Opetusministeriö Venäjän federaatio Kuzbassin osavaltion teknillisen yliopiston kansallishistorian laitos

TAIDETEOSTEN ANALYYSI (grafiikka, maalaus, kuvanveisto, arkkitehtuuri)

Ohjeet seminaareihin alan pää- ja osa-aikaisille opiskelijoille Maailman kulttuuri ja taide” alan opiskelijoille

230500 ”Sosiaalikulttuuriset palvelut ja matkailu”

Kokoanut V.L. Totuus Hyväksytty osaston kokouksessa Pöytäkirja nro 8 päivätty 05.04.01

Sähköinen kopio on KuzGTU:n päärakennuksen kirjastossa

Kemerovo 2001

Metodiset selitykset

Kurssi ”Maailman kulttuuri ja taide” keskittyy maalaukseen, grafiikkaan, kuvanveistoon ja arkkitehtuuriin. Niiden kautta ilmenevät selkeimmin eri aikakausien tyylien piirteet. Aikakauden estetiikan ymmärtäminen, sen taiteellista sisältöä paljastuu taiteen monumenttien ymmärtämisen, niiden piirteiden, kauneuden ja kuvaston ymmärtämisen kautta.

Tekniikka tarjoaa lyhyen algoritmin, sarjan esimerkillistä graafisten teosten, maalausten, arkkitehtuurin ja kuvanveiston analysointia.

Kaikella väistämättömällä luonnostelulla ja äärimmäisellä lakonismilla se auttaa opiskelijoita arvioimaan itsenäisesti kulttuurimuistomerkkien ansioita. Esittelee taiteen terminologian ympyrän.

Taideteosten arvostaminen ei tarkoita vain kaikkien sen ilmeisyyden elementtien luettelemista, vaan on myös tarpeen yhdistää tunne, päästä emotionaaliseen kosketukseen taiteellisen kuvan kanssa.

Analyysin järjestys on esimerkillinen. Sitä voidaan muuttaa. Ehdotetut suunnitelmat vaativat luovaa lähestymistapaa. Ne ovat vain apumateriaalia koottaessa elävää tunteita herättävää tarinaa tietystä taideteoksesta.

Graafisen taideteoksen analyysi

Elementit		Huomautuksia
elinvoimaa
1. Määritelmä	Tarkasteltavan grafiikan tyyppi	Usein otsikossa
grafiikan tyyppi	teoksia: piirros tai painetun grafiikan tyyppi	fyysinen tuote
	fiki (puupiirros, kuparikaiverrus, etsaus, litografia ja	kaavion tyyppi ilmoitetaan
	jne.). Tämä mahdollistaa ominaisuuksien arvioinnin	ki: "Piirtäminen
	viite: linjan luonne (se on erilainen eri lajeille	"Etsaus", "Litografia"
	kaiverrukset), chiaroscuro (se voi olla enemmän tai vähemmän con-
	luottamus tekniikasta riippuen) jne.
2. Komponenttien analyysi	Koostumusanalyysi on kokonaisarvio		"koostumus"
	piirustuksen rakentaminen, figuratiiv-plastinen idea: miksi	(lat.) tarkoittaa kokoamista
	juuri niin, sellaisessa mittakaavassa, kääntyy, sellaisesta pisteestä	ei, sitova.
	näkökulmasta taiteilija kuvasi hahmoa, ryhmää ihmisiä,
	meta jne.
3. Tekniikkaanalyysi
		On
	kuva: spotti (sävypiirustus), viiva (viivapiirros)	tekninen
	sunok). Viiva (viivapiirros). Joko käytetty	graafinen
		Denia. Tässä
		luonnehtia
		visuaalinen käsiala

3. Tekniikkaanalyysi	Piirustustekniikan analyysin pitäisi määrittää mikä
	luomiseen käytetään grafiikkaa	On
	kuva: spotti (sävykuvio), viiva (viiva	tekninen
	piirustus). Viiva (viivapiirros). Joko käytetty	graafinen
	kaikki kolme grafiikkaa. Se myös arvioi
	piirustustyyli: lähellä akateemista, yksityiskohtainen,	luonnehtia
	naturalistinen tai vapaa, yleistetty, terävä.	visuaalinen
	Koko tehtävänä on valita oikea, vastaava
	määritelmien ja epiteettien toteuttamistapa.
	Arviointi keskittyy linjan luonteen analysointiin.	Luonnetta arvioida-
	graafisen työn taiteellisuus. Kuva	ra-linjat on valittava
	viivan (viiva, piste), sen ilmaisukyvyn antama,		määritelmät.
	sen armo, rytmi. Tunne linjan luonne, sen	Esimerkiksi: siro, lo-
	fuusio kuvan kanssa, välittää se sanoin, tehdä tärkein	manaya, hermostunut, töykeä
	työ graafisen teoksen analyysin parissa. Seuraava-	tay jne.
	duetto kiinnittää myös huomiota linjojen rytmiin. (Katso rytmi sisään
	sävellyksiä, s. 5).

Kuvataideteoksen analyysi

paljastettu					Huomautuksia
1. Määritelmä	Aluksi kysymys, miten				Genren alamääritelmä
	mihin maalauksen olemassa olevista genreistä kuuluu				kertoo tärkeän osan
	analysoitu maalauksellinen	tehdä työtä		taide	ness: mihin tarkalleen arvoon
	(historiallinen, mytologinen, kotitalous, taistelu				aihe ja henki -
	muotokuva, maisema, asetelma). Kun analysoit muotokuvaa,				maailman kiinnostus herää
	käytä rintakuva-analyysitekniikoita (tämän menetelmän s. 8)
	Juonianalyysi edellyttää kykyä ymmärtää sisällön ja				Usein kuvan juoni
	taiteilijan kuvaamien tapahtumien merkitys. oleminen-				paljastaa itsensä
	ja juoniton maalaus: ei-objektiivinen maalaus.
	Sitä arvioidaan esimerkiksi jännitteellä, di-
	dynamiikka, harmonia, kontrasti,		ja vaatii erityistä
	analyysimenetelmiä. Ei-objektiivinen maalaus rakentaa omansa
	vain figuratiivisuus
	niiden rytmejä, kuten ilmeisyyden pääelementtejä
	maalauksellista kieltä. Esimerkki ei-objektiivisesta maalauksesta
	si on abstraktionismi, suprematismi.

	Tietojen paljastaminen taiteellinen kuva on arvio sinusta
	silmiinpistävää, aitoutta, vahvuutta valitun heijastuksessa
	teemataiteilijan noah. Siksi monet taiteilijat kääntyvät
	ryntäsi heräävän luonnon teemaan, mutta harvinaista
	tera nousi sellaiselle korkeudelle kuin Savrasov vuonna
	käsittelee kevään teemaa ("Kirjat ovat saapuneet").
4. Komponenttien analyysi	Maalauksessa koostumusta analysoidaan samalla tavalla kuin	Se mitä sanotaan, ei tietenkään ole
	kaaviossa (katso s. 2). Koostumus vaikuttaa aktiivisesti lisääntymiseen	pakoputket		kaikista olennoista
	teosten hyväksyminen.		periaatteet
	Joten sävellystä voidaan korostaa teatraalista	koostumuksen rakenne, mutta
	Noah, rakennettu näyttämöperiaatteen mukaan. Tai ehkä	Uskon, että se mahdollistaa suuntautumisen
	tuottaa sattumanvaraisuuden tunnetta. Analysoidaan com-	vaeltaa hänen arvioinnissaan.
	asemasta, voidaan päätellä sen harmonisuudesta
	rakenne, kaikkien osien tasapaino tai akuutti
	dynaamisuus.
	Jos koostumus muodostuu suorasta vaakasuuntaisesta			tietää psykoosista
koostumuksessa	luotuja tai hieman vinoja linjoja	looginen		vaikutus
	vaikutelma rauhallisesta tai mitatusta liikkeestä. Soche-	pystysuorat		ääriviivat.
	piirtää teräviä pystykulmia tai pyöristettyjä viivoja	Ääriviivojen vallitsevuus
	antaa sävellyskaaviolle dynaamisuutta. Diago-	rauhoittaa tai jopa
	synnytysrakenne auttaa tuntemaan nopeuden paremmin,	rakentaa		melankolinen
	paine, liike. Maalari käyttää usein	taivastila, vaimentaa. Verti-
	soitettava pyöreä rakenne, jonka avulla voit soittaa	kalium aktiivinen, instill op-
	järjestää suuri määrä tiettyyn järjestykseen	tymismi, iloisuus, mieliala
	ihmisistä. Sinun pitäisi saada kiinni sävellyksen rytmistä, nähdä se	vayut ilosta, kohottaa.
	perusskeema.

	Väri on maalauksen "sielu", se vaatii erityisesti
Väritys - orgaaninen-	harkittu ja yksityiskohtainen analyysi.
	Värijärjestelmää analysoitaessa määritetään mikä	Paikallinen järjestelmä
väritys päällä	värijärjestelmä on kartan värijärjestelmän taustalla	rita on historiallisesti aikaisempi
	mudat: paikallinen väri tai tonaalinen. Paikallisesti	kyllä. Laajalti käytössä
	värivalikoima, väri erotetaan valaistusolosuhteista	koristeellinen maalaus.
	schennosti, ei ole mitään sävyjen leikkiä. Sävyväri on stro-
	se perustuu monimutkaiseen värisuhteeseen, sen sävyihin; takana-
	riippuen valaistuksesta, etäisyydestä, varjoista, häikäisystä
koloristinen	Värivalikoimaa analysoitaessa se arvioidaan	Huomio tulee kiinnittää
	taiteilijan taito värien valinnassa, kyky yhdistää	väripisteiden rytmiin.
	tat niiden sävyt. Taiteilija ei vain anna aihetta		taiteilija
	sinä värillä, hän rakentaa värikoostumuksen, missä	korosta yksi tai toinen fi-
	tietyt värit ja niiden sävyt hallitsevat. Kyllä, mene-	guru, kasvot jne.
	he puhuvat hopea-harmaa-vihreästä, violetista - lilasta
	- pinkki jne. värivalikoima.
	Värit voivat kiihottaa ja rauhoittaa, ärsyttää
Tunnelma, luotu	ja rauhoittaa. Valitse lämmin (punainen, oranssi-
	vyy, kultainen ja niiden sävyt) ja kylmä (violetti-
värin mukaan annettu	vyy, sininen, vihreä ja niiden sävyt) väriasteikko. Nuo-	väri on aktiivinen, se on kuvassa
	tasaiset värit ovat aktiivisia, kiihottavat, huvittavat, mutta voivat myös	tulee eteen, houkuttelee
	ärsyttää. Kylmä - rauhoittaa, rauhoittaa,	ei huomiota. Kylmä
	joskus surullinen. Kuvan värimaailman takana on	väri haalistuu
	lisää tietty mieliala, jonka taiteilija loi	syvyys. Taitava asenne
	antaa väriä. Yritä saada kiinni ja välittää se	lämmin ja kylmä

	rakennetta kuvan värirakenteen analyysin aikana. Väri		sävyt taiteilija rakentaa jotain
	saavuttaa ilmaisukykynsä järjestäytyessään		visuaalinen näkökulma.
	alennetaan ja sen intensiteetti vastaa intensiteettiä
	inhimillisten tunteiden voimakkuudesta.
6. Smear-tekniikka	Pinnoitteen luonne voi lisätä lisää		Tahrat voivat olla paksuja
	silmiinpistävää, lisää maalaukseen taiteellisia tehosteita		style, läpinäkymätön - pass-
	tehosteita. Taiteilija voi naamioitua, hyvittää		tonic ja neste - vähemmän
	sivelyn "laskeminen" tai päinvastoin paljastaa, peittää			Työskentele tahnamainen
	wai maali erillisillä väritulpilla, enemmän		vedot tekee elämän tekstuurin
	ruusut. Smear-tekniikan analyysin avulla voit tunnistaa muita		kangas
	kuvallisen kuvan täydellinen ilmentymä.		elävä, kohokuvioitu.
7. Tietojen paljastaminen	Tiettyjen analysointia varten ilmeikkäitä elementtejä		Kenraalin paljastaminen
yleinen suunnittelu	maalaus ei saisi menettää tärkeintä, mitä				kestää
taiteilija	analyyttinen paatos lähetetään:	aikomuksen paljastaminen			kuvaannollinen
	taiteilija. Tunnelman ymmärtäminen	kehotti häntä	rakennus kuvia.
	tartu harjaan.
	Eurooppalaisen maalauksen kehitys eteni mm
	vilo, tietyn tyylin tai suunnan puitteissa.
	Tyylien muutos osoitti taiteellisen muutoksen
	periaatteet, kriteerit, maut. Kirkkaimmin ev-
	Eurooppalainen maalaus ilmeni sellaisia ​​tyylejä kuin
	klassismi, barokki, romantiikka, realismi jne. Laki-
	analyysille annetaan arvio kuvasta näkökulmasta
	tyyli.

