Abstraktionismi (lat. abstraktio- poisto, häiriötekijä) tai ei-figuratiivista taidetta- taiteen suunta, joka luopui todellisuutta läheisten muotojen esittämisestä maalauksessa ja kuvanveistossa. Yksi abstraktionismin tavoitteista on saavuttaa "harmonisointi" kuvaamalla tiettyjä väriyhdistelmiä ja geometrisia muotoja, jolloin katsoja tuntee sävellyksen täydellisyyden ja täydellisyyden. Näkyviä hahmoja Pääosissa: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova ja Mihail Larionov, Piet Mondrian.
Tarina
Abstraktionismi(taide "nollamuotojen" merkin alla, ei-objektiivinen taide) - taiteellinen suunta 1900-luvun ensimmäisen puoliskon taiteessa, joka kieltäytyi täysin toistamasta todellisen muotoja. näkyvä maailma. Abstraktionismin perustajina pidetään V. Kandinskya , P. Mondrian ja K. Malevitš.
V. Kandinsky loi oman tyyppinsä abstrakti maalaus vapauttaen kaikista objektiivisuuden merkeistä impressionistien ja "villin" tahrat. Piet Mondrian päätyi järjettömyytensä Cezannen ja kubistien aloittaman luonnon geometrisen stilisoinnin kautta. 1900-luvun modernistiset, abstraktionismiin keskittyvät suuntaukset poikkeavat täysin perinteisistä periaatteista, kieltävät realismin, mutta pysyvät samalla taiteen puitteissa. Taiteen historia abstraktionismin myötä koki vallankumouksen. Mutta tämä vallankumous ei syntynyt sattumalta, vaan aivan luonnollisesti, ja Platon ennusti sen! Myöhemmässä teoksessaan Philebus hän kirjoitti viivojen, pintojen ja tilamuotojen kauneudesta sinänsä, riippumatta näkyvien esineiden jäljitelmistä, mimeisistä. Tällainen geometrinen kauneus, toisin kuin luonnollisten "epäsäännöllisten" muotojen kauneus, Platonin mukaan ei ole suhteellista, vaan ehdoton, absoluuttinen.
1900-luvulta ja nykyisyydestä
Ensimmäisen maailmansodan 1914-1918 jälkeen abstraktin taiteen suuntaukset ilmenivät usein dadaismin ja surrealismin edustajien yksittäisissä teoksissa; Samalla määrättiin halu löytää sovellusta ei-kuvallisille muodoille arkkitehtuurissa, koristetaiteellisessa taiteessa ja muotoilussa (Style-ryhmän ja Bauhausin kokeet). Useita abstraktin taiteen ryhmiä ("Concrete Art", 1930; "Ympyrä ja neliö", 1930; "Abstraction and Creativity", 1931), jotka yhdistävät eri kansallisuuksia ja suuntauksia edustavia taiteilijoita, syntyivät 30-luvun alussa pääasiassa Ranskassa. Abstrakti taide ei kuitenkaan ollut tuolloin laajalle levinnyt ja 30-luvun puolivälissä. ryhmät hajosivat. Toisen maailmansodan vuosina (1939–1945) Yhdysvaltoihin syntyi ns. abstraktin ekspressionismin koulukunta (maalarit J. Pollock, M. Toby jne.), joka kehittyi sodan jälkeen monissa maissa (tachismen tai "muodottoman taiteen" nimellä) ja julisti menetelmäkseen "puhdasta henkistä automatismia" ja luovuuden subjektiivista alitajuista impulsiivisuutta, odottamattomien värien ja tekstuurin yhdistelmien kulttia.
50-luvun jälkipuoliskolla Yhdysvalloissa syntyi installaatiotaide, pop-taide, joka hieman myöhemmin ylisti Andy Warholia loputtomalla Marilyn Monroen muotokuvien ja koiranruokatölkkien kopioinnilla – kollaasiabstraktionismi. 60-luvun kuvataiteessa vähiten aggressiivinen, staattinen abstraktion muoto, minimalismi, tuli suosituksi. Samaan aikaan Barnet Newman, amerikkalaisen geometrisen abstraktionismin perustaja yhdessä A. Lieberman, A. Held ja K. Noland osallistui menestyksekkäästi hollantilaisen neoplastismin ja venäläisen suprematismin ideoiden edelleen kehittämiseen.
Toinen amerikkalaisen maalauksen suuntaus oli nimeltään "kromaattinen" tai "maalauksen jälkeinen" abstraktionismi. Sen edustajat torjuivat jossain määrin fauvismia ja postimpressionismia. Jäykkä tyyli, korostetut teosten terävät ääriviivat E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella vähitellen väistyi mietiskelevän melankolisen varaston maalaukselle. 1970- ja 1980-luvuilla amerikkalainen maalaus palasi figuratiiviseen taiteeseen. Lisäksi sen äärimmäinen ilmentymä, kuten fotorealismi, on yleistynyt. Useimmat taidehistorioitsijat ovat yhtä mieltä siitä, että 70-luku on totuuden hetki amerikkalaista taidetta, koska tänä aikana se lopulta vapautui eurooppalaisesta vaikutuksesta ja muuttui puhtaasti amerikkalaiseksi. Kuitenkin huolimatta perinteisten muotojen ja genrejen paluusta muotokuvasta historiallinen maalaus, abstraktionismi ei ole myöskään kadonnut.
Maalauksia, "ei-taideteoksia" luotiin kuten ennenkin, koska realismiin paluuta USA:ssa ei voitettu abstraktionismilla sinänsä, vaan sen kanonisoinnilla, figuratiivisen taiteen kiellolla, joka samaistui ensisijaisesti meidän sosialistirealismiin. , ja siksi sitä ei voida pitää vastenmielisenä "vapaassa demokraattisessa" yhteiskunnassa, "matalien" genrejen kieltoa, sosiaalisia toimintoja taide. Samaan aikaan abstraktin maalauksen tyyli sai tietyn pehmeyden, joka siitä puuttui aiemmin - volyymien virtaviivaistaminen, ääriviivojen hämärtyminen, puolisävyjen rikkaus, hienovaraiset väriratkaisut ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).
Kaikki nämä suuntaukset loivat perustan modernin abstraktionismin kehitykselle. Luovuudessa ei voi olla mitään jäädytettyä, lopullista, koska se olisi hänelle kuolema. Mutta riippumatta siitä, millaisia polkuja abstraktionismi kulkee, mitä muutoksia se käy läpi, sen olemus pysyy aina muuttumattomana. Se johtuu siitä, että kuvataiteen abstraktionismi on helpoin ja jaloin tapa vangita persoonallista olemusta ja sopivimmassa muodossa, kuten faksimileprintti. Samaan aikaan abstraktionismi on suora vapauden toteutuminen.
Ohjeet
Abstraktionismissa voidaan erottaa kaksi selkeää suuntaa: geometrinen abstraktio, joka perustuu pääasiassa selkeästi määriteltyihin konfiguraatioihin (Malevich, Mondrian) ja lyyrinen abstraktio, jossa sävellys organisoituu vapaasti virtaavista muodoista (Kandinsky). Myös abstraktionismissa on useita muita merkittäviä itsenäisiä suuntauksia.
Kubismi
Kuvataiteen avantgardistinen suuntaus, joka syntyi 1900-luvun alussa ja jolle on ominaista painokkaasti ehdollisten geometristen muotojen käyttö, halu "jakaa" todelliset esineet stereometrisiksi primitiivisiksi.
rayonismi (luchismi)
Suunta 1910-luvun abstraktissa taiteessa, joka perustuu valospektrien ja valonläpäisyn siirtoon. Ajatus muotojen syntymisestä "erilaisten esineiden heijastuneiden säteiden risteyksestä" on ominaista, koska henkilö itse asiassa ei havaitse itse kohdetta, vaan "valolähteestä tulevien säteiden summaa, joka heijastuu valosta. esine."
neoplastismi
Abstraktin taiteen suunnan nimitys, joka oli olemassa vuosina 1917-1928. Hollannissa ja yhdistivät taiteilijat "De Stijl"-lehden ("Tyyli") ympärille. Arkkitehtuurin selkeät suorakulmaiset muodot ja abstrakti maalaus suurten suorakaiteen muotoisten tasojen asettelussa, joka on maalattu spektrin pääväreillä.
Orfismi
Suunta sisään ranskalainen maalaus 1910-luku. Taiteilija-orfistit pyrkivät ilmaisemaan liikkeen dynamiikkaa ja rytmien musikaalisuutta spektrin päävärien ja kaarevien pintojen leikkauspisteiden "säännöllisyyksien" avulla.
Suprematismi
1910-luvulla perustettu avantgarden taiteen suunta. Malevitš. Se ilmaistiin yksinkertaisimpien geometristen ääriviivojen moniväristen tasojen yhdistelminä. Monivärisen yhdistelmä geometriset kuviot muodostaa tasapainoisia epäsymmetrisiä, sisäisen liikkeen läpäiseviä suprematistisia sävellyksiä.
Tachisme
Länsieurooppalaisen abstraktionismin suuntaus 1950- ja 60-luvuilla, joka oli yleisin Yhdysvalloissa. Se on maalaus, jossa on täpliä, jotka eivät luo kuvia todellisuudesta, vaan ilmaisevat taiteilijan tiedostamatonta toimintaa. Viivat, viivat ja täplät tachismessa lisätään kankaalle nopeat liikkeet kädet ilman ennalta suunniteltua suunnitelmaa.
abstrakti ekspressionismi
Nopeasti ja suurille kankaille maalaavien taiteilijoiden liikettä käyttämällä ei-geometrisiä vedointeja, suuria siveltimiä, joskus tippumalla maalia kankaalle tuomaan tunteita täysillä esiin. Ekspressiivinen maalaustapa on täällä usein yhtä tärkeä kuin itse maalaus.
