Oppikirja tarjoaa tiiviin kattauksen kysymyksiin, jotka liittyvät ranskan ja englannin kirjallisuuden kehitykseen tähän esteettiseen suuntaan. Käsikirja sisältää historiallisen ja kirjallisen aineiston lisäksi katkelmia taideteoksista, jotka tulevat yksityiskohtaisen analyyttisen analyysin aiheeksi.

* * *

Seuraava ote kirjasta Tarina ulkomaista kirjallisuutta XIX vuosisata: Realismi (O. N. Turysheva, 2014) tarjoaa kirjakumppanimme LitRes.

RANSKAN REALISMI

Aluksi muistetaan Ranskan historian päätapahtumat, jotka ovat pohdinnan kohteena realismin kirjallisuudessa tai joihin sen kehitys liittyy.

1804-1814 - Napoleonin (ensimmäisen valtakunnan) hallituskausi.

1814-1830 - Palautuksen aika (palauttaminen Bourbon-dynastian valtaistuimelle, jonka Ranskan suuri vallankumous kaatoi).

1830 - ennallistamishallinnon kaatuminen heinäkuun vallankumouksen ja heinäkuun monarkian perustamisen seurauksena.

1848 - heinäkuun monarkian kaatuminen helmikuun vallankumouksen ja toisen tasavallan luomisen seurauksena.

1851 - Toisen imperiumin perustaminen vallankaappauksen ja Napoleon III:n valtaantulon seurauksena.

1870 - tappio sodassa Preussin kanssa, Napoleon III:n poistaminen vallasta ja kolmannen tasavallan julistaminen.

1871 - Pariisin kommuuni.

Ranskalaisen realismin muodostuminen osuu 30-40-luvulle. Tuolloin realismi ei vielä vastustanut itseään romantiikkaa vastaan, vaan oli hedelmällisesti vuorovaikutuksessa sen kanssa: A.V. Karelskyn sanoin se "tuli romantiikasta, niinkuin lapsuudestaan ​​tai nuoruudestaan". Varhaisen ranskalaisen realismin suhde romantiikkaan on selvä Frederic Stendhalin ja Honore de Balzacin varhaisessa ja kypsässä teoksessa, jotka muuten eivät kutsuneet itseään realistiksi. Termi "realismi" suhteessa kirjallisuudessa tarkasteltavaan ilmiöön syntyi paljon myöhemmin - 50-luvun lopulla. Siksi se siirrettiin takautuvasti Stendhalin ja Balzacin työhön. Näitä kirjailijoita alettiin pitää realistisen estetiikan perustajina, vaikka he eivät rikkoneet romantiikkaa ollenkaan: he käyttivät romanttisia tekniikoita luodakseen kuvia sankareista ja kehittivät romanttisen kirjallisuuden yleismaailmallisen teeman - yksilön yhteiskuntaa vastaan ​​​​protestin teeman. Stendhal kutsui itseään yleensä romanttiseksi, vaikka hänen ehdottamansa romantiikan tulkinta on hyvin spesifinen ja ennakoi ilmeisesti uuden, myöhemmin realistiseksi kutsutun suuntauksen muodostumista ranskalaiseen kirjallisuuteen. Joten tutkielmassa "Racine ja Shakespeare" hän määritteli romantiikan taiteeksi, jonka pitäisi tyydyttää yleisön tarpeet ymmärtää itseään. moderni elämä.

Avoin polemiikka romantiikan kanssa ja romanttisen poetiikan hylkääminen syntyy myöhemmin - seuraavan realistisen kirjallisuuden kehityskauden puitteissa. Tämä jakso kronologinen kehys jonka erotti varhaisesta realismista 50-60-luvulla vuoden 1848 helmikuun vallankumous - niin sanottu "demokraattinen protesti", jonka tarkoituksena oli rajoittaa aristokratian valtaa ja joka kukistui. Vallankumouksen tappio, toisen imperiumin perustaminen ja konservatiivisuuden ja reaktion aikakauden tulo vuoden 1850 jälkeen aiheuttivat vakavia muutoksia ranskalaisten kirjailijoiden ja runoilijoiden asenteessa, mikä lopulta horjutti romanttista maailmankuvaa. Tarkastellaan tämän maailmankuvan muutoksen heijastusta kirjallisuudessa Gustave Flaubertin ja Charles Baudelairen työn esimerkillä.

Ranskalainen realismi 1830-1840

Frederik Stendhal (1783-1842)

.

Stendhal syntyi Grenoblen provinssissa. Poistuttuaan kotikaupungistaan ​​16-vuotiaana turhassa toiveessa tehdä suurkaupunkiura, hän astuu 17-vuotiaana palvelukseen Napoleonin armeijassa ja osallistuu tilintarkastajana ja komentajana kaikkiin Napoleonin eurooppalaisiin yrityksiin, alkaen Italian sotaan ja päättyen sodaan Venäjää vastaan ​​vuonna 1812 . Hän näki Borodinon taistelun ja koki henkilökohtaisesti kaikki Napoleonin Venäjältä vetäytymisen kauhut, joita hän kuvaili yksityiskohtaisesti päiväkirjoissaan, mutta varsin ironisesti. Joten hän vertasi osallistumistaan ​​Venäjän kampanjaan limonadin siemaukseen. Stendhalin elämäkerran kirjoittajat selittävät tällaista ironiaa kuvaillessaan syvästi traagisia tapahtumia järkyttyneen tietoisuuden puolustusreaktiona, yrittäen selviytyä traumaattisesta kokemuksesta ironialla ja rohkeudella.

"Napoleonin" aika päättyi Stendhalin seitsemän vuoden "muuttoon" Italiaan. Syvä italialaisen taiteen tuntemus ja italialaisen kansallisluonteen ihailu määritteli Stendhalin myöhempien teosten tärkeimmän ja läpileikkaavimman teeman: italialaisten vastustaminen kiinteän, intohimoisen luonteen kantajina ranskalaisille, joiden kansallisessa luonteessa turhuutta, Stendhalille, tuhosi kyvyn välinpitämättömyyteen ja intohimoon. Tätä ajatusta kehitetään yksityiskohtaisesti tutkielmassa Rakkaudesta (1821), jossa Stendhal asettaa vastakkain rakkauden intohimon (italialainen rakkauden tyyppi) rakkaus-turhamaisuuteen (ranskalainen tunnetyyppi).

Heinäkuun monarkian perustamisen jälkeen Stendhal toimi Ranskan konsulina Italiassa vuorotellen diplomaattisia tehtäviä kirjallista toimintaa. Taidekritiikin, omaelämäkerrallisen, elämäkerran ja matkajournalismin lisäksi Stendhal omistaa romaaniteoksia (kokoelma "Italian Chronicles" (1829)) ja romaaneja, joista tunnetuimmat ovat "Punainen ja musta" (1830), "Punainen ja valkoinen" " (ei valmis. ), "Parman luostari" (1839).

Stendhalin estetiikka muodostui sen kokemuksen vaikutuksesta, joka oli seurausta hänen osallistumisestaan ​​Venäjän Napoleonin kampanjaan. Stendhalin tärkein esteettinen teos on tutkielma "Racine ja Shakespeare" (1825). Siinä Napoleonin tappio tulkitaan käännekohtana kirjallisuuden historiassa: Stendhalin mukaan keisarin romahtamisesta selvinnyt kansakunta tarvitsee uutta kirjallisuutta. Tämän pitäisi olla kirjallisuutta, jonka tavoitteena on todenmukainen, objektiivinen kuvaus nykyelämästä ja sen traagisen kehityksen syvien lakien ymmärtäminen.

Stendhalin pohdiskeluja tämän tavoitteen saavuttamisesta (objektiivisen kuvan nykyaikaisuudesta) on jo hänen varhaisissa päiväkirjoissaan (1803-1804). Täällä Stendhal muotoili opin henkilökohtaisesta itsensä toteuttamisesta kirjallisuudessa. Sen nimen - "Beylism" - hän muodosti omasta nimestään Henri Beyle ("Stendal" - yksi kirjailijan monista pseudonyymeistä). Beylismin puitteissa kirjallista luovuutta pidetään tieteellisen tiedon muotona henkilöstä, toisin sanoen tapana tutkia ihmissielun elämän objektiivista sisältöä. Stendhalin näkökulmasta tällaista tietoa voivat tarjota positiiviset tieteet ja ennen kaikkea matematiikka. "Soveltaa matematiikkaa ihmissydämeen" - näin kirjoittaja muotoilee menetelmänsä olemuksen. Matematiikka tässä lauseessa tarkoittaa tiukasti loogista, rationaalista, analyyttistä lähestymistapaa ihmisen psyyken tutkimukseen. Stendhalin mukaan tätä polkua seuraamalla on mahdollista tunnistaa ne objektiiviset tekijät, joiden vaikutuksesta ihmisen sisäinen elämä muodostuu. Tällaisia ​​tekijöitä pohtiessaan Stendhal korostaa erityisesti ilmaston, historiallisten olosuhteiden, sosiaalisten lakien ja kulttuuristen perinteiden roolia. Silmiinpistävin esimerkki "matemaattisen" menetelmän soveltamisesta tunteiden piiriin on tutkielma "Rakkaudesta" (1821), jossa Stendhal analysoi rakkautta sen kehityksen universaalien lakien näkökulmasta. Yksi tämän tutkielman keskeisistä ajatuksista liittyy kokemuksen piirteisiin rakkauden tunne kuuluu kansalliseen kulttuuriin. Rakastunut mies näkee Stendhalin kantajana kansallinen luonne, joka määrittää melkein täysin hänen rakkauskäyttäytymisensä.

Siten ihmisen psykologian analyysi tutkimalla hänen käyttäytymisensä ulkoisia tekijöitä tieteen saavutuksiin ja menetelmiin perustuen on Stendhalin mukaan välttämätön edellytys kirjallisuuden projektin toteuttamiselle objektiivisen tiedon muotona ihmisistä. todellisen elämän ydin. Juuri tällaista kirjallisuutta tarvitsevat vallankumouksesta ja Napoleonin tappiosta selvinneet aikalaiset. Nämä Ranskan historian tapahtumat Stendhalin mukaan mitätöivät sekä klassismin merkityksen (se ei loppujen lopuksi ole ominaista uskottavuudelle konfliktien kuvaamisessa) että romanttisen kirjoittamisen merkityksen (se idealisoi elämää). Stendhal kuitenkin kutsuu itseään myös romantikkoksi, mutta hän antaa tälle omanimelle toisen merkityksen kuin se, joka romanttiselle 1820- ja 30-luvuilla annettiin. Hänelle romanttisuus on taidetta, joka voi kertoa jotain merkittävää nykyelämästä, sen ongelmista ja ristiriidoista.

Sellaisen kirjallisuuden ymmärtämisen julistuksen, joka polemisoi romanttisen kieltäytymisen kanssa kuvata elämän proosaa, toteuttaa myös Stendhal romaanissa Punainen ja musta.

Romaanin juoni koostuu viidestä vuodesta Julien Sorelin, matalasosiaalista alkuperää olevan nuoren miehen, elämästä, joka on pakkomielle omahyväisestä aikomuksesta ottaa arvokas paikka yhteiskunnassa. Sen tavoitteena ei ole vain sosiaalinen hyvinvointi, vaan itselleen määrätyn "sankarillisen velvollisuuden" täyttäminen. Julien Sorel yhdistää tämän velvollisuuden korkeaan itseoivallukseen, josta hän löytää esimerkin Napoleonin hahmosta - "tuntemattomasta ja köyhästä luutnantista", josta tuli maailman herra. Halu kohdata idolinsa ja "voittaa" yhteiskunta ovat sankarin käytöksen tärkeimmät motiivit. Aloitti uransa pormestarin lasten tutorina maakuntakaupunki Verrieres, hän saavuttaa sihteerin paikan pariisilaisen aristokraatin Marquis de La Molen kanssa, hänestä tulee tyttärensä Matildan sulhas, mutta hän kuolee giljotiinissa, koska hänet tuomitaan ensimmäisen rakastajansa murhayrityksestä, hänen Verrieresin opiskelijoidensa Madame de:n äidin murhayrityksestä. Renal, joka paljasti hänet tahattomasti herra de La Molen silmissä tyttärensä itsekkäänä viettelijänä. Tarinaa tästä vaikkakin poikkeuksellisesta, mutta yksityisestä historiasta liittyy alaotsikko "1800-luvun kronika". Tällainen alaotsikko antaa Julien Sorelin tragedialle valtavan tyypillisen soundin: kyse ei ole yksilön kohtalosta, vaan henkilön aseman olemuksesta restauraatioajan ranskalaisessa yhteiskunnassa. Julien Sorel valitsee tekopyhyyden keinoksi toteuttaa kunnianhimoisia vaatimuksiaan. Sankari ei ehdota mitään muuta tapaa vahvistaa itseään yhteiskunnassa, mikä asettaa ihmisoikeudet suoraan riippuvaiseksi hänen sosiaalisesta alkuperästään. Hänen valitsemansa "taktiikkansa" ovat kuitenkin ristiriidassa hänen luonnollisen moraalinsa ja korkean herkkyytensä kanssa. Tunteessaan inhoa ​​valituista keinoista tavoitteen saavuttamiseksi, sankari kuitenkin harjoittelee niitä luottaen siihen, että hänen roolinsa takaa hänen onnistuneen sosiaalistumisen. Sankarin kokemaa sisäistä konfliktia voidaan kuvata hänen mielessään kahden mallin - Napoleonin ja Tartuffen - vastakkainasetteluksi: Julien Sorel pitää Napoleonia mallina "sankarillisen velvollisuuden" toteuttamisessa, mutta hän kutsuu Tartuffea "opettajakseen". jonka taktiikkaa hän toistaa.

Tämä sankarin mielessä oleva konflikti kuitenkin löytää asteittaisen ratkaisunsa. Tämä tapahtuu jaksoissa, joissa kuvataan hänen rikostaan ​​ja sitä seurannutta vankeutta ja oikeudenkäyntiä. Itse rikoksen kuvaus romaanissa on epätavallinen: siihen ei liity tekijän selittäviä kommentteja, joten Julien Sorelin Madame de Renalin yrityksen motiivit vaikuttavat käsittämättömiltä. Stendhalin työstä tutkijat tarjoavat useita versioita. Erään heistä laukaus rouva de Renalia kohtaan on sankarin impulsiivinen reaktio paljastukseen, jonka oikeudenmukaisuutta hän ei voi olla tunnustamatta, ja samalla impulsiivinen pettymysilmaus Madame de Renalin "enkelisielussa". . Pahan epätoivon tilassa sankari, sanotaan, tekee ensimmäistä kertaa teon, jota mieli ei hallitse, ja toimii ensimmäistä kertaa intohimoisen, "italialaisen" luonteensa mukaisesti, jonka ilmenemismuodot nyt hän on tukahduttanut uratavoitteiden vuoksi.