Veistosanalyysi

	Komposiitti		Huomautus
	1. Määritelmä	Tehtävänä on määrittää veistoksen tyyppi (pyöreä		- veistos päällä
	eräänlainen veistos	veistos-patsas, rintakuva, veistosryhmä: reli-	lentokoneita. patsas, rintakuva,
		ef - bareljeef, korkea kohokuvio) ei ole millään tavalla	veistosryhmä - erilaisia
		monimutkainen. Kuitenkin yksi tai toinen veistostyyppi vaatii	näkyvyys		veistos-
		buet erilainen lähestymistapa. Patsaan analyysi vaihtelee
		Xia rintakuvan analyysistä, veistosryhmästä jne.
		Patsaasta analysoitaessa sitä ennen kaikkea arvioidaan			kylläinen
		plastisuuden ilmaisukyky, sen semanttinen ja emotionaalinen
		naalinen kylläisyys. Tärkeä ilmaisutekijä	tähän pitäisi puuttua
		jalusta on tärkein arvo, harmoninen	kiinnitä huomiota kaikkiin yksityiskohtiin:
		sen yhdistelmän merkityksettömyydestä patsaan kanssa. Vaatteet voi	mikä pitää kiinni, mihin nojaa
		korostaa kuvan monumentaalisuutta tai dynamiikkaa	patsas jne.
		hänen plastisuuden mystiikkaa. Pitäisi keskittyä
		myös patsaan edessä (ks. rintakuva).

	Rintakuva-analyysitekniikat painottuvat analyysimenetelmiin
	Muotokuvan Lisa yleensä, ts. jonka tarkoituksena on tunnistaa
	luonteen sisäinen psykologia, ilmaistuna
	kasvojen plastisuus, ilmeet. Pitää kiinnittää huomiota
	huomio yleistynyt tai akuutti yksilöllinen ha-
	kuvan luonnehdinta, mallinnusominaisuuksien luonne
	tsa: selkeä, yksityiskohtainen, heikko tai pehmeä, sen edut
veistoksellinen	Veistosryhmän ilmaisukyvyn arviointi	Esimerkkejä onnistuneesta veistoksesta
	liittyy plastisen kuvan eheyden analysointiin,	kiertueryhmä on melko suuri
	koostuu useista hahmoista. Jos se on mahdotonta	hei, mutta heille tietysti
	vaan erottaa yksi hahmo toisesta rikkomatta	voidaan katsoa "Työskentelyn ja
	muovinen yhtenäisyys - joten meillä on esimerkki	Kollektiivityttö" Mukhina, "Pie-
	onnistuneesti toteutettu veistosryhmä. klo	tu”, kirjoittanut Michelangelo.
	tämä on usein jokainen veistoksen hahmo
	ryhmä "näyttää osansa", omalla tavallaan ilmaiseen
	tunteita ja kokemuksia.
	Helpotus on usein juoni, se ehdottaa tarinaa	Usein helpotuksen muodossa
	tietystä aiheesta. Hän on monipuolinen. Analyysi siitä	voidaan tehdä myös muotokuva.
	sisältää yksittäisten hahmojen luonnehdinnan,	Tekniikat tällaisen suhteen analysoimiseksi
	ilmaistuna asennoin ja eleinä. Helpotus tehty sisään	efa vetoaa rintakuvaa kohti.
	monumentaalinen tyyli tietysti kylläisempi
	ideoita ja symboleja kuin juoni.

