• Klassisten taiteilijoiden piirroksia Hyvät käyttäjät, voit ladata joidenkin taiteilijoiden grafiikkaa rar-arkistoihin. Suuret kuvat. Päivitys Grafiikkahistoria-osiossa.
• vk.com/site. Sivuston "Graph" edustus yhteydessä. Yhteisöllä on paljon opetusvideoita taiteilijoille. Klassisten graafikkojen uusia albumeja lisätään jatkuvasti.

Sivuston "Graph" taiteilijoiden teoksia.

Graafinen taide- toisaalta - eräänlainen taide, toisaalta - ammatti, joka on kaikkien saatavilla, ja kaikki ihmiset ovat mukana siinä nuoresta iästä lähtien. Graafisen piirustuksen luomiseen tarvitset vain paperiarkin ja piirustusmateriaalia - lyijykynän tai maalin. Eli toisaalta grafiikka on julkisesti saatavilla.

Mutta toisaalta se on monimutkainen taiteen muoto, jota on opetettava samalla tavalla kuin maalausta tai kuvanveistoa. Tämä on grafiikan vaikeus ja yksinkertaisuus. Jokainen osaa piirtää, mutta vain harvasta voi tulla mestari.
Grafiikka on jaettu kahteen tyyppiin: painettu (tulostettu) tarkoitettu replikoitavaksi; ja ainutlaatuinen, mikä tarkoittaa teosten luomista yhtenä kappaleena.

Grafiikan yleisin erottuva piirre on kuvatun kohteen erityinen suhde avaruuteen, jonka roolissa on pitkälti paperin tausta, "valkoisen arkin ilma", Neuvostoliiton grafiikkamestarin sanoin. V. A. Favorsky. Avaruustuntumaa eivät synny vain arkin alueet, joita kuva ei täytä, vaan usein (esimerkiksi vesiväripiirustuksissa) ja värillisen kerroksen alla näkyvä paperin tausta.

Haluamme huomioida osion: Taiteilijoiden kirjasto.
"Kirjastossa" voit ladata taiteen, anatomian, taidehistorian, piirtämisen ja maalauksen oppitunteja kotiopetukseen.

Sekä 100 Art Gallery -lehden numeroa djvu-muodossa.

Grafiikka on kuvataiteen laji.

Termi "grafiikka" tulee kreikan sanasta "grapho" - minä kirjoitan. Grafiikan pääasialliset visuaaliset keinot ovat viiva, viiva, piste ja piste. Pääväri on musta, vaikka muita värejä voidaan käyttää apuvärinä.

M. Vrubel. Kuvitus tragedialle A.S. Pushkin "Mozart ja Salieri"
Grafiikassa paperin taustalla on graafisen piirtämisen kannalta tärkeä tila.
Grafiikka erottuu maalaukseen verrattuna niukkasemmasta kielestä huolimatta suuremmista mahdollisuuksista kuvata ja välittää tunteita. On vain muistettava nuoren taiteilijan Nadia Rushevan piirustukset. Ne kiehtovat kuvien keveydellä, tarkkuudella ja syvyydellä. Voit lukea tästä taiteilijasta.

N. Rusheva "Pushkin ja Pushchin"
Monet kuuluisat taiteilijat käyttivät grafiikan mahdollisuuksia: Bilibin, Bruegel, Van Gogh, Watteau, Vrubel, Goya, Quarengga, Leonardo da Vinci, Alphonse Mucha, Rembrandt, Titian, Somov, Hokusai ja muut.

F. Tolstoi "Under the game of Cupid" Sävytetty paperi, lyijykynä, seepia, kalkki

Grafiikan genret ovat pohjimmiltaan samat kuin maalauksen genret. Mutta täällä muotokuvalaji ja maisema ovat yleisempiä, vähemmässä määrin - historiallisia, jokapäiväisiä ja muita genrejä.

M. Demidov "S. Rahmaninovin muotokuva"

V. Favorsky "Mihail Kutuzov" (1945). Sarjasta "Suuret venäläiset kenraalit"

V. Favorsky "Pushkin Lyseon opiskelija" (1935)

Graafisen piirustuksen maisema "ei leiki" väreillä, mutta se yllättää tunteiden hienovaraisuudella ja rohkaisee mielikuvitusta.

S. Nikireev "Voikukka"

Maailmankuulujen taiteilijoiden graafisia teoksia

Graafinen taide on monipuolista ja houkuttelee taiteilijoita kyvyllä välittää tunteita ja ajatuksia pelkällä lyijykynällä tai huopakynällä. Tämä mahdollisuus vangitsee paitsi taideteoksen luovan graafikon, myös katsojan.

A. Durer "Omakuva" (1500). Alte Pinakothek (München)
Suuri eurooppalainen taiteilija Albrecht Dürer(1471-1528), jätti suuren perinnön piirustuksia - noin tuhat: maisemia, muotokuvia, luonnoksia ihmisistä, eläimistä ja kasveista. Tämä taiteilija paljastui täydellisesti juuri graafisessa piirustuksessa, koska. maalauksissa hän ei aina ollut vapaa asiakkaiden mielivaltaisuudesta.
Dürer harjoitteli jatkuvasti taittoa, yleistämistä ja tilan rakentamista. Hänen eläimelliset ja kasvitieteelliset piirustuksensa erottuvat korkeasta ammattitaitosta ja tarkkaavaisuudesta. Suurin osa hänen piirustuksistaan ​​on huolella tehtyjä. Kaiverruksissaan ja maalauksissaan hän toisti toistuvasti graafisten teosten aiheita.

