Moderni- tyyli eurooppalaisessa ja amerikkalaisessa taiteessa XIX-XX vuosisatojen vaihteessa. Art Nouveau pohdiskeli ja tyylisti eri aikakausien taiteen piirteitä ja kehitti omia taiteellisia tekniikoitaan, jotka perustuvat epäsymmetrian, koristeellisuuden ja koristeellisuuden periaatteisiin. Luonnollisista muodoista tulee myös modernin tyylitelmän kohde. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы.
Lev Bakst "Muotokuva Andrei Lvovich Bakstista, taiteilijan pojasta"
Moderniteettiin läheisesti liittyy symbolismi, joka toimi modernin esteettisenä ja filosofisena perustana, joka nojautuu modernismiin ideoidensa plastisena toteutuksena. Moderni oli mukana eri maat eri nimiä jotka ovat pohjimmiltaan synonyymejä: Art Nouveau - Ranskassa, Secession - Itävallassa, Jugendstil - Saksassa, Liberty - Italiassa.
Alnksandr Benois "Marquise's Bath." 1906
Art nouveaulle on ominaista halu luoda itsenäinen taidejärjestelmä. Yksi näiden ideoiden perustajista oli Pont-Aven-koulu Paul Gauguinin kanssa. Toisin kuin muut tyylit, jugendmaalauksia ja -paneeleja pidettiin sisustuksen elementteinä, mikä antoi sille uuden tunnevärin. Siksi koristeellisuudesta on tullut yksi art nouveau -maalauksen pääominaisuuksista.
Gustav Klimt "Elämä ja kuolema" (1908-1916)
Maalaukselle on ominaista paradoksaalinen yhdistelmä koristeellista konventionaalista, koristeellista "mattotaustaa" ja "veistoksisia" hahmoja ja etualan kasvoja veistoksellisella selkeydellä.(G. Klimt, F. Knopf, M. A. Vrubel), sekä suuret väritasot (L.S. Bakst, E. Munch) ja hienovaraisia alleviivattuja vivahteita (Vrubel, Benois). Kaikki tämä antoi kuville suurta ilmettä. Symbolismi toi myös viivan ja värin symbolismin moderniin maalaukseen; Maailman surun, kuoleman ja eroottiikan teemat olivat laajasti edustettuina; taiteilijoiden vetovoima salaisuuksien, unelmien, legendojen, satujen jne. maailmaan levisi laajasti. Gustav Klimtin kankaat ovat oiva esimerkki modernista taiteesta. Art nouveau -taiteilijat työskentelivät kaikissa Euroopan ja Amerikan maissa: Itävallassa, Isossa-Britanniassa, Saksassa, Italiassa, Hollannissa, Venäjällä, USA:ssa jne.
Alphonse Mucha "Zodiac" 1896
Modernismi- (ranskasta moderni - moderni) yleisnimi useille 1900-luvun ensimmäisen puoliskon taiteen liikkeille, joille on ominaista menneisyyden perinteisten muotojen ja estetiikan kieltäminen. Modernismi on lähellä avantgardismia ja vastustaa akateemisuutta.
Venäläisessä estetiikassa "moderni" tarkoittaa historiallisesti edeltävää modernismia taiteen tyyli 1800-luvun loppu - 1900-luvun alku(venäläinen jugend, jugendtyyli, jugendtyyli, secessio jne.), joten on tarpeen tehdä ero näiden kahden käsitteen välillä sekaannusten välttämiseksi.
Modernismi on kokoelma taiteellisia suuntauksia taiteessa toiseksi puolet XIX- 1900-luvun puolivälissä Merkittävimmät modernistiset suuntaukset olivat impressionismi, jugend, ekspressionismi, uus- ja postimpressionismi, fauvismi, kubismi, futurismi. Sekä myöhemmät suuntaukset - abstrakti taide, dadaismi, surrealismi. AT suppea merkitys modernismi nähdään avantgardin varhaisena vaiheena, klassisten perinteiden uudistamisen alkuna. Modernismin syntymäaikaa kutsutaan usein vuodeksi 1863 - vuosi, jolloin Pariisissa avattiin "hylättyjen salonki", jossa taiteilijoiden teokset hyväksyttiin. Laajassa merkityksessä modernismi on "toinen taide". päätavoite joka on alkuperäisten teosten luomista, joka perustuu sisäiseen vapauteen ja tekijän erityiseen maailmannäkemykseen ja kantaa uutta ilmaisukeinoja kuvakieli, johon liittyy usein törkeyttä ja tiettyä haastetta vakiintuneille kaanoneille.
avantgardisti - yleiskonsepti, joka yhdistää kaikenlaisia kokeellisia, modernistisia, painokkaasti epätavallisia taiteen yrityksiä, hakuja 1900-luvun taiteessa.
Kazimir Malevich "urheilijat" (1930 -1931)
Yleiset piirteet kaikista avantgarde-trendeistä - jatkuva vastakkainasettelu kaikkien vakiintuneiden ja tunnustettujen trendien kanssa ja jatkuva valmius esittää uusia ennennäkemättömiä taiteellisia periaatteita pystyy hämmästyttämään taiteellisen ympäristön ja yleisön. Tätä tarkoitusta varten käytetään tekniikoita, menetelmiä, teemoja, kuvia, joita pidettiin aiemmin taiteen kanssa yhteensopimattomina. Tällaisten "uskomattomien", "ajattelemattomien" innovaatioiden jatkuva tuominen taiteeseen loi jatkuvan jännityksen, vallankumouksellisten odotusten, skandaalien ja yhteenottojen ilmapiirin avantgarden ympärille.