Taidehistoriallisen analyysin tyypit ja mahdollisuudet
heidän hakemuksensa MHC-tunnit
.Tarve metodologisille uudistuksille ja opiskelijoiden perehdyttämiselle nykyaikaiseen taidehistorian teoreettiseen tietoon on erittäin kiireellinen useista syistä. Kulttuurin ja taiteen ilmiöiden arvioinnin ideologinen yhtenäisyys on mennyt menneisyyteen, eikä sen yhteydessä tarvita jäykkää suuntausta kriittisen ja sosialistisen realismin taiteeseen. Lisäksi moderni media, Internet ja kirjankustantajien massatuotanto ovat saavuttaneet suuren merkityksen taiteen välittämisessä ja jäljentämisessä.
Todellisuus on muuttunut moderni kulttuuri. Viime aikoina elinympäristöstä, joka on peräti taideteos, on tullut taiteen olemassaolon muoto. Viestintä taiteen kanssa siirtyy erityisinstituutioista sfääriin Jokapäiväinen elämä. On myös vastaprosessi - taiteen tuominen elämään. Tämän seurauksena käsite "taiteellinen kulttuuri" laajenee, se sisältää korkeakulttuurin ilmiöiden lisäksi myös arkielämän kulttuurin tosiasiat, joiden avulla massakulttuurin ongelmat, sen paikka ja rooli yhteiskunnassa ovat tiiviisti yhteen kietoutuneita.
Tässä yhteydessä opettaja menettää asemansa yksinomaisena arvioivana auktoriteettina ja taiteen pääasiallisena tiedonlähteenä. Mutta samalla hän saa navigaattorin aseman, mikä osoittaa opiskelijoiden kehityksen ja toiminnan pääohjeet.
D. S. Likhachev kirjoitti: "Taide valaisee ja samalla pyhittää ihmisen elämän. Mutta taideteosten ymmärtäminen on kaikkea muuta kuin helppoa. Sinun on opittava tämä - opiskele pitkään, koko elämäsi ... Aina, jotta voit ymmärtää taideteoksia, sinun on aina tiedettävä luovuuden ehdot, luovuuden tavoitteet, taiteilijan persoonallisuus ja aikakausi . Katsojan, kuuntelijan, lukijan tulee olla aseistettu tiedolla, tiedolla... Ja erityisesti haluan korostaa yksityiskohtien merkitystä. Joskus pieni asia antaa meille mahdollisuuden tunkeutua pääasiaan. Kuinka tärkeää onkaan tietää, miksi tämä tai tuo asia kirjoitettiin tai piirrettiin!”
Siksi taideteosta analysoitaessa on mahdotonta tulla toimeen vain oman näkemyksensä essee-esittelyllä taiteen esineestä. Tätä taustaa vasten taidehistorian analyysimenetelmien käyttö Moskovan taideteatterin opetuksessa tulee merkitykselliseksi.
Moskovan taideteatterin tunneilla käytetyt taidehistoriallisen analyysin päätyypit voivat olla vertaileva-historiallisia, muodollisia ikonografisia, rakenteellisia.
1. Vertaileva historiallinen analyysi
Tämä on yksi tehokkaimmista analyysityypeistä. Se perustuu toisaalta vertailuun - yksinkertaisimpaan kognitiiviseen operaatioon esineiden samankaltaisuuksien ja erojen tunnistamiseksi, ja toisaalta historismin periaatteisiin, joiden mukaan todellisuutta tarkastellaan jatkuvan muutoksen näkökulmasta. aika.
Yksinkertaisin vertailun tuloksena syntyvä suhteet - identtisyys (tasa-arvo) ja eroavaisuudet - soveltuvat kaikkiin havaittaviin ja kuviteltaviin objekteihin. Tämän seurauksena itse vertailuoperaatio mahdollistaa maailman esittämisen yhtenäisenä lajikkeena. Tämä ensisijainen toiminta ja sen soveltamisesta seuraavat päätelmät ovat ymmärtämisen kannalta erittäin tärkeitä taiteellista kulttuuria kokonaisena.
Jokaisessa kulttuurin ilmiössä on nähtävä sekä sen ainutlaatuisuus ja piirteet että yhteisyys kulttuurin kanssa kokonaisuutena. Vertailu on dynaaminen operaatio. Se merkitsee aluksi jonkinlaista vastustusta.
Ymmärtääksesi kulttuurisi, sinun on katsottava sitä ikään kuin ulkopuolelta.
Vertailussa, toisin kuin kuvauksessa, kahden objektin vastakkain, mikä on luovasti tuottavampaa. Mitä kauempana ajassa, tyylissä, ilmaisevat keinot taiteellista kieltä opiskelijoille vertailukelpoisia teoksia, sitä helpompi vertailla ja sitä omaperäisempiä ja odottamattomimpia sen tulokset voivat olla. Samalla ainakin yhdellä teoksen parametrilla tulisi olla jotain yhteistä - se voi olla yhteinen genre (muotokuva, maisema, asetelma), muotojen typologia (muinainen egyptiläinen ja mesoamerikkalainen pyramidi), yhteinen tarkoitus ja toiminta (temppeli) eri kulttuureissa muistohautakivi ), juoni, ikonografiset vakiot, muoto (pysty, vaaka, rondo) jne.
Potentiaalinen ero on erityisen merkittävä opiskelijoiden MCC:n ongelmiin tutustumisen alkuvaiheessa, jolloin he eivät vielä ole tietoisia aineen erityisongelmista. Tyyliltään samankaltaisten asioiden vertaamiseen opiskelijoilla ei ole tarpeeksi kokemusta. Joten Kramskoyn ja Perovin muotokuvien vertailu ei todennäköisesti ole tehokasta. On tuottavampaa ottaa muotokuvia opiskelijoille tuntemattomista ihmisistä ja vasta analyysin lopussa perehtyä heille heidän kohtalonsa, mikä luo edellytykset opiskelijoiden lisäpohdinnalle analyysinsä laadusta ja kyvystä arvioida henkilöä. toisen merkkijärjestelmän symbolinen kenttä.
Vertailevan historiallisen analyysin menetelmillä voidaan myös luoda ja kiinnittää opiskelijoihin oma tunnekuva taideteoksesta, aikakaudesta, tyylistä. Siten Novgorodin ja Vladimir-Suzdalin ruhtinaskuntien temppeliarkkitehtuurin vertailu mahdollistaa eron, piirteiden, yhteisyyden piirteiden erottamisen ja sen seurauksena kuvan luomisen sekä yhdestä että toisesta arkkitehtuurista, mikä synnyttää lapsen omaan tunnekoodiin.
Vertailevan historiallisen menetelmän päämuodot ovat:
- vertaileva analyysi;
- historiallis-typologinen ja historiallis-geneettinen vertailu;
- samankaltaisuuksien tunnistaminen molemminpuolisen vaikutuksen perusteella.
Vertaileva analyysi sisältää heterogeenisten kohteiden vertailun. Tämä voisi olla osuma:
- suuret kulttuurialueet (itä-länsi);
- kulttuurialueet (Venäjä - Länsi-Eurooppa);
- lava-heterogeeniset kulttuurit (perinteinen kansanperinnekulttuuri ja maailman uskontojen kulttuuri "pakanallisuus-kristinuskon" tyypin mukaan);
- tyylit (renessanssi-barokki, barokki-klassismi jne.);
- erilaisia ​​tyyppejä taidetta ja sen ilmaisumahdollisuuksia.
Tämän tyyppinen vertailu on tarkoitettu suurten, syvien ongelmien tunnistamiseen.
Historiallisella ja typologisella vertailulla pyritään paljastamaan niiden ilmiöiden yhteisyys, jotka eivät liity toisiinsa. Esimerkiksi muinaisen Egyptin, Mesopotamian ja Keski-Amerikan kulttuurit eivät ole geneettisesti sukua, ja niiden samankaltaisuuden määrää niiden typologinen kuuluvuus muinaisen maailman sivilisaatioon.
Historialis-typologisessa vertailussa kaksi toisiaan täydentävää prosessia ovat tärkeitä: erojen tunnistamiseen tähtäävä analyysi ja yhteisyyden ymmärtämiseen tähtäävä synteesi.
Muinaisen maailman kulttuurien yhteisiä piirteitä ovat:
- niiden maaginen luonne;
- hierarkia, kanonisuus ja perinteisyyttä;
- terriomorfisten ja zoomorfisten muotojen hallitsevuus mytologiassa;
- kollektiivisen periaatteen dominointi yksilöön nähden.
Luonnolliset muodot toistetaan arkkitehtuurissa ja kuvaannolliset periaatteet vallitsevat (pyramidi - vuori, pylväs - puu, pyhäkkö - luola, palatsi - luolan labyrintit).
Maailmanvuoren kuva on maailmankaikkeuden yleinen perusmalli (zikgurat, pyramidi, stupa), ja Maailmanpuun arkkityyppi on avaruuden symbolisen järjestyksen perusta.
Historialis-geneettisellä vertailulla pyritään tunnistamaan yhtäläisyyksiä yhteisen alkuperän yhteydessä. Opetustoiminnassa tällä menetelmällä on merkitystä kardinaalin muutoksen yhteydessä taiteellisia perusteita Venäjän kulttuuri kahdessa historiansa käännekohdassa.
Kristinuskon omaksuminen johti siirtymiseen Bysantin kaanoniin, ja Pietarin uudistus johti eräänlaiseen hyppyyn useiden vaiheiden läpi ja käsitykseen. muodollinen kieli Nykyajan länsieurooppalainen taide jo vakiintuneena järjestelmällisenä todellisuutena.
Muinaisen venäläisen arkkitehtuurin vertaaminen geneettisesti samankaltaisiin keskiaikaisten Armenian, Georgian ja Bulgarian arkkitehtuurikouluihin voi johtaa mielenkiintoisiin johtopäätöksiin ja esteettisen havainnon rikastumiseen. Heidän alkuperäinen mallinsa on Bysantissa luotu temppeli, jossa on ristikupoli. Ristikupoliiset temppelit muodostettiin Iranissa käytetyllä tekniikalla tukemaan kupolia sisäseinien osissa. Tämä Länsi-Aasian arkkitehdeille tuttu rakennuksen kolmiulotteisen rakentamisen periaate toimi perustana ensimmäisten kristittyjen kirkkojen rakennusten sommittelusuunnitelman kehittämiselle.
Vuosina 1017-1037. Jaroslav Viisaan johdolla Kiovaan rakennettiin Pyhän Sofian katedraali. Tällä rakennuksella ei ollut suoria analogeja Bysantissa, vaikka katedraalin ydin muodostettiin ristikupolin mukaan.
Metodologisesta näkökulmasta muinaisen venäläisen arkkitehtuurin vertaaminen muihin kansallisiin malleihin terävöittää ymmärrystä sen omaperäisyydestä, mitä ei tapahdu perinteisessä alueellisten koulujen sisäisen lukumäärän opetuksessa - Vladimir-Suzdal, Novgorod jne. Luettelo koulujen piirteet antavat oppilaille vaikutelman muinaisen venäläisen arkkitehtuurin yhtenäisyydestä. Kansallisen taiteellisen kulttuurin kansallisen erityispiirteen, sen alkuperäisten taiteellisten saavutusten ongelmat kiinnostavat suuresti koululaisia. Sitä vastoin on helpompi välittää heille vastauksen ydin kysymykseen: "Mitä esi-isämme itse asiassa loivat?"
Keskinäinen vaikuttaminen kulttuurissa on toisenlaista vertaileva analyysi, jonka tarkoituksena on tunnistaa ulkoisten lainojen sulautumisen orgaanisuus, tulkinnan omaperäisyys. Näistä asioista pohdittaessa hedelmällisin on Y. Lotmanin käsitys, joka uskoi, että ”kansa, jolla on omansa kehittynyt kulttuuri, ei menetä omaperäisyyttään risteytyessään vieraiden kulttuurien kanssa, vaan päinvastoin rikastaa omaperäisyyttään entisestään. Omaperäisyyttä ei saavuteta jonkun toisen tiedolla, vaan oman rikkaudella. Silloin se mikä on vierasta, lakkaa olemasta vieras."
2. Muodollinen analyysi
Ensimmäinen askel erilaisten kielten erityispiirteiden oppimisessa Kuvataide teki niin sanotun muodollisen taidehistorian koulun. Hänen saavutuksensa ovat erittäin tärkeitä MHC-opetuksen kannalta. Ensinnäkin muodollisen koulun pääsäännöksiin perustuva analyysi on ensimmäinen askel taideteokseksi salatun tekijän tarkoituksen ja aikakauden erityistehtävien ymmärtämisessä. Toiseksi muodollisen analyysin kategorioiden avulla on mahdollista ymmärtää kuvataiteen metaforista kieltä sekä testata opiskelijoiden spontaaneja reaktioita ja arvioita.
Arkkitehtuurin, kuvanveiston ja maalauksen muodollisen analyysin järjestelmä sisältää sellaiset parametrit kuin materiaali, muoto, koko, mittasuhteet, tekstuuri, valo, väri, rytmi- ja kompositioorganisaatio, rakentaminen, vuorovaikutus ulkoisen ympäristön kanssa, sisäisen ja ulkoisen suhde. rakenne ja tila, tilapäiset havainto- ja elämispisteet.
Edellä mainitut muodollisen analyysin parametrit sisällytettiin uuden sukupolven kuvataiteen standardien tekstiin lukio. Mutta valitettavasti me opettajat unohdamme usein opettaa opiskelijoille analyysin metodologian korvaamalla sen esseekuvauksella taideteoksesta tai kuvauksella siitä tunteista. Opiskelijan tulee vähintään kerran analysoida itsenäisesti arkkitehtuurin, kuvanveiston ja maalauksen teoksia annettujen koordinaattien mukaan. Muuten ei voi olla kyse mistään toiminta-, ongelma- tai käytäntölähtöisestä koulutuksesta.
Kunkin taidetyypin parametrit vaihtelevat hieman sen erityispiirteiden mukaan.
Arkkitehtuurin analyysi
Arkkitehtuurin abstraktin (luonnossa ei ole analogioita) luonteen vuoksi, jonka päätehtävänä on järjestää tilaa, sen analyysin pääkohdat tulisi olla:
- rakenteen tarkoitus ja toiminta;
- absoluuttiset mitat ja suhde ympäristöön;
- rakentamiseen valittu materiaali ja sen kuviollisen ymmärtämisen piirteet;
- suunnitelma;
- yleinen tilan ja massojen järjestäminen (mikä vallitsee: ensimmäinen vai toinen ja miksi?);
- suunnittelu ja siihen upotetut ideat;
- rakennuksen mittakaava (korrelaatio henkilön koon, ympäristön kanssa);
- mittasuhteet (rakennuksen osien suhde toisiinsa ja niiden suhde kokonaisuuteen);
- rytmi (tila ja massat, erilaiset tilasolut, rakenteen artikulaatio, aukot jne.);
- julkisivujen ja sisätilan valo- ja varjostusjärjestelyt;
- värin ja äänen rooli;
- korrelaatio kuvanveiston ja monumentaalimaalauksen kanssa;
- rakenteen ja siinä virtaavan elämän havainnon väliaikainen organisointi.
Arkkitehtuurin analyysi edellyttää myös omakohtaista kokemusta työstä tai erittäin suuren määrän visuaalista materiaalia - suunnitelmia, poikkileikkauksia, maisemakuvauksia, valokuvia julkisivuista useista näkökulmista, valokuvia sisätiloista jne.
Maalauksen analyysi
Maalaustyötä analysoitaessa on otettava huomioon, että toisaalta se ei operoi abstrakteilla, vaan tunnistettavissa olevilla todellisuuskuvilla, mutta toisaalta kuvallinen kuva on illusorinen (eli ei vähemmän abstrakti) kuva kaksiulotteisella tasolla, eräänlainen tulkinta todellisuudesta, sen muunnettu kuva.
Usein todellisuuden tunnistettavuus, juoni luo väärän vaikutelman kirjoittajan viestin dekoodauksen helposta saatavuudesta. Tämä on otettava huomioon analyysissä. Maalaukseen sovelletun muodollisen analyysin tulisi poiketa olennaisesti juonen primitiivisestä uudelleenkerronnasta, jota opetetaan ensimmäisellä luokalla.
Analyysi kannattaa aloittaa päättämällä kuvan tyypistä: onko se seinämaalaus vai maalaustelinemaalaus? Seuraavaksi meidän tulisi keskittyä kuvallisen kuvan kuvallisiin ja ekspressiivis-koristeellisiin toimintoihin, jotka liittyvät kaksiulotteisen tason - kuvan pinnan - suunnitteluun.
Mitat, muoto (vaaka, pystyympyrä ja muut vaihtoehdot) ja kehys (kehys kolmiulotteisena kohteena) määrittävät kynnysparametrit illusorisen ja todellisen kuvan suhteelle.
Tärkeitä metaforisia ja symbolisia luokkia yhdistetään usein kuvan levitysperusteeseen (kivi, puu, kipsi, lasi) ja maalauksen tekotekniikkaan (fresko, tempera, mosaiikki, öljy, pastelli jne.). ). Tekstuuriongelmat eivät ole vain pintasuunnittelun ongelmia, vaan myös kuvan sisäisen tulkinnan ongelmia.
Seuraavat kysymykset liittyvät tilaorganisaatioon (tasomainen tai illusorinen tila):
- linjan tulkinta, siluetti, volyymien plastisuus, chiaroscuro;
- näkökulman valinta, horisonttiviiva;
- kuvan oikean ja vasemman puolen järjestäminen (omituiset sisäänkäynnit ja sisäänkäynnit viehättävästä tilasta);
- Rytminen rakenne ja koostumus yleensä.
Veistosanalyysi
Veistoksen erikoisuus on sen todellisuus ja materiaalisuus, kolmiulotteinen volyymi ja keskittyminen kosketukseen ja kokemukseen. Veistoksen pääteema on ihmishahmo ja sen kieli on ihmiskehon ja ilmeiden kieli.
Voimme sanoa, että tämä on yksi antropomorfisimmista taiteen tyypeistä. Mutta kuvanveistäjä ei sokeasti toista ihmishahmoa sen todellisissa muodoissa, vaan luo jonkinlaisen ihanteellisen todellisuuden, ihanteellisen muodon, jossa ideat ruumiillistuvat muovisen energian hyytymien muodossa. Toisaalta yksinomainen keskittyminen henkilöön rajoittaa suuresti analyysiparametrien määrää, ja toisaalta se vaatii äärimmäisen syvällistä tulkintaa jokaisesta kohteesta.
Veistoksen tyypistä (monumentaaliveistos tai pieni muovi, vapaasti seisova hahmo, patsasryhmä tai kohokuvio) päätettyään on tarpeen määrittää selkeästi sen mitat ja suhteet ympäröivään tilaan, arkkitehtuuriin ja ihmisen mittakaavaan, tunnistaa kuvan pisteet. kirjoittajan suunnittelema näkymä.
Materiaalivalinnat (kivi, pronssi, puu, keramiikka ja muut modernit materiaalit) kuvanveistossa ovat erittäin tärkeitä ja osoittavat meille yhden tekijän tärkeimmistä ideologisista kannoista. Käsittelytapa (muovi tai veistos), valon ja varjon mahdollisuudet ja värimetafora, sisäisen rakenteen (runkorakenteen) organisointi, massojen suhde rakenteeseen ja toisiinsa, dynamiikan ja staattisen suhde, tektoninen motorisen jännityksen ja rentoutumisen hetket ja hetket riippuvat pitkälti siitä.
Jalustan (tai sen puuttumisen) ongelma kuvanveistossa on samanlainen kuin maalauksen kehyksen ongelma - se on linkki taiteen maailman ja todellisuuden maailman välillä.
Veistoksen juoni on toissijainen, koska minkä tahansa tietyn juonen yläpuolella on koko veistoksen pää- ja yhteinen juoni - kolmiulotteisen muodon luominen, ihmiskehon luominen.
Kokemusaluetta rajoittaa oppositio "staattinen liike", mutta kokemuksen intensiteetti on paljon korkeampi kuin muissa taidetyypeissä ja vaatii katsojalta huomattavaa tahdon keskittymistä. Tämä ominaisuus on otettava huomioon kuvanveistoa havainnoitaessa ja analysoitaessa.
3. Ikonologinen analyysi
"Puhtaan muodon" lisäksi taiteella erityisenä tietorakenteena on monia muita tapoja tallentaa ja välittää tietoa sekä vaikuttaa katsojaan.
Kokemattomalle keskiaikaiselle katsojalle olivat tärkeämpiä taiteen kielen täysin eri näkökohtia, nimittäin tyypilliset muodolliset juonisuunnitelmat eli toisin sanoen hahmojen tai tapahtumien kuvan ikonografia. Pyhä Raamattu. ”Hierarkian ajatuksen läpäisemä keskiaikainen tietoisuus muodostaa pyhimysten, symbolien, jopa värien hierarkian 1000-2000-luvuilla. Tuntematta tätä symboliikkaa emme voi täysin ymmärtää kuvakkeen sisältöä, se karkaa meiltä. Tämä on yksi ikonin figuratiivisen rakenteen perusta. Ja jos kuvassa värillä on emotionaalinen ja informatiivinen rooli, niin ikonimaalaushierarkiassa niillä on kanoninen rooli.
Kirkkotaiteen kanoniset skeemat ovat eräänlainen supermuoto, superteksti, joka vaikuttaa katsojaan salamannopeasti, jolloin hän pystyy lähes välittömästi havaitsemaan pyhän kuvan sisällön toisaalta ja sen pyhyyden, eli kuulumisen toiseen maailmaan, toisaalta.
Ikonografia käsittelee taiteen kielen kanonisia puolia taidehistoriassa. Sen menetelmiä ovat henkilön kuvaamiseen omaksuttujen typologisten piirteiden ja kaavojen kuvaus ja systematisointi tai juonikaaviot, minkä tahansa aikakauden tai suunnan taiteelle ominaisten henkilökuvien kokonaisuuden analyysi.
MHC-opettajalle tässä menetelmässä lopputulos on tärkeämpi, johon opiskelijat on perehdyttävä. Näin opiskelijat voivat toisaalta paremmin "lukea" ja ymmärtää ikonografiaa, buddhalaisuuden ja hindulaisuuden kanonisia kuvia, tulkita pohjoisen ja italialaisen renessanssin teoksia ja toisaalta tekee heistä herkempiä muutoksille. kaanonin sisällä ja auttaa arvioimaan uudelleen renessanssitaiteen saavutuksia ja itse asiassa tiukasti säädellyn kaanonin hylkäämistä.
Ikonologia taidehistorian suuntauksena on ikonografiaa laajempi, sillä se tutkii paitsi uskonnollisten kultien asettamia kaanoneja, myös taideteoksissa olevia vakaita juonia ja kuvamotiiveja (sävellyskaaviot, kaavafragmentit, teemat, juonet, attribuutit, symbolit ja heraldiset merkit), siirtävät aikakauttaan aikakauteen, taiteen lajista toiseen, mestarilta mestarille. Näitä vakaita taiteen kielen elementtejä taidehistorian ikonologinen koulukunta pitää eräänlaisena lomakemuistin kantajina, toisin sanoen "symbolisena muotona", joka sisältää kulttuurin "piilotetut merkitykset ja viestit", salatun taiteen koodeja.
Huolimatta ikonologisen menetelmän monimutkaisuudesta, se on melko helposti opiskelijoiden saatavilla Moskovan taideteatterin tunneilla. Tosiasia on, että kaikilla lapsilla, jotka lukevat satuja lapsuudessa, on tietyt perustiedot muotojen muistista. Kaikki tietävät, että mytologian, eeppisten, satujen jumalilla ja sankarilla on esineitä, joilla on erityisiä maagisia ominaisuuksia, jotka eivät vain auta heitä suorittamaan tehtäviään, vaan sisältävät usein myös heidän elämänvoimansa.
Attribuuttien pysyvyyttä voidaan käyttää niissä tapauksissa, joissa mytologiset hahmot menettävät yhtenäisen kuvansa ja jatkavat olemassaoloa myöhempien aikojen kulttuurissa fragmentaarisessa muodossa. Tässä tapauksessa attribuutit voivat toimia johtolankaana monien kulttuuristen ilmiöiden tulkinnassa, auttaa jäljittämään yhteensopimattomilta näyttävien kuvien jatkuvuutta.
Rakenteellinen analyysi
Rakenneanalyysiä tehdään merkkijärjestelmien pohjalta, jolloin se liittyy läheisesti semiotiikkaan (merkkijärjestelmien tiede) ja semantiikkaan (merkitystiede). Taiteen historian tarkastelu sellaisten merkkien ja symbolisten järjestelmien kehitysmallien näkökulmasta, jotka liittyvät sellaisiin käsitteisiin kuin kulttuurikoodit, binaariset vastakohdat, arkkityyppi, mytologeemi, mahdollistaa toisaalta semanttisen, merkityksellisen komponentin vahvistamisen. taiteellisen kulttuurin tutkimuksesta, joka huolestuttaa ennen kaikkea teini-ikäistä, ja toisaalta korostaa tämän sisällön henkilökohtaista lukemista.
Arvoorientaatioiden näkökulmasta koko maailman taiteellisen kulttuurin yhtenäisyyden ymmärtäminen johtaa suvaitsevaisemman asenteen kehittymiseen vieraiden kulttuurien muotoja ja arvoja kohtaan. Kaikille kulttuureille yhteiset prototyypit, kuten maailmanpuu, tie, maaäiti, varjo, viisas vanha mies, viisas vanha nainen, anima, sankari, antisankari itsenäisen koulutus- ja projektitoiminnan prosessissa. MHC:n puitteet tehostavat oppimisen ja työn aktiivisuutta lisäämään opiskelijoiden henkilökohtaista kiinnostusta.
Tietyt esineet, menettämättä konkreettisuuttaan, voivat tulla muiden esineiden ja käsitteiden merkkejä (koodeja) ja korvata ne symbolisesti.
Yksi vanhimmista on geometristen symbolien koodi ja siihen läheisesti liittyvä numeerinen symboliikka.
Koodit voivat olla hyvin erilaisia: zoomorfinen, kasvis, väri, ruoka, kemiallinen, numeerinen, geometrinen jne.
Rakenneanalyysi on tärkeä MHC-tuntien käytössä siinä, että transformaatiooperaatiot tulevat esille, mikä on erittäin tärkeää opiskelijoiden ajattelun kehittymisen kannalta. Opiskelijat kehittävät analyyttisiä kykyjään, kykyä nähdä yleistä, jäsentää ja systematisoida tietojaan suorittamalla operaatioita, kuten ensisijaisen objektijoukon valitsemista, jakamalla esineitä ensisijaisiin elementteihin, tunnistamalla muunnossuhteita.
Maailman taiteellisen kulttuurin kurssin kehityspotentiaali liittyy suoraan itse aiheen ideologiseen luonteeseen, luovuuteen, itsetuntemukseen. Näissä olosuhteissa opettajasta tulee saattaja, eräänlainen kiinnostunut tarkkailija itsenäinen työ koulu lapset.
Taidehistoriallisen analyysin avulla opiskelijat voivat valita ajattelunsa suunnan systemaattisen kulttuurimonumentteihin tutustumisen perusteella saadakseen käsityksen kokonaisvaltaisesta ja moniulotteisesta kuvasta. henkinen kehitys ihmiskuntaa ja tämän pohjalta kehittämään oman versionsa kehityksestä. Moskovan taideteatterin opettajalla tulee olla monipuolista taidehistorian erityisosaamista. Tästä tulee erityinen ongelma, koska mikään pedagoginen yliopisto ei valmistele "MHC:n opettajan" erikoisuutta. Nykyään opettajat, jotka uskaltavat opettaa tätä aihetta, asetetaan jäykän ja jatkuvan itsekoulutuksen kehykseen. Tämä ei koske vain opetusmenetelmiä, vaan myös itse taidehistorian aihetta.
Taideteoksen analyysin rajoittaminen muodon ja sisällön kehykseen tai esseehavaintoon ei voi olla ainoa valittu tapa tutustua tai varsinkin taidekohteen tutkimiseen.
Toisaalta taideteoksen analysointi on mahdotonta ilman laajaa faktologian tietämystä, teoreettisia perusteita. Tässä tapauksessa suuri rooli voi olla erilaisilla opettavilla ja informatiivisilla tehtäväkorteilla, opetuksen hakumenetelmien käytöllä, tietotekniikan käytöllä. Loppujen lopuksi olosuhteissa, joissa yhteiskunnan tulee tietoisuuden aikakaudelle, yksi MCC:n opettajan välttämättömistä vaatimuksista on erilaisten tiedon hankkimis-, työ- ja käyttömenetelmien hallinta ( tietokoneohjelmat koulutustarkoituksiin, Internet, audiovisuaaliset keinot jne.).
Jos nämä edellytykset täyttyvät, MHC-opetus koulussa palvelee tuottavien kasvatusongelmien ratkaisemista, jolloin lapset voivat itsenäisesti rakentaa ongelmamuotoiluja, analysoida ongelmanratkaisua käytännön kontekstissa ja sitä kautta kehittää tuottavaa kriittistä ajattelua.