Abstraktionismi sisätiloissa
AT viime aikoina abstraktionismi alkoi siirtyä taiteilijoiden maalauksista kodin kodikkaisiin sisätiloihin päivittämällä sitä kannattavasti. Minimalistinen tyyli, jossa käytetään selkeitä muotoja, joskus melko epätavallisia, tekee huoneesta epätavallisen ja mielenkiintoisen. Mutta värien kanssa on helppo mennä yli laidan. Harkitse yhdistelmää oranssi väri tähän sisustukseen.
Valkoinen laimentaa parhaiten täyteläistä oranssia ja ikään kuin jäähdyttää sitä. Oranssi väri saa huoneen kuumenemaan, joten ei paljon; ei estä. Painopisteen tulee olla huonekaluissa tai niiden suunnittelussa, esimerkiksi oranssi päiväpeite. Tässä tapauksessa valkoiset seinät peittävät värin kirkkauden, mutta jättävät huoneen värikkääksi. Tässä tapauksessa saman alueen maalaukset toimivat erinomaisena lisäyksenä - tärkeintä ei ole liioitella sitä, muuten unen kanssa tulee ongelmia.
yhdistelmä oranssia ja siniset kukat vahingollista mille tahansa huoneelle, jos se ei koske lastenhuonetta. Jos et valitse kirkkaita sävyjä, ne harmonisoituvat onnistuneesti keskenään, lisäävät tunnelmaa eivätkä vaikuta haitallisesti jopa hyperaktiivisiin lapsiin.
Oranssi sopii hyvin vihreän kanssa luoden mandariinipuun ja suklaan sävyn. Ruskea on väri, joka vaihtelee lämpimästä kylmään, joten se normalisoi täydellisesti huoneen kokonaislämpötilan. Lisäksi tämä väriyhdistelmä sopii keittiöön ja olohuoneeseen, jossa sinun on luotava tunnelma, mutta ei ylikuormita sisustusta. Kun olet koristellut seinät valkoisilla ja suklaaväreillä, voit turvallisesti laittaa oranssin tuolin tai ripustaa kirkkaan kuvan rikkaalla mandariinivärillä. Kun olet tällaisessa huoneessa, sinulla on hyvä mieliala ja halu tehdä niin monia asioita kuin mahdollista.
Kuuluisten abstraktien taiteilijoiden maalauksia
Kandinsky oli yksi abstraktin taiteen pioneereista. Hän aloitti etsinnän impressionismista ja tuli vasta sitten abstraktionismiin. Hän hyödynsi työssään värin ja muodon suhdetta luodakseen esteettisen kokemuksen, joka sisälsi sekä yleisön näkemyksen että tunteet. Hän uskoi, että täydellinen abstraktio antaa tilaa syvälle, transsendenttiselle ilmaisulle, ja todellisuuden kopioiminen vain häiritsee tätä prosessia.
Maalaus oli Kandinskylle syvästi henkistä. Hän pyrki välittämään ihmisen tunteiden syvyyttä abstraktien muotojen ja värien universaalin visuaalisen kielen avulla, joka ylittäisi fyysiset ja kulttuuriset rajat. Hän näki abstraktionismi ihanteellinen visuaalinen tila, joka voi ilmaista taiteilijan "sisäistä tarvetta" ja välittää inhimillisiä ideoita ja tunteita. Hän piti itseään profeetana, jonka tehtävänä on jakaa nämä ihanteet maailman kanssa yhteiskunnan hyödyksi.
Kirkkaisiin väreihin ja selkeisiin mustiin linjoihin piilotettuna kuvassa on useita kasakkoja keihäineen sekä veneitä, hahmoja ja linnaa kukkulan laella. Kuten monet tämän ajanjakson maalaukset, se edustaa apokalyptistä taistelua, joka johtaa ikuiseen rauhaan.
Helpottaakseen ei-objektiivisen maalaustyylin kehittymistä, kuten kuvataan teoksessaan On the Spiritual in Art (1912), Kandinsky pelkistää esineet kuvallisiksi symboleiksi. Poistamalla suurimman osan viittauksista ulkomaailmaan, Kandinsky ilmaisi näkemyksensä yleismaailmallisemmalla tavalla kääntämällä aiheen henkisen olemuksen kaikkien näiden muotojen kautta visuaaliseen kieleen. Monet näistä symbolisista hahmoista toistettiin ja jalostettiin hänen myöhemmissä töissään, ja niistä tuli entistä abstraktimpia.
Kazimir Malevitš
Malevitšin ajatukset taiteen muodosta ja merkityksestä johtavat jotenkin keskittymiseen tyyliabstraktionismin teoriaan. Malevich työskenteli erilaisia tyylejä maalauksessa, mutta ennen kaikkea hän keskittyi puhtaiden geometristen muotojen (neliöt, kolmiot, ympyrät) ja niiden suhteiden toisiinsa kuvatilassa. Länsikontaktien kautta Malevitš pystyi välittämään ajatuksensa maalauksesta taiteilijaystäville Euroopassa ja Yhdysvalloissa ja siten vaikuttamaan syvällisesti evoluutioon. nykytaide.
"Musta neliö" (1915)
Malevitš esitteli ikonisen maalauksen "Musta neliö" ensimmäisen kerran näyttelyssä Petrogradissa vuonna 1915. Tämä teos ilmentää suprematismin teoreettisia periaatteita, jotka Malevitš kehitti esseessään "Kubismista ja futurismista suprematismiin: Uusi realismi maalauksessa".
Katsojan edessä olevalla kankaalla on valkoiselle taustalle piirretty abstrakti muoto mustan neliön muodossa - se on sävellyksen ainoa elementti. Vaikka maalaus vaikuttaa yksinkertaiselta, mustien maalikerrosten läpi näkyy elementtejä, kuten sormenjälkiä, siveltimen vedoksia.
Malevitšille neliö merkitsee tunteita ja valkoinen tyhjyyttä, ei mitään. Hän näki mustan neliön jumalallisena läsnäolona, ikonina, ikään kuin siitä voisi tulla uusi pyhä kuva ei-objektiiviselle taiteelle. Näyttelyssäkin tämä kuva sijoitettiin siihen paikkaan, missä venäläisessä talossa yleensä on ikoni.
Piet Mondrian
Piet Mondrian, yksi hollantilaisen De Stijl -liikkeen perustajista, tunnetaan abstraktioidensa puhtaudesta ja menetelmällisestä käytännöstään. Hän yksinkertaisti melko radikaalisti maalaustensa elementtejä näyttääkseen näkemäänsä ei suoraan, vaan kuvaannollisesti ja luodakseen kankailleen selkeän ja universaalin esteettisen kielen. 1920-luvun tunnetuimmissa maalauksissaan Mondrian pelkistää muodot viivoiksi ja suorakulmioiksi ja paletin yksinkertaisimpiin. Epäsymmetrisen tasapainon käytöstä tuli nykytaiteen kehityksen perusta, ja hänen ikoniset abstraktit teoksensa vaikuttavat edelleen muotoiluun ja ovat populaarikulttuurille tuttuja tähän päivään asti.
"Harmaa puu" on esimerkki Mondrianin varhaisesta siirtymisestä tyyliin abstraktionismi. 3D-puu pelkistetään yksinkertaisimmille viivoille ja tasoille käyttämällä vain harmaita ja mustia sävyjä.
Tämä maalaus on yksi Mondrianin realistisemman lähestymistavan teosten sarjasta, jossa esimerkiksi puut esitetään naturalistisella tavalla. Samalla kun myöhemmistä kappaleista tuli esimerkiksi yhä abstraktimpia, puun viivoja pienennetään, kunnes puun muoto on tuskin havaittavissa ja toissijainen pysty- ja vaakaviivojen kokonaiskoostumukseen nähden. Täällä näkyy edelleen Mondrianin kiinnostus luopua strukturoidusta linjajärjestelystä. Tämä liike oli merkittävä Mondrianin puhtaan abstraktion kehitykselle.
Robert Delaunay
Delaunay oli yksi varhaisimmista abstraktin tyylin taiteilijoista. Hänen työnsä vaikuttivat tämän suunnan kehitykseen perustuen sävelten kontrastin aiheuttamaan sävellykseen. Hän joutui nopeasti uusimpressionististen värivaikutusten alle ja seurasi hyvin tiiviisti abstraktionististen teosten värijärjestelmää. Hän piti värejä ja valoa tärkeimpinä työkaluina, joilla voi vaikuttaa maailman objektiivisuuteen.
Vuoteen 1910 mennessä Delaunay oli tehnyt oman panoksensa kubismiin kahdella maalaussarjalla, jotka kuvaavat katedraaleja ja Eiffel-tornia, joissa yhdistyivät kuutiomuodot, liikkeen dynamiikka ja kirkkaita värejä. Tämä uusi tapa Väriharmonian käyttö auttoi erottamaan tämän tyylin ortodoksisesta kubismista, jota kutsutaan orfismiksi, ja vaikutti välittömästi eurooppalaisiin taiteilijoihin. Delaunayn vaimo, taiteilija Sonia Turk-Delaunay, jatkoi maalaamista samalla tyylillä.
Delaunayn pääteos on omistettu Eiffel torni- Ranskan kuuluisa symboli. Tämä on yksi vaikuttavimmista 11 maalauksen sarjasta, jotka on omistettu Eiffel-tornille vuosina 1909–1911. Se on maalattu kirkkaan punaiseksi, mikä erottaa sen välittömästi ympäröivän kaupungin tylsyydestä. Kankaan vaikuttava koko lisää tämän rakennuksen loistoa entisestään. Aaveen tavoin torni kohoaa ympäröivien talojen yläpuolelle ja ravistelee kuvaannollisesti vanhan järjestyksen perustuksia. Delaunayn maalaus välittää tämän rajattoman optimismin, viattomuuden ja tuoreuden tunteen ajalta, joka ei ole vielä nähnyt kahta maailmansotaa.