Toisen version puitteissa sankarin rikos tulkitaan tietoiseksi valinnaksi, tietoiseksi yritykseksi katastrofaalisen altistumisen tilanteessa kuitenkin täyttää itselleen osoitettu korkean itsetunnon velvollisuus. Tämän tulkinnan mukaisesti sankari valitsee tietoisesti "sankarillisen" itsensätuhon: vastauksena markiisi de La Molen edulliseen tarjoukseen, joka on valmis maksamaan Julienille lupauksesta jättää Matilda, sankari ampuu Madame de Renalia. Tämän näennäisen hullun teon sankarin suunnitelman mukaan pitäisi kumota kaikki epäilyt siitä, että häntä ohjasi alhainen oma etu. ”Minua loukkattiin mitä julmimmalla tavalla. Tapoin", hän sanoo myöhemmin korostaen käytöksensä korkeaa sisältöä.

Sankarin vankilaheijastukset osoittavat, että hän kokee arvojen uudelleenarvioinnin. Yksin itsensä kanssa Sorel myöntää, että hänen elämänsä suunta oli väärä, että hän tukahdutti ainoan todellisen tunteen (rouva de Renalin tunteen) väärien päämäärien vuoksi – onnistuneen sosialisoinnin tavoitteet, jotka ymmärrettiin "sankarilliseksi velvollisuudeksi". Sankarin "hengellisen valaistumisen" tulos (A. V. Karelskyn ilmaus) on elämän hylkääminen yhteiskunnassa, koska Julien Sorelin mukaan se väistämättä tuomitsee ihmisen tekopyhyyteen ja persoonallisuuden vapaaehtoiseen vääristymiseen. Sankari ei hyväksy pelastuksen mahdollisuutta (se on täysin saavutettavissa katumuksen kustannuksella), ja syyllisen monologin sijaan hän pitää syyttävän puheen modernia yhteiskuntaa vastaan ​​ja allekirjoittaa siten tietoisesti kuolemantuomionsa. Siten "sankarillisen velvollisuuden" ajatuksen romahtaminen muuttui toisaalta sankarin todellisen "minän" palauttamiseksi, naamion ja väärän tavoitteen hylkäämiseksi ja toisaalta täydellinen pettymys julkinen elämä ja tietoinen poikkeaminen siitä kiistattoman sankarillisen protestin merkin alla.

Stendhalin tyylin erottuva piirre romaanissa "Punainen ja musta" on syvällinen psykologinen analyysi. Sen aiheena ei ole vain sosiaalisen maailman ja itsensä kanssa ristiriidassa olevan henkilön psykologia ja tietoisuus, vaan hänen itsetietoisuutensa, toisin sanoen sankarin itsensä ymmärtäminen sielussaan tapahtuvien prosessien olemuksesta. Stendhal itse kutsui tyyliään "egoiseksi", koska hän keskittyi kuvaan heijastavan sankarin sisäisestä elämästä. Tämä tyyli saa ilmaisunsa kahden vastakkaisen periaatteen kamppailun toistamisessa Julien Sorelin mielessä: ylevän (sankarin luonteen luonnollinen jalo) ja perusta (tekopyläinen taktiikka). Ei turhaan, että romaanin nimi sisältää kahden värin (punaisen ja mustan) vastakohtaa, ehkä se symboloi sankarin kokemaa sisäistä ristiriitaa sekä hänen konfliktiaan maailman kanssa.

Pääasialliset keinot toistaa sankarin psykologiaa ovat kirjoittajan kommentit ja sankarin sisäinen monologi. Esimerkkinä mainittakoon katkelma romaanin toiseksi viimeisestä luvusta, joka kuvaa Julien Sorelin kokemuksia hänen teloituksensa aattona.

”Eräänä iltana Julien harkitsi vakavasti itsensä tappamista. Hänen sieluaan vaivasi syvä epätoivo, johon rouva de Renalin lähtö oli syöksynyt hänet. Mikään ei vallannut häntä enää todellisessa elämässä tai hänen mielikuvituksessaan.<…>Jotain korotettua ja epävakaa ilmeni hänen luonteessaan, kuten nuoren saksalaisen opiskelijan. Hän menetti huomaamattomasti ... rohkean ylpeyden.

Fragmentin jatko muodostaa sankarin sisäisen monologin:

”Rakastin totuutta... Ja missä se on?.. Kaikkialla yksi tekopyhyys, tai ainakin sarlatanismi, jopa hyveellisimpien, jopa suurimpien joukossa! Ja hänen huulensa vääntyivät inhon irvistykseksi. Ei, ihminen ei voi luottaa ihmiseen.<…>Missä on totuus? Onko uskonnossa...<…>Voi kunpa oikea uskonto olisi olemassa maailmassa!<…>Mutta miksi olen muutenkin tekopyhä, kiroan tekopyhyyttä? Loppujen lopuksi se ei ole kuolema, ei vankila, ei kosteus, vaan se, että rouva de Renal ei ole kanssani - se masentaa minua.<…>

- Tässä se on, aikalaisten vaikutus! hän sanoi ääneen nauraen katkerasti. "Puhun yksin, itsekseni, kahden askeleen päässä kuolemasta, ja silti olen tekopyhä... Oi, 1800-luku!<…>Ja hän nauroi kuin Mefistofeles. "Mitä hulluutta puhua näistä mahtavista kysymyksistä!"

1. En lakkaa olemasta tekopyhä, ikään kuin täällä olisi joku, joka kuuntelee minua.

2. Unohdan elää ja rakastaa, kun minulla on niin vähän päiviä jäljellä..."

Tämän katkelman syvällinen analyyttisyys on ilmeistä: se tarjoaa sekä kirjoittajan analyysin sankarin psykologisesta tilasta että sankarin itsensä suorittaman analyysin suhteessa hänen päättelyihinsä ja kokemuksiinsa. Sankarin tekemien teesien numerointi korostaa erityisesti hänen pohdiskelunsa analyyttisuutta.

Honoré de Balzac (1799–1850)

Elämäkerran ja luovuuden perusasiat .

Balzac on peräisin virkamiehen suvusta, jonka esi-isät olivat Balssa-nimiä talonpoikia. Hänen isänsä korvasi sukunimen aristokraattisella variantilla "Balzac", ja kirjailija itse lisäsi siihen jalon etuliitteen "de". A. V. Karelskyn mukaan nuori Balzac kuuluu psykologiseen tyyppiin, jonka Stendhal kuvasi Julien Sorelin kuvassa. Mainetta ja menestystä kaipaava Balzac valitsee juridisesta koulutuksestaan ​​huolimatta kirjallisuuden itsensä vahvistamisen alaksi, jota hän pitää aluksi hyvänä tulonlähteenä. 1920-luvulla hän julkaisi eri salanimillä peräkkäin goottihenkisiä romaaneja, joiden päätavoitteena oli korkeita palkkioita. Myöhemmin hän kutsui 1920-lukua "kirjallisen sivistyneisyyden" ajanjaksoksi (kirjeessä siskolleen).

Uskotaan, että aito Balzacin luovuus alkaa 30-luvulta. 1930-luvun alusta lähtien Balzac on kehittänyt alkuperäistä ideaa - ajatusta yhdistää kaikki teokset yhdeksi sykliksi - tavoitteenaan mahdollisimman laaja ja monipuolinen kuvaus nykyaikaisen ranskalaisen yhteiskuntansa elämästä. . 40-luvun alussa syklin nimi muodostettiin - "The Human Comedy". Tämä nimi viittaa moniarvoiseen viittaukseen Danten jumalalliseen komediaan.

Tällaisen suurenmoisen idean toteuttaminen vaati valtavaa, lähes uhrautuvaa työtä: tutkijat laskivat, että Balzac kirjoitti jopa 60 sivua tekstiä päivittäin, antautuen systemaattisesti työhön, oman tunnustuksensa mukaan, 18-20 tuntia päivässä.

Sävellyksellisesti Human Comedy (kuten Danten jumalallinen komedia) koostuu kolmesta osasta:

- "Etudes on Morals" (71 teosta, joista tunnetuimmat ovat novelli "Gobsek", romaanit "Eugen Grandet", "Isä Goriot", "Lost Illusions");

- "Filosofiset tutkimukset" (22 teosta, mukaan lukien romaani "Shagreen Skin", tarina "Tuntematon mestariteos");

- "Analyyttiset tutkimukset" (kaksi teosta, joista tunnetuin on "The Physiology of Marriage").

Balzacin estetiikka muodostui aikansa tieteellisen ajattelun ja ennen kaikkea luonnontieteen vaikutuksesta. Ihmisen komedian esipuheessa (1842) Balzac viittaa Geoffroy de Saint-Hilairen, Darwinin edeltäjän, eläintieteen professorin käsitteeseen, joka esitti ajatuksen koko orgaanisen maailman yhtenäisyydestä. Tämän ajatuksen mukaisesti elävä luonto kaikessa monimuotoisuudessaan on yksi järjestelmä, joka perustuu organismien asteittaiseen kehittymiseen alemmista muodoista korkeampiin. Balzac käyttää tätä ideaa selittääkseen sosiaalista elämää. Hänelle "yhteiskunta on kuin luonto" (kuten hän kirjoittaa Inhimillisen komedian esipuheessa), ja siksi se on kiinteä organismi, joka kehittyy objektiivisten lakien ja tietyn kausaalisen logiikan mukaisesti.

Balzacin kiinnostuksen kohteena on nykyaikainen eli porvarillinen evoluution vaihe sosiaalinen rauha. Balzacin suunnitelman tavoitteena on etsiä objektiivinen laki, joka määrittää porvarillisen elämän olemuksen.

Kuvattu ajatuskokonaisuus määritti Balzacin työn esteettiset perusperiaatteet. Listataan ne.

1. Pyrkimys yleismaailmalliseen ja kattavaan kuvaamiseen ranskalaisesta yhteiskunnasta. Se esitetään ilmeikkäästi esimerkiksi "Human Comedy" -elokuvan ensimmäisen osan - "Etudes on Morals" -sävellysrakenteessa. Tämä romaanisykli sisältää kuusi osaa sen sosiaalisen elämän osa-alueen mukaan, jota ne tutkivat: ”Kohtaukset yksityisyyttä”, “Kohtauksia maakuntaelämästä”, “Pariisilaisen elämän kohtauksia”, “Sotilaallisen elämän kohtauksia”, “Kohteita poliittinen elämä", "Kyläelämän kohtaukset". Kirjeessään Evelyn Hanskalle Balzac kirjoitti, että "Studies on Morals" kuvaa "kaikkia sosiaalisia ilmiöitä, joten [ei mitään]<…>ei unohdeta."

2. Installaatio yhteiskunnan kuvaan yhtenäinen järjestelmä samanlainen kuin luonnollinen organismi. Se saa ilmaisunsa esimerkiksi sellaisessa "inhimillisen komedian" ominaisuudessa kuin erilaisten yhteyksien läsnäolo sosiaalisten tikkaiden eri tasoilla sijaitsevien hahmojen välillä. Joten Balzacin maailmassa aristokraatti osoittautuu saman moraalifilosofian kantajaksi kuin tuomittu. Mutta tämä asenne näkyy erityisesti hahmojen "kautta" -periaatteella: "Ihmiskomediassa" joukko hahmoja siirtyy työstä toiseen. Esimerkiksi Eugene Rastignac (hän ​​esiintyy melkein kaikissa kohtauksissa, kuten Balzac itse selitti) tai vanki Vautrin. Sellaiset hahmot vain materialisoivat Balzacin ajatuksen siitä, että sosiaalinen elämä ei ole kokoelma erilaisia ​​tapahtumia, vaan orgaaninen yhtenäisyys, jossa kaikki liittyy kaikkeen.

3. Installaatio yhteiskunnan elämän tutkimuksesta historiallisessa perspektiivissä. Moitti aikakauttaan historiatiede Koska kiinnostusta moraalin historiaa kohtaan ei ole, Balzac korostaa esipuheessa Human Comedy -sarjan historiografista luonnetta. Moderni on hänelle luonnollisen historiallisen kehityksen tulos. Hän pitää tarpeellisena etsiä sen alkuperää vuoden 1789 suuren Ranskan vallankumouksen tapahtumista. Ei turhaan hän kutsuu itseään modernin porvarillisen elämän historioitsijaksi ja kutsuu The Human Comedy -kirjaa "kirjaksi Ranskasta 1800-luvulla".

Alkujakson loppu.

Realismia, symboliikkaa. Esitys esittelee ranskalaisten taiteilijoiden Courbet'n, Daumier'n ja Milletin töitä.

Realismi ranskalaisessa maalauksessa

Klassismityyli, joka hallitsi valistuksen taiteessa jo v myöhään XVIII vuosisadalla syrjäytettiin uusi tyyli, joka oli seurausta Ranskan porvarillisen vallankumouksen aiheuttamista mullistuksista ja pettymyksestä sen tuloksiin. Tästä tyylistä tuli romantiikkaa. Omistan useita kirjoituksia romantiikan taiteelle. Tänään puhumme realismi, joka alkoi muotoutua romanttisen taiteen syvyyksissä. Ranskalainen kirjallisuuskriitikko Jules Francois Chanfleury, joka käytti ensin termiä "realismi", asetti sen vastakkain symbolismiin ja romantiikkaan. Realistisesta taiteen suunnasta ei kuitenkaan tullut romantiikan ehdotonta antagonistia, vaan pikemminkin sen jatkoa.

Todellisuuden totuuteen heijastamiseen pyrkivä ranskalainen realismi osoittautui luonnollisesti liittyvän vallankumoukselliseen liikkeeseen ja sitä kutsuttiin "kriittiseksi realismiksi". Vetoutuminen modernismiin kaikissa ilmenemismuodoissaan, tyypillisten hahmojen toistaminen tyypillisissä olosuhteissa kuvan aitouden perusteella on realismin päävaatimus.

"Maalaustaide ei voi olla muuta kuin taiteilijalle näkyvien ja konkreettisten esineiden kuvaamista, ... realistisen taiteilijan tulee välittää aikakautensa tapoja, ajatuksia, ilmettä"
Gustave Courbet

On epätodennäköistä, että voisin puhua Gustave Courbetin työstä ja kohtalosta, jota usein kutsutaan perustajaksi. realismia ranskalaisessa maalauksessa paremmin kuin tekijät tekivät elokuva "Liberty Courbet" sarjasta "My Pushkin"

Hänen esityksessään "Realismi ranskalaisessa maalauksessa" Yritin esitellä myös upeiden ranskalaisten taiteilijoiden töitä Francois Millet ja Kunnia Daumier. Niille, jotka ovat kiinnostuneita tästä aiheesta, haluan suositella tutustumaan sivustoon Gallerix.ru

Kuten aina, pieni kirjaluettelo, jossa voit lukea ranskalaisesta realismista ja ranskalaisista realistisista taiteilijoista:

• Tietosanakirja lapsille. T.7. Taide. Osa kaksi. – M.: Avanta+, 2000.
• Beckett V. Maalauksen historia. - M .: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
• Dmitrieva N.A. Lyhyt taiteen historia. Ongelma III: Maat Länsi-Eurooppa XIX vuosisadalla; 1800-luvun Venäjä. - M.: Taide, 1992
• Emokhonova L.G. Maailman taiteellinen kulttuuri: Proc. Tuki opiskelijoille. keskim. ped. oppikirja laitokset. - M .: Kustannuskeskus "Akatemia", 1998.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Maailman taide. XIX vuosisadalla. Kuvataide, musiikki, teatteri. ‒ Pietari: Pietari, 2007.
• Samin D.K. Sata suurta taiteilijaa. – M.: Veche, 2004.
• Freeman J. Taiteen historia. - M .: "Kustantamo Astrel", 2003.

