Peruskäsitteiden sanasto.... 419

TAIDEANALYYSI

ESIMERKKIKYSYMYKSET JA KAAVIO

Arkkitehtuurin teos

Arkkitehtuurin teoksia analysoitaessa on otettava huomioon arkkitehtuurin piirteet taiteena. Arkkitehtuuri on taiteen muoto, joka ilmenee rakennuksen taiteellisena luonteena. Siksi rakenteen ulkonäkö, mittakaava ja muodot on analysoitava.

1. Mitkä rakennuskohteet ansaitsevat huomiota?

2. Millä menetelmillä ja keinoilla tekijän ajatukset ilmaistaan ​​tässä työssä?

3. Millaisen vaikutuksen teos tekee?

4. Millaisen tunteen vastaanottaja (havainnoija) voi kokea?

5. Miten osien mittakaava, muoto, vaaka-, pysty- tai diagonaalinen sijoittelu, tiettyjen arkkitehtonisten muotojen käyttö, valon jakautuminen arkkitehtonisessa monumentissa auttavat teoksen emotionaalista vaikutelmaa?

6. Mitä vierailija näkee seisoessaan julkisivun edessä?

7. Yritä selittää, miksi tämä näyttää olevan tärkein asia sinulle?

8. Millä keinoin arkkitehti korostaa pääasiaa? Kuvaa tärkeimmät taiteelliset keinot ja tekniikat arkkitehtonisen kuvan luomiseksi (symmetria, rytmi, mittasuhteet, valo- ja sävy- ja värimallinnus, mittakaava).

9. Miten tilavuudet ja tilat järjestetään arkkitehtonisessa rakenteessa (arkkitehtonisessa koostumuksessa)?

10. Kuvaile tämän kohteen kuulumista tietyntyyppiseen arkkitehtuuriin: kolmiulotteiset rakenteet (julkiset: asuin, teollisuus); maisema (maisema tai pienet muodot), kaupunkisuunnittelu.

11. Yritä kuvitella, mitä tapahtumia voi tapahtua useammin tässä arkkitehtonisessa rakenteessa.

12. Onko teoksen koostumuksella ja sen pääelementeillä symbolinen luonne: kupoli, kaari, holvi, seinä, torni, rauhallinen?

13. Mikä on teoksen nimi? Ja millä nimellä sen antaisit?

14. Selvitä tämän teoksen kuuluvuus kulttuurihistorialliseen aikakauteen, taiteelliseen tyyliin, suuntaukseen.

16. Miten tämän työn muoto ja sisältö korreloivat?

17. Mikä on tämän arkkitehtonisen rakenteen ulkoisen ja sisäisen ilmeen välinen suhde? Sopiiko se harmonisesti ympäristöön?

18. Millaisen ilmentymän mielestäsi Vitruviuksen kaava löysi tästä työstä: hyödyllisyys, voima, kauneus?

19. Onko tämän arkkitehtonisen esineen ulkoasun suunnittelussa käytetty muuntyyppistä taidetta? Mikä? Onko kirjoittajan valinta mielestäsi perusteltu?

Maalaustyöt

Abstrahoituaksesi narratiivisesta arkisesta havainnosta on muistettava, että kuva ei ole ikkuna maailmaan, vaan taso, jolle maalauksen avulla voidaan luoda illuusio tilasta. Siksi on ensiksi tärkeää analysoida työn perusparametrit.

1. Maalauksen koko (monumentti, maalausteline, miniatyyri)?

2. Kuvan muoto: vaaka- tai pystysuunnassa pitkänomainen suorakulmio (mahdollisesti pyöristetyllä päässä), neliö, ympyrä (tondo), soikea?

3. Millä tekniikalla (tempera, öljy, akvarelli jne.) ja millä perusteella (puu, kangas jne.) maalaus on tehty?

4. Miltä etäisyydeltä se havaitaan parhaiten?

Kuva-analyysi.

5. Onko kuvassa juoni? Mitä näytetään? Missä ympäristössä kuvatut hahmot, esineet sijaitsevat?

6. Tee kuvan analyysin perusteella johtopäätös genrestä (muotokuva, maisema, asetelma, alastonkuva, arkielämä, mytologinen, uskonnollinen, historiallinen, eläimellinen).

7. Minkä tehtävän taiteilija mielestäsi ratkaisee - visuaalisen? ilmeikäs? Mikä on kuvan sopimus- tai naturalismiaste? Vetouko konventionaalisuus kohti idealisointia vai ilmaisuvoimaista vääristymistä?

Koostumusanalyysi

8. Mitkä ovat koostumuksen komponentit? Mikä on kuvan kohteen ja taustan/tilan suhde kuvan kankaalla?

9. Kuinka lähellä kuvatasoa kuvan kohteet ovat?

10. Minkä näkökulman taiteilija valitsi - ylhäältä, alhaalta, samassa tasossa kuvattujen esineiden kanssa?

11. Miten katsojan asema määräytyy - onko hän mukana vuorovaikutuksessa kuvassa esitetyn kanssa vai onko hänelle annettu irrallisen mietiskelijan rooli?

12. Voidaanko koostumusta kutsua tasapainoiseksi, staattiseksi tai dynaamiseksi? Jos liikettä on, miten se ohjataan?

13. Miten kuvatila rakennetaan (tasainen, rajattomasti, tilakerros aidataan, syntyy syvää tilaa)? Miten avaruudellisen syvyyden illuusio saavutetaan (erot kuvattujen hahmojen koossa, esittävät esineiden tai arkkitehtuurin tilavuutta värisävyjä käyttäen)?

Piirustusanalyysi.

14. Kuinka voimakas lineaarinen alku on kuvassa?

15. Ovatko yksittäisiä esineitä rajaavat ääriviivat korostettuja tai tasoitettuja? Millä keinoin tämä vaikutus saavutetaan?

16. Missä määrin esineiden tilavuus ilmaistaan? Mitkä tekniikat luovat illuusion volyymista?

17. Mikä rooli valolla on maalauksessa? Mikä se on (pehmeä, neutraali; kontrastimainen, muotoileva volyymi; mystinen)? Onko valonlähde/suunta luettavissa?

18. Ovatko kuvattujen hahmojen/esineiden siluetit luettavissa? Kuinka ilmaisuvoimaisia ​​ja arvokkaita ne sinänsä ovat?

19. Kuinka yksityiskohtainen (tai päinvastoin yleistetty) kuva on?

20. Välittyvätkö kuvattujen pintojen erilaiset kuviot (nahka, kankaat, metalli jne.)?

Värianalyysi.

21. Mikä rooli värillä on kuvassa (alisteiko se piirustuksen ja tilavuuden vai päinvastoin, alistaako se piirustuksen itselleen ja rakentaako se itse sommittelun)?

22. Onko väri vain äänenvoimakkuuden väritys vai jotain muuta? Onko se optisesti uskollinen vai ilmeikäs?

23. Ovatko väripisteiden rajat erotettavissa? Ovatko ne samat tilavuuksien ja esineiden rajojen kanssa?

24. Toimiiko taiteilija suurilla värimassoilla tai pienillä vedoilla?

25. Miten lämpimiä ja kylmiä värejä kirjoitetaan, käyttääkö taiteilija täydentäviä värejä? Miksi hän tekee tämän? Miten eniten valaistut ja varjostetut paikat siirretään?

26. Onko häikäisyä, refleksejä? Miten varjot on kirjoitettu (kuuroja vai läpinäkyviä, ovatko ne värillisiä)? Onko olemassa hallitseva väri/väriyhdistelmä?

Muut vaihtoehdot

1. Mitkä tekijän emotionaalisen asenteen esineet esineeseen (fakta, tapahtuma, ilmiö) ansaitsevat huomion?

2. Selvitä, kuuluuko tämä teos maalauksen genreen (historiallinen, muotokuva, asetelma, taistelu, muu).

3. Millä menetelmillä ja keinoilla tekijän ajatukset ilmaistaan ​​tässä työssä?

4. Millaisen vaikutelman teos tekee?

7. Miten tiettyjen värien käyttö edistää tunnevaikutelmaa?

8. Mitä kuvassa näkyy?

9. Korosta tärkein asia näkemästäsi.

10. Yritä selittää, miksi tämä näyttää olevan tärkein asia sinulle?

11. Millä keinoin taiteilija korostaa pääasiaa?

12. Miten teoksen värejä verrataan (värikoostumus)?

13. Yritä kertoa uudelleen kuvan juoni.

14. Onko teoksessa juonia, jotka symboloivat jotain?

15. Mikä on teoksen nimi? Miten se liittyy juoneensa ja symboliikkaan?

16. Onko teoksen koostumuksella ja sen pääelementeillä symbolinen luonne: vaaka, pystysuora, vino, ympyrä, soikea, väri, kuutio?

veistosteos

Veistosteoksia analysoitaessa on otettava huomioon kuvanveiston omat parametrit taiteena. Veistos on taidemuoto, jossa todellinen kolmiulotteinen tilavuus on vuorovaikutuksessa ympäröivän kolmiulotteisen tilan kanssa. Siksi tilavuus, tila ja niiden vuorovaikutus on analysoitava.

1. Millaisen vaikutuksen teos tekee?

3. Mikä on työn luonne?

4. Mitkä tekijän emotionaalisen asenteen esineet esineeseen (fakta, tapahtuma, ilmiö) ansaitsevat huomion?

5. Millä menetelmillä ja keinoilla tekijän ajatukset ilmaistaan ​​tässä työssä?

6. Mikä on veistoksen koko? Veistoksen koko (monumentti, maalausteline, miniatyyri) vaikuttaa sen vuorovaikutukseen tilan kanssa.

7. Mihin genreen tämä veistos kuuluu? Mitä varten se oli?

8. Kuvaile tekijän käyttämää alkuperäistä materiaalia, sen ominaisuuksia. Mitä veistoksen piirteitä sen materiaali sanelee (miksi tämä materiaali valittiin tähän työhön)? Ovatko sen ominaisuudet sopusoinnussa teoksen idean kanssa? Onko mahdollista esittää samaa työtä muista materiaaleista? Mitä siitä tulisi?

9. Mikä on muotoillun pinnan tekstuuri? Homogeeninen vai erilainen eri osissa? Sileät tai ”luonnoksiset” työkalujen kosketuksen jäljet ​​ovat näkyviä, luonnollisia, ehdollisia. Miten tämä rakenne liittyy materiaalin ominaisuuksiin? Miten tekstuuri vaikuttaa veistoksellisen muodon siluetin ja tilavuuden käsitykseen?

10. Miten osien mittakaava, muoto, vaaka-, pysty- tai diagonaalinen sijoittelu auttaa teoksen emotionaalista vaikutelmaa?

11. Mikä on värin rooli kuvanveistossa? Miten äänenvoimakkuus ja väri vaikuttavat toisiinsa, miten ne vaikuttavat toisiinsa?

12. Kenet (mitä) näet veistoksessa?

13. Korosta tärkein, erityisen arvokas näkemästäsi.

14. Yritä selittää, miksi juuri tämä vaikuttaa sinusta tärkeimmältä, erityisen arvokkaalta?

15. Millä keinoin kuvanveistäjä korostaa pääasiaa?

16. Miten esineet on järjestetty teoksessa (aihekokoonpano)?

17. Missä tilassa työ sijaitsi (temppelissä, aukiolla, talossa jne.)? Mihin havaintopisteeseen se on suunniteltu (kaukaa, alhaalta, läheltä)? Onko se osa arkkitehtonista tai veistoksellista kokonaisuutta vai onko se itsenäinen teos?

18. Onko veistos suunniteltu kiinteitä näkökulmia varten vai tuleeko se kokonaan esiin kävellessä? Kuinka monta viimeisteltyä ilmeikäs siluettia hänellä on? Mitä ne ovat (suljetut, kompaktit, geometrisesti oikeat tai maalaukselliset, avoimet)? Miten ne liittyvät toisiinsa?

19. Mitä tämä veistos voi tehdä (tai sanoa), jos se herää eloon?

20. Mikä on teoksen nimi? Mitä sen (nimi) tarkoittaa, mitä mieltä olet? Miten se liittyy juoneen ja symboliikkaan?

21. Mikä on motiivin tulkinta (naturalistinen, ehdollinen, kaanonin sanelema, veistoksen arkkitehtonisessa ympäristössään vallitseman paikan sanelema vai jokin muu)?

22. Mitä ideologisia kantoja teoksen tekijä halusi mielestäsi välittää ihmisille?

23. Tunnetko jonkin muun taiteen vaikutuksen teoksessa: arkkitehtuuri, maalaus?

24. Miksi sinun mielestäsi on parempi katsoa veistos suoraan, ei valokuvissa tai jäljennöksissä? Perustele vastauksesi.

Taiteen ja käsityön esineitä

Koriste- ja taidetaide-esineitä analysoitaessa on muistettava, että niillä oli ensisijaisesti soveltava rooli ihmisen elämässä eivätkä ne aina kanna esteettistä tehtävää. Samalla kohteen muoto, sen toiminnalliset ominaisuudet vaikuttavat kuvan luonteeseen.

1. Mihin tällainen esine on tarkoitettu?

2. Mitkä ovat sen mitat?

3. Miten esineen koristelu sijaitsee? Missä figuratiivisten ja koristeellisten koristeiden vyöhykkeet sijaitsevat? Miten kuvien sijoittelu liittyy esineen muotoon?

4. Millaisia ​​koristeita käytetään? Missä kohteen osissa ne sijaitsevat?

5. Missä kuviolliset kuvat sijaitsevat? Vievätkö ne enemmän tilaa kuin koristeet, vai ovatko ne vain yksi koristerekistereistä?

6. Miten kuviollisia kuvia sisältävä rekisteri rakennetaan? Voidaanko sanoa, että tässä käytetään vapaita sommittelutekniikoita tai rinnakkaisuuden periaatetta (figuurit identtisissä asennoissa, minimiliike, toistavat toisiaan)?

7. Miten hahmot on kuvattu? Ovatko ne liikkuvia, jäädytettyjä, tyyliteltyjä?

8. Miten lukujen yksityiskohdat siirretään? Näyttävätkö ne luonnollisemmalta vai koristeellisemmalta? Mitä tekniikoita käytetään lukujen siirtämiseen?

9. Katso, jos mahdollista, esineen sisään. Onko kuva ja koristeet? Kuvaile niitä yllä olevan kaavion mukaisesti.

10. Mitä pää- ja toissijaisia ​​värejä käytetään koristeiden ja hahmojen rakentamisessa? Mikä on saven sävy? Miten tämä vaikuttaa kuvan luonteeseen - tekeekö siitä koristeellisen vai päinvastoin luonnollisemman?

11. Yritä tehdä johtopäätös tämän tyyppisen taiteen ja käsityön yksittäisistä malleista.

Taiteen analysointialgoritmit

Tämän algoritmin työskentelyn pääehto on se, että kuvan nimen ei pitäisi olla työn suorittajien tiedossa.

Minkä nimen antaisit tälle maalaukselle?

Pidätkö kuvasta vai et? (Vastauksen on oltava epäselvä).

Kerro tästä kuvasta, jotta henkilö, joka ei tunne sitä, saa käsityksen siitä.

Mitä tunteita tämä kuva sinussa herättää?

Haluatko lisätä tai muuttaa jotain vastaukseesi ensimmäiseen kysymykseen?

Palaa toiseen kysymykseen. Onko arviosi pysynyt samana vai onko se muuttunut? Miksi arvostat tätä kuvaa nyt niin paljon?

Algoritmi taideteosten analysointiin

Maalauksen nimen merkitys.

Genre-kuuluvuus.

Kuvan juonen ominaisuudet. Syitä maalaamiseen. Etsi vastaus kysymykseen: välittikö kirjoittaja aikomuksensa katsojalle?

Kuvan koostumuksen ominaisuudet.

Taiteellisen kuvan tärkeimmät keinot: väri, piirustus, tekstuuri, chiaroscuro, kirjoitustyyli.

Millaisen vaikutuksen tämä taideteos teki tunteisiisi ja mielialaan?

Missä tämä taideteos sijaitsee?

Algoritmi arkkitehtuuriteosten analysointiin

Mitä tiedetään arkkitehtonisen rakenteen syntyhistoriasta ja sen tekijästä?

Ilmoita tämän teoksen kuuluminen kulttuurihistorialliseen aikakauteen, taiteellinen tyyli, suunta.

Millaisen ilmentymän Vitruviuksen kaava löysi tästä työstä: voimaa, hyödyllisyyttä, kauneutta?

Ilmoittakaa taiteelliset keinot ja tekniikat arkkitehtonisen kuvan luomiseksi (symmetria, rytmi, mittasuhteet, valo- ja sävy- ja värimallinnus, mittakaava), tektoniset järjestelmät (pylväspalkki, lansettikaari, kaari-kupoli).

Ilmoita kuuluminen arkkitehtuurityyppiin: kolmiulotteiset rakenteet (julkiset: asuinrakennus, teollisuus); maisema (maisema tai pienet muodot); kaupunkisuunnittelu.

Ilmoita arkkitehtonisen rakenteen ulkoisen ja sisäisen ilmeen välinen yhteys, rakennuksen ja kohokuvion välinen yhteys, maiseman luonne.

Miten muita taidemuotoja käytetään sen arkkitehtonisen ilmeen suunnittelussa?

Millaisen vaikutuksen työ teki sinuun?

Mitä assosiaatioita taiteellinen kuva herättää ja miksi?

Missä arkkitehtuuri sijaitsee?

Algoritmi veistosteosten analysointiin

Teoksen syntyhistoria.

Taiteen aikakauteen kuuluva.

Teoksen nimen merkitys.

Kuuluu veistostyyppeihin (monumentti, muistomerkki, maalausteline).

Materiaalin käyttö ja käsittelytekniikka.

Veistoksen mitat (jos se on tärkeää tietää).

Jalustan muoto ja koko.

Missä tämä veistos sijaitsee?

Millaisen vaikutelman tämä työ teki sinuun?

Mitä assosiaatioita taiteellinen kuva herättää ja miksi?

Analyysi elokuvan historiasta.