Frantisek Kupka
Frantisek Kupka on tšekkoslovakialainen taiteilija, joka maalaa tyylillä abstraktionismi valmistui Prahan taideakatemiasta. Opiskelijana hän maalasi pääasiassa isänmaallisia teemoja ja kirjoitti historiallisia sävellyksiä. Hänen varhaisia töitä olivat akateemisempia, mutta hänen tyylinsä kehittyi vuosien varrella ja siirtyi lopulta abstraktismiin. Hyvin realistisesti kirjoitetuissakin varhaisissa teoksissaan oli mystisiä surrealistisia teemoja ja symboleja, mikä säilyi abstraktioita kirjoitettaessa. Kupka uskoi, että taiteilija ja hänen työnsä osallistuvat jatkuvaan luovaan toimintaan, jonka luonne ei ole rajoittunut, kuten absoluuttinen.
"Amorfa. Fuuga kahdessa värissä" (1907-1908)
Vuodesta 1907-1908 alkaen Kupka alkoi maalata muotokuvia tytöstä, joka piti palloa kädessään, ikään kuin hän olisi leikkimässä tai tanssimassa sen kanssa. Sitten hän kehitti hänestä yhä kaavamaisempia esityksiä ja teki lopulta sarjan täysin abstrakteja piirustuksia. Niitä valmistettiin rajoitetussa paletissa punaista, sinistä, mustaa ja valkoista. Vuonna 1912 Salon d'Automnessa yksi näistä abstrakteista teoksista oli ensimmäistä kertaa julkisesti esillä Pariisissa.
Nykyaikaiset abstraktionistit
1900-luvun alusta lähtien taiteilijat, kuten Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky, ovat kokeilleet esineiden muotoja ja niiden havaitsemista sekä kyseenalaistaneet taiteen kaanoneja. Olemme laatineet valikoiman tunnetuimpia moderneja abstrakteja taiteilijoita, jotka ovat päättäneet rikkoa tiedon rajojaan ja luoda omaa todellisuuttaan.
saksalainen taiteilija David Schnel(David Schnell) pitää mielellään vaeltaa paikoissa, joita ennen hallitsi luonto, ja nyt ne ovat täynnä ihmisten rakennuksia - leikkikentistä tehtaisiin ja tehtaisiin. Muistot näistä kävelyretkistä synnyttävät hänen kirkkaita abstrakteja maisemiaan. David Schnell antaa vapaat kädet mielikuvitukselleen ja muistilleen valokuvien ja videoiden sijaan ja luo maalauksia, jotka muistuttavat tietokoneen virtuaalitodellisuutta, tai kuvituksia tieteiskirjallisille kirjoille.
Amerikkalainen taiteilija luo hänen suuren mittakaavan abstrakteja maalauksiaan Christine Baker(Kristin Baker) ammentaa inspiraatiota taiteen ja kilpa-Nascarin ja Formula 1:n historiasta. Aluksi hän antaa volyymia työlleen levittämällä useita kerroksia akryylimaalia ja teippaamalla siluetteja. Tämän jälkeen Kristin kuorii sen varovasti pois, mikä paljastaa alla olevat maalikerrokset ja saa maalaustensa pinnan näyttämään monikerroksiselta, moniväriseltä kollaasilta. Työn aivan viimeisessä vaiheessa hän raapii pois kaikki kuopat ja saa maalauksensa näyttämään röntgenkuvalta.
Kreikkalaissyntyinen taiteilija Brooklynista New Yorkista Elena Anagnos(Eleanna Anagnos) tutkii näkökohtia Jokapäiväinen elämä jotka jäävät usein ihmisten huomiotta. Hänen "dialoginsa kankaan kanssa" aikana tavalliset käsitteet saavat uusia merkityksiä ja puolia: negatiivinen tila muuttuu positiiviseksi ja pienet muodot kasvavat. Yrittäessään puhaltaa elämää maalauksiinsa tällä tavalla Eleanna yrittää herättää ihmismielen, joka on lakannut kysymästä ja olemasta avoin uudelle.
Amerikkalainen taiteilija synnyttää kankaalle kirkkaita maaliroiskeita ja tahroja Sara Spitler(Sarah Spitler) pyrkii heijastamaan työssään kaaosta, katastrofia, epätasapainoa ja epäjärjestystä. Hän on kiinnostunut näistä käsitteistä, koska ne eivät ole ihmisen hallinnassa. Siksi niiden tuhoava voima tekee Sarah Spitlerin abstrakteista teoksista voimakkaita, energisiä ja jännittäviä. Sitä paitsi. syntyvä kuva musteen, akryylimaalien, grafiittikynien ja emalin kankaalle korostaa ympärillä tapahtuvan hetkellistä luonnetta ja suhteellisuutta.
Kanadan Vancouverista kotoisin oleva taiteilija ammentaa inspiraatiota arkkitehtuurin alalta Jeff Dapner(Jeff Depner) luo kerroksittain abstrakteja maalauksia, jotka koostuvat geometrisista muodoista. Luomassaan taiteellisessa "kaaoksessa" Jeff etsii harmoniaa väreissä, muodoissa ja koostumuksessa. Hänen maalaustensa jokainen elementti liittyy toisiinsa ja johtaa seuraavaan: "Teokseni tutkii [maalauksen] kompositsioonirakennetta valitun paletin värisuhteiden kautta…". Taiteilijan mukaan hänen maalauksensa ovat "abstrakteja merkkejä", joiden pitäisi viedä katsojat uudelle, tiedostamattomalle tasolle.
Ja Mihail Larionov, joka perusti vuonna 1912 "Luchismin", suprematismin luojana uudenlaisena luovuudena Kazimir Malevitš, "Mustan neliön" kirjoittaja ja Jevgeni Mikhnov-Voitenko, jonka teoksille on tunnusomaista mm. ennennäkemättömän laaja valikoima töissään käytetyn abstraktin menetelmän suuntauksia (joita, kuten "graffitityyliä", taiteilija käytti ensimmäisenä paitsi kotimaisten, myös ulkomaisten mestareiden joukossa).
Abstraktsionismiin liittyvä suuntaus on kubismi, joka pyrkii kuvaamaan todellisia esineitä lukuisilla risteävillä tasoilla luoden kuvan joistakin suoraviivaisista hahmoista, jotka toistavat elävää luontoa. Yksi kaikista selkeitä esimerkkejä kubismi olivat aikainen työ Pablo Picasso.
Tietosanakirja YouTube
-
1 / 5
Vuosina 1910-1915 maalarit Venäjällä, Länsi-Eurooppa ja USA alkoi luoda abstrakteja taideteoksia; ensimmäisten abstraktionistien joukossa tutkijat nimeävät Wassily Kandinskyn, Kazimir Malevichin ja Piet Mondrianin. Ei-objektiivisen taiteen syntymävuotena pidetään vuotta 1910, jolloin Kandinsky kirjoitti ensimmäisen abstraktin sävellyksensä Saksassa Murnaussa. Ensimmäisten abstraktionistien esteettiset käsitykset ehdottivat sitä taiteellista luovuutta heijastaa maailmankaikkeuden malleja, jotka ovat piilossa ulkoisten, pinnallisten todellisuuden ilmiöiden takana. Nämä taiteilijan intuitiivisesti ymmärtämät kuviot ilmenivät abstraktien muotojen (väritäplät, viivat, volyymit, geometriset muodot) suhteella abstraktissa teoksessa. Vuonna 1911 Münchenissä Kandinsky julkaisi kuuluisan kirjan On the Spiritual in Art, jossa hän pohti mahdollisuutta ilmentää sisäisesti tarpeellista, henkistä, toisin kuin ulkoista, sattumanvaraista. Kandinskyn abstraktioiden "looginen perustelu" perustui Helena Blavatskyn ja Rudolf Steinerin teosofisten ja antroposofisten teosten tutkimukseen. Piet Mondrianin esteettisessä käsityksessä muodon ensisijaiset elementit olivat ensisijaiset vastakohdat: vaaka - pystysuora, viiva - taso, väri - ei-väri. Robert Delaunayn teoriassa, toisin kuin Kandinskyn ja Mondrianin käsitteet, idealistinen metafysiikka hylättiin; Abstraktionismin päätehtävänä taiteilijalle oli tutkia värin dynaamisia ominaisuuksia ja muita taiteellisen kielen ominaisuuksia (Delaunayn perustamaa suuntaa kutsuttiin orfismiksi). "Rayonismin" luoja Mihail Larionov kuvasi "heijastuneen valon säteilyä; värillinen pöly.
1910-luvun alussa syntynyt abstrakti taide kehittyi nopeasti ja ilmeni monilla avantgarde-taiteen osa-alueilla 1900-luvun alkupuoliskolla. Abstraktionismin ideat heijastuivat ekspressionistien (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), kubistien (Fernand Leger), dadaistien (Jean Arp), surrealistien (Joan Miró), italialaisten futuristien (Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico) teoksiin. Prampolini), orfistit (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), venäläiset suprematistit (Kazimir Malevitš), lukistit (Mihail Larionov ja Natalia Goncharova) ja konstruktivistit (Lyubov Popova), Mondeo-Popova, Mondadora, Alexanderi, Vartšrovatko, Lissitzky Douesburg, Bart vander Lek), joukko eurooppalaisia kuvanveistäjiä (Aleksanteri Arkhipenko, Konstantin Brankusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevsner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Tagylin, Vladimir. Pian abstraktionismin syntymisen jälkeen tämän taiteen kehityksessä tunnistettiin kaksi pääsuuntaa: geometrinen abstraktio vetoavat kohti säännöllisiä geometrisia muotoja ja vakaita, "olennaisia" tiloja (Mondrian, Malevich) ja suosivat vapaampia muotoja, dynaamisia prosesseja lyyrinen abstraktio(Kandinsky, Kupka). Ensimmäinen kansainväliset järjestöt abstraktionistitaiteilijat ("Ympyrä ja neliö", "Abstraction-Creativity") muodostivat 1920-luvun alussa ja 1930-luvun alussa Pariisissa.