1800-luvun taiteen ja kirjallisuuden realistinen suuntaus.

1800-luvulla yhteiskunta alkoi kehittyä nopeasti. Uusia teknologioita syntyy, lääketiede, kemianteollisuus, energiatekniikka ja liikenne kehittyvät. Väestö alkaa vähitellen siirtyä vanhoista kylistä kaupunkeihin pyrkien mukavuuteen ja moderniin elämään.
Kulttuuriala ei voinut muuta kuin reagoida kaikkiin näihin muutoksiin. Loppujen lopuksi muutokset yhteiskunnassa - sekä taloudelliset että sosiaaliset - alkoivat luoda uusia tyylejä ja taiteellisia suuntauksia. Joten romantiikan korvaa suuri tyylisuuntaus - realismi. Toisin kuin edeltäjänsä, tämä tyyli heijasteli elämää sellaisena kuin se on, ilman koristeita tai vääristymiä. Tämä halu ei ollut uusi taiteessa - se löytyy antiikista, keskiaikaisesta kansanperinteestä ja valistuksesta.
Realismi saa kirkkaamman ilmaisunsa jo 1600-luvun lopulla. Ihmisten lisääntynyt tietoisuus, joka on kyllästynyt elämään olemattomien ihanteiden kanssa, synnyttää objektiivisen heijastuksen - realismin, joka ranskaksi tarkoittaa "materiaalia". Jotkut realismin suuntaukset näkyvät Michelangelo Caravaggion ja Rembrandtin maalauksessa. Mutta realismista tulee elämänkatsomusten olennaisin rakenne vasta 1800-luvulla. Tänä aikana se saavuttaa kypsyytensä ja laajentaa rajojaan koko Euroopan alueelle ja tietysti Venäjälle.
Realistisen suunnan sankarista tulee mielen ruumiillistava henkilö, joka pyrkii tuomitsemaan ympäröivän elämän negatiiviset ilmenemismuodot. Kirjallisissa teoksissa tutkitaan sosiaalisia ristiriitoja, kuvataan yhä enemmän heikommassa asemassa olevien ihmisten elämää. Daniel Defoeta pidetään eurooppalaisen realistisen romaanin perustajana. Hänen tekojensa ytimessä on ihmisen hyvä alku. Mutta olosuhteet voivat muuttaa sitä, se on ulkoisten tekijöiden alainen.
Ranskassa uuden suunnan perustaja oli Frederic Stendhal. Hän ui kirjaimellisesti virtaa vastaan. Todellakin, 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla romanttisuus hallitsi taidetta. Päähenkilö oli "poikkeuksellinen sankari". Ja yhtäkkiä Stendhalilla on täysin erilainen kuva. Hänen sankarinsa elävät elämäänsä paitsi Pariisissa myös maakunnissa. Kirjoittaja osoitti lukijalle, että arjen kuvaus, todelliset inhimilliset kokemukset, ilman liioittelua ja kaunistamista, voidaan viedä taiteen tasolle. G. Flaubert meni vielä pidemmälle. Se paljastaa sankarin psykologisen luonteen. Tämä vaati ehdottoman tarkkaa kuvausta pienimmistä yksityiskohdista, elämän ulkopuolisen puolen näyttämistä sen olemuksen yksityiskohtaisempaa siirtämistä varten. Guy de Maupassantista tuli hänen seuraajansa tähän suuntaan.
1800-luvun taiteen realismin kehityksen lähtökohtana Venäjällä olivat sellaiset kirjailijat kuin Ivan Krylov, Aleksandr Gribojedov, Aleksanteri Pushkin. Ensimmäiset silmiinpistävimmät realismin elementit ilmestyivät jo vuonna 1809 I.A.:n debyyttisarjassa. Krylov. Pääasia kaikkien hänen tarujensa ytimessä on konkreettinen tosiasia. Siitä muodostuu hahmo, syntyy tämä tai tuo käyttäytymistilanne, joka pahenee eläinhahmojen luonteesta johtuvien vakiintuneiden ideoiden käytöstä. Valitun genren ansiosta Krylov osoitti nykyajan elämän eloisia ristiriitoja - vahvojen ja heikkojen, rikkaiden ja köyhien yhteentörmäyksiä, nauraen virkamiehiä ja aatelisia.
Gribojedovissa realismi ilmenee tyypillisten hahmojen käytössä, jotka ovat tyypillisissä olosuhteissa - tämän suunnan pääperiaate. Tämän vastaanoton ansiosta hänen komediansa "Voi nokkeluudesta" on myös ajankohtainen näinä päivinä. Hänen teoksissaan käyttämiä hahmoja löytyy aina.
Realistinen Pushkin esittää hieman toisenlaisen taiteellisen käsityksen. Hänen sankarinsa etsivät elämästä malleja, jotka perustuvat kasvatusteorioihin, universaaleihin arvoihin. Historialla ja uskonnolla on tärkeä rooli hänen teoksissaan. Tämä tuo hänen teoksensa lähemmäksi ihmisiä ja heidän luonnettaan. Vielä terävämpi ja syvempi kansallisuus ilmeni Lermontovin ja Gogolin teoksissa ja myöhemmin "luonnollisen koulun" edustajien teoksissa.
Jos puhumme maalauksesta, niin 1800-luvun realististen taiteilijoiden päämotto oli objektiivinen todellisuuden kuvaus. Joten ranskalaiset taiteilijat 1800-luvun 30-luvun puolivälissä Theodore Rousseaun johdolla alkoivat maalata maaseutumaisemia. Kävi ilmi, että tavallisimmasta luonnosta ilman koristelua voi tulla ainutlaatuinen luomismateriaali. Olipa synkkä päivä, tumma taivas ennen ukkosmyrskyä, väsynyt kyntäjä - kaikki tämä on eräänlainen muotokuva oikea elämä.
Gustave Courbet, 1800-luvun jälkipuoliskolla elänyt ranskalainen taidemaalari, aiheutti maalauksillaan vihaa porvarillisissa piireissä. Loppujen lopuksi hän kuvasi todellista elämää, mitä hän näki ympärillään. Nämä voivat olla genrekohtauksia, muotokuvia ja asetelmia. Hänen tunnetuimpia teoksiaan ovat "Funeral in Ornan", "Fire", "Deer by the Water" ja skandaaliset maalaukset "Maailman synty" ja "Sleepers".
Venäjällä realismin perustaja 1800-luvun taiteessa oli P.A. Fedotov ("Majurin Matchmaking"). Hän turvautuu teoksissaan satiiriin, tuomitsee ilkeän moraalin ja tuntee myötätuntoa köyhiä kohtaan. Hänen perintöönsä kuuluu monia karikatyyrejä ja muotokuvia.
1800-luvun jälkipuoliskolla "ihmisten elämä" -teeman otti I.E. Repin. Hänen kuuluisissa maalauksissaan "Refusal of Confession" ja "Barge Haulers on the Volga" tuomitaan ihmisten julma hyväksikäyttö ja joukkojen keskuudessa syntyvä protesti.
Realistiset suuntaukset jatkuivat 1900-luvulla kirjailijoiden ja taiteilijoiden työssä. Mutta uuden ajan vaikutuksesta he alkoivat hankkia muita, nykyaikaisempia ominaisuuksia.

ranskalainen realismi.

Realismi 30-40s

Realismi on totuudenmukainen, objektiivinen todellisuuden heijastus. Realismi syntyi Ranskassa ja Englannissa porvarillisen järjestyksen voiton olosuhteissa. Kapitalistisen järjestelmän yhteiskunnalliset vastakohdat ja puutteet määrittelivät realististen kirjailijoiden jyrkän kriittisen asenteen sitä kohtaan. Οʜᴎ tuomitsi hankinnan, räikeän sosiaalisen eriarvoisuuden, itsekkyyden, tekopyhyyden. Ideologisessa painopisteessään siitä tulee kriittinen realismi. Yhdessä sen kanssa se on täynnä humanismin ja sosiaalisen oikeudenmukaisuuden ajatuksia. Ranskassa he luovat 30- ja 40-luvuilla parhaat realistiset teoksensa Opore de Balzac, joka kirjoitti 95-osaisen ʼʼHuman Comedyʼʼ; Victor Hugo - ʼʼNotre Damen katedraaliʼʼ, ʼʼYhdeksänkymmentäkolmas vuosiʼʼ, ʼʼLes Misérablesʼʼ jne.
Isännöi osoitteessa ref.rf
Gustave Flaubert - ʼʼMadame Bovaryʼʼʼ, ʼʼAistien koulutusʼʼʼʼʼSalamboʼʼ Prosper Merimo - novellien mestari ʼʼMateo Falconeʼʼ, jne
Isännöi osoitteessa ref.rf
Englannissa 30- ja 40-luvuilla. Charles Dickens - erinomainen satiiri ja humoristi, teoksia ʼʼDombey ja Sonʼʼ, ʼʼ Vaikeat ajatʼʼ, ʼʼSuuret odotuksetʼʼ, jotka ovat realismin huippua. William Makepeace Thackeray romaanissa ʼʼVanity Fairʼʼ, historiallisessa teoksessa ʼʼHistory of Henry Esmondʼʼ, satiiristen esseiden kokoelma ʼʼThe Book of Snobsʼʼ, osoitti kuvaannollisesti porvarillisen yhteiskunnan paheet. 1800-luvun viimeisellä kolmanneksella maailmansoundin hankkii Skandinavian maiden kirjallisuus. Tämä on ennen kaikkea hänen teoksensa, norjalaiset kirjailijat: Heinrich Ibsen - draamat ʼʼ Nukkekotiʼʼ (ʼʼNoraʼʼ), ʼʼAaveetʼʼ, ʼʼKansan vihollinenʼʼ vaativat ihmispersoonallisuuden vapauttamista tekopyhästä porvarillisesta moraalista. Bjornsonin draamat ʼʼKontakttiʼʼ, ʼʼVoimemme ulkopuolellaʼʼ ja runoutta. Knut Hamsun - psykologiset romaanit ʼʼNälkäʼʼ, ʼʼMysteriesʼʼ, ʼʼPanʼʼ, ʼʼVictoriaʼʼ, jotka kuvaavat yksilön kapinaa filistealaista ympäristöä vastaan.

Vuoden 1789 vallankumous, akuutin poliittisen taistelun aika. Viisi poliittista hallintoa on muuttumassa Ranskassa: 1.) 1795 - 1799 hakemistokausi, 2.) 1799 - 1804 Napoleonin konsulaatin kausi. 3) 1804 - 1814 - Napoleonin valtakunnan ja sotien aika. 4) 1815 - 1830 - ennallistamisaika 5) 1830 - 1848 heinäkuun monarkian aika, 6) vuoden 1848 vallankumous, porvariston vahvistuminen . Realismi Ranskassa muotoutui teoreettisesti ja sanana. Kirjallisuus on jaettu kahteen vaiheeseen: Balzac ja Flaubert. I) 30 Realismi tarkoittaa erilaisten luonnonilmiöiden lisääntymistä. 40-luku, realismi - kuvan asettaminen modernista elämästä, joka ei perustu vain mielikuvitukseen, vaan myös suoraan havaintoon. Ominaisuudet: 1) elämän analyysi, 2) tyypistyksen periaate vahvistetaan, 3) syklisointiperiaate 4) tieteeseen suuntautuminen 5) psykologismin ilmentymä. Johtava genre on romaani. II) 50-luku käännekohta realismin käsitteessä, joka liitettiin Courbetin kuvatöihin, hän ja Chanfleury muotoilivat uuden ohjelman. Havaitussa proosaa, vilpittömyyttä, objektiivisuutta.

BERENGER Pierre-Jean- Ranskalainen lauluntekijä Ensimmäinen merkittäviä töitä B. tässä suvussa ovat hänen pamfletinsa Napoleon Minä: ʼʼKuningas Yvetoʼʼ , ʼʼPoliittinen traktaattiʼʼ . Mutta satiirin B kukoistusaika osuu entisöinnin aikakauteen. Bourbonien ja heidän mukanaan emigranttien aristokraattien, jotka eivät vallankumouksen vuosien aikana ole oppineet mitään eivätkä unohtaneet mitään, valtaan paluu herättää B:ssä pitkän sarjan lauluja, pamfletteja, joissa koko yhteiskunnallinen ja poliittinen järjestelmä aikakausi löytää loistavan satiirisen heijastuksen. Heidän jatkonsa ovat niitä vastaan ​​suunnattuja lauluja-pamfletteja Louis Philippe finanssiporvariston edustajana valtaistuimella. Näissä lauluissa, joita B. itse kutsui valtaistuimelle, kirkkoon, byrokratiaan, porvaristoon ammutuiksi nuoliksi, runoilija esiintyy poliittisena tribüüninä, runollinen luovuus puolustaa työporvariston etuja, jolla oli vallankumouksellinen rooli Valko-Venäjän aikakaudella, joka myöhemmin lopulta siirtyi proletariaatille. Koska B. vastusti Napoleonia hänen hallituskautensa aikana, hän vahvistaa muistokulttinsa Bourbonien ja Louis Philippen aikana. Tämän syklin lauluissa Napoleonia idealisoidaan vallankumouksellisen voiman edustajana, joka on yhteydessä massoihin. Tämän syklin päämotiivit: usko ideoiden voimaan, vapaus jonkinlaisena abstraktina hyvänä, ei luokkataistelun todellisena tuloksena, mikä on äärimmäisen tärkeää väkivaltaan liittyen (ʼʼIdeaʼʼ, ʼʼAjatusʼʼ). Yhdessä tämän syklin kappaleista B. kutsuu opettajiaan: Owen, La Fontaine, Fourier. Edessämme on siis utopistisen esimarxilaisen sosialismin seuraaja. Ensimmäinen runokokoelma riistää häneltä viranomaisten armon yliopistossa, jossa hän sitten palveli. Toinen kokoelma nostaa B.:n syytteeseen, joka päättyy kolmen kuukauden vankeusrangaistukseen moraalin, kirkon ja kuninkaallisten loukkaamisesta. Neljäs kokoelma tuotti kirjailijalle toisen vankeusrangaistuksen, tällä kertaa 9 kuukaudeksi. Kaikesta huolimatta B:n osallistuminen poliittiseen elämään sanan varsinaisessa merkityksessä (ellemme koske laulujen vallankumouksellista toimintaa) johti esimerkiksi melko maltillisiin muotoihin.
Isännöi osoitteessa ref.rf
liberaalien tukena vuoden 1830 vallankumouksessa. Viime vuosina B. vetäytyi julkisesta elämästä, asettui lähelle Pariisia, siirtyi työssään poliittisista motiiveista sosiaalisiin ja kehitti niitä populismin hengessä (ʼʼRed Jeanneʼʼ, ʼʼTrampʼʼ, ʼʼJacqueʼʼ jne.).