Tätä suunnitelmaa tarvitaan ympäri vuoden, myös museon työpajoissa.

1. Esittely

Mistä työstä puhut? Tekijä, otsikko, päivämäärä, kokoelma, tekniikka(täysarvoisten lauseiden muodossa, ei luetteloviitteenä). Elämäkertaa ei tarvitse kirjoittaa uudelleen.

Työn tarkoitus ja tehtävät(4-5 lausetta johdannossa). Mistä kirjoitat ja miksi? Miksi nämä teokset valittiin? Miten analyysi tarkalleen ottaen tehdään? Miksi tätä analyysiä tarvitaan? Miksi teoksia pitää vertailla?

Alkusanat aikakaudesta, tyylistä, aikakaudesta…

2. Työn kuvaus ja analyysi

Jokaisessa alaosassa suoritetaan muodollisen laitteen ja kuvan välinen suhde.. Kun vertailuja kuvaus ja analysointi etenevät joko peräkkäin (toista työtä verrataan ensimmäiseen) tai rinnakkain.

Teoksen kuvaus. Mitä näytetään? Genre, teema, juoni.

Koostumuskaavio ja sen toiminnot

• koko
• muoto (pysty- ja vaakasuuntainen pitkänomainen, neliö, soikea, pyöreä, kuvasuhde)
• geometrisia kuvioita
• pääkokoonpanon linjat
• tasapaino, kuvan osien suhde toisiinsa ja kokonaisuuteen,
• katselujärjestys

Avaruus ja sen toiminnot.

• Perspektiivi, katoavat kohdat
• tasaisuus ja syvyys
• aluesuunnitelmat
• katsojan ja teoksen välinen etäisyys, katsojan paikka kuvan tilassa tai sen ulkopuolella
• näkökulma ja kulmien läsnäolo, horisonttiviiva

Chiaroscuro, volyymi ja heidän roolinsa.

• tilavuus ja taso
• linja, siluetti
• valonlähteet, kellonaika, valotehosteet
• valon ja varjon emotionaalinen vaikutus

Väri, väri ja sen toiminnot

• sävyjen tai paikallisten värien hallitsevuus
• lämpimiä tai kylmiä värejä
• lineaarisuutta tai maalauksellisuutta
• pääväripisteet, niiden suhteet ja rooli koostumuksessa
• sävy, Valeria
• refleksit
• värin emotionaalinen vaikutus

Pinnan rakenne (Smear).

• vedon luonne (avoin rakenne, sileä rakenne)
• smear orientaatio
• tahran kokoa
• lasitus

3. Johtopäätös

Toistaa tärkeimmät havainnot koskien kuva, teoksen merkitys.

Liite 1.

Taideteoksen analyysi algoritmin perusteella:

Kuinka voit analysoida taideteoksia?

luovuus?

2. Genreen kuuluminen: historiallinen, kotimainen, taistelu, muotokuva,

maisema, asetelma, sisustus.

3. Tärkeimmät keinot taiteellisen kuvan luomiseen: väri, piirustus,

chiaroscuro, tekstuuri, kirjoitustyyli.