Termi modernismi (ranskasta - uusi) viittaa uuteen, nykytaide joka on peräisin vuonna myöhään XIX vuosisadalla ja se liittyy eurooppalaisen kulttuurin globaaliin kriisiin
Uuden etsintä muuttui haluksi palauttaa ihmisen olemassaolon eheys ja orgaaninen luonne yhtenäisen kosmologisen järjestelmän sisällä taiteellisin keinoin, eli palata taiteessa myytintekomenetelmään, primitiivisen taiteen muotoihin, lasten luovuuden muotoihin, eli niihin muotoihin, joissa ihminen tunsi olonsa harmoniseksi tässä maailmassa, jossa ei ollut valhetta, missä ei ollut väkivaltaa ihmispersoonaa kohtaan
Taiteen kriisi ilmeni selkeimmin maalauksessa: suurin osa 1900-luvun taiteilijoista on luopunut maailman kuvaamisesta sellaisena kuin me sen näemme. Maailma vaikutti ajoittain epämuodostukselta, kun taiteilijoita ohjasi enemmän oma mielikuvitus, realismista poikkeaminen ei ollut tyhjää oikkua, taiteilijat halusivat sanoa: maailma ei ole ollenkaan sellainen kuin me sen näemme: se on luonnostaan merkityksetön ja absurdi, se on kuin me näytämme sen maalauksissamme (moderni on laajempi käsite kuin avantgarde, joka viittaa vain taiteelliseen kulttuuriin ja moderni kaikkeen uuteen). 1900-luvun avantgardissa oli monia suuntauksia, virtoja, jotka olivat olemassa rinnakkain, rinnakkain, usein ristiin toistensa kanssa, korvasivat tai kumosivat toisensa. Kolme virtaa sai ikuisen statuksen: abstraktionismi, kubismi, surrealismi (superrealismi). Ensimmäinen vaikutelma avantgardin tapaamisesta on, että kaikki on väärin. Sen pääkaava on: jos tätä ei ole koskaan ennen tehty, niin se on tehtävä, jatkuva merkki: perinteisten ideoiden tietoinen kaataminen. Avantgarde pyrki luomaan ei taidetta, vaan kognitiivisen menetelmän ja asettamaan sen perinteisen filosofian tilalle. Avantgarde-taiteilijat luovat työssään jotain erityistä, joka sisältää abstraktin ajattelun ongelman ja epäsuoran ajatuksen oleminen ja keskittynyt ideoiden maailma. Abstrakti taide ei siis ole tyyli, se on ajattelutapa. Aikakaudet: jugendista (XIX) "Avignon Maidensiin" (Picasson ensimmäinen kuutiomaalaus). Tälle ajanjaksolle on ominaista perinteisen taiteen uudelleenjärjestely, avantgardin kieltä ei ole kehitetty, taiteilijat itse joutuvat selittämään asemansa pääpostulaatteja.
38. Modernismin pääsuunnat
Kubismi - tämä suuntaus liittyy Pablo Picasson (Espanja) nimeen. Picasso ei tullut tähän trendiin heti.
Jaksot:
1. "Sininen ajanjakso" (1901-1904). Kaikkia muotokuvia yhdistää kylmä sininen sävy, jonka avulla voimme kehittää yksinäisyyden, surun, ihmisen tuhon, vihamielisen ympäristön teemaa ("Vaalevat voimistelijat", "Kerjäläiset: vanha mies pojan kanssa").
2. "Pink period" (1905-1906). Kaikki maalaukset ovat tuhkanpunaisia. Picasson tavoitteena oli näyttää, että vaikka maailma on villi, siinä asuu kunnollisia ihmisiä.Maalausten "Tyttö pallolla" sankareiksi tulee kiertotaiteilijat, akrobaatit. Mutta taiteellinen totuus osoittautui korkeammaksi kuin taiteilijan halu… vapaus muuttui maanpaossa olevan yksinäisyydeksi. Kuvat ovat myös pessimistisiä.
3. 1906-1907 (1,5 kuukautta). Taiteilija tulee siihen tulokseen, että inhimillisten ongelmien ratkaiseminen maalaamalla on mahdotonta. Maalaus voi luoda vain plastisia muotoja. Suuri kiinnostus neekerikulttuuriin.
4. Kubismin alun ensimmäinen vaihe (1907-1908). Orgaaniset ja luonnolliset aiheet altistuvat geometrisoidulle tiedolle. Valmistettu maanläheisen punertavan värisenä, ja sinivihreät sävyt paljastavat helpotuksen ("Avignon Maidens" (1907), "Three Women").
5. Toinen vaihe on analyyttinen kubismi, jolloin kuva muuttuu pienten geometristen elementtien murtokuvioksi, jonka läpi kurkistaa kuvaelementti (Vallardin muotokuva).
6. Kolmas vaihe: synteettinen kubismi (1912-1913). Nämä ovat maalauksellisia sävellyksiä, jotka muodostuvat esineiden (lähinnä soittimien) litteistä fragmenteista.
7. 1913-1915. Soittimien teemallisia sävellyksiä, jotka edustivat pystytasosta ripustettuja kolmiulotteisia eri materiaaleista valmistettuja esineitä.
Abstraktionismi.
Perustaja - Wassily Kandinsky. Flown ydin on, että siveltimen ja kynän avulla voit luoda sielun erityistä värähtelyä ja liittää sen musiikin henkeen. Taiteelliset keinot: valopilkkuja, viivoja, geometrisia muotoja, abstraktioita. Abstrakti taide muistuttaa musiikkia, ja Kandinsky loi oman abstraktin maalauskielensä, jossa jokaisella värillä oli tietty symbolinen kuorma (Schnittke " Keltainen" - musiikillinen sävellys). Toinen edustaja on Kazimir Malevich (Musta neliö valkoisella pohjalla, 1913). Esitetty uutena planeettamerkkinä (romanttinen utopia).
Surrealismi.