BALZAC, HONORE(Balzac, Honoré de) (1799-1850), ranskalainen kirjailija, joka loi uudelleen täydellisen kuvan aikansa sosiaalisesta elämästä. Yritys ansaita omaisuutta kustannus- ja painoalalla (1826-1828) johti Balzacin suuriin velkoihin. Palaten kirjoittamiseen hän julkaisi romaanin vuonna 1829 Viimeinen Shuang. Se oli ensimmäinen hänen alaisuudessaan julkaistu kirja oma nimi, sekä humoristinen opas aviomiehille Avioliiton fysiologia 1829) hän kiinnitti yleisön huomion uuteen kirjailijaan. Samaan aikaan hänen elämänsä päätyö alkoi: vuonna 1830 ensimmäinen Yksityiselämän kohtauksia, kiistaton mestariteos Kissa pelaa pallotaloa, vuonna 1831 ensimmäinen Filosofisia romaaneja ja tarinoita. Vielä useita vuosia Balzac työskenteli freelance-toimittajana, mutta päävoimat vuosina 1830-1848 annettiin laajalle romaani- ja novellisarjalle, joka tunnetaan maailmalla nimellä Ihmisen komedia. Vuonna 1834 Balzac sai idean yhdistää vuodesta 1829 lähtien kirjoitetut yhteiset sankarit ja tulevat teokset ja yhdistää ne eeposeksi, jota myöhemmin kutsuttiin "inhimilliseksi komediaksi". Maailman universaalien keskinäisten riippuvuuksien ajatusta ilmentäen Balzac kehitti kattavan taiteellisen tutkimuksen ranskalaisesta yhteiskunnasta ja ihmisestä. Tämän taiteellisen rakennuksen filosofinen viitekehys on 1700-luvun materialismi, Balzacin nykyaikaiset luonnontieteelliset teoriat, omituiset sulaneet elementit. mystisistä opetuksista. Ihmiskomediassa on kolme osaa. I. Tapaamiset: 1) yksityiselämän kohtaukset; 2) maakuntaelämän kohtauksia; 3) pariisilaisen elämän kohtauksia; 4) poliittisen elämän kohtaukset; 5) sotilaselämän kohtaukset; 6) maaseutuelämän kohtauksia. II. Filosofiset opinnot. III. Analyyttiset tutkimukset. Nämä ovat ikään kuin kolme spiraalin ympyrää, jotka nousevat tosiasioista syihin ja perusteisiin (katso "Ihmiskomedian esipuhe", Sobr.
Isännöi osoitteessa ref.rf
cit., osa 1, M., 1960). "Human Comedy" sisältää 90 teosta. Balzac b hän oli ensimmäinen suuri kirjailija, joka kiinnitti erityistä huomiota aineelliseen taustaan ​​ja hahmojensa ʼʼulkonäköönʼʼ; ennen häntä kukaan ei niin kuvannut hankinnallisuutta ja häikäilemätöntä urasuoritusta tärkeimmäksi elämän kannustimeksi. gobsek 1830), in Tuntematon mestariteos (1831), Eugenia Grande, Kirjeitä tuntemattomalle rakkaudesta puolalaista kreivitärtä kohtaan.

100 r ensimmäisen tilauksen bonus

Valitse työn tyyppi Tutkintotyö Opintojakso Abstrakti Pro gradu -työ Raportti käytännössä Artikkeli Raporttikatsaus Testata Monografia Ongelmanratkaisu Liiketoimintasuunnitelma Vastaukset kysymyksiin luovaa työtä Essee Piirustus Essee Käännös Esitykset Kirjoittaminen Muu Tekstin ainutlaatuisuuden lisääminen Opinnäytetyö Laboratoriotyöt Verkko-apu

Kysy hintaa

1830- ja 1840-luvuilla, erityisesti Balzacin teoksissa, ilmenevät realismille ominaiset piirteet. Realistit näkevät päätehtävänsä todellisuuden taiteellisessa jäljentämisessä, sen dialektiikan ja muotojen monimuotoisuuden määräävien lakien tuntemisessa.

"Ranskan yhteiskunnan itsensä piti olla historioitsija, minun täytyi olla vain sen sihteeri", Balzac huomautti Ihmiskomedian esipuheessa julistaen objektiivisuuden periaatteen lähestymistavassa todellisuuden kuvaamiseen realistisen realistisuuden tärkeimpänä periaatteena. taide. Tämän ohella suuri kirjailija toteaa: "Taiteen tehtävä ei ole kopioida luontoa, vaan ilmaista sitä!" Todellakin, taiteena, joka antaa moniulotteisen kuvan todellisuudesta; realismi ei suinkaan rajoitu vain moraalikuvaukseen ja arkielämään, vaan sen tehtäviin kuuluu elämän objektiivisten lakien - historiallisten, sosiaalisten, eettisten, psykologisten - analyyttinen tutkimus sekä toisaalta nyky-ihmisen ja yhteiskunnan kriittinen arviointi ja toisaalta positiivisen periaatteen tunnistaminen elävässä todellisuudessa.

Yksi realismin avainpostulaateista - realistisen tyypityksen periaatteiden puolustaminen ja niiden teoreettinen ymmärtäminen - liittyy myös ensisijaisesti ranskalaiseen kirjallisuuteen, Balzacin työhön. Innovatiivinen 1800-luvun alkupuoliskolla ja yleisesti realismin kohtalolle merkittävä oli Balzacin esittelemä syklisointiperiaate. "The Human Comedy" on ensimmäinen yritys luoda sarja romaaneja ja novelleja, joita yhdistää monimutkainen syiden ja seurausten ketju sekä hahmojen kohtalot, jotka esiintyvät joka kerta uudessa vaiheessa heidän kohtalossaan ja moraalisessa ja psykologisessa kehityksessään. . Pyöräily vastasi realismin toivetta kaiken kattavaan, analyyttiseen ja systemaattiseen taiteelliseen todellisuuden tutkimiseen.

Jo Balzacin estetiikassa paljastuu suuntautuminen tieteeseen, ennen kaikkea biologiaan. Tämä suuntaus kehittyy edelleen Flaubertin työssä, joka pyrkii soveltamaan tieteellisen tutkimuksen periaatteita nykyaikaiseen romaaniin. Siten positivistiselle estetiikalle tyypillinen asenne "tieteellisyyteen" ilmenee realistien taiteellisissa toimissa kauan ennen kuin siitä tulee naturalismin johtava. Mutta sekä Balzacissa että Flaubertissa "tieteellisyyden" halu on vapaa naturalistien luontaisesta taipumuksesta absolutisoida luonnonlakeja ja niiden roolia yhteiskunnan elämässä.

Realismin vahva ja valoisa puoli Ranskassa on psykologismi, jossa romanttinen traditio näkyy syvempänä ja monipuolisempana. Psykologian, luonteen, henkilön tekojen kausaalisten motivaatioiden kirjo, josta hänen kohtalonsa lopulta muodostuu, realismin kirjallisuudessa laajenee merkittävästi, painotetaan yhtä lailla historiallista ja sosiaalista determinismia sekä henkilökohtaista yksilöllistä periaatetta. . Tämä johtaa korkeimpaan luotettavuuteen psykologinen analyysi.

Realismin johtava genre Ranskassa, kuten muissakin maissa, on romaani sen lajikkeissa: moralistinen, sosiopsykologinen, psykologinen, filosofinen, fantastinen, seikkailu, historiallinen.

Uudet teemat heijastuvat realistien työssä: modernin yhteiskunnan kehitys, uusien tyyppien ja suhteiden syntyminen, uusi moraali ja uudet esteettiset näkemykset. Nämä teemat ilmentyvät Stendhalin, Balzacin ja Mériméen teoksissa. Ranskalaisen realismin kansallinen identiteetti heijastui näiden kirjoittajien haluna ymmärtää ranskalaisen yhteiskunnan vuoden 1789 vallankumouksesta alkaneen ja kirjailijoiden elinaikana jatkuneen myrskyisän ajanjakson aikana keräämän rikkaan sosiaalisen kokemuksen ydin.

Aseistettuna paitsi lahjakkuudellaan myös syvällä todellisuuden tuntemuksella, realistit loivat jättimäisen panoraaman ranskalaisesta elämästä ja näyttivät sen liikkeessä. Stendhalin, Balzacin, Mériméen ja Berangerin teokset osoittivat, että historiallisen prosessin aikana Ranskan aatelisto oli lähestymässä täydellistä rappeutumista. Realistit näkivät myös uusien elämänmestarien - porvariston edustajien - ilmaantumisen säännöllisyyden, jonka he leimasivat Valnon tai Gobsekin kuvissa.

Nousevan realismin piirteet näkyvät välittömästi eri tavoin eri kirjailijoiden teoksissa. Huolimatta siitä, että Balzacin ja Stendhalin teosten ongelmat ovat monessa suhteessa läheisiä, heidän luovan menetelmänsä yksilölliset piirteet eroavat merkittävästi: Stendhal on ennen kaikkea mestari psykologinen romaani, joka pyrkii syvästi tutkimaan yksilöiden sisäistä maailmaa. Balzac luo valtavan kankaan ranskalaisesta todellisuudesta, koko maailma, jossa on monia hahmoja.

Sekä Stendhal että Balzac ovat luontaisia ​​historismiin. Heidän teoksissaan kulkee ajatus siitä, että yhteiskunta on jatkuvan muutoksen tilassa, ja he etsivät tämän kehityksen syitä. Historiallisuus on myös luontaista Merimeelle. Hänelle yhteiskunnan elämä on jatkuva muutos sosiaalisten voimien tasapainossa, joka vaikuttaa ihmisen luonteeseen. Useissa teoksissaan Merimee näyttää aikalaisiaan, jotka ovat porvarillisen yhteiskunnan silvottuja ja turmeltuneet ("Double Error", "Etruscan Vase" jne.).

Kaikki edellä mainitut ranskalaisen realismin piirteet ilmestyivät jo 1830- ja 40-luvuilla, pääasiassa Balzacin ja Stendhalin teoksissa. Realismin perustavanlaatuinen uutuus taiteellisena menetelmänä on kuitenkin vielä huonosti oivaltanut silloisten kirjoittajien ja kriitikoiden. Stendhalin teoreettiset puheet (mukaan lukien "Racine ja Shakespeare", "Walter Scott ja Clevesin prinsessa") ovat täysin sopusoinnussa romantiikan taistelun kanssa. Balzac, vaikka hän kokeekin Human Comedy -menetelmän perustavanlaatuisen uutuuden, ei anna sille mitään konkreettista määritelmää. Kriittisissä kirjoituksissaan hän erottaa itsensä Stendhalista ja Merimeestä ja tunnistaa samalla läheisyyden, joka sitoo häntä näihin kirjoittajiin. "Study on Bayle" (1840) Balzac yrittää luokitella nykykirjallisuuden ilmiöitä, mutta samalla hän viittaa itseensä ("eklektiikkaan") ja Stendhaliin ("ideakirjallisuuteen") eri virtauksiin. "Ideoiden koululle" Balzac piti ominaista analyyttistä periaatetta, jonka tarkoituksena oli paljastaa sisäisen maailman monimutkaiset törmäykset. "Eklektisellä koululla" hän tarkoitti taidetta, joka pyrkii laajaan eeppiseen todellisuuden kattamiseen ja sosiaalisiin yleistyksiin, jotka sisältyvät erilaisiin taiteilijoiden elämänhavaintojen perusteella luomiin tyyppeihin. Jopa niin arvovaltainen 1800-luvun kriitikko kuin Sainte-Beuve luopuu artikkelissaan "Kymmenen vuotta myöhemmin kirjallisuudessa" (1840) sanasta "realismi" ja näkee "Ihmiskomediassa" vain ilmentymän liiallisesta ja tuomittava totuus, vertaamalla sen kirjoittajaa "lääkäriin, joka paljastaa huomaamattomasti potilaidensa häpeälliset sairaudet. Kriitikot tulkitsevat Stendhalin teoksia samalla pinnalla. Ja vasta "Madame Bovaryn" (1857) tultua Flaubert Saint-Beuve julistaa: "...Näytän havaitsevani merkkejä uudesta kirjallisuudesta, piirteitä, jotka ovat ilmeisesti ominaisia ​​uusien sukupolvien edustajille" ("Madame Bovary", Gustave Flaubert" (1857)).

Kaikki tämä osoittaa, että uuden taiteellisen menetelmän teoreettisen käsitteen muodostuminen sen evoluution ensimmäisessä vaiheessa jää paljon jäljessä käytännöstä. Yleisesti ottaen ranskalaisen realismin ensimmäinen vaihe on uuden menetelmän luominen, jonka teoreettinen perustelu alkaa hieman myöhemmin.

Kriittisen suuntauksen kasvu ranskalaisessa kirjallisuudessa eteni nousevaa linjaa pitkin, ja se voimistui, kun Louis Philippen porvarillisen monarkian kansanvastainen olemus paljastui. Todisteena tästä Balzacin Lost Illusions ilmestyi 1930-luvun jälkipuoliskolla, ja se oli omistettu pettymysten teemalle porvarilliseen todellisuuteen.

Ranskassa realistinen estetiikka sai selkeämmän teoreettisen muotoilun kuin muissa maissa, ja itse sanaa "realismi" käytettiin ensimmäisen kerran monimutkaisuutta ilmaisevana terminä. taiteellisia periaatteita, jonka kannattajat loivat jotain koulun kaltaista.

Kuten aiemmin todettiin, termi "realismi" alkoi ilmestyä ranskalaisten aikakauslehtien sivuille jo 1820-luvulla, mutta vasta 1840-luvulla tämä sana vapautui negatiivisesta arvioivasta merkityksestään. Perusteellisia muutoksia asenteessa "realismin" käsitteeseen tapahtuu jonkin verran myöhemmin, 50-luvun puolivälissä, ja ne yhdistetään J. Chanfleuryn ja L. E. Durantyn ja heidän samanhenkisten ihmisten toimintaan.

On huomattava, että varhaisten ranskalaisten realistien polku oli kaukana sujuvasta. Porvarillinen yhteiskunta vainosi ja vainosi niitä, jotka kirjoittivat siitä totuuden. Berangerin, Stendhalin ja Balzacin elämäkerrat ovat rikkaat tosiasioita, jotka todistavat kuinka taitavasti porvarilliset hallitsevat piirit käyttivät mitä monipuolisimpia keinoja käsitelläkseen vastustamiaan kirjailijoita. Berenger tuomittiin teoksistaan. Stendhal oli elämänsä aikana lähes tuntematon, ulkomailla laajalti tunnettu Balzac kuoli saamatta asianmukaista tunnustusta Ranskassa. Merimeen palveluura kehittyi varsin menestyksekkäästi, mutta myös kirjailijana hänet arvostettiin vasta kuolemansa jälkeen.