A. Dürer "Rukoilevat kädet" (noin 1508)

Katsushika Hokusai "Oma muotokuva"
Katsushika Hokusai(1760-1849) - suuri japanilainen taiteilija ukiyo-e (kuvat muuttuvasta maailmasta), kuvittaja, kaivertaja. Hän on kirjoittanut lukuisia graafisia piirustuksia ja kaiverruksia.

Katsushika Hokusai "Suuri aalto Kanagawan edustalla" (1823-1831)

Vladimir Andreevich Favorsky(1886-1964) - Venäläinen ja Neuvostoliiton graafikko, muotokuvan, puupiirroksen ja kirjagrafiikan mestari, taidehistorioitsija, lavasuunnittelija, seinämaalaaja, kuvataiteen opettaja ja teoreetikko, professori.

Tunnettu grafiikka- ja kaiverrussykleistään sekä kuvista A.S.:n teoksille. Pushkin, "Tarina Igorin kampanjasta", Marshakin käännökset, Prishvinin ja Tolstoin tarinat jne.
Plastisessa näkemyksessään Favorsky on lähellä bysanttilaisia ​​mosaiikeita, Michelangeloa, Vrubelia.

V. Favorsky. Kuvitus "Little Tragedies" -sarjaan, kirjoittanut A.S. Pushkin
Leonardo da Vinci(1452-1519). "Universal Man": italialainen taiteilija ja tiedemies, keksijä, kirjailija, muusikko, yksi suurimmista korkean renessanssin taiteen edustajista.

Väitetty omakuva Leonardo da Vincistä
Taiteilija tallensi jatkuvasti ympärillään olevan maailman havaintojensa tuloksia luonnoksiin, erilaisilla tekniikoilla tehtyihin luonnoksiin (italialainen lyijykynä, hopeakynä, sanguine, kynä jne.), saavutti terävyyden kasvojen ilmeiden, fyysisten piirteiden ja liikkeiden siirrossa. ihmiskehosta, saattamalla kaiken täydellisyyteen hänen sävellyksensä henkisen ilmapiirin mukaisesti.

Leonardo da Vinci. Luonnos nuoren tytön päästä (enkelin pää maalaukseen "Madonna kivissä")

Leonardo da Vinci "Vitruvian mies" (1490). Venetsian akatemian galleria (Italia)
Tämä piirros luotiin määrittämään (mies)ihmiskehon mittasuhteet, kuten kuvataan antiikin roomalaisen arkkitehdin Vitruviuksen tutkielmassa "Arkkitehtuurista".
Vitruvian mies- alaston miehen hahmo kahdessa päällekkäisessä asennossa: kädet ja jalat levitettyinä, piirretty ympyrään; käsivarret ja jalat levitettyinä yhteen, kaiverrettu neliöön. Kuvaa ja sen selityksiä kutsutaan joskus "kanonisiksi mittasuhteiksi".
Piirustus on tehty kynällä, musteella ja vesivärillä metallikynällä, piirustuksen mitat ovat 34,3 × 24,5 senttimetriä.
Piirustus on sekä tieteellinen että taideteos, se on esimerkki Leonardon kiinnostuksesta mittasuhteisiin.

Karikatyyri

Erityinen graafinen genre on karikatyyri (satiirinen piirustus, sarjakuva).
Karikatyyri on yksi vanhimmista piirustustyypeistä. Se heijastaa yhteiskunnan ongelmia ja toimi varhaisista ajoista tietynlaisena itseluottamusmenetelmänä rikoksentekijän suhteen. Joten he pilkkasivat vihollisia, niin ihmiset pilkkasivat hallitsijoitaan tai orjuuttajiaan. Yleensä se oli piirros, jossa oli törkeitä vääristymiä rikoksentekijöiden piirteistä tai lisätty sarvet, häntä jne. Karikatyyrin alkuperä Venäjällä tapahtui 1600-luvulla. kansankuvista.
Satiirisessa tai humoristisessa muodossa oleva karikatyyri, joka kuvaa tällä hetkellä mitä tahansa sosiaalisia, sosiopoliittisia, arkipäiväisiä ilmiöitä, todellisia kasvoja tai tyypillisiä ihmistyyppejä.
Moderni karikatyyri on satiirinen tai humoristinen piirustus, iso-anekdootti. Aiheen mukaan erotetaan sarjakuvat poliittiset, sosiaaliset, arkipäiväiset jne. Karikatyyrin genre kehittyy kaikkialla maailmassa.

Kapitalismi tanskalaisen pilapiirtäjän Hörluf Bidstrupin silmin ((1912-1988)
Kuuluisat kotimaiset sarjakuvapiirtäjät: Cheremnykh, Rotov, Semenov, Brodat, Denis, Kukryniksy, Efimov.

Kukryniksy (vasemmalta oikealle: Porfiry Krylov, Mihail Kupriyanov, Nikolai Sokolov)

Kukryniksyn karikatyyri
Karikatyyri(fr. lataus) - eräänlainen karikatyyri; satiirinen tai hyväntahtoinen-huumorikuva (yleensä muotokuva), jossa ulkoinen samankaltaisuus havaitaan, mutta mallin tunnusomaisimmat piirteet tuodaan esiin. Sarjakuvat voivat kuvata ihmisiä, eläimiä ja erilaisia ​​esineitä. Toisin kuin karikatyyrit, sarjakuvat eivät pilkkaa sankarin puutteita, ne ovat hyväntahtoisia, saavat ihmiset hymyilemään, mutta eivät naura kuvatuille hahmoille.