Liittyy Salvador Daliin. Se syntyi XX vuosisadan 20-luvun vaihteessa, vakiintui 25-26-luvuilla. Pääperustana on omituisuuden tunne, maailman ilmestymisen odottamattomuus; ajatus tuntemattomuudesta ja maailman poissaolosta; todellinen maailma on alitajunnassamme oleva maailma. olemus taiteellinen menetelmä- todellisten esineiden yhdistelmä epätodellisten tai todellisten kanssa, mutta tuotu absurdiuteen tai todelliseen, mutta irrationaalisessa yhdistelmässä (Dalin "Anthropomorphic Cabinet"). Surrealismi ilmeni paitsi maalauksessa, myös kuvanveistossa ja elokuvassa.
Postmodernismi.
Postmodernismi on esteettinen vallankumous, joka tapahtui Euroopassa 60- ja 70-luvuilla. Terminä sitä alettiin käyttää vuonna 79. Tämä ei ole tyyli, tämä on lainaus tunnetuista näytteistä, mutta tarkoituksellisen deliriumin tapaan ja pääpiirre on eklektisyys (eri elementtien yhdistelmä - Itä, Länsi, Afrikka, eurooppalaista kulttuuria). Tällainen polku asetti toiselle puolelle lähtökohdan ja korkeamman kehityksen pisteen (eurooppalaisen sivilisaation). Postmodernismi on tulosta opiskelijaliikkeistä, se oli reaktio kulutusyhteiskuntaan. He yrittivät tuoda uuden superidean ideattomaan yhteiskuntaan. Todellinen taiteilija maailmassa on vihollisten ympäröimä, joten postmodernismi on esteettisen kapinan muoto, ja sen ilmaisi ajatus uudesta seksuaalisesta vallankumouksesta ja uudesta aistillisuudesta. Sekä modernismi että postmodernismi eivät voi vaatia laajaa suosiota, eli ne syntyivät elitistisinä, kuitenkin modernismista ja postmodernismista tuli se vaihe 1900-luvun kulttuurin kehityksessä, joka ei vain merkinnyt kaikkea sen kipupisteet, mutta siitä tuli myös taidetta, joka yhdisti 1900-luvun aikakauden hälinässä unohtuneeseen ikuiseen.
1800-luvun jälkipuoliskolla, ensin Euroopassa ja sitten Venäjällä, taiteellinen suunta syntyi - moderni (ranskasta moderne - moderni). Tämän tyylin tunnusomaisia piirteitä ovat suorien linjojen ja kulmien korvaaminen luonnollisemmilla, "luonnollisemmilla" viivoilla, kukoistava sovellettu taide jossa vallitsevat kaarevat kukkakoristeet, jotka muodostavat teoksen kompositiorakenteen.
Jugendmaalausta leimaa yhdistelmä ornamentaalista taustaa ja naturalistista figuurien ja yksityiskohtien, siluettien käsin kosketeltavaa, suurten väritasojen käyttö tai vivahteikas yksivärisyys. Art nouveau -veistos erottuu muotojen dynamiikasta ja sujuvuudesta, grafiikka - hienojen hauraiden linjojen ja siluettien leikistä.
Venäjällä perustettiin 1890-luvun lopulla taiteellinen yhdistys "World of Art", joka piti taiteen esteettisen periaatteen etusijaa vaeltajien akuutin sosiaalisen suuntautumisen ja nykyaikaisuuteen ja symboliikkaan pyrkivän vastakohtana.
Osana yhdistystä vuonna eri vuosia mukana taiteilijat A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov ja muut. I. Ya. Bilibin, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, V. A. Serov, M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, K F. Yuon ja muut.
Tarkastellaan yksityiskohtaisemmin yksittäisten taiteilijoiden töitä, tämän ajanjakson venäläisen modernin merkittävimpiä edustajia - M. A. Vrubel, V. A. Serov, V. M. Vasnetsov.Vrubel Mihail Aleksandrovitš (elinvuodet 1856–1910) - venäläinen taiteilija, jugend- ja symbolismin näkyvä edustaja. Vrubel saavutti korkeuksia lähes kaikissa kuvataiteen tyypeissä ja genreissä: maalaus, grafiikka, koristeveistos, teatteritaide. Vrubelin perintöön kuuluu lukuisia maalauksia, koristepaneeleja, freskoja ja kirjakuvituksia.
Taideakatemiassa opiskellessaan Vrubel osallistui silloisen tunnetun taidekriitikon A. Prahovin kutsusta Kiovan kirkkojen entisöintitöihin. Vrubel viimeisteli useita sävellyksiä Pyhän Kyrilloksen kirkkoon korvatakseen kadonneita, maalasi ikonin "Jumalan äiti lapsen kanssa" ja tarjosi tilausluonnoksia Vladimirin katedraalin seinämaalauksista. Komissio hylkäsi nämä luonnokset, koska ne olivat epäjohdonmukaisia Bysantin perinteen kanssa - Vrubel modernisoi ne täyttäen ne 1800-luvun lopulle ominaisella traagisella psykologismilla. Näillä teoksilla oli kuitenkin suuri vaikutus Vrubelin muotoutumiseen taiteilijana.Vrubelin alkuperäiselle tyylille on ominaista erityinen kiteinen kuviointi, joka hohtaa sinililaisilla synkillä tahroilla.Monissa Vrubelin alkukauden maalauksissa vallitsee sadun tunnelma. Joutsenprinsessa on Vrubelin maalaus, joka perustuu N. A. Rimski-Korsakovin oopperan Tarina tsaari Saltanista sankarittaren lavakuvaan.
Vrubelin kankaalla oleva surullinen prinsessa on salaperäinen ja arvoituksellinen. Meren yli laskeutuvan hämärän taustalla Prinsessan siivet erottuvat kirkkaana täplänä, joka on kirjoitettu erityisellä "vrubel" -tavalla, kuten viistotut jalokivet.