1830- ja 1840-luvut olivat tärkeä ajanjakso Ranskan ja sen kirjallisuuden historiassa. Tämän ajanjakson lopulla, eli vuoden 1848 vallankumouksen aattona, oli jo käynyt selväksi, että merkittävin, uusin 30- ja 40-luvun rikkaassa kirjallisessa kokemuksessa oli yhteydessä realistiseen suuntaukseen, jonka edustajia pystyivät luomaan eloisimpia ja todenmukaisimpia kuvia ranskalaisesta elämästä. kahden vallankumouksen välissä loivat vankan pohjan kansallisen kehityksen ranskalainen kirjallisuus.

Ranskalaista taidekoulua 1600- ja 1700-luvun vaihteessa voidaan kutsua johtavaksi eurooppalaiseksi koulukunnaksi, juuri Ranskassa syntyi tuolloin taidetyylejä, kuten rokokoo, romantiikka, klassismi, realismi, impressionismi ja postimpressionismi.

Rokokoo (ranskalainen rokokoo, rocaillesta - koristeellinen kuoren muotoinen aihe) - tyyli eurooppalaisessa taiteessa 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Rokokoolle on ominaista hedonismi, vetäytyminen idyllisen maailmaan teatteriesitys, riippuvuus pastoraalisista ja aistillis-eroottisista aiheista. Rokokoon sisustuksen luonne sai painokkaasti elegantteja, hienostuneita ja hienostuneita muotoja.

Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard työskentelivät rokokootyyliin.

Klassismi - 1600-luvun - 1800-luvun alun eurooppalaisen taiteen tyyli, jonka tyypillinen piirre oli vetoomus antiikin taiteen muotoihin ihanteellisena esteettisenä ja eettisenä standardina.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David työskentelivät klassismin tyyliin.

Romantiikka - 1700-1800-luvun eurooppalaisen taiteen tyyli, jonka tunnusomaisia ​​piirteitä olivat yksilön henkisen ja luovan elämän luontaisen arvon toteaminen, kuva vahvoista ja usein kapinallisista intohimoista ja hahmoista.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake työskentelivät romantiikan tyyliin.

Edouard Manet. Aamiainen työpajassa. 1868

Realismi - taiteen tyyli, jonka tehtävänä on todellisuuden tarkin ja objektiivisin fiksaatio. Tyylillisesti realismi on monipuolista ja monimuotoista. Realismin eri puolia maalauksessa ovat Caravaggion ja Velazquezin barokki-illusionismi, Manet'n ja Degasin impressionismi sekä Van Goghin Nyunen-teokset.

Realismin synty maalauksessa liittyy useimmiten ranskalaisen taiteilijan Gustave Courbet'n työhön, joka avasi henkilökohtaisen näyttelynsä "Realismin paviljonki" Pariisissa vuonna 1855, vaikka jo ennen häntä Barbizon-koulun taiteilijat Theodore Rousseau, Jean- Francois Millet, Jules Breton työskentelivät realistisella tavalla. 1870-luvulla realismi jaettiin kahteen pääalueeseen - naturalismiin ja impressionismiin.

Realistinen maalaus on yleistynyt kaikkialla maailmassa. Vaeltajat työskentelivät 1800-luvun Venäjällä akuutin sosiaalisen suuntautumisen realismin tyyliin.

Impressionismi (ranskankielisestä impressiosta - impressio) - 1800-luvun viimeisen kolmanneksen - 1900-luvun alun taiteen tyyli, jonka tyypillinen piirre oli halu vangita luonnollisimmin todellinen maailma sen liikkuvuudessa ja vaihtelevuudessa, välittää ohikiitäviä vaikutelmiaan . Impressionismi ei nostanut esiin filosofisia kysymyksiä, vaan keskittyi hetken sujuvuuteen, tunnelmaan ja valaistukseen. Itse elämästä tulee impressionistien aiheita, sarjana pieniä lomia, juhlia, miellyttäviä piknikejä luonnossa ystävällisessä ympäristössä. Impressionistit olivat ensimmäisten joukossa, jotka maalasivat en plein air, saamatta työtään valmiiksi studiossa.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley ja muut työskentelivät impressionismin tyyliin.

postimpressionismia - 1800-luvun lopulla syntynyt taidetyyli. Post-impressionistit pyrkivät ilmaisemaan vapaasti ja yleisesti maailman aineellisuutta turvautuen koristeelliseen tyylitelmään.

Post-impressionismi synnytti sellaiset taiteen alueet kuin ekspressionismi, symbolismi ja modernius.

Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec työskentelivät postimpressionismin tyyliin.

Tarkastellaanpa yksityiskohtaisemmin impressionismia ja postimpressionismia 1800-luvun Ranskan yksittäisten mestareiden työn esimerkissä.

Edgar Degas. Omakuva. 1854-1855

Edgar Degas (elinvuodet 1834-1917) - ranskalainen taidemaalari, graafikko ja kuvanveistäjä.

Alkaen tiukoista historiallisista maalauksista ja muotokuvista, 1870-luvulla Degas lähestyi impressionismin edustajia ja kääntyi modernin kaupunkielämän imagoon - kaduille, kahviloille, teatteriesityksille.

Degasin maalauksissa dynaaminen, usein epäsymmetrinen sommittelu, tarkka joustava piirustus, odottamattomat kulmat, aktiivinen hahmon ja tilan välinen vuorovaikutus ovat huolellisesti harkittuja ja varmistettuja.

E. Degas. Kylpyhuone. 1885

Edgar Degas näyttää monissa teoksissa ihmisten käyttäytymisen ja ulkonäön erityispiirteet, jotka johtuvat heidän elämänsä erityispiirteistä, paljastaa ammatillisen eleen mekanismin, asennon, ihmisen liikkeen, hänen plastisen kauneutensa. Degasin taide on luonnostaan ​​yhdistelmä kaunista ja proosaa; taiteilija raittiina ja hienovaraisena tarkkailijana vangitsee samalla elegantin viihteen takana piilevän tylsän arjen työn.

Suosikkipastellitekniikan ansiosta Edgar Degas pystyi parhaiten osoittamaan kykynsä piirtäjänä. Tyydytetyt sävyt ja pastellin "hohtelevat" kosketukset auttoivat taiteilijaa luomaan sen erityisen värikkään tunnelman, sen irisoivan ilmavuuden, joka erottaa hänen teoksistaan.

Kypsinä vuosinaan Degas kääntyy usein baletin teemaan. Baleriinien hauraat ja painottomat hahmot ilmestyvät katsojan eteen joko tanssituntien hämärässä tai näyttämövalojen valossa tai lyhyinä lepohetkenä. Sävellyksen näennäinen satunnaisuus ja tekijän puolueeton asema antavat vaikutelman kurkistaneesta jonkun muun elämästä, taiteilija näyttää meille armon ja kauneuden maailman putoamatta liialliseen sentimentaalisuuteen.

Edgar Degasia voidaan kutsua hienovaraiseksi koloristiksi, hänen pastellinsa ovat yllättävän harmonisia, joskus herkkiä ja kevyitä, joskus teräville värikontrasteille rakennettuja. Degasin tapa oli hämmästyttävä sen hämmästyttävän vapauden vuoksi, hän levitti pastellivärejä rohkeilla, katkenneilla viivoilla, toisinaan jättäen paperin sävyn esiin pastellin läpi tai lisäten öljy- tai akvarelliviivoja. Degasin maalausten väri syntyy irisoivasta säteilystä, virtaavasta värikkäiden viivojen virrasta, jotka synnyttävät muotoa.

Degasin myöhäiset teokset erottuvat intensiivisyydestä ja värien rikkaudesta, joita täydentävät keinovalon vaikutukset, suurennetut, lähes litteät muodot sekä tilan rajoitus, joka antaa niille jännittyneen ja dramaattisen luonteen. Siinä

aikakauden Degas kirjoitti yhden parhaista teoksistaan ​​- "Blue Dancers". Taiteilija työskentelee täällä suurissa värilääkkeissä, mikä antaa ensiarvoisen tärkeän maalauksen pinnan koristeelliselle järjestykselle. Väriharmonian kauneuden ja kompositioratkaisun kannalta maalausta "Blue Dancers" voidaan pitää Degasin baletin teeman parhaana ilmentymänä, joka saavutti tässä maalauksessa äärimmäisen runsaan tekstuurin ja väriyhdistelmän.

P. O. Renoir. Omakuva. 1875

Pierre Auguste Renoir (elinvuodet 1841-1919) - ranskalainen taidemaalari, graafikko ja kuvanveistäjä, yksi impressionismin tärkeimmistä edustajista. Renoir tunnetaan ensisijaisesti maallisen muotokuvan mestarina, joka ei ole vailla sentimentaalisuutta. 1880-luvun puolivälissä. itse asiassa erosi impressionismista ja palasi klassismin lineaarisuuteen Ingresin luovuuden aikana. Merkittävä koloristi Renoir saa usein aikaan vaikutelman yksivärisestä maalauksesta hienoimpien valère-yhdistelmien avulla, jotka ovat samankaltaisia ​​värisävyissä.

P. O. Renoir. Kahluuallas. 1869

Kuten useimmat impressionistit, Renoir valitsee maalaustensa juoniksi ohikiitäviä elämänjaksoja, mieluummin juhlavia kaupunkikohtauksia - palloja, tansseja, kävelyretkiä ("Uusi silta", "Sammakko", "Moulin da la Galette" ja muut). Näillä kankailla emme näe mustaa tai tummanruskeaa. Vain joukko selkeitä ja kirkkaita värejä, jotka sulautuvat yhteen tietyltä etäisyydeltä katsottuna. Näissä maalauksissa olevat ihmishahmot on maalattu samalla impressionistisella tekniikalla kuin ympäröivä maisema, johon ne usein sulautuvat.

P. O. Renoir. Näyttelijä Jeanne Samaryn muotokuva. 1877

Erityinen paikka Renoirin teoksessa on runollisilla ja viehättävällä naiskuvalla: sisäisesti erilaisia, mutta ulkoisesti hieman samankaltaisia, ne näyttävät olevan leimattu yhteisellä aikakauden sinetillä. Renoir maalasi kolme eri muotokuvaa näyttelijä Jeanne Samarysta. Yhdessä niistä näyttelijä on kuvattu upeassa vihreä-sinisessä mekossa vaaleanpunaisella taustalla. Tässä muotokuvassa Renoir onnistui korostamaan mallinsa parhaita ominaisuuksia: kauneutta, eloisaa mieltä, avointa ilmettä, säteilevää hymyä. Taiteilijan työtyyli on hyvin vapaa, joskus välinpitämättömyyteen asti, mutta tämä luo poikkeuksellisen raikkautta, henkistä selkeyttä ja tyyneyttä.. Alaston kuvassa Renoir saavuttaa harvinaisen hienostuneen neilikan (ihmisen värin maalaus). skin), rakennettu yhdistelmälle lämpimiä lihan sävyjä ja liikkuvia vaalean vihertäviä ja harmaasinisisiä heijastuksia, jotka antavat kankaan pinnalle sileyttä ja tylsyyttä. Maalauksessa "Nude in the Sunlight" Renoir käyttää pääasiassa pää- ja toissijaisia ​​värejä, kokonaan pois mustan. Pienillä värillisillä viivoilla saadut väritäplät antavat tyypillisen sulautuvan vaikutuksen katsojan siirtyessä pois kuvasta.

On huomattava, että vihreän, keltaisen, okran, vaaleanpunaisen ja punaisen sävyjen käyttö ihon kuvaamisessa järkytti tuon ajan yleisöä, joka ei ollut valmistautunut käsitykseen siitä, että varjojen tulisi olla värillisiä, täynnä valoa.

1880-luvulla Renoirin teoksissa alkoi niin kutsuttu "Ingres-kausi". Tämän ajanjakson kuuluisin teos on The Great Bathers. Ensimmäistä kertaa Renoir alkoi käyttää luonnoksia ja luonnoksia koostumuksen rakentamiseen, piirustuksen linjat tulivat selkeiksi ja määritellyiksi, värit menettivät entisen kirkkautensa ja kylläisyytensä, maalaus kokonaisuudessaan alkoi näyttää hillitymmältä ja kylmemmältä.

1890-luvun alussa Renoirin taiteessa tapahtui uusia muutoksia. Maalaimellisesti ilmaantuu värien irisenssi, minkä vuoksi tätä ajanjaksoa kutsutaan joskus "helmiksi", sitten tämä ajanjakso väistyy "punaiselle", joka on nimetty punaisten ja vaaleanpunaisten kukkien sävyjen suosimisen vuoksi.

Eugene Henri Paul Gauguin (elinvuodet 1848-1903) - ranskalainen taidemaalari, kuvanveistäjä ja graafikko. Cezannen ja Van Goghin ohella hän oli post-impressionismin suurin edustaja. Hän aloitti maalaamisen aikuisiässä, luovuuden varhainen kausi liittyy impressionismiin. Gauguinin parhaat teokset kirjoitettiin Tahitin ja Hiva-Oan saarilla Oseaniassa, missä Gauguin jätti "kieroutuneen sivilisaation". Gauguinin tyylin tunnusomaisia ​​piirteitä ovat staattisten ja värien kontrastien luominen suurille tasomaisille kankaille, jotka ovat syvästi tunteita ja samalla koristeellisia.

Keltaisessa Kristuksessa Gauguin kuvasi krusifiksia tyypillisen ranskalaisen maaseutumaiseman taustalla, kärsivää Jeesusta ympäröi kolme bretonilaista talonpoikanaista. Ilmassa roiskunut tyynnytys, naisten rauhalliset alistuvat asennot, aurinkoisen kylläiset keltainen maisema, jossa on puita punaisissa syksyn lehdissä, talonpoika, joka on kaukaisuudessa kiireinen asioidensa kanssa, ei voi olla ristiriidassa sen kanssa, mitä ristillä tapahtuu. Ympäristö eroaa jyrkästi Jeesuksesta, jonka kasvoilla näkyy se kärsimyksen vaihe, joka rajoittuu apatiaan, välinpitämättömyyteen kaikkeen ympärillään. Kristuksen hyväksymien rajattomien kärsimysten ristiriita ja tämän uhrin "näkymättömyys" ihmisten toimesta - tämä on tämän Gauguinin teoksen pääteema.

P. Gauguin. Oletko kateellinen? 1892

Maalaus "Oletko kateellinen?" viittaa polynesialaiseen taiteilijan aikakauteen. Maalaus perustuu kohtaukseen elämästä, jonka taiteilija on kurkistanut:

rannalla kaksi sisarta - he ovat juuri uineet, ja nyt heidän ruumiinsa ovat levittäytyneet hiekalle rennoissa asennossa - puhuvat rakkaudesta, yksi muisto herättää kiistaa: "Kuinka? Oletko kateellinen!".

Maalaessaan trooppisen luonnon mehukasta täyteläistä kauneutta, luonnonihmisiä, joita sivilisaatio ei koske, Gauguin kuvasi utopistista unelmaa maallisesta paratiisista, ihmisen elämästä sopusoinnussa luonnon kanssa. Gauguinin polynesialaiset kankaat muistuttavat paneeleja koristeellisen värin, sommittelun tasaisuuden ja monumentaalisuuden, tyylitellyn kuvion yleistyksen suhteen.