Karikatyyri Maxim Galkinista
Toinen karikatyyrityyppi on groteski.
Groteski(Ranskalainen groteski, kirjaimellisesti - "outo", "koominen" - taiteellisen toiminnan tyyppi, joka koomisesti tai tragikoomisesti yleistää ja terävöittää elämäntarinaa yhdistämällä todellista ja fantastista. Groteski on ominaista myös muille taidetyypeille: kirjallisuuteen, maalaus, musiikki. Itse asiassa groteski kuuluu tiettyyn taiteelliseen ajatteluun, se on eräänlainen lahja. Aristophanes, F. Rabelais, E. T. A. Hoffmann, N. V. Gogol, M. Twain, F. Kafka, M. A. Bulgakov, M. E. Saltykov-Shchedrin kirjoittivat groteskissa genressä.Mutta tässä artikkelissa tarkastelemme vain kuvataiteen groteskia.

Lyyrinen groteski

Grafiikka on vanhin kuvataiteen laji. Ensimmäiset graafiset teokset ovat primitiivisen ihmisen kalliomaalauksia, jotka heijastavat hänen näkemystänsä ympäröivästä maailmasta. Muinaisten egyptiläisten papyruskirjat sisälsivät graafisia symboleja (hieroglyfejä) ja kuvituksia. Muinaisista ajoista lähtien meille on tullut kauniita esimerkkejä grafiikasta maljakoille ja keraamisille astioille tehtyjen maalausten muodossa.

Pitkään vain kirjoittaminen ja kalligrafia luokiteltiin grafiikaksi. Keskiajalla kirjagrafiikka levisi laajalle: käsinkirjoitetut kirjat koristeltiin upeilla piirroksilla ja miniatyyreillä, ja fonttien luomisesta tuli oma taiteen alue.

Erinomaisia ​​graafikkoja ja heidän merkittäviä teoksiaan

Länsi-Euroopan renessanssin suurin mestari Albrecht Dürer on yksi kaiverruksen perustajista. Hänen tunnetuimpia kupariteoksiaan ovat Knight, Death and the Devil (1513), St. Jerome in the Cell" ja "Melancholia" (1514).

Suuri italialainen renessanssitaiteilija ja tiedemies Leonardo da Vinci oli jäljittelemätön piirtäjä. Hänen laajaan graafiseen perintöönsä kuuluu: maalausten valmistelupiirroksia, kuvia eläimistä ja kasveista, kuvituksia tekniseen kehitykseen, piirustuksia tutkielmiin.

Grafiikan tekniikka ja tyypit

Kaiken graafisen taiteen perusta on piirtäminen. Yleensä graafinen kuva toteutetaan paperiarkille, joka toimii tilan roolissa. Teoksensa luomiseen taiteilija voi käyttää koko arsenaalia työkaluja: lyijykynää, kuulakärkikynää, hiiltä, ​​mustetta, mustetta, sanguiinia (kaoliinista ja rautaoksideista valmistettuja punaruskeita kyniä), värillistä liitua, kastiketta (yksi pastelli), akvarelli, guassi.

Myöhäisgootin ja renessanssin eurooppalaisen piirustuksen pääväline oli kynä. 1600-luvun lopulla grafiittikyniä alettiin käyttää piirustusten, piirustusten ja luonnosten luomiseen. Grafiikassa kangasta ei käytännössä käytetä, koska vesivärit ja guassi eivät sovi siihen hyvin. Graafisissa kuvissa värejä käytetään paljon vähemmän kuin maalauksissa. Grafiikan pääasialliset visuaaliset keinot ovat viiva, piste, chiaroscuro, viiva ja piste.

Grafiikalla on sama laaja valikoima genrejä kuin maalauksessa. Mutta täällä muotokuva- ja maisematyypit ovat yleisempiä, vähemmässä määrin - asetelma, historiallinen, kotimainen ja muut. Grafiikka jaetaan perinteisesti monumentaaliseen (juliste, seinägrafiikka), maalaustelineeseen (piirustukset ja vedokset), kirjagrafiikkaan (kuvitukset, postikortit) sekä tietokonegrafiikkaan, joka kuitenkin jää sivuun, koska siinä ei käytetä perinteisiä materiaaleja.

Grafiikkataide erottuu monista erilaisista tekniikoista, joita taiteilija käyttää puhtaassa muodossaan tai erilaisissa yhdistelmissä. Grafiikkatekniikan mukaan on kahta tyyppiä: piirustus ja painettu grafiikka (tulostus). Piirustus luodaan vain yhtenä kopiona. Muinaisina aikoina taiteilijat käyttivät papyrusta, pergamenttia, ja 1300-luvulta lähtien he alkoivat piirtää paperille.

Painettua grafiikkaa on päinvastoin olemassa monina kopioina. Replikointiin käytetään kaiverrusta - piirustusta kiinteälle materiaalille, joka peitetään maalilla ja tulostetaan sitten paperiarkille. Materiaalista riippuen erotetaan erilaisia ​​kaiverrustyyppejä ja -tekniikoita: puupiirros (puupiirros), linoleikkaus (piirustus leikattu linoleumiin), etsaus (kaiverrus metalliin), litografia (kaiverrus kiveen). Kaiverruksen myötä painettu kirja syntyi ja kirjagrafiikka alkoi kehittyä. Nykyään grafiikan kehitys ei pysähdy, uusia genrejä ja tekniikoita ilmaantuu, mutta kuten muinaisina aikoina, grafiikka on edelleen tärkeä osa taidetta elämässämme.

