudelle ja kansantaidekäsityölle. Jälkimmäisessä kehitetään suoraan ja orgaanisesti vuosisatoja vanhoja venäläisen, ukrainalaisen, viron jne. soveltavan taiteen perinteitä.

Jalon elämän normit edellyttävät vaurauden, hienostuneisuuden ja loiston osoittamista suvereenin ihmisen elämässä. Vanhan elämäntavan muodot, mukaan lukien Pietarin (vielä asiallinen, tiukka), pakotettiin lopulta pois 1700-luvun puolivälissä. Venäläisessä taiteessa hallitseva asema on ns. rokokootyyli, joka täydensi loogisesti myöhäisbarokin suuntauksia. Tämän ajan seremonialliset sisätilat, esimerkiksi jotkin Pietarhovin ja Tsarskoje Selon palatsin huoneet, on lähes kokonaan koristeltu taidokkain kaiverruksin.

Rocaille-ornamentoinnin yleiset piirteet (linjojen kaarevuus, tyyliteltyjen tai elävien kukkien, lehtien, kuorien, silmien jne. runsas ja epäsymmetrinen asettelu) toistuvat täysin venäläisessä arkkitehtuurissa ja silloisissa huonekaluissa, keramiikassa, vaatteissa, vaunuissa, seremonia-aseissa. jne. Venäläisen taideteollisuus kehittyi kuitenkin täysin itsenäisesti. Huolimatta omien tuotteidemme muotojen kiistattomasta samankaltaisuudesta länsieurooppalaisten kanssa, niiden välisiä eroja ei ole vaikea havaita. Joten, mutta verrattuna ranskalaisiin, venäläisillä huonekalutuotteilla on paljon vapaammat muodot ja pehmeämpi ääriviivat ja piirustukset. Mestarit säilyttivät edelleen kansanveiston taidot, laajemmat ja yleisemmät kuin lännessä. Yhtä ominaista on venäläisten tuotteiden monivärisyys ja kullan ja maalauksen yhdistelmä, joka on harvinaista Ranskassa, mutta hyväksytty kaikkialla Venäjällä.

1700-luvun 60-luvulta lähtien venäläisessä arkkitehtuurissa alkoi siirtyminen klassismiin sen lakonisilla ja tiukoilla muodoilla, jotka kääntyivät antiikin puolelle ja joita leimaa suuri pidättyvyys ja armo. Sama prosessi tapahtuu soveltavassa taiteessa.

Kaupungin kartanoiden ja palatsien (arkkitehdit Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov jne.) suunnittelussa, varustelussa ja sisustamisessa on selkeä symmetria, suhteellinen selkeys. Tilojen seinät (ikkunoiden välissä tai vastapäätä) peittävät peilit ja paneelit silkkidamaskista, koristepuuvillakankaista ja kankaasta.

.

Sohva - rokokootyylinen. Venäjä (yksityiskohta). 1700-luvun puoliväli

Klassinen nojatuoli. Venäjä. 1700-luvun toinen puoli

Lattiat on valmistettu eri puulajeista ja joskus peitetty kankaalla tai kankaalla; katot maalataan (esim. grisaille-tekniikka jäljittelee kohokuviota). Pinotun parketin sijasta käytetään kuusilankkua "vahan alla". Seinät ja katot on usein verhoiltu kankaalla tai tapetoitu. Jos etuhuoneisiin on järjestetty vaikuttavan kokoiset marmoritakat, intiimeihin kammioihin pystytetään perinteisempiä jalustalle tai jaloille sijoitetut, laatoilla vuoratut uunit. Ero lamppujen välillä on yhtä havaittavissa: hallissa - nämä ovat koruja valmistettuja ja kalliita kattokruunuja, kynttelikköjä, lamppuja, kammioissa - paljon vaatimattomampia kynttilänjalkoja ja lamppuja. Etu- ja kodin huonekalujen muodoissa on vielä enemmän kontrastia. Kaikki tämä ei puhu niinkään palatsien ja kartanoiden omistajien halusta säästää rahaa, vaan siitä, että he pitävät objektiivista ympäristöä tärkeänä tekijänä psykologisesti sopivassa ilmapiirissä.

Suurin osa huonekaluista ja useista muista tuotteista 1700-luvun lopulla - 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla ei ollut jatkuvasti tarpeen; jos tarvetta ei ollut, ne joko poistettiin tai siirrettiin ei-aktiivisiin tilojen osiin. Istuinkalusteet on peitettävä. Samassa yhteydessä muunnettavat kalusteet työtasolla - tee- ja korttipöydät, kokoontaitettava ruokapöytä, käsityöpöytä, erikorkuisten, toistensa alle sopivien pöytien järjestelmä jne. erilaisia ​​tilojen ulkoasuja eri paikoissa jokapäiväisiä tilanteita. Samalla nostettiin esille useita lämpimänä vuodenaikana talon ulkopuolella tapahtuneita kotimaisia ​​prosesseja - terassilla ja puistossa. Tämän seurauksena uudentyyppiset tuotteet ovat leviämässä - maisemapuutarhakalusteet, sateenvarjomarkiisit, puistovalaisimet jne. 1700-luvulla järjestettiin yksittäisillä tilailla maaorjapajoja, joissa valmistettiin melko suuria eriä huonekaluja, posliinia, mattoja ja muita tuotteita.

