XIX-XX vuosisatojen vaihteessa venäläisessä maalauksessa tapahtui merkittäviä muutoksia. Genrekohtaukset häipyivät taustalle. Maisema menetti valokuvalaatunsa ja lineaarisen perspektiivinsä ja muuttui demokraattisemmaksi väripisteiden yhdistelmän ja leikin perusteella. Muotokuvissa yhdistettiin usein taustan koristeellinen konventionaalisuus ja kasvojen veistoksellinen selkeys.

Venäjän maalauksen uuden vaiheen alku liittyy luovaan yhdistykseen "World of Art". XIX vuosisadan 80-luvun lopulla. Pietarissa syntyi lukiolaisten ja taiteen ystävien opiskelijoiden piiri. He kokoontuivat yhden osallistujan asuntoon - Alexandre Benois. Viehättävä, joka pystyi luomaan luovan ilmapiirin ympärilleen, hänestä tuli alusta alkaen ympyrän sielu. Sen pysyvät jäsenet olivat Konstantin Somov ja Lev Bakst . Myöhemmin heihin liittyi Eugene Lanceray, Benoisin veljenpoika ja Sergei Diaghilev jotka tulivat maakunnasta.

Ympyrän tapaamiset olivat luonteeltaan hieman klovnimaisia. Mutta sen jäsenten toimittamat raportit valmisteltiin huolellisesti ja vakavasti. Ystäviä kiehtoi ajatus yhdistää kaikenlaista taidetta ja tuoda yhteen eri kansojen kulttuurit. He puhuivat huolestuneena ja katkerasti siitä, että venäläistä taidetta tunnetaan vähän lännessä ja että venäläiset mestarit eivät tunne riittävästi eurooppalaisten nykytaiteilijoiden saavutuksia.

Ystävät kasvoivat, menivät luovuuteen, loivat ensimmäisen vakavan työnsä. Ja he eivät huomanneet kuinka Diaghilev oli ympyrän kärjessä. Entisestä provinssista tuli korkeasti koulutettu nuori mies, jolla oli hienostunut taiteellinen maku ja liiketaito. Hän itse ei ollut ammattimaisesti sitoutunut minkäänlaiseen taiteeseen, mutta hänestä tuli uuden luovan yhdistyksen pääjärjestäjä. Diaghilevin luonteessa tehokkuus ja hillitty laskelma esiintyivät yhdessä tietyn seikkailunhalun kanssa, ja hänen rohkeat hankkeensa toivat useimmiten onnea.

Vuonna 1898 Diaghilev järjesti Pietarissa venäläisten ja suomalaisten taiteilijoiden näyttelyn. Pohjimmiltaan tämä oli ensimmäinen uuden suunnan taiteilijoiden näyttely. Tätä seurasi muut näyttelyt ja lopulta vuonna 1906 - näyttely Pariisissa "Kaksi vuosisataa venäläistä maalausta ja kuvanveistoa". Venäjän "kulttuurin läpimurto" Länsi-Eurooppaan johtui Diaghilevin ja hänen ystäviensä ponnisteluista ja innostuksesta.

Vuonna 1898 Benois-Dyagilev-piiri alkoi julkaista "World of Art" -lehteä. Diaghilevin ohjelmallinen artikkeli totesi, että taiteen tarkoitus on luojan itsensä ilmaisu. Diaghilev kirjoitti, että taidetta ei pitäisi käyttää minkään sosiaalisen opin havainnollistamiseen. Jos se on aito, se on itsessään elämän totuus, taiteellinen yleistys ja joskus ilmestys.

Nimi "World of Art" lehdestä siirtyi taiteilijoiden luovalle yhdistykselle, jonka selkäranka oli sama ympyrä. Sellaiset mestarit kuin V. A. Serov, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov, I. I. Levitan, N. K. Roerich liittyivät yhdistykseen. Heillä kaikilla oli vähän samankaltaisuutta toistensa kanssa, he työskentelivät eri luovalla tavalla. Silti heidän työssään, tunnelmissaan ja näkemyksissään oli paljon yhteistä.

Miriskusnikit olivat huolissaan teollisen aikakauden tulosta, kun suuret kaupungit kasvoivat, rakentuivat kasvottomille tehdasrakennuksille ja asuivat yksinäisiä ihmisiä. He olivat huolissaan siitä, että harmoniaa ja rauhaa elämään suunniteltu taide puristettiin siitä yhä enemmän ulos ja siitä tuli pienen "valittujen" piirin omaisuutta. He toivoivat, että taide, joka palaa elämään, pehmentää, henkistää ja yhdistää ihmisiä vähitellen.

"World of Art" uskoi, että esiteollisena aikana ihmiset joutuivat läheisempään kosketukseen taiteen ja luonnon kanssa. 1700-luku vaikutti heistä erityisen houkuttelevalta. Mutta he silti ymmärsivät, että Voltairen ja Katariinan aika ei ollut niin harmoninen kuin heistä näyttää, ja siksi Versaillesin ja Tsarskoje Selon maisemien yksikkö kuninkaiden, keisarinnaiden, kavalerien ja rouvien kanssa on verhottu surun ja itsetuhoisuuden kevyeen sumuun. ironia. Jokainen tällainen A. N. Benoisin, K. A. Somovin tai E. E. Lanseren maisema päättyi huokaukseen: harmi, että se on peruuttamattomasti ohi! Harmi, että se ei todellakaan ollut niin kaunis!

Taidemaailman taiteilijoille hieman raskaalta tuntunut öljymaalaus haalistui heidän työssään taustalle. Vesivärejä, pastellia, guassia käytettiin paljon useammin, mikä mahdollisti teoksia vaaleissa, ilmavissa väreissä. Piirustus oli erityinen rooli uuden sukupolven taiteilijoiden työssä. Kaiverrustaito heräsi henkiin. Suuri ansio tässä kuuluu A.P. Ostroumova-Lebedevalle. Kaupunkimaiseman mestari hän vangitsi kaiverruksiinsa monia Euroopan kaupunkeja (Rooma, Pariisi, Amsterdam, Brugge). Mutta hänen työnsä keskiössä olivat Pietari ja sen palatsin esikaupunkialueet - Tsarskoje Selo, Pavlovsk, Gatchina. Pohjoisen pääkaupungin ankaran hillitty ilme hänen kaiverruksissaan heijastui siluettien ja linjojen intensiivisenä rytminä, valkoisen, mustan ja harmaan värien kontrasteina.

Kirjagrafiikan, kirjan taiteen, elpyminen liittyy taiteen maailman työhön. Rajoittamatta vain kuvitukseen, taiteilijat esittelivät kirjoissa kansilehtiä, monimutkaisia ​​vinjettejä ja jugendtyylisiä päätteitä. Tuli ymmärrys, että kirjan ulkoasun tulee olla läheisesti sidoksissa sen sisältöön. Graafinen suunnittelija alkoi kiinnittää huomiota sellaisiin yksityiskohtiin kuin kirjan koko, paperin väri, fontti, reuna. Monet tuon ajan erinomaiset mestarit olivat mukana kirjojen suunnittelussa. Pushkinin "Pronssiratsumies" liittyy kiinteästi Benoisin piirustuksiin ja Tolstoin "Hadji Murad" - Lanseren kuvituksiin. 1900-luvun alku kirjaston hyllyille on tallennettu monia laadukkaita kirjataiteen esimerkkejä.

"World of Art" -taiteilijat osoittivat anteliaasti kunnioitusta taiteelle, erityisesti musiikille. Tuon ajan taiteilijoiden maisemat - välillä hienostuneena hienostuneena, välillä tulen kaltaisena - yhdessä musiikin, tanssin, laulun kanssa loivat häikäisevän ylellisen spektaakkelin. L. S. Bakst vaikutti merkittävästi baletin Scheherazade (Rimski-Korsakovin musiikkiin) menestykseen. A. Ya. Golovin suunnitteli baletin Tulilintu (I. F. Stravinskyn musiikkiin) yhtä kirkkaasti ja juhlallisesti. N. K. Roerichin maisema oopperalle "Prinssi Igor" on päinvastoin hyvin hillitty ja ankara.

Monissa maissa teatterin näyttämöllä kiertänyt baletti "Petrushka" oli säveltäjä Igor Stravinskyn ja taiteilija Alexander Benoisin yhteinen työ. Vaatimaton tarina siitä, kuinka Petrushka rakastui Balerinaan, pelasi sulavasti, lievästi ironisesti ja surullisesti, inspiroi surullisia ajatuksia taiteilijan kohtalosta armottomassa maailmassa, jota hallitsevat fyysinen voima ja töykeät intohimot.