XIX-XX vuosisatojen lopun kotimaisen grafiikan kokoelma Sergiev Posadin museo-suojelualueella on kooltaan pieni, vähemmän järjestelmällinen ja täydellinen kuin sen tämän ajanjakson kuvakokoelma. Mutta sillä on oma taiteellinen merkityksensä yleisessä museokompleksissa.
Museon graafisen kokoelman (ja myös kuvallisen) erityispiirteenä on paikallisten taiteilijoiden teosten valtaosa ja tietty temaattinen painopiste, joka liittyy kolminaisuus-Sergius Lavran ja kaupungin ikonografiaan. Erityinen osa siitä koostuu yksittäisistä arkkeista (harvoin - teosjaksoista), joita ovat laatineet kuuluisat kotimaisen kuvataiteen mestarit - I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. Favorsky, T.A. Mavrina ja muut (noin 80 teosta).

Ensimmäiset askeleet kohti kokoelman muodostumista otettiin museon toiminnan alussa - vuosina 1920-1921: TSL:n "Arkkitehtonisten aiheiden näyttelystä" ostettiin yli 30 paikallisten taiteilijoiden graafista teosta.
Kokoelman arvokkain osa on lahjahankinta ja graafisten teosten osto yksityishenkilöiltä. Tällä tavalla I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, V.A. Favorsky, L.S. Bakst. "Nimet" (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin jne.) ovat "nimettyjä", mutta niitä edustavat yksittäiset teokset. Museokokoelman venäläisen grafiikan "persoonat" ovat oleellisesti samat - T.A. Mavrina (SPMZ:n kokoelma antaa meille mahdollisuuden näyttää hänen töitään kehitysvaiheessa 1940-luvulta 1970-luvulle parhaiden teosten esimerkillä). Siitä huolimatta klassisten taiteilijoiden yksittäiset teokset ovat erittäin arvokkaita XIX-XX vuosisatojen lopun "maakunnan" taidekokoelmalle.

Varhaisimmat esimerkit painetusta grafiikasta tarkastelemassamme teoskokonaisuudessa ovat 1800-luvun 80-luvulta. Ne liittyvät yhteen "persoonallisuuksiin" - maamerkkiin ja merkittävään tämän ajanjakson venäläisen kaiverrushistoriassa - I.I. Shishkin (1832 1898).
Muista, että 1870-luku oli venäläisen painetun grafiikan siirtymä- ja "siirtymävaihetta", sävykaiverruksen dominanssia. Mutta myös tällä ei kaikkein luovimmalla ajanjaksolla oli aitoja puupiirrosten (V.V. Mate) ja etsauksen (I.I. Shishkin) virtuooseja. Kokoelmamme sisältää neljä taiteilijan etsausta, jotka hän on luonut 1880-luvulla (aika, joka oli erityisen hedelmällistä Shishkinin työssä). Nämä ovat arkit "Gurzuf" (1885), "Schwarzwald" (1885), "Huhtikuu" (1885), "Swamp on the Warsaw Railway" (1886), jotka ovat loistavia käsityönä ja luonnon tilan välittämisessä. Museon kokoelma sisältää myös kuuluisien venäläisten maalareiden, kuten kiertotaiteilija Vladimir Egorovich Makovskin (1846-1920) ja Valentin Aleksandrovich Serovin (1865-1911), piirustuksia. Muotokuvia V.E. Piirustuksessa tehdyt Makovskyt ovat sommittelultaan ja täydellisyydeltään yhtä moitteettomia kuin hänen öljymaalauksensa. Muotokuvamestarina V.E. Makovskilla oli kyky välittää tarkasti kuvattavan henkilön ulkoisen samankaltaisuuden lisäksi myös hänen henkisten liikkeidensä piirteet korostaen niitä päähenkilöpiirteitä, jotka määrittävät henkilön toimet, hänen ajatuksensa ja tunteensa. Valentin Serov, kuten mikä tahansa todellinen taiteilija, työskenteli huomattavan hyvin paitsi öljymaalauksessa, myös mestarillisesti hallitsi piirustustekniikan. Hänen lukuisissa lyijykynällä ja hiilellä tehdyissä teoksissa on sama eloisuus ja tarkkuus kuvattujen ihmisten luonteen välittämisessä, sama toteutus täydellinen kuin hänen öljymaalauksissaan.

Museon kokoelma sisältää useita kuuluisien venäläisten taiteilijoiden teoksia 1800-luvun lopulta - 1900-luvun alun. Tämä on ennen kaikkea venäläisen kuvataiteen suurimman symbolismin ja modernin edustajan Mikhail Vrubelin (1856–1910) piirros. Yhdessä L.S. Bakst ja M.A. Vrubelia, venäläisen grafiikan kukoistusaikaa 1800-1900-luvun vaihteessa ja 1910-luvulla, edustaa K.A. Korovin (1861-1939) - luonnos maisemista vuonna 1917 N.A.:n oopperaan. Rimski Korsakov "Sadko". Tämä luonnos on ainoa "elänyt" esimerkki teatterimaisemagrafiikasta. Tyylillisesti arkkimme on lähellä useita K. Korovinin 1900-luvun lopun-1910-luvun teatteriteoksia. K. Korovinin "Sadko" -luonnokset vuosina 1906, 1914 eroavat monimutkaisemmasta sävellysrakenteesta, ne sisältävät paitsi "Kuoron" kuvan, myös avoimen terassin, jonka jännevälien kautta näkyy maisema - "meri" sininen". Levyssämme on kammioääni: se edustaa kammion sisätilaa korkealla holvilla, pienillä ikkunoilla, kaakeliuunilla ja penkeillä.
Museon grafiikkakokoelmassa on myös pieni Ilja Efimovitš Repinin piirustus "Kirjailija Leontiev-Shcheglovin muotokuva". I.L. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - lahjakas venäläinen kirjailija ja näytelmäkirjailija

Graafiset arkit B.M. Kustodiev Sergiev Posadin museo-suojelualueen kokoelmassa on kolme linoleikkausta vuodelta 1926 (allekirjoitettu, tekijän päivämäärä), jotka on saatu vuonna 1928 yksityisestä kokoelmasta. Taiteilijan työssä grafiikalla oli suuri merkitys, vaikka hän oli suurimmaksi osaksi taidemaalari. Kustodiev teki 1920-luvulla paljon kirjakuvituksia, julisteita ja maalaustelinekaiverruksia (puupiirroksia, litografioita, linopiirroksia). Vuonna 1926 B.M. Kustodiev loi useita sävellyksiä "Uimareiden" kanssa lino-, puupiirros- ja akvarellitekniikoilla. Päiväkirjamerkinnöissä vuodelta 1926 ensimmäisen elämäkerran Kustodiev V.V. Voinov (graafikko, taidehistorioitsija, taidekriitikko) kuulee jatkuvasti Boris Mihailovitšin linoleikkaustyön teeman "Uimari" ja "Uimari". Jatkuva malli B.M.:n viime vuosina. Kustodiev "muotokuvista, maalausten hahmoista, kansista, kaiverruksista, kuvituksista" oli hänen tyttärensä Irina. Hän poseerasi isälleen ja kaiverrukseen "Uimari".
"Uimarit" B.M. Kustodiev työskenteli sanan kirjaimellisessa merkityksessä elämänsä viimeisiin päiviin asti: tämän syklin viimeisen kaiverruksen hän teki 4. toukokuuta 1927 (ja taiteilija kuoli 26. toukokuuta).

Yhden 1900-luvun venäläisen taiteen merkittävimmistä hahmoista, puupiirrosten klassikon V.A. Favorskya (1886-1964) edustaa museokokoelmassa kuusitoista graafista arkkia eri aikakausilta: nämä ovat maalausteoksia, kirjakuvituksia ja näytteitä hänen "tyyppigrafiikkastaan".
Arkkien valinta on suurelta osin satunnaista, kaikki eivät ole mestarin ensiluokkaisia ​​tai ikonisia töitä. Vuosina 1919-1939 tämän perheen jäsenet (mukaan lukien Vladimir Andreevich Favorsky) asuivat Sergiev Zagorskissa, juurtuivat sen henkiseen ja kulttuuriseen elämään, loivat monia teoksiaan täällä, ja appi V.A. Favorsky oli yksi museomme järjestäjistä.
Heidän joukossaan on yksi tämän mestarin työkauden kuuluisimmista, merkittävimmistä teoksista - maalaustelinekaiverrus "Lokakuu 1917" 1928. Tämä puupiirros luotiin Kansankomissaarien neuvoston ensimmäisellä valtion määräyksellä lokakuun 10. vuosipäiväksi. Vallankumous. Sitten Favorsky suunnitteli sarjan "Years of Revolution", jossa "kronologiseen järjestykseen järjestettyjen piirustusten piti luoda uudelleen koko Neuvostovaltion historia ensimmäisten 10 vuoden aikana vuodesta toiseen". Puupiirros "Lokakuu 1917" on yksityiskohtainen juoni-kerrotus ja samalla symbolinen, metaforinen sävellys, jossa on monia hahmoja ja useita jaksoja, jotka sulautuvat varsin orgaanisesti yhdeksi.

Myöhäinen kausi V.A. Favorsky kokoelmassamme ovat kaiverruksia hänen 1950-luvun parhaista, tunnetuimmista sykleistä, joista taiteilijalle myönnettiin Lenin-palkinto vuonna 1962 - kuvituksia vuodelta 1950 teoksiin "Tarina Igorin kampanjasta" ja "Boris Godunovista" vuonna 1955., lahjoitettiin museolle vuonna 1965.
Ne osoittavat täydellisesti Favorskyn puupiirrosten "myöhäistä tyyliä", jossa enemmän huomiota kiinnitetään hahmojen ulkonäköön, asetelmaan, pukuun, jossa kuvalliset keinot luonnollisesti muuttuvat: tietty "maalaisuus" korvaa graafisten ratkaisujen askeettisuuden. ääriviivat ja avoin varjostus. Eeppinen juhlallisuus, "Sanan" eeppinen luonne kuulostavat täysin monihahmoisessa koostumuksessa ("Ennen taistelua"), jossa Favorsky sisältää kuvia venäläisistä sotilaista taistelulipun alla ja Guslyarista. Erilaisista graafisista sykleistä V.A. Favorsky 50-luvulla A.S.:n dramaturgiaan. Puškin ("Boris Godunov", "Pienet tragediat") museon kokoelmassa on vain yksi kuvitus tragedialle "Boris Godunov" - "Pimen ja Grigory" 1955.

Erinomaisen kotimaisen graafikon ja taidemaalarin Tatyana Alekseevna Mavrinan teosten kokoelma Sergiev Posadin museo-suojelualueella volyymiltaan, teosten tasoltaan ja genren monimuotoisuudeltaan on verrattavissa vain maan suurimpiin museokokoelmiin, joissa on kokoelmia 1900-luvun grafiikkaa. (GMIII, Valtion Tretjakovin galleria, Venäjän valtionmuseo). Nämä ovat kuusikymmentäkaksi arkkia, jotka tulivat meille vuosina 1977-1978 kirjailijan museon henkilökohtaisen näyttelyn jälkeen. T.A.:lle annettiin 45 teosta. Mavrina lahjaksi.
Kronologisesti Mavrinin teosten kokoelma kattaa suuren ajanjakson taiteilijan työstä (viimeisimmät päivämäärät ovat 1944 ja 1976; lisäksi suunnilleen yhtä suuri määrä arkkeja viittaa 40-, 50-, 60- ja 70-lukujen ajanjaksoihin). Se edustaa riittävästi erilaisia ​​graafisia tekniikoita, joissa Mavrina työskenteli hedelmällisesti: näitä ovat vesivärit, guassit, sekatekniikalla tehdyt arkit (tempera, guassi tai tempera, guassi, akvarelli), lyijykynäpiirrokset, tussipiirrokset.

"Zagorskin sykli" T.A. Mavrina, joka ilmaisi selkeästi maailmankatsomuksensa, taiteen prioriteetit, hänen ainutlaatuinen tyylinsä, jota usein ja oikeutetusti kutsutaan "Mavrinilaiseksi", alkoi muotoutua 1940-luvulla. 50-luvun mavrinilaisten teosten "juoni" on Lavran "upeasti nähty" kokonaisuus, Pyatnitsky-luostari, vanha kaupunki ja sen asukkaiden elämä - arkipäiväinen ja juhlava, ruumiillistuen sen erityiseen, metaforiseen ja runolliseen avaimeen , joka liittyy kansantaiteen ja kansanperinteen figuratiivisuuteen. Yhtä ilmeikkäitä ja vapaita, rohkeita piirroksia, sommittelua ja väriä ovat 1960- ja 1970-lukujen arkit. Heidän temaattista sommitteluaan hallitsevat edelleen genremaisemat, joiden otsikoissa aktiivi-kotimainen puoli korostuu. Klassinen esimerkki "Mavrinian muotokuvasta" kokoelmassamme on "Demidova" 1973. "Demidova" on upea esimerkki kahden genren orgaanisesta yhdistelmästä - "muotokuva maisemassa": suuri, edestä, puolipitkä kuva "venäläinen vanha nainen" valkoisella huivilla kesäkylämaiseman taustalla, jossa kansanmaalausten ja suosittujen printtien ikivanhan perinteen mukaan kuviin on kirjoitettu kirjoituksia.

Jos luulet, että kaikki suuret taiteilijat ovat menneisyydessä, sinulla ei ole aavistustakaan kuinka väärässä olet. Tässä artikkelissa opit aikamme kuuluisimmista ja lahjakkaimmista taiteilijoista. Ja usko minua, heidän teoksensa pysyvät muistissasi yhtä syvästi kuin menneiden aikakausien maestron teokset.

Wojciech Babski

Wojciech Babski on puolalainen nykytaiteilija. Hän valmistui Sleesian Polytechnic Institutesta, mutta yhdisti itsensä. Viime aikoina hän on maalannut enimmäkseen naisia. Keskittyy tunteiden ilmentymiseen, pyrkii saamaan suurimman mahdollisen vaikutuksen yksinkertaisin keinoin.

Rakastaa värejä, mutta käyttää usein mustan ja harmaan sävyjä parhaan vaikutelman saavuttamiseksi. Älä pelkää kokeilla uusia tekniikoita. Viime aikoina hän on saavuttanut yhä enemmän suosiota ulkomailla, pääasiassa Isossa-Britanniassa, missä hän myy menestyksekkäästi teoksiaan, joita löytyy jo monista yksityiskokoelmista. Taiteen lisäksi häntä kiinnostaa kosmologia ja filosofia. Kuuntelee jazzia. Asuu ja työskentelee tällä hetkellä Katowicessa.

Warren Chang

Warren Chang on amerikkalainen nykytaiteilija. Hän syntyi vuonna 1957 ja kasvoi Montereyssä, Kaliforniassa. Hän valmistui magna cum laude -tutkinnon Art Center College of Designista Pasadenassa vuonna 1981 Fine Arts -kandidaatin tutkinnosta Fine Artsissa. Seuraavan kahden vuosikymmenen ajan hän työskenteli kuvittajana useissa yrityksissä Kaliforniassa ja New Yorkissa ennen kuin aloitti uransa ammattitaiteilijana vuonna 2009.

Hänen realistiset maalauksensa voidaan jakaa kahteen pääluokkaan: elämäkerralliset sisustusmaalaukset ja työväkeä kuvaavat maalaukset. Hänen kiinnostuksensa tähän maalaustyyliin juontuu 1500-luvun taiteilijan Jan Vermeerin töistä, ja se ulottuu esineisiin, omakuviin, muotokuviin perheenjäsenistä, ystävistä, opiskelijoista, studiosta, luokkahuoneesta ja kodin sisustuksesta. Hänen tavoitteenaan on luoda tunnelmaa ja tunteita realistisissa maalauksissaan manipuloimalla valoa ja käyttämällä vaimeita värejä.

Chang tuli tunnetuksi siirtyessään perinteiseen kuvataiteeseen. Viimeisten 12 vuoden aikana hän on ansainnut lukuisia palkintoja ja kunnianosoituksia, joista arvostetuin on Yhdysvaltain suurimman öljymaalausyhteisön Oil Painters Association of America -järjestön Master Signature. Vain yksi henkilö 50:stä saa mahdollisuuden saada tämä palkinto. Tällä hetkellä Warren asuu Montereyssa ja työskentelee studiossaan, hän myös opettaa (tunnetaan lahjakkaana opettajana) San Franciscon taideakatemiassa.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni on italialainen taiteilija. Syntynyt Blairissa 15. lokakuuta 1955. Valmistunut lavastustaiteen tutkinnosta Spoleton taideinstituutista. Taiteilijana hän on itseoppinut, sillä hän rakensi itsenäisesti "tiedon talon" kouluaikana luodulle perustalle. Hän aloitti öljymaalauksen 19-vuotiaana. Asuu ja työskentelee tällä hetkellä Umbriassa.

Brunin varhainen maalaus juurtuu surrealismiin, mutta ajan myötä hän alkaa keskittyä lyyrisen romantiikan ja symbolismin läheisyyteen vahvistaen tätä yhdistelmää hahmojensa hienolla hienostuneella ja puhtaudella. Elävät ja elottomat esineet saavat saman arvokkuuden ja näyttävät lähes hyperrealistisilta, mutta samalla ne eivät piiloudu verhon taakse, vaan antavat sinun nähdä sielusi olemuksen. Monipuolisuus ja hienostuneisuus, aistillisuus ja yksinäisyys, huomaavaisuus ja hedelmällisyys ovat Aurelio Brunin henkeä, jota ravitsee taiteen loisto ja musiikin harmonia.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos on puolalainen nykytaiteilija, joka on erikoistunut öljymaalaukseen. Syntynyt vuonna 1970 Gliwicessä Puolassa, mutta vuodesta 1989 lähtien hän on asunut ja työskennellyt Yhdysvalloissa, Shastan kaupungissa, Kaliforniassa.

Lapsena hän opiskeli taidetta isänsä Janin, itseoppineen taiteilijan ja kuvanveistäjän ohjauksessa, joten taiteellinen toiminta sai varhaisesta iästä lähtien täyden tuen molemmilta vanhemmilta. Vuonna 1989, 18-vuotiaana, Balos lähti Puolasta Yhdysvaltoihin, missä hänen opettajansa ja osa-aikainen taiteilija Cathy Gaggliardi kannusti Alcasanderia ilmoittautumaan taidekouluun. Balos sai sitten täyden stipendin Milwaukee Wisconsinin yliopistoon, jossa hän opiskeli maalausta filosofian professori Harry Rosinin johdolla.

Suoritettuaan opinnot vuonna 1995 kandidaatin tutkinnolla Balos muutti Chicagoon opiskelemaan School of Fine Artsissa, jonka menetelmät perustuvat Jacques-Louis Davidin työhön. Figuratiivinen realismi ja muotokuva muodostivat suurimman osan Baloksen töistä 90-luvulla ja 2000-luvun alussa. Nykyään Balos käyttää ihmishahmoa korostaakseen ihmisen olemassaolon piirteitä ja puutteita tarjoamatta ratkaisuja.

Hänen maalaustensa juonikoostumukset on tarkoitettu katsojan tulkittavaksi itsenäisesti, vasta silloin kankaat saavat todellisen ajallisen ja subjektiivisen merkityksensä. Vuonna 2005 taiteilija muutti Pohjois-Kaliforniaan, jonka jälkeen hänen työnsä laajuus on laajentunut merkittävästi ja sisältää nyt vapaampia maalausmenetelmiä, kuten abstraktiota ja erilaisia ​​multimediatyylejä, jotka auttavat ilmaisemaan olemisen ideoita ja ihanteita maalauksen kautta.

Alyssa munkit

Alyssa Monks on amerikkalainen nykytaiteilija. Hän syntyi vuonna 1977 Ridgewoodissa, New Jerseyssä. Hän kiinnostui maalaamisesta jo lapsena. Hän osallistui New Yorkin New Schooliin ja Montclair State Universityyn ja valmistui Boston Collegesta vuonna 1999 kandidaatin tutkinnolla. Samaan aikaan hän opiskeli maalausta Firenzen Lorenzo Medici -akatemiassa.

Sitten hän jatkoi opintojaan maisterintutkinto-ohjelmassa New Yorkin taideakatemiassa, kuviotaiteen osastolla, valmistuen vuonna 2001. Hän valmistui Fullerton Collegesta vuonna 2006. Hän luennoi lyhyesti yliopistoissa ja oppilaitoksissa ympäri maata ja opetti maalausta New York Academy of Artissa sekä Montclair State Universityssä ja Lyme Academy College of Artissa.

"Käyttäen suodattimia, kuten lasia, vinyyliä, vettä ja höyryä, vääristelen ihmiskehoa. Näiden suodattimien avulla voit luoda suuria abstrakteja alueita, joiden läpi kurkistaa värisaarekkeita – ihmiskehon osia.

Maalaukseni muuttavat modernia ilmettä kylpevien naisten jo vakiintuneisiin, perinteisiin asentoihin ja eleisiin. He voisivat kertoa tarkkaavaiselle katsojalle paljon sellaisista näennäisesti itsestään selvistä asioista, kuten uinnin, tanssin ja niin edelleen eduista. Hahmoni painautuvat suihkukaapin ikkunan lasia vasten ja vääristävät omaa kehoaan ymmärtäen, että he siten vaikuttavat pahamaineiseen miehen katseeseen alaston naiseen. Paksut maalikerrokset sekoitetaan yhteen jäljittelemään lasia, höyryä, vettä ja lihaa kaukaa. Läheltä kuitenkin öljymaalin hämmästyttävät fysikaaliset ominaisuudet käyvät ilmi. Maali- ja värikerroksia kokeilemalla löydän hetken, jolloin abstrakteista vedoista tulee jotain muuta.

Kun aloitin maalaamaan ihmiskehoa, innostuin siitä välittömästi ja jopa pakkomielle ja tunsin, että minun oli tehtävä maalauksistani mahdollisimman realistisia. "Tunnistain" realismia, kunnes se alkoi purkaa ja purkaa itseään. Nyt tutkin sellaisen maalaustyylin mahdollisuuksia ja potentiaalia, jossa edustava maalaus ja abstraktio kohtaavat – jos molemmat tyylit voivat esiintyä rinnakkain samalla hetkellä, teen sen.”

Antonio Finelli

italialainen taiteilija - ajan tarkkailija” – Antonio Finelli syntyi 23. helmikuuta 1985. Asuu ja työskentelee tällä hetkellä Italiassa Rooman ja Campobasson välissä. Hänen teoksiaan on ollut esillä useissa gallerioissa Italiassa ja ulkomailla: Roomassa, Firenzessä, Novarassa, Genovassa, Palermossa, Istanbulissa, Ankarassa, New Yorkissa, ja niitä löytyy myös yksityisistä ja julkisista kokoelmista.

Lyijykynäpiirrokset" Ajan tarkkailija” Antonio Finelli lähettää meidät ikuiselle matkalle inhimillisen ajallisuuden sisäisen maailman ja tähän liittyvän maailman tarkan analyysin läpi, jonka pääelementti on ajan kulku ja sen iholle jättämät jäljet.

Finelli maalaa muotokuvia kaiken ikäisistä, sukupuolista ja kansallisuudesta riippumatta, joiden ilme osoittaa ajan kulumista, ja taiteilija toivoo myös löytävänsä hahmojensa ruumiista todisteita ajan armottomuudesta. Antonio määrittelee teoksensa yhdellä yleisnimellä: "Omamuotokuva", koska hän ei lyijykynäpiirroksissa vain kuvaa henkilöä, vaan antaa katsojan pohtia ihmisen sisällä tapahtuvan ajan kulumisen todellisia tuloksia.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni on 37-vuotias italialainen taiteilija, diplomaatin tytär. Hänellä on kolme lasta. Hän asui kaksitoista vuotta Roomassa, kolme vuotta Englannissa ja Ranskassa. Valmistunut taidehistorian tutkinnosta BD School of Artista. Sitten hän sai tutkintotodistuksen taideteosten restauraattorin erikoisalasta. Ennen kuin hän löysi kutsumuksensa ja omistautui kokonaan maalaamiseen, hän työskenteli toimittajana, koloristina, suunnittelijana ja näyttelijänä.

Flaminian intohimo maalaamiseen syntyi lapsena. Hänen päämediansa on öljy, koska hän pitää "coiffer la patesta" ja leikkii myös materiaalilla. Hän oppi samanlaisen tekniikan taiteilija Pascal Toruan teoksista. Flaminia on saanut inspiraationsa maalauksen suurista mestareista, kuten Balthusista, Hopperista ja François Legrandista, sekä erilaisista taidesuuntauksista: katutaide, kiinalainen realismi, surrealismi ja renessanssirealismi. Hänen suosikkitaiteilijansa on Caravaggio. Hänen unelmansa on löytää taiteen terapeuttinen voima.

Denis Tšernov

Denis Chernov on lahjakas ukrainalainen taiteilija, syntynyt vuonna 1978 Sambirissa, Lvivin alueella, Ukrainassa. Valmistuttuaan Kharkov Art Collegesta vuonna 1998 hän jäi Harkovaan, jossa hän tällä hetkellä asuu ja työskentelee. Hän opiskeli myös Kharkov State Academy of Design and Arts -akatemian grafiikan laitoksella, valmistui vuonna 2004.

Hän osallistuu säännöllisesti taidenäyttelyihin, tällä hetkellä niitä on ollut yli kuusikymmentä sekä Ukrainassa että ulkomailla. Suurin osa Denis Tšernovin teoksista on säilytetty yksityisissä kokoelmissa Ukrainassa, Venäjällä, Italiassa, Englannissa, Espanjassa, Kreikassa, Ranskassa, USA:ssa, Kanadassa ja Japanissa. Osa töistä myytiin Christie'sissä.

Denis työskentelee laajalla valikoimalla graafisia ja maalaustekniikoita. Lyijykynäpiirros on yksi hänen suosikkimaalausmenetelmistään, myös lyijykynäpiirustusten aihelista on hyvin monipuolinen, hän maalaa maisemia, muotokuvia, akteja, genresommituksia, kirjakuvituksia, kirjallisia ja historiallisia rekonstruktioita ja fantasioita.