1700-luvun lopulla suurten palatsien varustuksessa tuotteiden varsinaisen suunnittelun (huonekalut, lamput, kellot, kuvakudokset ja muut välineet ja koristeet) erottaminen erityiseksi luovan toiminnan alueeksi heidän käsityötuotantonsa vaikuttaa jo merkittävästi. Suunnittelijat ovat pääosin arkkitehteja ja ammattitaiteilijoita. Massamarkkinoille tarkoitettujen tuotteiden valmistuksessa käytetään koneita ja mekaanisia materiaalien käsittelymenetelmiä, mikä tekee insinööristä tuotannon johtavan hahmon. Tämä johtaa kulutustavaroiden korkean esteettisten ominaisuuksien vääristymiseen ja menettämiseen, teollisuuden erottamiseen taiteesta. Tämä suuntaus oli luonnollinen yhteiskunnan kapitalistisen kehityksen olosuhteissa ja yksi tärkeimmistä koko 1800-luvun ajan.

Venäjän kapitalististen suhteiden intensiivisen kehityksen aikana 1800-luvulla teollisuustuotannon kapasiteetit kasvoivat. 1800-luvun puolivälissä tarve taiteellisesti ammattitaitoiselle tuotekehittäjien ja käsityöläisten henkilökunnalle tuntui jo kiivaasti. Heidän koulutustaan ​​varten avataan erityisoppilaitokset Moskovaan (kreivi Stroganov) ja Pietariin (paroni Stieglitz). Heidän nimensä - "tekniset piirustuskoulut" - puhuu uudentyyppisen taiteilijan syntymisestä. Vuodesta 1860 lähtien on kehitetty erityistä taiteilijamestarikoulutusta. Useita kirjoja julkaistaan ​​erilaisten materiaalien käsittelytekniikasta: puu, pronssi, rauta, kulta jne. Kauppaluetteloita julkaistaan, mikä korvaa aiemmin julkaistun "Economic Store" -lehden. 1800-luvun puolivälistä lähtien on muodostunut työterveyteen ja taloustavaroiden käyttöön liittyviä tieteitä. Kuitenkin koko 1800-luvun kaikki taiteellinen massatehdastuotanto pysyi täysin alisteisena kauneuden jakamatta hallitsevalle ajatukselle koristeellisena ja koristeellisena suunnitteluna. Tämän seurauksena useimmat klassismin tyylielementtien tuotteet: monimutkaiset profiilit, uurretut pylväät, ruusukkeet, seppeleet, antiikkiaiheisiin pohjautuvat koristeet jne. otettiin muotoon. Useissa tapauksissa nämä elementit olivat otettu käyttöön jopa teollisuuslaitteiden - työstökoneiden - muotoihin.

Taideteollisuus- ja kotitaloustuotteiden tyylikehityksessä 1800-luvulla erotetaan tavanomaisesti kronologisesti kolme pääjaksoa: klassismin suuntausten jatkuminen ns. empire-tyylin mukaisesti (luvun ensimmäinen neljännes); myöhäisklassismi (noin 1830-1860) ja eklektiikka (1860-luvun jälkeen).

1800-luvun ensimmäistä neljännestä leimaa venäläisen arkkitehtuurin yleinen ideologinen ja rakennuslaajuinen nousu, joka aiheutti merkittävän elpymisen myös taideteollisuudessa.

Empire-tyylinen nojatuoli. 1800-luvun ensimmäinen neljännes.

Voitto vuoden 1812 sodassa jossain määrin nopeuttaa ja täydentää venäläisen kansalliskulttuurin muodostumisprosessia, joka on saamassa yleiseurooppalaista merkitystä. Kuuluisimpien arkkitehtien - Voronikhinin, Quarenghin, Kazakovin - toiminta, joka liittyy läheisesti edellisen jakson klassismiin, osuu vain vuosisadan ensimmäiselle vuosikymmenelle. Heidän tilalle tulee joukko sellaisia ​​merkittäviä mestareita, kuten Rossi, Stasov, Grigorjev, Beauvais, jotka toivat uusia ideoita ja erilaista tyylihenkeä venäläiseen taiteeseen.

Tiukkuus ja monumentaalisuus ovat tunnusomaisia ​​empire-tyylisten kodin esineiden arkkitehtuurille ja muodoille. Jälkimmäisessä koriste-aiheet muuttuvat huomattavasti, tarkemmin sanottuna niiden typologia laajenee käyttämällä muinaisen Egyptin ja Rooman koristesymboleja - griffinejä, sfinksejä, faskioita, sotilaallisia attribuutteja ("trofeeja"), seppeleitä, seppeleitä jne. Verrattuna esimerkkeihin varhainen klassismi yleensä sisustuksen määrä, sen "visuaalinen paino" tuotteiden koostumusratkaisussa kasvaa. Monumentalisoituminen, toisinaan ikään kuin muotojen karkeneminen, johtuu klassisten koriste-aiheiden - reunukset, seppeleet, lyyrat, panssarit jne. - yleistymisestä ja geometrisaatiosta, jotka ovat yhä enemmän siirtymässä pois todellisista prototyypeistään. Maalauksellinen (kohtaukset, maisemat, kukkakimput) esineiden maalaus katoaa lähes kokonaan. Ornamentti pyrkii täplään, ääriviivaan, soveltuvuuteen. Suurin osa tuotteista, erityisesti huonekaluista, muuttuu suuriksi, massiiviksi, mutta monimuotoisiksi yleisilmeeltään ja siluettiltaan. Empire-tyylin raskaus huonekaluissa lähes hävisi jo 1830-luvulla.