4. Nimen merkitys. Juonen ja koostumuksen ominaisuudet.

5. Kulttuurihistorialliseen aikakauteen, taiteelliseen tyyliin tai suuntaan kuuluminen.

6. Millaisia ​​henkilökohtaisia ​​vaikutelmia sinulla on maalauksista?

Liite 2

1 Ryhmä "Romantikkojen tuliset siveltimet" (KIERTOOPPAAT) Maailman maalaustaiteen historiassa romanttisuus oli valoisa ja loistava aikakausi.

Sana "romanttisuus" juontaa juurensa latinalaiseen romanus - roomalaiseen, toisin sanoen syntyneen roomalaisen kulttuurin pohjalta tai siihen läheisesti liitettynä.

Ihmisten tunteiden ja kokemusten maailma. Romanttiselle maalaukselle oli ominaista "luomisen jano kaikin mahdollisin tavoin". Maalauksen keinot olivat: kirkas kylläinen väri, kontrastinen valaistus, tunnetapa.

Mikä on romanttisen sukupolven henkilö? Usein hänestä tulee julman verenvuodatuksen ja sotien, kokonaisten kansojen traagisen kohtalon todistaja. Hän suorittaa sankarillisia tekoja, jotka voivat inspiroida muita. Romantikot vetivät puoleensa historialliset tapahtumat, joista he piirsivät juonen monille teoksilleen.

1. Romantismin suunnan näkyvä edustaja maalauksessa oli espanjalainen taiteilija Francisco Goya (1746-1828). Hän hallitsi kaikki maalauksen genret. Hänellä oli maalauksia uskonnollisista aiheista, hovimuotokuvia.

V. Hän näki Napoleonin sodat, jotka tuhosivat ja tuhosivat Espanjan. Vuonna 1808 Madridissa puhkesi kansannousu vastauksena Napoleonin miehityksen julmimpiin sortotoimiin. Näissä vaikeita vuosia Francisco Goya oli kansansa kanssa. Maalaus "Kinallisten teloitus yöllä 3. toukokuuta 1808", kirjoitettu vuonna 1814 ja ollut esillä Prado-museossa Madridissa, oli syyte taiteilijan pahuudesta ja väkivallasta. Hän tunsi selvästi kansallisen tragedian todellisen laajuuden.

Kuvassa on espanjalaisten vapaustaistelun alkua ranskalaisia ​​miehittäjiä vastaan, nimittäin kohtaus, jossa miehitys Ranskan joukkoja teloittavat espanjalaiset kapinalliset. Goya kuvaa espanjalaisia ​​kapinallisia ja ranskalaisia ​​sotilaita kahtena toisiaan vastakkaisena ryhmänä: useana aseettomana Madridin käsityöläisenä ja joukkona sotilaita aseilla. Espanjalaisten kasvot ja asennot on Goya täsmentänyt melko selvästi (isänmaallisuus, rohkeus, viha, pelottomuus jne.), kun taas ranskalaiset sotilaat on kirjoitettu sujuvasti ja näyttävät sulautuvan yhdeksi kasvottomaksi massaksi.

B. "Carlos VI:n kuninkaallisen perheen muotokuva"

Vasemmalta oikealle: Don Carlos vanhin, tuleva Espanjan kuningas Ferdinand VII, Carlos IV:n sisar Maria Josefa Carmela, tuntematon nainen, Maria Isabella, Carlos IV:n vaimo Parman kuningatar Maria Luisa, Francisco de Paula de Bourbon, kuningas Carlos IV, hänen veljensä Antonio Pascual, Cartola Joaquina (vain osa päästä näkyy), Ludvig I vaimonsa Maria Luisan kanssa, heidän poikansa Kaarle II, tuleva Parman herttua, on sylissään. Taustalla, varjoissa, Goya maalasi itsensä. Maagiset, kimaltelevat värit eivät pysty peittämään hahmojen röyhkeyttä, typeryyttä, moraalista ja henkistä köyhyyttä.

2. Suuren espanjalaisen Theodore Gericaultin aikalainen osoitti myös syvää kiinnostusta ihmisen sisäiseen maailmaan. Gericaultin teokselle on ominaista äärimmäinen draama, intohimojen voimakkuus, värikontrasti. Kuninkaallisten muskettisotureiden palveluksessa Gericault kirjoitti pääasiassa taistelukohtauksia, mutta matkusti Italiaan vuosina 1817-19. hän esitti suuren ja monimutkaisen maalauksen "Medusan lautta"

(Sijaitsee Louvressa, Pariisissa). Tämän mestarillisesti kirjoitetun teoksen juonen uutuutta, sävellyksen syvää dramatiikkaa ja elämän totuutta ei heti arvostettu, mutta se sai pian tunnustusta ja toi taiteilijalle mainetta lahjakkaana ja rohkeana uudistajana.

Hänellä ei ollut kauan nauttia kuuluisuudesta: tuskin ehtinyt palata Englannista Pariisiin, jossa hänen opintojensa pääaihe oli hevosten tutkiminen, ja hän laskeutui hautaan onnettomuuden seurauksena - hevoselta putoamisen seurauksena.

Kuvan juoni perustuu todelliseen tapaukseen, joka tapahtui 2. heinäkuuta 1816 Senegalin rannikolla. Sitten Argenin matalikolla, 40 liigan päässä Afrikan rannikolta, fregatti Medusa haaksirikkoutui. 140 matkustajaa ja miehistön jäsentä yritti paeta noustamalla lautalle. Vain 15 heistä selvisi hengissä, ja kahdentenatoista vaelluspäivänä Argus-priki haki heidät. Selviytyneiden matkan yksityiskohdat järkyttivät nykyajan yleistä mielipidettä, ja itse hylky muuttui skandaaliksi Ranskan hallituksessa aluksen kapteenin epäpätevyyden ja uhrien pelastusyritysten riittämättömyyden vuoksi.

Maalauksen "Medusan lautta" lisäksi Louvressa on seitsemän taistelumaalausta ja kuusi tämän taiteilijan piirustusta. Hänen maalauksensa ovat täynnä hämmennystä, ahdistusta.

3. Eugene Delacroix (1798-1863) kirjoitti samalla tavalla kuin Theodore Géricault.

V. Hänelle oli ominaista huomio itämaisiin aiheisiin. Yksi hänen silmiinpistävimmistä luomuksistaan ​​on maalaus "Massacre on Chios", joka esittää jaksoja Kreikan ja Turkin sodasta. Joten historioitsijat kutsuivat turkkilaisten 11. huhtikuuta 1822 suorittamaa Khioksen saaren asukkaiden julmaa joukkomurhaa, koska saaren asukkaat tukivat Kreikan itsenäisyyden puolesta taistelijoita. Saaren 155 000 asukkaasta vain noin

2000. Jopa 25 000 teurastettiin, loput orjuutettiin tai maanpaossa.

Loistava Ranskan vallankumous ja sitä seuranneet Naoleonin aggressiiviset kampanjat, julmat poliittiset sortotoimet ja teloitukset, loputtomat hallitusten vaihdot vuonna 1830 nostivat erityisen terävästi esiin kysymyksen kansan ja yksilön roolista historiassa.

B. Delacroixille oli ominaista poliittinen paatos. Vuonna 1830 taiteilija valmistui maalauksen "Vapaus johtaa ihmisiä". Delacroix loi maalauksen, joka perustui vuoden 1830 heinäkuun vallankumoukseen, joka lopetti Bourbon-monarkian entisöinnin. Lukuisten valmistelevien luonnosten jälkeen häneltä kesti vain kolme kuukautta maalauksen valmistumiseen. Kirjeessä veljelleen 12. lokakuuta 1830 Delacroix kirjoittaa: "Jos en taistellut isänmaan puolesta, niin ainakin kirjoitan hänen puolestaan." Ensimmäistä kertaa "Liberty Leading the People" oli esillä Pariisin salongissa toukokuussa 1831, jossa maalaus otettiin innostuneesti vastaan ​​ja valtio osti sen välittömästi. Vallankumouksellisen juonen vuoksi kangasta ei ollut esillä yleisölle noin 25 vuoteen. Veren, kärsimyksen ja kuoleman kautta kaunis nainen kolmiväribanneri kädessään johtaa ihmiset voittoon. Paljas rintakehä symboloi tuon ajan ranskalaisten omistautumista, joka "paljaalla rinnalla" meni vihollisen luo. Väkijoukossa voi nähdä aseistautuneita köyhiä, slummejen asukkaita, opiskelijaa ja pikku Gavrochea pistooleineen. Taiteilija kuvasi itsensä miehenä silinterissä vasemmalla päähenkilö. Joskus kuva yhdistetään virheellisesti suuren Ranskan vallankumouksen tapahtumiin.

Aikalaiset kutsuivat maalaukseksi "ranskalaisen maalauksen Marseillaisea", ja viranomaiset julistivat Delacroixin vaaralliseksi taiteilijaksi.

Liite 3

Ryhmä 2 "On välttämätöntä maskuliinoida taidetta" (ASIANTUNTIJAT - TAITEETIEDEJÄT) Realismi on toisen suunnan taiteen suunta puolet XIX vuosisadalla. Realismin käsite on latinaa realis- tarkoittaa syvää todellisuuden heijastusta. 1800-luvun puoliväliin mennessä realismista tuli taiteen johtava ja vaikutusvaltaisin suunta.

Mitä uusia tehtäviä taide asetti nyt?

1. Erinomainen litografian mestari (eräänlainen grafiikka painolevylle, jonka kivipinta on), ranskalainen taiteilija Honore Daumier, joka vihaa kaikkea sortoa ja väkivaltaa, vastasi aina aikansa polttaviin kysymyksiin. antaa heille oman arvionsa. Hän aloitti uransa sarjakuvapiirtäjänä tehden satiirisia piirustuksia aikakauslehteen. Hänen litografiansa myytiin heti loppuun, ne olivat kaikkien tiedossa.

Aikalaiset pitivät kuuluisaa litografiaa "Transnosen katu" protestina heinäkuun vallankumouksen (1834) jälkeistä terroria ja verenvuodatusta vastaan. Tämän työn historiallisena perustana olivat huhtikuun 1834 tapahtumat, jotka liittyivät hallituksen joukkojen poliittisten mielenosoitusten hajottamiseen. Rue Transnonen talosta numero 12 verhoilla peitetystä ikkunasta ammuttiin mielenosoitusta hajottavia sotilaita. Vastauksena sotilaat murtautuivat taloon ja tappoivat kaikki asukkaat. Daumier halusi, että litografia ei synnyttäisi sääliä, vaan vihaa. Näin aikalaiset näkivät sen: "tämä ei ole karikatyyri, ei karikatyyri, tämä on verinen sivu nykyhistoriasta, sivu, jonka on luonut elävä käsi ja sanelee jalo suuttumus."

Sarjakuvapiirtäjä Daumier tunsi hyvin yleisön, mutta monet eivät tienneet hänen maalaamisesta. Taiteilijan pieneen ateljeeseen on kertynyt kankaita. Erityinen paikka kuuluu Don Quijotea koskeville maalauksille. Ilman pelkoa ja moitteita ritari, joka vaelsi etsiessään hyvyyttä ja oikeutta, houkutteli Daumieria henkensä voimalla. Hauskan ulkonäön ja naurettavien tekojen takana erottuu jalo, suuruus ja myötätunto ihmisiä kohtaan.

2. Gustave Courbet ranskalainen taidemaalari, maisemamaalari, genremaalari ja muotokuvamaalari. Häntä pidetään yhtenä romantiikan toteuttajista ja realismin perustajista maalauksessa. Yksi Ranskan suurimmista taiteilijoista 1800-luvulla, ranskalaisen realismin avainhenkilö.

Hän syntyi Ranskassa, ja hänen tulonsa ranskalaiseen maalaukseen oli skandaali. Jotkut moittivat hänen töitään raivoissaan ja kutsuivat niitä rumaksi, toiset päinvastoin profetoivat hänelle suurta tulevaisuutta. Pariisissa vuonna 1855 hän avasi näyttelyn "Realismin paviljonki". Courbet yritti kuvata ihmiset sellaisina kuin he ovat, niin rumina ja töykeinä kuin hän näkee heidät. Kiinnitä huomiota ympäristöön, luontoon, julkiset suhteet ja ihmisen yksilölliset ominaisuudet määrittelivät taiteen realistisen suuntauksen olemuksen.