P. Gauguin. Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa? 1897-1898

Kuva "Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?" Gauguin piti heijastustensa ylevää huipentumaa. Taiteilijan aikomuksen mukaan kuva tulee lukea oikealta vasemmalle: kolme päähahmoryhmää havainnollistavat otsikossa esitettyjä kysymyksiä. Kuvan oikealla puolella oleva ryhmä naisia, joilla on lapsi, edustaa elämän alkua; keskimmäinen ryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; äärivasemmistoryhmässä Gauguin kuvasi ihmisen vanhuutta, lähestyvää kuolemaa; sininen idoli taustalla symboloi toista maailmaa. Tämä maalaus on Gauguinin innovatiivisen post-impressionistisen tyylin huippu; hänen tyylinsä yhdisti selkeän värien käytön, koristeellisen värin ja kompositioratkaisut, kuvan tasaisuuden ja monumentaalisuuden sekä emotionaalisen ilmeisyyden.

Gauguinin teoksissa ennakoitiin monia tänä aikana kehittyneen jugendtyylin piirteitä, jotka vaikuttivat Nabis-ryhmän mestareiden ja muiden 1900-luvun alun maalarien muodostumiseen.

W. Van Gogh. Omakuva. 1889

Vincent van Gogh (elinvuodet 1853-1890) - Ranskalainen ja hollantilainen postimpressionistinen taidemaalari aloitti maalaamisen Paul Gauguinin tavoin jo aikuisiässä, 1880-luvulla. Siihen asti Van Gogh työskenteli menestyksekkäästi jälleenmyyjänä, sitten opettajana sisäoppilaitoksessa, opiskeli myöhemmin protestanttisessa lähetyskoulussa ja työskenteli kuusi kuukautta lähetyssaarnaajana köyhällä kaivoskorttelilla Belgiassa. 1880-luvun alussa Van Gogh kääntyi taiteen pariin ja osallistui Brysselin kuvataideakatemiaan (1880-1881) ja Antwerpeniin (1885-1886). Työnsä alkuvaiheessa Van Gogh maalasi luonnoksia ja maalauksia tummalla kuva-alueella ja valitsi juoniksi kohtauksia kaivostyöläisten, talonpoikien ja käsityöläisten elämästä. Van Goghin tämän ajanjakson teokset ("Perunansyöjät", "Vanha kirkon torni Nynenissä", "Kengät") kuvaavat tuskallisen akuuttia inhimillisen kärsimyksen ja masennuksen tunnetta, psykologisen jännityksen ahdistavaa ilmapiiriä. Kirjeissään veljelleen Theolle taiteilija kirjoitti yhdestä tämän aikakauden maalauksesta, Perunansyöjät, seuraavasti: ”Yritin siinä korostaa, että nämä ihmiset, jotka syövät perunoita lampun valossa, kaivoivat maa samoilla käsillä, jotka he ojensivat astiaan; siis kangas puhuu kovasta työstä ja siitä, että hahmot ovat rehellisesti ansainneet ruokansa.” Vuosina 1886-1888. Van Gogh asui Pariisissa, vieraili kaikkialla Euroopassa kuuluisan opettajan P. Cormonin arvostetussa yksityisessä taidestudiossa, opiskeli impressionistista maalausta, japanilaista kaivertamista ja Paul Gauguinin synteettisiä teoksia. Tänä aikana Van Goghin paletti muuttui vaaleaksi, maalin maanläheinen sävy katosi, ilmestyi puhdasta sinistä, kullankeltaista, punaista sävyä, hänen tyypillinen dynamiikka, kuin virtaava siveltimenveto ("Agostina Segatori tamburiinikahvilassa", "Silta yli Seinen". ”, "Papa Tanguy", "Näkymä Pariisiin Theon asunnosta Rue Lepicillä").

Vuonna 1888 Van Gogh muutti Arlesiin, missä hänen luovan tapansa omaperäisyys lopulta määritettiin. Tulinen taiteellinen temperamentti, tuskallinen sysäys harmoniaa, kauneutta ja onnellisuutta kohtaan sekä samalla ihmisvihamielisten voimien pelko ruumiillistuvat joko etelän aurinkoisilla väreillä loistaviin maisemiin ("Keltainen talo", "Sato" . La Crot Valley”), tai synkkänä , painajaisia ​​muistuttavana ("Night Cafe Terrace"); värin ja viivan dynamiikka

W. Van Gogh. Yökahvilan terassi. 1888

täyttää henkisellä elämällä ja liikkeellä paitsi luonnon ja siinä asuvien ihmisten ("Red Vineyards in Arles"), vaan myös elottomia esineitä ("Van Goghin makuuhuone Arlesissa").

Van Goghin viime vuosien intensiivistä työtä on seurannut mielenterveysongelmia, jotka johtivat hänet mielenterveyssairaalaan Arlesissa, sitten Saint-Remyssä (1889-1890) ja Auvers-sur-Oisessa (1890), missä hän teki itsemurhan. Kahden luovuus Viime vuosina Taiteilijan elämää leimaa hurmioitunut pakkomielle, äärimmäisen korostunut väriyhdistelmien ilmaisu, äkilliset mielialan vaihtelut – kiihkeästä epätoivosta ja synkästä visionääristä ("Tie sypressien ja tähtien kanssa") vapisevaan valaistumisen ja rauhan tunteeseen ("Maisema Auversissa sade").

W. Van Gogh. iirikset. 1889

Hoidon aikana Saint-Remyn klinikalla Van Gogh maalasi sarjan maalauksia "Irises". Hänen kukkamaalauksessaan ei ole suurta jännitystä ja japanilaisten ukiyo-e-printtien vaikutus on jäljitettävissä. Tämä samankaltaisuus ilmenee esineiden ääriviivojen valinnassa, epätavallisissa kulmissa, yksityiskohtaisten alueiden läsnäolossa ja alueilla, jotka on täytetty yhtenäisellä värillä, joka ei vastaa todellisuutta.

W. Van Gogh. Vehnäpellolla varisia. 1890

"Wheatfield with Crows" on Van Goghin maalaus, jonka taiteilija maalasi heinäkuussa 1890 ja on yksi hänen tunnetuimmista teoksistaan. Maalaus valmistui oletettavasti 10. heinäkuuta 1890, 19 päivää ennen hänen kuolemaansa Auvers-sur-Oisessa. On olemassa versio, että Van Gogh teki itsemurhan tämän kuvan maalaamisen aikana (mentyessään ulkoilmaan piirustusmateriaalien kanssa, hän ampui itsensä pistoolista, joka ostettiin pelottamaan lintuparvia sydämen alueella, ja pääsi sitten itsenäisesti sairaalaan, missä hän kuoli verenhukkaan).

Romanttisen taiteen syvyyksissä alku XIX vuonna alkoi muotoutua realismi, joka liittyy progressiiviseen julkiseen tunteeseen. Tämä termi otettiin ensimmäisen kerran käyttöön 1800-luvun puolivälissä. Ranskalainen kirjallisuuskriitikko J. Chanfleury nimeämään romantiikkaa ja symbolismia vastustavaa taidetta ”Mutta realismi on taiteessa yksittäisiä taiteellisia tyylejä syvempi kategoria. Realismi sanan laajassa merkityksessä on tarkoitettu todellisen elämän täydelliseen heijastukseen. Se on eräänlainen taiteellisen kulttuurin esteettinen ydin, joka tuntui jo renessanssissa - "renessanssirealismi" ja valistuksen aikakaudella - "valaistuksen realismi". Mutta 1930-luvulta lähtien

1800-luvulla realistinen taide, joka pyrkii ympäristönsä tarkkaan kuvaamiseen, tuomitsi tietämättään porvarillisen todellisuuden. Aikanaan tämä virta, ns kriittinen realismi, samaan aikaan työväenliikkeen nousun kanssa eri maista Euroopassa.

Aluksi realismi tunnistettiin naturalismiin, ja siirtyminen siihen esimerkiksi Saksassa ja Itävallassa tapahtui biedermeier - tyylisuuntaus, jolle oli ominaista esineiden maailman poetisoituminen, kodin sisustuksen mukavuus, tarkka huomio perheen arjen kohtauksiin. Biedermeier rappeutui melko nopeasti filisteriseen sokerimaiseen naturalismiin, jossa arjen pienet yksityiskohdat, mutta "täsmälleen kuten elämässä" kirjoitetut, nousi ykkössijalle.

Ranskassa realismi yhdistettiin pragmatismiin, materialististen näkemysten valta-asemaan ja tieteen hallitsevaan rooliin. Realismin suurimpia edustajia kirjallisuudessa ovat O. Balzac, G. Flaubert ja maalauksessa O. Daumier ja G. Courbet.

Tukee deBalzacia(1799-1850) jo yhdessä ensimmäisistä teoksistaan ​​Shagreen Skin, joka yhdistää romanttisen mielikuvituksen ja symbolismin hillittyyn analyysiin, kuvasi realistisesti Pariisin tunnelmaa vuoden 1830 vallankumouksen jälkeen. Taiteensa lakien mukaisesti Balzac osoitti sarjassa romaaneja ja tarinoita, jotka muodostivat eeposen "The Human Comedy" , joista on tullut yleisiä substantiiveja, kuten esimerkiksi Gobsek ja Rastignac . 90 romaanista ja tarinasta koostuva eepos, jota yhdistää yhteinen idea ja hahmot, sisälsi kolme osaa: moraalitutkimukset, filosofiset tutkimukset ja analyyttiset tutkimukset. Etudes käytöstapoja esitti kohtauksia maakunta-, pariisi-, maaseutuelämästä, yksityisestä, poliittisesta ja sotilaallisesta elämästä. Siten Balzac osoitti loistavasti todellisuuden kehityksen lait spiraalina tosiasioista filosofiseen yleistykseen. Kirjailijan itsensä sanoin hän pyrki kuvaamaan yhteiskuntaa, joka "sisältää liikkeensä perustan". Balzacin eepos on realistinen kuva ranskalaisesta yhteiskunnasta, laajuudeltaan suurenmoinen, heijastaen sen ristiriitaisuuksia, porvarillisten suhteiden kääntöpuolta ja tapoja. Samaan aikaan Balzac on toistuvasti väittänyt, ettei hän maalaa muotokuvia tietyistä henkilöistä, vaan yleistettyjä kuvia: hänen kirjallisia hahmoja eivät olleet orjasti kopioituja malleja, vaan ne olivat eräänlainen näyte suvusta, jossa yhdistyivät tämän tai toisen kuvan tunnusomaisimmat piirteet. Yleistäminen on yksi Balzacin estetiikan pääohjeista.

Estetiikka Gustaea Flaubert(1821-1880) sai ilmauksensa hänen luomassaan käsityksessä kirjallisuuden erityisestä roolista ja elitismistä, jota hän vertasi tieteeseen.Romaanin Madame Bovary ilmestyminen merkitsi uusi aikakausi kirjallisuudessa. Flaubert on tapamme näyttää aviorikoksesta yksinkertaisen juonen avulla ympäröivän vulgaarisuuden syvät lähteet, provinssin porvariston moraalinen merkityksettömyys, Louis Bonaparten heinäkuun vallankaappauksen jälkeen vuonna 1848 kehittyneen toisen imperiumin tukahduttava ilmapiiri. , tätä ranskalaisen kirjallisuuden mestariteosta, ei turhaan kutsuta 1800-luvun Ranskan maakunnan tietosanakirjaksi. Kirjoittaja valitsee luonteenomaisia ​​yksityiskohtia, palauttaa pieniä ajan merkkejä historiallinen kuva koko yhteiskunta. Pieni Yonvillen kaupunki, jossa romaanin toiminta tapahtuu, edustaa koko Ranskaa pienoiskoossa: sillä on oma aatelisto, oma papisto, oma porvaristo, omat työläiset ja talonpojat, omat kerjäläiset ja palomiehet, jotka ovat ottaneet armeijan paikan. Nämä vierekkäin elävät ihmiset ovat pohjimmiltaan jakautuneita, välinpitämättömiä toisilleen ja joskus vihamielisiä. Yhteiskunnallinen hierarkia on tässä tuhoutumaton, vahva

työntää heikkoja: omistajat purkavat vihansa palvelijoihin - viattomiin eläimiin. Itsekkyys ja tunteet, kuten infektio, leviävät koko alueelle, toivottomuuden ja melankolian tunnelmia tunkeutuu kaikkiin elämän huokosiin. Taiteilija Flaubert oli huolissaan romaanin väri- ja äänirakenteesta, joka toimi eräänlaisena säesteenä surullinen tarina Emma Bovary. "Minulle", Flaubert kirjoitti, "vain yksi asia oli tärkeä - välittää harmaata väriä, sen muotin väriä, jossa puutäitä kasvavat." Maakuntadraamallaan Flaubert löi iskun pikkuporvarilliseen makuun, pseudoromantiikkaan. Ei ihme, että "Madame Bovarya" verrattiin Cervantesin "Don Quijoteen", mikä lopetti intohimon ritarillista romantiikkaa kohtaan. Flaubert osoitti realistisen taiteen valtavat mahdollisuudet ja vaikutti ratkaisevasti realismin kehitykseen maailmankirjallisuudessa.

Vuoden 1830 vallankumous avasi uuden vaiheen historiassa taiteellista kulttuuria Erityisesti Ranska on edistänyt karikatyyrin kehittymistä tehokkaana kritiikin välineenä. Kirjallisuudessa, runoudessa, kuvataiteessa - grafiikkaan vastattiin kaikkein eloisimmin vallankumouksellisia tapahtumia. Satiirisen grafiikan tunnustettu mestari oli Kunnia Daumier(1808-1879). Loistavana piirtäjänä, linjan mestarina hän loi ilmeikkäät kuvat yhdellä vedolla, täplällä, siluetilla ja teki poliittisesta karikatyyrist todellisen taiteen.

Valo- ja sävymallinnuksen mestarillisesti hallitseva Daumier käytti maalauksissaan graafisia tekniikoita ja korosti aina ääriviivaa. Rauhallisella, virtaavalla mustanruskealla viivalla hän hahmotteli hahmojen, profiilien, päähineiden ääriviivat, mikä oli hänen kuvamenetelmänsä piirre.

Daumierin maalaukselliset teokset on merkitty syklillä, joista ensimmäinen oli vallankumouksellinen. On aivan perusteltua sanoa, että vuoden 1830 vallankumous loi Daumier-grafiikan, vuoden 1848 vallankumous - Daumier-maalari. Daumier oli vankkumaton republikaani, ja taiteilijan sympatiat olivat proletariaatin ja demokraattisen älymystön puolella. Vallankumouksellisen syklin merkittävin teos on "kapina", jossa vain muutaman hahmon kuvannut ja asettamalla ne vinosti, Daumier saavutti suuren ihmisjoukon vaikutelman ja liikkeen sekä joukkojen inspiraation ja laajuuden. toiminnasta kankaan ulkopuolella. Hän painotti vain kevyessä paidassa olevan nuoren miehen hahmoa. Hän on alisteinen yleisliikkeelle ja samalla ohjaa sitä, kääntyen takanaan kävelevien puoleen ja osoittaen tien maaliin kohotetulla kädellä. Hänen vieressään on intellektuelli, jonka kalpealle kasvoille on jäätynyt hämmästys, mutta hän sulautuu yleisen sysäyksen kantamana joukkoon.