Analyysin ensimmäinen osa. Ulkonäön historia. Ohjaajan idea. Työskentely käsikirjoittajan ja kameramiehen kanssa.

1. Sankarien hahmojen analyysi.

Elokuvan kylläisyys hahmoilla. Päähenkilöiden ominaisuudet (personifikaatiotiedot). Toissijaisten hahmojen ominaisuudet (heidän tehtävänsä suhteessa päähenkilöihin, elokuvan toimintaan). Näyttelijöiden työ roolissa. Näyttelijän pelin analyysi.

2. Elokuva-analyysi ohjaajan subjektiivisuuden heijastuksena

Taiteellinen elokuva itsenäisenä taideteoksena. Tekijän, ts. ohjaajan asema (useimmiten se ilmenee hänen haastattelussaan, löydät sen haastatteluista, muistelmista, elokuvan luomiseen osallistuneiden artikkeleista). Hänen henkilökohtaisen ja sosiaalisen elämänsä todellisten tapahtumien vaikutus elokuvaan. Ohjaajan sisäisen maailman heijastus.

Katsomme maailmaa omin silmin, mutta taiteilijat opettivat meidät näkemään sen. S. Maugham.

Symbolismi ja jugend venäläisessä taiteessa 1900-luvun alussa. PETROV-VODKIN Kuzma Sergeevich (1878-1939) "Punaisen hevosen kylpeminen"

Lokakuun 1917 tapahtumat ensimmäisinä vallankumouksen jälkeisinä vuosina - tästä ajasta on tullut meille historiaa ja jopa legenda. Koemme sen eri tavalla kuin isämme ja isoisämme, pyrimme tuntemaan ja ymmärtämään aikakauden, sen paatos ja draama, uppoutuen sen taiteeseen ohittaen poliitikkojen kategoriset lausunnot.

Yhdessä vuonna 1926 julkaistussa kirjassa (Shcherbakov N.M. The Art of the USSR. - New Russia in Art. M., AHRR Publishing House, 1926) ilmaistiin ajatus: "... sellaisissa kiteissä - kuva, laulu , romaani, patsas - muistomerkki - ei vain elämän kuolettava peilivarjo säilytä pitkään, vaan myös osa energiaa, joka vuosisatojen ajan säilyttää latauksensa sitä lähestyville "»

Kuzma Sergeevich Petrov - Vodkin (1878 - 1939), venäläisen avantgardin edustaja, syntyi Khvalynskin kaupungissa Saratovin maakunnassa, suutarin perheessä. Hän opiskeli lyhyen aikaa Samarassa, Pietarissa, vuodesta 1897 Moskovan maalaus-, kuvanveisto- ja arkkitehtuurikoulussa A. E. Arkhipovin ja V. A. Serovin johdolla. Matka Italiaan ja Pohjois-Afrikkaan, opiskelu Ashbe-koulussa Münchenissä ja Pariisin studioissa, tutustuminen eurooppalaiseen taiteeseen laajensi merkittävästi Petrov-Vodkinin taiteellisia näköaloja. Taiteilijan työskentelyn alkuvaihetta leimaa symbolistinen suuntaus ("Unelma", 1910), jossa arvataan Vrubelin ja Borisov-Musatovin vaikutus. Petrov-Vodkin tuli tunnetuksi Venäjällä vuonna 1912, kun hänen maalauksensa Punaisen hevosen kylpeminen oli esillä World of Art -näyttelyssä, joka yllätti yleisön rohkealla omaperäisyydellä. Tämä taiteilijan teos on tärkeä virstanpylväs hänen työssään: hänen taiteellisen kielensä symboliikka saa plastisen ja figuratiivisen ilmaisun ikonimaalauksen perinteissä, väritys - kolmivärijärjestelmässä: punainen, sininen, keltainen. Taiteilija pyrkii löytämään ihmisessä maailmanjärjestyksen ikuisten lakien ilmentymän, tekemään konkreettisesta kuvasta kosmisten voimien yhteyden personifikaatiota. Tästä johtuu tyylin monumentaalisuus ja "pallomainen perspektiivi", ts. minkä tahansa fragmentin havaitseminen kosmisesta näkökulmasta ja avaruuden ymmärtäminen "yhdeksi kuvan tärkeimmistä tarinankertojista".

Punaisen hevosen uiminen.

Valtavalla kankaalla, lähes litteä punainen hevonen, joka kattaa reilun puolet koko kankaan pinnasta (ja se on iso: 160 x 180 cm), istuu alaston oranssinkeltaisella maalilla maalattu poika. Toisella kädellä hän pitää kiinni suitseista, toisella hän nojaa valtavaan punaiseen hevoseen, joka ryntää eteenpäin, kääntyy tarkoituksella meitä kohti, ikään kuin poseeraa. Hevonen ei mahdu kuvan kehykseen, lepää sen reunoilla. Silmä kimaltelee kuumeisesti, sieraimet vapisevat, mutta mies hillitsee häntä. Ei jättiläinen, vaan hauras nuori mies, teini-ikäinen istuu helposti hevosen selässä, laskee kätensä luottavaisesti joustavalle lantiolle, hallitsee hevosta helposti ja vapaasti erottuen selvästi säiliön sinivihreätä taustaa vasten, jossa kaksi useammat pojat ovat kihloissa hevosinsa kanssa.

Mitä tällainen outo kuva tarkoittaa? Se, että ydin ei ole kylpevien hevosten jokapäiväisessä juonessa (taide ei käsittele arkea) (tämä käy ilmi myös nimestä - kunhan ei ole punaisia ​​hevosia), on selvää: kuva on salattu, sinun on voitava lukea se. Yhden nykyaikaisen tulkinnan mukaan, joka on hyvin yleinen, hevonen nähdään Venäjän symbolina, joka personoi sen kauneutta ja voimaa, se liittyy Blokin kuvaan "arotammasta", joka ryntää laukkaa, jossa Venäjän menneisyys ja nykyaika, ja se ikuinen, joka pysyy ikuisesti. Toinen, vielä yleisempi tulkinta, jonka taidekriitikko D. Sarabyanov ilmaisi: "Tämä on unelma kauneudesta, ei jokapäiväisestä, mutta odottamattomasta, heräämisen tunne, energian kerääminen ennen tulevia koettelemuksia, tämä on aavistus suurista tapahtumista, muutoksista. ”

Kuvan idean epämääräisyyden vahvisti myös itse Petrov-Vodkin, joka sanoi kaksi vuotta sen luomisen jälkeen, kun maailmansota alkoi, että "hänelle yllättäen välähti ajatus - siksi kirjoitin ”Punaisen hevosen kylpeminen” (Rusakov Yu.A. Petrov - Vodkin. Art., 1975.) Vaikka hän on jo viime vuosina ironistanut tämän suhteen, hylännyt sanotun ja korostanut haluttomuutta sitoa kuvaansa mihinkään tiettyyn historiallinen tapahtuma: "Kun sota syttyi, älykkäät taidekriitikkomme sanoivat:" Tässä mitä "Punaisen hevosen kylpeminen" tarkoitti, ja kun vallankumous tapahtui, runoilijamme kirjoittivat: "Tätä punainen hevonen tarkoittaa" - tämä on vallankumouksen juhla ”(lainattu: Mochalov L.V. Petrov - Vodkin - L.," Aurora "., 1971.) Teoksen idean epämääräisyys, sen sisältämien aavistelmien epämääräisyys ovat totta ei ainoastaan ​​Petrov-Vodkinin vaan yleensäkin älymystön mielentilan ilmaisua 1900-luvun kahden ensimmäisen vuosikymmenen aikana. Ihmisten kokemukset, pyrkimykset, unelmat toteutuivat punaisen hevosen symbolisessa kuvassa. Ne eivät ole erikseen jokapäiväisiä, vaan korkeita, valtavia, ikuisia, kuin ikuinen unelma upeasta tulevaisuudesta. Tämän tilan ilmaisemiseksi tarvittiin erityistä taiteellista kieltä.

Petrov-Vodkinin innovaatio perustuu hänen ymmärrykseensä nykyajan ja aikaisempien aikakausien taiteesta, ensisijaisesti impressionistien ja Matissen töistä sekä muinaisen venäläisen taiteen perinteisiin (muistakaa esimerkiksi kuuluisa Novgorodin koulukunnan ikoni). 1400-luvulla "Yrjön ihme käärmeestä"), jolla oli runsaasti keinoja kuvata ikuista, hengellistä, puhdasta moraalia. Selkeästi rajattu esineiden siluetti, paikallisesti maalatut pinnat, perspektiivin lakien hylkääminen ja volyymien kuvaaminen, erityinen värien käyttö – Petrov-Vodkinin kuuluisa "trikolori" on esillä tässä taiteilijan maamerkkikankaassa, paljastaen omaperäisyyden. hänen taiteellisen kielensä. Kansantarinoissa on myös kuva ratsastajasta punaisella hevosella. Venäjän sanalla "punainen" on laaja merkitys: punainen on kaunis, mikä tarkoittaa paitsi kaunista, myös ystävällistä; punainen - tyttö.

Taiteilijan aktiivinen vetoomus ikonimaalauksen perinteisiin ei ole sattumaa. Hänen ensimmäiset opettajansa olivat hänen synnyinmaalaisensa, Volgan korkealla rannalla sijaitsevan Khvalynskin ikonimaalaajat.

Kaikki kuvassa on rakennettu kontrastien varaan. Punainen väri kuulostaa hälyttävältä, kutsuvalta. Ja kuin unelma, kuin metsän etäisyys - sininen ja kuin auringonsäde - keltainen. Värit eivät törmää, eivät vastakkain, vaan harmonisoituvat.

"Uuden aikakauden tärkein merkki oli liike, tilan hallinta", taiteilija väitti. Miten se välitetään? Kuinka hallita tilaa maalauksessa? Petrov-Vodkin pyrki välittämään maailman äärettömyyden käyttämällä ns. "pallomainen perspektiivi". Toisin kuin renessanssin taiteilijoiden löytämä lineaarinen, jossa näkökulma on kiinteä, pallomainen perspektiivi merkitsee monimuotoisuutta, näkökulmien liikkuvuutta, kykyä tarkastella kuvattua kohdetta eri näkökulmista, jolloin voit välittää toiminnan dynamiikkaa näkemysten monimuotoisuus. Pallomainen perspektiivi määritti Petrov-Vodkinin maalausten sommittelun luonteen ja maalauksen rytmin. Vaakasuorat tasot ovat saaneet pyöreyden, kuten maan pallomainen pinta, planeetta.

Pystyakselit eroavat viuhkamaisesti, vinosti, ja tämä myös tuo meidät lähemmäksi ulkoavaruuden tunnetta.

Petrov-Vodkinin väriskaalat ovat ehdollisia: väritasot ovat paikallisia, suljettuja. Mutta taiteilija, jolla oli hienovarainen, synnynnäinen väritaju, loi väriperspektiiviteoriansa pohjalta teoksia, emotionaalisesti figuratiivisen järjestelmän, jonka ideologinen käsite, kuvan patos paljasti tarkasti ja täydellisesti.

Petrov-Vodkin hyväksyy vallankumouksellisen aikakauden Venäjällä hänelle ominaisella filosofisella viisaudellaan. Hän kirjoittaa: ”Rakentamisen kaaoksessa jokaiselle, joka ei ole imeytynyt henkilökohtaisiin partituureihin... yksi kieli soi tocsin: Elämästä tulee ihanaa! Siitä tulee upea elämä!” (Lainaus: Kamensky A. A. Romanttinen montaasi. M., Neuvostoliiton taiteilija. 1989)

Petrov-Vodkinin töiden suosikkiteemoja ovat, varsinkin vaikeilla 20-luvuilla, äitiyden ja lapsuuden teemat jne.:

"1918 Petrogradissa" - "Petrograd Madonna"

Anna Akhmatovan muotokuva

omakuva

Asetelma sinisellä tuhkakupilla

Asetelma peilin kanssa

Asetelma kirjaimilla

Vaaleanpunainen asetelma. omenan oksa

Aamun asetelma

ja suuret monumentaaliset kankaat, joissa hänen ymmärryksensä menneisyydestä ja nykyisyydestä

"Komissaarin kuolema"

Taiteilijan kuoleman jälkeen hänen teoksensa poistettiin Neuvostoliiton taiteesta, ja vasta 1960-luvulla se löydettiin uudelleen ja toteutettiin.

Kirjallisuus

1. Emokhanova L.G. Maailman taide. Opetusohjelma. M., 1998.

2. Luemme ja puhumme venäläisistä taiteilijoista. Venäjän kielen oppikirja ulkomaalaisille opiskelijoille. Ed. T.D. Chilikin. M., 1989.

3. Parkhomenko I.T. Maailman ja kotikulttuurin historia. M., 2002.

4. Sokolova M.V. Maailman kulttuuri ja taide. M., 2004.

5. Ostrovski G. Tarinoita venäläisestä maalauksesta. M., 1989.

6. Rapatskaya L.A. Venäjän taiteellinen kulttuuri. M., 1998.

Realismin muodostuminen venäläisessä musiikissa. MIKHAIL IVANOVICH GLINKA (1804-1857)

Ooppera "Elämä Tsaarille"

"Musiikki on ihmisten luoma, ja me säveltäjät vain sovitamme sen." MI. Glinka.

MI Glinka astui musiikin historiaan venäläisten kansallisten musiikkiklassikkojen perustajana. Hän tiivisti kaiken aiempien aikakausien venäläisten säveltäjien (Varlamov, Alyabiev, Verstovsky, Gurilev, Dubyansky, Kozlovsky jne.) parhaan saavutuksen, nosti venäläisen musiikin uudelle tasolle ja antoi sille johtavan roolin maailman musiikkikulttuurissa. .

M.I. Glinkan taide, kuten A. S. Pushkinin ja muiden aikakautensa hahmojen työ, syntyi yhteiskunnallisesta noususta Venäjällä, joka syntyi vuoden 1812 isänmaallisen sodan ja vuoden 1825 joulukuun liikkeen yhteydessä.

M.I. Glinkasta tuli venäläisen musiikin ensimmäinen klassikko, koska hän kykeni ilmaisemaan teoksissaan syvästi ja kattavasti tämän yhteiskunnallisen noususuhdanteen tuomia edistyneitä ajatuksia. Tärkeimmät niistä ovat isänmaallisuuden ja kansallisuuden ajatukset. Glinkan työn pääsisältö on ihmiskuva, heidän ajatusten ja tunteiden ruumiillistuma.

Ennen Glinkaa venäläisessä musiikissa ihmiset kuvattiin vain heidän jokapäiväisessä elämässään: arjessa - lepo, hauskanpito. Glinka kuvasi ensimmäistä kertaa venäläisessä musiikissa ihmisiä aktiivisena voimana, ilmensi ajatusta, että ihmiset olivat todellisia isänmaallisuuden kantajia.

Glinka oli ensimmäinen, joka loi täysimittaiset musiikkikuvat sankareista ihmisistä, jotka tekevät urotyötä kotimaansa vuoksi. Tällaisissa kuvissa, kuten Ivan Susanin, Ruslan ja muut, Glinka tiivistää koko kansan parhaat henkiset ominaisuudet: rakkaus isänmaata kohtaan, urheus, henkinen jalo, puhtaus ja uhraus.

Todellisuudessa sankarien ja koko kansan oleellisimpia, tyypillisimpiä piirteitä ilmentävä Glinka saavuttaa uuden, korkeimman REALISMI-asteen.

Glinka luottaa teoksessaan kansanlaulupohjaan: ”Kansa luo musiikkia; ja me taiteilijat vain järjestämme sen." Läheisyys, sisäinen affiniteetti kansantaiteeseen tuntuu Glinkassa kaikkialla: arkijaksoissa (kuten muillakin säveltäjillä ennen Glinkaa) sekä sankarillisissa ja lyyrisissa.

Glinka on Pushkin musiikissa. Pushkin A.S. aivan kuten Glinka, hän toi kansankuvia, kansankieltä venäläiseen kirjallisuuteen.

Glinkalla oli kaikki säveltäjätaidon saavutukset. Hän opiskeli ulkomaisten säveltäjien - Bachin, Händelin, Mozartin, Beethovenin, Chopinin - kokemuksia, samalla kun hän pysyi syvästi kansallisena, venäläisenä säveltäjänä.

Ooppera Elämä tsaarille on ensimmäinen esimerkki sankarillisesta kansanmusiikkidraamasta musiikin historiassa. Se perustuu historialliseen tosiasiaan - Kostroman lähellä sijaitsevan Domninon kylän talonpojan Ivan Osipovich Susaninin isänmaalliseen tekoon, joka tehtiin vuoden 1613 alussa. Moskova oli jo vapautettu puolalaisista hyökkääjistä, mutta hyökkääjät vaelsivat edelleen Venäjän maa. Yksi näistä yksiköistä halusi vangita tsaari Mihail Fedorovichin, joka asui lähellä Domninon kylää. Mutta Susanin, josta viholliset halusivat tehdä oppaakseen, teeskennellen olevansa samaa mieltä, johti puolalaisten joukon tiheään metsään ja tappoi heidät kuollessaan itse.

Glinka ilmensi oopperassaan ajatusta isänmaan ja kansan nimissä tehdyn saavutuksen suuruudesta. Oopperan dramaturgia perustuu kahden voiman - Venäjän kansan ja Puolan aateliston - konfliktiin. Jokainen oopperan toiminta on yksi tämän konfliktin paljastamisen vaiheista, joka ei paljastuu vain oopperan juonessa, vaan myös sen musiikissa. Venäläisten talonpoikien ja puolalaisten musiikilliset ominaisuudet ovat päinvastaiset: venäläisille LAULUJAT ovat ominaisia ​​- puolalaisille TANSSIT. Sosiaalipsykologiset ominaisuudet ovat myös päinvastaiset: puolalaisia ​​hyökkääjiä säestää joko huolimaton tai militantti polonais- ja mazurkamusiikki. Venäläisiä on kuvattu rauhallisilla ja rohkeilla kansantalonpojan tai sotilaan varastolauluilla. "Puolalainen" musiikki menettää oopperan loppuun mennessä sotahenkensä ja kuulostaa masentuneelta. Venäläinen musiikki, joka on yhä enemmän täynnä voimaa, virtaa mahtavaksi riemuitsevaksi hymniksi "Glorify".