Maalauksessaan "Kivimurskaimet" vanha työläinen karkeasti paikatuissa vaatteissa ja halkeilevissa puukengissä polvistuessaan murtaa vasaralla rakentamiseen valmisteltuja kiviä. Nuori mies rievuissa voi tuskin pitää raskasta koria käsissään. Sanomalehdissä taiteilijaa syytettiin ruman ylistämisestä, mutta riittää, että katsot maalausta "Voittajat" ymmärtääkseen, millä kunnioituksella Courbet maalasi työväkeä.

3. "Talonpoikamaalari" - niin lempinimeltään Jean Millet - ranskalainen taiteilija. Ranskan maaseudun maailmasta tuli hänen luovuuden ehtymätön lähde. Jo tunnettu taiteilija hän jatkoi talonpoikaistyötä ja antoi vapaa-aikaa maalaamiseen.

Vuonna 1857 esiteltiin hänen maalauksensa "Korvien keräilijä". Poimijat saivat kulkea peltojen läpi aamunkoitteessa ja poimia ruohonleikkureilta jääneet piikit. Tälle kankaalle taiteilija kuvasi kolme heistä, jotka olivat kumartuneita maan päälle matalassa keulassa - vain näin he onnistuvat keräämään sadonkorjuun jälkeen jääneet maissin tähkät ... Niissä Millet osoitti kolme raskaan vaiheen liike, jota naisten piti jatkuvasti toistaa uudestaan ​​​​ja uudestaan ​​- taivuta, poimia piikiä ja suorista uudelleen. Heidän käsissään olevat pienet kimput eroavat taustalla näkyvästä runsaasta sadosta. Siellä on pinoja, lyhteitä, vaunu ja joukko niittomiehiä kiireisenä.

Taiteilija pystyi erittäin tarkasti välittämään talonpoikien työn taakan, köyhyyden ja nöyryyden. Teos aiheutti kuitenkin erilaisia ​​yleisön arvioita ja kritiikkiä, mikä pakotti Milletin siirtymään tilapäisesti talonpojan elämän runollisempiin puoliin.

Liite 4

Ryhmä 3 "Hylättyjen salonki" (IMPRESSIONISTIT TAITEILIJAT) Pariisi, 1863, Teollisuuspalatsi: Kuuluisan Salon of the Art -näyttelyn tuomaristo, joka järjestetään täällä vuosittain, hylkää noin seitsemänkymmentä prosenttia lähetetyistä teoksista... Keisari Napoleon III itse joutui puuttumaan skandaaliin. Tutustuttuaan hylättyihin kankaisiin hän antoi ystävällisesti esitellä ne Teollisuuspalatsin toisessa osassa. Niinpä 15. toukokuuta 1863 avattiin välittömästi näyttely nimeltään Salon of the Misérables.

Loppu XIX alku XX vuosisatoja - aikaa muuttaa. Tieteellinen ja teknologinen kehitys ja poliittiset mullistukset johtivat vakaviin muutoksiin taiteessa, määrittelivät uusia ja omaperäisiä kehitystapoja. 1800-luvun taide nähdään vanhojen taiteellisten perinteiden hylkäämisenä, yrityksenä ajatella luovasti uudelleen menneisyyden klassista perintöä. Siellä on rohkeita innovaatioita, kokeiluja, joita ei ole rajoitettu minkäänlaisilla viitekehyksellä ja sopimuksilla. Taiteilijasta tuli töissään vapautunut ja vapaa. Häntä ohjasi oma makunsa ja mieltymyksensä.

Impressionismi - ranskan sana impression käännetään vaikutelmaksi.

Toisin kuin romantikot ja realistit, impressionistit eivät pyrkineet kuvaamaan historiallista menneisyyttä, vaan heidän kiinnostuksen kohteensa oli nykyisyys.

Esitettyään omat periaatteensa ympäröivän maailman havainnointiin ja näyttämiseen, he loivat uuden kuvakielen. Heille ei ollut tärkeä juoni itse, vaan sen aistillinen havainto, vaikutelma, jonka se saattoi tehdä katsojassa. Impressionistit yrittivät välittää kuvassa ”hetkiä”, hetkellisiä tuntemuksia. Nämä tuntemukset tuhosivat tavanomaiset muodot ja vakiokuvion. Heidän näkemyksensä oli puhtaasti yksilöllinen.

1. Impressionismin näkyvin edustaja ja yksi sen perustajista on Edouard Manet, jonka kankaat ”Emile Zolan muotokuva” ovat vaikuttavia.

Kirkas auringonvalo, ihmisen iloinen mieliala - taiteilijan ilmaisuväline. Pääpaino oli Edouard Manet'n maalauksessa "Aamiainen ruoholla".

Käyttäen ja pohtien uudelleen vanhojen mestareiden maalausten juonia ja motiiveja Manet pyrki täyttämään ne terävällä modernilla soundilla tuoden poleemisesti modernin ihmisen kuvan kuuluisiin klassisiin sävelluksiin. Manetin tie kuuluisuuteen osoittautui pitkäksi ja vaikeaksi, Salonin tuomaristo hylkäsi poikkeuksetta hänen maalauksensa, ja vain harvat uskalsivat puolustaa taiteilijaa. Heidän joukossaan oli Émile Zola, joka kirjoitti sanomalehdessä: "Hra Manet'n paikka Louvressa on jo varmistettu."

"Emile Zolan muotokuva" - taiteilija kuvaa ystäväänsä toimistossaan pöydän ääressä, joka on täynnä papereita ja kirjoja. Sisustus todistaa omistajan mausta: japanilainen näyttö upealla maisemalla, Manetin maalauksen jäljennös. Kirjailijan varjolla voi arvata vahva persoonallisuus, kirkas persoonallisuus.

"Aamiainen ruoholla", joka aiheutti tunteiden myrskyn, ankarimman kritiikin ja yksimielisen tuomion, että tämä "aamiainen" on ehdottomasti "syömätön". Yleisöä ärsytti erityisesti se, että kunnollisesti pukeutuneita, kenkiä, solmio- ja keppimiehiä kokoontui metsäaukiolle, jonka vieressä hehkuivat alasti naisen ruumiit. Kuvan nimi saa jonkinlaisen pikantin merkityksen, varsinkin kun mitään syötävää ei oikeastaan ​​ole kuvattu. Etualan vasemmassa kulmassa on heikko aavistus ruokaa, mutta selvästi näkyy, että kankaan päällä, kenties jonkun puvussa, on puolityhjä kori, jossa on useita sieniä, ja lähistöllä näkyy useita marjoja vihreillä lehdillä. Siinä koko aamiainen. Kaksi melko nuorta miestä lepäävät vapaasti nurmikolla ja keskustelevat jostain elävästi. Oikealla elehtivä kertoo jotain mielenkiintoista, hauskaa, sillä keskustelukumppani hymyilee suloisesti. Nolo hymy loistaa hänen vieressään istuvan naisen kasvoilla. Sen alla on rypistynyt vaaleansininen kangas, nainen itse istuu vapaassa kevyessä asennossa, täysin alasti, ei liian nuori, hieman ylipainoinen. Vierekkäin istuvalla pariskunnalla on sama hiusväri, he ovat samanikäisiä, mahdollisesti puolisoita. Toinen vaaleassa, löysässä, valkoisessa paidassa oleva nainen näkyy hieman kauempana, mutta hän kuulee keskustelun, hänestä näkyy, että hän kuuntelee ja myös hymyilee. Kuva on täynnä kirkasta rauhaa, lämmintä autuutta.

Zola kutsui kangasta kiinteäksi lihaksi, joka oli mallinnettu valovirtojen avulla yksinkertaisesti, totuudenmukaisesti ja taitavasti.

2. Impressionistit kuitenkin todella tekivät itsensä tunnetuksi vuonna 1874 yhteisnäyttelyllä. Koko suunta on nimetty Claude Monet'n maalauksen "Impression. Auringonnousu" (ranskaksi "vaikutelma" on "vaikutelma".).

Termi "impressionismi" sai alkunsa kevyt käsi"Le Charivari" -lehden kriitikko Louis Leroy, joka antoi Les Misérables -salonkia käsittelevän feuilletoninsa nimeksi "Impressionistien näyttely" käyttäen perustana tämän Claude Monet'n maalauksen nimeä.

Hienostunut maisemamaalari, Pariisin esikaupunkiin rakastunut Monet kiehtoi intohimoisesti vesielementtiä.

Claude Monet esitteli käytännön luoda sarja maalauksia eri valaistuksessa, esimerkiksi Rouenin katedraali. Kahden vuoden ajan hän matkusti Roueniin katsomassa valon leikkimistä. Monet maalasi yli 20 näkymää katedraalista vuonna eri aika päivät: aamuauringon säteissä, häikäisevänä keskipäivänä, iltahämärässä. Yleisö alkoi puhua hänen maalaustensa yksitoikkoisuudesta.

3. Camille Pissarro alkoi kirjoittaa mitä tahansa maalauksiaan taivaalta uskoen, että taivas antaa sille syvyyttä ja välittää liikettä. Tässä on mitä Pissarro sanoi maalaustensa luomisesta. "Näen vain täpliä. Kun aloitan maalauksen, ensimmäinen asia, jonka teen, on… aseta suhde. Tämän taivaan, maan ja veden välillä on epäilemättä tiettyjä suhteita, eivätkä nämä suhteet voi olla muuta kuin harmonisia. Tämä on maalauksen tärkein vaikeus. Minua kiinnostaa yhä vähemmän maalauksen materiaalipuoli (eli viivat). Tärkeintä on pelkistää kaikki pienimmätkin yksityiskohdat kokonaisuuden harmoniaan eli johdonmukaisuuteen. Kangas "Boulevard Montmartre in Paris" vie meidät vilkkaalle moottoritielle. Monet vaunut liikkuvat eri suuntiin, ohikulkijat kiirehtivät ahkerasti. Kaikki on verhottu läpinäkyvään - lila-usseen. Taiteilija kirjoittaa nopealla vedolla, tuskin koskettaen kankaaseen siveltimellä.

Mutta näistä pisteistä ja vedoista syntyy kuva aurinkoisesta kevätpäivästä, eloisa ja kuohuva.

4. Auguste Renoiria kutsutaan maailman velhoksi. Valon heijastukset elävöittävät kuvaa, panevat sen liikkeelle. Teokset erottuvat elävästä liikkuvasta sävellyksestä. Renoir kirjoitti: "Rakastan kuvia, jotka herättävät minussa halun kävellä niiden syvyyksiin, jos se on maisema, tai koskettaa sitä kädellä, jos se on kuva naisesta ...". Useimmiten Renoir kirjoittaa naisia ​​ja lapsia pitäen heitä luonnon täydellisimpinä luomuksina. Häntä eivät houkuttele kylmät maalliset kaunottaret, vaan iloiset ja eloisat "todelliset" ranskalaiset naiset. Mutta muotokuvalle "Tyttö tuulettimella" luotiin täysin erilainen kuva. Nuori, hauska tyttö. Kasvot on kirjoitettu lempein sävyin, paksut mustat hiukset on valettu lilaan ja violettiin. Tuolin punertavat heijastukset heijastuvat tuulettimen valkoiselle kankaalle.

5. Pastellitekniikka avasi valtavia mahdollisuuksia värin käytössä (fr.

pastelli - maalaus värikynillä ja värikkäällä jauheella. Edgar Degas piti erityisesti työskentelystä siinä. Pastellien tekstuuri on samettinen, se pystyy välittämään värin värähtelyä, joka näyttää hehkuvan sisältä. Elokuvassa "Blue Dancers"

pastellitekniikkaa käytettiin tehostamaan sävellyksen koristeellista vaikutusta ja kevyttä ääntä. Kuvaa tulviva kirkkaan valon snob auttaa luomaan balettitanssin erityisen juhlallisen tunnelman, näyttää siltä, ​​että valo korvaa piirustuksen kokonaan, se järjestää, johtaa yhteen merkitykseen monimutkaiseen värien sinfoniaan. Kirkkaan sinisissä tutusissa, kukkaset hiuksissaan, tanssijat näyttävät upeilta keijukeijuilta, jotka osallistuvat taianomaiseen ekstravagantisuuteen.

Maalausta säilytetään Puškinin valtion taidemuseossa Moskovassa, jonka se sai vuonna 1948 Valtion uusien museosta. Länsimainen taide; vuoteen 1918 asti se oli Sergei Ivanovich Shchukinin kokoelmassa Moskovassa, maalauksen jälkeen maalausta säilytettiin Durand-Ruelin kokoelmassa Pariisissa.

Liite 5

Ryhmä 4 "Etsimässä omaa polkuaan" (NÄYTTELYN KÄVIJÄT) 1800-luvun lopulla taiteilijat Paul Cezanne ja Vincent van Gogh julistivat äänekkäästi itsensä. He yhdistyivät ryhmäksi, joka antoi nimen postimpressionismin uudelle taiteelliselle suunnalle. Postimpressionismi (fr. postimpressionisme) on kuvataiteen suuntaus. Se syntyi 1800-luvun 80-luvulla. Tämän suuntauksen taiteilijat eivät pitäneet kiinni vain visuaalisista vaikutelmista, vaan pyrkivät ilmaisemaan vapaasti ja yleisesti maailman aineellisuuden, turvautuivat koristeelliseen tyylityöhön. Postimpressionismin alku osuu impressionismin kriisiin vuonna myöhään XIX vuosisadalla.

1. Väsymätön uuden kompositioratkaisun etsiminen maalauksille, tapoja välittää väriä ja valoa ovat ominaisia ​​Paul Cezannen teokselle.

Hän maalasi asetelmia hedelmillä, hän oli vähiten huolissaan niiden samankaltaisuudesta alkuperäisen kanssa. Cezannen työssä epätavallista oli värien käyttö, taiteilija uskoi, että kylmillä väreillä (sininen ja vihreä) on ominaisuus siirtyä kuvan syvyyksiin, joten kuvasta tuli tilava.

2. Vincent van Gogh on maailmankuulu hollantilainen post-impressionistinen taidemaalari. Ensimmäisen maalausnäyttelyn jälkeen 1880-luvun lopulla Van Goghin maine on kasvanut tasaisesti kollegoiden, taidehistorioitsijoiden, kauppiaiden ja keräilijöiden keskuudessa. Hänen kuolemansa jälkeen järjestettiin muistonäyttelyitä Brysselissä, Pariisissa, Haagissa ja Antwerpenissä.

"Auringonkukat" - kahden maalaussyklin nimi hollantilainen taiteilija Vincent van Gogh. Ensimmäinen sarja tehtiin Pariisissa vuonna 1887. Se on omistettu makaaville kukille. Toinen sarja valmistui vuotta myöhemmin Arlesissa. Hän kuvaa auringonkukkakimpun maljakossa. Van Goghin ystävä Paul Gauguin hankki kaksi pariisilaista maalausta.

"Iiriset" - maalasi taiteilija silloin, kun hän asui St. Paul of Mausoleum -sairaalassa lähellä Saint-Remy-de-Provencea, vuosi ennen kuolemaansa vuonna 1890. Kuvassa ei ole suurta jännitystä, mikä näkyy hänen myöhemmissä teoksissaan. Hän kutsui maalausta "sairaudeni salamanvarsiksi", koska hän tunsi voivansa pitää sairautensa kurissa jatkamalla maalaamista.

Elämänsä kahden viimeisen kuukauden aikana - toukokuusta heinäkuuhun 1890 - Van Gogh asui Auvers-sur-Oisessa lähellä Pariisia, missä hän maalasi muun muassa useita kukkamaalauksia. "Pink Roses" on yksi tämän sarjan parhaista maalauksista. Se on tyypillistä taiteilijan myöhäistyölle. Toisin kuin kirkkaat oranssit ja keltaiset, joita hän käytti Arlesissa (esimerkiksi Auringonkukat-syklissä), Van Gogh käyttää täällä pehmeämpää ja melankolista väriyhdistelmää, joka puhuu hedelmällisemästä ja kosteasta pohjoisesta ilmastosta. Tämä kuva on tyypillinen Vincent Van Goghin työn viimeiselle ajanjaksolle myös siinä mielessä, että siinä ei käytännössä ole gravitaatiota (ensi silmäyksellä näyttää siltä, ​​​​että kuva voidaan kääntää, mutta vaikutus ei muutu) ja tilallisuutta (kukat näyttävät työnnetään ulos kuvan tasosta avaruuteen, jossa katsoja on). Van Gogh pystyi välittämään ruusujen välittömän läheisyyden tunteen tarkkailijalle. Kukkien alla oleva lähes näkymätön kulho osoittaa, missä kuva on alareunassa, ja vain hieman muuttuva vedon muoto ja pieni muutos vihreän sävyissä vihjaa syvyyteen. Ruusujen lehtien ja varsien terävät tummansiniset ääriviivat sekä värisevät ja vääntyvät linjat ovat esimerkki japanilaisen puuveiston vaikutuksesta taiteilijaan. Vaikka nämä tekniikat muistuttavat Paul Gauguinin ja Emile Bernardin tyyliä, Van Gogh käyttää niitä omalla sanoinkuvaamattomalla tavallaan.

Van Gogh maalasi maalauksen "Punaiset viinitarhat Arlesissa" vuonna 1888.

Etelä-Ranskassa asuva taiteilija sai loputtomasti inspiraatiota kaupunki- ja maaseutunäkymistä, kirkkaita värejä luonto, auringonvalo. Tämä ajanjakso on Van Goghin työn tuottavin.

Arlesissa Gauguin vieraili hänen luonaan, ja eräänä päivänä palatessaan kotiin kaupungin laitamilta taiteilijat näkivät epätavallisen kuvan:

laskeva aurinko valaisi viinitarhan säteillään maalaten lehdet purppuranpunaisiksi ja ihmiset ja maan lilan tuhkan sävyihin. Pian tämän jälkeen Van Gogh ryhtyi työstämään maalausta, joka kuvaa rypäleen satoa Montmajourin läheisyydessä. Taiteilija ei kuvannut vain maisemaa, vaan eräänlaista vertausta, jossa kaikkea on symbolinen merkitys. Punaisen kuuma valtava aurinko keltaisella taivaalla luo vihreitä ja oransseja kohokohtia. Kaikki maassa näyttää sulavan sen alla.

Rypäleiden lehdet muuttuvat punaiseksi hehkuksi, ja niiden alla oleva maa saa violetin sävyn. Kuvan oikea puoli on varattu vedelle, heijastaen keltaista tulista taivasta.

Rypäleitä poimivat ihmiset ovat elämän symboli. Van Gogh ymmärsi heidän päivittäisen työnsä joksikin, jonka avulla henkilö voi tulla kiinteäksi osaksi maailmankaikkeutta.

Maalaus oli yksi harvoista Van Goghin elinaikana myydyistä teoksista. Nyt se on Pushkin-museossa Moskovassa.

Liite 6

Musiikkia 1800-luvulla.

1800-luvun ensimmäisen puoliskon säveltäjiä olivat F. Liszt, F. Chopin, F. Schubert, R. Schumann. Tämän koulukunnan säveltäjille oli ominaista taipumus pieneen muotoon. Heidän musiikkinsa on lyyristä ja melodista, ja se oli pääasiassa kamarimusiikkia.

Samaan aikaan italialainen ooppera elää kukoistusaikaansa. Sen kirkkaimmat edustajat ovat G. Rossini, V Bellini, G. Donizetti, G. Verdi. Italialaisessa oopperassa kaksi suuntaa vastustettiin: toinen suuntautui kohti perinteistä buffoopperaa (ts.

komediat), toinen merkitsi suuntausta kohti kansallisoopperan muodostumista.

Jälkimmäisen edustaja oli G. Verdi (1813-1901). Hän oli oopperoiden "Regoleto", "La Traviata", "Othello", "Macbeth", "Aida", "Falstaff", "Il trovatore" ja muiden kirjoittaja. Aariat hänen oopperoistaan ​​tuli kansanlauluja ja kansallislauluja, jotka kutsuvat italialaisia ​​taistelemaan itsenäisyyden puolesta.

J. Bizet ja R. Wagner tekivät oopperan vakavan uudistuksen. Bizet, yhden suosituimmista oopperoista - "Carmen" - kirjoittaja, oli erittäin realistisen juonen ja melodian kannattaja, joka ilmaisee avoimesti ihmisen tunteita. R. Wagner tuhosi oopperan tavanomaisen rakenteen ja toi siihen elementtejä dramaattisesta esityksestä ja sinfoniakonsertista. Hänen oopperoissaan oli paljon sinfoniakonserttoa. Hänen oopperoissaan oli monia sinfonisia lisäosia ja resitatiiveja.

”Sinfonisen musiikin uudistuksen toteutti ranskalainen säveltäjä C. Debussy. Debussy itse asiassa hylkäsi sinfoniselle musiikille tutut melodiat. Hän yritti näyttää tunteita tuhoten vakiintuneita musiikillisia muotoja.

Franz Schubert on itävaltalainen säveltäjä, yksi musiikin romantiikan perustajista, noin 600 laulun, yhdeksän sinfonian sekä suuren joukon kamarimusiikkia ja soolopianomusiikkia kirjoittanut. (kuunnellen katkelmaa "The Forest King" -levystä) Frederic Chopin on kirjoittanut lukuisia teoksia pianolle.

Puolan musiikkitaiteen suurin edustaja. Hän tulkitsi monia genrejä uudella tavalla: hän herätti alkusoittoa romanttiselle pohjalle, loi pianoballadin, poetisoi ja dramatisoi tansseja - mazurkaa, poloneesia, valssia; muutti scherzon itsenäiseksi teokseksi.

Giuseppe Verdi - Suuri italialainen säveltäjä, jonka työ on yksi maailman oopperataiteen suurimmista saavutuksista ja italialaisen oopperan kehityksen huipentuma 1800-luvulla. Säveltäjä loi yli 26 oopperaa ja yhden requiemin. Säveltäjän parhaat oopperat: Un ballo in maschera, Rigoletto, Il trovatore, La traviata. Luovuuden huippu on uusimmat oopperat: "Aida", "Othello".

Georges Bizet - romantiikan ajan ranskalainen säveltäjä, orkesteriteosten, romanssien, pianon kappaleita, sekä oopperat, joista kuuluisin oli Carmen.

Claude Debussy - ei ollut vain yksi merkittävimmistä ranskalaiset säveltäjät, mutta myös yksi merkittävimmistä musiikin hahmoista XIX vuoro ja XX-luvulla; hänen musiikkinsa edustaa siirtymämuotoa myöhäisromanttisesta musiikista modernismiin 1900-luvun musiikissa.

Maalauksen analyysi kuvataiteen tunneilla. Työkokemuksesta

Gaponenko Natalya Vladimirovna, kuvataiteen opettajien RMO:n ja Novoilinsky-alueen MHC:n johtaja, kuvataiteen opettaja MBNOU "Gymnasium No. 59", Moskova Novokuznetsk

”Taide valaisee ja samalla pyhittää ihmiselämän. Mutta taideteosten ymmärtäminen on kaikkea muuta kuin helppoa. Sinun on opittava tämä - opiskele pitkään, koko elämäsi ... Aina, jotta voit ymmärtää taideteoksia, sinun on aina tiedettävä luovuuden ehdot, luovuuden tavoitteet, taiteilijan persoonallisuus ja aikakausi . Katsojan, kuuntelijan, lukijan tulee olla aseistettu tiedolla, tiedolla... Ja erityisesti haluan korostaa yksityiskohtien merkitystä. Joskus pieni asia antaa meille mahdollisuuden tunkeutua pääasiaan. Kuinka tärkeää onkaan tietää, miksi tämä tai tuo asia kirjoitettiin tai piirrettiin!”

D.S. Likhachev

Taide on yksi tärkeimmistä tekijöistä ihmisen persoonallisuuden muodostumisessa, perusta ihmisen asenteen muodostumiselle ympäröivän maailman ilmiöihin, joten taiteen havainnointitaitojen kehittämisestä tulee yksi taiteellisen koulutuksen olennaisista tehtävistä.

Yksi "Kuvataide"-aiheen opiskelun tavoitteista on taiteellisen kuvan kehittäminen, eli kyky ymmärtää taideteoksen pääasia, erottaa ilmaisuvälineet, joita taiteilija käyttää kuvaamaan tätä. kuva. Täällä suoritetaan tärkeä tehtävä kehittää yksilön moraalisia ja esteettisiä ominaisuuksia kuvataideteosten havainnoinnin kautta.
Yritetään pohtia metodologiaa kuvien havaitsemisen ja analysoinnin opettamiseen

Kuvien havaitsemisen ja analysoinnin opetusmenetelmät

Menetelmät, joilla opiskelijat perehdytetään maalaukseen, on jaettu sanallisiin, visuaalisiin ja käytännöllisiin.

sanallisia menetelmiä.

1. Kysymyksiä:

a) ymmärtää kuvan sisältö;

b) tunnistaa mieliala;

c) tunnistaa ilmaisukeinot.

Yleensä kysymykset rohkaisevat lasta kurkistamaan kuvaan, näkemään sen yksityiskohdat, mutta eivät menetä taideteoksen kiinteää tunnetta.

2. Keskustelu:

a) johdannona oppitunnille;

b) keskustelu kuvasta;

c) viimeinen keskustelu.

Yleensä keskustelumenetelmällä pyritään kehittämään opiskelijoiden kykyä ilmaista ajatuksiaan niin, että keskustelussa (opettajan tarinassa) lapsi voi saada puhenäytteitä tätä varten.

3. Opettajan tarina.

Visuaalinen:

Retket ( virtuaalinen kierros);

Jäljennösten, maalauksia sisältävien albumien tutkiminen kuuluisia taiteilijoita;

Vertailu (kuvat mielialan mukaan, ilmaisuvälineet).

Käytännöllinen:

Esitys kirjallisia töitä kuvan mukaan;

Raporttien, tiivistelmien laatiminen;

Kuvataidetunneilla on suositeltavaa yhdistää erilaisia ​​työskentelytapoja taideteosten kanssa, keskittyen yhteen tai toiseen menetelmään, ottaen huomioon opiskelijoiden valmius.

Maalaus

A. A. Lyublinskaya uskoo, että lapsen kuvan havaitseminen tulisi opettaa, mikä johtaa vähitellen ymmärtämään, mitä siinä on kuvattu. Tämä edellyttää yksittäisten esineiden (ihmiset, eläimet) tunnistamista; korostetaan kunkin hahmon asennot ja asemat kuvan yleisessä suunnitelmassa; yhteyksien luominen päähenkilöiden välille; korostaa yksityiskohtia: valaistus, tausta, ihmisten ilmeet.

S. L. Rubinshtein, G. T. Ovsepyan, jotka tutkivat kuvan havaintoa, uskovat, että lasten vastausten luonne sen sisältöön riippuu useista tekijöistä. Ensinnäkin kuvan sisällöstä, sen juonen läheisyydestä ja saavutettavuudesta, lasten kokemuksesta, heidän kyvystään tarkastella piirustusta.

Työskentely kuvan kanssa sisältää useita suuntia:

1) Visuaalisen lukutaidon perusteiden opiskelu.

Tunteilla opiskelijat tutustuvat kuvataiteen tyyppeihin, genreihin, taiteen ilmaisukeinoihin. Opiskelijat opetetaan käyttämään taiteen terminologiaa: varjo, penumbra, kontrasti, refleksi jne. sanakirjatyön kautta esitellään taidekritiikin termejä, tutkitaan sommittelun lakeja.

2) Taiteilijan elämästä ja työstä oppiminen.

Opiskelijoiden valmistaminen aktiiviseen kuvan havaitsemiseen tapahtuu useimmiten keskusteluprosessissa. Keskustelun sisältönä on yleensä tietoa taiteilijasta, maalauksen historiasta. Taiteilijan elämää jäljittäessä on suositeltavaa keskittyä sellaisiin jaksoihin, jotka vaikuttivat hänen vakaumustensa muodostumiseen ja antoivat suunnan hänen työlleen.

Taiteilijan elämästä ja työstä tiedottamisen muodot ovat monipuolisia. : opettajan tarina, tiedeelokuva, joskus viestilliset esitykset uskotaan opiskelijoille.

3) Lisätietojen käyttö.

Kuvan havaitsemista helpottaa vetoomus kirjallisia teoksia, joiden aihe on lähellä kuvan sisältöä. Kirjallisten teosten käyttö tasoittaa tietä lapsille syvemmälle käsitykselle ja ymmärtämiselle kuvamateriaalista, jolla he tutustuvat myytin juonen.

Suuri merkitys kuvan juonen ymmärtämiselle on historiallinen tilanne tutkittavassa maassa, tietyllä ajanjaksolla, taiteen tyylilliset piirteet.

4) Katsomalla kuvaa.

Kyky tarkastella kuvaa on yksi välttämättömistä edellytyksistä havainnoinnin, havainnoinnin kehittymiselle. Kuvaa katsellessaan ihminen näkee ennen kaikkea mitä sopusoinnussa hänen, hänen ajatustensa ja tunteidensa kanssa. Opiskelija kiinnittää kuvaa katsoessaan huomion siihen, mikä häntä huolestuttaa, ottaa, mitä on hänelle uutta. Tällä hetkellä opiskelijoiden asenne kuvaan määräytyy, heidän yksilöllinen ymmärryksensä taiteellisesta kuvasta muodostuu.

5) Maalauksen analyysi.

Kuva-analyysin tarkoituksena on syventää alkuhavaintoa, auttaa oppilaita ymmärtämään taiteen kuvaavaa kieltä.

Alkuvaiheessa työn analysointi tapahtuu keskustelun tai opettajan tarinan yhteydessä, vähitellen opiskelijat tekevät analyysin itse. Keskustelu auttaa lapsia näkemään, tuntemaan ja ymmärtämään taideteoksen hienovaraisemmin, syvemmin.

Maalauksen analysointimenetelmät

Menetelmä A. Melik-Pashaev. (Lähde: Aikakauslehti "Art in School" nro 6 1993 A. Melik-Poshaev "Juhlapäivä" tai "Kauhea loma" (Kirjoittajan tarkoituksen ymmärtämisen ongelmasta)

Kysymyksiä kuvaan:

1. Miten kutsuisit tätä maalausta?

2. Pidätkö kuvasta vai et?

3. Kerro meille tästä kuvasta, jotta henkilö, joka ei tunne sitä, saa siitä käsityksen.

4. Mitä tunteita, tunnelmaa tämä kuva sinussa herättää?

7. Haluatko lisätä tai muuttaa jotain vastaukseesi ensimmäiseen kysymykseen?

8. Palaa vastaukseen toiseen kysymykseen. Onko arviosi pysynyt samana vai onko se muuttunut? Miksi arvostat kuvaa niin paljon?

2 . Esimerkkikysymyksiä taideteoksen analysointiin

Tunnetaso:

Millaisen vaikutelman teos tekee?

Millaista tunnelmaa kirjoittaja yrittää välittää?

Millaisia ​​tuntemuksia katsoja voi kokea?

Mikä on työn luonne?

Miten mittakaava, muoto, osien vaaka-, pysty- tai diagonaalinen asettelu, tiettyjen värien käyttö kuvassa edistävät teoksen tunnevaikutelmaa?

Aihe taso:

Mikä (tai kuka) on kuvassa?

Korosta tärkein asia näkemästäsi.

Yritä selittää, miksi tämä näyttää olevan tärkein asia sinulle?

Millä keinoin taiteilija korostaa pääasiaa?

Miten esineet on järjestetty teoksessa (aihekokoonpano)?

Miten teoksen päälinjat piirretään (lineaarinen sommittelu)?

Tarinan taso:

Yritä kertoa kuvan juoni uudelleen..

Mitä sankari, maalauksen sankaritar, voi tehdä (tai sanoa), jos hän herää henkiin?

Symbolinen taso:

Onko teoksessa esineitä, jotka symboloivat jotain?

Onko teoksen koostumuksella ja sen pääelementeillä symbolinen luonne: vaaka, pystysuora, diagonaali, ympyrä, soikea, väri, kuutio, kupoli, kaari, holvi, seinä, torni, torni, ele, asento, vaatteet, rytmi, sointi jne..?

Mikä on teoksen nimi? Miten se liittyy juoneensa ja symboliikkaan?

Mitä luulet teoksen kirjoittajan halunneen välittää ihmisille?

Suunnittele maalauksen analysointi. Kirjoittaminen on tunne.

1. Tekijä, maalauksen nimi
2. Taiteellinen tyyli/suunta (realismi, impressionismi jne.)
3. Maalausteline (kuva) tai monumentaali (fresko, mosaiikki), materiaali (telinemaalaukseen): öljymaalit, guassi jne.
4. Taideteoksen genre (muotokuva, asetelma, historiallinen, kotitalous, venesatama, mytologinen, maisema jne.)
5. Kuvankaunis juoni (mikä näkyy). Tarina.
6. Ilmaisukeinot (väri, kontrasti, sommittelu, visuaalinen keskus)

7. Henkilökohtainen vaikutelma (tunteet, tunteet) - tekniikka "uppoamaan" kuvan juoneeseen.

8. Kuvan juonen pääidea. Mitä kirjoittaja "halusi sanoa", miksi hän maalasi kuvan.
9. Maalauksen oma nimi.

Esimerkkejä lasten töistä maalausten havainnoinnin ja analysoinnin parissa.

Sävellys on tunne, joka perustuu I. E. Repinin maalaukseen ”Isänmaalle. Viime sodan sankari

I. E. Repin maalasi maalauksen ”Isänmaalle. Menneen sodan sankari" todennäköisesti sodan jälkeisellä kaudella, tarkemmin sanottuna ensimmäisen maailmansodan jälkeen.
Kuvan taiteellinen suunta on realismi. Maalausteline maalaus, töihin taiteilija käytti öljyvärejä. Genre muotokuva.
Repinin maalaus kuvaa nuorta miestä, joka on nähnyt paljon. Hän palaa kotiin perheensä ja ystäviensä luo, hänen kasvoillaan on vakava, hieman surullinen ilme. Silmät täynnä synkkää surua. Hän vaeltelee loputtomalta näyttävän kentän läpi, joka muistaa aseiden laukaukset ja jokaisen sille pudonneen henkilön. Hän kävelee oivalluksessa, että monia, joista hän rakasti niin paljon, ei ole enää. Ja vain varikset, kuten haamut, muistuttavat kuolleita ystäviä.

Repin valitsi ilmaisuvälineeksi mykistettyjen sävyjen kylmät värit, monet kuvan varjot välittävät esineiden ja tilan volyymia. Sävellys on staattinen, mies itse on teoksen visuaalinen keskus, meihin suunnattu katse vetää katsojan katseen puoleensa.

Kun katson kuvaa, tulee surua ja oivallusta, että nykyinen elämä on erilaista kuin ennen. Tunnen pakkasen tunteen kehossani, tuulettoman pimeän sään tunteen.

Uskon, että kirjoittaja halusi näyttää, mitä ihmisistä tulee sodan jälkeen. Ei, tietenkään ne eivät ole ulkoisesti muuttuneet tuntemattomiksi: vartalo, mittasuhteet ovat pysyneet samoina, onnekkailla ei ole ulkoisia vammoja. Mutta kasvoilla ei enää näy vanhoja tunteita, rauhallista hymyä. Sodan kauhut, jotka tämä melko nuori mies koki, jäivät ikuisesti hänen sieluunsa.

Kutsuisin maalausta "Yksinäiseksi sotilaksi" tai "Tie kotiin"… Mutta minne hän on menossa? Kuka odottaa häntä?

Johtopäätös: Siten taideteoksen havainto on monimutkainen henkinen prosessi, johon sisältyy kyky oppia, ymmärtää ilmaise ajatuksesi asiantuntevasti käyttämällä ammattimaisia ​​taiteellisia termejä. Mutta tämä on vain kognitiivinen teko. Tarpeellinen kunto taiteellinen käsitys On tunnevärjäys havaittu, ilmaus asenteesta sitä kohtaan. Koostumus - tunne antaa sinun nähdä lasten arvostelut, jotka osoittavat kykyä tuntea olonsa kauniiksi, mutta myös arvostaa.