1800-luvun puolivälistä lähtien arkkitehtuurin, soveltavan ja teollisen luovuuden saralla alkoivat uudet etsinnät.

Syntyy yleiseurooppalainen taiteellinen liike, nimeltään "Biedermeier" yhden hahmon porvarillisen nimen mukaan. saksalainen kirjailija L. Eichrodt (teos julkaistiin 1870-luvulla) mukavuuden, läheisyyden ihanteella.

Tehdasrauta. Venäjä. 1800-luvun toinen puoli

1800-luvun jälkipuoliskolla käsityö syrjäytettiin entisestään hyödyllisten taloustavaroiden tuotannosta. Vuosisatojen ajan niiden taiteellisen ratkaisun menetelmät ja tekniikat, vuosisatojen aikana kehittyneet muotoilun periaatteet ovat ristiriidassa markkinoiden massaluonteen ja tuotannon kannattavuuden uusien taloudellisten suuntausten kanssa. Vastaus muuttuvaan tilanteeseen on kaksijakoinen. Jotkut mestarit - suurin osa heistä - tekevät kompromisseja. Pitämällä tuhoutumattomana perinteinen näkemys kaikista jokapäiväisistä asioista koriste- ja soveltavan taiteen esineenä, he alkavat mukauttaa klassismin koristeaiheita kone- ja sarjateknologian kykyihin. "Tehokkaita" sisustustyyppejä ja tuotteiden koristeluja ilmestyy. Henry Cool esitti Englannissa jo 1830-luvulla ulkoisesti uudistusmielisen iskulauseen tehdastuotteiden sisustamisesta elementeillä "kuvataidemuotojen maailmasta". Monet teollisuusyrittäjät omaksuvat innokkaasti iskulauseen ja pyrkivät hyödyntämään kuluttajamassan kiintymystä ulkoisesti koristeltuihin, koristeellisesti rikastettuihin kodin sisustusmuotoihin.

Muut teoreetikot ja soveltavan taiteen harjoittajat (D. Reskin, W. Morris) päinvastoin ehdottavat alan boikotin järjestämistä. Heidän uskonsa on keskiaikaisten käsityöperinteiden puhtaus.

Maissa Länsi-Eurooppa ja Venäjällä kiinnittävät ensimmäistä kertaa teoreetikkojen ja ammattitaiteilijoiden huomion käsityöläiset ja käsityöläiset, joiden työssä säilytettiin edelleen syvät kansanperinteet. Venäjällä Nižni Novgorodin messut 1870-1890-luvuilla osoittavat näiden perinteiden kestävyyden uusissa olosuhteissa. Monet ammattitaiteilijat - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich ja muut - kääntyvät innostuneena koristetaiteen kansanperinteisiin. Venäjän eri alueilla ja maakunnissa, kaupungeissa, kuten Pihkova, Voronezh, Tambov, Moskova, Kamenetz-Podolsk ja muut, syntyy käsityöyrityksiä, joiden perustana on käsityö. Työpajojen työllä Abramtsovossa Moskovan lähellä, Talashkinossa lähellä Smolenskia, P. Vaulinin yrityksessä Pietarin lähellä ja Muravan keramiikkaartellissa Moskovassa oli erityinen merkitys kuolevan luovan käsityön elpymiselle.

Samovar. 1800-luvulla

Venäjä. Toinen puoli

Teollinen pumppu. 1800-luvulla

Kaikkien näiden työpajojen tuotteet muodostivat kuitenkin niin merkityksettömän osan kokonaiskulutuksesta, että niillä ei voinut olla merkittävää vaikutusta massatuotantoon, vaikka ne osoittivat kansanperinteitä säilyttävän koristetaiteen olemassaolon oikeutuksen massakonetuotannon ohella. asioista. Myöhemmin tämän vahvisti konetekniikan hyökkäys sellaisilla koriste- ja soveltavan taiteen aloilla kuin korut (korut), maton kudonta, räätälöinti, mikä johti niiden taiteellisen laadun jyrkäseen laskuun.