M. A. Vrubel. Demoni istuu. 1890
Yksi keskeiset kuvat Vrubelin teoksessa Demonin kuva voidaan nimetä kuvaksi ihmishengen voimasta, sisäisestä kamppailusta ja epäilystä. 1890-luvun alussa Vrubel kirjoitti kuvituksia M. Yu. Lermontovin runoon Demoni, samaan aikaan hän aloitti työskentelyn Istuva demoni, myöhemmin hän kirjoitti Lentävän demonin ja Downcast Demonin.
Tämän syklin ensimmäisessä kuvassa Vrubel tulkitsee demonin kuvan hengeksi, joka ei ole niin paha kuin kärsivä ja surullinen, ja kaikki tämä on voimakas ja majesteettinen henki. Kädet ristissä traagisesti, Demoni istuu upeiden kukkien ympäröimänä vuorten taustalla helakanpunaisessa auringonlaskun aikaan. Demonin suuret silmät ovat surullisia, heidän katseensa on suunnattu kaukaisuuteen. Demonin hahmo on kuin jäänyt kuvan ylä- ja alakehyksen väliin, mikä tuo sen visuaalisesti lähemmäs katsojaa ja lisää kuvan dramaattisuutta.
Jatkona tälle teemalle Lentävässä demonissa Vrubel kuvaa demonia mahtavana maailman hallitsijana, ja The Demon Defeated -elokuvassa Demoni on kirjoitettu kuoleman partaalle, hänen vartalonsa on rikki, mutta hänen ilmeensä iskee ilme, Demonin henki ei riko.
Kaikissa näissä maalauksissa Vrubelin persoonallinen tyyli näkyy selvästi, kaikki on maalattu hohtavan kiteisten reunojen vaikutuksesta, mikä saa nämä maalaukset näyttämään arvokkailta lasimaalauksilta tai paneeleilta. Vrubel saavutti tämän vaikutuksen käyttämällä palettiveistä siveltimen sijasta; tässä tapauksessa maalivedot osoittautuivat litteiksi ja paksuiksi.
M. A. Vrubel. Demoni voitettu. 1902
Vuonna 1902 Vrubelia iski vakava mielisairaus, jonka yksi syistä oli kuolema. pieni poika Vrubel. Myöhäisellä luovuuden aikakaudella, joka vietettiin pääasiassa yksityisillä klinikoilla Moskovassa ja Pietarissa, Vrubel luo joukon teoksia, jotka ovat siirtymävaiheessa modernista avantgardiseen.
Myöhäisen ajanjakson maalaus "Kuusiippinen Serafim" (tunnetaan myös muilla nimillä - "Enkeli miekalla ja suitsutusastialla", "Azrael" ja "Kerub"), luotu V.P.:n klinikan seiniin. Serbia, viittaa korkeimpiin saavutuksiin luova tapa Vrubel.Tässä teoksessa taiteilija antoi Serafimille itse kohtalon hypnotisoivan ilmeen, ja hänen käsissään oleva miekka ja lamppu näyttävät elämän ja kuoleman symboleilta: teräs huokuu jääkylmää, riiteleen lampun elävän ja kuuman valon kanssa. Kuvan hämmästyttävän kaunis väritys tuo mieleen bysanttilaisia mosaiikkeja ja lasimaalauksia.
Maalausta "Kuusiippinen Serafim" voidaan kutsua mielekkääksi finaaliksi Vrubelin koko luovalle polulle etsiessään kuvia demoneista ja enkeleistä.
|
V. A. Serov. Omakuva. |
Teoksensa alkukaudella Serov oli lähellä venäläistä impressionismia, tämän ajanjakson teoksissa taiteilija näki päätehtävänään mallin ja luonnon havainnoinnin välittömyydessä ja niiden totuudenmukaisessa plastisessa ratkaisussa. Valon ja värin aurinkokehityksessä, refleksien monimutkaisen harmonian siirtämisessä ilma Serov laulaa malliensa nuoruudesta ja kauneudesta.
|
V. A. Serov. Tyttö persikoilla. 1887 |
Maalauksesta "Tyttö persikoilla" Serov sai Moskovan taiteen ystävien seuran palkinnon.
V. A. Serov. Euroopan sieppaus. 1910
Ajan myötä Serovin impressionistinen tyyli muuttuu hillitymmäksi, lähestyen yksiväristä maalausta ja hankkien uuden jugendtyylin piirteitä, jotka ilmenevät selkeimmin sellaisissa teoksissa kuin "Ida Rubinsteinin muotokuva" ja "Euroopan sieppaus".
Serov loi maalauksen "Euroopan sieppaus" monumentaalisen koristepaneelin tapaan. Taiteilijan juoni oli antiikin kreikkalainen myytti kuningas Agenorin tyttären Europan sieppauksesta Zeuksen toimesta, joka muuttui häräksi.
Kankaan koostumuksen korkealla horisontilla rakensi Serov muotojen rytmisellä diagonaalisella liikkeellä. Uivan härän aktiivisen liikkeen pysäyttää sen pään käännös, kahden aallon tasapaino, joiden välissä Europan ja Zeuksen päät ovat keskellä. Ehdollisesti kirjoitetut aallot luovat mitatun liikkeen tunteen, delfiinien hahmot toistavat aaltojen ja uivan Zeuksen liikettä tehostaen koko sävellyksen dynamiikkaa.
Kuvan koloristinen ratkaisu rakentuu sinisen ja harmoniaan oranssi väri: härän hahmon kirkkaan punainen täplä siniviolettimerellä näyttää kauniilta ja ilmeikkäältä. Veden pinnalle hajallaan paksuja "täpliä" sinisen väristä, joka kuvaa veden aaltoilua, välittää aaltojen liikettä ja organisoi kuvatason sekä kaikkien hahmojen selkeät ääriviivat.
V. A. Serov. Ida Rubinsteinin muotokuva. 1910
Jugendtyylin huippu Serovin teoksessa oli sen ajan kuuluisan tanssijan ja näyttelijän Ida Rubinsteinin muotokuva. Tässä muotokuvassa Serov ei pyrkinyt luomaan uudelleen todellista imagoaan, vaan taiteilijan päätehtävänä oli tyylitellä luontoa ja välittää mallin luonteen monimutkaisuus. Säilyttäen mallin erityiset yksilölliset piirteet, sen ulkonäön, luonteen, plastisuuden, Serov yhdistää koostumuksessa todellisen ja ehdollisen, mikä oli nykyaikaisuuden erottuva tyylillinen piirre.
Serov esitti Ida Rubinsteinia uhmaavan, upean, mutta samalla näyttelijän ulkonäkö on ohut ja lyyrinen muotokuvassa. Taiteilija toistaa mallin hahmon monimutkaisessa käännöksessä kaarevilla linjoilla terävöittäen sen ääriviivoja äärimmilleen. Itse modernin vaatimukset täyttävä sommitelma ei paljasta näyttelijän kuvaustilaa, muotokuvan tausta on tasainen ja ehdollinen, mikä luo tunteen, että Ida Rubinstein ei istu, vaan hajallaan, painautuneena. seinään.
Ensimmäisessä näytöksessä kansainvälisessä taidenäyttelyssä Roomassa vuonna 1911 kuva teki skandaalisen vaikutelman: yleisö järkyttyi siitä, että yhteiskunnassa hyväksytty kuuluisa tanssija poseerasi alasti ja että Serov käytti täysin uusia sävellys- ja sävellyksiä. maalaustekniikat, jotka erottavat modernin tyylin.
Serovin seremoniallisissa muotokuvissa tänä aikana myös syvien sosiopsykologisten ominaisuuksien terävyys voimistuu. Välittäessään mallin muotokuvan ominaispiirteitä Serov käyttää usein hyperbolisaatiota ja groteskia luoden ajan hengen mukaisen kuvan.Esimerkki tällaisesta juhlallisesta muotokuvasta, jossa on jugend-ominaisuuksia, voidaan kutsua "prinsessa O. K. Orlovan muotokuvaksi", jossa hienostunut maalaustekniikka yhdistetään ironiaan ja kevyeen pilkkaamiseen. Serov maalasi tämän muotokuvan prinsessan itse tilauksesta, mutta monet aikalaiset panivat merkille taiteilijan tinkimättömän näkemyksen asiakkaasta ja epäilivät häntä sarkasmista.
Olga Orlova on kuvattu ylevässä asennossa: valtava hattu, soopelivarsi heitettynä taakse ja paljastaen hänen olkapäänsä, kädet puristamassa helmikaulakorua, kiiltonahkakengän kärki esillä esittelyä varten - kaikki tämä tekee prinsessasta ylellisen eleganssi. Art nouveau -tyyliin Serov käyttää hahmon siluetin hermostuneita, kulmikkaita ääriviivoja yhdistettynä yksityiskohtaisen työn realistisuuteen ja aineellisuuteen.
|
V. M. Vasnetsov. Omakuva. 1873 |
Vasnetsovin työn pääsuunta on eeppinen historiallinen maalaus, jossa taiteilija muuttaa venäläistä historiallinen genre, joka yhdistää siinä keskiajan motiivit venäläisten satujen runolliseen tunnelmaan.
Monet Vasnetsovin teoksista lähestyvät tyylillään jugendille tyypillisiä koristeellisia paneelimaalauksia, jotka vievät katsojan unelmien maailmaan.
V. M. Vasnetsov. Ritari risteyksessä. 1882
Vasnetsov teki vaikutuksen venäläisistä eeposista 1800-luvun lopulla, ja hän kirjoitti monumentaaliset kankaat "Bogatyrs", "The Knight at the Crossroads".
Maalauksen "Ritari risteyksessä" juoni perustuu eeposen "Ilja Muromets ja rosvot" motiiveihin. Tämän maalauksen alkuperäisissä luonnoksissa Vasnetsov käänsi ritarin katsojaa kohti. Mutta kuvan ilmaisukyvyn ja emotionaalisuuden lisäämiseksi lopullisessa versiossa taiteilija lisäsi kankaan kokoa, ritarin hahmosta tuli monumentaalisempi, koostumuksen syvyys pieneni ja muuttui litteämmäksi, lähemmäksi paneelia. Viimeisessä versiossa tie myös katosi, joten ritarilla ei ollut muuta ulospääsyä kuin kiveen merkitty.
Yksi Vasnetsovin tunnetuimmista maalauksista "Alyonushka" perustuu myös venäläisen kansantarin "Sisko Alyonushka ja veli Ivanushka" kansanperinnejuoniin.Sysäyksenä tämän kuvan kirjoittamiseen oli taiteilijan sattumanvarainen tapaaminen yksinkertaisen tukkaisen talonpoikatytön kanssa. Suloisissa kasvoissaan Vasnetsov näki erityisen venäläisen sielun, jonka silmissä oli melankoliaa, yksinäisyyttä ja puhtaasti venäläistä surua.
Tälle maalaukselle maisema-aiheen etsimiseksi Vasnetsov valmisti monia luonnoksia Vor-joen rannalta Abramtsevossa, Akhtyrkan lammen rannalla.
Ensimmäistä kertaa Alyonushka oli esillä Wanderers-näyttelyssä vuonna 1881, ja sen ajan tunnetun kriitikon I. E. Grabarin arvostelujen mukaan sitä kutsuttiin yhdeksi venäläisen koulun parhaista maalauksista.
|
V. M. Vasnetsov. Venäjän kaste. 1890 |
Vasnetsovin työn huipuksi voidaan kutsua Kiovan Pyhän Vladimirin katedraalin seinämaalauksia, joissa taiteilija jossain määrin päivitti bysanttilaisia kaanoneja tuoden niihin lyyris-persoonallisen periaatteen ja erityisen "venäläisen" psykologismin.
Katedraalin seinämaalausten kaikkien juonien ytimessä oli Venäjän uskonnollisen historian ymmärtäminen Bysantin perillisenä ja Venäjän asema maailman kulttuurissa ja historiassa.
Fresko "Venäjän kaste" tuli yhdeksi Pyhän Vladimirin katedraalin keskeisistä sävellyksistä kuorojen sisäänkäynnin yläpuolella. Itse freskon aihe Vasnetsov valitsi Kiovan kansan kasteen hetken Dneprin vesillä. Freskon koostumuksessa taiteilija yhdistää kuvattua hetkeä vastaavan juhlallisuuden ja jonkinlaisen patoksen korostuneen yksilöllisen keskeisen kuvan prinssi Vladimir Svjatoslavovitšista, joka esittelee romanttinen alku kaanonin tarinaan.
V. M. Vasnetsov. Jumala Sabaoth.
Pyhän Vladimirin katedraalin fresko. 1885-1896
Arkkitehtuurin modernismia edustavat erilaiset 1900-luvun alussa ilmestyneet suuntaukset. romanttista modernia vastaan. Huomaa, että näiden kahden tyylin tai suuntauksen määritelmissä on paljon sekaannusta.
Moderni vai modernismi: kuinka selvittää se
Modernismi Neuvostoliiton arkkitehtuurissa (konstruktivismi) Konstruktivismi
Sai tunnustusta Neuvostoliitossa viime vuosisadalla 1920-luvulla ja 1930-luvun alussa. Hän yhdisti kehittyneet tekniikat ja tekniikat valtiossa yleisesti tunnustettuun päämäärään - kommunismin rakentamiseen. Varustettu mekaanisilla ja dynaamisilla muodoilla.
Abstrakti tyyli tai abstrakti taide
Tämä suunta on kosketuksessa avantgarden kanssa ja edistää asioiden todellisten muotojen kuvan hylkäämistä. Sellaiset arkkitehtoniset tyylit ja niiden piirteet, kuten kubismi ja suprematismi, ovat sen johdannaisia.
Korvaa symmetrian ja staattisen epäsymmetrian ja massatasapainon.
Modernismi Neuvostoliiton arkkitehtuurissa (abstraktionismi). Ja Tšernikhov. Sävellys nro 28 (1925–1933) Modernismi hollantilaisessa arkkitehtuurissa: De Stijl
Tämän tyylin muodosti taiteellisena liikkeenä hollantilaisen Leidenin kaupungin taiteilijaseura vuonna 1917. Kutsutaan myös neoplastismi. De Stijl -liike sai vaikutteita kubistisista maalauksista ja DaDa-liikkeestä ideaaleineen geometrisista muodoista. Ja De Stijlin työ puolestaan vaikutti Bauhaus-tyyliin ja kansainväliseen tyyliin. Tämän liikkeen vaikutus arkkitehtuuriin näkyy eniten Rietveld Schröder -talossa, joka on ainoa rakennus, joka on luotu yksinomaan De Stijlin periaatteilla - valkoiset ja harmaat seinät, mustat ovenkarmit ja monet kirkkailla perusväreillä maalatut elementit.
De Stijl tyyliin. Rietveld Schroeder House, Hollanti Modernismi saksalaisessa arkkitehtuurissa: Bauhaus
Bauhaus-rakennus, Dessau, Saksa Tyyli on saanut nimensä saksalaisen arkkitehdin Walter Gropiuksen Saksassa perustaman samannimisen taiteellisen yhdistyksen ansiosta. Huolimatta suhteellisen lyhyestä käyttöiästä (vuodet 1919-1933), sillä oli valtava vaikutus 1900-luvun suunnitteluun, klassiseen moderniin tyyliin ja avantgardiin.
Yksi Bauhausin päätavoitteista oli yhdistelmä monenlaista taidetta- arkkitehtuuri, kuvanveisto, maalaus käsityöllä ja teknologialla, missä toimivuus on etusijalla.
minimalistinen ulkomuoto rakennukset, keskittyminen yksinkertaistettuihin geometrisiin muotoihin, sisustuksen puute on merkki Bauhausin vallankumouksellisista periaatteista - kauneudesta ja yksinkertaisuudesta.
Minimalismi
Minimalistisen arkkitehtuurin alkuperä juontaa juurensa kubismiin, De Stijliin ja Bauhausiin. Tietyllä tavalla nämä liikkeet olivat samanlaisia toistensa kanssa.
Farnsworth House, 1951, Mies, Illinois, USA Esimerkiksi De Stijl -liike suosi yksinkertaisuutta ja abstraktiota ja vähensi koristelun perusmuotoonsa ja -väreihinsä. He perustivat suunnittelufilosofiansa funktionaalisuuteen, tasojen suoruuteen ja koristeellisten pintakäsittelyjen poistamiseen, kuten Schröder Rietveldin talossa näkyy.
Toisaalta Bauhaus perustettiin taidekouluksi Saksaan, jonka tavoitteena oli edistää massatuotantoa ja yhdistää käsitöitä teknologiaan. Bauhaus jakoi De Stijlin funktionaalisuuden, puhtauden ja muodon vähentämisen periaatteet.
Vain muutama sekunti videolla näyttää minimalismin olemuksen:
Bauhausin ja De Stijlin lisäksi minimalistiseen arkkitehtuuriin vaikutti perinteinen japanilainen arkkitehtuuri, joka arvosti sen yksinkertaisuutta.
Tämä tyyli esittelee tiettyjä muodon, valon, tilan ja materiaalin ominaisuuksia sekä tekniikoita, kuten
- vähennys,
- yksinkertaistaminen ja
- yhdistäminen.
Minimalistit pitävät näitä ominaisuuksia olemus arkkitehtuuri.
Minimalismi eliminoi ei-olennaiset yksityiskohdat vähentäen ja tiivistäen projektin sisällön minimiin tarvittaviin elementteihin, parametreihin ja välineisiin, mikä määrittää projektin muodon.
Funktionalismi
1900-luvun arkkitehtoninen tyyli, joka mukautti rakennukset ja rakenteet käyttötarkoituksensa mukaisiksi. Syntynyt Saksassa, Bauhaus-koulussa ja Hollannissa. Vaikka funktionalismi ei ole yksinomaan moderni käsite, se liittyy läheisesti moderni tyyli arkkitehtuuri, joka muotoutui 1900-luvun toisella neljänneksellä.
Tekijä: Kuva: Jonn Leffmann, CC BY 3.0 , Linkki
Edistykselliset rakennustekniikat, uudentyyppisten rakennusten tarve, kulttuuristen ja esteettisten ihanteiden muutokset ovat vaikuttaneet tämän suunnan suosioon. Arkkitehtuurin pääsloganina on käytännön tarpeiden tyydyttäminen. Suurin osa vahva vaikutus suuntaa noudatettiin Saksassa, Tšekkoslovakiassa, Neuvostoliitossa ja Alankomaissa.
Brutalismi
Modernismi Intian arkkitehtuurissa. Brutalismi. Mill Owners' Association Building, Ahmedabad Modernismi arkkitehtuurissa edustaa brutalismia 1950-luvulta 1970-luvun puoliväliin. Brutalistisissa rakennuksissa on toistuvia modulaarisia toiminnallisten alueiden elementtejä, jotka on jäsennelty ja ryhmitelty yhteen. Valetut betonipinnat on tehty korostamaan rakenteen alla olevaa materiaalia muoteissa käytetyn puumuotin tekstuurilla. Rakennusmateriaalit Tässä tyylissä käytettyjä esineitä ovat tiilet, teräs, lasi, karkea kivi. Edustaa jyrkkää kontrastia hienostuneisiin ja koristeltuihin rakennuksiin, jotka on rakennettu Beaux-Artsin (Bose Art) eliittityyliin.
Havainnollistaa jugend- ja modernismin sekaannusta voit katsoa lyhyen videon (todennäköisimmin englanninkielisten lähteiden pohjalta), jossa modernistiset rakennukset ovat tasavertaisia jugendin kanssa.
Nämä konsonanttiset maalaustyylit sekoitetaan usein keskenään. Jotta aloitteleva taiteilija ja muut taiteesta kiinnostuneet voivat vapaasti navigoida suuntiin ja erottaa ne toisistaan, taidekoulumme kutsuu sinut tutustumaan tähän artikkeliin sekä vierailemaan jännittävässä öljymaalauksessa. mestarikursseja. Yhdessä pystymme paitsi pohtimaan erilaisia maalaustyylejä niiden ominaisuuksineen, vaan myös itsenäisesti toteuttamaan potentiaalimme erilaisissa suuntauksissa käyttämällä erityisiä taiteellisia tekniikoita.
Viktor Vasnetsov. Igor Svjatoslavovichin taistelun jälkeen polovtsialaisten kanssa. 1848-1926.
Aloitetaan siis jugendista, joka on edelleen suosittu ja kysytty maailmassa alkuperäisen estetiikkansa ansiosta.
MODERNI
Moderni maalauksessa nämä juonet ovat täynnä symbolismille ominaisia kuvia. Niiden monimutkainen rytmi on yhdistetty lineaariseen koostumukseen alkuperäisten koriste-elementtien kanssa.
Tämän tyylin ensimmäinen ja tärkein ominaisuus on muotojen erityinen sileys. Näemme pitkänomaisia hahmoja, jotka kasvavat korkeuteen ja joissa on selkeät ääriviivat yksivärisellä pinnalla. Teosten arvostelu kuuluisia taiteilijoita moderneja, sinun tulee katsoa tarkasti, ja huomaat, että niillä ei ole tavallista syvyyden vaikutusta. Kuvat näyttävät litteiltä, kuin seinätaidetta.
Aluksi, kun art nouveau maalauksessa oli juuri saamassa vauhtia, sen edustajat käyttivät eksoottisia kasvimotiivit, hassuja koristeita ja kuvioita. Ei harvoin naishahmoja tai mystisiä olentoja esiintyi kankaille niiden kudoksissa. Tämä on symboli, jonkinlainen allegoria sille pääteema kuvia, kuten rakkaus, synti, kuolema tai sota. On tärkeää huomata, että tyylikieli muodostui pitkiä vuosia, monella tapaa ilman Ranskan ja Venäjän symbolistien ideoita. Sillä on joka maassa eri nimi. Tämä on sinulle, jugendille, jugendtyylille ja secessionille.
Art nouveau -taidetta edustavat kulttipersoonallisuuksien kuten P. Gauguin ja P. Bonnard, G. Klimt ja E. Munch, M. Vrubel ja V. Vasnetsov.
Paul Gauguin. Kaksi tahitilaista naista 
Mihail Vrubel. Kuusiipinen serafi. 1904. 
Älä sekoita modernistisia maalareita ja modernistisia maalareita.
MODERNISMI
Modernismi on kokoelma erilaisia tyylejä jotka perustuvat tekijän näkemyksen yksilöllisyyteen, hänen ajatusten ja sisäisten tunteiden vapauteen. Yleisesti ottaen maalauksen modernismi asettuu erilliseksi suureksi liikkeeksi, joka on hylännyt tavanomaiset klassiset perinteet. Taiteilijat ylittivät historiallisen kokemuksensa. He yrittivät löytää uuden alun taiteessa, uudistaa käsitystä ja ymmärrystä maalauksesta yhteiskunnassa.
Tunnetuimmille modernistiset virtaukset sisältää tyylejä, kuten avantgardisti, primitivismi, kubismi, surrealismi, futurismi, ekspressionismi ja abstrakti taide. Jokainen heistä tavoittelee omaa päämääräänsä, joka perustuu alkuperäiseen filosofiseen ideaan tai ajatukseen.
avantgardisti sai alkunsa modernismin postista Euroopassa vuosina 1905-1930. Tämän suuntauksen tavoitteena on hankkia vapaus varojen puitteissa taiteellisia tekniikoita. Avantgarde-taiteilijoiden teokset erottuvat uhmakkaista, rehellisistä ideoista ja kohtauksista.
