Arkkitehtuuri (lat. architectura, kreikkalaisista juurista αρχι ja τεκτονική - rakentaja, rakentaminen, arkkitehtuuri, rakennustaide), rakennusten ja muiden rakenteiden suunnittelun ja rakentamisen taito, jotka luovat aineellisesti järjestäytyneen ympäristön, jota ihmiset tarvitsevat elämäänsä ja toimintaansa. tarkoituksen, nykyaikaisten teknisten valmiuksien ja esteettisten yhteiskunnallisten näkemysten kanssa. Arkkitehtuurin, maalauksen ja kuvanveiston välillä on olennainen ero: arkkitehtuuri käyttää lähes yksinomaan geometrisia muotoja ja vain ornamentissa turvautuu orgaanisiin muotoihin; maalaus ja kuvanveisto sen sijaan kuvaavat pääasiassa eläin- ja kasvimuotoja, ja vain asusteissa ne kääntyvät arkkitehtonisiin eli geometrisiin muotoihin.

Arkkitehtuuri on suhteiden alalla tunnettujen matemaattisten lakien alaisuudessa lähinnä musiikkia, joka myös noudattaa matemaattisia lakeja äänisuhteiden alalla; tässä mielessä arkkitehtuuria kutsutaan hyvin osuvasti "kivi" tai "jäätynyt" musiikki. Jokainen taideteos sisältää kaksi pääelementtiä - abstraktin idean ja sen aineellisen esityksen, eli olemuksen ja muodon. Näiden elementtien yhdistäminen yhdeksi konsonantiksi kokonaisuudeksi on taiteen tavoite; ja jos tämä tavoite saavutetaan, työtä voidaan varmasti kutsua tyylikkääksi. Tästä syystä jokaisen elegantin arkkitehtonisen teoksen tulee ulkoisella esityksellään paljastaa täysin rakennuksen sisäinen merkitys ja tarkoitus. Tämän lain nojalla on mahdotonta esimerkiksi antaa kirkolle teatterin ulkonäköä tai antaa yksikerroksiselle rakennukselle kaksikerroksisen julkisivun sisälle.

Taidemuotona arkkitehtuuri astuu henkisen kulttuurin piiriin, muodostaa esteettisesti ihmisen ympäristön, ilmaisee sosiaalisia ajatuksia taiteellisissa kuvissa. Yhteiskunnan historiallinen kehitys määrää rakenteiden toiminnot ja tyypit (rakennukset, joissa on järjestäytynyt sisätila, rakenteet, jotka muodostavat avoimia tiloja, rakennuskokonaisuudet ja muut kiinteistöt), tekniset rakennejärjestelmät sekä arkkitehtonisten rakenteiden taiteellisen rakenteen. Arkkitehtuurissa, taiteessa ja käsityössä suunnittelu - ne muovitaiteen tyypit, joita on mahdotonta erottaa kuvan aihe, - genreluokittelu korvataan teoksen toimintoihin perustuvilla typologisilla jaoilla (arkkitehtuurissa erotetaan palatsin, temppelin, asuinrakennuksen jne. tyypit, jotka puolestaan jaetaan useisiin alatyyppeihin). Asutustilan arkkitehtoninen järjestäminen, kaupunkien luominen, esikaupunkien mökkiasutus, pienimuotoisen arkkitehtuurin suunnittelu, asutusjärjestelmien säätely on noussut erityisalueeksi - kaupunkisuunnitteluksi.

Arkkitehtuurissa toiminnalliset, tekniset, esteettiset periaatteet (hyödyllisyys, vahvuus, kauneus) liittyvät toisiinsa. Arkkitehtonisen rakenteen tarkoitus, toiminnot määräävät sen suunnitelman ja tilavuus-tilarakenteen, rakennuslaitteet - sen luomismahdollisuuden, taloudellisen kannattavuuden ja erityiset keinot, rakennuskeramiikka - rakentamisessa käytettävät materiaalit ja keraamiset tuotteet. Sopimuksen mukaan keraamiset materiaalit ja tuotteet jaetaan seuraaviin tyyppeihin: seinätuotteet, kattotuotteet, lattiaelementit; tuotteet julkisivuverhouksiin, tuotteet sisäseinien verhoukseen, kiviainekset kevytbetoniin, lämmöneristystuotteet, saniteettitavarat, lattialaatat, tietiilet.
kodin ilmastointilaitteen korjaus

Seinätuotteita ovat tiilet, ontot kivet ja niistä tehdyt paneelit. Kattotuotteet - tiilet. Lattia elementit; Julkisivuverhoustuotteita ovat kasvotiilet, pienikokoiset ja muut laatat, ladontapaneelit, arkkitehtoniset ja taiteelliset yksityiskohdat. Tuotteet sisäseinien verhouksiin - lasitetut laatat ja niihin muotoillut osat (reunalistat, kulmat, kuvioikkunat, hihnat). Kiviainekset kevytbetoniin - paisutettu savi, agloporiitti. Lämmöneristystuotteet - solukeramiikka, perliittikeramiikka jne. Arkkitehtuurin kuviollinen ja esteettinen alku liittyy sen sosiaalinen tehtävä ja ilmenee rakenteen tilavuus- ja rakennerakenteen muodostumisena. Arkkitehtuurin ilmaisukeinoja ovat sommittelu, tektoniikka, mittakaava, mittasuhteet, rytmi, tilavuuksien plastisuus, materiaalien tekstuuri ja väri, taiteiden synteesi jne. teolliset rakentamismenetelmät.

(latinaksi sculptura, sanasta sculpo - leikkaan, veisin), kuvanveisto, muovi, kuvataiteen laji, jonka teokset ovat kolmiulotteisia, kolmiulotteisia ja ne on valmistettu kiinteistä tai muovisista materiaaleista. Veistos, kuvanveisto, plastiikka - sanan laajassa merkityksessä taito luoda savesta, vahasta, kivestä, metallista, puusta, luusta ja muista materiaaleista kuva ihmisestä, eläimistä ja muista luonnon esineistä niiden kosketuksessa, ruumiin muodot. Veistos kuvaa pääasiassa henkilöä, harvemmin eläimiä, sen päälajit ovat muotokuva, historiallinen, arkipäiväinen, symbolinen, allegorinen kuva, eläimellinen ja mytologinen genre. Taiteellinen ilmaisukeinoja veistokset – kolmiulotteisen muodon rakentaminen, plastinen mallinnus (valu), siluetin, tekstuurin ja joissain tapauksissa myös värien kehittäminen.