Abstraktionistien esteettisille ohjelmille oli ominaista universalismi; abstrakti taide esitettiin niissä yleismaailmallisena mallina maailmanjärjestyksestä, mukaan lukien laite ympäristöön ja yhteiskunnan rakennetta. Työskennellessään kuvakielen peruselementtien kanssa abstraktionistit kääntyivät yleisiin sommitteluperiaatteisiin, muotoilun lakeihin. Ei ole yllättävää, että abstraktionistit löysivät käyttöä ei-kuvallisille muodoille teollisessa taiteessa, taiteellisessa suunnittelussa ja arkkitehtuurissa (Style-ryhmän toiminta Hollannissa ja Bauhaus-koulun toiminta Saksassa; Kandinskyn työ VKhUTEMASissa; Malevitšin arkkitehdit ja suunnitteluprojektit; Alexander Calderin "mobiilit"; Vladimir Tatlinin mallit, Nahum Gabon ja Antoine Pevsnerin teokset). Abstraktionistien toiminta vaikutti modernin arkkitehtuurin, taiteen ja käsityön sekä muotoilun muodostumiseen.
1940-luvun lopulla Yhdysvalloissa kehittyi abstrakti ekspressionismi, joka muodostui lyyrisen abstraktionismin pohjalta. Abstraktin ekspressionismin edustajat (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Franz Kline) julistivat menetelmänsä "tajuttomuuteen" ja luovuuden automatismiin, odottamattomiin vaikutuksiin ("toimintamaalaukseen"). Heidän esteettisissä käsitteissään ei ollut enää idealistista metafysiikkaa, ja ei-objektiivisesta koostumuksesta tuli toisinaan itseriittoinen esine, joka sulki pois assosiaatiot todellisuuteen. Tachismesta tuli abstraktin ekspressionismin eurooppalainen analogi, jonka merkittävimpiä edustajia olivat Hans Hartung, Pierre Soulages, Wolsa, Georges Mathieu. Taiteilijat pyrkivät käyttämään odottamattomia, epätyypillisiä värien ja tekstuurin yhdistelmiä, kuvanveistäjät (Eduardo Chillida, Seymour Lipton ja muut) loivat outoja koostumuksia ja käyttivät epätavallisia materiaalien käsittelymenetelmiä.
1960-luvulla, abstraktin ekspressionismin taantuessa, abstraktionismin havaittavissa oleva suuntaus oli geometrisen abstraktion op-taiteen periaatteiden kehittäminen käyttäen optisia illuusioita litteiden ja spatiaalisten kohteiden havainnosta. Toinen suunta geometrisen abstraktion kehityksessä oli kineettinen taide, joka leikkii koko teoksen tai sen yksittäisten komponenttien todellisen liikkeen vaikutuksilla (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taksit). Samaan aikaan USA:ssa syntyi maalauksen jälkeinen abstraktio, jonka periaatteina olivat kuvamuotojen pelkistys ja lopullinen yksinkertaistaminen; Perittyään geometrisesta abstraktiosta säännölliset geometriset muodot, maalauksen jälkeiset abstraktiokierrokset "pehmentävät" niitä. Tämän suuntauksen merkittäviä edustajia ovat Frank Stella, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland. 1960- ja 1970-luvuilla syntyneestä minimalismista tuli geometrisen abstraktion perimmäinen ilmentymä kuvanveistossa.
Abstraktin taiteen historia Venäjällä ja Neuvostoliitossa
1900-1949
Taiteilijat Kandinsky ja Malevich 1900-luvun alussa antoivat merkittävän panoksen abstraktionismin teorian ja käytännön kehitykseen.
1920-luvulla, kaikkien avantgardististen suuntausten nopean kehityksen aikana, abstrakti taide sisälsi kiertorataan kuubofuturistit, ei-objektiivit, konstruktivistit, suprematistit: Alexandra Exter ja Ljubov Popova, Aleksander Rodtšenko ja Varvara Stepanova, Georgi Stenberg ja Mihail Matjushin. , Nikolai Suetin ja Ilja Chashnik . Ei-figuratiivisen taiteen kieli oli uuden, modernin plastisen muodon, maalaustelineen, taidekäsityön tai monumentaalisen kulttuurin perusta, ja sillä oli kaikki mahdollisuudet hedelmälliseen ja lupaavaan kehitykseen. Mutta ideologisen virallisuuden painostuksen voimistamat avantgarde-liikkeen sisäiset ristiriidat pakottivat sen johtajat 1930-luvun alussa etsimään muita luovia tapoja. Antipopulaarisella, idealistisella abstraktilla taiteella ei enää ollut oikeutta olla olemassa.
Natsien valtaan tullessa abstraktionismin keskukset Saksasta ja Italiasta siirtyivät Amerikkaan, koska abstraktionismin käsite ei saanut tukea fasismin ideologien keskuudessa. Vuonna 1937 New Yorkiin perustettiin ei-objektiivisen maalauksen museo, jonka perusti miljonääri Guggenheimin perhe, vuonna 1939 - Modernin taiteen museo, joka perustettiin Rockefellerin kustannuksella. Toisen maailmansodan aikana ja sen jälkeen yleensä kaikki taidemaailman ultravasemmistovoimat kokoontuivat Amerikkaan.
Sodanjälkeisessä Amerikassa "New Yorkin koulu" vahvistui, jonka jäseninä olivat abstraktin ekspressionismin luojat Jackson Pollock, Mark Rothko, Barnett Neumann, Adolf Gottlieb. Kesällä 1959 nuoret taiteilijat näkivät teoksiaan Moskovassa Sokolniki Parkissa Yhdysvaltain kansallisen taiteen näyttelyssä. Kaksi vuotta ennen tätä tapahtumaa, moderni maailman taidetta esillä taidenäyttelyssä osana maailman festivaali nuoria ja opiskelijoita. Tiedon läpimurrosta on tullut eräänlainen henkisen ja sosiaalisen vapauden symboli [ ] . Abstrakti taide yhdistettiin nyt sisäiseen vapautumiseen verisen hallinnon totalitaarisesta sorrosta, jolla oli erilainen maailmankuva [ ] . Varsinaisen taiteellisen kielen, uuden plastisen muodon ongelmat osoittautuivat erottamattomasti sidoksissa yhteiskuntapoliittisiin prosesseihin. "Sulan" aikakausi merkitsi erityistä suhdejärjestelmää abstraktin taiteen ja vallan välillä. Neuvostoliiton abstraktionismin kehityksessä alkoi uusi vaihe - 1950-1970-luvut.
Nuorille neuvostotaiteilijoille, jotka kasvatettiin akateemisen järjestelmän perinteissä ja materialistisessa maailmankuvassa, abstraktion löytäminen merkitsi mahdollisuutta toistaa henkilökohtaista subjektiivista kokemusta. Amerikkalaiset tutkijat luonnehtivat abstraktia ekspressionismia "poliittisista, esteettisistä ja moraalisista arvoista vapautumisen eleeksi". ] . Samanlaisia tunteita kokivat Neuvostoliiton nuoret taidemaalarit, jotka ymmärsivät heille tuntemattoman nykytaiteen ja rakensivat samalla omia rinnakkaiselon muotojaan viranomaisten tai vastustuksen kanssa. Underground syntyi, ja epävirallisten taiteilijoiden keskuudessa vetoomus abstraktiin taiteeseen oli yleisesti hyväksytty ja laajalle levinnyt.
Näinä vuosina monet maalarit tunsivat tarvetta epäobjektiivisen taiteen kielelle. Muodollisen sanaston hallinnan tarve liittyi usein paitsi spontaaniin luovuuteen uppoamiseen, myös harkittujen teoreettisten tutkielmien laatimiseen. Kuten vuosisadan alussa, näille maalareille abstraktio ei merkinnyt kieltämistä eri tasoilla merkitys. Moderni eurooppalainen ja amerikkalainen abstrakti taide nojautui sellaisiin perustavanlaatuisiin kerroksiin kuin primitiivisen mytologisen tietoisuuden tutkimus, freudilaisuus, eksistentialismin alku, itämaiset filosofiat - Zen [ ] . Mutta Neuvostoliiton todellisuuden olosuhteissa abstraktit taiteilijat eivät aina pystyneet täysin ja syvällisesti tutustumaan alkulähteisiin, he löysivät intuitiivisesti vastauksia heitä huolestuttaviin ongelmiin [ ] ja torjuessaan syytökset länsimaisten mallien yksinkertaisesti kopioimisesta he ottivat oman ammatillisen maineensa vakavasti [ ] .
1950-1970
Abstraktin taiteen paluu kulttuuritila Venäjä ei ollut vain seuraus poliittisen ilmapiirin muutoksesta tai lännen taiteellisten ilmiöiden jäljitelmä. "Taiteen itsensä kehittämisen" lait asettivat "taiteelle itselleen elintärkeitä" muotoja. Tapahtui taiteen uudelleenpersonointiprosessi. Tuli mahdolliseksi luoda yksilöllisiä kuvia maailmasta.” [ ] Jälkimmäinen aiheutti voimakkaan kielteisen reaktion valtion tasolla, pitkiä vuosia tottunut pitämään abstraktionismia "äärimmäisen formalistisena suuntauksena, joka on vieras totuudenmukaisuus, ideologia ja kansallisuus" [ ] ja abstraktionistien luomia teoksia, kuten: "Merkimätön yhdistelmä abstrakteja geometrisia muotoja, kaoottisia pisteitä ja viivoja." [ ]
Lähes kolmenkymmenen vuoden ajan (1950-luvun lopulta 1988) Jevgeni Mikhnov-Voitenko kehitti omaa abstraktin taiteen tyyliään, joka oli ainutlaatuinen mestari käytettyjen menetelmien kirjossa. Hänen työnsä eri ajanjaksoja leimaavat monet maalauksen ja taiteen ja käsityön kentällä tehdyt kokeilut; Taiteilijan perintöön kuuluu grafiikkaa, sekatekniikalla tehtyjä maalauksia, nitroemali, pastelli, kastike, öljy, guassi, tempera sekä puusta, metallista, lasista, vaahtomuovista tehtyjä töitä.