Valtaosan 1800-luvun jälkipuoliskolla valmistettujen tuotteiden muodoissa ei käytännössä kehitetä mitään uutta. Kuitenkin yleisimmän tilanteen uutuus jo tällä hetkellä lisää sisäisiä edellytyksiä innovatiivisille etsinnöille - tyylihakujen tiedostaminen tärkeänä luovana tarpeena, mestarin taiteellisen yksilöllisyyden ilmentymänä. Jos tähän asti tyylisuuntaukset (gootti, renessanssi, barokki, klassismi jne.) ovat syntyneet ja levinneet pääsääntöisesti yleisten, lähes "globaalien", spontaanisti kiteytyneiden suuntausten seurauksena maailman esteettisessä kehityksessä, niin vuodesta alkaen 1800-luvun puolivälissä tyylillinen omaperäisyys nähdään yksittäisen taiteilijan, arkkitehdin suorana luovana saavutuksena. Tässä suhteessa kiinnostus kaikkien aikojen ja kansojen taideperintöä kohtaan aktivoituu voimakkaasti. Tästä rikkaimmasta perinnöstä tulee jäljitelmien, suorien lainausten lähde tai se käy läpi outoa luovaa käsittelyä.

Pöytä ja moderni nojatuoli. 1800-luvun loppu

Tämän seurauksena suurin osa tuotteista on epätavallisen kirjava kuva, jossa nyt selkeitä, nyt tuskin havaittavia muistoja antiikista, romaanisesta ajasta, goottilaista, italialaista tai ranskalaista renessanssia, Bysantin taidetta ja Muinainen Venäjä, barokki jne., usein eklektisesti sekoittaen yhden tuotteen, sisustuksen, rakennuksen suunnittelussa. Siksi tätä arkkitehtuurin ja soveltavan taiteen historian ajanjaksoa kutsuttiin eklektiseksi. AT kansanelämää Siitä huolimatta tuotteet (lamput, metalliset kauhat, kaukalot, astiat, jakkarat jne.) alkavat tulla markkinoille, suhteellisen halpoja, mutta valmistettuja ilman taiteellista tarkoitusta, usein rumissa muodoissa ja huonolaatuisia.

Uuden tyylin etsinnässä otetaan huomioon todellinen tarve konetuotannon olosuhteissa, toisaalta pohjimmiltaan uusi lähestymistapa tuotteiden muodostukseen ja menneisyyden koristeellisten perinteiden säilyttäminen. muu. Porvaristo, joka 1800-luvun lopulla oli ottanut vahvan aseman Venäjän taloudessa, tavoitteli omaa taiteellista ideologiaansa arkkitehtuurissa ja muotoilussa - rationaalisen, suhteellisen vapauden kulttia jalon kulttuurin arkaismeista, joka rohkaisi kaikkeen. taidetta, joka voisi kilpailla menneisyyden tyylien kanssa. Sellainen 1800-luvun lopulla oli jugendtyyli - "uusi taide" Belgiassa, Isossa-Britanniassa ja Yhdysvalloissa, "Jugendstil" Saksassa, "Secessions-tyyli" Itävallassa, "vapaa tyyli" Italiassa. Sen nimi - "moderni" (ranskasta moderne) tarkoitti "uusi, moderni" - lat. modo - "äsken, äskettäin." Puhtaassa muodossaan, häipyen ja sekoittuneena muihin tyylisuuntauksiin, se ei kestänyt kauan, noin vuoteen 1920 asti, eli noin 20-25 vuotta, kuten lähes kaikki 1600-1900-luvun tyylisuuntaukset.

Art nouveau on monipuolinen eri maat ja yksittäisten mestareiden työssä, mikä vaikeuttaa heidän ratkaisemiensa tehtävien ymmärtämistä. Ominaisuus oli kuitenkin kaikkien aiemmin käytettyjen koriste- ja koristemotiivien ja -tekniikoiden lähes täydellinen hävittäminen, niiden radikaali uudistaminen. Perinteiset reunalistat, ruusukkeet, kapiteelit, huilut, "saapuvan aallon" vyöt jne. korvataan tyylitellyillä paikallisilla kasveilla (liljat, iirikset, neilikat jne.), naaraspäillä, joilla on pitkät kiharat hiukset jne. Usein koristeita ei ole ollenkaan , ja taiteellinen vaikutus saavutetaan siluetin ilmeisyyden, muodon artikuloinnin, pääsääntöisesti ohuesti piirrettyjen, ikään kuin vapaasti virtaavien, sykkivien linjojen ansiosta. Art nouveau -tuotteiden muodoissa voi melkein aina tuntea taiteilijan hassua tahtoa, tiukasti venyneen nauhan jännitystä, liioiteltuja mittasuhteita. Äärimmäisissä ilmenemismuodoissa tämä kaikki pahenee jyrkästi, nostetaan periaatteeksi. Toisinaan tulee esiin välinpitämättömyys rakentavaa muotologiikkaa kohtaan, miltei näennäinen intohimo tehtävän näyttävään puoleen, erityisesti sisätilojen, usein tehokkaan teatterin ratkaisussa.

Kaikille heikkouksia- on noussut vaatimattomuus, toisinaan muotojen äänekkyys, uusi lähestymistapa rakennuksen, sisustuksen, sisustuksen ratkaisuun toimivan, rakentavan ja teknologisen ratkaisun logiikalla.

Moderni kynttilänjalka. 1900-luvun alku

Astiasto. XIX vuosisadan loppu.

Moderni peilipöytä. 1900-luvun alku

Suurimmassa osassa näytteistä jugend ei hylännyt tuotteiden koristelua, vaan vain korvasi vanhat koriste-aiheet ja -tekniikat uusilla. Jo 1900-luvun alussa, uuden tyylin voittojen aikaan, palasi jälleen, aluksi arasti, sitten laajalti, vanhojen tyylien muoti, jolla oli tietty yhteys juhlavuoden valmisteluihin. satavuotisjuhlavuotta. Isänmaallinen sota 1812. Pietarissa vuonna 1903 järjestetty näyttely "Modern Art" osoitti selvästi "klassisoivan modernin" syntymisen.

Moderniuden tulokset ovat monimutkaisia. Tämä on soveltavan taiteen puhdistusta eklektiikasta ja käsityöläisten mestareiden "antikoneismista" ja epäonnistuneista yrityksistä palauttaa menneisyyden tyylejä. Nämä ovat ensimmäisiä merkkejä arkkitehtuurin ja taideteollisuudesta poistumisesta funktionalismin ja konstruktivismin tielle, modernin muotoilun tielle. Samaan aikaan jugend, joka pian havaitsi suuntauksen tyylin kansallistamiseen, aiheutti uuden puhtaasti koristeellisten etsintöjen aallon. Monet maalarit kääntyvät soveltavaan taiteeseen ja sisustussuunnitteluun (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin jne.) vetoamalla kohti venäläisen sadun värikkyyttä, "piparkakkuja" jne. Perspektiivissä myöhemmän historiallisen prosessin , massateollisen tuotannon kiireellisten ongelmien ratkaisemisessa, sellaisilla kokeiluilla ei voinut olla vakavaa ideologista ja taiteellista merkitystä, vaikka ne antoivat sysäyksen toisen taideteollisuusalan - taidekäsityön ja erityisesti teatteri- ja koristetaiteen - kehitykselle. .

Art Nouveau ikään kuin selvensi ja valmisteli tietä uusien esteettisten ja luovien periaatteiden vakiinnuttamiseksi arjen asioiden luomisen taiteessa, vauhditti uuden taiteellisen ammatin - taiteellisen suunnittelun (design) - syntymistä.

Funktionalismin ja konstruktivismin muodostuminen länsimaiden arkkitehtuurin ja taiteellisen suunnittelun erityissuuntiin tapahtui 1910-luvun lopulla elämän vakiintumisen ja talouden menestyksen yhteydessä ensimmäisen maailmansodan jälkeen. Mutta perusasiat uusi moderni arkkitehtuuri määräytyi sotaa edeltävänä aikana arkkitehtien kuten T. Garnier ja O. Perret (Ranska), X. Berlaga (Hollanti), A. Loos (Itävalta), P. Behrens (Saksa), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Venäjä) ym. Jokainen heistä voitti modernin vaikutuksen omalla tavallaan ja taisteli.

Vuonna 1918 perustettiin arkkitehtuurin ja taideteollisuuden erityisosastot Koulutuksen kansankomissaariaatin kuvataideosaston alaisuuteen. Asiantuntijoiden koulutukseen kiinnitetään suurta huomiota. V.I. Lenin allekirjoitti vuonna 1920 asetuksen korkeampien valtion taiteellisten ja teknisten työpajojen (VKHUTEMAS) perustamisesta. Valmistuneet loivat uusia näytteitä kankaista, huonekaluista, astioista jne.

Koulutus työpajoissa (vuonna 1927 ne muutettiin VKhUTEIN-liittoon taiteelliseksi ja tekniseksi instituutiksi), suoritettiin tiedekunnissa: arkkitehtuuri, keramiikka, tekstiilit jne. Puun ja metallin käsittelyn tiedekunnassa A.:n johdolla. Rodchenko, D . Lissitzky, V. Tatlin ja muut mestarit etsivät uusia muotoja ja malleja erilaisille esineille. Kaikki VKHUTEMASin toiminnot tähtäävät opiskelijoiden taitojen kehittämiseen integroitu lähestymistapa jokapäiväisen elämän ja tuotannon objektiivisen ympäristön suunnitteluun.

1920-luvulla kehittyi "tuotantotaiteen" suuntaus, joka kehitti funktionalismin ja konstruktivismin periaatteita ja pyrki vakiinnuttamaan taiteilijoiden mieliin esteettisen ihanteen rationaalisesti organisoidusta materiaalituotannosta. "Valmistajat" julistivat kaikki entiset taiteen muodot porvarillisiksi, joita proletariaat ei hyväksynyt. Siksi he kieltävät paitsi "käytännöllisesti hyödyttömän" kuvataiteen, vaan myös kaiken puhtaasti koristetaiteen, kuten korut. 1920-luvulla tekniset ja taloudelliset edellytykset heidän ideoidensa toteuttamiselle eivät olleet maassamme vielä kypsiä.

VKHUTEMAS ja 1920-luvun "tuotantotyöntekijät" olivat ideologisesti ja esteettisesti läheisesti yhteydessä "Bauhausiin" ja useissa tärkeissä hetkissä edustivat sen kanssa pohjimmiltaan yhtä suuntausta tuon ajan taiteellisessa suunnittelussa. Tämän uuden liikkeen puitteissa muodostui modernin muotoilun estetiikka, joka ylitti edellisen ajanjakson soveltavan taiteen ristiriidat. Muotoilun perustajien käytännön taiteellista toimintaa oli myös asioiden luomisen taiteen taiteellisten ja ilmaisuvälineiden arsenaalin kehittäminen. Heidän töissään (huonekalut, valaisimet, astiat, kankaat jne.) kiinnitettiin eniten huomiota sellaisiin materiaalien ja muotojen ominaisuuksiin kuten tekstuuri, väri, plastinen ilme, rytminen rakenne, siluetti jne., joista on tullut keskeisiä koostumustuotteita ilman, että se on ristiriidassa rakentavan logiikan ja muodon valmistettavuuden vaatimusten kanssa. Toinen maassamme menestyksekkäästi 1920-luvulla kehittynyt alue on tekninen suunnittelu. Vuonna 1925 Moskovaan pystytettiin erinomaisen insinöörin V. Shukhovin hankkeen mukaan kuuluisa radiotorni, jonka harjakattoisesta siluetista tuli pitkään Neuvostoliiton radion symboli. Vuotta aiemmin J. Gakkel loi tekniikan viimeisimpiin saavutuksiin perustuvan ensimmäisen Neuvostoliiton dieselveturin, jonka muoto näyttää nykyäänkin varsin modernilta. 1920-luvulla toteutui tarve tieteelliselle tutkimukselle ihmisen toiminnan lakeista hänen keinotekoisesti luomassaan objektiivisessa ympäristössä. Työn keskusinstituuttia järjestetään, sen seinien sisällä tutkitaan työn tieteellistä organisointia, tuotantokulttuuria koskevia kysymyksiä. Tiedemiesten ja suunnittelijoiden huomion kiinnittävät kysymykset biomekaniikasta, aistinvaraisuudesta jne. Noiden vuosien merkittävien teosten joukossa on raitiovaununkuljettajan työpaikkaprojekti (N. Bernshtein).

I. Gakkel. Veturi. 1930-luvun alku

tärkeä paikka sisällä kulttuuri XVIII sisään. miehitti koriste- ja taidetaidetta. Rokokoolainen sisustus teki tilan valoisaksi, seinät näyttivät ohuilta, peitettyinä koristepaneelien ja peilien heijastuessa toisiinsa, tärkeä rooli toistetut näytöt. Huonekaluista tulee elegantteja, hauraita, omituisia ääriviivoja. AT väriskeema tapetteja ja huonekaluja hallitsevat pastellivärit.

Huoneen piti antaa vaikutelma buduaarista (huone, joka on tarkoitettu kommunikointiin vain läheisten ihmisten kanssa).

Rokokoon sisustusta täydennettiin usein joko aidoilla kiinalaisilla tuotteilla: näytöillä, posliinilla, lakkamaalauksilla tai kiinalaisiksi maalauksiksi tyyliteltyillä koristekoostumuksilla.

XVIII vuosisadan puolivälistä. uusklassismin kehittyessä sisustussuunnittelusta tuli yksinkertainen ja melko tiukka. Jos ranskalainen sisustus oli malli rokokoosta, niin englantilainen sisustus oli uusklassismin malli. Erityisen kuuluisia olivat englantilaisen arkkitehdin sisätilat Robert Adam(1728-1792). Luodessaan kartanoita taiteilija koristeli ne pylväillä, pilastereilla ja veistoksilla. Tätä tyyliä kutsutaan "Adam-tyyliksi". Se erottuu eleganssista, koristeellisuudesta, sisältäen orgaanisesti joskus aitoja antiikin esineitä.

XVIII vuosisadan vaatteissa ja kampauksissa. myös tyylimuutoksia havaitaan. Ludvig XV:n aikakaudella ihmisen ulkonäöstä tuli taideteos: aatelisten wc:t olivat vaatimattomia ja hienostuneita, fantastiset kampaukset (peruukit tulivat muotiin), mustista kärpäsistä jauhetuilla kasvoilla tuli erityinen kieli rakkaudessa dialogia. "Naisen, joka oli pukeutunut ja kammattu kuin lelu, ja jossa oli kapeita korkokenkiä, piti astua erittäin varovasti säilyttääkseen tasapainonsa eikä hajota - tämä kehitti tottumuksen kelluvaan kävelyyn ja menuetin sujuvat liikkeet . He halusivat nähdä naisen kallisarvoisena nukena, paratiisin linnuna, upeana kukkana. Sellaiset olennot sopisivat upeaan ja oikukas ilmavaan rocaille-sisustusympäristöön” (2, 45).

Varsinkin naisten asusta tulee taideteos. Tällainen puku oli epämiellyttävä ja epäkäytännöllinen, mutta epätavallisen houkutteleva.

Miesten puku oli yhtä tyylikäs kuin naistenkin, ja pastellivärien herkkiä sävyjä valittiin.

Rakkaus kaikkeen eleganttiin vaikutti korujen ja posliinin kukoistukseen.

Myös eurooppalaisen posliinitaiteen kukoistus koituu kahdeksannentoista puolivälissä sisään. ja liittyy rokokootyyliin. Tunnetuimpia ovat ranskalainen posliini Sevresin kaupungista ja saksalainen posliini Meissenistä (Saksi). Sävellyksissään Meissenin mestarit kuvasivat "uljasta juhlaa" - aristokraattien hienostunutta viihdettä.

Rokokoo ei ollut tyyli kuin gootti ja barokki, siitä ei tullut suurta ja kokonaisvaltaista taiteellinen suunta. Regentsin aikakauden makujen leviämistä valmisteli 1700-luvulla menestyneen ranskalaisen aateliston kohtalo. vain yhdessä - laitteeseen kiinnitetty ja onnellinen elämä. Se oli toimettomana elämää elegantin ylellisyyden ympäröimänä. Taide oli ranskalaisen aateliston joutoelämän koristeena.

Heillä on erityinen rooli koristeelliset taiteet(Jopa gastronomia nostetaan taiteen tasolle).

Taiteen päätehtävä on miellyttää, itse taide samaistuu ylellisyyteen, leikkisyyteen ja pilkkaamiseen.

Peileistä tulee suosikkiseinäkoristeita, ne asetetaan toisiaan vasten antaen äärettömän määrän heijastuksia.

Luksustuotteiden tarve loi Ranskassa kokonaisia ​​taiteellisen tuotannon aloja huonekalujen valmistajien, kutojien, kuvanveistäjien, korujen ja koruompelijoiden työn ansiosta.

Rokokoon suosikki koriste-aiheet ovat kuori, varret ja kukat.

Sisustuksen alalla uusklassismi kääntyi antiikkityyliin kalustettujen hallien sisustukseen. Napoleonin armeijan käytökset toivat uusia koriste-aiheita: miekkoja, bannereita. Napoleonin aikakaudella vaatteissa ja kampauksissa tapahtuu muutoksia. Kaiken antiikkisen muoti leviää: chitoneja ja tunikoita muistuttavien mekkojen siluetista ja leikkauksesta vapaasti putoaviin löysiin kiharoihin. Ei vain krinoliinit ja fizhmat katosivat, vaan myös timantit, kehykseen asetetut veistetyt kivet (helmet) tulivat muotiin.

Toisin kuin muut taiteen muodot XVIII vuosisadan musiikissa. barokki tyylisuuntana oli edelleen laajalti edustettuna. suurimpien mestareiden toimesta Musiikin barokin aikakaudet olivat Bach ja Händel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) oli 1700-luvun suurin muusikko, ja hänen musiikkinsa vaikutus kasvaa jatkuvasti. Hänen sävellystyönsä oli yllättävän monipuolista ulkoisesti vaatimattomasta elämästä huolimatta (hän ​​oli kanttori - kirkkokuoron johtaja ja kapellimestari). Lapsuudesta lähtien Bach oli syvästi uskonnollinen ja noudatti protestanttista uskoa. Saksan uskonpuhdistus toi esiin protestanttisen laulun (kuorolaulun) kiihkoisuuden. Tehtyään kirkon rituaali yksinkertaisempi ja ankarampi, protestantismi lisäsi musiikin merkitystä siinä. Kirkosta tuli musiikkitaiteen keskus, jonka edustajana oli kirkon urkuri. Urkutaide oli Saksassa erittäin laajalle levinnyt, joten ei ole yllättävää, että urut seurasivat Bachin koko elämää. Hänen urkuperintönsä sisältää useita genrejä, joista erottuvat koraalipreludit ja kaksiosaiset polyfoniset syklit. l fuuga. Bachin musiikki ilmaisee uskonnollista nöyryyttä, paatosa, lyyryyttä ja impulsseja. Luonnollisuuden ja yksinkertaisuuden ohella hänen kirjoituksiinsa kuuluvat ylevyys ja merkitys. Bachin musiikillisten luomusten joukossa on valtava määrä todellisia mestariteoksia, jotka ovat saaneet maailmanlaajuista tunnustusta.

Bachin vieressä kohoaa toinen musiikillisen barokin merkittävä hahmo - Georg Friedrich Händel(1685-1759). Hänen elämänsä vietti suurissa Euroopan kaupungeissa, hän sai erinomaisen musiikillinen koulutus. Ensimmäinen Lontoossa esitetty ooppera, Rinaldo, toi Händelille mainetta. Händel kirjoitti musiikkia useissa eri genreissä, mutta oratoriot (suuret vokaalisinfoniset teokset, joilla on kehittynyt juoni) muodostavat hänen perintönsä huipentuma. kirjallinen lähde Säveltäjän tunnetuin oratorio oli Raamatun ensimmäinen osa - Vanha testamentti. Händel asui Englannissa ja sen tapahtumissa poliittinen historia, samoin kuin raamatullisten tarinoiden eeppinen laajuus, ei voinut muuta kuin herättää hänen kiinnostuksensa.

Säveltäjälle oli ominaista ensisijaisesti siviiliteemat. Händel valitessaan raamatullisia aiheita ihailee inhimillisten intohimojen voimaa. Barokille ominaista oli intohimo, dynaamisuus ja vastakkainasettelu.

Jos XVIII vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla. musiikissa barokki määriteltiin musiikkityyliksi, sitten sen toisesta puoliskosta tuli wieniläisen klassisen koulukunnan säveltäjien kukoistus:

Gluck, Haydn, Mozart ja Beethoven. Klassismin korkeimmat saavutukset liittyivät Wieniin, laajan Itävallan valtakunnan pääkaupunkiin, joka on musiikkia täynnä oleva kaupunki.

Wieniläinen klassinen koulukunta vastasi valistuksen tunnelmiin ja ideoihin. Musiikki taide heijasteli aikansa henkistä etsintää ja kiistanalaisia ​​taiteellisia prosesseja. Esimerkiksi Lessing vaikutti Mozartin työhön.

Klassismin periaatteet löysivät ruumiillistumansa valistuksen musiikissa.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) astui musiikin historiaan oopperataiteen uudistajana, joka loi pohjan uudelle oopperatyylille. Gluckin kirjoittamat oopperat olivat epätavallisia sekä sisällöltään että hahmojen tunteiden ilmaisutavaltaan. Gluckin toiminta tapahtui Wienissä ja Pariisissa, ja se liittyi myös filosofian ja estetiikan kiistaan, jossa valistajat olivat mukana. He kritisoivat hovioopperaa ja uskoivat, että muinainen teatteri yhdisti ihanteellisesti musiikin, plastisuuden ja lausunnon.

Gluck yritti dramatisoida oopperan, antaa sille totuudenmukaisuutta ja luonnollisuutta. Kaikki Gluckin parhaat oopperat, alkaen Orpheuksesta, on kirjoitettu nimenomaan muinaisista aiheista, joista säveltäjä löysi voimakkaita hahmoja ja voimakkaita intohimoja. Gluckin elinaikana hänen oopperansa herättivät kovaa keskustelua, mutta aika on osoittanut periaatteiden toimivuuden, eikä ole sattumaa, että myös muut erinomaiset säveltäjät ovat toteuttaneet niitä.

Joseph Haydn(1732-1809) toimi lähes kolme vuosikymmentä bändimestarina (kuoron ja orkesterikappelin johtajana) ja omisti vain vapaa-aikansa musiikin säveltämiseen. Jos Gluck uudisti oopperan, niin Haydn loi täydelliset sinfoniat. Hänen luova tapa kulkenut eri läpi taiteelliset aikakaudet, mutta säveltäjän työ liitettiin nimenomaan valistuksen aikaan. Valaistajat uskoivat yhteiskunnan ja ihmisen edistymiseen, ja Haydnin musiikki ilmaisee optimismia ja onnen tavoittelua. Haydnin luomukset ovat varsin rationaalisia: niille on ominaista pohdiskelu ja harmonia, mikä on myös valistuksen rationalististen periaatteiden mukaista.

Haydn käsittelee oratorioissaan luontoteemaa, jonka kultti oli ominaista sellaiselle kasvattajalle kuin Rousseau. Haydnista tuli valistuksen kirkkain säveltäjä.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) aloitti säveltämisen jo varhaislapsuus, hän matkusti laajasti, saavutti varhain mainetta. Gluckin tavoin Mozartista tuli oopperan suuri uudistaja, joka ei vain sinfonioi, vaan myös toteutti sitä. Valitsemalla sellaisen teoksen kuin Hullu päivä tai Figaron häät, Mozart osoitti sitoutumisensa valaistumisen ideoita. Taikahuilussa säveltäjä esittää eräänlaisen utopian, joka on lähellä valistajien uskoa ihmiskunnan moraaliseen kehitykseen. Mozartin musiikissa yhdistyy yllättävän luonnollisuus ja harmonia, rehellisyys ja täydellisyys, moitteeton selkeys ja värisevä jännitys. Mozartin musiikin korkein saavutus oli kuuluisa "Requiem" - hänen viimeinen sävellyksensä.

Deutsch säveltäjä Ludwig van Beethoven(1770-1827) vietti suurimman osan elämästään Wienissä. Hänen kirjoituksessaan on myös valistuksen jälki. Säveltäjä osoitti itsensä juuri sonaatin ja sinfonian genreissä, jotka lopulta muotoutuivat juuri tällä aikakaudella. Hänen teoksensa paljastavat koko idean ja yksittäisten yksityiskohtien ajattelun, muotojen selkeyden.

Hänen tunnetuimpiin teoksiinsa sisältyy sankariteema, taistelun teema, joka liittyy sekä säveltäjän itsensä persoonallisuuteen että hänen elämäkertansa piirteisiin: Suuren tapahtumiin. Ranskan vallankumous hän eli enemmän kuin 19-vuotiaan pojan. Vaikka valistuksen ajatukset olivat tyypillisiä Beethovenin musiikille, hän edustaa jo uusi aikakausi odottaa romantiikkaa. musiikillinen tyyli säveltäjä eroaa muiden wieniläisten klassikoiden taiteesta laajuudeltaan, draamaltaan ja tunnevoimaltaan. Tällaisia ​​ovat "Pateettinen sonaatti", kolmas sinfonia ("Heroic"), viides ja yhdeksäs sinfonia, erityisesti "Oodi ilolle", joka viimeistelee viimeisen. Beethovenin koko perinnöllä kokonaisuutena oli valtava vaikutus musiikin kehitykseen, erityisesti romantiikan muodostumiseen.