Oopperan sankarit venäläisten talonpoikien joukosta - Susanin, Antonida (tytär), Vanya (adoptoitu poika), soturi Sobinin. He ovat yksilöllisiä ja samalla persoonallistavat kansansa luonteen yhden puolen: Susanin - viisas suuruus; Sobinin - rohkeus; Antonida - sydämellisyys. Hahmojen eheys tekee oopperan sankareista ihmispersoonallisuuden ihanteiden ruumiillistuksen.

Oopperan 2. näytös - "Puolalainen laki" - "Polonaise" ja "Mazurka" - tyypillisiä puolalaisia ​​tansseja, jotka erottuvat kansallisen luonteen kirkkaudesta. "Polonaise" kuulostaa ylpeältä, suurelta ja militantliselta. (Kuulo).

"Mazurka" - bravuuria, laajalla melodialla. Musiikki maalaa muotokuvan puolalaisesta aatelista, peittäen heidän ahneutensa, itseluottamuksensa ja turhamaisuuden ulkoisella loistolla. (Kuulo).

Sekä "Polonaise" että "Mazurka" eivät näy talonpoikaisina, vaan ritarin tansseina.

Glinka oli ensimmäinen, joka piti tanssia dramaattisesti tärkeänä. Tämän oopperan "puolalaisella teolla" Glinka loi perustan venäläiselle balettimusiikille.

"Susaninin aaria" - (4. näytös), koko oopperan dramaattinen huipentuma. Tässä sankarin ulkonäön pääpiirteet paljastuvat hänen elämänsä ratkaisevalla hetkellä. Aloitusresitatiivi - "He haisevat totuuden..." perustuu lauluvaraston kiireisiin, itsevarmiin intonaatioihin. Itse aaria "Nouset, aamunkoittoni ..." ilmaisee syvää ajatusta, jännitystä ja sydämestä tulevaa surua ja rohkeutta. Susanin uhraa itsensä isänmaan puolesta. Ja rakkaus häntä kohtaan antaa hänelle voimaa, auttaa häntä kestämään kaikki kärsimykset arvokkaasti. Aarian melodia on yksinkertainen ja tiukka, laajasti laulettu. Se on täynnä intonaation lämpöä, joka on ominaista venäläiselle lyyriselle laululle. Aaria on rakennettu kolmeen yksityiseen muotoon: ensimmäinen on luonteeltaan keskittynyt, hillitty; toinen on innostunut ja ilmeisempi; kolmas on ensimmäisen osan toisto. (Kuulo).

Tässä aariassa Glinka loi ensimmäistä kertaa kansanlauluintonaatioiden pohjalta aidon tragedian kyllästämää musiikkia, "nosti kansansävelen tragediaan". Tämä on säveltäjän innovatiivinen lähestymistapa kansanlauluun.

Nerokas "GLORY" kruunaa oopperan. Tämä kuoro ilmentää ajatusta isänmaallisuudesta ja isänmaan suuruudesta, ja täällä se saa täydellisimmän, täydellisimmän ja eloisimman kuvaavan ilmaisun. Musiikki on täynnä HYMNille tyypillistä juhlallisuutta ja eeppistä voimaa. Melodia muistuttaa sankarillisten, urhoollisten kansanlaulujen sävelmiä.

Finaalin musiikki ilmaisee ajatuksen siitä, että Susaninin saavutus tehtiin kansan vuoksi ja siksi kuolematon. Finaalin musiikin esittävät kolme kuoroa, kaksi orkesteria (yksi vaski, lavalla) ja kellot. (Kuulo).

Tässä oopperassa Glinka säilytti romanttisen maailmankuvan piirteet ja ilmensi venäläisen realistisen musiikin parhaita piirteitä: voimakasta intohimoa, kapinallista henkeä, fantasian vapaata lentoa, musiikin värien voimaa ja kirkkautta, venäläisen taiteen korkeat ihanteet.

Kirjallisuus

1. Venäläinen musiikkikirjallisuus. Ed. E.L. Paistettu. L., 1970

2. Cannes - Novikova E. Pieni tarina M.I. Glinka. M., 1987.

3. Livanova T.M. MI. Glinka. M., 1962.

4. Remizov I.V. Glinka M.I. M., 1960.

Valaistuksen ideoita ulkomaisessa kirjallisuudessa Jonathan Swift (1667 - 1745) "Gulliverin matkat"

Ikämme on vain satiirin arvoinen. J. Swift

Valaistuksen aikakaudella syntyneet suuret taideteokset ovat nyt neljännellä vuosisadallaan. Sen kaukaisen ajan ihmisten ajatukset, intohimot, teot tulevat läheisiksi muiden aikakausien ihmisille, vangitsevat heidän mielikuvituksensa, juurruttavat uskoa elämään. Tällaisten luomusten joukossa on Mozartin ooppera "Figaron häät" sankarillaan, joka ei koskaan menetä sydämensä eikä anna periksi missään olosuhteissa. Tällaisia ​​luomuksia ovat Daniel Defoen romaani "Robinson Crusoe" sekä William Hogarthin ja Jean Baptiste Simeon Chardinin ja muiden aikakauden mestareiden maalaukset.

Jos matkustaja saapuu Irlannin pääkaupunkiin Dubliniin, hänet viedään varmasti pieneen taloon, jossa Pyhän katedraalin dekaani. Petra Jonathan Swift. Tämä talo on irlantilaisten pyhäkkö. Swift on englantilainen, mutta syntyi Dublinissa, jonne tulevan kirjailijan isä muutti etsimään työtä.

Swiftin itsenäinen elämä alkoi englantilaiselta Moore Parkin kartanolta, jossa hän valmistui Dublinin yliopistosta ja sai sihteerin viran vaikutusvaltaiselta aatelismieheltä Sir William Templeltä. Entinen ministeri Temple, jäätyään eläkkeelle, asettui tilalleen ja alkoi harjoittaa kirjallista työtä. Swift, jolla oli poikkeuksellinen kirjoitustaito, oli vain jumalan lahja Templelle, joka käytti häpeämättä nuoren sihteerin työtä.

Tämä palvelus painoi nuorta sihteeriä raskaasti, mutta häntä piti Moore Parkissa temppelin laaja kirjasto ja sen nuori oppilas Esther Johnson, jota kohtaan Swift kiintyi hellästi koko elämänsä ajan.

Stela (kuten Swift kutsui häntä) seurasi ystäväänsä ja opettajaansa irlantilaiseen Laracoren kylään, jonne hän meni Templen kuoleman jälkeen tullakseen siellä papiksi. Vuosia myöhemmin Swift kirjoitti Steelle syntymäpäivänä:

Sydämen ystävä! sopii sinulle

Tänään tulee kuluneeksi kolmekymmentäviides vuosi.

Vuodesi ovat tuplaantuneet

Ikä ei kuitenkaan ole ongelma.

En unohda, Stela, ei

Kuinka kukkasit kuusitoistavuotiaana

Kuitenkin yliotteen kauneutta

Vie mielesi tänään.

Milloin jakaa jumalat

Lahjat kuten puoliksi,

Olipa ihmisten tunteet minkä ikäisiä tahansa

Paljasti kaksi nuorta nymfiä sellaisia

Joten jaat kesäsi

Tuplaamaan kauneutta?

Sitten hassu kohtalo

Minun olisi otettava vetoomukseni huomioon

Jakaessani ikuista intoani,

Joten se kuuluu kahdelle.

Swiftin täytyi kestää Stela, ja hän suri syvästi "uskollisimman, arvoisimman ja korvaamattoman ystävän, jonka kanssa minua ... siunattiin."

Swift ei voinut rajoittua vain nöyryyteen pastorin työhön. Jo Templen elinaikana hän julkaisi ensimmäiset runonsa ja pamflettinsa, mutta Swiftin kirjallisen toiminnan todellisena alkuna voidaan pitää hänen kirjaansa "The Tale of the Barrel" - (englanninkielinen kansanilmaus, joka on järkevä: puhu hölynpölyä, puhu hölynpölyä), kirjoitettu ihmiskunnan yleiseksi parantamiseksi.

Lukittuaan The Tale of the Barrelin Voltaire sanoi: "Swift vakuuttaa, että hän kunnioitti isäänsä, vaikka hän kohteli kolmea poikaansa sadalla sauvalla, mutta epäuskoiset ihmiset huomasivat, että sauvat olivat niin pitkiä, että ne satuttivat heitä. isä."

"The Tale of the Barrel" toi Swiftille suuren maineen Lontoon kirjallisissa ja poliittisissa piireissä. Hänen terävää kynään arvostavat molemmat poliittiset puolueet: whigit ja toryt.

Swift tuki alun perin Whig-puoluetta, mutta erosi niistä hyvin pian, koska oli eri mieltä heidän ulkopolitiikasta. Whigsien päällikkö Marlborough'n herttua pyrki jatkamaan veristä sotaa Ranskan kanssa "Espanjan peräkkäisyydestä". Tämä sota tuhosi maan, mutta Marlborough rikastui sotilastarvikkeilla. Swift alkoi tukea toryja ja taisteli sotaa vastaan ​​kynällä.

Vuonna 1713 Utrechtin sopimus solmittiin ilman kirjailijan suoraa vaikutusta. Tätä sopimusta kutsutaan jopa "Swiftin rauhaksi".

Nyt Swiftistä oli tullut niin voimakas hahmo poliittisissa piireissä, että osoittautui hankalaksi jättää hänet kylän papiksi.

Ystävät vakuuttivat hänelle, että hänet korotettaisiin ainakin piispan arvoon. Mutta korkea-arvoiset kirkkomiehet eivät voineet antaa anteeksi hänen kuuluisan "Talle of the Barrel" loistavalle satiiristille. Vuosia kestäneen epäröinnin jälkeen kuningatar antoi Swiftille Dublinin katedraalin dekaanin (rektorin) aseman, mikä merkitsi kunniapakoa.

Kahdeksan vuoden ajan Swift oli Dublinissa, Irlannissa, melkein ilman taukoa. Ja vuonna 1726, 58-vuotiaana, hän löysi itsensä jälleen poliittisen taistelun keskipisteestä. Tällä kertaa hän käänsi kykynsä Irlannin kansan puolustamiseen.

Syy Swiftin puheisiin poliittisella areenalla oli irlantilaisten rahan ympärillä puhjennut skandaali. Irlantia varten kuparirahaa lyönyt englantilainen liikemies Wood laittoi osan Englannin hallitukselta saamastaan ​​kuparista taskuunsa. Irlantilaisille sen sijaan maksettiin shillinkejä, jotka sisälsivät 10 kertaa vähemmän kuparia kuin samanarvoiset englantilaiset kolikot. Swift julkaisi sarjan pamfletteja nimeltä "The Clothmaker's Letters", joissa hän näennäisesti Dublinin kangaskauppiaan puolesta kuvaili irlantilaisten kauhistuttavaa köyhyyttä ja syytti tästä Englannin hallitusta, joka heikensi Irlannin taloutta Woodin käsien kautta.

Swiftin pamfletit aiheuttivat kapinan Dublinissa Englannin pääministeri Lord Walpole määräsi Swiftin pidättämään. Mutta Dublinin katedraalin suljetusta ja ankarasta dekaanista tuli irlantilaisten suosikki. Häntä suojelemaan luotiin erityinen osasto, joka päivystää päivällä ja yöllä lähellä Swiftin taloa.

Tämän seurauksena pääministeri Walpole sai Irlannista vastauksen: "Swiftin pidättäminen kestäisi kymmenen tuhatta sotilasta." Asia jouduttiin hiljentämään. Varakuningas

Irlanti Lord Carteret julisti: "Hallitsen Irlantia tohtori Swiftin ilolla"

Swift kuoli vuonna 1745 ja haudattiin Dublinin katedraaliin. Hänen hautakiveensä oli kaiverrettu hänen tekemänsä kirjoitus": "Tässä makaa Jonathan Swiftin, tämän katedraalikirkon dekaanin ruumis, eikä kova suuttumus enää repi hänen sydäntään. Mene, matkustaja, ja matki, jos voit, rohkean vapauden itsepäistä puolustajaa. Swift erottui poikkeuksellisesta salailusta. Erityisellä mysteerillä hän ympäröi elämänsä pääteoksen - romaanin, jonka parissa hän työskenteli yli kuusi vuotta - luomista - "Lemuel Gulliverin, ensin kirurgin ja sitten kapteenin, matka joihinkin kaukaisiin maailman maihin. useita laivoja." Jopa kustantaja, joka sai romaanin käsikirjoituksen "tuntemattomalta henkilöltä" vuonna 1726, ei tiennyt, kuka sen kirjoittaja oli. Swift asetti käsikirjoituksen ovelleen ja soitti. Kun kustantaja avasi oven, hän näki käsikirjoituksen ja lähtevän taksin. Swift lähti heti Lontoosta ja palasi Dubliniin.

Luimme kaikki lapsena tätä kiehtovaa kirjaa. Vaikka se on kirjoitettu aikuisille. Siksi yritetään lukea se uudelleen ja yrittää tunkeutua kirjoittajan tarkoitukseen.

Romaanin sävellys koostuu 4 osasta. Jokainen osa on tarina jostain fantastisesta maasta. Tarina kerrotaan päähenkilön - Gulliverin, navigaattorin puolesta, joka sattumalta joutuu näihin maihin. Toisin sanoen, kuten Robinson Crusoe, tämä on matkaromaani. Muistetaan kuinka romaani alkaa.

Gulliver päätyy Lilliputtiin - maahan, jossa asuu pieniä ihmisiä, 12 kertaa pienempi kuin normaali ihminen.

Opimme, että Lilliputissa on monarkia ja keisari on valtion johdossa, sama pieni ihminen kuin kaikki liliputilaiset, mutta hän kutsuu itseään "universumin iloksi ja kauhuksi". Imperiumissa ”... Noin seitsemänkymmentä kuuta sitten muodostui kaksi taistelevaa puoluetta, jotka tunnettiin nimellä Tremexens ja Slemexens. Ensimmäiset ovat korkokenkien kannattajia, toiset - matalat... Hänen Majesteettinsa kannattaa matalakorkokenkiä ja päätti, että kaikkien valtion ja oikeuslaitosten työntekijöiden tulisi käyttää matalakorkokenkiä. Näemme kuinka "merkittäviä" heidän eronsa ovat.

Korkea-arvoiset henkilöt, jotka hakevat tärkeään julkiseen virkaan, kilpailevat kyvystä hypätä narussa. Swift tarkoittaa sellaisilla harjoituksilla kykyä näppärästi kutoa juonitteluja, saada monarkin suosiota.

Lilliputia taistelee naapurivaltion Blefuscun kanssa siitä, mistä päästä munat katkaistaan. Monta vuotta sitten valtaistuimen perillinen leikkasi sormensa aamiaisella ja mursi munan tylpästä päästä. "Sitten keisari, hänen isänsä, antoi asetuksen, joka käski kaikkia alamaisiaan ankaran rangaistuksen kivusta murtamaan munat terävästä päästä. Tämä asetus katkesi väestöä siinä määrin, että ... se oli kuuden kansannousun syy ... Blefuscu-monarkit lietsoivat jatkuvasti näitä kapinoita ja suojelivat osallistujiaan omaisuudessaan. Jopa yksitoista tuhatta fanaatikkoa joutui kuolemaan, koska he kieltäytyivät rikkomasta munia terävästä päästä.

Näemme kuinka absurdi näiden veristen sotien syy on. Ja Gulliver ymmärtää tämän, mutta voiko hän vaikuttaa liliputilaisen elämän tapahtumiin? Gulliver on aluksi liliputien vanki. Hän ei vastusta mitään ja haluaa vain olla vahingoittamatta näitä pieniä olentoja. Sitten hän sai hyvin rajoitetun vapauden allekirjoittamalla yhdeksän velvoitelauseketta ja suoritti välittömästi Lilliputin hallitsijoille korvaamattoman palveluksen vangitsemalla vihollisen laivaston. Tämän ansiosta rauhansopimus solmittiin edullisin ehdoin Lilliputille.

Kuinka keisari maksoi Gulliverille tästä ja muista hänen suorittamistaan ​​palveluista?

Kateellisten ihmisten herjauksesta Gulliveria syytettiin maanpetoksesta ja tuomittiin kuolemaan, mutta sitten keisari "tavanomaisesta ystävällisyydestään päätti säästää henkensä ja tyytyä käskyyn puhkaista molemmat silmänsä" ja kuolla sitten nälkään. hänet kuoliaaksi.

Niinpä keisari ja hänen kätyrinsä maksoivat Gulliverille hänen myötätuntonsa, ystävällisyytensä ja avustansa.

Gulliver ei enää luota keisarin armoon ja pakenee Blefuskaan, sieltä veneen rakennettuaan hän menee kotimaahansa.

Näin päättyi Gulliverin ensimmäinen matka.

Mitä ihmeellistä Lilliputin maassa on? Tämän maan asukkaiden pieni koko ja kaikki, mikä heitä ympäröi? Verrattuna normaaliin ihmisen kasvuun Gulliver on tasan 12 kertaa suurempi kuin liliputilaiset, minkä vuoksi juuri hän näyttää liliputilaisilta fantastiselta olennolta. Kaikessa muissa suhteissa Lilliputia on hyvin todellinen maa.

On ilmeistä, että Lilliputia muistuttaa Swiftin modernia Englantia kahdella taistelevalla osapuolella, poliitikkojen kulissien takana juonitteluilla, uskonnollisella erolla, joka ei ole minkään arvoinen, mutta maksaa tuhansien ihmisten hengen.

Tunnistamme myös naapureiden - Englannin ja Ranskan - muinaisen vihollisuuden, vain Swift muutti maantieteellistä sijaintiaan: Lilliputia on hänen mantereensa ja Blefuscu on saari.

Mitä tarkoittaa fantastinen koon pienentäminen? Miksi Swift tarvitsi Lilliputia, jos hän halusi kuvailla Englantia?

Swift kuvaa kaikkia Lilliputin elämän tilauksia ja tapahtumia siten, että tämä maa, jonka takana Englanti näkyy, näyttää erittäin hauskalta. Muutettuaan isänmaansa Lilliputiksi ja saaneet meidät uskomaan sen todellisuuteen, Swift altistaa Englannin tapot, politiikan ja uskonnon kaustisen satiirisen pilkan kohteeksi.

Toisin sanoen Lilliputia on taiteilijan näkemä nykyaikainen porvarillinen Englanti, joka paljastuu taiteen keinoin Swiftin kieltämän sosiaalisen järjestelmän avulla.

Osoittaessaan, että moderni englantilainen yhteiskunta ei ole ihanteellinen, Swift lähettää sankarinsa muihin "maailman syrjäisiin maihin". Mitä varten? Tätä ihannetta etsimässä.

Löysikö Swift ihanteellisen yhteiskuntajärjestyksen, jossa ihmiset olisivat vapaita, tasa-arvoisia ja tunteisivat veljeyttä toisiaan kohtaan?

Vastataksemme tähän kysymykseen, luemme katkelman romaanin toisesta osasta: "Nähdessään minut, vauva ... nosti ... itkua, ... hän luuli minua leluksi. Emäntä, äidillisen hellyyden tunteen ohjaamana, otti minut ja asetti minut lapsen eteen. Hän tarttui välittömästi vyötäröstäni ja laittoi pääni suuhunsa. Huusin niin epätoivoisesti, että lapsi pudotti minut peloissani. Onneksi emäntä onnistui vaihtamaan esiliinansa tilalleni. Muuten olisin varmasti kaatunut kuoliaaksi."

Tämä fragmentti romaanin "Matka Brobdingnagiin" toisesta osasta Gulliver löysi itsensä kääpiön roolista suhteessa tämän maan asukkaisiin, mikä aiheutti outoja tilanteita.

Esimerkiksi tarina kahdesta rottasta, jolta Gulliver rohkeasti puolustautui tikariaan heilutellen.

Muistellaanpa jaksoa sammakosta, joka melkein upotti Gulliverin veneen purjeella. Ja tarina apinasta, joka melkein kidutti köyhän Gulliverin kuoliaaksi ja luuli hänet pennuksi, on ehdottoman dramaattinen.

Kaikki nämä jaksot ovat erittäin hauskoja sekä jättiläisille että lukijoille. Mutta Gulliver itse oli hengenvaarassa.

Miten Gulliver ilmenee näissä hauskoissa, nöyryyttävissä ja vaarallisissa tilanteissa?

Hän ei menetä mielen läsnäoloa, jaloutta, itsetuntoa ja matkustajan uteliaisuutta. Esimerkiksi tapettuaan rotan, joka olisi voinut repiä hänet palasiksi minuutti sitten, Gulliver mittaa ahkerasti sen häntää ja ilmoittaa lukijalle, että hännän pituus oli kaksi jaardia ilman tuumaa.

Pienen lelun nöyryyttävä asema ei tehnyt Gulliverista pelkurimaista tai julmaa. Kuninkaallisen kääpiön tempuihin hän vastaa aina anteliaasti ja esirukouksella. Vaikka kääpiö kerran pisti sen luuhun, ja toisen kerran hän melkein hukutti sen kermakulhoon.

Mitä Gulliver tekee jättiläisten maassa? Hän opettelee Brobdingnagia voidakseen keskustella ystävällisen ja älykkään Brobdingnagin kuninkaan kanssa.

Mistä kuningas ja Gulliver puhuvat?

Kuningas kysyy Gulliverilta Englannin valtionrakenteesta, josta Gulliver kertoo hyvin yksityiskohtaisesti. Hänen raporttinsa kuninkaalle kuuli viisi.

Miksi kuningas kuuntelee Gulliverin tarinoita niin kiinnostuneena? Kuningas itse vastasi tähän kysymykseen. Hän sanoi: "...vaikka suvereenit pitävät aina lujasti kiinni maansa tavoista, mutta mielelläni löytäisin jotain jäljittelyn arvoista muissa valtioissa"

Ja mitä "jäljittelyn arvoista" Gulliver tarjosi kuninkaalle? Hän puhui yksityiskohtaisesti ruudilla täytettyjen aseiden tuhoisista vaikutuksista. Samaan aikaan Gulliver tarjoutui ystävällisesti valmistamaan ruutia. Kuningas oli kauhuissaan tästä ehdotuksesta. Hän oli syvästi närkästynyt näiden tuhoavien koneiden toiminnan aiheuttamista kauheista verenvuodatuskohtauksista. "Niiden keksiminen", sanoi kuningas, voisi olla vain jonkinlainen paha nero, ihmiskunnan vihollinen. Mikään ei anna hänelle sellaista nautintoa, sanoi kuningas, kuin tieteelliset löydöt, mutta hän mieluummin suostuisi menemään puolet valtakunnasta kuin olemaan tietoinen tällaisen keksinnön salaisuudesta. Sota ei löytänyt mitään jäljittelyn arvoista. Brobdingnagin kuningas toteaa, että "...hyvä hallitus vaatii vain maalaisjärkeä, oikeudenmukaisuutta ja ystävällisyyttä. Hän uskoo, että jokainen, joka yhden korvan tai yhden ruohonvarren sijaan onnistuu kasvattamaan kaksi samalle pellolle, tekee ihmiskunnalle ja kotimaalleen suuremman palveluksen kuin kaikki poliitikot yhteensä.

Tämä on valistunut monarkki, ja hänen valtionsa on valistunut monarkia. Voidaanko tätä tilaa pitää ihanteellisena, kuten valistajat haaveilivat? Ei tietenkään! Tämän maan asukkaita ajaa ahneus, voiton jano. Viljelijä vei Gulliverin uupumukseen ja ansaitsi häneltä rahaa. Nähdessään, että Gulliver oli sairas ja voi kuolla, maanviljelijä myi hänet kuningattarelle tuhannella zlotylla.

Pääkaupungin kaduilla Gulliver näki kerjäläisiä. Näin hän kuvailee sitä: "Se oli kauhea näky. Kerjäläisten joukossa oli nainen, jolla oli sellaisia ​​haavoja rinnassa, että voisin kiivetä niihin ja piiloutua sinne kuin luolaan. Toisella kerjäläisellä oli viiden villapaalin kokoinen struuma kaulassaan. Kolmas seisoi puujaloilla, kukin kaksikymmentä jalkaa korkealla. Mutta kaikista inhottavimpia olivat tät, jotka ryömivät heidän vaatteissaan.

Kuten näemme, jättiläisten maan yhteiskunta ei säästy sosiaalisilta haavoilta huolimatta siitä, että tätä maata johtaa kuningas-tieteilijä, alamaisistaan ​​välittävä filosofi-kuningas, mutta elämän liikkeellepaneva voima. yhteiskunta on rahaa, intohimo voittoon. Siksi yksi osa yhteiskunnasta rikastuu esteettä, kun taas toinen kerjää.

Swift osoitti, että valistunut monarkia ei pysty takaamaan alamaisilleen vapauden, tasa-arvon ja veljeyden voittoa, jos rahan valta ihmisiin säilyy tässä tilassa ja näin ollen köyhyys ja epätasa-arvo.

Mutta kirjoittaja ei menetä toivoaan. Ehkä jossain muualla on muitakin maita reilummin järjestetty. Haku ei ole ohi. Ja ihmeen kaupalla vapautunut ja kotimaahansa palannut Gulliver ei menettänyt intohimoaan matkustamiseen.

"Punnitsimme ankkurin 5. elokuuta 1706..." Näin alkoi Gulliverin kolmas matka - "Matka Laputaan"

Gulliver päätyy lentävälle saarelle. Kenet hän näki siellä?

”En ole koskaan ennen nähnyt kuolevaisia, jotka aiheuttaisivat niin yllätyksen vartalollaan, vaatteillaan ja ilmeillään. Kaikkien päät olivat vinossa oikealle ja vasemmalle: toinen silmä siristi sisäänpäin, kun taas toinen katsoi suoraan ylös. Heidän päällysvaatteensa oli koristeltu kuvilla auringosta, kuusta, tähdistä sekä viulun, huilun, harpun, trumpetin, kitaran, klavikordin kuvilla."

Mitä saaren oudot asukkaat tekevät?

Laputilaiset ovat kiireisiä kaikkein abstraktimpien tieteiden ja taiteiden parissa, nimittäin matematiikan, tähtitieden ja musiikin parissa. He ovat niin uppoutuneina ajatuksiinsa, etteivät huomaa mitään ympärillä. Siksi heidän seurassaan ovat aina palvelijat, jotka tarvittaessa taputtavat isäntiä joko huulille, silmille tai korville valtavilla ilmakuplilla kannustaen heitä siten kuuntelemaan, näkemään ja puhumaan.

Pääkaupungissa on projektorien akatemia, jossa he harjoittavat melko outoa tieteellistä tutkimusta. Yksi tutkijoista poimii auringonsäteitä kurkuista. Toinen keksi uuden tavan rakentaa rakennuksia - katolta. Kolmas kasvattaa alastomia lampaita. Tällaisten "suurten" löytöjen, kaiken tämän tieteellisen toiminnan tarkoituksena ei ole parantaa ihmisten elämää. Maan talous on murtunut. Ihmiset näkevät nälkää, kävelevät rievuissa, heidän kotinsa tuhoutuvat, eikä tiedeeliitti välitä tästä.

Mikä on Laputan kuninkaan ja hänen maan päällä elävien alamaisten suhde?

Tämän hallitsijan käsissä on kauhea rangaistuskoneisto - lentävä saari, jonka avulla hän pitää koko maan alamaisena.

Jos jossain kaupungissa he kieltäytyvät maksamasta veroja, kuningas pysäyttää saarensa heidän yläpuolelleen, riistää ihmisiltä auringon ja sateen sekä heittää heidän päälleen kiviä. Jos he jatkavat tottelemattomuuttaan, saari lasketaan kuninkaan käskystä suoraan vastahakoisten päiden päälle ja litistetään ne talojen mukana.

Sellainen on tuhovoima, joka tieteen saavutuksella voi olla, kun se on epäinhimillisen hallitsijan käsissä. Tiede tässä maassa on epäinhimillistä, se on suunnattu ihmisiä vastaan.

Kolme maata kulki matkustavan Gulliverin silmien edessä, joissa oli yhden tyyppinen hallitus - monarkia.

Lukijat yhdessä Gulliverin kanssa tulivat siihen tulokseen, että mikä tahansa monarkia on paha. Miksi?

Voimme vahvistaa tämän. Edes valistunut jättiläinen kuningas ei voi luoda ihanteellisia taloudellisia ja sosiaalisia olosuhteita ihmisille. Monarkia pahimmassa tapauksessa, kun pahalla kansan eduista välinpitämättömällä despootilla on rajaton valta, on ihmiskunnan suurin paha.

Neljännessä osassa Gulliver saapuu Houyhnhnmien maahan. Tämän maan asukkaat ovat hevosia, mutta Gulliverin mukaan heidän rationaalisuus ja moraaliset ominaisuudet ovat parempia kuin ihmiset. Houyhnhnms eivät tunne sellaisia ​​paheita kuin valheet, petos, kateus ja ahneus. Heidän kielellään ei ole edes sanoja näille käsitteille. He eivät riitele keskenään eivätkä tappele. Heillä ei ole aseita. He ovat ystävällisiä ja jaloja, arvostavat ennen kaikkea ystävyyttä. Heidän yhteiskuntansa on rakennettu järkeville periaatteille ja heidän toimintansa on suunnattu kaikkien sen jäsenten hyödyksi. Tämän maan valtiojärjestelmä on tasavalta. Neuvosto on heidän hallitusmuotonsa.

”Joka neljäs vuosi kevätpäiväntasauksessa… on koko kansan edustajien neuvosto. ... Tässä valtuustossa keskustellaan eri piirien tilanteesta: onko niillä riittävästi heinää, kauraa, lehmiä ja Yahooa. Jos jostain piiristä puuttuu jotain, niin valtuusto toimittaa sinne sen, mitä muilta piireiltä tarvitaan. Tätä koskevat päätökset tehdään aina yksimielisesti."

Gulliverille tämä maa vaikutti ihanteelliselta. Mutta onko se ihanteellinen meidän näkökulmastamme?

Houyhnhnmeillä ei ole kirjoitettua kieltä eikä siten kirjallisuutta. He eivät kehitä tiedettä tai teknologiaa, ts. he eivät pyri yhteiskunnalliseen edistykseen. Heidän kehuttuaan rationaalisuuttaan ei silti voi verrata uteliaan ihmismielen, joka pyrkii loputtomasti oppimaan uusia asioita.

"Elämän perussääntö heille on käyttäytymisensä täydellinen alistuminen mielen ohjaukselle" Mutta tämä sulkee käytännössä pois kaikki tunteet. Jopa rakkaidensa kuolema, he ovat "kohtuullisia", toisin sanoen välinpitämättömiä. Tässä on aiheellista muistaa jakso, jossa yksi tamma myöhästyi vierailusta miehensä äkillisen kuoleman vuoksi. Hän pyysi anteeksi myöhästymistään, ja koko ilta oli yhtä rauhallinen ja iloinen kuin muut vieraat.

Hyvät Houyhnhnms karkottivat kuitenkin Gulliverin maastaan ​​päätettyään, että on kohtuutonta pitää tällaista kyseenalaista olentoa heidän yhteiskunnassaan. Entä jos hän tekee heille jotain pahaa?

Gulliver palaa kotimaahansa, missä hän viettää nyt suurimman osan ajastaan ​​tallissa. Matka on ohi. Voit myös tiivistää: Löytääkö Swift ihanteellisen sosiaalisen rakenteen ohjattuaan sankarinsa eri maiden läpi?

Ei. Swift ei löydä positiivista ihannetta nykyaikaisesta englantilaisesta porvarillisesta yhteiskunnastaan ​​(Lilliputista), jättiläisten valaistuneesta monarkiasta tai lentävästä tiedemiessaaresta. Ja hyveellinen Houyhnhnmien tasavalta vaikuttaa utopialta, ei ole sattumaa, että tämä on edelleen hevosten, ei ihmisten, yhteiskunta. Mikä on Swiftin romaanin tärkein vahvuus?

Hänen romaaninsa vahvuus on sosiaalisen olemassaolon epäoikeudenmukaisten muotojen satiirisessa pilkkaamisessa.Romaanin neljännessä osassa on epätavallisia olentoja, joilla on suuri rooli tarinassa. Keitä Yahoot ovat? Mikä merkitys heidän esiintymisellään romaanissa on?

Yehut ovat likaisia, rumia villieläimiä, joita on runsaasti Houyhnhnmien maassa. Ulkonäöltään ne muistuttavat hyvin henkilöä. Tarkkaan tarkasteltuna Gulliver näki myös tämän samankaltaisuuden ja oli kauhuissaan. Mutta ovatko Yahoot vain ulkonäöltään samanlaisia ​​kuin ihmiset?

Harmaa hevonen tällaisten keskustelujen jälkeen Gulliverin kanssa tuli siihen tulokseen, että Euroopan kansojen tavoissa ja tavoissa on monia yhtäläisyyksiä Yahoon tapojen kanssa. ”... Kiistan syyt näiden karjan keskuudessa ovat samat kuin heimotovereidenne välisen riidan syyt. Itse asiassa, jos annat viidelle Yahoolle ruokaa, jotka riittäisivät viidellekymmenelle, he alkavat tappelun sen sijaan, että jatkaisivat rauhallisesti syömistä. Jokainen yrittää vangita kaiken itselleen. Usein tappelussa he aiheuttavat toisilleen vakavia haavoja kynsillä ja hampailla. Yehu ei taistele vain ruoasta, vaan myös jalokivistä - monivärisistä kiiltävistä kivistä, joita he piilottavat toisiltaan. Ihmisten kanssa on toinen yhtäläisyys. He esimerkiksi nauttivat juurien imemisestä, mikä vaikuttaa heihin samalla tavalla kuin henget ja huumeet vaikuttavat eurooppalaisiin. Useimmissa laumoissa on hallitsijoita, jotka ovat erityisen ilkeitä ja pitävät siksi koko lauman kuuliaisia. He ympäröivät itsensä ilkeillä suosikeilla, joita kaikki muut vihaavat. Harmaa hevonen havaittiin sisään

tämä muistuttaa suuresti eurooppalaisia ​​hallitsijoita ja heidän ministeriään. Mistä nämä ilkeät eläimet tulivat Houyhnhnmien maasta? Legendan mukaan pari ilkeää Yahooa saapui kerran tähän maahan meren toiselta puolelta. He lisääntyivät, muuttuivat villiksi, ja heidän jälkeläisensä menettivät täysin mielensä. Toisin sanoen Yahoot ovat rappeutuneita ihmisiä, jotka ovat menettäneet kulttuurinsa ja sivilisaationsa, mutta säilyttäneet kaikki ihmisyhteiskunnan paheet.

Swift kiistelee tässä Defoen ja hänen imagonsa kanssa ihanteellisesta, järkevästä porvarista, koska Yahoon historia on Robinsonadin vastaista. Neljännessä osassa Swiftin satiiri saavutti huippunsa. Hauskuudesta tulee pelottavaa. Swift maalasi kuvan ihmisyhteiskunnan rappeutumisesta, joka elää Yahoon lakien mukaan.

Neljäs osa on lopullinen johtopäätös, tämän filosofisen matkan tulos. Niin kauan kuin ihmiskuntaa ajaa voiton, vallan ja ruumiillisten nautintojen jano, yhteiskuntaa ei rakenneta järjen lakien mukaan. Lisäksi se seuraa rappeutumisen ja tuhon polkua. Swift kumoaa johdonmukaisesti ja loogisesti valistus-porvarillisen ideologian, siirtyen erityisestä yleiseen, yhdestä tietystä maasta yleismaailmalliseen yleistykseen.

Loistava satiiri oli paljon aikaansa edellä. Mikä on romaanin nykyaikainen ääni meille? Ovatko Swiftin varoitukset menettäneet merkityksensä?

Jos ahneutta, petosta, rahan ja asioiden valtaa, juopumista, huumeriippuvuutta, kiristystä, orjuutta, kohtuuttomia kunnianhimoa ja kunnianhimoa, jotka eivät toteutuneet menneisyydessä ja joita ei voida toteuttaa nykyisyydessä, provokaatioita ja loputtomia riitoja omanlaisensa kanssa, muuttuvat hirvittäviksi, verisiksi sodiksi, hallitsevat ihmiskuntaa, jolloin ihmiset ovat vaarassa muuttua Yahooksi. Ja mikään sivilisaatio ja korkea tieteellinen ja teknologinen kehitys ei pelasta heitä tästä. On kauheaa, jos kulttuuri jää toivottomasti sivilisaation jälkeen! Ihmiset vaihtavat vaatteita, mutta paheet, jotka saavat sivistyneen ilmeen, säilyvät.

Lähetä hyvä työsi tietokanta on yksinkertainen. Käytä alla olevaa lomaketta

Opiskelijat, jatko-opiskelijat, nuoret tutkijat, jotka käyttävät tietopohjaa opinnoissaan ja työssään, ovat sinulle erittäin kiitollisia.

Isännöi osoitteessa http://www.allbest.ru/

Liittovaltion budjettitaloudellinen korkea-asteen koulutuslaitos

Omskin valtion teknillinen yliopisto

DTM:n laitos

abstrakti

Aiheesta:

Taideteoksen analyysi Michelangelo Buonarrotin maalauksen "Viimeinen tuomio" esimerkissä

Valmistunut: opiskelija gr. ZSR-151 A.A. Kareva

Tarkastaja: Professori Gumenyuk A.N.

Johdanto

1. Viimeisen tuomion juoni

2. Yleistä tietoa maalauksen ja ikonin eroista

3. Michelangelo Buonarrotin (1475-1564) "Viimeinen tuomio" (1535-1541) Sikstuksen kappelin alttarifreskon koostumus

Johtopäätös

Luettelo käytetystä kirjallisuudesta

Johdanto

Viimeinen tuomio on Michelangelon fresko Sikstuksen kappelin alttariseinällä Vatikaanissa. Taiteilija työskenteli freskon parissa neljä vuotta - vuodesta 1537 vuoteen 1541. Michelangelo palasi Sikstuksen kappeliin kolme vuosikymmentä valmistuttuaan sen katon maalaamisesta. Laajamittainen fresko peittää Sikstuksen kappelin alttarin takana olevan koko seinän. Sen teemana oli Kristuksen toinen tuleminen ja Apokalypsi.

Viimeistä tuomiota pidetään teoksena, joka päätti renessanssin taiteessa, jolle Michelangelo itse kunnioitti Sikstuksen kappelin katto- ja holvimaalauksia ja avasi uuden pettymyksen ajanjakson antroposentrinen humanismin filosofiassa.

1. Viimeisen tuomion juoni

Kristuksen toinen tuleminen, jolloin kristillisen opin mukaan on yleinen kuolleiden ylösnousemus, jotka yhdessä elävien kanssa tuomitaan lopullisesti ja heille määrätään, otetaanko heidät taivaaseen vai heitetäänkö he helvettiin. Pyhä Raamattu puhuu tästä monta kertaa, mutta tärkein auktoriteetti on Kristuksen puhe opetuslapsille, jonka Matteus on kertonut: ja erottaa toinen ja toinen, niin kuin paimen erottaa lampaat vuohista; ja pani lampaat hänen oikealle puolelleen ja vuohet hänen vasemmalle puolelleen." Heidät on tuomittava heidän armotekojensa mukaan, joita he tekivät maallisessa elämässään. Syntisten on mentävä "ikuiseen piinaan".

Kristuksen toista tulemista (tai Kristuksen valtakuntaa maan päällä) odotettiin luottavaisesti vuonna 1000, ja kun nämä odotukset eivät toteutuneet, kirkko alkoi kiinnittää yhä enemmän huomiota oppiin "neljästä viimeisestä teosta" - kuolemasta. , tuomio, taivas, helvetti.

Siitä lähtien kuvia viimeisestä tuomiosta alkoi ilmestyä (lähinnä 1100-1300-luvuilla) ranskalaisten katedraalien veistoksellisissa länsimaisissa päällystöissä.

Se on iso tarina, jossa on useita osia. Tuomari Kristus on keskeinen hahmo. Hänen kummallakin puolellaan ovat apostolit, jotka olivat hänen kanssaan viimeisellä ehtoollisella: "Ja te istutte valtaistuimille tuomitsemaan Israelin 12 heimoa."

Alla on haudoista tai maasta tai merestä nousevat kuolleet: "Ja monet maan tomussa nukkuvista heräävät, toiset iankaikkiseen elämään, toiset ikuiseen häpeään ja häpeään." "Silloin meri antoi ne kuolleet, jotka heissä olivat; ja jokainen tuomittiin tekojensa mukaan." Arkkienkeli Mikael pitää vaakaa, jolla hän punnii sieluja. Vanhurskaat - Kristuksen oikealla puolella, enkelien mukana taivaaseen, hänen vasemmalla puolellaan, syntiset saatetaan helvettiin, missä heidät kuvataan kauheassa piinassa. (Hall D. Taiteen juonen ja symbolien sanakirja. M, 1996)

2. Kenraalitietoa maalauksen ja ikonin eroista

Kuva vaikuttaa ensinnäkin tunnepiiriin. Ikoni - mielessä ja intuitiossa. Kuva heijastaa tunnelmaa, ikoni - yksilön tilaa. Kuvassa on rajat, juonen kehys; kuvake - sisältyy rajattomaan. Jotkut uskovat, että muinaiset ikonimaalaajat eivät tienneet ihmiskehon suoran perspektiivin ja symmetrian lakeja, ts. eivät tunteneet anatomista atlasta. Sen aikakauden taiteilijat havaitsivat kuitenkin ihmiskehon tarkat mittasuhteet tehdessään patsaita tai patsaita yleensä (kolmiulotteista kuvaa ei käytetty itäkirkossa, vaan se tapahtui vain maallisessa taiteessa). Suoran perspektiivin puuttuminen todistaa muista tilaulottuvuuksista, ihmisen mahdollisuuksista hallita tilaa. Avaruus lakkaa olemasta este. Kaukainen kohde ei pelkisty illusoriseksi. Ikonien arvot eivät ole tilallisia, vaan luonteeltaan aksiologisia, jotka ilmaisevat ihmisarvon astetta. Esimerkiksi demonit on kuvattu pienempinä kuin enkelit; Kristus opetuslasten joukossa nousee heidän yläpuolelleen jne.

Kuvaa voi tarkastella analyyttisesti. Voit puhua kuvan yksittäisistä fragmenteista, osoittaa, mistä pidät ja mistä et pidä siitä. Ja ikonia ei voi jakaa soluihin, fragmentteihin, yksityiskohtiin, sen havaitsee synteettisesti yksi sisäinen uskonnollinen tunne. Ikoni on kaunis, kun se kutsuu ihmisen rukoukseen, kun sielu tuntee dynaamisen energioiden ja voimien kentän, joka säteilee ikonin läpi ikuisen valon valtakunnasta. Ikonissa hahmot ovat liikkumattomia, ne näyttävät jäätyneeltä. Mutta se ei ole kuoleman kylmä; se korostaa sisäistä elämää, sisäistä dynamiikkaa. Pyhät ovat nopeassa hengellisessä lennossa, ikuisessa liikkeessä kohti jumalallista, missä ei ole sijaa teeskenteleville asennoille, ärtyisälle ja ulospäin ilmaisulle.

Ihminen, syvän tunteen vangittuna tai ajatuksiin uppoutunut, siirtyy myös sisäiseen, ja tämä irtautuminen ulkoisesta todistaa hänen henkensä intensiteetistä ja intensiivisyydestä. Päinvastoin, ulkoinen dynamiikka - tunteiden sinetti väliaikaisina tiloina - viittaa siihen, että se, jota he halusivat kuvata ikonilla, ei ole ikuisuudessa, vaan ajassa, aistillisuuden ja ohimenevän voimassa.

Yksi länsimaisen taiteen huipuista on Michelangelon maalaus Viimeinen tuomio Sikstuksen kappelissa. Figuurit on toteutettu hämmästyttävällä tiedolla ihmiskehon mittasuhteista ja harmonian laeista. He voivat opiskella anatomiaa. Jokaisella ihmisellä on oma ainutlaatuinen persoonallisuutensa ja psykologiset ominaisuutensa. Samaan aikaan tämän kuvan uskonnollinen merkitys on nolla. Lisäksi se on katolisen maailman sydämessä syntyneen pakanuuden uusiutuminen. Maalauksen "Viimeinen tuomio" teema ilmentää pakanallisia ja juutalaisia ​​perinteitä. Charon kuljettaa kuolleiden sielut Styxin vesien yli. Kuva on otettu antiikin mytologiasta. Kuolleiden ylösnousemus tapahtuu Joosafatin laaksossa, kuten talmudilainen perinne kertoo.

Maalaus on tehty painokkaasti naturalistisella tyylillä. Michelangelo maalasi ruumiit alasti. Kun paavi Paavali III, tutkiessaan Sikstuksen kappelin maalausta, kysyi paavin hovin seremonian mestari Biagio da Cesenalta, kuinka hän piti maalauksesta, hän vastasi: "Teidän pyhyytenne, nämä hahmot sopisivat jonnekin tavernaan, eikä kappelissasi." ("Ortodoksisen ikonin kielestä." Arkkimandriitti Rafael (Karelin), 1997)

Käsittelimme Länsi-Euroopan maalaustaiteita korostaaksemme sen perustavanlaatuista eroa ortodoksiseen taiteeseen. Tämä on selkeä esimerkki siitä, kuinka muoto ei vastaa sisältöä, vaikka se olisi sinänsä kuinka loistava. Renessanssin niin kutsutussa uskonnollisessa maalauksessa on metodologinen virhe. Taidemaalarit yrittävät jäljitellä taidetta, ts. kuva, joka on kyllästetty tunteilla ja intohimoilla, siirtää taivaallinen maalliseen tasoon, mutta saavuttaa päinvastoin - ne siirtävät uusiutumattoman aineellisuuden taivaan sfääriin; maallisen ja aistillisen kanssa he syrjäyttävät hengellisen ja iankaikkisen (tai pikemminkin siellä ei ole taivaalle paikkaa, maa on miehittänyt ja niellyt kaiken), heidän sydämensä; hieman kumartunut hahmo, kuuliaisuus Jumalan tahdolle jne.

Katolinen kuva on yksiulotteinen, ortodoksinen kuvake on monitahoinen. Ikonissa tasot leikkaavat toisiaan, ne esiintyvät rinnakkain tai tunkeutuvat yhteen sulautumatta tai liukenematta toisiinsa. Aika tallentuu kuvaan, taiteilijan tahdon pysäyttämäksi hetkeksi, ikään kuin valokuvaussalama. Ikonissa aika on ehdollinen, joten kronologisessa ristiriidassa olevat tapahtumat voidaan esittää kuvakkeen kentässä. Kuvake on samanlainen kuin tapahtumien sisäinen suunnitelma ja piirros. Ikoneille on ominaista kuvan samanaikaisuus: kaikki tapahtumat tapahtuvat kerralla. michelangelo sistinen freskokuvake

Kuva on fantasiaelementeillä varustettu todellisuuden jäljitelmä, joka myös ottaa tunnelmiinsa materiaalia maallisista todellisuuksista. Ikoni on henkisen mietiskelyn ruumiillistuma, joka annetaan mystisenä kokemuksena, yhteydessään Jumalan kanssa, mutta kontemplaatio välittyy ja objektivisoituu viivojen ja värien symbolisen kielen kautta. Ikoni on teologinen kirja, joka on maalattu siveltimellä ja maaleilla. Ikonissa kahden pallon - taivaallisen ja maallisen - kuva ei anneta rinnakkaisuuden periaatteen, vaan symmetriaperiaatteen mukaisesti. Uskonnollisia aiheita käsittelevässä maalauksessa, jota virheellisesti kutsutaan ikoniksi, taivaallisten ja maallisten asioiden välillä ei joko ole eroja, rajoja tai niitä yhdistää historian "rinnakkaiset linjat", yhtenä olentona ajassa ja tilassa.

Kuvassa suoran, lineaarisen perspektiivin periaate, joka antaa illuusion tilavuudesta, kolmiulotteisuudesta kuvassa sekä aineellisista että henkisistä kokonaisuuksista. Hengellinen ei esiinny kuvassa, vaan se korvataan siinä aineellisilla, laajoilla muodoilla ja ruumiilla ja katoaa näissä vieraissa muodoissa. Kuvan henkinen lakkaa olemasta yliaistillista, mutta muuttuu "luonnolliseksi", tässä on pyhäkön häpäisyä. Ikonoklastit viittasivat tähän aivan oikein, kielsivät muotokuvamaalaukset uskonnollisista aiheista, mutta yleistäen huonolla menetelmällä kaikki kuvataiteen - tässä tapauksessa ikonimaalauksen - mahdollisuudet, joka avaa henkisen maailman, tunnistamatta sitä äärettömyyteen äärettömänä jatkeena. aineellisen maailman todellisuuksien kanssa, joka on kuoleman ja rappeutumisen vallassa.

Ikonoklastit tunnistivat ikonin miimimuotokuvalla, fantasialla tai allegorialla, mutta ikoni pyhänä symbolina jätettiin huomiotta tai he ymmärsivät väärin. Ikonissa ei vain kahden ajan ja ikuisuuden vastakohta, vaan sen rytmeissä - ajan kirkoilu, sen vetovoima ikuisuuteen. ("Ortodoksisen ikonin kielestä." Arkkimandriitti Rafael (Karelin), 1997)

3. Sikstuksen kappelin alttarifreskon kokoonpanoMichelangelo Buonarroti(1475-1564) "Viimeinen tuomio" (1535-1541)

Tekijän epätavallinen päätös sävellyksen rakentamisessa säilyttää ikonografian tärkeimmät perinteiset elementit. Tila on jaettu kahteen päätasoon: taivaalliseen - Kristuksen Tuomarin, Jumalan äidin ja pyhimysten kanssa, ja maalliseen - kuolleiden ylösnousemuskohtauksiin ja heidän jakamiseen vanhurskaisiin ja syntisiin.

Trumpetti enkelit ilmoittavat viimeisen tuomion alkamisesta. Avataan kirja, johon on kirjattu kaikki ihmisten teot. Kristus itse ei ole armollinen lunastaja, vaan rankaiseva Mestari. Tuomarin ele käynnistää hitaan mutta väistämättömän ympyräliikkeen, joka vetää virrassaan vanhurskaiden ja syntisten rivejä. Kristuksen vieressä istuva Jumalanäiti kääntyi pois tapahtuneesta.

Hän hylkää perinteisen roolinsa esirukoilijana ja vapisee lopullisesta tuomiosta. Pyhien ympärillä: apostolit, profeetat. Marttyyrien käsissä on kidutuksen työkaluja, symboleja kärsimyksestä, jota he kärsivät uskonsa vuoksi.

Kuolleet, jotka avaavat silmänsä toivolla ja kauhulla, nousevat haudoistaan ​​ja menevät Jumalan tuomiolle. Jotkut nousevat helposti ja vapaasti, toiset hitaammin, riippuen omien syntiensä vakavuudesta. Hengellisesti vahvat auttavat apua tarvitsevia nousemaan.

Niiden kasvot, joiden täytyy mennä alas puhdistumaan, ovat täynnä kauhua. Odottaessaan kauheita piinaa, syntiset eivät halua joutua helvettiin. Mutta oikeuden puolustamiseen tähtäävät voimat työntävät heidät sinne, missä kärsimystä aiheuttaneiden ihmisten oletetaan olevan. Ja paholaiset vetävät ne Minoksen luo, joka häntä kehon ympärille kiedottuna osoittaa helvetin ympyrän, johon syntisen tulisi laskeutua. (Taiteilija antoi kuolleiden sielujen tuomarille seremonian mestari paavi Biagio da Cesenan kasvonpiirteet, joka usein valitti kuvattujen hahmojen alastomuudesta. Hänen aasinkorvansa ovat tietämättömyyden symboli.) Ja sen vieressä on proomu, jota kuljettaa kantaja Charon. Yhdellä liikkeellä hän ottaa syntiset sielut. Heidän epätoivonsa ja raivonsa välitetään valtavalla voimalla. Proomun vasemmalla puolella aukeaa helvetin syvyys - siellä on sisäänkäynti kiirastuleen, jossa demonit odottavat uusia syntisiä. Näyttää siltä, ​​että kuulee kauhun huutoja ja onnettomien hammasten kiristystä.

Yläpuolella, mahtavan kierron ulkopuolella, pelastusta odottavien sielujen yläpuolella, siivettömiä enkeleitä leijuvat itse Lunastajan kärsimyksen symbolit. Oikeassa yläkulmassa kauniit ja nuoret olennot kantavat syntisten pelastuksen ominaisuuksia. (Smirnova I.A. Italian renessanssin monumentaalimaalaus. M.: Kuvataide, 1987)

Johtopäätös

Tässä esseessä Michelangelon freskoa "Viimeinen tuomio" tarkasteltiin verrattuna ikoniin "Viimeinen tuomio" (1580-luku). Sekä ikoni että fresko on kirjoitettu samalle juonelle - Kristuksen toiselle tulemiselle ja kauhealle tuomiolle ihmiskunnan synneille. Heillä on samanlainen koostumus: Kristus on kuvattu keskellä, ja apostolit sijaitsevat hänen vasemmalla ja oikealla kädellä. Jumala on heidän yläpuolellaan. Kristuksen alla ovat syntisiä, joille on luvattu helvetti. Molemmat kuvat ovat käänteisessä perspektiivissä. Mutta samaan aikaan ikonissa käytetään vähemmän kirkkaita värejä kuin Michelangelon freskossa. Ikonissa on monia symbolisia kuvia (kämmen, jossa on vauva - "vanhurskaita sieluja Jumalan kädessä", ja tässä vaa'at - eli "inhimillisten tekojen mitta").

Nykyaikana näiden teosten luominen oli suosittua eskatologisia näkemyksiä omaavien ihmisten keskuudessa, joten nämä kuvat oikeuttivat tarkoituksensa ei pelotella ihmiskuntaa, vaan välittää heille ajatus vanhurskaan elämän elämisestä, joka on samanlainen kuin maallinen synnitön elämä. Jeesus Kristus.

Luettelo käytetystä kirjallisuudesta

1. Halli D. Taiteen juonen ja symbolien sanakirja. M, 1996

2. "Ortodoksisen ikonin kielestä." Arkkimandriitti Rafael (Karelin) 1997

3. Smirnova I.A. Italian renessanssin monumentaalinen maalaus. M.: Kuvataide, 1987

4. Buslaev F.I. Kuvia viimeisestä tuomiosta venäläisten alkuperäisten mukaan // Buslaev F.I. Toimii. T. 2. Pietari, 1910.

5. Alekseev S. Näkyvä totuus. Ortodoksisten ikonien tietosanakirja. 2003

Isännöi Allbest.ru:ssa

Samanlaisia ​​asiakirjoja

Viimeisen tuomion juoni. Yleistä tietoa maalauksen ja ikonin eroista. Michelangelo Buonarrotin "Viimeinen tuomio" Sikstuksen kappelin alttarifreskon sävellys. Viimeinen tuomio -kuvakkeen ominaisuudet. Eteenpäin ja taaksepäin perspektiivistä. Chiaroscuro ja värisymboliikka.

tiivistelmä, lisätty 18.3.2012


Taiteen ja humanismin analyysi Firenzessä Lorenzo the Magnificentin aikana. Michelangelo Buonarrotin elämäkerta ja työ. Mestarin persoonallisuuden ja ideoiden psykologinen rakenne, hänen veistosten ja maalaustensa ominaispiirteet. Maalausta Sikstuksen kappelissa Vatikaanissa.

opinnäytetyö, lisätty 10.12.2017


Michelangelo Buonarrotin - italialaisen kuvanveistäjän, taidemaalarin, arkkitehdin, runoilijan - työn piirteiden tutkimus. Korkean renessanssin taiteen erityispiirteet. David. Kuuluisa fresko Michelangelon Sikstuksen maalauksesta - Aadamin luominen.

esitys, lisätty 24.10.2014


Lyhyt elämäkerta Michelangelo Buonarotista - suuresta kuvanveistäjästä ja taiteilijasta. Hänen luovia saavutuksiaan: Vakhk- ja Piet-veistokset, Daavidin marmorikuva, freskot "Kashinin taistelu" ja "Anghiarin taistelu". Maalauksen historia Sikstuksen kappelissa.

esitys, lisätty 21.12.2010


Michelangelo Buonarrotin (1475-1564) - Italian renessanssin suuren nero-arkkitehdin - elämäkerta, ulkonäkö ja luonne sekä kuvaus varhaisista ja myöhäisistä, valmiista ja keskeneräisistä teoksista. Analyysi Michelangelon ja Vittoria Colonnan suhteesta.

tiivistelmä, lisätty 14.11.2010


Italian ja sen edeltäjävaltioiden alkuperäiskansojen kulttuuri. Italian kulttuurin historian ajanjaksot. Leonardo da Vincin teos. Kuva nuoresta firenzeläisestä Mona Lisasta. Michelangelon kattomaalaus Sikstuksen kappelissa Vatikaanissa.

esitys, lisätty 14.1.2014


Tärkeimmät tapahtumat Michelangelo Buonarrotin elämäkerrassa - italialainen kuvanveistäjä, taidemaalari, arkkitehti ja runoilija. Korkearenessanssin ihanteiden luova ilmaus ja humanistisen maailmankuvan kriisin traaginen tunne myöhäisrenessanssin aikakaudella.

tiivistelmä, lisätty 12.11.2011


Tutkimus Sikstuksen kappelin - entisen Vatikaanin kotikirkon - rakentamisen historiasta. Kuvaukset salista, jossa on soikea holvi, kohtauksia Genesiksen kirjasta, joka sijaitsee alttarista sisäänkäyntiin. Konklaavit pidettiin kappelissa. Michelangelon freskosarja, joka koristi kattoa.

esitys, lisätty 23.4.2013


Italian henkinen ja moraalinen ilmapiiri XIV-XVI. Analyysi Buonarrotin työn muodostumisesta ja sen heijastuksesta nyky-yhteiskunnassa. Michelangelon ideoiden psykologinen rakenne. Nerouden ja voiman suhteen analyysi. Leikkurin ja harjan mestariteoksia. runollinen perintö.

opinnäytetyö, lisätty 29.4.2017


Leonardo da Vincin taiteellisen luovuuden analyysi kotimaisten tutkijoiden teoksissa. Elämäkerrallisia tietoja renessanssin titaanista. Freskon "Viimeinen ehtoollinen" sävellys ja juoni. Suuren taiteilijan ja tiedemiehen panos maailman kulttuurin, tieteen ja tekniikan kehitykseen.

Maalauksen analyysi kuvataiteen tunneilla. Työkokemuksesta

Gaponenko Natalya Vladimirovna, kuvataiteen opettajien RMO:n ja Novoilinsky-alueen MHC:n johtaja, kuvataiteen opettaja MBNOU "Gymnasium No. 59", Moskova Novokuznetsk

”Taide valaisee ja samalla pyhittää ihmiselämän. Mutta taideteosten ymmärtäminen on kaikkea muuta kuin helppoa. Sinun on opittava tämä - opiskele pitkään, koko elämäsi ... Aina, jotta voit ymmärtää taideteoksia, sinun on aina tiedettävä luovuuden ehdot, luovuuden tavoitteet, taiteilijan persoonallisuus ja aikakausi . Katsojan, kuuntelijan, lukijan tulee olla aseistettu tiedolla, tiedolla... Ja erityisesti haluan korostaa yksityiskohtien merkitystä. Joskus pieni asia antaa meille mahdollisuuden tunkeutua pääasiaan. Kuinka tärkeää onkaan tietää, miksi tämä tai tuo asia kirjoitettiin tai piirrettiin!”

D.S. Likhachev

Taide on yksi tärkeimmistä tekijöistä ihmisen persoonallisuuden muodostumisessa, perusta ihmisen asenteen muodostumiselle ympäröivän maailman ilmiöihin, joten taiteen havainnointitaitojen kehittämisestä tulee yksi taiteellisen koulutuksen olennaisista tehtävistä.

Yksi "Kuvataide"-aiheen opiskelun tavoitteista on taiteellisen kuvan kehittäminen, eli kyky ymmärtää taideteoksen pääasia, erottaa ilmaisuvälineet, joita taiteilija käyttää kuvaamaan tätä. kuva. Täällä suoritetaan tärkeä tehtävä kehittää yksilön moraalisia ja esteettisiä ominaisuuksia kuvataideteosten havainnoinnin kautta.
Yritetään pohtia metodologiaa kuvien havaitsemisen ja analysoinnin opettamiseen

Kuvien havaitsemisen ja analysoinnin opetusmenetelmät

Menetelmät, joilla opiskelijat perehdytetään maalaukseen, on jaettu sanallisiin, visuaalisiin ja käytännöllisiin.

sanallisia menetelmiä.

1. Kysymyksiä:

a) ymmärtää kuvan sisältö;

b) tunnistaa mieliala;

c) tunnistaa ilmaisukeinot.

Yleensä kysymykset rohkaisevat lasta kurkistamaan kuvaan, näkemään sen yksityiskohdat, mutta eivät menetä taideteoksen kiinteää tunnetta.

2. Keskustelu:

a) johdannona oppitunnille;

b) keskustelu kuvasta;

c) viimeinen keskustelu.

Yleensä keskustelumenetelmällä pyritään kehittämään opiskelijoiden kykyä ilmaista ajatuksiaan niin, että keskustelussa (opettajan tarinassa) lapsi voi saada puhenäytteitä tätä varten.

3. Opettajan tarina.

Visuaalinen:

Retket (virtuaaliretki);

Jäljennösten, kuuluisien taiteilijoiden maalauksia sisältävien albumien tutkiminen;

Vertailu (kuvat mielialan mukaan, ilmaisuvälineet).

Käytännöllinen:

Kirjallisen työn tekeminen kuvan parissa;

Raporttien, tiivistelmien laatiminen;

Kuvataidetunneilla on suositeltavaa yhdistää erilaisia ​​työskentelytapoja taideteosten kanssa, keskittyen yhteen tai toiseen menetelmään, ottaen huomioon opiskelijoiden valmius.

Maalaus

A. A. Lyublinskaya uskoo, että lapsen kuvan havaitseminen tulisi opettaa, mikä johtaa vähitellen ymmärtämään, mitä siinä on kuvattu. Tämä edellyttää yksittäisten esineiden (ihmiset, eläimet) tunnistamista; korostetaan kunkin hahmon asennot ja asemat kuvan yleisessä suunnitelmassa; yhteyksien luominen päähenkilöiden välille; korostaa yksityiskohtia: valaistus, tausta, ihmisten ilmeet.

S. L. Rubinshtein, G. T. Ovsepyan, jotka tutkivat kuvan havaintoa, uskovat, että lasten vastausten luonne sen sisältöön riippuu useista tekijöistä. Ensinnäkin kuvan sisällöstä, sen juonen läheisyydestä ja saavutettavuudesta, lasten kokemuksesta, heidän kyvystään tarkastella piirustusta.

Työskentely kuvan kanssa sisältää useita suuntia:

1) Visuaalisen lukutaidon perusteiden opiskelu.

Tunteilla opiskelijat tutustuvat kuvataiteen tyyppeihin, genreihin, taiteen ilmaisukeinoihin. Opiskelijat opetetaan käyttämään taiteen terminologiaa: varjo, penumbra, kontrasti, refleksi jne. sanakirjatyön kautta esitellään taidekritiikin termejä, tutkitaan sommittelun lakeja.

2) Taiteilijan elämästä ja työstä oppiminen.

Opiskelijoiden valmistaminen aktiiviseen kuvan havaitsemiseen tapahtuu useimmiten keskusteluprosessissa. Keskustelun sisältönä on yleensä tietoa taiteilijasta, maalauksen historiasta. Taiteilijan elämää jäljittäessä on suositeltavaa keskittyä sellaisiin jaksoihin, jotka vaikuttivat hänen vakaumustensa muodostumiseen ja antoivat suunnan hänen työlleen.

Taiteilijan elämästä ja työstä tiedottamisen muodot ovat monipuolisia. : opettajan tarina, tiedeelokuva, joskus viestilliset esitykset uskotaan opiskelijoille.

3) Lisätietojen käyttö.

Kuvan havaitsemista helpottaa vetoomus kirjallisia teoksia, joiden aihe on lähellä kuvan sisältöä. Kirjallisten teosten käyttö tasoittaa tietä lapsille syvemmälle käsitykselle ja ymmärtämiselle kuvamateriaalista, jolla he tutustuvat myytin juonen.

Suuri merkitys kuvan juonen ymmärtämiselle on historiallinen tilanne tutkittavassa maassa, tietyllä ajanjaksolla, taiteen tyylilliset piirteet.

4) Katsomalla kuvaa.

Kyky tarkastella kuvaa on yksi välttämättömistä edellytyksistä havainnoinnin, havainnoinnin kehittymiselle. Kuvaa katsellessaan ihminen näkee ennen kaikkea mitä sopusoinnussa hänen, hänen ajatustensa ja tunteidensa kanssa. Opiskelija kiinnittää kuvaa katsoessaan huomion siihen, mikä häntä huolestuttaa, ottaa, mitä on hänelle uutta. Tällä hetkellä opiskelijoiden asenne kuvaan määräytyy, heidän yksilöllinen ymmärryksensä taiteellisesta kuvasta muodostuu.

5) Maalauksen analyysi.

Kuva-analyysin tarkoituksena on syventää alkuhavaintoa, auttaa oppilaita ymmärtämään taiteen kuvaavaa kieltä.

Alkuvaiheessa työn analysointi tapahtuu keskustelun tai opettajan tarinan yhteydessä, vähitellen opiskelijat tekevät analyysin itse. Keskustelu auttaa lapsia näkemään, tuntemaan ja ymmärtämään taideteoksen hienovaraisemmin, syvemmin.

Maalauksen analysointimenetelmät

Menetelmä A. Melik-Pashaev. (Lähde: Aikakauslehti "Art in School" nro 6 1993 A. Melik-Poshaev "Juhlapäivä" tai "Kauhea loma" (Kirjoittajan tarkoituksen ymmärtämisen ongelmasta)

Kysymyksiä kuvaan:

1. Miten kutsuisit tätä kuvaa?

2. Pidätkö kuvasta vai et?

3. Kerro meille tästä kuvasta, jotta henkilö, joka ei tunne sitä, saa siitä käsityksen.

4. Mitä tunteita, tunnelmaa tämä kuva sinussa herättää?

7. Haluatko lisätä tai muuttaa jotain vastaukseesi ensimmäiseen kysymykseen?

8. Palaa vastaukseen toiseen kysymykseen. Onko arviosi pysynyt samana vai onko se muuttunut? Miksi arvostat kuvaa niin paljon?

2 . Esimerkkikysymyksiä taideteoksen analysointiin

Tunnetaso:

Millaisen vaikutelman teos tekee?

Millaista tunnelmaa kirjoittaja yrittää välittää?

Millaisia ​​tuntemuksia katsoja voi kokea?

Mikä on työn luonne?

Miten mittakaava, muoto, osien vaaka-, pysty- tai diagonaalinen asettelu, tiettyjen värien käyttö kuvassa edistävät teoksen tunnevaikutelmaa?

Aihe taso:

Mikä (tai kuka) on kuvassa?

Korosta tärkeintä näkemästäsi.

Yritä selittää, miksi tämä näyttää olevan tärkein asia sinulle?

Millä keinoin taiteilija korostaa pääasiaa?

Miten esineet on järjestetty teoksessa (aihekokoonpano)?

Miten teoksen päälinjat piirretään (lineaarinen sommittelu)?

Tarinan taso:

Yritä kertoa kuvan juoni uudelleen..

Mitä sankari, maalauksen sankaritar, voi tehdä (tai sanoa), jos hän herää henkiin?

Symbolinen taso:

Onko teoksessa esineitä, jotka symboloivat jotain?

Onko teoksen koostumuksella ja sen pääelementeillä symbolinen luonne: vaaka, pystysuora, diagonaali, ympyrä, soikea, väri, kuutio, kupoli, kaari, holvi, seinä, torni, torni, ele, asento, vaatteet, rytmi, sointi jne..?

Mikä on teoksen nimi? Miten se liittyy juoneensa ja symboliikkaan?

Mitä luulet teoksen kirjoittajan halunneen välittää ihmisille?

Suunnittele maalauksen analyysi. Kirjoittaminen on tunne.

1. Tekijä, maalauksen nimi
2. Taiteellinen tyyli/suunta (realismi, impressionismi jne.)
3. Maalausteline (kuva) tai monumentaali (fresko, mosaiikki), materiaali (telinemaalaukseen): öljyvärit, guassi jne.
4. Taideteoksen genre (muotokuva, asetelma, historiallinen, kotitalous, venesatama, mytologinen, maisema jne.)
5. Kuvankaunis juoni (mikä näkyy). Tarina.
6. Ilmaisukeinot (väri, kontrasti, sommittelu, visuaalinen keskus)

7. Henkilökohtainen vaikutelma (tunteet, tunteet) - tekniikka "uppoamaan" kuvan juoneeseen.

8. Kuvan juonen pääidea. Mitä kirjoittaja "halusi sanoa", miksi hän maalasi kuvan.
9. Maalauksen oma nimi.

Esimerkkejä lasten töistä maalausten havainnoinnin ja analysoinnin parissa.

Sävellys on tunne, joka perustuu I. E. Repinin maalaukseen ”Isänmaalle. Viime sodan sankari

I. E. Repin maalasi maalauksen ”Isänmaalle. Menneen sodan sankari" todennäköisesti sodan jälkeisellä kaudella, tarkemmin sanottuna ensimmäisen maailmansodan jälkeen.
Kuvan taiteellinen suunta on realismi. Maalausteline maalaus, töihin taiteilija käytti öljyvärejä. Genre muotokuva.
Repinin maalaus kuvaa nuorta miestä, joka on nähnyt paljon. Hän palaa kotiin perheensä ja ystäviensä luo, hänen kasvoillaan on vakava, hieman surullinen ilme. Silmät täynnä synkkää surua. Hän vaeltelee loputtomalta näyttävän kentän läpi, joka muistaa aseiden laukaukset ja jokaisen sille pudonneen henkilön. Hän kävelee oivalluksessa, että monia, joista hän rakasti niin paljon, ei ole enää. Ja vain varikset, kuten haamut, muistuttavat kuolleita ystäviä.

Repin valitsi ilmaisuvälineeksi mykistettyjen sävyjen kylmät värit, monet kuvan varjot välittävät esineiden ja tilan volyymia. Sävellys on staattinen, mies itse on teoksen visuaalinen keskus, meihin suunnattu katse vetää katsojan katseen puoleensa.

Kun katson kuvaa, tulee surua ja oivallusta, että nykyinen elämä on erilaista kuin ennen. Tunnen pakkasen tunteen kehossani, tuulettoman pimeän sään tunteen.

Uskon, että kirjoittaja halusi näyttää, mitä ihmisistä tulee sodan jälkeen. Ei, tietenkään ne eivät ole ulkoisesti muuttuneet tuntemattomiksi: vartalo, mittasuhteet ovat pysyneet samoina, onnekkailla ei ole ulkoisia vammoja. Mutta kasvoilla ei enää näy vanhoja tunteita, rauhallista hymyä. Sodan kauhut, jotka tämä melko nuori mies koki, jäivät ikuisesti hänen sieluunsa.

Kutsuisin maalausta "Yksinäiseksi sotilaan" tai "Tie kotiin"… Mutta minne hän on menossa? Kuka odottaa häntä?

Johtopäätös: Siten taideteoksen havainto on monimutkainen henkinen prosessi, johon sisältyy kyky oppia, ymmärtää ilmaise ajatuksesi asiantuntevasti käyttämällä ammattimaisia ​​taiteellisia termejä. Mutta tämä on vain kognitiivinen teko. Taiteellisen havainnon välttämätön edellytys on tunnevärjäys havaittu, ilmaus asenteesta sitä kohtaan. Koostumus - tunne antaa sinun nähdä lasten arvostelut, jotka osoittavat kykyä tuntea olonsa kauniiksi, mutta myös arvostaa.

Liite 1.

Taideteoksen analyysi algoritmin perusteella:

Kuinka voit analysoida taideteoksia?

luovuus?

2. Genreen kuuluminen: historiallinen, kotimainen, taistelu, muotokuva,

maisema, asetelma, sisustus.

3. Tärkeimmät keinot taiteellisen kuvan luomiseen: väri, piirustus,

chiaroscuro, tekstuuri, kirjoitustyyli.

4. Nimen merkitys. Juonen ja koostumuksen ominaisuudet.

5. Kulttuurihistorialliseen aikakauteen, taiteelliseen tyyliin tai suuntaan kuuluminen.

6. Millaisia ​​henkilökohtaisia ​​vaikutelmia sinulla on maalauksista?

Liite 2

1 Ryhmä "Romantikkojen tuliset siveltimet" (KIERTOOPPAAT) Maailman maalaustaiteen historiassa romanttisuus oli valoisa ja loistava aikakausi.

Sana "romanttisuus" juontaa juurensa latinalaiseen romanus - roomalaiseen, toisin sanoen syntyneen roomalaisen kulttuurin pohjalta tai siihen läheisesti liitettynä.

Ihmisten tunteiden ja kokemusten maailma. Romanttiselle maalaukselle oli ominaista "luomisen jano kaikin mahdollisin tavoin". Maalauksen keinot olivat: kirkas kylläinen väri, kontrastinen valaistus, tunnetapa.

Mikä on romanttisen sukupolven henkilö? Usein hänestä tulee julman verenvuodatuksen ja sotien, kokonaisten kansojen traagisen kohtalon todistaja. Hän suorittaa sankarillisia tekoja, jotka voivat inspiroida muita. Romantikot vetivät puoleensa historialliset tapahtumat, joista he piirsivät juonen monille teoksilleen.

1. Romantismin suunnan näkyvä edustaja maalauksessa oli espanjalainen taiteilija Francisco Goya (1746-1828). Hän hallitsi kaikki maalauksen genret. Hänellä oli maalauksia uskonnollisista aiheista, hovimuotokuvia.

V. Hän näki Napoleonin sodat, jotka tuhosivat ja tuhosivat Espanjan. Vuonna 1808 Madridissa puhkesi kansannousu vastauksena Napoleonin miehityksen julmimpiin sortotoimiin. Näinä vaikeina vuosina Francisco Goya oli kansansa kanssa. Maalaus "Kinallisten teloitus yöllä 3. toukokuuta 1808", kirjoitettu vuonna 1814 ja ollut esillä Prado-museossa Madridissa, oli syyte taiteilijan pahuudesta ja väkivallasta. Hän tunsi selvästi kansallisen tragedian todellisen laajuuden.

Kuvassa on espanjalaisten vapaustaistelun alkua ranskalaisia ​​miehittäjiä vastaan, nimittäin kohtaus, jossa miehitys Ranskan joukkoja teloittavat espanjalaiset kapinalliset. Goya kuvaa espanjalaisia ​​kapinallisia ja ranskalaisia ​​sotilaita kahtena toisiaan vastakkaisena ryhmänä: useana aseettomana Madridin käsityöläisenä ja joukkona sotilaita aseilla. Espanjalaisten kasvot ja asennot on Goya täsmentänyt melko selvästi (isänmaallisuus, rohkeus, viha, pelottomuus jne.), kun taas ranskalaiset sotilaat on kirjoitettu sujuvasti ja näyttävät sulautuvan yhdeksi kasvottomaksi massaksi.

B. "Carlos VI:n kuninkaallisen perheen muotokuva"

Vasemmalta oikealle: Don Carlos vanhin, tuleva Espanjan kuningas Ferdinand VII, Carlos IV:n sisar Maria Josefa Carmela, tuntematon nainen, Maria Isabella, Carlos IV:n vaimo Parman kuningatar Maria Luisa, Francisco de Paula de Bourbon, kuningas Carlos IV, hänen veljensä Antonio Pascual, Cartola Joaquina (vain osa päästä näkyy), Ludvig I vaimonsa Maria Luisan kanssa, heidän poikansa Kaarle II, tuleva Parman herttua, on sylissään. Taustalla, varjoissa, Goya maalasi itsensä. Maagiset, kimaltelevat värit eivät pysty peittämään hahmojen röyhkeyttä, typeryyttä, moraalista ja henkistä köyhyyttä.

2. Suuren espanjalaisen Theodore Gericaultin aikalainen osoitti myös syvää kiinnostusta ihmisen sisäiseen maailmaan. Gericaultin teokselle on ominaista äärimmäinen draama, intohimojen voimakkuus, värikontrasti. Kuninkaallisten muskettisotureiden palveluksessa Gericault kirjoitti pääasiassa taistelukohtauksia, mutta matkusti Italiaan vuosina 1817-19. hän esitti suuren ja monimutkaisen maalauksen "Medusan lautta"

(Sijaitsee Louvressa, Pariisissa). Tämän mestarillisesti kirjoitetun teoksen juonen uutuutta, sävellyksen syvää dramatiikkaa ja elämän totuutta ei heti arvostettu, mutta se sai pian tunnustusta ja toi taiteilijalle mainetta lahjakkaana ja rohkeana uudistajana.

Hänellä ei ollut kauan nauttia kuuluisuudesta: tuskin ehtinyt palata Englannista Pariisiin, jossa hänen opintojensa pääaihe oli hevosten tutkiminen, ja hän laskeutui hautaan onnettomuuden seurauksena - hevoselta putoamisen seurauksena.

Kuvan juoni perustuu todelliseen tapaukseen, joka tapahtui 2. heinäkuuta 1816 Senegalin rannikolla. Sitten Argenin matalikolla, 40 liigan päässä Afrikan rannikolta, fregatti Medusa haaksirikkoutui. 140 matkustajaa ja miehistön jäsentä yritti paeta noustamalla lautalle. Vain 15 heistä selvisi hengissä, ja kahdentenatoista vaelluspäivänä Argus-priki haki heidät. Selviytyneiden matkan yksityiskohdat järkyttivät nykyajan yleistä mielipidettä, ja itse hylky muuttui skandaaliksi Ranskan hallituksessa aluksen kapteenin epäpätevyyden ja uhrien pelastusyritysten riittämättömyyden vuoksi.

Maalauksen "Medusan lautta" lisäksi Louvressa on seitsemän taistelumaalausta ja kuusi tämän taiteilijan piirustusta. Hänen maalauksensa ovat täynnä hämmennystä, ahdistusta.

3. Eugene Delacroix (1798-1863) kirjoitti samalla tavalla kuin Theodore Géricault.

V. Hänelle oli ominaista huomio itämaisiin aiheisiin. Yksi hänen silmiinpistävimmistä luomuksistaan ​​on maalaus "Massacre on Chios", joka esittää jaksoja Kreikan ja Turkin sodasta. Joten historioitsijat kutsuivat turkkilaisten 11. huhtikuuta 1822 suorittamaa Khioksen saaren asukkaiden julmaa joukkomurhaa, koska saaren asukkaat tukivat Kreikan itsenäisyyden puolesta taistelijoita. Saaren 155 000 asukkaasta vain noin

2000. Jopa 25 000 teurastettiin, loput orjuutettiin tai maanpaossa.

Suuri Ranskan vallankumous ja sitä seuranneet Naoleonin aggressiiviset kampanjat, julmat poliittiset sorrot ja teloitukset, loputtomat hallitusten vaihdot vuonna 1830 nostivat erityisen terävästi esiin kysymyksen kansan ja yksilön roolista historiassa.

B. Delacroixille oli ominaista poliittinen paatos. Vuonna 1830 taiteilija valmistui maalauksen "Vapaus johtaa ihmisiä". Delacroix loi maalauksen, joka perustui vuoden 1830 heinäkuun vallankumoukseen, joka lopetti Bourbon-monarkian entisöinnin. Lukuisten valmistelevien luonnosten jälkeen häneltä kesti vain kolme kuukautta maalauksen valmistumiseen. Kirjeessä veljelleen 12. lokakuuta 1830 Delacroix kirjoittaa: "Jos en taistellut isänmaan puolesta, niin ainakin kirjoitan hänen puolestaan." Ensimmäistä kertaa "Liberty Leading the People" oli esillä Pariisin salongissa toukokuussa 1831, jossa maalaus otettiin innostuneesti vastaan ​​ja valtio osti sen välittömästi. Vallankumouksellisen juonen vuoksi kangasta ei ollut esillä yleisölle noin 25 vuoteen. Veren, kärsimyksen ja kuoleman kautta kaunis nainen kolmiväribanneri kädessään johtaa ihmiset voittoon. Paljas rintakehä symboloi tuon ajan ranskalaisten omistautumista, joka "paljaalla rinnalla" meni vihollisen luo. Väkijoukossa voi nähdä aseistautuneita köyhiä, slummejen asukkaita, opiskelijaa ja pikku Gavrochea pistooleineen. Taiteilija kuvasi itsensä miehenä silinterissä päähenkilön vasemmalla puolella. Joskus kuva yhdistetään virheellisesti suuren Ranskan vallankumouksen tapahtumiin.

Aikalaiset kutsuivat maalaukseksi "ranskalaisen maalauksen Marseillaisea", ja viranomaiset julistivat Delacroixin vaaralliseksi taiteilijaksi.

Liite 3

Ryhmä 2 "On välttämätöntä maskuliinoida taidetta" (ASIANTUNTIJAT - TAITEETIEDEJÄT) Realismi on 1800-luvun toisen puoliskon taiteen suuntaus. Realismin käsite on latinaa realis- tarkoittaa syvää todellisuuden heijastusta. 1800-luvun puoliväliin mennessä realismista tuli taiteen johtava ja vaikutusvaltaisin suunta.

Mitä uusia tehtäviä taide asetti nyt?

1. Erinomainen litografian mestari (eräänlainen grafiikka painolevylle, jota varten kivipinta on), ranskalainen taiteilija Honore Daumier, joka vihaa kaikkea sortoa ja väkivaltaa, vastasi aina aikansa polttaviin kysymyksiin. antaa heille oman arvionsa. Hän aloitti uransa sarjakuvapiirtäjänä tehden satiirisia piirustuksia aikakauslehteen. Hänen litografiansa myytiin heti loppuun, ne olivat kaikkien tiedossa.

Aikalaiset pitivät kuuluisaa litografiaa "Transnosen katu" protestina heinäkuun vallankumouksen (1834) jälkeistä terroria ja verenvuodatusta vastaan. Tämän työn historiallisena perustana olivat huhtikuun 1834 tapahtumat, jotka liittyivät hallituksen joukkojen poliittisten mielenosoitusten hajottamiseen. Rue Transnonen talosta numero 12 verhoilla peitetystä ikkunasta ammuttiin mielenosoitusta hajottavia sotilaita. Vastauksena sotilaat murtautuivat taloon ja tappoivat kaikki asukkaat. Daumier halusi, että litografia ei synnyttäisi sääliä, vaan vihaa. Näin aikalaiset näkivät sen: "tämä ei ole karikatyyri, ei karikatyyri, tämä on verinen sivu nykyhistoriasta, sivu, jonka on luonut elävä käsi ja sanelee jalo suuttumus."

Sarjakuvapiirtäjä Daumier tunsi hyvin yleisön, mutta monet eivät tienneet hänen maalaamisesta. Taiteilijan pieneen työpajaan on kertynyt kankaita. Erityinen paikka kuuluu Don Quijotea koskeville maalauksille. Ilman pelkoa ja moitteita ritari, joka vaelsi etsiessään hyvyyttä ja oikeutta, houkutteli Daumieria henkensä voimalla. Hauskan ulkonäön ja naurettavien tekojen takana erottuu jalo, suuruus ja myötätunto ihmisiä kohtaan.

2. Gustave Courbet ranskalainen taidemaalari, maisemamaalari, genremaalari ja muotokuvamaalari. Häntä pidetään yhtenä romantiikan toteuttajista ja realismin perustajista maalauksessa. Yksi Ranskan suurimmista taiteilijoista 1800-luvulla, ranskalaisen realismin avainhenkilö.

Hän syntyi Ranskassa, ja hänen tulonsa ranskalaiseen maalaukseen oli skandaali. Jotkut moittivat hänen töitään raivoissaan ja kutsuivat niitä rumaksi, toiset päinvastoin profetoivat hänelle suurta tulevaisuutta. Pariisissa vuonna 1855 hän avasi näyttelyn "Realismin paviljonki". Courbet yritti kuvata ihmiset sellaisina kuin he ovat, niin rumina ja töykeinä kuin hän näkee heidät. Tarkka huomio ympäröivään maailmaan, luontoon, sosiaalisiin suhteisiin ja ihmisen yksilöllisiin ominaisuuksiin määritti taiteen realistisen suuntauksen olemuksen.

Maalauksessaan "Kivimurskaimet" vanha työläinen karkeasti paikatuissa vaatteissa ja halkeilevissa puukengissä polvistuessaan murtaa vasaralla rakentamiseen valmisteltuja kiviä. Nuori mies rievuissa voi tuskin pitää raskasta koria käsissään. Sanomalehdissä taiteilijaa syytettiin ruman ylistämisestä, mutta riittää, että katsot maalausta "Voittajat" ymmärtääkseen, millä kunnioituksella Courbet maalasi työväkeä.

3. "Talonpoikamaalari" - niin lempinimeltään Jean Millet - ranskalainen taiteilija. Ranskan maaseudun maailmasta tuli hänen luovuuden ehtymätön lähde. Jo tunnettu taiteilija hän jatkoi talonpoikaistyötä ja antoi vapaa-aikaa maalaamiseen.

Vuonna 1857 esiteltiin hänen maalauksensa "Korvien keräilijä". Poimijat saivat kulkea peltojen läpi aamunkoitteessa ja poimia ruohonleikkureilta jääneet piikit. Tälle kankaalle taiteilija kuvasi kolme heistä, jotka olivat kumartuneita maan päälle matalassa keulassa - vain näin he onnistuvat keräämään sadonkorjuun jälkeen jääneet maissin tähkät ... Niissä Millet osoitti kolme raskaan vaiheen liike, jota naisten piti jatkuvasti toistaa uudestaan ​​​​ja uudestaan ​​- taivuta, poimia piikiä ja suorista uudelleen. Heidän käsissään olevat pienet kimput eroavat taustalla näkyvästä runsaasta sadosta. Siellä on pinoja, lyhteitä, vaunu ja joukko niittomiehiä kiireisenä.

Taiteilija pystyi erittäin tarkasti välittämään talonpoikien työn taakan, köyhyyden ja nöyryyden. Teos aiheutti kuitenkin erilaisia ​​yleisön arvioita ja kritiikkiä, mikä pakotti Milletin siirtymään tilapäisesti talonpojan elämän runollisempiin puoliin.

Liite 4

Ryhmä 3 "Hylättyjen salonki" (IMPRESSIONISTIT TAITEILIJAT) Pariisi, 1863, Teollisuuspalatsi: Kuuluisan Salon of the Art -näyttelyn tuomaristo, joka järjestetään täällä vuosittain, hylkää noin seitsemänkymmentä prosenttia lähetetyistä teoksista... Keisari Napoleon III itse joutui puuttumaan skandaaliin. Tutustuttuaan hylättyihin kankaisiin hän antoi ystävällisesti esitellä ne Teollisuuspalatsin toisessa osassa. Niinpä 15. toukokuuta 1863 avattiin välittömästi näyttely nimeltään Salon of the Misérables.

1800-luvun loppu ja 1900-luvun alku on muutoksen aikaa. Tieteellinen ja teknologinen kehitys ja poliittiset mullistukset johtivat vakaviin muutoksiin taiteessa, määrittelivät uusia ja omaperäisiä kehitystapoja. 1800-luvun taide nähdään vanhojen taiteellisten perinteiden hylkäämisenä, yrityksenä ajatella luovasti uudelleen menneisyyden klassista perintöä. Siellä on rohkeita innovaatioita, kokeiluja, joita ei ole rajoitettu minkäänlaisilla viitekehyksellä ja sopimuksilla. Taiteilijasta tuli töissään vapautunut ja vapaa. Häntä ohjasi oma makunsa ja mieltymyksensä.

Impressionismi - ranskan sana impression käännetään vaikutelmaksi.

Toisin kuin romantikot ja realistit, impressionistit eivät pyrkineet kuvaamaan historiallista menneisyyttä, vaan heidän kiinnostuksen kohteensa oli nykyisyys.

Esitettyään omat periaatteensa ympäröivän maailman havainnointiin ja näyttämiseen, he loivat uuden kuvakielen. Heille ei ollut tärkeä juoni itse, vaan sen aistillinen havainto, vaikutelma, jonka se saattoi tehdä katsojassa. Impressionistit yrittivät välittää kuvassa ”hetkiä”, hetkellisiä tuntemuksia. Nämä tuntemukset tuhosivat tavanomaiset muodot ja vakiokuvion. Heidän näkemyksensä oli puhtaasti yksilöllinen.

1. Impressionismin näkyvin edustaja ja yksi sen perustajista on Edouard Manet, jonka kankaat ”Emile Zolan muotokuva” ovat vaikuttavia.

Kirkas auringonvalo, ihmisen iloinen mieliala - taiteilijan ilmaisuväline. Pääpaino oli Edouard Manet'n maalauksessa "Aamiainen ruoholla".

Käyttäen ja pohtien uudelleen vanhojen mestareiden maalausten juonia ja motiiveja Manet pyrki täyttämään ne terävällä modernilla soundilla tuoden poleemisesti modernin ihmisen kuvan kuuluisiin klassisiin sävelluksiin. Manetin tie kuuluisuuteen osoittautui pitkäksi ja vaikeaksi, Salonin tuomaristo hylkäsi poikkeuksetta hänen maalauksensa, ja vain harvat uskalsivat puolustaa taiteilijaa. Heidän joukossaan oli Émile Zola, joka kirjoitti sanomalehdessä: "Hra Manet'n paikka Louvressa on jo varmistettu."

"Emile Zolan muotokuva" - taiteilija kuvaa ystäväänsä toimistossaan pöydän ääressä, joka on täynnä papereita ja kirjoja. Sisustus todistaa omistajan mausta: japanilainen näyttö upealla maisemalla, Manetin maalauksen jäljennös. Kirjailijan varjossa voi arvata vahvan persoonallisuuden, kirkkaan yksilöllisyyden.

"Aamiainen ruoholla", joka aiheutti tunteiden myrskyn, ankarimman kritiikin ja yksimielisen tuomion, että tämä "aamiainen" on ehdottomasti "syömätön". Yleisöä ärsytti erityisesti se, että kunnollisesti pukeutuneita, kenkiä, solmio- ja keppimiehiä kokoontui metsäaukiolle, jonka vieressä hehkuivat alasti naisen ruumiit. Kuvan nimi saa jonkinlaisen pikantin merkityksen, varsinkin kun mitään syötävää ei oikeastaan ​​ole kuvattu. Etualan vasemmassa kulmassa on heikko aavistus ruokaa, mutta selvästi näkyy, että kankaan päällä, kenties jonkun puvussa, on puolityhjä kori, jossa on useita sieniä, ja lähistöllä näkyy useita marjoja vihreillä lehdillä. Siinä koko aamiainen. Kaksi melko nuorta miestä lepäävät vapaasti nurmikolla ja keskustelevat jostain elävästi. Oikealla elehtivä kertoo jotain mielenkiintoista, hauskaa, sillä keskustelukumppani hymyilee suloisesti. Nolo hymy loistaa hänen vieressään istuvan naisen kasvoilla. Sen alla on rypistynyt vaaleansininen kangas, nainen itse istuu vapaassa kevyessä asennossa, täysin alasti, ei liian nuori, hieman ylipainoinen. Vierekkäin istuvalla pariskunnalla on sama hiusväri, he ovat samanikäisiä, mahdollisesti puolisoita. Toinen vaaleassa, löysässä, valkoisessa paidassa oleva nainen näkyy hieman kauempana, mutta hän kuulee keskustelun, hänestä näkyy, että hän kuuntelee ja myös hymyilee. Kuva on täynnä kirkasta rauhaa, lämmintä autuutta.

Zola kutsui kangasta kiinteäksi lihaksi, joka oli mallinnettu valovirtojen avulla yksinkertaisesti, totuudenmukaisesti ja taitavasti.

2. Impressionistit kuitenkin todella tekivät itsensä tunnetuksi vuonna 1874 yhteisnäyttelyllä. Koko suunta on nimetty Claude Monet'n maalauksen "Impression. Auringonnousu" (ranskaksi "vaikutelma" on "vaikutelma".).

Termi "impressionismi" syntyi "Le Charivari" -lehden kriitikon Louis Leroyn kevyestä kädestä, joka antoi Les Misérables -salonkia käsittelevän feuilletoninsa nimeksi "Impressionistien näyttely" ja otti pohjaksi tämän maalauksen nimen. kirjoittanut Claude Monet.

Hienostunut maisemamaalari, Pariisin esikaupunkiin rakastunut Monet kiehtoi intohimoisesti vesielementtiä.

Claude Monet esitteli käytännön luoda sarja maalauksia eri valaistuksessa, esimerkiksi Rouenin katedraali. Kahden vuoden ajan hän matkusti Roueniin katsomassa valon leikkimistä. Monet maalasi yli 20 näkymää katedraalista eri vuorokaudenaikoina: aamuauringon säteissä, häikäisevän keskipäivän aikaan, iltahämärässä. Yleisö alkoi puhua hänen maalaustensa yksitoikkoisuudesta.

3. Camille Pissarro alkoi kirjoittaa mitä tahansa maalauksiaan taivaalta uskoen, että taivas antaa sille syvyyttä ja välittää liikettä. Tässä on mitä Pissarro sanoi maalaustensa luomisesta. "Näen vain täpliä. Kun aloitan maalauksen, ensimmäinen asia, jonka teen, on… aseta suhde. Tämän taivaan, maan ja veden välillä on epäilemättä tiettyjä suhteita, eivätkä nämä suhteet voi olla muuta kuin harmonisia. Tämä on maalauksen tärkein vaikeus. Minua kiinnostaa yhä vähemmän maalauksen materiaalipuoli (eli viivat). Tärkeintä on pelkistää kaikki pienimmätkin yksityiskohdat kokonaisuuden harmoniaan eli johdonmukaisuuteen. Kangas "Boulevard Montmartre in Paris" vie meidät vilkkaalle moottoritielle. Monet vaunut liikkuvat eri suuntiin, ohikulkijat kiirehtivät ahkerasti. Kaikki on verhottu läpinäkyvään - lila-usseen. Taiteilija kirjoittaa nopealla vedolla, tuskin koskettaen kankaaseen siveltimellä.

Mutta näistä pisteistä ja vedoista syntyy kuva aurinkoisesta kevätpäivästä, eloisa ja kuohuva.

4. Auguste Renoiria kutsutaan maailman velhoksi. Valon heijastukset elävöittävät kuvaa, panevat sen liikkeelle. Teokset erottuvat elävästä liikkuvasta sävellyksestä. Renoir kirjoitti: "Rakastan kuvia, jotka herättävät minussa halun kävellä niiden syvyyksiin, jos se on maisema, tai koskettaa sitä kädellä, jos se on kuva naisesta ...". Useimmiten Renoir kirjoittaa naisia ​​ja lapsia pitäen heitä luonnon täydellisimpinä luomuksina. Häntä eivät houkuttele kylmät maalliset kaunottaret, vaan iloiset ja eloisat "todelliset" ranskalaiset naiset. Mutta muotokuvalle "Tyttö tuulettimella" luotiin täysin erilainen kuva. Nuori, hauska tyttö. Kasvot on kirjoitettu lempein sävyin, paksut mustat hiukset on valettu lilaan ja violettiin. Tuolin punertavat heijastukset heijastuvat tuulettimen valkoiselle kankaalle.

5. Pastellitekniikka avasi valtavia mahdollisuuksia värin käytössä (fr.

pastelli - maalaus värikynillä ja värikkäällä jauheella. Edgar Degas piti erityisesti työskentelystä siinä. Pastellien tekstuuri on samettinen, se pystyy välittämään värin värähtelyä, joka näyttää hehkuvan sisältä. Elokuvassa "Blue Dancers"

pastellitekniikkaa käytettiin tehostamaan sävellyksen koristeellista vaikutusta ja kevyttä ääntä. Kuvaa tulviva kirkkaan valon snob auttaa luomaan balettitanssin erityisen juhlallisen tunnelman, näyttää siltä, ​​että valo korvaa piirustuksen kokonaan, se järjestää, johtaa yhteen merkitykseen monimutkaiseen värien sinfoniaan. Kirkkaan sinisissä tutusissa, kukkaset hiuksissaan, tanssijat näyttävät upeilta keijukeijuilta, jotka osallistuvat taianomaiseen ekstravagantisuuteen.

Maalausta säilytetään Moskovan valtion Puškinin taidemuseossa, jonka se sai vuonna 1948 Valtion uuden lännen taiteen museolta; vuoteen 1918 asti se oli Sergei Ivanovich Shchukinin kokoelmassa Moskovassa, maalauksen jälkeen maalausta säilytettiin Durand-Ruelin kokoelmassa Pariisissa.

Liite 5

Ryhmä 4 "Etsimässä omaa polkuaan" (NÄYTTELYN KÄVIJÄT) 1800-luvun lopulla taiteilijat Paul Cezanne ja Vincent van Gogh julistivat äänekkäästi itsensä. He yhdistyivät ryhmäksi, joka antoi nimen postimpressionismin uudelle taiteelliselle suunnalle. Postimpressionismi (fr. postimpressionisme) on kuvataiteen suuntaus. Se syntyi 1800-luvun 80-luvulla. Tämän suuntauksen taiteilijat eivät pitäneet kiinni vain visuaalisista vaikutelmista, vaan pyrkivät ilmaisemaan vapaasti ja yleisesti maailman aineellisuuden, turvautuivat koristeelliseen tyylityöhön. Postimpressionismin alku osuu impressionismin kriisiin 1800-luvun lopulla.

1. Väsymätön uuden kompositioratkaisun etsiminen maalauksille, tapoja välittää väriä ja valoa ovat ominaisia ​​Paul Cezannen teokselle.

Hän maalasi asetelmia hedelmillä, hän oli vähiten huolissaan niiden samankaltaisuudesta alkuperäisen kanssa. Cezannen työssä epätavallista oli värien käyttö, taiteilija uskoi, että kylmillä väreillä (sininen ja vihreä) on ominaisuus siirtyä kuvan syvyyksiin, joten kuvasta tuli tilava.

2. Vincent van Gogh on maailmankuulu hollantilainen post-impressionistinen taidemaalari. Ensimmäisen maalausnäyttelyn jälkeen 1880-luvun lopulla Van Goghin maine on kasvanut tasaisesti kollegoiden, taidehistorioitsijoiden, kauppiaiden ja keräilijöiden keskuudessa. Hänen kuolemansa jälkeen järjestettiin muistonäyttelyitä Brysselissä, Pariisissa, Haagissa ja Antwerpenissä.

Auringonkukat on hollantilaisen taiteilijan Vincent van Goghin kahden maalaussarjan nimi. Ensimmäinen sarja tehtiin Pariisissa vuonna 1887. Se on omistettu makaaville kukille. Toinen sarja valmistui vuotta myöhemmin Arlesissa. Hän kuvaa auringonkukkakimpun maljakossa. Van Goghin ystävä Paul Gauguin hankki kaksi pariisilaista maalausta.

"Iiriset" - maalasi taiteilija silloin, kun hän asui St. Paul of Mausoleum -sairaalassa lähellä Saint-Remy-de-Provencea, vuosi ennen kuolemaansa vuonna 1890. Kuvassa ei ole suurta jännitystä, mikä näkyy hänen myöhemmissä teoksissaan. Hän kutsui maalausta "sairaudeni salamanvarsiksi", koska hän tunsi voivansa pitää sairautensa kurissa jatkamalla maalaamista.

Elämänsä kahden viimeisen kuukauden aikana - toukokuusta heinäkuuhun 1890 - Van Gogh asui Auvers-sur-Oisessa lähellä Pariisia, missä hän maalasi muun muassa useita kukkamaalauksia. "Pink Roses" on yksi tämän sarjan parhaista maalauksista. Se on tyypillistä taiteilijan myöhäistyölle. Toisin kuin kirkkaat oranssit ja keltaiset, joita hän käytti Arlesissa (esimerkiksi Auringonkukat-syklissä), Van Gogh käyttää täällä pehmeämpää ja melankolista väriyhdistelmää, joka puhuu hedelmällisemästä ja kosteasta pohjoisesta ilmastosta. Tämä kuva on tyypillinen Vincent Van Goghin työn viimeiselle ajanjaksolle myös siinä mielessä, että siinä ei käytännössä ole gravitaatiota (ensi silmäyksellä näyttää siltä, ​​​​että kuva voidaan kääntää, mutta vaikutus ei muutu) ja tilallisuutta (kukat näyttävät työnnetään ulos kuvan tasosta avaruuteen, jossa katsoja on). Van Gogh pystyi välittämään ruusujen välittömän läheisyyden tunteen tarkkailijalle. Kukkien alla oleva lähes näkymätön kulho osoittaa, missä kuva on alareunassa, ja vain hieman muuttuva vedon muoto ja pieni muutos vihreän sävyissä vihjaa syvyyteen. Ruusujen lehtien ja varsien terävät tummansiniset ääriviivat sekä värisevät ja vääntyvät linjat ovat esimerkki japanilaisen puuveiston vaikutuksesta taiteilijaan. Vaikka nämä tekniikat muistuttavat Paul Gauguinin ja Emile Bernardin tyyliä, Van Gogh käyttää niitä omalla sanoinkuvaamattomalla tavallaan.

Van Gogh maalasi maalauksen "Punaiset viinitarhat Arlesissa" vuonna 1888.

Etelä-Ranskassa asuva taiteilija sai loputtomasti inspiraatiota kaupunki- ja maaseutunäkymistä, luonnon kirkkaista väreistä, auringonvalosta. Tämä ajanjakso on Van Goghin työn tuottavin.

Arlesissa Gauguin vieraili hänen luonaan, ja eräänä päivänä palatessaan kotiin kaupungin laitamilta taiteilijat näkivät epätavallisen kuvan:

laskeva aurinko valaisi viinitarhan säteillään maalaten lehdet purppuranpunaisiksi ja ihmiset ja maan lilan tuhkan sävyihin. Pian tämän jälkeen Van Gogh ryhtyi työstämään maalausta, joka kuvaa rypäleen satoa Montmajourin läheisyydessä. Taiteilija ei kuvannut vain maisemaa, vaan eräänlaista vertausta, jossa kaikella on symbolinen merkitys. Punaisen kuuma valtava aurinko keltaisella taivaalla luo vihreitä ja oransseja kohokohtia. Kaikki maassa näyttää sulavan sen alla.

Rypäleiden lehdet muuttuvat punaiseksi hehkuksi, ja niiden alla oleva maa saa violetin sävyn. Kuvan oikea puoli on varattu vedelle, heijastaen keltaista tulista taivasta.

Rypäleitä poimivat ihmiset ovat elämän symboli. Van Gogh ymmärsi heidän päivittäisen työnsä joksikin, jonka avulla henkilö voi tulla kiinteäksi osaksi maailmankaikkeutta.

Maalaus oli yksi harvoista Van Goghin elinaikana myydyistä teoksista. Nyt se on Pushkin-museossa Moskovassa.

Liite 6

Musiikkia 1800-luvulla.

1800-luvun ensimmäisen puoliskon säveltäjiä olivat F. Liszt, F. Chopin, F. Schubert, R. Schumann. Tämän koulukunnan säveltäjille oli ominaista taipumus pieneen muotoon. Heidän musiikkinsa on lyyristä ja melodista, ja se oli pääasiassa kamarimusiikkia.

Samaan aikaan italialainen ooppera elää kukoistusaikaansa. Sen kirkkaimmat edustajat ovat G. Rossini, V Bellini, G. Donizetti, G. Verdi. Italialaisessa oopperassa kaksi suuntaa vastustettiin: toinen suuntautui kohti perinteistä buffoopperaa (ts.

komediat), toinen merkitsi suuntausta kohti kansallisoopperan muodostumista.

Jälkimmäisen edustaja oli G. Verdi (1813-1901). Hän oli oopperoiden "Regoleto", "La Traviata", "Othello", "Macbeth", "Aida", "Falstaff", "Il trovatore" ja muiden kirjoittaja. Hänen oopperoidensa aarioista tuli kansanlauluja ja kansallislauluja, jotka kutsuivat italialaisia ​​taistelemaan itsenäisyyden puolesta.

J. Bizet ja R. Wagner tekivät oopperan vakavan uudistuksen. Bizet, yhden suosituimmista oopperoista - "Carmen" - kirjoittaja, oli erittäin realistisen juonen ja melodian kannattaja, joka ilmaisee avoimesti ihmisen tunteita. R. Wagner tuhosi oopperan tavanomaisen rakenteen ja toi siihen elementtejä dramaattisesta esityksestä ja sinfoniakonsertista. Hänen oopperoissaan oli paljon sinfoniakonserttoa. Hänen oopperoissaan oli monia sinfonisia lisäosia ja resitatiiveja.

”Sinfonisen musiikin uudistuksen toteutti ranskalainen säveltäjä C. Debussy. Debussy itse asiassa hylkäsi sinfoniselle musiikille tutut melodiat. Hän yritti näyttää tunteita tuhoten vakiintuneita musiikillisia muotoja.

Franz Schubert on itävaltalainen säveltäjä, yksi musiikin romantiikan perustajista, noin 600 laulun, yhdeksän sinfonian sekä suuren joukon kamarimusiikkia ja soolopianomusiikkia kirjoittanut. (kuunnellen katkelmaa "The Forest King" -levystä) Frederic Chopin on kirjoittanut lukuisia teoksia pianolle.

Puolan musiikkitaiteen suurin edustaja. Hän tulkitsi monia genrejä uudella tavalla: hän herätti alkusoittoa romanttiselle pohjalle, loi pianoballadin, poetisoi ja dramatisoi tansseja - mazurkaa, poloneesia, valssia; muutti scherzon itsenäiseksi teokseksi.

Giuseppe Verdi - Suuri italialainen säveltäjä, jonka työ on yksi maailman oopperataiteen suurimmista saavutuksista ja italialaisen oopperan kehityksen huipentuma 1800-luvulla. Säveltäjä loi yli 26 oopperaa ja yhden requiemin. Säveltäjän parhaat oopperat: Un ballo in maschera, Rigoletto, Il trovatore, La traviata. Luovuuden huippu on uusimmat oopperat: "Aida", "Othello".

Georges Bizet on ranskalainen romantiikan ajan säveltäjä, orkesteriteosten, romanssien, pianokappaleiden ja oopperoiden kirjoittaja, joista tunnetuin oli Carmen.

Claude Debussy - ei ollut vain yksi merkittävimmistä ranskalaisista säveltäjistä, vaan myös yksi merkittävimmistä musiikin hahmoista 1800- ja 1900-luvun vaihteessa; hänen musiikkinsa edustaa siirtymämuotoa myöhäisromanttisesta musiikista modernismiin 1900-luvun musiikissa.