Ensimmäinen [ ] "sulamisajan" epävirallinen taiteellinen yhdistys, joka kehitti abstraktin taiteen periaatteita, oli New Reality -studio, joka kokoontui E. M. Belyutinin ympärille. Aluksi studio toimi kaupungin graafikkotoimikunnan kertauskursseina. 20. kongressin asettama kurssi kohti yleistä vapauttamista avasi mahdollisuuksia luovuuden ja taiteellisen harrastuksen vapaudelle. Vuoden 1962 näyttely Maneesissa, New Reality -taiteilijoiden taidepuolueen ankara kritiikki ja abstraktismin vastainen kampanja pakottivat taiteilijat kuitenkin menemään maan alle. Seuraavat 30 vuotta studio työskenteli jatkuvasti työpajoissa Abramtsevossa, Belyutinille kuuluvassa talossa.
Ei-figuratiivisen esittämisen periaatteita kehittäessään studion taiteilijat tukeutuivat sekä vuosisadan alun venäläisten avantgarde-taiteilijoiden kokemuksiin että länsimaisten nykytaiteilijoiden kokemukseen. "Uuden todellisuuden" piirre oli keskittyminen kollektiiviseen työhön, johon 1900-luvun alun futuristit pyrkivät. "New Reality" kokosi yhteen Moskovan taiteilijat, joilla oli erilaisia näkemyksiä abstraktion rakentamismenetelmästä. Taiteilijat Lyutsian Gribkov ja Tamara Ter-Ghevondyan työskentelivät tyylillä, joka on lähinnä abstraktia ekspressionismia. Säilyttäen teoksissaan todellisten muotojen elementtejä he kehittivät ilmaisun luokkia tunnetiloja visuaalisten plastisten liikkeiden kautta. Vera Preobrazhenskaya, joka oli pitkään studion johtaja ja kiinnitti koulun teorian ja metodologian, kulki pitkän tien ekspressionismista op-taiteen estetiikkaan geometriseen abstraktioon. Yhdessä Eliy Belyutinin kanssa Preobrazhenskaya kehitti "psykorakeita" -moduuleja, symboleja, jotka ilmaisivat konkreettisia tiloja ja abstrakteja käsitteitä selkeiden väriplastisten ratkaisujen avulla. Vera Preobrazhenskaya sanoi: "Maalauksissani Jumala on melkein aina musta neliö" [ ] . Työskennellessään studion jäsenten kanssa Eliy Belyutin muodosti "universaalisen kontaktin" teorian, jossa hän ilmaisi taiteilijan luovan potentiaalin kehittämisen periaatteet.
"Uuden todellisuuden" taiteilijat pitivät itseään ennen kaikkea Wassily Kandinskyn taiteen perillisinä. Venäläisen abstraktion esi-isä keskittyi henkisen maailman kuvaamiseen plastiikkataiteen avulla. Heidän taiteellisia hakujaan rikastivat vuosisadan puolivälin eurooppalaisten abstraktionistien saavutukset, jotka palauttivat figuratiivisen teoksiinsa osittain uudessa laadussa. optinen illuusio tai fetissi.
Kandinsky sanoi, että: "Taiteilijat kääntyvät tietoisesti tai tiedostamatta yhä enemmän materiaaliinsa, testaavat sitä, punnitsevat henkisillä mittakaavailla niiden elementtien sisäistä arvoa, joista taidetta tulisi luoda" [ ] . Vuosisadan alussa sanotuista tuli jälleen ajankohtainen seuraaville maalarisukupolville. 1950-luvun jälkipuoliskolla ilmestyi abstrakti veistos, joka oli varustettu "elektronisilla aivoilla" - Nicolas Schöfferin "Cysp I". Alexander Calder luo "tallinsa". On yksi abstraktionismin eristyneistä alueista - op-taide. Samaan aikaan lähes samanaikaisesti Englannissa ja Yhdysvalloissa ilmestyivät ensimmäiset kollaasit, joissa käytettiin etikettejä massatuotteisiin, valokuviin, jäljennöksiin ja vastaaviin uuden pop-taiteen tyyliin.
Moskovan abstraktio 1960-luvun vaihteessa, sukeltaen etsimään uutta muotoa, vastaava sisäinen tila"luova oivallus", eräänlainen meditaatio, antoi vakuuttavia esimerkkejä hänen omasta ymmärryksestään ei-objektiivisen kulttuurista. Esimerkiksi Vladimir Nemukhinin, Lydia Masterkovan, Mihail Kulakovin teoksissa, joita ehdottomasti kuljettaa abstrakti ekspressionismi, jonka he onnistuivat täyttämään korkealla henkisellä jännitteellä. Erilaista abstraktia ajattelua osoitti johdonmukaisimmin analyyttisissä ja käytännön töissään Juri Zlotnikov, 1950-luvun lopulla luodun laajan Signaalit-sarjan kirjoittaja. Taiteilijan mukaan: "Dynamismi, rytmi, joka lausutaan geometrisessa abstraktiossa", johti hänet analyysiin: "Taiteen luontaiset dynaamiset ideat" ja edelleen: "Ihmisen motoristen reaktioiden tutkimukseen" [ ] . "Signaaleissa" taiteilija tutki spontaanien psykologisten reaktioiden "palautetta" värisymboleihin.
Seuraava vaihe venäläisen abstraktion kehityksessä alkaa 1970-luvulla. Nykytaiteilijoille on aika tutustua Malevitšin työhön, suprematismiin ja konstruktivismiin, venäläisen avantgardin perinteisiin, sen teoriaan ja käytäntöön. Malevitšin "pääelementit" herättivät vakaata kiinnostusta geometrisoitua muotoa, lineaarisia merkkejä ja plastisia rakenteita kohtaan. "Geometrinen" abstraktio mahdollisti päästä lähemmäksi 1920-luvun mestareita huolestuneita ongelmia, tuntea jatkuvuuden ja henkisen yhteyden klassisen avantgarden kanssa. Nykyajan kirjailijat ovat löytäneet venäläisten filosofien ja teologien, teologien ja mystikoiden teoksia, saaneet käsiksi ehtymättömiä älyllisiä lähteitä, jotka puolestaan ovat täyttäneet Mikhail Shvartsmanin, Valeri Yurlovin ja Eduard Steinbergin työt uudella merkityksellä.
Geometrinen abstraktio muodosti perustan 1960-luvun alussa Movement-ryhmään yhdistyneiden taiteilijoiden työmenetelmille. Sen jäseniä olivat Lev Nusberg, Vjatšeslav Koleichuk, Francisco Infante. Suprematismi kiehtoi erityisesti jälkimmäistä. "Dynaamisissa spiraaleissa" Infante tutki mallia äärettömästä spiraalista avaruudessa, analysoi tarkasti: "Olematon muovinen tilanne."
Amerikkalaista maalausta 1970-luvulla palaa figuratiivisuuteen. Uskotaan, että 1970-luku on: "Totuuden hetki amerikkalaiselle maalaukselle, joka vapautuu sitä ruokkivasta eurooppalaisesta perinteestä ja muuttuu puhtaasti amerikkalaiseksi." [ ]
1980-luvun puoliväliä voidaan pitää abstraktin kehityksen seuraavan vaiheen päätökseen Venäjällä, jolle oli tuolloin kertynyt paitsi laaja kokemus luovasta työstä, merkityksellisiä filosofisia ongelmia, myös vakuuttunut abstraktin ajattelun vaativuudesta.
1990-luku vahvisti ei-objektiivisen taiteen erityisen "venäläisen tavan". Maailmankulttuurin kehityksen näkökulmasta abstraktionismi tyylisuuntana päättyi vuonna 1958. Kuitenkin: "Perestroikan jälkeinen venäläinen yhteiskunta tarvitsee vasta nyt tasavertaista kommunikaatiota abstraktin taiteen kanssa, halutaan nähdä ei merkityksettömiä pisteitä, vaan plastisen pelin kauneus, sen rytmit, tunkeutua niiden merkitykseen. Kuuntele vihdoinkin kuvallisten sinfonioiden ääni. [ ] Taiteilijat saivat mahdollisuuden ilmaista paitsi klassisia muotoja - suprematismia tai abstraktia ekspressionismia, myös lyyristä ja geometrista abstraktiota, minimalismia, veistosta, esinettä, käsintehtyä kirjailijakirjaa, paperimassassa, mestarin itsensä valamassa.
Moderni abstrakti taide maalauksessa
Tärkeä termi modernia kieltä abstraktio on tullut valkoinen väri. Marina Kastalskajalle, Andrei Krasulinille, Valeri Orloville, Leonid Pelikhille valkoisen avaruus - värin korkein jännitys on yleensä täynnä loputtomia muunnelmamahdollisuuksia, jotka mahdollistavat sekä metafyysisten ideoiden käyttämisen valon heijastuksen henkisistä että optisista laeista.
Tilalla käsitteellisenä kategoriana on nykytaiteessa erilaisia merkityksiä. Siellä on esimerkiksi merkin tila, arkaaisen tietoisuuden syvyyksistä noussut symboli, joka joskus muuttuu hieroglyfiä muistuttavaksi rakenteeksi. Siellä on muinaisten käsikirjoitusten tila, jonka kuvasta on tullut eräänlainen palimpsest Valentin Gerasimenkon sävellyksistä.