Kazimir Malevitš. Suprematismi. 
Primitivismi maalauksessa se on kuvien tahallista vääristelyä yksinkertaistamisen avulla. Tietyssä mielessä tämä tyyli jäljittelee maalauksen kehityksen ensisijaisia, primitiivisiä vaiheita. Lapsellinen, pieniin yksityiskohtiin hahmoteltu tulkinta ihmisluonnosta teki tästä tyylistä suositun itseoppineiden taiteilijoiden keskuudessa. Naiivi, kevyt taide ilman selkeää kehystä ja klassisia tekniikoita vaikutti kuitenkin vakavasti kunnioitettujen tekijöiden työhön. Primitivismi maalauksessa, muodoissa ja kuvissa, ei liity mitenkään kuvan sisällön primitiivisyyteen. Jotkut satunnaisesti heitetyistä juoneista voivat kertoa sankarin erittäin tärkeistä sisäisistä tunteista kankaalla.
Niko Pirosmani. Näyttelijä Margaret. 1909. 
Kubismi perustuu kuvien muotojen muutokseen, niiden muodonmuutokseen ja hajoamiseen geometrisiksi elementeiksi. Maalausten käsite alkoi hallita taiteellista arvoa. Tämä suuntaus määritti taiteen kehityksen tulevina vuosikymmeninä.
L. Popova. Filosofin muotokuva. 1915. 
Surrealismi maalauksessa syntyi ihmistietoisuuden muodostumiselle omistettujen kirjallisten teosten seurauksena. Ajatus mielen ja sielun olemassaolosta sen ulkopuolella todellista maailmaa, alitajunnan tutkimus sekä uni-ilmiö ja absurdit ilmiöt antoivat taiteilijoille uusia aiheita työhön. tärkein merkitys Tämän tyylin poistaminen tavallisesta tietoisesta luovuudesta. Surrealismi maalauksessa on oman alitajunnan syvyyksistä poimittuja kuvia ja juonia. Siksi tämän suunnitelman kuvat ovat täynnä outoja hallusinaatioita.
Salvador Dali. Muistin pysyvyys. 1931. 
Kuten surrealismi, futurismi maalauksessa ottaa ajatuksensa kirjallisuudesta. Stereotypioiden tuhoaminen ja urbaanin tulevaisuuden esittely – siinä se on pääidea tätä tyyliä. Nopea siirtyminen tulevaisuuteen, halu päästä eroon vanhoista normeista, paeta menneiden vuosisatojen jäänteitä ja päästä järjestyneempään ja johdonmukaisempaan maailmaan näkyy tämän suuntauksen taiteilijoiden jokaisessa työssä. Futurismi venäläisten kirjailijoiden maalauksessa eroaa jonkin verran tämän suuntauksen eurooppalaisten seuraajien maalauksista. Lähinnä sulautumalla kubismin periaatteisiin.
Umberto Boccioni. Mielen tilat II: Ne, jotka ovat poissa. 1911. 
Ekspressionismi maalauksessa se on protesti maailmaa vastaan. Tämä on sisäinen akuutti ympäristön havainto, ihmisen syrjäytyminen, hänen henkinen romahdus. Tyyli syntyi sodan aattona, joten ei ole yllättävää, että kankaat ovat kylläisiä muodonmuutoksilla, erikoisvärillä ja terävillä dissonansseilla. Ekspressionismi maalauksessa ei ole muuta kuin tietyn tunteen siirtämistä, kokemusten ymmärtämisen draamaa.
Edward Moon. Huutaa. 1893. 
Abstraktionismi maalauksessa - kuvien todellisen välittämisen täydellinen hylkääminen pyrkii luomaan katsojalle omituisia assosiaatioita yhdistämällä erilaisia geometriset kuviot erityisiä sävyjä. Maalauksen abstraktionismi tähtää sommittelun harmoniaan, koska mikä tahansa esine eri kulmasta voi olla erilaisia muotoja ja sävyt. Tämä suuntaus on modernismin, niin sanotun ei-figuratiivisen taiteen, ilmentymisen viimeinen vaihe.
Theo van Doesburg. Vastasävellys V. 1924 
POSTMODERNISMI
Jo nimestä käy selvästi ilmi, että postmodernismi on syrjäyttänyt laajalle piirille käsittämättömän modernismin, joka joutui skeptisten kriitikkojen käsiin. Sillä on ainutlaatuisia typologisia piirteitä. Ensinnäkin postmodernismi maalauksessa on valmiin muodon läsnäoloa. Taiteilijat lainaavat kuvia klassisista perinteistä, mutta antavat niille uuden tulkinnan, oman eksklusiivisen kontekstinsa. Ei ole harvinaista, että postmodernistit yhdistävät muotoja eri tyyleistä, ironisesti kaikkialla maailmassa, ja oikeuttavat siten toissijaisuuttaan.
Seuraava tärkeä ero on sääntöjen puuttuminen. Tämä virta ei sanele tekijälle itseilmaisun kriteerejä. Tekijällä on oikeus valita työnsä suoritusmuoto ja -tapa. Huomaa, että tästä vapaudesta on tullut perusta tuoreelle luovia ideoita ja taiteen suuntauksia. Juuri postmodernismi maalauksessa on edellytys taideinstallaatioiden ja performanssien syntymiselle. Tällä trendillä ei ole selkeitä tekniikan piirteitä, ja se on nykyään suurin ja suosituin maailman näyttämöllä.
Paul Salvator Goldengreen. Taidemaalari Prinssi. 
Taidekoulu "Oil Painting" auttaa aktiivisesti aloittelevia taiteilijoita ja harrastajia löytämään oman tyylinsä.