"Don Quijote" -sykliä voidaan kutsua Daumierin teosten läpikulkusykliksi. Hänen tulkinnallaan Don Quijoten ja Sancho Panzan kuvista ei ole analogia ranskalaisessa taiteessa. Toisin kuin Cervantesin banaalit kuvittajat, Daumier oli kiinnostunut vain kuvan psykologisesta puolesta, ja kaikkien hänen 27 muunnelmansa leitmotiivina on ahtainen, uskomattoman pitkä ja suora Don Quijote, joka ratsastaa synkän mäkisen maiseman halki hirvittävän luisena. , samanlainen kuin goottilainen kimeeri Rossinante; ja hänen takanaan, aasilla, pelkuri Sancho Panza, joka on aina jäljessä. Sanchon kuva ikään kuin sanoo: tarpeeksi ihanteita, tarpeeksi taistelua, on aika vihdoin lopettaa. Mutta Don Quijote seuraa aina eteenpäin, uskollisena unelmalleen, esteet eivät estä häntä, elämän siunaukset eivät vetä häntä puoleensa, hän on kaikki liikkeessä, etsimässä.

Jos "Don Quijotessa" Daumier heijasti traagista ristiriitaa ihmissielun kahden puolen välillä, niin sarjassa "Tuomarit ja lakimiehet" syntyi kauhistuttava kontrasti ulkonäön, henkilön ulkonäön ja hänen olemuksensa välillä. Näissä todella loistavissa sarjoissa Daumier nousi sosiaaliseksi ja

1800-luvun ranskalainen realismi käy läpi kaksi kehitysvaihetta. Ensimmäistä vaihetta - realismin muodostumista ja vakiinnuttamista kirjallisuuden johtavana suuntauksena (20-luvun loppu - 40-luku) - edustavat Berangerin, Merimetin, Stendhalin, Balzacin teokset. Toinen (50-70-luku) liittyy Flaubertin nimeen - Balzac-Stendhal-tyyppisen realismin perilliseen ja Zola-koulun "naturalistisen realismin" edeltäjään.

Realismin historia Ranskassa alkaa Berangerin laulunkirjoituksesta, mikä on varsin luonnollista ja loogista. Kappale on pieni ja siksi liikkuvin kirjallisuuden genre, joka reagoi välittömästi kaikkiin aikamme merkittäviin ilmiöihin. Realismin muodostumisen aikana laulu väistyy sosiaalisen romaanin ensisijaisuudelle. Juuri tämä genre, sen spesifisyydestä johtuen, avaa kirjoittajalle runsaasti mahdollisuuksia kuvata todellisuutta laajasti ja syvällisesti, jolloin Balzac ja Stendhal voivat ratkaista luovan päätehtävänsä - vangita luomuksiinsa nykyajan elävää kuvaa. Ranska kaikessa täydellisyydessään ja historiallisessa ainutlaatuisuudessaan. Vaatimattomampi, mutta myös erittäin merkittävä paikka realististen genrejen yleisessä hierarkiassa on novellilla, jonka ylittämättömänä mestarina niinä vuosina Merimeeä pidetään oikeutetusti.

Realismin muodostuminen menetelmänä tapahtuu 1920-luvun jälkipuoliskolla, eli aikana, jolloin johtava rooli kirjallinen prosessi romantikko leikkii. Heidän vieressään, romantiikan valtavirrassa, Merimee, Stendhal, Balzac aloittavat kirjoitusmatkansa. He kaikki ovat lähellä romantiikan luovia yhdistyksiä ja osallistuvat aktiivisesti taisteluun klassismia vastaan. Juuri 1800-luvun ensimmäisten vuosikymmenten klassistit, joita Bourbonien monarkkinen hallitus suojeli, olivat näinä vuosina nousevan realistisen taiteen päävastustajat. Melkein samanaikaisesti julkaistiin ranskalaisten romantiikan manifesti - Hugon ja Stendhalin esteettisen tutkielman "Cromwell" esipuheessa on yhteinen kriittinen painopiste, joka on kaksi ratkaisevaa iskua pitkään jatkuneelle klassisen taiteen lakikoodille. siitä lähtien, kun ne ovat vanhentuneet. Näissä tärkeimmissä historiallisissa ja kirjallisissa asiakirjoissa sekä Hugo että Stendhal puolustavat klassismin estetiikkaa torjuen taiteen aiheen laajentamista, kiellettyjen juonien ja teemojen poistamista, elämän esittämistä kaikessa täyteydessään ja epäjohdonmukaisuudessaan. Samanaikaisesti molemmille on korkein malli, jota tulisi ohjata uutta taidetta luotaessa Suuri mestari Renessanssin Shakespeare. Lopuksi Ranskan ensimmäiset realistit ja 1920-luvun romantikot tuovat yhteen myös yhteinen sosiopoliittinen suuntautuminen, joka ei paljastuu pelkästään Bourbon-monarkian vastakohtana, vaan myös jyrkästi kriittisenä käsityksenä porvarillisista suhteista, joita solmittiin ennen. heidän silmänsä.

Vuoden 1830 vallankumouksen jälkeen, joka oli merkittävä virstanpylväs Ranskan historiassa, realistien ja romantiikan tiet eroavat, mikä näkyy erityisesti heidän kiistassaan 1930-luvun alussa. Romantismi joutuu luopumaan kirjallisessa prosessissa ensisijaisuudestaan ​​realismille suuntauksena, joka parhaiten vastaa uuden ajan vaatimuksia. Kuitenkin myös vuoden 1830 jälkeen eilisen liittolaisten yhteydet taistelussa klassismia vastaan ​​jatkuivat. Pysyessään uskollisena estetiikan perusperiaatteille, romantikko hallitsee menestyksekkäästi realistien taiteellisten löytöjen kokemuksen ja tukee heitä lähes kaikissa tärkeimmissä luovissa ponnisteluissa.

Realistit 1800-luvun jälkipuoliskolta. moittivat edeltäjiään Mériméen "jäännösromantiikasta" esimerkiksi hänen eksoottisuudessaan (ns. eksoottiset romaanit, kuten "Mateo Falcone", "Colombes" tai "Carmen"). Stendhalille hän on riippuvainen kirkkaiden persoonallisuuksien ja poikkeuksellisen vahvojen intohimojen kuvaamisesta ("Parman luostari", "Italian Chronicles"), Balzacille seikkailunhaluiseen juoniin ("History of Thirteen") ja fantasiatekniikoiden käyttämiseen filosofisissa tarinoissa. ja romaaneja "Shagreen-nahka". Nämä syytökset eivät ole perusteettomia. Tosiasia on, että ensimmäisen ajanjakson ranskalaisen realismin - ja tämä on yksi sen erityispiirteistä - ja romantiikan välillä on monimutkainen "perhesuhde", joka paljastuu erityisesti romanttiselle taiteelle ominaisten tekniikoiden periytymisessä ja jopa yksittäisiä teemoja ja motiiveja (teema kadonneista illuusioista, pettymyksen motiivi jne.).

Huomaa, että noina aikoina termejä "romantismi" ja "realismi" ei rajattu. Koko 1800-luvun ensimmäisen puoliskon ajan. realisteja kutsuttiin lähes poikkeuksetta romantikoiksi. Vasta 1950-luvulla - jo Stendhalin ja Balzacin kuoleman jälkeen - ranskalaiset kirjailijat Chanfleury ja Duranty ehdottivat termiä "realismi" erityisjulistuksissa. On kuitenkin tärkeää korostaa, että menetelmä, jonka teoreettiselle perustelulle he omistivat monia teoksia, erosi jo merkittävästi Stendhalin, Balzacin, Mériméen menetelmästä, joka kantaa jäljen historiallisesta alkuperästään ja siitä johtuvasta dialektisesta yhteydestä romantiikan taidetta.

Romantismin merkitystä realistisen taiteen edelläkävijänä Ranskassa voi tuskin yliarvioida. Romantikot olivat ensimmäisiä porvarillisen yhteiskunnan arvostelijoita. Heillä on myös ansiota löytää uudenlainen sankari, joka joutuu yhteenottoon tämän yhteiskunnan kanssa. Johdonmukainen, tinkimätön kritiikki porvarillisia suhteita kohtaan humanismin korkeilta asemilla tahtoo forte Ranskalaiset realistit, jotka laajensivat ja rikasttivat edeltäjiensä kokemusta tähän suuntaan ja mikä tärkeintä, antoivat porvarinvastaiselle kritiikille uuden, sosiaalisen luonteen.

Yksi romantiikan merkittävimmistä saavutuksista näkyy oikeutetusti heidän psykologisen analyysin taiteessa, heidän yksilöllisen persoonallisuuden ehtymättömän syvyyden ja monimutkaisuuden löytämisessä. Tämä romanssin saavutus teki myös huomattavan palveluksen realisteille, ja se avasi heille tietä uusiin korkeuksiin ihmisen sisäisen maailman tuntemisessa. Erityisiä löytöjä tähän suuntaan piti tehdä Stendhal, joka nykylääketieteen (erityisesti psykiatrian) kokemukseen nojaten jalostaisi merkittävästi kirjallisuuden tuntemusta ihmiselämän henkisestä puolesta ja yhdistäisi yksilön psykologian hänen sosiaalinen olemuksensa ja esitellä ihmisen sisäinen maailma dynamiikassa, evoluutiossa, koska se vaikuttaa aktiivisesti persoonallisuuden monimutkaiseen ympäristöön, jossa tämä persoonallisuus asuu.

Kirjallisen jatkuvuuden ongelman yhteydessä erityisen tärkeä on realistien perimistä romanttisen estetiikan periaatteista tärkein, historismin periaate. Tiedetään, että tämä periaate edellyttää ihmiskunnan elämän tarkastelua jatkuva prosessi, jossa kaikki sen vaiheet ovat dialektisesti yhteydessä toisiinsa, joista jokaisella on omat erityispiirteensä. Juuri häntä, romantiikan nimeämä historiallinen väri, taiteilijat kehotettiin paljastamaan sana teoksissaan. Romantikkojen keskuudessa klassistien kanssa kiihkeässä polemiikassa muodostuneella historismin periaatteella oli kuitenkin idealistinen perusta. Se saa olennaisesti erilaisen sisällön kuin realisti. Perustuen nykyajan historioitsijoiden koulukunnan (Thierry, Michelet, Guizot) löytöihin, jotka osoittivat, että historian päämoottori on luokkataistelu ja voima, joka ratkaisee tämän taistelun tuloksen, ovat ihmiset, realistit ehdottivat uusi, materialistinen historianluku. Tämä herätti heidän erityisen kiinnostuksensa sekä yhteiskunnan taloudellisia rakenteita että laajojen massojen sosiaalipsykologiaa kohtaan. Lopuksi, kun puhutaan romantiikan realistisessa taiteessa havaitsemasta historismin periaatteen monimutkaisesta muutoksesta, on korostettava, että realistit panevat tämän periaatteen käytäntöön kuvaaessaan äskettäin menneitä aikakausia (mikä on romanttisille tyypillistä) ja modernia porvarillista todellisuutta. , jotka näkyvät teoksissaan tietynä vaiheena Ranskan historiallisessa kehityksessä.

Balzacin, Stendhalin ja Mériméen teosten edustaman ranskalaisen realismin kukoistus osuu 1830- ja 1840-luvuille. Tämä oli ns. heinäkuun monarkian aikakautta, jolloin Ranska, lopetettuaan feodalismin, vakiinnutti Engelsin sanoin "puhtaan porvariston hallinnon niin klassisen selkeästi kuin mikään muu Euroopan maa. Ja päätään nostavan proletariaatin kamppailu hallitsevaa porvaristoa vastaan ​​näkyy myös täällä sellaisessa terävässä muodossa, jota muut maat eivät tunne. Porvarillisten suhteiden "klassinen selkeys", niissä ilmenneiden vastakkaisten ristiriitojen erityisen "terävä muoto" on se, mikä tasoittaa tietä yhteiskunnallisen analyysin poikkeukselliselle tarkkuudelle ja syvyydelle suurten realistien teoksissa. Selvä katse moderniin Ranskaan - näkyvä ominaisuus Balzac, Stendhal, Merimee.

Suuret realistit näkevät päätehtävänsä todellisuuden taiteellisessa toistossa sellaisena kuin se on, tämän todellisuuden sisäisten lakien tuntemisessa, jotka määräävät sen dialektiikan ja muotojen monimuotoisuuden. "Ranskan yhteiskunnan itsensä piti olla historioitsija, minun piti olla vain sen sihteeri", Balzac toteaa Inhimillisen komedian esipuheessa julistaen objektiivisuuden periaatetta lähestymistavassa todellisuuden kuvaamiseen realistisen taiteen tärkeimpänä periaatteena. . Mutta objektiivinen heijastus maailmasta sellaisena kuin se on - XIX vuosisadan ensimmäisen puoliskon realistien ymmärtämisessä. - ei passiivinen peilikuva tästä maailmasta. Sillä joskus, Stendhal huomauttaa, "luonto näyttää epätavallisia spektaakkeleita, yleviä kontrasteja; ne voivat jäädä käsittämättömiksi peilille, joka alitajuisesti toistaa ne. Ja ikäänkuin Stendhalin ajattelua pohtiessaan Balzac jatkaa: "Taiteen tehtävä ei ole kopioida luontoa, vaan ilmaista sitä!" Tasomaisen empirismin (jota vastaan ​​jotkut 1800-luvun toisen puoliskon realistit tekisivät syntiä) kategorinen hylkääminen on yksi 1830- ja 1840-luvun klassisen realismin merkittävistä piirteistä. Siksi tärkein installaatioista - elämän virkistys elämän muodoissa - ei suinkaan sulje pois Balzacilta, Stendhalilta, Merimeeltä sellaisia ​​romanttisia välineitä kuin fantasia, groteski, symboli, allegoria, alisteinen kuitenkin realistiselle. teostensa pohjalta.

1800-luvun toisen puoliskon realismi, jota Flaubertin teos edustaa, eroaa ensimmäisen vaiheen realismista. Romanttinen perinne on viimeinen katkaisu, joka julistettiin virallisesti jo romaanissa Madame Bovary (1856). Ja vaikka porvarillinen todellisuus pysyy taiteen pääkuvauksen kohteena, sen kuvauksen mittakaava ja periaatteet ovat muuttumassa. 1930- ja 1940-lukujen realistisen romaanin sankarien kirkkaat persoonallisuudet korvataan tavallisilla, merkityksettömillä ihmisillä. Aidosti shakespearelaisten intohimojen, julmien taistelujen ja sydäntä särkevien draaman monivärinen maailma, joka on vangittu Balzacin The Human Comedy -sarjassa, Stendhalin ja Merimeen teoksissa, väistyy "homeisten värien maailmalle", jonka merkittävin tapahtuma on aviorikos, mautonta aviorikosta.