Abstraktit maalaukset ovat saamassa nopeasti suosiota, ja nykyään suhtautuminen niihin ei ole yhtä kriittinen kuin ennen. Jos siirrymme pois niiden merkityksestä ja pidämme sitä vain sisustuselementtinä, he tekevät tehtävänsä erinomaista työtä. Abstraktionismi voi kilpailla tasavertaisesti kaikkien tavanomaisten maalauksen genrejen kanssa, monella tapaa edellä niitä. Abstrakcionismista voi tulla erinomainen juoni minkä tahansa huoneen sisustuksessa, sinun ei pitäisi olla puolueellinen sitä kohtaan.
"Abstrakti maalaus rauhoittavilla väreillä", taiteilija Anna Orion.
- Mikä on abstraktio;
- Merkittäviä edustajia;
- Genren ominaisuudet;
- Minne ripustaa abstrakti kuva;
- Maalaukseni ovat tässä genressä;
- Tilaa maalaus abstrakti tyyli.
Mitä on abstraktio
Abstraktit maalaukset kuuluvat ei-figuratiiviseen taiteeseen, ne eivät koskaan kuvaa oikeat muodot ja värit. Venäläinen taidemaalari ja teoreetikko tuli tähän suuntaan Kuvataide- Wassily Kandinsky. Abstrakteja maalauksia pidetään virheellisesti satunnaisina värisarjoina kankaalle, jos taiteilija todella kaataisi satunnaisia värejä, tuloksena olisi merkityksetön suovärinen puuro. Tässä genressä maalipisteiden väri ja muoto ovat tärkeitä, muulla ei ole väliä.
Abstrakti maalaus, jossa on paljon maalia
Tämä genre on tottunut nykytaiteen ympäristöön ja on erittäin suosittu suunnittelussa. modernit sisätilat. Nykyään abstraktin tyylin kuvan pitäisi herättää tiettyjä assosiaatioita. Jos kangas aiheuttaa erilaiset ihmiset suunnilleen samat assosiaatiot ja tunnelma, niin kuvaa pidetään onnistuneena.
Abstraktin taiteen kuuluisia edustajia
- Wassily Kandinsky (1866 - 1944, Moskova)
- Kazimir Malevitš (1878 - 1935, Kiova)
- Francis Picabia (1879 - 1953, Pariisi)
- Pablo Picasso (1881 - 1973, Málaga)
- Barnett Newman (1905 - 1970, New York)
Vaikka Wassily Kandinsky maalasi ensimmäisen abstraktin maalauksen vuonna 1909, tätä genreä voidaan edelleen pitää nuorena eikä täysin muodostuneena. Tämän suuntauksen ottivat Malevitš, Larionov, Goncharova ja monet muut taiteilijat, jotka etsivät tuolloin omaa ilmaisukieltä. Abstraktionismi laajeni, siihen ilmestyi uusia suuntauksia, kuten suprematismi, rayonismi, dadaismi, kubismi ja monet muut.
"Musta neliö", symboli lopullisesta erosta akateemisuuden kanssa.
Suosituin abstraktionismin lajike oli suprematismi, jonka luoja oli Kazimir Malevich. Yksityiskohdat tämän taiteilijan tunnetuimmasta maalauksesta löytyvät aiemmin julkaistusta materiaalistani:.
Ominaista
Tällaista kiistanalaista maalauksen genreä, joka kehittyy aikamme nopeasti, on vaikea luonnehtia. Abstraktit maalaukset voivat suorittaa täysin erilaisia tehtäviä, tämä on niiden tärkein etu muihin tyyleihin verrattuna. Kun tyylillisiä kehyksiä ei ole, tällainen maalaus on helppo sovittaa mihin tahansa sisustukseen, mihin tahansa seinään.
"Keltainen", taiteilija Anna Orion.
Älä analysoi syvällisesti. moderneja maalauksia tässä tyylissä ne on usein suunniteltu yksinkertaisesti miellyttämään katsojan silmää. Poikkeuksia on, mutta ne ovat harvinaisia. Enimmäkseen, nykytaiteilijoita poikkesivat Kandinskyn käskyistä ja käyttävät abstraktionismia sisäisten tehtävien suorittamiseen.
Missä ripustaa
Öljymaalaus yleensä löytää itselleen paikan missä tahansa, ja abstraktio - vielä enemmän. Kuvan värien tulee olla harmoniassa sisustuksen kanssa, ja tämä riittää abstrakti maalausöljy näytti hyvältä talossa.
Kangas asiakkaan sisätiloissa. Taiteilija Anna Orion.
Keittiöön sopivat punaisten sävyjen kirkkaat täplät, jotka yhdistäisin lohkoihin tai tomaatteihin, appelsiineihin. Tai vihreitä viivoja, jotka symboloisivat erilaisia kasveja. Vaihtoehtoja on loputtomasti, ja ne kaikki riippuvat sisustuksestasi. Käytävällä useita pieniä maalauksia, jotka ovat rakenteeltaan samanlaisia, mutta eri värejä. Tällainen koostumus näyttäisi mielenkiintoiselta ja liittyisi kotiisi poistumiseen hyvä vaikutelma uusille vieraille.
Kokemukseni abstrakteista maalauksista
En piirtänyt niin paljon abstraktiota kuin haluaisin, mutta kaikki öljymaalaukseni tässä genressä - pidän siitä todella itse. Kaikki abstraktiotilaukset ovat mielenkiintoisia ja epätavallisia, koska tällaiset kankaat ovat hyvin erityisiä, voisi sanoa "avaimet käteen" -periaatteella. Suurin kuvani sattumalta on tehty abstraktissa genressä. Kankaan värin ja koon valinta tehtiin yhdessä asiakkaan kanssa parhaan tuloksen saavuttamiseksi.
"Muu", taiteilija Anna Orion.
Osta öljymaalaus
Kerro millaisen kuvan haluat, minkä värien pitäisi hallita, minkä kokoinen kangas on. Kaikkien yksityiskohtien selvittämisen jälkeen aloitan kuvan maalaamisen. Älä unohda, että se on abstrakti maalaus, jota pidetään kunnioitettavimpana ja hienoimpana lahjana kaikkien tyylien joukossa. moderni maalaus. Sivulta löydät abstraktin taiteen öljymaalauksen likimääräisen hinnan.
Abstraktiota pidetään virheellisesti maalauksen kalleimpana genrenä, mikä johtuu rikkaista ja vaikutusvaltaisista ihmisistä ja heidän mausta. Loppujen lopuksi vain ne, jotka tietävät todellisen olemuksen, voivat ostaa täysin punaisen kankaan miljoonilla dollareilla, ja muut huutokaupan kävijät taputtavat ihaillen. Entä tavalliset ihmiset jotka haluavat ostaa abstraktion, se ei tietenkään maksa miljoonia, mutta silti se on kalliimpaa kuin tavalliset maalaukset. Syy on triviaali, se koostuu kulutustarvikkeista, jotka vaativat paljon abstraktiota. Tämän lisäksi tämän genren maalaukset ovat aina suuria ja maalia levitetään erittäin paksuina kerroksina. Myöhemmin maalia kuluu enemmän kuin tavallisessa maisemassa tai asetelmassa.
Single Barrel Pattern, William Morris
"Abstraktismi", jota kutsutaan myös "ei-objektiiviseksi taiteeksi", "ei-figuratiiviseksi", "ei-esittäväksi", "geometriseksi abstraktioksi" tai "konkreettiseksi taiteeksi", on melko epämääräinen kattotermi mille tahansa maalaus- tai veistosobjektille, joka ei eivät kuvaa tunnistettavia esineitä tai kohtauksia. Kuten näemme, ei kuitenkaan ole selvää yksimielisyyttä abstraktin taiteen määritelmästä, tyypeistä tai esteettisestä merkityksestä. Picasso ajatteli, että sellaista ei ole ollenkaan olemassa, kun taas jotkut taidehistorioitsijat uskovat, että kaikki taide on abstraktia - koska esimerkiksi mikään maalaus ei voi luottaa olevan muuta kuin karkea yhteenveto siitä, mitä se näkee. Lisäksi on liukuva abstraktioasteikko puoliabstraktista täysin abstraktiin. Joten vaikka teoria on suhteellisen selkeä - abstrakti taide on irrallaan todellisuudesta - käytännön tehtävä abstraktien ja ei-abstraktien teosten erottaminen voi olla paljon ongelmallisempaa.
Mikä on abstraktin taiteen käsite?
Aloitetaan erittäin yksinkertainen esimerkki. Ota jostain huono (ei-naturalistinen) piirros. Kuvan toteutus jättää paljon toivomisen varaa, mutta jos sen värit ovat kauniita, piirustus voi hämmästyttää meidät. Tämä osoittaa, kuinka muodollinen laatu (väri) voi ohittaa esitystavan (piirustuksen).
Toisaalta vaikkapa kodin fotorealistinen maalaus voi näyttää erinomaista grafiikkaa, mutta aihe, värimaailma ja yleinen sommittelu voi olla täysin tylsää.
Filosofinen perustelu taiteellisten muodollisten ominaisuuksien arvon arvioinnille juontaa juurensa Platonin väitteestä: "Suorat viivat ja ympyrät ... eivät ole vain kauniita ... vaan ikuisia ja ehdottoman kauniita."
Convergence, Jackson Pollock, 1952
Pohjimmiltaan Platonin sana tarkoittaa, että ei-naturalistisilla kuvilla (ympyrät, neliöt, kolmiot jne.) on ehdoton, muuttumaton kauneus. Maalaus voidaan siis arvioida vain sen viivan ja värin perusteella, sen ei tarvitse kuvata luonnollista esinettä tai kohtausta. Ranskalainen taidemaalari, litografi ja taideteoreetikko Maurice Denis (1870-1943) piti samaa mielessä, kun hän kirjoitti: ”Muista, että maalaus on ennen kuin siitä tulee sotahevonen tai alaston nainen… pohjimmiltaan tasainen pinta, joka on peitetty vuonna 2010 kerätyillä väreillä. tietty järjestys."