Teatterimaalauksen saralla "World of Art" oli lähimpänä vaalitun unelmansa toteuttamista - erilaisten taiteiden yhdistämistä yhdeksi teokseksi.

"World of Art" -yhdistyksen kohtalo ei ollut helppo. Lehden ilmestyminen loppui vuoden 1904 jälkeen. Siihen mennessä monet taiteilijat olivat siirtyneet pois yhdistyksestä ja se pieneni alkuperäisen piirin kokoiseksi. Sen jäsenten luovat ja henkilökohtaiset yhteydet jatkuivat useita vuosia. Taiteen maailmasta on tullut kahden vuosisadan välisen rajan taiteellinen symboli. Häneen liittyy koko vaihe venäläisen maalauksen kehityksessä. Erityinen paikka yhdistyksessä oli M. A. Vrubel, M. V. Nesterov ja N. K. Roerich.

Mihail Aleksandrovitš Vrubel (1856 - 1910) oli monipuolinen mestari. Hän työskenteli menestyksekkäästi monumentaalisten maalausten, maalausten, koristeiden, kirjojen kuvitusten, lasimaalausten piirustuksen parissa. Ja hän oli aina oma itsensä, intohimoinen, riippuvainen, haavoittuvainen. Hänen teoksensa läpi kulkee kolme pääteemaa, kolme motiivia.

Ensimmäinen, hengellisesti ylevä, ilmeni ensinnäkin Kiovan Pyhän Kyrilloksen kirkon ikonostaasille maalatussa nuoren Jumalanäidin kuvassa vauvan kanssa.

Vrubelin demoniset aiheet ovat saaneet vaikutteita Lermontovin runoudesta. Mutta Vrubelin demonista tuli itsenäinen taiteellinen kuva. Vrubelille Demoni, langennut ja syntinen enkeli, osoittautui kuin toiseksi "minäksi" - eräänlaiseksi lyyriseksi sankariksi. Tämä teema kuulosti erityisen voimakkaasti elokuvassa "The Demon Seated". Voimakas Demonin hahmo peittää lähes koko kankaan. Näyttää siltä, ​​​​että hänen pitäisi nousta ylös ja suoriutua. Mutta kädet ovat alhaalla, sormet puristetaan tuskallisesti ja silmissä on syvä kaipaus. Sellainen on Vrubelin demoni: toisin kuin Lermontovin demoni, hän ei ole niinkään armoton tuhoaja kuin kärsivä ihminen.

Vuonna 1896 Vrubel maalasi Nižni Novgorodin koko Venäjän näyttelyä varten paneelin ”Mikula Selyaninovich”, jossa hän antoi kansansankari-kyntäjälle sellaisen voiman, ikään kuin hän sisältäisi itse maan primitiivisen voiman. Joten Vrubelin teoksessa ilmestyi kolmas suunta - eeppinen kansanmusiikki. Tässä hengessä hänen "Bogatyr" on myös kirjoitettu, liioiteltuna voimakas istuen valtavan hevosen selässä. Maalaus "Pan" liittyy tähän sarjaan. Metsäjumala on kuvattu ryppyisenä vanhana miehenä, jolla on siniset silmät ja vahvat kädet.

Vrubelin elämän viimeiset vuodet oli tuomittu vakavaan mielenterveysongelmiin. Valaistumisen hetkinä hänessä syntyi uusia ideoita - "Profeetta Hesekielin visio", "Kuusiippinen Serafim". Ehkä hän halusi yhdistää, yhdistää työnsä kolme pääsuuntaa. Mutta tällainen synteesi oli jopa Vrubelin voimien ulkopuolella. Hautajaistensa päivänä Benois sanoi, että tulevat sukupolvet ”katsovat taaksepäin 1800-luvun viimeisiin vuosikymmeniin. kuten "Vrubelin aikakaudella" ... Hänessä aikamme ilmaantui kauneimpana ja surullisimpana asiana, mihin se pystyi.

Mihail Vasilievich Nesterov (1862-1942) kirjoitti varhaiset teoksensa Wanderersin hengessä. Mutta sitten hänen töissään kuulostivat uskonnolliset aiheet. Nesterov maalasi sarjan maalauksia, jotka on omistettu Sergei Radonežskille. Varhaisin niistä oli maalaus "Näky nuorille Bartolomeukselle" (1889-1890). Valkopäinen poika, joka arvalla nimitettiin Muinaisen Venäjän henkiseksi mentoriksi, noudattaa kunnioittavasti profeetallisia sanoja, ja koko luonto, loppukesän yksinkertainen venäläinen maisema, näytti olevan täynnä tätä kunnioituksen tunnetta. .

Luonnolla on erityinen rooli Nesterovin maalauksessa. Hänen maalauksissaan hän toimii "päähenkilönä" parantaen yleistä tunnelmaa. Taiteilija menestyi erityisesti pohjoisen kesän ohuissa ja läpinäkyvissä maisemissa. Hän tykkäsi piirtää Keski-Venäjän luontoa syksyn kynnyksellä, kun hiljaiset pellot ja metsät virittivät hänen odotuksiinsa. Nesterovilla ei juuri ole "autioituneita" maisemia, ja maalaukset ilman maisemia ovat harvinaisia.

Nesterovin teosten uskonnolliset aiheet ilmenivät parhaiten hänen kirkkomaalauksessaan. Hänen luonnosten mukaan Pietariin Aleksanteri II:n salamurhapaikalle rakennetun Kristuksen ylösnousemuksen kirkon julkisivuille tehtiin mosaiikkitöitä.

Taiteilija loi koko gallerian muotokuvia Venäjän merkittävistä ihmisistä. Useimmiten hän kuvasi sankareitaan ulkoilmassa jatkaen suosikkiteemaa ihmisen ja luonnon välisestä "vuoropuhelusta". L. N. Tolstoi vangittiin Yasnaya Polyana -puiston syrjäisessä nurkassa, uskonnolliset filosofit S. N. Bulgakov ja P. A. Florensky - kävelyn aikana (kuva "Filosofit").

Muotokuvasta tuli Nesterovin työn pääpaino neuvostovallan vuosina. Hän kirjoitti pääasiassa hengeltään läheisiä ihmisiä, venäläisiä älymystöjä. Hänen erityinen saavutuksensa oli akateemikko I. P. Pavlovin ilmeikäs muotokuva.

Nicholas Roerich (1874 - 1947) hän loi elämänsä aikana yli seitsemän tuhatta maalausta. He ovat koristaneet monien kaupunkien museoita maassamme ja ulkomailla. Taiteilijasta tuli maailmanluokan julkisuuden henkilö. Mutta hänen työnsä alkuvaihe kuuluu Venäjälle.

Roerich tuli maalaamiseen arkeologian kautta. Jo lukiovuosinaan hän osallistui muinaisten hautausaitojen kaivauksiin. Nuoren miehen mielikuvitus piirsi eloisia kuvia kaukaisista aikakausista. Kuntosalin jälkeen Roerich tuli samanaikaisesti yliopistoon ja Taideakatemiaan. Nuori taiteilija alkoi toteuttaa ensimmäistä suurta ideaansa - maalaussarjaa "Venäjän alku". Slaavit".

Ensimmäinen kuva tässä sarjassa, "Messenger. Nousu klaania vastaan”, kirjoitettiin Wanderersin tapaan. Jatkossa värillä alkoi olla yhä aktiivisempi rooli Roerichin maalauksessa - puhdas, intensiivinen, epätavallisen ilmeikäs. Joten kuva "Ulkomaanvieraat" on kirjoitettu. Voimakkaalla sinivihreällä värillä taiteilija onnistui välittämään joen veden puhtauden ja kylmyyden. Merentakaisen veneen keltainen karmiininpunainen purje roiskuu tuulessa. Hänen heijastuksensa murtuu aaltoiksi. Näiden värien leikkiä ympäröi valkoinen katkoviiva lentäviä lokkeja.

Kaikella antiikin kiinnostuksella Roerich ei jättänyt modernia elämää, hän kuunteli sen ääniä, tiesi kuinka saada kiinni, mitä muut eivät kuulleet. Hän oli syvästi järkyttynyt Venäjän ja maailman tilanteesta. Vuodesta 1912 lähtien Roerich loi sarjan omituisia maalauksia, joissa ei näytä olevan tarkkaa toimintapaikkaa, aikakaudet ovat sekoittuneet. Nämä ovat jonkinlaisia ​​"profeetallisia unia". Yksi näistä maalauksista on nimeltään "Viimeinen enkeli". Pyörteissä punaisissa pilvissä enkeli nousee ylös jättäen maan tulen nielaisiksi.