Perusteelliset muutokset näkyvät verrattuna ensimmäisen vaiheen realismiin ja taiteilijan suhteeseen maailmaan, jossa hän asuu ja joka on hänen kuvansa kohteena. Jos Balzac, Stendhal, Merimee osoittivat kiihkeää kiinnostusta tämän maailman kohtaloihin ja Balzacin mukaan jatkuvasti "tuntivat aikakautensa pulssin, tunsivat sen sairaudet, tarkkailivat sen fysiognomiaa", ts. Tuntui taiteilijoilta, jotka ovat syvästi mukana modernin elämässä, sitten Flaubert julistaa perustavanlaatuista irtautumista porvarillisesta todellisuudesta, jota hän ei voi hyväksyä. Mutta pakkomielteisenä unelmaan katkaista kaikki langat, jotka sitovat hänet "homeenväriseen maailmaan", ja piiloutuessaan "norsunluutorniin" omistautuen korkean taiteen palvelukseen, Flaubert on lähes kohtalokkaasti kietoutunut nykyaikaisuuteensa. pysyi sen tiukkana analyytikkona ja objektiivisena tuomarina koko ikänsä. Tuo hänet lähemmäksi XIX vuosisadan ensimmäisen puoliskon realisteja. ja luovuuden antiporvarillinen suuntautuminen.

Juuri feodaalisen monarkian raunioille perustetun porvarillisen järjestelmän epäinhimillisten ja sosiaalisesti epäoikeudenmukaisten perustojen syvä, tinkimätön kritiikki muodostaa päävoima 1800-luvun realismia.

Ranskalainen taide 1700-luvulla. Realistinen suunta maalauksessa.

Rocaillen hienostunutta taidetta, salonkien ja buduaarien taidetta vastaan, joka on "alistettu kourallisen rikkaiden, ikävystyneiden ja joutilaiden mielikuvitukselle ja mielikuvitukselle, joiden maku on yhtä pilalla kuin heidän moraalinsa", porvarillisen kritiikin edustajat Denisin johdolla. , puhui 60- ja 70-luvuilla Diderot. Syyttäen aristokratian taidetta sen tavanomaisuudesta ja luonnollisuuden puutteesta, he vaativat elämää aidosti heijastavan taiteen luomista, vapaata maneerista ja joka ei pelkää tavallista. Toisin kuin rocaillen taide, jonka päätehtävänä oli tuoda iloa joutilaisuuden pilaamille ihmisille, Diderot ja hänen kannattajansa vaativat tehokkaan taiteen luomista, jonka tehtävänä ei ollut vain toistaa todellisuutta, vaan myös kouluttaa uutta ihmistä. Heidän mielestään taiteella tulee olla totuudenmukaisuuden lisäksi syvää yhteiskunnallista merkitystä, sillä pitäisi olla myönteinen vaikutus yhteiskuntaan, auttaa ihmistä ratkaisemaan elämän tärkeimpiä ongelmia.

Nämä näkemykset kehitti täydellisimmin Diderot "Saloneissa" - katsauksissa Louvren taidenäyttelyistä, jotka on julkaistu vuodesta 1759 lähtien.

Jean Baptiste Simeon Chardin. Merkittävä vastakohta taiteen kehityksessä hallitsevalle aristokraattiselle linjalle on 1700-luvun realismin suurimman mestarin Jean Baptiste Simeon Chardinin (1699-1779) työ. Hän oli pariisilaisen käsityöläisen puusepän poika, ja hänet kouluttivat akateemiset maalarit, mutta hän katkesi pian heidän työmenetelmänsä - muiden mestareiden mallien ja mielikuvituksen mukaan. Tälle menetelmälle hän vastusti luonnontyötä ja sen läheistä tutkimista - periaatetta, johon hän pysyi uskollisena koko elämänsä ajan. Vuonna 1728 Chardin kiinnitti huomiota kahdella asetelmalla, jotka hän esitti ulkoilmassa Dauphine Placessa, jossa kerran vuodessa nuoret taiteilijat saattoivat esitellä maalauksiaan. Hänen osaansa kuuluva menestys antoi hänelle mahdollisuuden lähettää työnsä Akatemiaan. Täällä hänen asetelmansa saivat yksimielisen tunnustuksen, ja Chardin valittiin akateemioksi.

Asetelma oli Chardinin suosikkilaji. Tämä genre tuli muotiin 1700-luvulla hollantilaisten vaikutuksen alaisena, joiden intohimo toisti kirjallisuudesta ilmaantunutta yksinkertaisuuden ja luonnollisuuden kaipuuta. Mutta asetelmissaan ranskalaiset mestarit eivät yleensä lähteneet hollantilaisen taiteen realistisista perusteista, vaan sen koristeellisista elementeistä. Chardin asetti tämän koristeellisen asetelman vastakkain yksinkertaisiin, vaatimattomiin maalauksiinsa, joissa ei ollut ulkoisia vaikutuksia. Hän maalasi savikannuja, pulloja, laseja, yksinkertaisia ​​keittiövälineitä hedelmien ja vihannesten ympäröimänä, joskus kalaa tai kuollutta riistaa. Mutta näissä yksinkertaisissa esineissä hän löysi hämmästyttävän runsaasti värikkäitä sävyjä, joiden ansiosta hän pystyi ilmaisemaan asioiden aineellisia ominaisuuksia poikkeuksellisella voimalla. Nämä Chardinin maalauksen hyveet arvostivat välittömästi Diderot, joka piti häntä Salonin "ensimmäisenä koloristina" ja kenties yhtenä ensimmäisistä maalauksen koloristeista. "... Kuinka ilma liikkuu näiden esineiden ympärillä", Diderot huudahtaa, "se ymmärtää värien ja refleksien harmonian." Todellakin, Chardin on yksi länsimaisen taiteen suurimmista koloristeista.

Genremaalauksella on tärkein paikka Chardinin teoksissa. Se on omistettu kuvaamaan yksinkertaisia ​​kohtauksia Ranskan kolmannen kartanon elämästä - pikkuporvaristosta ja työläisistä. Chardin itse tuli ulos tästä ympäristöstä ja katkaisi yhteyden häneen vasta päiviensä lopussa. Kolmannen kartanon elämä on ensimmäistä kertaa 1700-luvun taiteessa taiteilijan huomion keskipisteessä, joka välittää sen syvällä tunteella. Chardinin genremaalausten juonet ovat tavallisia ja yksinkertaisia, niissä ei ole draamaa tai kerrontaa. Useimmissa tapauksissa tämä on mielikuva rauhallisesta kotielämästä: äiti lasten kanssa lukemassa rukousta ennen vaatimatonta ateriaa ("Rukous ennen päivällistä", 1744, Eremitaaši); pyykkinainen, joka pesee liinavaatteita, ja lapsi kyydissä ammeen vieressä puhaltamassa saippuakuplia ("Laundress", n. 1737, Eremitaaši), poika ahkerasti taittelemassa korttitaloa ("House of Cards", Louvre) - nämä ovat tyypillisiä aiheita mestarin maalauksia. Kaikki niissä on luonnollista ja yksinkertaista ja samalla täynnä suurta runoutta. Chardinin genreteokset ovat täysin vailla kirjallisia ja didaktisia taipumuksia sekä sentimentaalisuutta ja anekdootteja, jotka ovat luontaisia ​​useimpien hänen aikalaistensa vastaaviin teoksiin. Mutta aivan kuten Chardin löysi asetelmissaan yksinkertaisten keittiövälineiden kauneuden, hän pystyi löytämään kokonaisen maailman inhimillisiä tunteita arjen kotimaisemien vaatimattomasta ulkonäöstä, jotka saavat maalauksissaan aidon moraalisen merkityksen. Vilpittömyys ja syvä totuudenmukaisuus yhdistyvät näissä Chardinin teoksissa hänen luontaiseen taiteelliseen, makuun ja hienoihin maalaus- ja väritaitoonsa. Kuten asetelmat, ne on maalattu pehmeästi ja yleisesti, ja niiden kirkkauden puute rakentuu hillittyjen sävyjen hienovaraisimpiin vivahteisiin.

1700-luvun ranskalaisessa taiteessa Chardin oli myös yksi realistisen muotokuvan luojista. Taiteilijan kauneimpia muotokuvia ovat hänen omakuvansa ja pastellivärinen muotokuva hänen vaimostaan ​​(Louvre, 1770-luku).

Chardinin realistinen taide sai välittömästi huipputason taidekritiikin tuen. Diderot arvosti erityisesti Chardinia, ja hän ylisti "Saloneissaan" useaan otteeseen hänen maalauksiaan niiden todenmukaisuudesta ja korkeista kuvallisista ansioista. Chardinin taide ei kuitenkaan kaikilta osin tyydyttänyt uutta kritiikkiä. Nyt, kun taiteesta piti Diderot'n sanoin tulla "moraalin koulu, mykkä puhuja, joka opettaa meille hyveitä ja yleviä tekoja", ne taiteilijat, joiden työssä didaktiset piirteet alkoivat nauttia erityisen menestyksestä.

Jean Baptiste Greuz. 1700-luvun jälkipuoliskolla ranskalaisen taiteen sentimental-moralisoivan suuntauksen johtaja oli Jean Baptiste Greuze (1725-1805). Greuzen pääosin pikkuporvariston elämän kuvaamiselle omistettu teos on voimakkaiden idealisointitaipumusten leimaama ja tunteellinen herkkyys. Ne ovat luonteeltaan lähellä sentimentaalista draamaa, joka syntyi tänä aikana - kirjallisuuden genreä, jossa Diderot kirjoitti.

Greuze oli ensimmäinen ranskalaisista taiteilijoista, josta tuli porvarillisen moraalin saarnaaja, mikä selittää suurelta osin hänen teoksensa, kuten "Perheen isä, joka selittää Raamattua lapsilleen", menestys, joka ilmestyi Salonissa vuonna 1755 (Pariisi, yksityinen kokoelma) tai "The Country Bride" (salonki 1761, tällä hetkellä Louvressa). Näissä maalauksissa Greuzen aikalaisia ​​houkuttelivat sekä herkät aiheet että tunteellinen ylistys perheen hyveistä.

Hän arvosti suuresti Greuzen ja Diderot'n työtä. "Todellakin, taiteilijani on Greuze", kirjoitti Diderot analysoidessaan Greuzen maalausta "Paralyyttinen" (Eremitaasi) vuoden 1763 "Salongissaan". Diderot ihailee tätä kuvaa, koska se on "moraalinen maalaus", jonka tulisi dramaattisen runouden ohella "koskettaa meitä, opettaa, oikaista ja kannustaa hyveeseen".

Kuitenkin taiteellisten ansioidensa suhteen Greuzen teokset ovat huonompia kuin Chardinin teokset. Hänen maalaustensa sommittelut ovat usein keinotekoisia ja teatraalisia, tyyppi on monotonisesti idealisoitu ja vailla todellista ilmeisyyttä, hahmojen eleet muistetaan ja toistetaan samanlaisissa tilanteissa, asennot ovat näyttäviä ja harkittuja. Myös Grezin maalausten väritys on usein mielivaltaista. Mutta hänen lukuisilla piirustuksillaan on suuria ansioita. Nämä ovat sommitteluluonnoksia tai luonnoksia hahmoista, jotka on yleensä tehty italialaisella lyijykynällä tai sangviinikynällä, tyyliltään vapaasti, elävästi ja suoraan välittäen mallin.

Pikkuporvarillisen elämän kohtausten ohella Grez maalasi muotokuvia (nuoren miehen muotokuva, 1750-luku, Eremitaaši) sekä idealisoituja kuvia kauniista tytöistä, joissa hänen luontainen ilmaisunsa sentimentaalisuus muuttuu usein epämiellyttäväksi ujoksi. Kuitenkin nämä niin kutsutut Grezin "päät" olivat erityisen suosittuja aikanaan.

Grezin taide oli kuitenkin vain väliaikainen menestys. Mitä lähemmäksi porvariston luokkataistelun aikakausi lähestyi, sitä vähemmän he saattoivat olla tyytyväisiä Greuzen sentimentaalisiin maalauksiin, joissa on rajoitettuja perhe-elämän teemoja, varsinkin kun Greuzen sentimentalismi on yleensä eroottisen täynnä.

Vuoden 1789 vallankumouksen kynnyksellä didaktinen arkitaide korvattiin klassismilla.

Jean Opore Fragonard. 1700-luvun toisen puoliskon ranskalaisessa taiteessa rokokootyyliset perinteet elävät edelleen, joihin nyt kuitenkin tunkeutuvat realistiset etsinnät. Tämän suuntauksen suurin edustaja oli Jean Honore Fragonard (1732-1806), loistava piirtämisen mestari ja hienovarainen koloristi. Erityisen kuuluisia olivat Fragonardin esittämät upeat kohtaukset ja kuvat puistoista.

Kun Fragonard oli vielä eläkeläinen Roomassa, hän piirsi yhdessä maisemamaalari Hubert Robertin kanssa luonnoksia roomalaisista huviloista. Yhdessä saman Robertin kanssa Fragonard asuu Villa d'Estessä Tiberillä, jonka hän on tarjonnut suojelija Saint Non, jota ympäröi viehättävä puisto, joka sijaitsee hämmästyttävän kauniilla alueella. Täällä Fragonard ja Robert kirjoittavat useita tutkimuksia ja osallistuvat Saint Nonin Napolille ja Sisilialle omistettuun julkaisuun, jossa hän tekee piirustuksia kaiverruksia varten.

Rakkauskohtausten kuvauksessa Fragonard kehittää Boucheriakin rohkeammin aistillisia ja eroottisia elementtejä. Nämä nuotit ovat erityisen vahvoja sellaisissa teoksissa kuin "The Stolen Shirt" (Louvre), "Swing" (Lontoo, Wallace-kokoelma), "Stealth Kiss" (Eremitaasi) ja muissa. Rikas mielikuvitus, kirjoittamisen helppous, rohkea siveltimenveto, loistava käsityötaito ovat ominaisia ​​Fragonardin teokselle. Fragonard onnistuu myös joskus arkikohtauksia kuvaavissa teoksissa kansanelämää, kuten esimerkiksi "Farmer's Children" (Eremitaasi) ja muut. Niissä on lämmin tunne, ja ne erottuvat kuvien elinvoimaisuudesta, erinomaisesta valonläpäisytaidosta, värien hienovaraisuudesta ja vapaasta, laajasta kirjoitustyylistä. He tuntevat teosten tutkimisen hollantilaisia ​​maalareita 17. vuosisata. Jälkimmäisen vaikutus heijastuu loistavasti välitetyssä asioiden luonnehdinnassa, kiinnostuksessa eläinten kuvaamiseen. Kuten kaikki aikansa taiteilijat, Fragonard oli erittäin monipuolinen, maalasi muotokuvia, uskonnollisia maalauksia, koristepaneeleja, kuvitti kirjoja, teki miniatyyrejä.