Frank Stella
Abstraktin taiteen tyypit
Jotta asiat olisivat yksinkertaisia, voimme jakaa abstraktin taiteen kuuteen päätyyppiin:
- Kaareva
- värin tai valon perusteella
- Geometrinen
- Emotionaalinen tai intuitiivinen
- Eleinen
- minimalistinen
Jotkut näistä tyypeistä ovat vähemmän abstrakteja kuin toiset, mutta ne kaikki sisältävät taiteen erottamisen todellisuudesta.
Kaareva abstrakti taide
Honeysuckle, William Morris, 1876
Tämä tyyppi liittyy vahvasti kelttiläiseen taiteeseen, jossa käytetään erilaisia abstrakteja aiheita, kuten solmuja (kahdeksan päätyyppiä), lomitettuja kuvioita ja spiraaleja (mukaan lukien triskele tai triskelion). Keltit, monet muut, eivät keksineet näitä aiheita varhaiset kulttuurit ovat käyttäneet näitä kelttiläisiä koristeita vuosisatojen ajan. On kuitenkin reilua sanoa, että Celtic-suunnittelijat hengittivät uusi elämä näihin malleihin, mikä tekee niistä monimutkaisempia ja monimutkaisempia. Myöhemmin ne palasivat 1800-luvulla ja olivat erityisen ilmeisiä kirjojen kansissa, tekstiileissä, tapetteissa ja kalikossa, joka oli samanlainen kuin William Morrisin (1834-96) ja Arthur McMurdon (1851-1942). Kaareva abstraktio on myös tunnusomaista "ääretön kuvan" käsitteellä, joka on laajalle levinnyt islamilaisen taiteen piirre.
Abstrakti taide perustuu väriin tai valoon
Vesililja, Claude Monet
Tätä tyyppiä havainnollistetaan Turnerin ja Monetin teoksissa, jotka käyttävät värejä (tai valoa) siten, että ne erottavat taideteoksen todellisuudesta, kun esine liukenee pigmenttipyörteeseen. Esimerkkejä ovat maalaukset Water Lily Claude Monet (1840-1926), Talisman (1888, Musee d'Orsay, Pariisi), Paul Serusier (1864-1927). Monet Kandinskyn ekspressionistiset maalaukset, jotka on maalattu hänen aikanaan Der Blaue Reiterin kanssa, ovat hyvin lähellä abstraktiota. Värillinen abstraktio ilmaantui uudelleen 1940- ja 50-luvun lopulla Mark Rothkon (1903-70) ja Barnett Newmanin (1905-70) kehittämänä värimaalauksena. 1950-luvulla Ranskassa a rinnakkainen lajike väreihin liittyvä abstrakti maalaus, joka tunnetaan nimellä lyyrinen abstraktio.
Talisman, Paul Serusier
geometrinen abstraktio
Piet Mondrianin Boogie Woogie Broadwaylla, 1942
Tämän tyyppistä älyllistä abstraktia taidetta on ollut olemassa vuodesta 1908 lähtien. Varhainen alkeellinen muoto oli kubismi, erityisesti analyyttinen kubismi, joka hylkäsi lineaarisen perspektiivin ja illuusion tilasyvyydestä keskittyäkseen sen kaksiulotteiseen näkökulmaan. Geometrinen abstraktio tunnetaan myös konkreettisena taiteena ja esinettömänä taiteena. Kuten arvata saattaa, sille on ominaista ei-naturalistiset kuvat, yleensä geometriset muodot, kuten ympyrät, neliöt, kolmiot, suorakulmiot jne. Tietyssä mielessä geometrinen abstraktionismi on puhtainta ilman minkäänlaista viittausta tai yhteyttä luontoon. abstraktion muoto. Voidaan sanoa, että konkreettinen taide on abstraktille taiteelle sitä, mitä veganismi on kasvissyöjälle. Geometristä abstraktiota edustaa Musta ympyrä (1913, Venäjän valtionmuseo, Pietari), jonka maalasi Kazimir Malevich (1878-1935) (Suprematismin perustaja); Boogie Woogie Broadwaylla (1942, MoMA, New York) Piet Mondrian (1872-1944) (neoplastismin perustaja); ja Theo Van Dosburgin (1883-1931) (De Stijlin ja Elementarismin perustaja) koostumus VIII (The Cow) (1918, MoMA, New York). Muita esimerkkejä ovat Josef Albersin (1888-1976) teokset Appeal to the Square ja Victor Vasarelyn (1906-1997) Op-Art.
Musta ympyrä, Kazimir Malevich, 1920
Sävellys VIII, Theo Van Dosburg
Emotionaalinen tai intuitiivinen abstrakti taide
Tämäntyyppinen taide kattaa yhdistelmän tyylejä, yhteinen aihe mikä on naturalistinen taipumus. Tämä naturalismi ilmenee käytetyissä muodoissa ja väreissä. Toisin kuin geometrinen abstraktio, joka on lähes luonnonvastaista, intuitiivinen abstraktio kuvaa usein luontoa, mutta vähemmän edustavalla tavalla. Tämäntyyppisen abstraktin taiteen kaksi tärkeää lähdettä ovat: orgaaninen abstraktio (kutsutaan myös biomorfiseksi abstraktioksi) ja surrealismi. Ehkä tunnetuin tähän taiteen muotoon erikoistunut taiteilija oli venäläissyntyinen Mark Rothko (1938-70). Muita esimerkkejä ovat Kandinskyn maalaukset, kuten sävellys nro 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) ja sävellys VII (1913, Tretjakovin galleria); Nainen (1934, Yksityinen kokoelma) Joan Miro (1893-1983) ja Indefinite divisibility (1942, Taidegalleria Allbright-Knox, Buffalo) Yves Tanguy (1900-55).
Epämääräinen jaollisuus, Yves Tanguy
Gestikulaatio (ele) abstrakti taide
Nimetön, D. Pollock, 1949
Tämä on abstraktin ekspressionismin muoto, jossa maalauksen luomisprosessi tulee tavallista tärkeämmäksi. Esimerkiksi maalia levitetään epätavallisella tavalla, vedot ovat usein hyvin löysiä ja nopeita. Merkittäviä amerikkalaisia kylttimaalauksen edustajia ovat Jackson Pollock (1912-56), Action-Paintingin keksijä ja hänen vaimonsa Lee Krasner (1908-84), joka inspiroi häntä keksimään oman tekniikkansa, niin kutsutun "pisaramaalauksen"; Willem de Kooning (1904-97), kuuluisa työstään Woman-sarjassa; ja Robert Motherwell (1912-56). Euroopassa tätä muotoa edustaa Cobra-ryhmä, erityisesti Karel Appel (1921-2006).
minimalistinen abstrakti taide
Oppimaan piirtämään, Ed Reinhardt, 1939
Tämäntyyppinen abstraktio oli eräänlaista avantgarde-taidetta, josta puuttui kaikki ulkoiset viittaukset ja assosiaatiot. Tämä on mitä näet - eikä mitään muuta. Se ottaa usein geometrisen muodon. Tätä liikettä hallitsevat kuvanveistäjät, vaikka siihen kuuluu myös suuria taiteilijoita, kuten Ed Reinhardt (1913-67), Frank Stella (s. 1936), joiden maalaukset ovat suurikokoisia ja sisältävät muoto- ja väriklustereita; Sean Scully (s. 1945) irlantilais-amerikkalainen taiteilija, jonka suorakaiteen muotoiset värit näyttävät jäljittelevän esihistoriallisten rakenteiden monumentaalisia muotoja. Myös Joe Baer (s. 1929), Ellsworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (s. 1937), Bryce Marden (s. 1938), Agnes Martin (1912-2004) ja Robert Ryman (s. 1930).
Ellsworth Kelly
Frank Stella
Viime vuosisadalla abstraktista suunnasta tuli todellinen läpimurto taiteen historiassa, mutta melko luonnollinen - ihminen on aina etsinyt uusia muotoja, ominaisuuksia ja ideoita. Mutta jopa vuosisadallamme tämä taiteen tyyli herättää monia kysymyksiä. Mitä on abstraktionismi? Puhutaanpa tästä lisää.
Abstrakti taide maalauksessa ja taiteessa
Tyylissä abstraktionismi taiteilija käyttää muotojen, ääriviivojen, viivojen ja värien visuaalista kieltä aiheen tulkitsemiseen. Tämä on päinvastoin kuin perinteiset taidemuodot, jotka omaksuvat aiheen kirjallisemman tulkinnan - välittäen "todellisuuden". Abstraktionismi sen sijaan menee niin kauas klassisesta kuvataiteesta kuin mahdollista; edustaa objektiivista maailmaa täysin eri tavalla kuin oikeassa elämässä.
Abstraktionismi taiteessa haastaa katsojan mielen, aivan kuten se haastaa hänen tunteensa - voidakseen arvostaa taideteosta täysin, katsojan on päästävä eroon tarpeesta ymmärtää, mitä taiteilija yrittää sanoa, mutta hänen on itse koettava vastaustunteen. . Kaikki elämän osa-alueet ovat tulkittavissa abstraktismin kautta - usko, pelot, intohimot, reaktiot musiikkiin tai luontoon, tieteelliset ja matemaattiset laskelmat jne.
Tämä taiteen suuntaus syntyi 1900-luvulla yhdessä kubismin, surrealismin, dadaismin ja muiden kanssa, vaikka tarkkaa aikaa ei tiedetä. Abstraktin taiteen tyylin pääedustajina maalauksessa pidetään sellaisia taiteilijoita kuin Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka ja Piet Mondrian. työstään ja tärkeitä maalauksia puhe ja eteenpäin.