Sotavuosina maalatuissa maalauksissa Roerich yrittää luoda uudelleen uskonnon ja rauhanomaisen työn arvot. Hän kääntyy kansanortodoksisuuden motiiveihin. Hänen kankailleen pyhät laskeutuvat maan päälle, estävät ihmisten onnettomuuden, suojelevat heitä vaaroilta. Roerich valmistui tämän sarjan viimeiset maalaukset jo vieraassa maassa. Yhdellä heistä ("Zvenigorod") muinaisesta temppelistä tulee valkoisiin kaapuihin pukeutuneita pyhimyksiä kultaisilla haloilla ja siunaavat maata. Neuvosto-Venäjällä oli tuolloin kirkon vainoaminen, kirkkoja tuhottiin ja häpäistiin. Pyhät menivät ihmisten luo.

N. Berdjajevin käyttöönoton termi 1900-luvun venäläisen kritiikin mukaan. perinne, tarkoittaa taidetta, ennen kaikkea Venäjän kirjallisuutta 1800-1900-luvun vaihteessa. Alkuperäisessä kontekstissa se vastusti kulta-aikaa, johon kuului A.S. Pushkin, M. Yu. Lermontova, N.V. Gogol, pikemminkin negatiivisena ominaisuutena, koska hopeaaika, joka tulee kultaisen jälkeen, merkitsee rappeutumista, rappeutumista, rappeutumista. Nykykäytössä sillä ei ole arvioivaa luonnetta tai se sisältää ripauksen runoutta (kuun hopea, erityinen henkisyys).

Tälle konseptille on tunnusomaista merkityksen sumeaisuus sekä aikakehyksen että tiettyjen tekijöiden piirin osalta. Modernismi symbolismin ja jugendtyylin teoriana ja käytäntönä maalauksessa ja grafiikassa - nämä ovat taiteilijoita Vasnetsovista ja Semiradskysta Borisov-Musatoviin ja Siniseen ruusuun, kuvanveistäjiä - Antokolskysta Matveeviin, erityinen modernistinen arkkitehtuuri sekä teatteri- ja käsityöt.

XIX - XX vuosisadan vaihteessa. - venäläisen taidekoulun siirtymäkausi. Uusia visuaalisia keinoja etsittiin intensiivisesti, plein air -maalauksessa tehtiin tärkeitä löytöjä (saavutuksia värien saralla; erityistehtävät liittyen valo-ilmaympäristön ja värisuhteiden välittymiseen ulkoilmassa; maalauksen luonteen muuttaminen aiheet). Samalla säilytettiin perinteinen graafinen kieli, korostettiin uskollisuutta piirustuksen tavanomaiselle kuvapiirille. Taiteilijat etsivät lisääntynyttä värien koristeellisuutta, parempaa ilmaisua ja taiteellisen kuvan ilmeisyyttä. Se oli intohimon aikaa teatterin elegantille loistolle. Genret, jotka eivät olleet aiemmin olleet suosittuja, kehittyivät nopeasti - sisustus, asetelma.

Muodostivat uusia taiteellisia assosiaatioita, erilaisia ​​esteettisiä näkemyksiä. Vuonna 1898 Pietarissa A.N. Benois ja S.P. Diaghilev perusti taideyhdistyksen « Taiteen maailma". Diaghilevin toimittamana vuosina 1899–1904 julkaistiin aikakauslehti samalla nimellä. Lehden ensimmäisten numeroiden toimitukselliset artikkelit kiteyttivät selvästi "World of Art" -kirjan tärkeimmät säännökset taiteen autonomiasta, taiteen päätehtävästä - venäläisen yhteiskunnan esteettisten makujen koulutuksesta tutustumalla maailman taiteeseen. Kiitos erinomaisista esseistä A.N. Benois arvosti englantilaista ja saksalaista taidetta uudella tavalla, ja 1700-luvun kotimaisesta maalauksesta tuli venäläisen yhteiskunnan löytö. ja Pietarin klassismin arkkitehtuuri.

"Taidemaailman" taiteilijoille oli ominaista estetismi, kauneuden ymmärtäminen siroina, hienostuneena, hienosti koristeellisen grafiikan, tyylitelmän ja ornamentaalisen hallitseminen. "Taiteen maailman" omaperäisin perintö on erittäin taiteellinen kirjagrafiikka ja teatterimaisemat. Todellisuuden estetisoinnin periaatteet määrittelivät "taiteen maailman" jäsenten teosten uusromanttisen retrospektivismin (historialliset maisemat A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, kaiverrukset A.P. Ostroumova-Lebedeva, maalaustelinegrafiikka M.V. Dobuzhinsky, kirjagrafiikka I.Ya. Bilibin, teatterimaalaus A.Ya. Golovin, L.S. Bakst).

Vuonna 1901 muodostettiin "Venäjän taiteilijoiden liitto" - "taiteen maailmasta" ja vaeltajien yhdistyksestä eronneista nuorista. Suurin osa sen jäsenistä työskenteli runollisen arkielämän genressä ja impressionistien tekniikassa. "liiton" jäsen Vasily Nikolaevich Baksheev(1862-1958) - maalausten kirjoittaja, jotka kertovat isien ja lasten sukupolvien välisestä suhteesta vuosisadan vaihteessa: "Arjen proosa" (1892), "Pöydässä. Häviäjät "(1901); ne toteutetaan hieman epämääräisten linjojen tapaan säilyttäen samalla yhteiskunnallisesti merkittävän "vaeltavan" teeman. Toinen liiton jäsen Igor Emmanuilovich Grabar(1871-1960) jo vallankumouksen jälkeisellä kaudella hän toimi Neuvostoliiton päätaiteilijana, joka työskenteli melko karkeiden ja ajoittaisten siveltimenvedojen tekniikassa. Grabar maalasi talvimaisemia (“Helmikuun sininen”, “Maaliskuun lumi”, molemmat 1904, “Selittää”, 1928) ulkoilmassa, ottaen huomioon ranskalaisten impressionistien saavutukset, mutta ei halua sokeasti matkia niitä, hän kirjoittaa venäjäksi, puhtaissa väreissä, tiheä kerros suuria viivoja.

Heinrich Ippolitovich Semiradsky(1843-1902) ja Juli Julievich Klever(1850-1924) eivät olleet kumppanuuksien ja liittojen jäseniä, olivat johdonmukaisia ​​puhtaan taiteen kannattajia ja välttelivät sosiokriittisen maalauksen genreä. Molemmat kehittivät tunnusomaisen tyylin, joka antoi heidän työlleen kirkkaan yksilöllisyyden, omaperäisyyden ja tunnistettavuuden. Semiradsky paljasti suurenmoisilla historiallisilla kankaillaan viihdyttävän klassisen tarinan muinaisesta historiasta tai mytologiasta. Realismi yksityiskohdissa ja toiminnan ilmapiiri viivyttivät katsojaa maalauksissaan pitkään, mikä vaati huolellista harkintaa. Ne julkaistiin usein sanoma- ja aikakauslehtien sivuilla, taidepostikorteilla. Clover oli alkuperäinen maisemamaalari. Hän ei pyrkinyt kuvan tarkkuuteen ja uhrasi sen vapaasti kuvan ilmaisukyvyn vuoksi. Hän maalasi mielellään syksyn ja talven niiden ankarilla ja ankarilla koristeellisilla vaikutuksilla; arvosti alleviivatun pisteen, siluetin, ääriviivan ilmeisyyttä: niillä oli usein suuri rooli hänen maalauksissaan. Hän nautti erityisesti auringonlaskuista talvimetsässä. Neuvostoliiton aikana hänen nimensä oli melkein unohdettu, ja kankaat olivat esillä yksinomaan maakuntien museoissa, koska viimeinen Venäjän keisari oli hänen työnsä fani.

86. Venäjän "hopeaaika": kirjallisuus. Symboliikka

Koko 1800-luvun Venäläinen kirjallisuus oli koko venäläisen lukuyleisön ajatusten ja sielujen hallitsija. Kirjallisuus oli enemmän kuin kirjallisuutta, se oli yleinen mielipide maassa, jossa sen ei olisi pitänyt olla. Perinne noudattaa kirjallisuuden saneluja johti 1800-luvun loppuun. venäläinen lukija on umpikujassa, koska lukuisia kunkin taiteen sisällä syntyneitä "trendejä", ryhmiä, assosiaatioita ilmestyi, julistivat taiteellisia asenteitaan teoreettisissa manifesteissa. Acmeismi ja futurismi, jotka perivät symbolismin, vastustivat sitä eri perustein, kritisoimalla samanaikaisesti toisiaan ja kaikkia muita suuntauksia. Oman luovan ohjelman noudattamisesta tuli runoilijoille ja kirjailijoille tärkein arvo.

Symbolismista, akmeismista ja futuristisuudesta tulee "hopeakauden" mukaisia ​​pääsuuntia.

Symbolismi on ensimmäinen ja suurin Venäjällä syntyneistä modernistisista liikkeistä. Hänen ideologinsa oli Dmitri Sergeevich Merezhkovsky(1866 - 1941). Vuonna 1892 hän piti luennon "Modernin venäläisen kirjallisuuden laskun syistä ja uusista suuntauksista", jossa hän perusteli teoreettista symbolismia: hän väitti, että se oli juuri "mystinen sisältö", symbolin kieli ja impressionismi, joka laajentaisi modernin venäläisen kirjallisuuden "taiteellista vaikuttavuutta". Ja vähän ennen esitystä julkaistiin hänen runokokoelmansa "Symbols", joka antoi nimen uudelle runolliselle suunnalle. Avainkäsite oli symboli - polysemanttinen allegoria. Symboli sisältää perspektiivin merkityksen rajattomaan laajenemiseen. Kaksi vuotta myöhemmin julkaistiin runokokoelma "Venäjän symbolistit", itse asiassa kaiken siinä julkaistun kirjoittaja oli Valeri Jakovlevich Bryusov(1873 - 1924). Hänen mottonsa oli opinnäytetyö: taide on "maailman ymmärtämistä muilla, ei-rationaalisilla tavoilla". Häntä voidaan pitää myös uuden runouden teoreetikkona ja harjoittajana. Symboli on täysimittainen kuva, ja sen merkityksen mahdollisen ehtymättömyyden lisäksi mukana on myös säkeen "dionysilaista" musiikkia. Bryusov pysyi ikuisesti "epämääräisen paratiisin etsijänä", mestarina, joka osoitti, että runoilija voi välittää kaiken sana-symboli-tunteelle ominaisen inhimillisen intohimon monimuotoisuuden.

Venäläisen symbolismin poetiikan löydöt koostuvat "muodollisista" innovaatioista, runollisen sanan liikkuvuudesta ja monitulkintaisuudesta; uusissa lisäsävyissä ja merkityksen puolissa. Runolliseen fonetiikkaan ilmestyi uusia assonansseja (riimejä) ja näyttäviä alliteraatioita (identtisten tai homogeenisten konsonanttien toistoa).

Ratsastamme pitkin merta, pitkin merta, pitkin merta...

Rantaa pitkin - lunta, hiekkaa ja pensaita;

Meren ja taivaan välissä, kuvioita avaruksia,

Siinä on sinertävän viivan puoliympyrä.

(V. Ya. Bryusov).

Zinaida Nikolaevna Gippius(1869 - 1945) - epänaisellisen vahvan runouden kirjoittaja; lempinimien kantaja erinomaisista loukkaaviin, mutta aina ihaillen; "hopeakauden" symboli, symbolismin runous. Symboliikka ei ollut hyvin käyttäytyvää eikä yhtenäistä. Nöyryys ja kapina esiintyivät hänessä rinnakkain. Nuoren runoilijan runoissa tämä ilmaistaan ​​tunteena liukumisesta kuiluun, joka kuitenkin osoittautuu hänelle henkilökohtaisesti petolliseksi.

Puoliksi kuihtunut lilja tuoksu

Unelmani peittävät keuhkoni.

Liljat kertovat minulle kuolemasta

Siitä ajasta, jolloin olen poissa.

(Seuraa minua, 1895).

Nykyajan taidetta eri ideoineen, tyyleineen ja muodoineen yhdistää halu kyseenalaistaa kaikki. Vuosisatoja suunnitellut maamerkit ovat menettäneet varmuutensa: paheesta on tullut heikkous, heikkous - hyve, hyve - tekopyhyys, tekopyhyys - rikos. Tällaisessa maailmassa ei voi elää vakavasti, koska mihinkään ei voi luottaa - ei tunteisiin eikä "empiiriseen käsitykseen ajan ja etäisyyden, hyvän ja pahan, lain ja oikeudenmukaisuuden käsitteistä, ihmisen käyttäytymisen luonteesta yhteiskunnassa", ilmiöön. syntyy moraalinen anarkia - "kiinnostava ja uhkaava samaan aikaan. Siksi tällainen ominaisuus syntyy keinotekoisuutena, joka ei ole luonnostaan ​​vain symbolistien säkeissä.

Gippiuksen liiallinen meikki on kuin naamio, ja naamio on teatraalisuuden symboli; omituiset asut (valkoiset siivet iltapuku, otsassa nauha rintakorulla) ovat Vapauden symboli ja protesti yleisesti hyväksyttyä vastaan, samoin kuin A. Blokin musta frakki on universaalin Surun symboli, ja hänen villapaitansa on jo pidetyn luovan vapauden symboli. Gippius kulki Pietarissa ja Pariisissa hämmennystä herättävissä mekoissa, käytti säädyttömän kirkkaita kosmetiikkaa, käytti Sarah Bernhardtin tavoin jättimäisiä koruja, kutoi valtavia kukkia hiuksiinsa ja niin edelleen vanhuuteen asti. Eikä kyse ole yrittämisestä piilottaa "todelliset kasvonsa eri naamioiden alle, jotta kukaan ei arvaisi, saisi selville kuka hän on, mitä hän haluaa ...", vaan siitä, että hän piti itseään luojana, luoden itsensä, oman imagonsa , tyyli , oma maailma. Hän osallistui "uuden uskonnollisen tietoisuuden", uuden moraalin jne. luomiseen.

Hän piti itseään kristittynä, mutta perinteinen ortodoksisuus ei sopinut hänelle. Tässä hän ei ollut yksin; ajatus uskonnollis-filosofisista kokoonpanoista, joka kuului hänelle, löysi vastauksen tuon ajan vakavien ajattelijoiden keskuudessa. Kokousten tavoitteeksi julistettiin älymystön ja kirkon keskinäisen ymmärryksen luominen. Itse asiassa molemmat osapuolet yrittivät käännyttää keskustelukumppanin "uskoonsa". "Kolmannen testamentin", lihan ja hengen liiton, saarnaaminen, kehotukset kuunnella ajan kutsua eivät löytäneet ymmärrystä kirkkopiireissä.

Konstantin Dmitrievich Balmont(1867 - 1942) kaipasi "venäläisen hitaan puheen hienostuneisuutta". Kaikista symbolistisista runoilijoista hänet erottui erityinen melodiaisuus ja säkeen erityinen soiniteetti. Määritellen symbolistista runoutta, Balmont kirjoitti: "Tämä on runoutta, jossa kaksi sisältöä orgaanisesti ... yhdistyvät: piilotettu abstraktio ja ilmeinen kauneus ...".

Andrei Bely(1880 - 1934) loi erityisen kirjallisen esityksen, jotain runouden ja proosan väliltä. Ero runoon on riimin ja metrin puuttuminen; proosasta - myös merkittävä ero linjojen erityisessä melodisuudessa.

Taivaansininen on vaalea: katsoo varjoon

Hulksin kivikasvot:

Pimeästä yöstä valkoiseen päivään

Nopeat huiput välähtävät.

Tunti toisensa jälkeen, päivä päivältä

Yhdistä meidät ikuisesti

Silmiesi valot loistavat

Puolisuljetuissa silmäluomissa.

Merezhkovsky, Gippius, Bryusov, Balmont ja muut - tämä on ryhmä "vanhempia" symbolisteja, jotka olivat suunnan aloitteentekijät. 1900-luvun alussa syntyi joukko "nuorempia" symbolisteja - Bely, S. Solovjov, Vyach. Ivanov, A. Blok ja muut.

87. Venäjän "hopeaaika": kirjallisuus. Acmeismi ja futurismi

Korvasi symbolismin 1910-luvulla. tuli acmeismi(kreikan sanasta "acme" - jonkin korkein aste, kukinnan aika). Acmeismi julisti konkreettis-aistillisen todellisuuden havainnoinnin, sanan alkuperäisen merkityksen palauttamisen ja, toisin kuin symbolistit, ei-symbolisen merkityksen käytön. Akmeismin perustajia pidetään Nikolai Stepanovitš Gumiljov(1886 - 1921) ja Sergei Mitrofanovitš Gorodetsky. Gumiljov on vahva persoonallinen laulaja, individualisti ja aristokraatti. Hän kirjoitti runoja eksoottisista maista, sodista ja sotureista, väkivaltaisista intohimoista ja syvistä tunteista. Hänet ammuttiin syytettynä osallistumisesta vastavallankumoukselliseen järjestöön.

Useammin kuin kerran muistat minut

Ja koko maailmani, jännittävä ja outo,

Naurettava laulujen ja tulen maailma

Mutta muiden joukossa yksi on petollinen.

Luominen Anna Andreevna Akhmatova(1889 - 1966) on erityinen paikka acmeismin runoudessa. Hänen ensimmäinen runokokoelmansa "Ilta" julkaistiin vuonna 1912. Jo silloin hänen runouden erityispiirteet olivat ilmeisiä: intonaatioiden pidättyvyys, teeman korostunut läheisyys, psykologisuus. Suurin osa A. A. Akhmatovan työstä kuuluu Neuvostoliiton aikaan. Varhaisille runoille ominaista surua ja surua on säilynyt hänen runoissaan ikuisesti hänen henkilökohtaisen elämänsä olosuhteiden yhteydessä.

Futurismi(lat. tulevaisuudesta) - 1900-luvun alun eurooppalaisen (italialaisen) ja venäläisen taiteen avantgardistinen suuntaus, joka heijastaa taiteellista ja moraalista perintöä ja saarnaa muotojen ja sopimusten tuhoamista. Futurismi syntyi vuosina 1912-1913. Futurismi on heterogeenista, siinä on monia ryhmiä, se liittyy taiteelliseen avantgardismiin: futuristit ovat lähes aina runoilijoita ja yhdeksi rullattuja taiteilijoita (V. Majakovski, V. Hlebnikov, Burliukin veljekset). Sille on ominaista uusimpiin tieteellisiin ja teknologisiin saavutuksiin perustuva poetiikan ja maalauksen kokeilu; halu rationaalisesti perustella luovuutta; samoin kuin poliittinen vasemmisto. Helmikuun 1917 jälkeen he perustavat "Maapallon hallituksen".

Järkytys on futuristien tärkeä tyyliväline. Runokokoelmaan "Yleisen maun lyöminen kasvoja" liittyi kuubofuturistien manifesti, joka julisti teesit: 1. heittää pois klassisen kulttuurin; 2. maallikon, itse maallikon, kunnioittama kirjailija; 3. Kirjoittajalla on oikeus lisätä sanavarastoaan mielivaltaisilla sanoilla. Muodollisen tyylin suhteen futuristit päivittivät monien sanojen merkityksiä, muuttivat dramaattisesti tekstin semanttisten pilareiden välistä suhdetta. He loivat "siirretyn rakenteen" kaanonin, joka tunnetaan meille runoudesta. Vladimir Vladimirovich Majakovski(1893 - 1930). Julistaessaan kielen depoetisointia, käyttämällä tyylillisesti "sopimattomia" sanoja, vulgarismia, teknisiä termejä, futuristit käyttivät "syrjäytymistä" herättääkseen huomion. Tietoisen syrjäytymisen tunne syntyi, koska pelkistettyä mielikuvitusta tai vulgarismia käytettiin "vahvissa asemissa", joissa perinne saneli esimerkiksi ylevän romanttisen tyylin.

Futurismin suuntiin kuuluvat mm. kuubo-futuristit(avantgarde-taiteilijat ("Jack of Diamonds") ja kirjailijat "Gileasta"), Velimir Hlebnikov, Burlyukov, Majakovski; egofuturismi Igor Severyanin; mielikuvitusta- futurismin vaikutuksesta syntynyt 1900-luvun venäläisen runouden kirjallinen suuntaus, jonka edustajat totesivat, että luovuuden tavoitteena oli luoda kuva metaforan avulla (Sergey Yesenin, Nikolai Erdman, Vadim Shershenevich).

Suurin luova radikalismi erottui Velimir Khlebnikov(1885 - 1922). Hänen runoilleen on ominaista epätavallinen sanavarasto (suuren määrän neologismien keksiminen), syntaktisten normien tahallinen rikkominen, sellaisten metaforatekniikoiden aktiivinen käyttö kuin personifikaatio (elävien esineiden ominaisuuksien siirtäminen elottomiin) ja pleonasmi (aloista kreikka. arvon mukaan). Esimerkkinä voisi olla kuuluisa runo "Heinäsirkka" (1912):

Siivekäs kultakirjoitus

ohuimmat suonet,

Heinäsirkka laittaa kehon vatsa

Rannikkoyrttejä ja veraa on monia.

"Poks, potki, potki!" - Zinziver jyrisi.

Voi joutsen!

Voi loistoa!

Modernismin kirjallisuus. Tietoisuuden virta -menetelmä

Modernin englantilaisen kirjailijan Paul Johnsonin mukaan A. Einsteinin moraalirelativismia julistava suhteellisuusteoria liittyi epäsuorasti modernistisen kirjallisuuden syntymiseen, jonka perustajiksi hän kutsui Marcel Proustia ja James Joycea. Maailma ei ole sitä miltä se näyttää, fysiikka väitti. Yhteiskunta vastasi: tunteisiin, ajan ja etäisyyden, hyvän ja pahan, lain ja oikeuden käsitteiden empiiriseen havaintoon, ihmisen käyttäytymisen luonteeseen yhteiskunnassa ei voi luottaa. Henkilökohtaisen vastuun ja velvollisuuden tunne heikkeni. On moraalisen anarkian aika.

Sigmund Freudin teoria (The Interpretation of Dreams, 1900) on myös mukana uusien tyylimuotojen syntymisessä kirjallisuudessa - gnostisessa teoriassa, jolla ei ole biologista perustaa, mutta joka vaikutti yleiseen mielialaan. Kaikki olivat vakuuttuneita piilotetun tietojärjestelmän olemassaolosta; että näkyvässä sisällössä piilee piilevä (piilotettu) merkitys, joka ei ole identtinen ulkoisen kanssa. Sloganista on tullut suosittu: kaikki mikä ei ole ilmeistä, voidaan tulkita!

Kaikella vaikutuksella 1900-luvun kirjallisuuteen. Proustin ja Joycen romaaneja ei voida tunnustaa pioneereiksi. Unelmien merkitys teoksen juonen kehitykselle oli pitkäaikainen ja yleisesti tunnustettu kirjallinen laite. Mutta perinteinen oli unien tulkinta kansankulttuurin mukaisesti profeetallisiksi uniksi. Esimerkiksi Grinevin unelma A.S. Pushkin "Kapteenin tytär" Missään ei ole niin paljon unelmia kuin teoksissa Fjodor Mihailovitš Dostojevski(1821 - 1881) - "Naurettavan miehen unelma", "sedän unelma", Dmitri Karamazovin unelma "lapsesta" jne. Kirjoittaja onnistui välittämään erittäin tarkasti ihmisten tunteet, ajatukset, fantasiat, unelmat jotka olivat menettäneet tukensa todellisessa maailmassa. Heidän unelmistaan ​​tulee toinen todellisuus, tärkeämpi kuin ensimmäinen.

Tarinan "Naurettavan miehen unelma" juoni on seuraava. Nukahtamisen jälkeen yksinäinen nuori mies, jota kaikki pitävät "suurilla kummallisuuksilla", siirretään maailmaan, joka näyttää ulkoisesti täsmälleen maapallolta, mutta jossa ei ole vihaa, kateutta, kateutta. Sankari alkaa kertoa siellä asuville maailmansa paheista, ja sen seurauksena heidän maailmaansa juurrutetaan vihaa, kateutta, kateutta ja varkautta. He alkavat halveksia häntä sielläkin.

Venäläisen kirjallisuuden huomio ihmisen alitajuntaan, toiminnan ja tunteiden tiedostamattomien impulssien jäljittämiseen jatkui "hopeakaudella". "Tajunnanvirta" -tekniikka, epälineaarinen kerronta, leitmotiivien ja montaasin käyttö tekstin organisoinnin periaatteina, kuvien ilmeisyys ja epäloogisuus löytyvät F. Sologubin teoksesta "The Little Demon" (1905), "Petersburg" ( 1913-1914), kirjoittanut A. Bely.

Marcel Proust(1871 - 1922) julkaisi Under the Shade of Girls in Bloom vuonna 1919. Tämä oli alku laajalle kokeilulle katkaistua aikaa ja piilotettuja seksuaalisia tunteita. Kuusi kuukautta myöhemmin hän sai siitä Prix Goncourtin, mutta levikki ei myynyt hyvin: yleisö ei ymmärtänyt romaania, vaikka he yrittivät.

irlantilainen kirjailija James Joyce(1882 - 1941) julkaisi kuuluisan romaaninsa "Ulysses" vuonna 1922. Romaani kertoo yhdestä päivästä (16.6.1904) 38-vuotiaan Dublinin juutalaisen Leopold Bloomin ja 22-vuotiaan miehen elämässä. Stephen Daedalus.

Bloom on epäillyt laulajavaimoaan Mollya pettäneen impressarionsa kanssa koko päivän, mutta hän itse on huolissaan rakkaussuhteidensa järjestämisestä. Hän kävelee pitkin rantoja, missä hän tarkkailee nuoria tyttöjä, pitkin pubeja, joissa hän kohtaa shinfeinejä; menee kirjakauppoihin, joissa hän ostaa masokistisen sisällön kirjoja. Äitinsä hiljattain hautannut Stephen Dedalus haluaa tulla tunnustetuksi Shakespearen tutkijaksi, mutta kukaan ei hyväksy sitä. Toisilla on menestystä. Turhautuneena Stephen menee bordelliin, jolloin Leopold kiinnittää häneen huomiota ja tuntee odottamatonta myötätuntoa ja lähtee hänen peräänsä. Bordellissa molemmat sankarit juovat, polttavat oopiumia, jäävät eläkkeelle, kumpikin yksinään. Stephen näkee harhautuneen äitinsä moittelevan häntä, ja hän pakenee bordellista. Leopold seuraa häntä, sitten he istuvat puoli yötä aluksi yöteehuoneessa ja puhuvat kaikenlaista hölynpölyä, sitten he jatkavat outoa keskustelua Bloomin keittiössä kaakaota juomalla. He menevät ulos puutarhaan, virtsaavat yhdessä ja menevät nukkumaan. Bloom makaa sängyssä vaimonsa kanssa miettien tämän uskottomuutta; hän ajattelee samaa - miehestään, rakastajista ja paljon muuta neljäkymmentä sivua ja ilman välimerkkejä. Tätä kutsutaan tietoisuuden virraksi - ajatusjonoksi, jota yhdistävät omituiset ja kaukana ilmeiset assosiaatiot ja nivelsiteet.

Tietoisuusvirta on tekniikka, jota käytetään kirjallisessa kontekstissa hahmojen lausumattomien ajatusten ja tunteiden kuvaamiseen ilman objektiivista kuvausta tai tavanomaista dialogia. Sen tarkoituksena on tarjota tekstillinen vastine kuvitteellisen hahmon ajatusvirralle. Tämä luo vaikutelman, että lukija salakuuntelee sankarin mielessä tapahtuvaa ajatusvirtaa ja pääsee käsiksi hänen yksityisiin ajatuksiinsa. Tämä muuttuu kirjoitetun tekstin kirjalliseksi muodoksi, joka ei ole yksiselitteisesti suullista eikä kirjoitettua.

Modernistisen kirjallisuuden yhteisiä piirteitä. 1. Nykyaikaisten proosakirjailijoiden suosikkihahmo on "pieni mies", useimmiten keskivertotyöntekijän kuva. 2. Ajatus elämän järjettömyydestä ja tarkoituksettomuudesta. Hahmojen elämänpolku on sarja tilanteita, henkilökohtainen käyttäytyminen on sarja valintoja, ja todellinen valinta toteutuu "rajatilanteessa", usein epärealistisissa tilanteissa. 3. Täydellinen yksinäisyys: henkilöllä on oikeus luoda henkilökohtaiset moraalinormit tekemällä vapaan valinnan. 4. Henkilö asuu aggressiivisessa ympäristössä; yhteiskunnan vihamielisyys irrationaalista, ellei suoraan sanottuna mystistä henkilöä kohtaan. Modernististen proosakirjailijoiden kuvassa paha, kuten tavallista, ympäröi sankareita kaikilta puolilta. 5. Taiteellisen ympäristön universalismi: kaikki mitä tapahtuu modernistien teosten sankareille tapahtuu aina ja kerran, kaikkialla ja ei missään. 5. Sellaisen uuden tekniikan löytäminen sisäisen monologin esittämiseksi "tietoisuuden virtana", jossa sekä sankarin tunne että se, mitä hän näkee, sekä ajatukset syntyvien kuvien aiheuttamiin assosiaatioihin sekä niiden esiintymisprosessi, sekoitetaan ikään kuin "muokkaamattomassa muodossa". Tämä on uusi keino tunkeutua ihmisen sisäiseen maailmaan, erityinen näkökulma ihmisen yksilöllisyyteen ja häntä ympäröivään maailmaan yleensä, käyttämällä metaforista tai fantastista jokapäiväisen elämän kuvassa, mahdollistaa laadullisesti erilaisia ​​yleistyksiä.

Hopeaaika venäläisessä taiteellisessa kulttuurissa

Hopeakausi venäläisen taiteen historiassa on korkeimman nousun aikaa, jota voidaan ehkä verrata impressionistisen aikakauden ranskalaisen taiteen nousuun. Uusi tyyli venäläisessä taiteessa syntyi 80-luvulla. 1800-luvulla saanut vahvasti vaikutteita ranskalaisesta impressionismista. Sen kukoistusaika oli 1800- ja 1900-luvun vaihteessa. Ja 10-luvun lopulla. 1900-luvulla venäläisen taiteen jugendtyyli, johon hopeakausi liittyy, on menettämässä hallitsevan roolinsa uusille suuntauksille.

Useita vuosikymmeniä sen rappeutumisen jälkeen hopeakauden taidetta pidettiin rappeutumisena ja huonona makuna. Mutta toisen vuosituhannen loppua kohti arviot alkoivat muuttua. Tosiasia on, että henkisen kulttuurin kukintaa on kahdenlaisia. Ensimmäiselle on ominaista voimakkaat innovaatiot ja suuret saavutukset. Eläviä esimerkkejä tästä ovat 5.-4. vuosisadan kreikkalaiset klassikot. eKr. ja erityisesti Euroopan renessanssi. Venäläisen kulttuurin kulta-aika on 1800-luku: A. S. Pushkin, N. V. Gogol, A. A. Ivanov, P. I. Tšaikovski, L. N. Tolstoi, F. M. Dostojevski ja monet muut. Toinen tyyppi erottuu hänen luomiensa arvojen eleganssista ja hienostuneisuudesta, hän ei pidä liian kirkkaasta valosta ja liittyy kuuhun, ja jälkimmäinen puolestaan ​​​​tunnistetaan perinteisesti hopeaan ja naiseuteen. (toisin kuin maskuliininen auringonpaiste ja kulta). Hopeakauden taide kuuluu ilmeisesti toiseen tyyppiin.

Hopeaaika venäläisessä kulttuurissa on laaja käsite. Tämä ei ole vain maalausta ja modernin arkkitehtuuria, ei vain symbolistista teatteria, joka ilmensi ajatusta taiteiden synteesiä, kun taiteilijat ja säveltäjät työskentelivät yhdessä ohjaajien ja näyttelijöiden kanssa esityksen tuotannossa, tämä on symbolistista kirjallisuutta, ja erityisesti runous, joka tuli maailmankirjallisuuden historiaan nimellä "Hopean ajan runoutta". Ja ennen kaikkea se on aikakauden tyyli, se on elämäntapa.

Jopa XIX vuosisadan puolivälissä. romantiikan edustajat haaveilivat yhden tyylin luomisesta, joka voisi ympäröidä ihmisen kauneudella ja muuttaa siten elämää. Maailman muuttaminen taiteen avulla - sellaisen tehtävän asettivat kauniin luojat Richard Wagner ja prerafaeliitit. Ja jo XIX vuosisadan lopussa. Oscar Wilde sanoi, että "elämä jäljittelee taidetta enemmän kuin elämän taidetta". Käyttäytymisen ja elämän teatralisointi oli selvä, peli alkoi määrittää paitsi taiteellisen kulttuurin luonnetta myös sen tekijöiden elämäntapaa.

Runon tekeminen elämästäsi on tärkein tehtävä, jonka hopeakauden sankarit asettavat itselleen. Runoilija Vladislav Khodasevich selittää sen näin: "Symbolistit eivät ensinnäkään halunneet erottaa kirjailijaa persoonallisuudesta, kirjallista elämäkertaa henkilökohtaisesta. Symbolismi ei halunnut olla vain taidekoulu, kirjallinen liike. Koko ajan hän yritti tulla elämää luovaksi menetelmäksi, ja tämä oli hänen syvin, ehkä mahdoton totuus; ja tähän jatkuvaan pyrkimykseen virtasi itse asiassa koko sen historia. Se oli sarja, toisinaan todella sankarillisia yrityksiä löytää moitteettoman todellinen elämän ja luovuuden fuusio, eräänlainen filosofinen taiteen kivi.

Tässä tehtävässä oli myös pimeitä puolia. Liiallinen puhe ja eleet, järkyttävä puku, huumeet, spiritismi - vuosisatojen partaalla kaikki tämä oli merkkejä valitusta ja aiheutti eräänlaista snobismia.

Jyrkästi joukkoja vastustava kirjallinen ja taiteellinen bohemia etsi uutuutta, epätavallisuutta, kokemusten terävyyttä. Yksi tavoista selviytyä arjesta oli okkultismi sen monipuolisimmissa ilmenemismuodoissa. Taika, spiritualismi ja teosofia houkuttelivat uusromanttisia symbolisteja paitsi värikkäänä materiaalina taideteoksille myös todellisina tavoina laajentaa omaa henkistä horisonttiaan. He uskoivat, että maagisen tiedon hallitseminen tekee ihmisestä lopulta jumalan, ja tämä polku on täysin yksilöllinen kaikille.

Venäjälle on ilmestynyt uusi kirjallisuuden ja taiteen älymystön sukupolvi; se erosi selvästi "60-luvun" sukupolvesta paitsi luovien kiinnostusten suhteen; Myös ulkoiset erot olivat silmiinpistäviä. World of Arts, Blue Bearers, Symbolistit ja Acmeistit kiinnittivät vakavaa huomiota pukuun ja ulkonäköön yleensä. Tätä suuntausta kutsutaan venäläiseksi dandyismiksi; se on tyypillistä selkeästi länsimaisen suuntautuneille ihmisille.

"On mahdotonta kuvitella K.A. Somovia, tunnustettua uljasten kohtausten mestaria", kirjoittaa Yu.B. Demidenko, "joka loi maalauksissaan huolellisesti ja rakkaudella uudelleen "viehättäviä ja ilmavia pienten esineiden hengen", pukeutuneena tylsään vanhaan- muokattu mekkotakki tai tumma työpusero. Hän käytti erikoisleikkaustakkeja, erittäin hienoja solmioita. M. Vrubel ja V. Borisov-Musatov, L. Bakst, S. Diaghilev ja muut taiteen maailman ihmiset pukeutuivat yhtä kauniisti. Tästä on monia todistuksia. Mutta Mihail Kuzminia pidetään oikeutetusti Pietarin kuninkaana hopeakauden esteetteinä. Valkokivi ei myöskään jäänyt jälkeen; monilla "Golden Fleece"- ja "Scales" -lehtien toimitusten työntekijöillä oli myös täysi oikeus tulla kutsutuksi venäläisiksi dandikeiksi.

Elämän teatralisointi sujui sujuvasti karnevaaliksi. Toisin kuin länsimielinen esteettinen bohemia, kansallisen idean kannattajat pukeutuivat maaseutu- ja useammin näennäiskyläasuihin. Aluspaidat, silkkipaidat, puserot, marokkosaappaat, jalkakengät jne. Yesenin, Klyuev, Chaliapin, Gorky käyttivät mielellään. Sekä länsimaalaiset että slavofiilit olivat vuosisadan alun yhtä lailla halunneet ilmaista esteettisiä periaatteitaan käyttäytymisessä ja näin siltata elämän ja taiteen välistä kuilua.

Hopeakausi Venäjällä synnytti melkoisen määrän kaikenlaisia ​​piirejä ja tapaamisia eliittille. "Taiteen maailman" perustajat aloittivat matkansa järjestämällä itsekoulutuspiirin, he kutsuivat itseään autodidakteiksi. Ensimmäisissä tapaamisissa tehtiin raportteja kuvataiteen kehitykseen liittyvistä aiheista.

Vuosisadan alun kuuluisin ja samalla hyvin salaperäisin tapaaminen Pietarissa oli keskiviikkona

Vjatšeslav Ivanov - legendaarisessa tornissa. Yksi syvällisimmistä venäläisen symbolismin ajattelijoista, Vjatš Ivanov, rakasti F. Nietzschen filosofiaa ja oli syvällinen antiikin kulttuurin tuntija; Hän oli erityisen kiinnostunut dionysoisista mysteereistä (hänen tätä aihetta käsittelevä pääteoksensa, Dionysos ja Pradonisilainen, julkaistiin myöhässä vasta vuonna 1923). Ivanovin asunnosta, joka sijaitsee Tavricheskaja-kadun kulmatalon ylimmässä kerroksessa, jonka yläpuolelle torni kohotti, tuli symbolismin taiteellisen ja kirjallisen eliitin kokoontumispaikka. K.Somov, M.Dobuzhinsky, A.Blok, Z.Gippius, F.Sologub, Vs.Meyerhold, S.Sudeikin vierailivat täällä usein. Ivanovin tornia ympäröi monia huhuja. Aidosti tiedetään, että siinä järjestettiin dionysolaisia ​​pelejä juoma- ja muinaisiin vaatteisiin pukeutumalla. Täällä pidettiin spiritistisiä seansseja, soitettiin improvisoituja esityksiä, mutta pääasia oli raportit ja keskustelut erilaisista filosofisista, uskonnollisista, esteettisistä asioista. Vjatš Ivanov ja hänen työtoverinsa saarnasivat tulevaa Pyhän Hengen ilmestystä; oletettiin, että pian syntyy uusi uskonto - kolmas testamentti (ensimmäinen - Vanha testamentti - Isältä Jumalalta; toinen - Uusi testamentti - Jumalalta Pojalta; kolmas - Pyhästä Hengestä). Luonnollisesti ortodoksinen kirkko tuomitsi tällaiset ajatukset.

Tällaisia ​​piirejä ja yhteisöjä oli kenties kaikissa Venäjän valtakunnan kulttuurikeskuksissa; Hieman myöhemmin niistä tuli olennainen osa venäläisen siirtolaisen elämää.

Toinen merkki hopeakauden elämän teatralisoitumisesta on monien kirjallisten ja taiteellisten kabareeiden syntyminen. Pietarissa kabareeteatterit "Stry Dog" ja "Commedian's Halt" olivat suosituimmat, Moskovassa - "Lepakko".

Nikita Balijevin vuonna 1908 järjestämä teatterikabaree "Lepakko" tuli erityisen kuuluisaksi vuonna 1915, jolloin se asettui kuuluisan pilvenpiirtäjän - Nirnsee -talon kellariin Bolshoy Gnezdnikovsky Lane -kadulle. Taiteilija Sergei Sudeikin maalasi eteisen, ja verho valmistettiin hänen luonnoksensa mukaan. Tämä kabareeteatteri kasvoi suoraan Moskovan taideteatterin iloisista sketseistä, jossa Nikita Balijev aloitti näyttelijänuransa. "The Bat" ohjelmisto koostui teatteriminiatyyreistä, operetteista ja melko vakavista esityksistä. Pöydissä pureskeleva yleisö korvattiin lopulta katsojilla tuoliriveissä. Moskovan taiteellinen maailma lepäsi ja viihdytti täällä. Vuonna 1920 Balijev muutti joukon parhaan osan kanssa.

Joten yksittäinen tyyli, joka syntyi Venäjältä ja josta tuli synonyymi hopeakauden käsitteen kanssa, oli todella universaali, koska - vaikkakin lyhyeksi ajaksi - se kattoi paitsi kaikki luovuuden alueet, myös suoraan evien ihmisten elämän. de siecle aikakausi. Sellaista on jokainen hieno tyyli.

Vrubel
1856 –1910

Kuusiipinen serafi on yksi Vrubelin viimeisistä teoksista. Hän kirjoitti sen sairaalassa vaikeassa mielentilassa. Uusimmissa maalauksissaan Vrubel poikkeaa realismista hahmojen ja tilan kuvauksessa. Hän kehittää aivan erityisen, vain hänelle ominaisen mosaiikkivedon, joka vahvistaa muoviratkaisun koristeellista vaikutusta. Hengellisen valon värähtelyn tunne tunkeutuu koko kuvaan.

"Kuusiippinen serafi", ilmeisesti inspiraationa A. S. Pushkinin kuuluisa runo "Profeetta". Kuva nähdään "Demonin" tasolla ja johtaa myöhempiin - "Profeetan pää" ja "Profeetta Hesekielin näky".

Serov
1865 –1911

Taiteen maailmasta Valentin Serov oli lähinnä realistista perinnettä. Ehkä hän oli merkittävin hopeakauden venäläisistä muotokuvamaalareista. Hän loi muotokuvia-maalauksia, joissa hahmo esitellään aktiivisessa vuorovaikutuksessa elinympäristön kanssa.

Tämä periaate on sopusoinnussa myös yhden hänen viime kauden parhaista teoksistaan ​​- Prinsessa Olga Konstantinovna Orlovan muotokuvan kanssa. Kaikki täällä on rakennettu symmetrialle ja kontrasteille, mutta tuotu kuitenkin tiettyyn harmoniaan. Kuvattavan henkilön pää ja vartalo on siis tehty erittäin tilaviksi, ja jalat on esitetty siluettina, melkein litteinä. Kolmio, johon kuvio on kirjoitettu, lepää terävässä kulmassa; kuvakehykset on suunnattu aggressiivisesti mallin päähän. Valtavan hatun kehystetty rauhallinen, ehdottoman itsevarma ilme näyttää kuitenkin pysäyttävän rikkaan sisustuksen esineiden terävät liikkeet. Ilmeisesti Serov oli melko ironinen kuvattavan henkilön suhteen.

Roerich
1874 –1947

Nicholas Roerich ei ollut vain taiteilija, vaan myös historioitsija. Hänen kiinnostuksensa arkeologiaan on myös tunnettu. Tämä näkyy hänen taiteessa. Taiteilija oli erityisen kiinnostunut slaavilaisista pakanallisista antiikista ja varhaisesta kristinuskosta. Roerich on lähellä kaukaisen menneisyyden ihmisten henkistä maailmaa ja heidän kykyään liueta luonnossa.

Maalaus "Aleksanteri Nevski iskee Jarl Birgeriin" on erittäin onnistunut tyylitelmä vanhasta pienoismallista. Ratkaiseva rooli kuvassa on ääriviivat ja paikalliset väritäplät.

Bakst
1866 –1924

Leo Bakst, enemmän kuin muut World of Art -tutkijat, tuli lähemmäksi art nouveaun eurooppalaista varianttia. Tämä näkyy selvästi hänen teoksessaan "Dinner". Joustava ääriviiva, muodon yleinen tulkinta, värin tiiviys ja kuvan tasaisuus todistavat sellaisten länsimaisten taiteilijoiden vaikutuksesta Bakstiin kuin Edvard Munch, Andres Zorn ja muut.

Borisov-Musatov
1870 –1905

Kaikissa Borisov-Musatovin maalauksissa ilmenee romanttinen unelma kauniista harmoniasta, joka on täysin vieras hänen nykymaailmalleen. Hän oli todellinen sanoittaja, tunsi hienovaraisesti luonnon, tunsi ihmisen fuusion luonnon kanssa.

"Lampi", ehkä taiteilijan täydellisin teos. Kaikki hänen teoksensa pääaiheet ovat läsnä täällä: vanha puisto, "Turgenevin tytöt", yleinen staattinen sommitelma, rauhallinen väri, lisääntynyt "kuvakudos" koristeellinen vaikutus... "The Reservoirin" sankaritarin kuvat kuvaavat taiteilijan sisko ja vaimo.

Borisov-Musatov onnistui mestariteoksessaan kuvaamaan ajattoman tilan. Yleistetty neutraali nimi "Pond" herättää kuvan universaalista harmonisesta luonnon ja ihmisen yhtenäisyydestä - erottamattomuudesta, ja kuva itsessään muuttuu merkiksi, joka vaatii hiljaista mietiskelyä.

avantgardisti
abstraktionismi
futurismi
kubofuturismi
Suprematismi
Raionismi
symboliikka

Vanguard

Kunnon aika osuu vuosille 1914-1922
Pääohjeet
- abstrakti taide
- futurismi
- kubofuturismi
- Suprematismi
Esiintulon edellytykset: uudelleen miettiminen
perinteiset kulttuuriarvot, tieteellisen ja teknisen prosessin kehittäminen

Yhdistys "Jack of Diamonds"

Ilmestymispäivä: 1911
Aluksi oli vain Moskovan maalareita, sitten
Pietari, myöhemmin eri kaupungeista.
1800-luvun realismin perinteiden hylkääminen, tyyli: fauvismi ja
kubismi, venäläisten kansanlelujen tekniikat
Vuonna 1912 joukko taiteilijoita irtautui ja suuntautui kohti
abstraktionismi, kubofuturismi.
Jäsenet:
– N. Goncharova
– P. Konchalovsky
– A. Kuprin
– M. Larionov

Avantgarde-ohjeet

Abstraktionismi
Lomakkeiden todellisen kuvan hylkääminen
Epärealististen muotojen luominen, tietty väri
yhdistelmiä, jotka herättävät erilaisia
yhdistykset
Perustajat:
- Wassily Kandinsky
- Kazimir Malevich
- Natalia Goncharova
- Mihail Larionov
Ensimmäisen abstraktin maalauksen Kandinsky maalasi lopussa
1900

V. Kandinskyn maalauksia

Kasakat (1917)
Keltainen-punainen-sininen (1925)
Aksentti
pinkki (1926)
Improvisoinnin tulva
(1913)

Futurismi
Kaatuu 1910-1920
Taiteilijoita ei houkutellut sisältö, vaan muoto
Tärkeimmät taiteelliset periaatteet ovat nopeus, liike
energiaa
Maalaus on ominaista:
- energiset sävellykset
- siksakkien, spiraalien, viistettyjen kartioiden vallitsevuus
- muotojen asettaminen päällekkäin

kubofuturismi
Kaatuu 1911-1915
Kuvat koostuvat sylinteri-, kartio-, pullo-,
jolla on metallinen kiilto
Taiteilijat tunsivat akuutisti uuden elämänvaiheen alkamisen ja
ymmärtänyt, että sen ilmaisemiseen tarvitaan uusia keinoja

Suprematismi
Suunnan perusti Kazimir Malevich vuonna 1910
Maalausominaisuudet:
- eri värien yhdistelmät
- Yksinkertaisimmat geometriset muodot (suora viiva, neliö,
ympyrä, suorakulmio)
Suprematistiset maalaukset - "puhtaan luovuuden" ensimmäinen askel
(tasapainottaa ihmisen ja Jumalan luovaa voimaa)
Malevitš loi UNOVIS-ryhmän (Uuden hyväksyjät
Taide), joka kehitti suprematismin ajatuksia, johti
vallankumouksellinen toiminta.

K. Malevitšin maalauksia

Suprematismi
(1916)
metsuri
Musta neliö
Ratsuväki

rayismi

Suunta ilmestyi 1910-luvulla.
Taiteilijat eivät kuvanneet itse esinettä, vaan valonsäteitä,
heijastuu siitä (jonka silmä havaitsee)
Säteet välittyvät värillisillä viivoilla
Taiteilijat - "Donkey's tail" -yhdistyksen jäsenet:
– N. Goncharova
– M. Larionov

M. Larionovin ja N. Goncharovan maalauksia

Punainen
Raionismi
Larionova
Säteilevä
rivit
Larionova
rayismi
Goncharova
Säteilevä
liljat
Goncharova

Yhdistys "Donkey Tail"

Perustajat:
– M. Larionov
– N. Goncharova
vetäytyi "Jack of Diamondsista" ja päätti luoda
oma yhdistys
Taiteilijat pyrkivät yhdistämään "äärivirrat"
maalaus (kubismi jne.) kansantaiteen perinteillä

Symboliikka

Taiteilijoille kauneuden pääilmaisu
Maalausten teemat ovat mytologisia, upeita
Uskonnollisia tarinoita
Taiteilijat kuvasivat elämän hetkiä
Symbolistitaiteilijat:
– E. Borisov-Musatov
– M. Nesterov
– M. Vrubel
– K. Petrov-Vodkin
– A. Vasnetsov
– V. Vereshchagin