Eri puolilta katsottuna on pyöreä veistos (patsas, ryhmä, hahmo, rintakuva) ja reliefi (veistostyyppi, jossa kuva on taustatasoon nähden kupera tai upotettu, päätyypit ovat bareljeef ja korkea helpotus). Monumentaaliveistos (monumentit, monumentit) liittyy arkkitehtoniseen ympäristöön, erottuu ideoiden merkityksestä, korkeasta yleistyksestä ja suuresta koosta; monumentaalinen ja koristeellinen veistos sisältää kaiken tyyppiset arkkitehtonisten rakenteiden koristelut (atlantit, karyatidit, friisit, puistot, suihkulähteet ja päällysveistos); maalaustelineveistoksella on luontoläheisiä tai pienempiä mittasuhteita ja tiettyä syvällistä sisältöä.

Kuvan materiaalin ja toteutustavan osalta veistos sanan laajimmassa merkityksessä on jaettu useisiin haaroihin: mallinnus tai mallinta - taito työskennellä pehmeän aineen, kuten vahan ja saven, kanssa; valimo tai toreutiikka - taito tehdä patsas sulasta metallista; glyptics tai kuvanveisto suppeassa merkityksessä on taidetta veistää kuva kivestä, metallista, puusta ja yleensä kiinteästä aineesta; kuvanveiston genreihin voivat lisäksi kuulua kaiverrus, kaiverrus kovalle ja jalokivet ja kolikoiden ja mitalien postimerkkien valmistus (mitalitaide). Veistosmateriaalit - metalli, kivi, savi, puu, kipsi jne. Niiden käsittelymenetelmät - mallinnus, kaiverrus, valu, taonta, jahtaaminen jne.

Koko taiteen historia. Per. Kotelnikova T.M.

M.: 20 07 - 4 16 s.

Kirja esittelee: historiallisia esseitä, jotka kertovat kuvataiteen tärkeimmistä mestareista ja suuntauksista sen jälkeen muinaiset sivilisaatiot nykypäivään; osoitin helpon pääsyn kaikkiin tietoihin; maalarit, arkkitehdit, kuvanveistäjät, koristelumestarit sovellettu taide; tyylejä, kouluja, ohjeita. Materiaalin esittelyn saatavuus, looginen esitys ja hyvä kirjallinen kieli kirjat tekevät taidehistorian opiskelusta paitsi kognitiivisen prosessin myös jännittävää luettavaa.

Muoto: pdf

Koko: 2 9,5 Mt

Ladata: drive.google

Sisältö
1 Taidetta muinaisessa maailmassa 7
2 Muinainen Kreikka 18
3 Muinainen Rooma 33
4 Varhainen kristinusko Karolingeille 42
5 Romaaninen taide 51
6 Gootti 64
7 XIV-XV vuosisatojen maalaus ja arkkitehtuuri 81
8 Taiteen uusi tehtävä renessanssissa 94
9 mestaria Korkea renessanssi 130
10 Manerismi 153
11 Klassismi ja karavadgismi 176
12 barokki 190
13 Rokokoosta klassismiin 220
14 Maalausta romantiikan aikakaudella 242
15 Impressionismi ja symbolismi 263
16 Arkkitehtuuri ja taide ja käsityöt taide XIX paikassa 288
17 italialaista maalausta XIX vuosisadan lopulla vuonna 299
18 Avantgarden alkuperällä: ekspressionismi ja kubismi 306
19 Italia ja avantgarde-virrat 323
20 Abstrakti taide 335
21 Paluu figuratiivisuuteen: Chagallista "Uuteen objektiivisuuteen" 347
22 Dada ja surrealismi 356
23 XX ensimmäisen puoliskon arkkitehtuuri vuonna 370
24 Ennen toista maailmansotaa ja sen jälkeen 384
25 muotoa nykytaide 396
Osoitin 410

Taide toimii ajatusten, tunteiden, taiteilijan alkuperäisen ja ainutlaatuisen persoonallisuuden ilmaisuna, mutta se on myös peili sen aikakauden kulttuurista ja historiasta, jolloin tämän persoonallisuuden oli määrä luoda. Luovuuden energia, joka määrää koko taiteen historian, yhdistää ajassa eronneet mestarit yhdellä langalla. Ja jos katsot tästä näkökulmasta, ei ole tarvetta pohtia erilaisia taiteellisia virtauksia ja heidän edustajansa erikseen, koska nämä ovat suuren liikkeen eri vaiheita, jatkuvaa progressiivuudessaan. Yksi sukupolvi korvataan toisella; ideat, teoriat ja intohimot vanhenevat ihmisten tavoin antaen tietä uusille suuntauksille. Kun taiteilija onnistui omalla luovuudellaan herättämään henkiin tietyn uuden syvän henkisen ja taiteellisen etsintäprosessin, syntyi uusia tyylejä, eikä niitä menneeseen yhdistävä lanka koskaan katkennut, vaikka se tuntui kuinka ohuelta.

Maalaus- kuva maalausten tasolla todellista maailmaa, taiteilijan luovan mielikuvituksen muuttama; erottaa alkeellinen ja suosituin esteettinen tunne - värin tunne - erityiseksi alueeksi ja muuttaa se yhdeksi maailman taiteellisen kehityksen välineistä.

Muinaisessa maalauksessa kuvattujen ilmiöiden suhde ei ollut niinkään tilallinen kuin semanttinen. Chamin saarella (Australia, Carpentarianlahti) muinaisessa luolassa valkoisella seinällä kengurut on maalattu mustalla ja punaisella maalilla, ja niitä ajaa takaa kolmekymmentäkaksi metsästäjää, joista kolmas on kaksi kertaa korkeampi kuin kengurut. levätä, koska se kuvaa johtajaa.

Semanttisen painotuksen vuoksi muinaiset egyptiläiset taiteilijat kuvasivat myös sotilasjohtajan hahmoa, joka oli useita kertoja suurempi kuin hänen sotureidensa hahmot. Nämä olivat maalauksen ensimmäiset kompositsioonilliset aksentit, jotka eivät tunteneet perspektiiviä. Muinaisina aikoina grafiikka ja maalaus olivat lähellä toisiaan, mutta myös kirjallisuutta. Muinainen kiinalainen ja muinainen egyptiläinen maalaus ja grafiikka liittyvät toisiinsa kerronnallisesti. Kuva on tapahtumaketju, tarina, joka avautuu lukujen sarjana. Jo tässä varhaisessa kehitysvaiheessa maalaus ilmaisee tasossa erilaisia näkemyksiä aiheesta. Muinaisen Egyptin taiteilijat maalasivat molemmat silmät profiilikuvallisille kasvoille, ja Etelä-Melanesian maalarit kuvaavat tasoja, jotka ovat piilossa suoralta näkyviltä: ihmisen pään päälle on piirretty kiekko, joka osoittaa pään takaosaa tai kaksoiskasvot. joka välittää "pyöreän katseen". Muinainen taiteilija ei havainnut maiseman kauneutta.

Muinainen taiteilija tuntee hyvin paitsi eläimen myös ihmisen anatomian. Voimistelu, musiikki ja taide, tuntee ihmiskehon kauneuden ja voiman, jolla on syvät sosiohistorialliset juuret. Olympialaiset ja veistokselliset sankarikuvat suorittavat samanlaisia sosiaalisia ja esteettisiä tehtäviä: orjia omistavalle demokratialle välttämättömät soturit - Hellasin puolustajat ja orjien kaivostyöläiset sen taloudellisen kehityksen kannalta.

Keskiaikainen maalaus antoi tavanomaisen tasaisen kuvan maailmasta. Teos ei korostanut kohteen etäisyyttä katsojan silmästä, vaan sen merkitystä ja merkitystä. Samat piirteet ovat luontaisia venäläiselle ikonimaalaukselle. Keskiajalla ei vielä tunneta anatomista eroa aikuisen ja lapsen välillä: maalauksissa Kristuslapsi on aikuinen pienennettynä. Keskiaikainen kuvataide vertautuu ihmisen sisäiseen maailmaan, tunkeutuu syvälle hänen henkensä. Alaston vartalon kauneuden kultti on korvattu muodilla vartalon verhoilua, putoamista vaatteiden lattialle. Luostaripuku on luonteenomainen, piilottaen ihmisen vartalon ääriviivat, tehden hänen ulkonäöstään muodottoman ja seksittömän.

Renessanssi herättää henkiin alaston ruumiin kultin korostaen paitsi sen kauneutta ja voimaa, myös sen aistillista vetovoimaa. Olemisen ilo, hengellinen ja aistillinen elämän nautinto loistaa maalauksessa, joka ylistää naisvartalon kauneutta, sen Georgenin siveyttä, Rubensin loistoa, Tizianin maallista ja taivaallista kauneutta, El Grecian henkisyyttä.

Maalauksella renessanssin taidemuotojen järjestelmässä on johtava rooli. Taiteilijat vahvistavat maalauksen universaalin merkityksen, jota, kuten kirjallisuutta, ei tarvitse kääntää toiselle kielelle, Leonardo da Vinci kirjoitti: "... jos runoilija palvelee mieltä korvan kautta, taidemaalari silmän kautta, enemmän tuntemisen arvoinen ... Kuva on paljon hyödyllisempi ja kauniimpi, pidä siitä enemmän ... Valitse runoilija, joka kuvaisi naisen kauneutta rakastajalleen, ja valitse maalari, joka kuvaa häntä, niin näet missä luonto kallistaa rakastuneen tuomarin.

Nerot ilmestyvät aina sosiaalisen käytännön kaikkein tarpeellisimmalla alueella. Eikä ole sattumaa, että renessanssi antoi sellaisia suuria taiteilijoita kuin Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rubens, Titian.

Aikakauden antiaskeettinen, antiskolastinen patos, sysäys elämän rikkaaseen, sen hengellisiin ja aistillisiin iloihin saa täyden ilmeensä juuri maalauksessa (Botticellin "Kevät"). Taiteilijat välittävät ihmisen ikään liittyvää anatomiaa (Leonardo da Vincin Madonna Littan sylissä oleva lapsi ei ole kääpiö, vaan todella vauva), he paljastavat ihmisen dynaamisen anatomian eri tahdilla ja terävillä, kulmat, liikesuunnat (Michelangelon Sikstuksen kappelin kattofreskot).

Renessanssin aikana kehittyivät yksityiskohtaiset perspektiivi-tilakompositio-periaatteet. Kuvan hahmojen asettelu paljasti heidän elämänsuhteensa. Renessanssi avasi näkökulman lait tai vielä laajemmin - vapaan tilan hallinnan. Perspektiivi-idean kehittivät Brunelleschi ja Alberti, jotka opettivat järjestämään maalauksessa tilan katkaistun pyramidin periaatteiden mukaisesti, jotka muodostuvat esineistä silmään tulevista säteistä. Avaruuden hallintaa ei osoita vain perspektiivin rakentaminen (esimerkiksi Leonardo da Vincin Viimeinen ehtoollinen), vaan myös "dematerialisoidun" tilan luominen.

1800-luvulla jo hahmoteltu maalauksen ja grafiikan rajausprosessi on valmis. Grafiikan erityispiirteitä ovat lineaariset suhteet, esineiden muodon toisto, niiden valaistuksen siirto, valon ja varjon suhde. Maalaus vangitsee maailman värien korrelaatiota, väreissä ja värin kautta ilmaisee esineiden olemusta, niiden esteettistä arvoa, kalibroi niiden sosiaalista tarkoitusta, vastaavuutta ympäristöön. Maalauksen ja grafiikan rajaamisen saattavat päätökseen impressionistit. Ne eivät välitä mitään värin ulkopuolista, kaikki lineaarinen on heille toissijaista; ei piirros, vaan kuvattujen esineiden värisuhteista tulee esteettisen merkityksen pääkantaja. Maalaus itsenäistyy piirtämisestä, joka oli aiemmin sen päätavoitteena, ja lähestyy musiikkia kirjallisuudesta poistuen.

1900-luvulla maalauksen luonne muuttuu dramaattisesti. Siihen vaikuttavat valokuvat, elokuva, televisio, kokemusten laajuus ja monipuolisuus. moderni mies, havaitsee todellisuuden suurista korkeuksista ja suurista nopeuksista ja odottamattomista kulmista ja vaihtelevista, liikkuvista näkökulmista. Ihmisen älyllinen ja psykologinen maailma syvenee. Valokuvan tulo ja sen värien hallinta asetti maalaukselle uusia haasteita. Valokuva voi nyt vain vangita esineen muistoksi. 1900-luvun maalauksessa. subjektiivisen prinsiipin rooli kasvaa, henkilökohtaisen näkemyksen merkitys, yksilöllinen elämänkäsitys kärjistyy (muistakaa Grabarin "Maaliskuun lumi").

Maalauksen merkitystä muodostavia elementtejä ovat käsitelty tasainen pohja, kuvan oikeat reunat ja kehys (nämä elementit puuttuivat kalliotaiteesta). Nykyaikana ilmestyi maalausta, joka ei esittänyt syvää tilaa ja jota ei kehystetty. Sen analogi oli veistos ilman jalusta - ripustettu tai seisoo maassa. Kuvatason osilla, esineen kuvan paikalla siinä on merkkimerkitys. Munchin muotokuvassa itseensä upotettu kohde sijaitsee hieman sivussa tyhjässä tilassa. Tämä luo taiteellisen ja semanttisen surun ja vieraantumisen vaikutelman, joka korostaa kuvattavan henkilön asentoa.

Arkkitehtuuri. Kun ihminen oppi tekemään työkaluja, hänen asuntonsa ei ollut enää reikä tai pesä, vaan tarkoituksenmukainen rakennus, joka sai vähitellen esteettisen ilmeen. Rakentamisesta on tullut arkkitehtuuria.

Arkkitehtuuri on todellisuuden muodostumista kauneuden lakien mukaan luotaessa ihmisen tarpeita palvelevia rakennuksia ja rakenteita asumiseen ja julkisiin tiloihin. Arkkitehtuuri luo suljetun utilitaristis-taiteellisen kehittyneen maailman, joka on rajattu luonnosta ja vastustaa luonnollista ympäristöä ja antaa ihmisten käyttää humanisoitua tilaa aineellisten ja henkisten tarpeidensa mukaisesti. Arkkitehtoninen kuva ilmaisee rakennuksen tarkoitusta ja taiteellista käsitystä maailmasta ja persoonasta, ihmisen käsitystä itsestään ja aikakautensa olemuksesta.

Arkkitehtuuri on taidetta ja rakennuksilla on tietty tyyli. Arkkitehtuurin ansiosta syntyy olennainen osa "toista luontoa" - aineellinen ympäristö, jonka ihmisen työ luo ja jossa hänen elämänsä ja toimintansa tapahtuu.

Arkkitehtuuri vetoaa kokonaisuuteen. Sen rakennukset sopivat taitavasti luonnon (luonnon) tai kaupunkimaisemaan (kaupunki) maisemaan. Esimerkiksi Moskovan valtionyliopiston rakennus sopii hyvin Sparrow Hillsin maisemaan, josta näkee pääkaupungin ja Keski-Venäjän tasangon väistyvän avaruuden. Entinen CMEA-rakennus (nykyinen kaupungintalon rakennus), joka näyttää avoimelta kirjalta, on onnistuneesti kaiverrettu Moskovan kaupunkimaisemaan.

Arkkitehtuurin muodot määräytyvät: 1) luonnollisesti (riippuu maantieteellisistä ja ilmasto-olosuhteista, maiseman luonteesta, auringonvalon voimakkuudesta, seismisestä turvallisuudesta); 2) sosiaalisesti (riippuen yhteiskuntajärjestelmän luonteesta, esteettisistä ihanteista, yhteiskunnan utilitaristisista ja taiteellisista tarpeista; arkkitehtuuri liittyy läheisemmin tuotantovoimien kehitykseen, tekniikan kehitykseen kuin muut taiteet).

Arkkitehtuuri - ja taide, insinöörityö ja rakentaminen, jotka vaativat valtavaa yhteisten ponnistelujen ja aineellisten resurssien keskittymistä (esimerkiksi Pyhän Iisakin katedraalin rakensi puoli miljoonaa ihmistä neljänkymmenen vuoden aikana). Arkkitehtonisia teoksia on tehty vuosisatoja. "Kivikirjan" luoja ja sen "lukija" ovat ihmiset. Arkkitehtuuriteos on valtava kivisinfonia, voimakas kansan luomus, kuten Ilias, hämmästyttävä tulos kokonaisen aikakauden kaikkien voimien yhdistelmästä.

Jo muinaisina aikoina arkkitehtuuri oli vuorovaikutuksessa monumentaalisen veistoksen, maalauksen, mosaiikkien ja ikonien kanssa. Tässä synteesissä arkkitehtuuri hallitsee. Joskus kirjallisuustekstilainauksen muodossa oleva kirjallisuus astuu alisteissuhteeseen arkkitehtuurin ja kuvanveiston kanssa. Tunnetaan tapaus musiikin alisteisesta vuorovaikutuksesta arkkitehtuurin kanssa: yksi burmalaispagodeista on ripustettu kelloilla, jotka luovat hopeapilven kevyimmästä ja lempeimmästä soittosta rakenteen ympärille. Urkumusiikki oli goottilaisten katedraalien alisteista.

Arkkitehtonisen koostumuksen perustana on kolmiulotteinen rakenne, rakennuksen elementtien tai rakennuskokonaisuuden orgaaninen kytkentä. Rakennuksen mittakaava on semioottisesti merkittävä ja ratkaisee pitkälti taiteellisen kuvan luonteen, monumentaalisuuden tai läheisyyden. Arkkitehtuuri ei toista todellisuutta visuaalisesti, vaan on ilmeikäs. Rytmi, tilavuuksien suhde, viivat - sen ilmaisukyvyn välineet. Yksi moderneista taiteellisia rakenteita- rytmihäiriö rytmissä, dissonanssi harmoniassa (esimerkiksi rakennuskokonaisuus Brasilian kaupungissa).

Arkkitehtuuri sai alkunsa muinaisista ajoista, barbaarisuuden korkeimmasta vaiheesta, jolloin rakentamisessa alkavat toimia paitsi välttämättömyyden, myös kauneuden lait.

Muinaisessa Egyptissä rakennettiin valtavia hautoja (Gizan Cheopsin pyramidin korkeus on noin 150 m), temppeleitä, joissa oli monia tehokkaita pylväitä (Karnakin Amunin temppelissä pylväiden korkeus on 20,4 m ja halkaisija on 3,4 m). Tälle arkkitehtuurille on tunnusomaista muotojen geometrinen selkeys, artikulaatioiden puuttuminen, rakennuksen mittakaavan ja henkilön välinen epäsuhta sekä persoonallisuutta valtaava monumentaalisuus. Suurenmoisia rakenteita ei luotu tyydyttämään ihmisten aineellisia tarpeita, vaan hengellisten ja uskonnollisten päämäärien nimissä, ja ne palvelivat egyptiläisten yhteiskunnallisen organisaation asiaa faaraon despoottisen vallan alaisina.

SISÄÄN Muinainen Hellas arkkitehtuurista tulee demokraattinen. Uskonnolliset rakennukset (esimerkiksi Parthenonin temppeli) vahvistavat Kreikan kansalaisen kauneutta, vapautta ja arvokkuutta. On olemassa uudentyyppisiä julkisia rakennuksia - teattereita, stadioneja, kouluja. Arkkitehdit noudattavat Aristoteleen muotoilemaa humanistista kauneuden periaatetta: kauneus ei ole liian suurta eikä liian pientä. Ihminen toimii tässä rakennuksen kauneuden ja mittakaavan mittana, mikä, toisin kuin muinaisen Egyptin rakennukset, ei tukahduta, vaan korottaa yksilöä, mikä vastasi Ateenan demokratian sosiaalisia tavoitteita. arkkitehdit muinainen Kreikka luoda tilausjärjestelmä, jolla oli suuri rooli arkkitehtuurin kehityksessä. SISÄÄN Antiikin Rooma kaari- ja holvibetonirakenteita käytetään laajalti. Uuden tyyppisiä rakenteita ilmestyi: foorumit, voittokaaret, jotka heijastavat valtiollisuuden ajatuksia, sotilaallista voimaa.

Keskiajalla arkkitehtuurista tulee johtava ja eniten massiivinen näkymä taidetta, jonka kuvat olivat lukutaidottomiakin saatavilla. Taivaalle pyrkivissä goottilaisissa katedraaleissa ilmeni uskonnollinen impulssi Jumalaan ja ihmisten intohimoinen maallinen unelma onnellisuudesta.

Renessanssiarkkitehtuuri kehittää uudella pohjalla antiikin klassikoiden periaatteita ja muotoja.

Klassismi kanonisoi antiikin sävellystekniikat.

1500-luvun lopusta 1700-luvun puoliväliin, kansallisvaltioiden muodostumisen aikakaudella, jota seurasivat sodat, barokki kehittyy ( suuri määrä listat, artikuloinnin ja tilasuhteiden monimutkaisuus, loisto, korotus, muotojen kontrasti). Barokkit palvelivat ylistämään ja vahvistamaan absolutismia (kuten Versailles'n palatsi) ja katolisuutta (esimerkiksi roomalainen Santa Maria della Vittorian kirkko).

XVIII vuosisadan alussa. Ranskassa rokokootyyli syntyi ja levisi kaikkialle Eurooppaan (esimerkiksi Sanssoucin palatsi Potsdamissa) aristokratian makujen ilmaisuna (koristelu, oikukas muodon koristelu, tahallinen epäsymmetria ja mutkaisten linjojen monimutkaisuus, ja sisätiloissa - runsaat seinämaalaukset ja suuret peilit, jotka luovat vaikutelman seinien keveydestä ja koskemattomuudesta).

XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. Rokokoo väistyy Empirelle - monumentaaliselle, majesteettiselle tyylille, joka perustuu klassismin perinteisiin ja Rooman keisarien aikakauden tyyliin. Se ilmaisee sotilaallista voimaa ja vallan suvereenia suuruutta (esimerkiksi Riemukaari Pariisissa, joka ylittää muinaisen maailman kaaret, tai Vendome-pylväs, joka toistaa Trajanuksen pylvään Roomassa).

Venäläisen arkkitehtuurin saavutukset on painettu Kremliin, linnoituksiin, palatseihin, uskonnollisiin ja siviilirakennuksiin. Venäläinen arkkitehtuuri on runsaasti alkuperäisiä kansallisia luomuksia (Iivan Suuren kellotorni, Pyhän Vasilin katedraali, puurakennukset selkeineen suunnitteluratkaisuineen ja rikkaine koristeellisiin muotoineen, kuten Kizhin kirkot). "Venäläinen barokki" vahvisti Venäjän valtion yhtenäisyyttä, kansallisen elämän nousua (Rastrellin luomukset: Talvipalatsi ja Tsarskoje Selon yhtyeet).

XVIII-XIX vuosisadalla. venäläisen klassismin periaatteita kehitetään: arkkitehtonisen kuvan selkeys ja ilmaisu, yksinkertainen rakentava ja taiteellisia keinoja. 1800-luvulla eklektiikka vakiintuu.

1900-luvulla ilmestyy uudentyyppisiä rakennuksia: teollisuus-, liikenne-, hallinto- monikerroksisia taloja ja asuinalueet. Niiden rakentaminen tapahtuu teollisin menetelmin käyttämällä uusia materiaaleja ja vakioelementtejä. Tämä muuttaa esteettisiä kriteerejä ja avaa uusia ilmaisukeinoja arkkitehtuurissa (esim. kaupunkisuunnittelussa on ongelma taiteellista ilmaisukykyä massarakennus).

Ornamentti, jonka Neuvostoliiton arkkitehtuuri teki syntiä 30-50-luvuilla, esti sen kehitystä. Kaunistamisesta kieltäytyminen alensi rakentamisen kustannuksia, lisäsi sen mittakaavaa ja vauhtia, ohjasi arkkitehtien luovaa ajattelua etsimään varsinaisia yksinkertaisia, ilmeikkäitä arkkitehtonisia ratkaisuja. Tässä suhteessa Moskovan Novy Arbatissa sijaitseva House of Film Veterans on rakennuskompleksi, joka on ohjeellinen.

Veistos- tila- ja kuvataide, maailman hallitseminen plastisina kuvina, jotka on painettu materiaaleihin, jotka voivat välittää ilmiöiden elämänkuvaa.

Veistoksiset teokset on veistetty marmorista, graniitista ja muusta kivestä, veistetty puusta, muovattu savesta. Pehmeitä materiaaleja pidetään väliaikaisina, niiden kanssa työskennellessä oletetaan yleensä edelleen valua kestävämmiksi - valurauta, pronssi. Meidän aikanamme kuvanveistoon soveltuvien materiaalien määrä on laajentunut: terästä, betonia ja muovia on syntynyt.

Ihminen on kuvanveiston tärkein, mutta ei ainoa aihe. Eläimet luovat hahmoja eläimistä. Pyöreä veistos voi vain luoda uudelleen yksityiskohtia ihmisen ympäristöstä. Sellaiset veistostyypit, kuten bareljeef ja korkea reliefi, ovat lähellä maalausta ja grafiikkaa, ja maiseman kuva on heidän käytettävissään.

Veistos välittää aina liikettä. Jopa täydellinen lepo nähdään kuvanveistossa sisäisenä liikkeenä, tilana, joka kestää, ei vain tilassa, vaan myös ajallisesti. Kuvanveistäjällä on käytössään vain yksi toiminnan hetki, mutta hän kantaa leimaa kaikesta edeltäneestä ja seuranneesta. Tämä antaa veistokselle dynaamisen ilmaisuvoiman. veistoksellinen kuva kuolleista henkilö välittää kehoon vuotaneen piilotetun liikkeen, ikuisen leponsa ja taistelun viimeiset ponnistelut ikuisesti jäädytettynä. Tämä on kuva kuolleesta Kristuksesta, joka makaa Jumalanäidin sylissä Michelangelon Pieta-veistoksessa. Liike nukkuu Jumalan Pojan ruumiissa putoamalla äidin polvilta ja samalla ikään kuin vastustaen tätä elotonta putoamista.

Veistoksen käsitys avautuu aina peräkkäin ajassa, jota käytetään veistoksessa ja auttaa välittämään liikettä. Ympyränäkymä, asennon muutos, katselukulma paljastavat sen eri puolet kolmiulotteisessa kuvassa.

Monumentaalisuus on yksi kuvanveiston mahdollisuuksista ja tarjoaa sille synteesiä arkkitehtuurin kanssa.

Veistoksen luonteessa piilee laaja yleistys. Pushkin huomautti, että maalattu veistos tekee vähemmän vaikutelman kuin yksivärinen veistos, väritys vie sen yleistyksen.

Veistoksen figuratiivisuuden ja ilmeisyyden keinot ovat valo ja varjo. Veistetyn hahmon tasot ja pinnat, valoa heijastavat ja varjoja heittävät, luovat esteettisesti yleisöön vaikuttavan tilallisen muotoleikin.

Pronssiveistos mahdollistaa valon ja varjon terävän eron, kun taas valonsäteitä läpäisevä marmori mahdollistaa hienovaraisen valon ja varjon leikin. Muinaiset taiteilijat käyttivät tätä marmorin ominaisuutta; Venus de Milon patsaan herkkä vaaleanpunainen, hieman läpikuultava marmori välittää hämmästyttävällä tavalla naisen vartalon hellyyttä ja joustavuutta.

Veistos on yksi muinaiset lajit taidetta, joka juontaa juurensa paleoliittiselta ajalta. Kehityksen aikana muinainen yhteiskunta Käytännön tarpeista nousevien maagisten todellisuuksien pohjalta (synkreettiset ja rituaaliset esitaiteelliset kuvat luonnossa) syntyi merkkijärjestelmä, joka myötävaikutti maailman taiteelliseen ja figuratiiviseen heijastukseen. Esimerkiksi kivi, joka personoi eläintä ja toimi kohteena haavoille (metsästyksen "harjoitus"), korvataan luonnollisella täytetyllä eläimellä ja sitten sen veistoksellisella kuvalla.

Muinaisessa Egyptissä kuvanveisto yhdistettiin kuolleiden kulttiin: usko, että sielu on elossa niin kauan kuin ihmisen kuva on olemassa, teki välttämättömäksi luoda kestäviä veistoksia vahvimmista materiaaleista (libanonilainen setri, graniitti, punainen porfyyri, basaltti). Monumentaalisuus, jonkinlainen muotojen yksinkertaistaminen ja taipumus staattisiin hahmoihin ovat luontaisia antiikin egyptiläiselle kuvanveistolle.

SISÄÄN Muinainen Kreikka veistos saavutettu korkein taso. Ei ole sattumaa, että Hegel liitti taiteen klassisen (antiikki)kauden kuvanveistoon. Muinaisessa kuvanveistossa on aina sisäisen vapauden tunne. Sankari on rauhallinen ja säilyttää sisäisen arvonsa, jopa kärsimys ei vääristä, ei vääristä hänen kasvojaan, ei riko kuvan harmoniaa (esimerkiksi "Laocoon").

Keskiaika kehitti monumentaalisia veistosmuotoja synteesissä arkkitehtuurin kanssa. Goottilainen veistos yhdisti naturalistiset yksityiskohdat koristeellisiin ja dynaamisiin hahmoihin, jotka välittivät intensiivistä henkistä elämää. Illusory-fantasmagorisia, allegorisia kuvia esiintyy myös (esim. Notre Damen katedraalin kimeerit).

Renessanssin kuvanveistäjät loivat gallerian kirkkaasti yksilöllisistä kuvista vahvatahtoisista, yritteliäistä, aktiivisista ihmisistä.

Barokkiveistos (XVII vuosisata) oli juhlallinen, mahtipontinen, paraati, täynnä outoa valon ja varjon leikkiä, kiehuvia pyörteisiä massoja.

Klassismin veistos päinvastoin on rationaalinen, rauhallinen, majesteettinen, jaloin yksinkertainen. XVIII vuosisadalla. veistos vetoaa henkilön sosiopsykologisiin muotokuvaominaisuuksiin.

1800-luvulla realismi kukoistaa kuvanveistossa: kuvat saavat esteettistä monipuolisuutta, historiallista konkreettisuutta, arkipäiväisiä ja psykologisia piirteitä.

1900-luvulla kuvanveistäjät antavat veistoksellisista kuvista yleistetyn, joskus symbolisen tulkinnan. Veistos syventää kuvan psykologista sisältöä ja laajentaa mahdollisuuksia ilmaista aikakauden henkistä elämää muovissa.

Arkkitehtuuri . Rooman arkkitehtuuri eroaa pohjimmiltaan kreikkalaisesta. Kreikkalaiset veistivät kiinteistä marmorilohkoista, ja roomalaiset pystyttivät seinät tiilestä ja betonista, minkä jälkeen he ripustivat kiinnikkeiden avulla marmoriverhoilun, kiinnittivät pylväät ja profiilit. Arkkitehtoniset monumentit valloittavat voimallaan. Suunniteltu suurille ihmismäärille: basilikat, kylpylät, teatterit, amfiteatterit, sirkukset, kirjastot, markkinat ja palvontapaikat: temppelit, alttarit, haudat. Roomalaiset ottivat käyttöön teknisiä rakenteita (akveduktit, sillat, tiet, satamat, linnoitukset, kanavat). Ideologinen keskus oli temppeli, joka sijaitsee keskellä kapeaa sivua suorakaiteen muotoinen neliö sen pääakselilla. Kaupungin aukiot koristeltiin voitokareilla sotilaallisten voittojen kunniaksi, keisarien patsaat ja näkyvät julkisia ihmisiä valtioita. Kaarevat ja holvitetut muodot ovat yleistyneet silloissa ja akvedukteissa. Colosseum (75-80 jKr.) on Rooman suurin amfiteatteri, joka on tarkoitettu gladiaattoritaisteluihin ja muihin kilpailuihin.

Veistos . Monumentaalisen kuvanveiston alalla roomalaiset jäivät kreikkalaisten taakse. Paras oli veistoksellinen muotokuva. Se on kehittynyt 1. vuosisadan alusta lähtien. eKr e. Roomalaiset tutkivat tarkasti ihmisen kasvoja sen ainutlaatuisine piirteineen. Kreikkalaiset pyrkivät kuvaamaan ihannetta, roomalaiset - välittämään tarkasti alkuperäisen piirteet. Monien patsaiden silmät on tehty värillisestä emalista. Roomalaiset käyttivät ensimmäisenä monumentaalista veistosta propagandatarkoituksiin: he asensivat hevos- ja jalkapatsaita foorumeilla (neliöillä) - monumentteja merkittäville persoonallisuuksille.

Maalaus . Vähän on säilynyt. Palatseja ja julkisia rakennuksia koristeltiin seinämaalauksilla ja maalauksilla, tarinoilla mytologiasta, maisemapiirroksia. Seinät maalattiin näyttämään värilliseltä marmorilta ja jaspiselta. Yleinen tyyppi oli mosaiikit ja työstö, jalometallit ja pronssi.Taiteilijat kuvasivat kohtauksia arjesta ja asetelmista. Freskot, jotka peittivät aatelisten talojen seinät Sisätilojen koristemaalaus (1. vuosisadalla eKr.). Roomalaiset maalasivat kodin huonekaluja ja ruokailuvälineitä. 3. vuosisadalla Kristillinen taide esiintyy seinämaalausten muodossa Rooman katakombeissa. Juonen mukaan maalaukset liittyvät kristilliseen uskontoon - raamatullisiin kohtauksiin, Kristuksen ja Jumalanäidin kuviin, mutta taidemuoto ne ovat muinaisten maalausten tasolla.. Kristillisten kirkkojen rakentamisen aikana kehitys jatkui monumentaalinen maalaus. Freskot ja mosaiikit koristelivat basiliikojen päälaivan apssideja, kupolia, päätyseiniä.Mosaiikkitaide kehittyi laajalti, sillä seiniä ja lattioita käytettiin koristelemaan varakkaiden roomalaisten talojen ja myöhemmin kristittyjen kirkkojen taloissa. Muotokuva maalausteline oli hyvin yleinen, mutta tiedämme tämän vain siitä kirjallisia lähteitä, koska republikaanikauden Maya, Sapolis ja Dionysiades taiteilijoiden teoksia ja muiden teoksia ei ole säilytetty. Muotokuvat sopivat pyöreään kehykseen ja näyttivät medaljoneilta

Jos hahmotellaan muinaisen roomalaisen taiteen historian päävaiheet, ne voidaan yleisesti esittää seuraavasti. Vanhimmat (VII - V vuosisataa eKr.) ja tasavallan aikakaudet (V vuosisata eKr., I vuosisata eKr.) - roomalaisen taiteen muodostumisaika.

Roomalaisen taiteen kukoistusaika osuu I-II vuosisatoille. ILMOITUS Septimius Severuksen hallituskauden lopusta lähtien roomalaisen taiteen kriisi alkaa.

Romaaninen taide

10. vuosisadalla, vuosituhannen vaihteessa, yhtenäinen yleiseurooppalainen tyyli, romaanisuus, ilmestyi ensimmäisen kerran taiteeseen. Hän pysyi hallitsevana keskiajalla Länsi-Eurooppa 1000- ja 1200-luvuilla. Termi "romaaninen tyyli" ilmestyi 1800-luvulla. (analogisesti "romaanisten kielten" käsitteen kanssa) ja tarkoitti "roomalaista". Taiteen romaaninen tyyli on perinyt paljon Bysantin arkkitehtuurista. arkkitehtoninen tämän ajan rakennukset olivat enimmäkseen kiveä, holvikatot, ja keskiajalla tällaisia rakenteita pidettiin romaanisina (rakennettu roomalaisella menetelmällä), toisin kuin puurakennukset. Se levisi klassisimmin Saksan ja Ranskan taiteeseen. Ryöstöt ja taistelut olivat tuohon aikaan elämän elementtejä. Tämä ankara aikakausi synnytti militantin ekstaasin tunnelmia ja jatkuvan itsepuolustuksen tarpeen. Se on linna-linnoitus tai temppeli-linnoitus. Taiteellinen käsite on yksinkertainen ja tiukka. Kolme suurta Reinin kirkkoa pidetään esimerkkeinä myöhäisestä ja täydellisestä romaanisesta arkkitehtuurista: Wormsin, Speyerin ja Mainzin kaupungin katedraalit. Arkkitehtoninen sisustus on hyvin hillitty, muovi on melko raskasta. Mutta temppeliin astuttuaan se avautuu koko maailma jännittäviä kuvia, jotka vangitsevat keskiajan sielun. Taide sisään keskiaikainen Eurooppa siitä tuli alemman luokan ihmisten työtä. He toivat luomuksiinsa uskonnollisen tunteen, mutta se ei ollut sama "korkeammille" ja "alemmille". Ymmärrämme vähän keskiaikaisesta taiteesta, jos emme tunne sen yhteyttä koko "alempien luokkien" elämänjärjestelmään. He tunsivat myötätuntoa Kristusta kohtaan, koska hän kärsi, Jumalan äitiä rakastettiin, koska he näkivät hänessä ihmisten esirukoilijan, kauheassa tuomiossa he näkivät ihanteen sortajien ja pettäjien maallisesta tuomiosta.

Viimeinen tuomio. Pyhän Lazaren katedraalin tympanumi Autunissa (1130-1140);

Aatto. Fragmentti St. kirkon pronssisten ovien reliefistä. Michael Gildesheimissa (1008-1015)

Chartresin katedraalin kuninkaallinen portaali (noin 1135-1155)

Romaanisen tyylin arkkitehtoniset monumentit ovat hajallaan Länsi-Euroopassa, mutta suurin osa niistä on Ranskassa. Tämä on Saint Martinin kirkko Toursissa, Notre Damen kirkko Clermontissa, mestariteos Romaaninen arkkitehtuuri- Notre Dame la Granden kirkko Poitiersissa. Ranskalaisessa romanssissa on kehittynyt useita paikallisia kouluja. Joten burgundilainen koulu erottui koostumuksen monumentaalisuudesta, Poitou-koulu oli rikas veistoksellinen koristelu ja normannilainen koulu erottui tiukasta koristelusta.

Romaanisten kirkkojen pyhimysten veistokset puuttuvat Kaikista kaanoneista, jotka ovat usein haluttomia ja kyykkyisiä, ovat yksinkertaisia ja ilmeikkäitä. Tässä romaaninen veistos eroaa bysanttilaisesta kuvanveistosta, joka loi hienostuneempia ja henkisempiä kuvia. Kera evankeliumin kuvia ja romaanisen veistoksen kohtauksia vierekkäin ja kohtauksia muinaisista ja keskiaikainen historia, tapasi kuvia oikeita ihmisiä. Samaan aikaan veistoksiset koostumukset joskus ne olivat kyllästyneet kansanfantasian hedelmillä - sitten ne sisälsivät kuvia erilaisista fantastisista olennoista ja pahan voimista (esimerkiksi asps).

Romaaniselta ajalta on säilynyt hienoja esimerkkejä taideteollisuudesta. Kunniapaikalla heidän joukossaan on kuuluisa 70 metrin matto Bayeuxista, joka liittyy Englannin kuningatar Matildan nimeen. Siihen brodeeratut kohtaukset kertovat normannien valloittamasta Englannin vuonna 1066.

Maalaus Romaaninen tyyli oli sisällöltään yksinomaan kirkollista ja tasaista, mikä kielsi tilan ja hahmojen kolmiulotteisuuden. Hän, kuten veistos, oli alisteinen arkkitehtuurille. Yleisin maalaustekniikka oli fresko, ja myös lasimaalaus (maalaus värillisistä lasipaloista) alkoi levitä.

9. Gootti -Gootti korvasi romaanisen tyylin ja korvasi sen vähitellen. Gootti syntyi 1100-luvun puolivälissä Pohjois-Ranskassa, 1200-luvulla se levisi nykyaikaisen Saksan, Itävallan, Tšekin, Espanjan ja Englannin alueelle. Gootti tunkeutui Italiaan myöhemmin suurilla vaikeuksilla ja voimakkaalla muutoksella, mikä johti "italialaisen gootiikan" syntymiseen. 1300-luvun lopussa Euroopan vallitsi niin sanottu kansainvälinen gootti. Gootti tunkeutui Itä-Euroopan maihin myöhemmin ja pysyi siellä vähän kauemmin - 1500-luvulle saakka.

Arkkitehtuuri. Kaupungin katedraalista tuli johtava arkkitehtoninen tyyppi: goottilaisen arkkitehtuurin runkojärjestelmä (lansettikaaret lepäävät pylväillä; kylkiluille asetettujen ristiholvien sivusuuntainen työntövoima välittyy lentävien tukipylväiden avulla tukipylväille) mahdollisti ennennäkemättömien katedraalien sisätilojen luomisen. korkeudessa ja laajuudessa leikkaamaan seinien läpi valtavia ikkunoita monivärisillä lasimaalauksilla. Tuomiokirkon pyrkimystä ylöspäin ilmaisevat jättimäiset harjakattoiset tornit, lansetti-ikkunat ja portaalit, kaarevat patsaat ja monimutkainen koristelu. Portaalit ja alttarin esteet koristeltiin kokonaan patsailla, veistosryhmillä ja koristeilla. Portaaleja hallitsi kolme veistoksellisen koristelun teemaa: Viimeinen tuomio, Marialle omistettu sykli ja temppelin suojelijaan tai kunnioitetuimpaan paikalliseen pyhimykseen liittyvä sykli. Julkisivuille ja katolle asetettiin veistoksia upeista eläimistä (kimeerat, gargoyles). Kaikella tällä oli vahva emotionaalinen vaikutus uskovaisiin.Lyrikka ja tragedia, ylevä henkisyys ja sosiaalinen satiiri, fantastinen groteski ja tarkat elämänhavainnot kietoutuivat orgaanisesti gootiikan taiteeseen. Erinomaisia goottilaisen arkkitehtuurin teoksia ovat: Ranskassa - katedraali Pariisin Notre Dame, katedraalit Reimsissä, Amiensissa, Chartresissa; Saksassa - Kölnin katedraali; Englannissa - Westminster Abbey (Lontoo) jne.

Veistos. Goottilaisen kuvanveiston pääpiirteet voidaan tiivistää seuraavasti: Ensinnäkin abstraktin alun taiteellisten käsitteiden dominanssi korvataan kiinnostuksella todellisen maailman ilmiöitä kohtaan, uskonnolliset teemat säilyttävät hallitsevan asemansa, mutta sen kuvat muuttuvat, ja niillä on syvän ihmisyyden piirteitä.

Samaan aikaan maallisten juonien rooli kasvaa ja juoni alkaa olla tärkeällä paikalla, vaikkakaan ei heti.Toiseksi pyöreä muovi ilmestyy ja on hallitsevassa roolissa, vaikka myös helpotusta on olemassa.

Viimeinen tuomio säilyi yhtenä gootiikan yleisimmistä aiheista, mutta ikonografinen ohjelma laajenee. Kiinnostus ihmiseen ja vetovoima tarinan anekdoottia kohtaan ilmenivät pyhien elämän kohtausten kuvauksessa. Erinomainen esimerkki pyhimyksiä koskevien legendojen kuvaamisesta on Notre Damen katedraalin portaalissa 1200-luvun viimeiseltä neljännekseltä peräisin oleva tympanoni "Pyhän Stephenin historia".

Oikeiden aiheiden sisällyttäminen on ominaista myös monille pienille reliefeille. Kuten romaanisissakin kirkoissa, goottilaisissa katedraaleissa on suuri paikka hirviöiden ja fantastisten olentojen, niin sanottujen kimeerojen, kuvat.

Maalaus. Keskiajalla maalauksesta tuli yksi tärkeimmistä taiteen muodoista. Muutokset yhteiskunnan elämässä ja uudet tekniikat antoivat taiteilijoille mahdollisuuden luoda realistisia syvän humanismin täytteisiä teoksia, joiden oli määrä tehdä todellinen vallankumous länsieurooppalaisessa taiteessa. Kuvataiteen iloinen ja siro tyyli ilmeni selvimmin muotokuvissa (maalaus ja lyijykynä) sellaisista merkittävistä mestareista kuin J. Fouquet (tunnetaan myös erinomaisena miniatyyrin mestarina), J. ja F. Clouet, Cornel de Lyon .

Vuodesta 2800 eaa e. vuoteen 2300 eaa e. Kykladeilla, kolmellakymmenellä pienellä saarella Egeanmerellä Kreikassa, syntyi tyyli, joka määritellään "kykladien taiteeksi". Tämän tyylin tunnusomaisia piirteitä olivat pääasiassa naishahmot, joilla oli hieman koukussa polvet, kädet rinnan alle taitettuina, litteä pää. Kykladien taiteen mitat vaihtelivat ihmisen kokoisista patsaista pieniin, korkeintaan muutaman senttimetrin korkeisiin hahmoihin. On perusteltua olettaa, että epäjumalanpalvelus oli hyvin yleistä.

Kykladien veistoksia Ateenan kansallisessa arkeologisessa museossa

Kykladien idoli

"huilunsoittaja", kansallinen arkeologinen museo. Ateena

"Viulu", 2800 eKr., British Museum, Lontoo

Kykladien taiteesta on tullut inspiraation lähde monille nykytaiteilijoita jotka arvostivat yksinkertaisten linjojen ja geometrian hillintää ja hienostuneisuutta, minimalismia. Kykladien taiteen vaikutus näkyy Modiglianin teoksissa, erityisesti hänen veistoksessaan "Female Head", sekä muiden taiteilijoiden, mukaan lukien Picasson, töissä.

Amedeo Modigliani, johtaja, 1910, National Gallery of Art, Washington