Kuuluisten taiteilijoiden maalauksia: abstrakti taide
Wassily Kandinsky
Kandinsky oli yksi abstraktin taiteen pioneereista. Hän aloitti etsinnän impressionismista ja tuli vasta sitten abstraktionismiin. Hän hyödynsi työssään värin ja muodon suhdetta luodakseen esteettisen kokemuksen, joka sisälsi sekä yleisön näkemyksen että tunteet. Hän uskoi, että täydellinen abstraktio antaa tilaa syvälle, transsendenttiselle ilmaisulle, ja todellisuuden kopioiminen vain häiritsee tätä prosessia.
Maalaus oli Kandinskylle syvästi henkistä. Hän pyrki välittämään ihmisen tunteiden syvyyttä abstraktien muotojen ja värien universaalin visuaalisen kielen avulla, joka ylittäisi fyysiset ja kulttuuriset rajat. Hän näki abstraktionismi ihanteellinen visuaalinen tila, joka voi ilmaista taiteilijan "sisäistä tarvetta" ja välittää inhimillisiä ideoita ja tunteita. Hän piti itseään profeetana, jonka tehtävänä on jakaa nämä ihanteet maailman kanssa yhteiskunnan hyödyksi.
"Sävellys IV" (1911)
Kirkkaisiin väreihin ja selkeisiin mustiin linjoihin piilotettuna kuvassa on useita kasakkoja keihäineen sekä veneitä, hahmoja ja linnaa kukkulan laella. Kuten monet tämän ajanjakson maalaukset, se edustaa apokalyptistä taistelua, joka johtaa ikuiseen rauhaan.
Helpottaakseen ei-objektiivisen maalaustyylin kehittymistä, kuten kuvataan teoksessaan On the Spiritual in Art (1912), Kandinsky pelkistää esineet kuvallisiksi symboleiksi. Poistamalla suurimman osan viittauksista ulkomaailmaan, Kandinsky ilmaisi näkemyksensä yleismaailmallisemmalla tavalla kääntämällä aiheen henkisen olemuksen kaikkien näiden muotojen kautta visuaaliseen kieleen. Monet näistä symbolisista hahmoista toistettiin ja jalostettiin hänen myöhemmissä töissään, ja niistä tuli entistä abstraktimpia.
Kazimir Malevitš
Malevitšin ajatukset taiteen muodosta ja merkityksestä johtavat jotenkin keskittymiseen tyyliabstraktionismin teoriaan. Malevitš työskenteli maalauksessa eri tyylien parissa, mutta ennen kaikkea hän keskittyi puhtaiden geometristen muotojen (neliöt, kolmiot, ympyrät) ja niiden välisen suhteen tutkimiseen kuvatilassa.
Länsikontaktien kautta Malevitš pystyi välittämään ajatuksensa maalauksesta taiteilijaystäville Euroopassa ja Yhdysvalloissa ja siten vaikuttamaan syvällisesti nykytaiteen kehitykseen.
"Musta neliö" (1915)
Malevitš esitteli ikonisen maalauksen "Musta neliö" ensimmäisen kerran näyttelyssä Petrogradissa vuonna 1915. Tämä teos ilmentää suprematismin teoreettisia periaatteita, jotka Malevitš kehitti esseessään "Kubismista ja futurismista suprematismiin: Uusi realismi maalauksessa".
Katsojan edessä olevalla kankaalla on valkoiselle taustalle piirretty abstrakti muoto mustan neliön muodossa - se on sävellyksen ainoa elementti. Vaikka maalaus vaikuttaa yksinkertaiselta, mustien maalikerrosten läpi näkyy elementtejä, kuten sormenjälkiä, siveltimen vedoksia.
Malevitšille neliö merkitsee tunteita ja valkoinen tyhjyyttä, ei mitään. Hän näki mustan neliön jumalallisena läsnäolona, ikonina, ikään kuin siitä voisi tulla uusi pyhä kuva ei-objektiiviselle taiteelle. Näyttelyssäkin tämä kuva sijoitettiin siihen paikkaan, missä venäläisessä talossa yleensä on ikoni.
Piet Mondrian
Piet Mondrian, yksi hollantilaisen De Stijl -liikkeen perustajista, tunnetaan abstraktioidensa puhtaudesta ja menetelmällisestä käytännöstään. Hän yksinkertaisti melko radikaalisti maalaustensa elementtejä näyttääkseen näkemäänsä ei suoraan, vaan kuvaannollisesti ja luodakseen kankailleen selkeän ja universaalin esteettisen kielen.
1920-luvun tunnetuimmissa maalauksissaan Mondrian pelkistää muodot viivoiksi ja suorakulmioiksi ja paletin yksinkertaisimpiin. Epäsymmetrisen tasapainon käytöstä tuli nykytaiteen kehityksen perusta, ja hänen ikoniset abstraktit teoksensa vaikuttavat edelleen muotoiluun ja ovat populaarikulttuurille tuttuja tähän päivään asti.
"Harmaa puu" (1912)
"Harmaa puu" on esimerkki Mondrianin varhaisesta siirtymisestä tyyliin abstraktionismi. 3D-puu pelkistetään yksinkertaisimmille viivoille ja tasoille käyttämällä vain harmaita ja mustia sävyjä.
Tämä maalaus on yksi Mondrianin realistisemman lähestymistavan teosten sarjasta, jossa esimerkiksi puut esitetään naturalistisella tavalla. Samalla kun myöhemmistä kappaleista tuli esimerkiksi yhä abstraktimpia, puun viivoja pienennetään, kunnes puun muoto on tuskin havaittavissa ja toissijainen pysty- ja vaakaviivojen kokonaiskoostumukseen nähden.
Täällä näkyy edelleen Mondrianin kiinnostus luopua strukturoidusta linjajärjestelystä. Tämä liike oli merkittävä Mondrianin puhtaan abstraktion kehitykselle.
Robert Delaunay
Delaunay oli yksi varhaisimmista abstraktin tyylin taiteilijoista. Hänen työnsä vaikuttivat tämän suunnan kehitykseen perustuen sävelten kontrastin aiheuttamaan sävellykseen. Hän joutui nopeasti uusimpressionististen värivaikutusten alle ja seurasi abstraktin taiteen värijärjestelmää hyvin tiiviisti. Hän piti värejä ja valoa tärkeimpinä työkaluina, joilla voi vaikuttaa maailman objektiivisuuteen.
Vuoteen 1910 mennessä Delaunay oli tehnyt oman panoksensa kubismiin kahdella maalaussarjalla, jotka kuvaavat katedraaleja ja Eiffel-tornia, joissa yhdistyivät kuutiomuodot, liikedynamiikka ja elävät värit. Tämä uusi tapa käyttää väriharmoniaa auttoi erottamaan tyylin ortodoksisesta kubismista, jota kutsutaan orfismiksi, ja vaikutti välittömästi eurooppalaisiin taiteilijoihin. Delaunayn vaimo, taiteilija Sonia Turk-Delaunay, jatkoi maalaamista samalla tyylillä.
Eiffel-torni (1911)
Delaunayn pääteos on omistettu Eiffel-tornille, kuuluisalle Ranskan symbolille. Tämä on yksi vaikuttavimmista 11 maalauksen sarjasta, jotka on omistettu Eiffel-tornille vuosina 1909–1911. Se on maalattu kirkkaan punaiseksi, mikä erottaa sen välittömästi ympäröivän kaupungin tylsyydestä. Kankaan vaikuttava koko lisää tämän rakennuksen loistoa entisestään. Aaveen tavoin torni kohoaa ympäröivien talojen yläpuolelle ja ravistelee kuvaannollisesti vanhan järjestyksen perustuksia.
Delaunayn maalaus välittää tämän rajattoman optimismin, viattomuuden ja tuoreuden tunteen ajalta, joka ei ole vielä nähnyt kahta maailmansotaa.
Frantisek Kupka
František Kupka on tšekkoslovakialainen taiteilija, joka maalaa tyylillä abstraktionismi valmistui Prahan taideakatemiasta. Opiskelijana hän maalasi pääasiassa isänmaallisista teemoista ja kirjoitti historiallisia sävellyksiä. Hänen varhaiset teoksensa olivat akateemisempia, mutta hänen tyylinsä kehittyi vuosien varrella ja kehittyi lopulta abstraktiksi taiteeksi. Hyvin realistisesti kirjoitetuissakin varhaisissa teoksissaan oli mystisiä surrealistisia teemoja ja symboleja, mikä säilyi abstraktioita kirjoitettaessa.
Kupka uskoi, että taiteilija ja hänen työnsä osallistuvat jatkuvaan luovaan toimintaan, jonka luonne ei ole rajoittunut, kuten absoluuttinen.
"Amorfa. Fuuga kahdessa värissä" (1907-1908)
Vuodesta 1907-1908 alkaen Kupka alkoi maalata muotokuvia tytöstä, joka piti palloa kädessään, ikään kuin hän olisi leikkimässä tai tanssimassa sen kanssa. Sitten hän kehitti hänestä yhä kaavamaisempia esityksiä ja teki lopulta sarjan täysin abstrakteja piirustuksia. Niitä valmistettiin rajoitetussa paletissa punaista, sinistä, mustaa ja valkoista.
Vuonna 1912 Salon d'Automnessa yksi näistä abstrakteista teoksista oli ensimmäistä kertaa julkisesti esillä Pariisissa.
Abstraktsionismin tyyli ei menetä suosiotaan XXI-luvun maalauksessa - modernin taiteen ystävät eivät halua sisustaa kotiaan sellaisella mestariteoksella, ja tämän tyylin teoksia myydään vasaran alla erilaisissa huutokaupoissa upeilla summilla.
Seuraava video auttaa sinua oppimaan entistä enemmän abstraktista taiteesta taiteessa:
