Liite 1.
Taideteoksen analyysi algoritmin perusteella:
Kuinka voit analysoida taideteoksia?
luovuus?
2. Genreen kuuluminen: historiallinen, kotimainen, taistelu, muotokuva,
maisema, asetelma, sisustus.
3. Tärkeimmät keinot taiteellisen kuvan luomiseen: väri, piirustus,
chiaroscuro, tekstuuri, kirjoitustyyli.
4. Nimen merkitys. Juonen ja koostumuksen ominaisuudet.
5. Kulttuurihistorialliseen aikakauteen, taiteelliseen tyyliin tai suuntaan kuuluminen.
6. Millaisia henkilökohtaisia vaikutelmia sinulla on maalauksista?
Liite 2
1 Ryhmä "Romantikkojen tuliset siveltimet" (KIERTOOPPAAT) Maailman maalaustaiteen historiassa romanttisuus oli valoisa ja loistava aikakausi.
Sana "romanttisuus" juontaa juurensa latinalaiseen romanus - roomalaiseen, toisin sanoen syntyneen roomalaisen kulttuurin pohjalta tai siihen läheisesti liitettynä.
Ihmisten tunteiden ja kokemusten maailma. Romanttiselle maalaukselle oli ominaista "luomisen jano kaikin mahdollisin tavoin". Maalauksen keinot olivat: kirkas kylläinen väri, kontrastinen valaistus, tunnetapa.
Mikä on romanttisen sukupolven henkilö? Usein hänestä tulee julman verenvuodatuksen ja sotien todistaja, traagisia kohtaloita kokonaisia kansakuntia. Hän suorittaa sankarillisia tekoja, jotka voivat inspiroida muita. Romantikot vetivät puoleensa historialliset tapahtumat, jossa he piirsivät juonen monille teoksilleen.
1. Romantismin suunnan näkyvä edustaja maalauksessa oli espanjalainen taiteilija Francisco Goya (1746-1828). Hän hallitsi kaikki maalauksen genret. Hänellä oli maalauksia uskonnollisista aiheista, hovimuotokuvia.
V. Hän näki Napoleonin sodat, jotka tuhosivat ja tuhosivat Espanjan. Vuonna 1808 Madridissa puhkesi kansannousu vastauksena Napoleonin miehityksen julmiin sortotoimiin. Näissä vaikeita vuosia Francisco Goya oli kansansa kanssa. Vuonna 1814 kirjoitettu ja Madridin Prado-museossa näytteillä oleva maalaus "Kinallisten ampuminen yöllä 3. toukokuuta 1808" oli syyte taiteilijan pahuudesta ja väkivallasta. Hän tunsi selvästi kansallisen tragedian todellisen laajuuden.
Kuvassa on espanjalaisten vapautustaistelun alkua ranskalaisia hyökkääjiä vastaan, nimittäin kohtaus, jossa miehittävät ranskalaiset joukot teloittivat espanjalaiset kapinalliset. Goya kuvaa espanjalaisia kapinallisia ja ranskalaisia sotilaita kahtena toisiaan vastakkaisena ryhmänä: useana aseettomana Madridin käsityöläisenä ja joukkona sotilaita aseilla. Espanjalaisten kasvot ja asennot on Goya täsmentänyt melko selvästi (isänmaallisuus, rohkeus, viha, pelottomuus jne.), kun taas ranskalaiset sotilaat on kirjoitettu sujuvasti ja näyttävät sulautuvan yhdeksi kasvottomaksi massaksi.
B. "Carlos VI:n kuninkaallisen perheen muotokuva"
Vasemmalta oikealle: Don Carlos vanhin, tuleva Espanjan kuningas Ferdinand VII, Carlos IV:n sisar Maria Josefa Carmela, tuntematon nainen, Maria Isabella, Carlos IV:n vaimo Parman kuningatar Maria Luisa, Francisco de Paula de Borbón, kuningas Carlos IV, hänen veljensä Antonio Pascual, Cartola Joaquina (vain osa päästä näkyy), Ludvig I vaimonsa Maria Luisan kanssa, heidän poikansa Kaarle II, tuleva Parman herttua, on sylissään. Taustalla, varjoissa, Goya maalasi itsensä. Maagiset, kimaltelevat värit eivät pysty peittämään hahmojen röyhkeyttä, typeryyttä, moraalista ja henkistä köyhyyttä.
2. Suuren espanjalaisen Theodore Gericaultin aikalainen osoitti myös syvää kiinnostusta ihmisen sisäiseen maailmaan. Gericaultin teokselle on ominaista äärimmäinen draama, intohimojen voimakkuus, värikontrasti. Kuninkaallisten muskettisotureiden palveluksessa Gericault kirjoitti pääasiassa taistelukohtauksia, mutta matkusti Italiaan vuosina 1817-19. hän esitti suuren ja monimutkaisen maalauksen "Medusan lautta"
(Sijaitsee Louvressa, Pariisissa). Tämän mestarillisesti kirjoitetun teoksen juonen uutuutta, sävellyksen syvää dramatiikkaa ja elämän totuutta ei heti arvostettu, mutta se sai pian tunnustusta ja toi taiteilijalle mainetta lahjakkaana ja rohkeana uudistajana.
Hänen ei tarvinnut nauttia kuuluisuudesta kauaa: tuskin ehtinyt palata Englannista Pariisiin, jossa hänen opintojensa pääaihe oli hevosten tutkiminen, hän laskeutui hautaan onnettomuuden seurauksena - putoaminen hevoselta .
Kuvan juoni perustuu todelliseen tapaukseen, joka tapahtui 2. heinäkuuta 1816 Senegalin rannikolla. Sitten Argenin matalikolla, 40 liigan päässä Afrikan rannikolta, fregatti Medusa haaksirikkoutui. 140 matkustajaa ja miehistön jäsentä yritti paeta noustamalla lautalle. Vain 15 heistä selvisi hengissä, ja kahdentenatoista vaelluspäivänä Argus-priki noutoi heidät. Selviytyneiden matkan yksityiskohdat järkyttivät nykyajan yleistä mielipidettä, ja itse hylky muuttui skandaaliksi Ranskan hallituksessa aluksen kapteenin epäpätevyyden ja uhrien pelastusyritysten riittämättömyyden vuoksi.
Kankaan "Medusan lautta" lisäksi Louvressa on seitsemän taistelumaalausta ja kuusi tämän taiteilijan piirustusta. Hänen maalauksensa ovat täynnä hämmennystä, ahdistusta.
3. Eugene Delacroix (1798-1863) kirjoitti samalla tavalla kuin Theodore Géricault.
V. Hänelle oli ominaista huomio itämaisiin aiheisiin. Yksi hänen silmiinpistävimmistä luomuksistaan on maalaus "Massacre on Chios", joka esittää jaksoja Kreikan ja Turkin sodasta. Joten historioitsijat kutsuivat turkkilaisten 11. huhtikuuta 1822 suorittamaa Khioksen saaren asukkaiden julmaa joukkomurhaa, koska saaren asukkaat tukivat Kreikan itsenäisyyden puolesta taistelijoita. Saaren 155 000 asukkaasta vain noin
2000. Jopa 25 000 teurastettiin, loput orjuutettiin tai maanpaossa.
Suuri Ranskan vallankumous ja sitä seuranneet Naoleonin aggressiiviset kampanjat, julmat poliittiset sorrot ja teloitukset, loputtomat hallitusten vaihdot vuonna 1830 nostivat erityisen terävästi esiin kysymyksen kansan ja yksilön roolista historiassa.
B. Delacroixille oli ominaista poliittinen paatos. Vuonna 1830 taiteilija valmistui maalauksen "Vapaus johtaa ihmisiä". Delacroix loi maalauksen, joka perustui vuoden 1830 heinäkuun vallankumoukseen, joka lopetti Bourbon-monarkian entisöinnin. Lukuisten valmistelevien luonnosten jälkeen häneltä kesti vain kolme kuukautta maalauksen valmistumiseen. Kirjeessä veljelleen 12. lokakuuta 1830 Delacroix kirjoittaa: "Jos en taistellut isänmaan puolesta, niin ainakin kirjoitan hänen puolestaan." Ensimmäistä kertaa "Liberty Leading the People" oli esillä Pariisin salongissa toukokuussa 1831, missä maalaus otettiin innostuneesti vastaan ja valtio osti sen välittömästi. Vallankumouksellisen juonen vuoksi kangasta ei ollut esillä yleisölle noin 25 vuoteen. Veren, kärsimyksen ja kuoleman kautta kaunis nainen kolmiväribanneri kädessään johtaa ihmiset voittoon. Paljas rintakehä symboloi tuon ajan ranskalaisten omistautumista, joka "paljaalla rinnalla" meni vihollisen luo. Väkijoukossa voi nähdä aseistautuneita köyhiä, slummejen asukkaita, opiskelijaa ja pikku Gavrochea pistooleineen. Taiteilija kuvasi itsensä miehenä silinterissä päähenkilön vasemmalla puolella. Joskus kuva yhdistetään virheellisesti suuren Ranskan vallankumouksen tapahtumiin.
Aikalaiset kutsuivat maalaukseksi "ranskalaisen maalauksen Marseillaisea", ja viranomaiset julistivat Delacroixin vaaralliseksi taiteilijaksi.
Liite 3
Ryhmä 2 "On välttämätöntä maskuliinoida taidetta" (ASIANTUNTIJAT - TAITEETIEDEJÄT) Realismi on toisen suunnan taiteen suunta puolet XIX vuosisadalla. Realismin käsite on latinaa realis- tarkoittaa syvää todellisuuden heijastusta. 1800-luvun puoliväliin mennessä realismista tuli taiteen johtava ja vaikutusvaltaisin suunta.
Mitä uusia tehtäviä taide asetti nyt?
1. Erinomainen litografian mestari (eräänlainen painolevyn grafiikka, jonka kivipinta on), ranskalainen taiteilija Honore Daumier, joka vihaa kaikkea sortoa ja väkivaltaa, vastasi aina aikansa polttaviin kysymyksiin. antaa heille oman arvionsa. Hän aloitti uransa sarjakuvapiirtäjänä tehden satiirisia piirustuksia aikakauslehteen. Hänen litografiansa myytiin heti loppuun, ne olivat kaikkien tiedossa.
Aikalaiset pitivät kuuluisaa litografiaa "Transnosen katu" protestina heinäkuun vallankumouksen (1834) jälkeistä terroria ja verenvuodatusta vastaan. Tämän työn historiallisena perustana olivat huhtikuun 1834 tapahtumat, jotka liittyivät hallituksen joukkojen poliittisten mielenosoitusten hajottamiseen. Rue Transnonen talosta numero 12 verhoilla peitetystä ikkunasta ammuttiin mielenosoitusta hajottavia sotilaita. Vastauksena sotilaat murtautuivat taloon ja tappoivat kaikki asukkaat. Daumier halusi, että litografia ei synnyttäisi sääliä, vaan vihaa. Näin sen aikalaiset näkivät: "Tämä ei ole karikatyyri, ei karikatyyri, tämä on verinen sivu moderni historia, elävän käden luoma ja jalon suuttumuksen sanelema sivu."
Sarjakuvapiirtäjä Daumier tunsi hyvin yleisön, mutta monet eivät tienneet hänen maalaamisesta. Taiteilijan pieneen työpajaan on kertynyt kankaita. Erityinen paikka kuuluu Don Quijotea koskeville maalauksille. Ilman pelkoa ja moitteita ritari, joka vaelsi etsiessään hyvyyttä ja oikeutta, houkutteli Daumieria henkensä voimalla. Hauskan ulkonäön ja naurettavien tekojen takana erottuu jalo, suuruus ja myötätunto ihmisiä kohtaan.
2. Gustave Courbet ranskalainen taidemaalari, maisemamaalari, genremaalari ja muotokuvamaalari. Häntä pidetään yhtenä romantiikan toteuttajista ja realismin perustajista maalauksessa. Yksi Ranskan suurimmista taiteilijoista 1800-luvulla, ranskalaisen realismin avainhenkilö.
Hän syntyi Ranskassa, ja hänen tulonsa ranskalaiseen maalaukseen oli skandaali. Jotkut moittivat hänen töitään raivoissaan ja kutsuivat niitä rumaksi, toiset päinvastoin profetoivat hänelle suurta tulevaisuutta. Pariisissa vuonna 1855 hän avasi näyttelyn "Realismin paviljonki". Courbet yritti kuvata ihmiset sellaisina kuin he ovat, niin rumina ja töykeinä kuin hän näkee heidät. Kiinnitä huomiota ympäristöön, luontoon, sosiaalisiin suhteisiin ja yksilölliset ominaisuudet ihminen määritti taiteen realistisen suuntauksen olemuksen.
Maalauksessaan "Kivimurskaimet" vanha työläinen karkeissa paikallisissa vaatteissa ja halkeilevissa puukengissä polvistuessaan murtaa vasaralla rakentamiseen valmisteltuja kiviä. Nuori mies rievuissa voi tuskin pitää raskasta koria käsissään. Sanomalehdissä taiteilijaa syytettiin ruman ylistämisestä, mutta riittää katsomaan maalausta "The Winnowers" ymmärtääkseen, millä kunnioituksella Courbet maalasi työväkeä.
3. "Talonpoikamaalari" - niin lempinimeltään Jean Millet - ranskalainen taiteilija. Ranskan maaseudun maailmasta tuli hänen luovuuden ehtymätön lähde. Jo kuuluisa taiteilija hän jatkoi talonpoikaistyötä ja antoi vapaa-aikaa maalaamiseen.
Vuonna 1857 esiteltiin hänen maalauksensa "Korvien keräilijä". Poimijat saivat kulkea peltojen läpi aamunkoitteessa ja poimia ruohonleikkureilta jääneet piikit. Tälle kankaalle taiteilija kuvasi kolme niistä, jotka olivat kumartuneita maan päälle matalassa keulassa - vain näin he onnistuvat keräämään sadonkorjuun jälkeen jääneet maissin tähkät ... Niissä Millet osoitti kolme raskaan vaiheen liike, jota naisten piti jatkuvasti toistaa uudestaan ja uudestaan - taivuta, poimia piikiä ja suorista uudelleen. Heidän käsissään olevat pienet kimput eroavat taustalla näkyvästä runsaasta sadosta. Siellä on pinoja, lyhteitä, vaunu ja joukko niittomiehiä kiireisenä.
Taiteilija pystyi erittäin tarkasti välittämään talonpoikien työn taakan, köyhyyden ja nöyryyden. Teos aiheutti kuitenkin erilaisia yleisön arvioita ja kritiikkiä, mikä pakotti Milletin siirtymään tilapäisesti talonpojan elämän runollisempiin puoliin.
Liite 4
Ryhmä 3 "Hylättyjen salonki" (IMPRESSIONISTIT TAITEILIJAT) Pariisi, 1863, Teollisuuspalatsi: Kuuluisan Salon of the Art -näyttelyn tuomaristo, joka järjestetään täällä vuosittain, hylkää noin seitsemänkymmentä prosenttia lähetetyistä teoksista... Keisari Napoleon III itse joutui puuttumaan skandaaliin. Tutustuttuaan hylättyihin kankaisiin hän antoi ystävällisesti esitellä ne Teollisuuspalatsin toisessa osassa. Niinpä 15. toukokuuta 1863 avattiin välittömästi näyttely nimeltään Salon of the Misérables.
1800-luvun loppu ja 1900-luvun alku on muutoksen aikaa. Tieteellinen ja teknologinen kehitys ja poliittiset kataklysmit johtivat vakaviin muutoksiin taiteessa, määrittelivät uusia ja omaperäisiä kehitystapoja. 1800-luvun taide nähdään vanhojen taiteellisten perinteiden hylkäämisenä, yrityksenä ajatella luovasti uudelleen menneisyyden klassista perintöä. Siellä on rohkeita innovaatioita, kokeiluja, joita ei ole rajoitettu minkäänlaisilla viitekehyksellä ja sopimuksilla. Taiteilijasta tuli töissään vapautunut ja vapaa. Häntä ohjasi oma makunsa ja mieltymyksensä.
Impressionismi - ranskan sana impression käännetään vaikutelmaksi.
Toisin kuin romantikot ja realistit, impressionistit eivät pyrkineet kuvaamaan historiallista menneisyyttä, vaan heidän kiinnostuksen kohteensa oli nykyisyys.
Esitettyään omat periaatteensa ympäröivän maailman havainnointiin ja näyttämiseen, he loivat uuden kuvakielen. Heille ei ollut tärkeä juoni itse, vaan sen aistillinen havainto, vaikutelma, jonka se saattoi tehdä katsojassa. Impressionistit yrittivät välittää kuvassa ”hetkiä”, hetkellisiä tuntemuksia. Nämä tuntemukset tuhosivat tavanomaiset muodot ja vakiokuvion. Heidän näkemyksensä oli puhtaasti yksilöllinen.
1. Impressionismin näkyvin edustaja ja yksi sen perustajista on Edouard Manet, jonka kankaat ”Emile Zolan muotokuva” ovat vaikuttavia.
Kirkas auringonvalo, ihmisen iloinen mieliala - taiteilijan ilmaisuväline. Pääpaino oli Edouard Manet'n maalauksessa "Aamiainen ruoholla".
Käyttäen ja pohtien uudelleen vanhojen mestareiden maalausten juonia ja motiiveja, Manet pyrki täyttämään ne terävällä modernilla soundilla tuoden poleemisesti modernin ihmisen kuvan kuuluisiin klassisiin sävelluksiin. Manetin tie kuuluisuuteen osoittautui pitkäksi ja vaikeaksi, Salonin tuomaristo hylkäsi poikkeuksetta hänen maalauksensa, ja vain harvat uskalsivat puolustaa taiteilijaa. Heidän joukossaan oli Émile Zola, joka kirjoitti sanomalehdessä: "Hra Manet'n paikka Louvressa on jo varmistettu."
"Emile Zolan muotokuva" - taiteilija kuvaa ystäväänsä toimistossaan pöydän ääressä, joka on täynnä papereita ja kirjoja. Sisustus todistaa omistajan mausta: japanilainen näyttö upealla maisemalla, Manetin maalauksen jäljennös. Kirjailijan varjolla voi arvata vahva persoonallisuus, kirkas persoonallisuus.
"Aamiainen ruoholla", joka aiheutti tunteiden myrskyn, ankarimman kritiikin ja yksimielisen tuomion, että tämä "aamiainen" on ehdottomasti "syömätön". Yleisöä ärsytti erityisesti se, että kunnollisesti pukeutuneita, kenkiä, solmioin ja keppein varustetut miehet kokoontuivat metsäaukiolle, jonka vieressä hehkuivat alasti naisen ruumiit. Kuvan nimi saa jonkinlaisen pikantin merkityksen, varsinkin kun mitään syötävää ei oikeastaan ole kuvattu. Etualan vasemmassa kulmassa on heikko aavistus ruokaa, mutta selvästi näkyy, että kankaan päällä, kenties jonkun puvussa, on puolityhjä kori, jossa on useita sieniä, ja lähistöllä näkyy useita marjoja vihreillä lehdillä. Siinä koko aamiainen. Kaksi melko nuorta miestä lepäävät vapaasti nurmikolla ja keskustelevat jostain elävästi. Oikealla elehtivä kertoo jotain mielenkiintoista, hauskaa, sillä keskustelukumppani hymyilee suloisesti. Nolo hymy loistaa hänen vieressään istuvan naisen kasvoilla. Sen alla on rypistynyt vaaleansininen kangas, nainen itse istuu vapaassa kevyessä asennossa, täysin alasti, ei liian nuori, hieman ylipainoinen. Vierekkäin istuvalla pariskunnalla on sama hiusväri, he ovat samanikäisiä, mahdollisesti puolisoita. Toinen vaaleassa, löysässä, valkoisessa paidassa oleva nainen näkyy hieman kauempana, mutta hän kuulee keskustelun, hänestä näkyy, että hän kuuntelee ja myös hymyilee. Kuva on täynnä kirkasta rauhaa, lämmintä autuutta.
Zola kutsui kangasta kiinteäksi lihaksi, joka oli mallinnettu valovirtojen avulla yksinkertaisesti, totuudenmukaisesti ja taitavasti.
2. Impressionistit kuitenkin todella tekivät itsensä tunnetuksi vuonna 1874 yhteisnäyttelyllä. Koko suunta on nimetty Claude Monet'n maalauksen "Impression. Auringonnousu" (ranskaksi "vaikutelma" on "vaikutelma".).
Termi "impressionismi" syntyi "Le Charivari" -lehden kriitikon Louis Leroyn kevyestä kädestä, joka antoi Les Misérables -salonkia käsittelevän feuilletoninsa nimeksi "Impressionistien näyttely" ja otti pohjaksi tämän maalauksen nimen. kirjoittanut Claude Monet.
Hienostunut maisemamaalari, Pariisin esikaupunkiin rakastunut Monet kiehtoi intohimoisesti vesielementtiä.
Claude Monet esitteli käytännön luoda sarja maalauksia eri valaistuksessa, esimerkiksi Rouenin katedraali. Kahden vuoden ajan hän matkusti Roueniin katsomassa valon leikkimistä. Monet maalasi yli 20 näkymää katedraalista eri vuorokaudenaikoina: aamuauringon säteissä, häikäisevän keskipäivän aikaan, iltahämärässä. Yleisö alkoi puhua hänen maalaustensa yksitoikkoisuudesta.
3. Camille Pissarro alkoi kirjoittaa mitä tahansa maalauksiaan taivaalta uskoen, että taivas antaa sille syvyyttä ja välittää liikettä. Tässä on mitä Pissarro sanoi maalaustensa luomisesta. "Näen vain täpliä. Kun aloitan maalauksen, ensimmäinen asia, jonka teen, on… aseta suhde. Tämän taivaan, maan ja veden välissä on varmasti olemassa kuuluisia suhteita, ja nämä suhteet eivät voi olla muuta kuin harmonisia. Tämä on maalauksen tärkein vaikeus. Minua kiinnostaa yhä vähemmän maalauksen materiaalipuoli (eli viivat). Tärkeintä on pelkistää kaikki pienimmätkin yksityiskohdat kokonaisuuden harmoniaan eli johdonmukaisuuteen. Kangas "Boulevard Montmartre in Paris" vie meidät vilkkaalle moottoritielle. Monet vaunut liikkuvat eri suuntiin, ohikulkijat kiirehtivät ahkerasti. Kaikki on verhottu läpinäkyvään - lila-usseen. Taiteilija kirjoittaa nopealla vedolla, tuskin koskettaen kankaaseen siveltimellä.
Mutta näistä pisteistä ja vedoista syntyy kuva aurinkoisesta kevätpäivästä, eloisa ja kuohuva.
4. Auguste Renoiria kutsutaan maailman velhoksi. Valon heijastukset elävöittävät kuvaa, panevat sen liikkeelle. Teokset erottuvat elävästä liikkuvasta sävellyksestä. Renoir kirjoitti: "Rakastan kuvia, jotka herättävät minussa halun kävellä niiden syvyyksiin, jos se on maisema, tai koskettaa sitä kädellä, jos se on kuva naisesta ...". Useimmiten Renoir kirjoittaa naisia ja lapsia pitäen heitä luonnon täydellisimpinä luomuksina. Häntä eivät houkuttele kylmät maalliset kaunottaret, vaan iloiset ja eloisat "todelliset" ranskalaiset naiset. Mutta muotokuvalle "Tyttö tuulettimella" luotiin täysin erilainen kuva. Nuori, hauska tyttö. Kasvot on kirjoitettu lempein sävyin, paksut mustat hiukset on valettu lilaan ja violettiin. Tuolin punertavat heijastukset heijastuvat tuulettimen valkoiselle kankaalle.
5. Pastellitekniikka avasi valtavia mahdollisuuksia värin käytössä (fr.
pastelli - maalaus värikynillä ja värikkäällä jauheella. Edgar Degas piti erityisesti työskentelystä siinä. Pastellien tekstuuri on samettinen, se pystyy välittämään värin värähtelyä, joka näyttää hehkuvan sisältä. Elokuvassa "Blue Dancers"
pastellitekniikkaa käytettiin tehostamaan sävellyksen koristeellista vaikutusta ja kevyttä ääntä. Kuvaa tulviva kirkkaan valon snob auttaa luomaan balettitanssin erityisen juhlallisen ilmapiirin, näyttää siltä, että valo korvaa piirustuksen kokonaan, se järjestää, johtaa yhteen merkitykseen monimutkaisen värien sinfonian. Kirkkaansinisissä tutusissa, kukkaset hiuksissaan, tanssijat näyttävät upeilta keijukeijuilta, jotka osallistuvat taianomaiseen ekstravagantisuuteen.
Maalausta on säilytetty Moskovan valtion Puškinin taidemuseossa, jonka se vastaanotti vuonna 1948 Valtion museo uusi länsimainen taide; vuoteen 1918 asti se oli Sergei Ivanovich Shchukinin kokoelmassa Moskovassa, maalauksen jälkeen maalausta säilytettiin Durand-Ruelin kokoelmassa Pariisissa.
Liite 5
Ryhmä 4 "Etsimässä omaa polkuaan" (NÄYTTELYN KÄVIJÄT) 1800-luvun lopulla taiteilijat Paul Cezanne ja Vincent van Gogh julistivat äänekkäästi itsensä. He yhdistyivät ryhmäksi, joka antoi nimen postimpressionismin uudelle taiteelliselle suunnalle. Postimpressionismi (fr. postimpressionisme) on kuvataiteen suuntaus. Se syntyi 1800-luvun 80-luvulla. Tämän suuntauksen taiteilijat eivät pitäneet kiinni vain visuaalisista vaikutelmista, vaan pyrkivät ilmaisemaan vapaasti ja yleisesti maailman aineellisuuden, turvautuivat koristeelliseen tyylityöhön. Postimpressionismin alku osuu impressionismin kriisiin vuonna myöhään XIX vuosisadalla.
1. Väsymätön uuden kompositioratkaisun etsiminen maalauksille, tapoja välittää väriä ja valoa ovat ominaisia Paul Cezannen teokselle.
Hän maalasi asetelmia hedelmillä, hän oli vähiten huolissaan niiden samankaltaisuudesta alkuperäisen kanssa. Cezannen työssä epätavallista oli värien käyttö, taiteilija uskoi, että kylmillä väreillä (sininen ja vihreä) on ominaisuus siirtyä kuvan syvyyksiin, joten kuvasta tuli tilava.
2. Vincent van Gogh on maailmankuulu hollantilainen post-impressionistinen taidemaalari. Ensimmäisen maalausnäyttelyn jälkeen 1880-luvun lopulla Van Goghin maine on kasvanut tasaisesti kollegoiden, taidehistorioitsijoiden, kauppiaiden ja keräilijöiden keskuudessa. Hänen kuolemansa jälkeen järjestettiin muistonäyttelyitä Brysselissä, Pariisissa, Haagissa ja Antwerpenissä.
Auringonkukat on hollantilaisen taiteilijan Vincent van Goghin kahden maalaussarjan nimi. Ensimmäinen sarja tehtiin Pariisissa vuonna 1887. Se on omistettu makaaville kukille. Toinen sarja valmistui vuotta myöhemmin Arlesissa. Hän kuvaa auringonkukkakimpun maljakossa. Van Goghin ystävä Paul Gauguin hankki kaksi pariisilaista maalausta.
"Iiriset" - maalasi taiteilija silloin, kun hän asui St. Paul of Mausoleum -sairaalassa lähellä Saint-Remy-de-Provencea, vuosi ennen kuolemaansa vuonna 1890. Kuvassa ei ole suurta jännitystä, mikä näkyy hänen myöhemmissä teoksissaan. Hän kutsui maalausta "sairaudeni salamanvarsiksi", koska hän tunsi voivansa pitää sairautensa kurissa jatkamalla maalaamista.
Elämänsä kahden viimeisen kuukauden aikana - toukokuusta heinäkuuhun 1890 - Van Gogh asui Auvers-sur-Oisessa lähellä Pariisia, missä hän maalasi muun muassa useita kukkamaalauksia. "Pink Roses" on yksi tämän sarjan parhaista maalauksista. Se on ominaista myöhäistä luovuutta taiteilija. Toisin kuin kirkkaat oranssit ja keltaiset, joita hän käytti Arlesissa (esimerkiksi Auringonkukat-syklissä), Van Gogh käyttää täällä pehmeämpää ja melankolisempaa väriyhdistelmää, joka puhuu hedelmällisemästä ja kosteasta pohjoisesta ilmastosta. Tämä kuva on tyypillinen Vincent van Goghin työn viimeiselle ajanjaksolle myös siinä mielessä, että siinä ei käytännössä ole gravitaatiota (ensi silmäyksellä näyttää siltä, että kuva voidaan kääntää, mutta vaikutus ei muutu) ja tilallisuutta (kukat näyttävät työnnetään ulos kuvan tasosta avaruuteen, jossa katsoja on). Van Gogh pystyi välittämään ruusujen välittömän läheisyyden tunteen tarkkailijalle. Kukkien alla oleva lähes näkymätön kulho osoittaa, missä kuvan alaosa on, ja vain hieman muuttuva vedon muoto ja pieni muutos vihreän sävyissä vihjaa syvyyteen. Ruusujen lehtien ja varsien terävät tummansiniset ääriviivat sekä värisevät ja vääntyvät linjat ovat esimerkki japanilaisen puuveiston vaikutuksesta taiteilijaan. Vaikka nämä tekniikat muistuttavat Paul Gauguinin ja Emile Bernardin tyyliä, Van Gogh käyttää niitä omalla sanoinkuvaamattomalla tavallaan.
Van Gogh maalasi maalauksen "Punaiset viinitarhat Arlesissa" vuonna 1888.
Etelä-Ranskassa asuva taiteilija sai loputtomasti inspiraatiota kaupunki- ja maaseutunäkymistä, luonnon kirkkaista väreistä, auringonvalosta. Tämä ajanjakso on Van Goghin työn tuottavin.
Arlesissa Gauguin vieraili hänen luonaan, ja eräänä päivänä palatessaan kotiin kaupungin laitamilta taiteilijat näkivät epätavallisen kuvan:
laskeva aurinko valaisi viinitarhan säteillään maalaten lehdet purppuranpunaisiksi ja ihmiset ja maan lilan tuhkan sävyihin. Pian tämän jälkeen Van Gogh ryhtyi työstämään maalausta, joka kuvaa rypäleen satoa Montmajourin läheisyydessä. Taiteilija ei kuvannut vain maisemaa, vaan eräänlaista vertausta, jossa kaikkea on symbolinen merkitys. Punaisen kuuma valtava aurinko keltaisella taivaalla luo vihreitä ja oransseja kohokohtia. Kaikki maassa näyttää sulavan sen alla.
Rypäleiden lehdet muuttuvat punaiseksi hehkuksi, ja niiden alla oleva maa saa violetin sävyn. Kuvan oikea puoli on varattu vedelle, heijastaen keltaista tulista taivasta.
Rypäleitä poimivat ihmiset ovat elämän symboli. Van Gogh ymmärsi heidän päivittäisen työnsä joksikin, jonka avulla henkilö voi tulla kiinteäksi osaksi maailmankaikkeutta.
Maalaus oli yksi harvoista Van Goghin elinaikana myydyistä teoksista. Nyt se on Pushkin-museossa Moskovassa.
Liite 6
Musiikkia 1800-luvulla.
1800-luvun ensimmäisen puoliskon säveltäjiä olivat F. Liszt, F. Chopin, F. Schubert, R. Schumann. Tämän koulukunnan säveltäjille oli ominaista taipumus pieneen muotoon. Heidän musiikkinsa on lyyristä ja melodista, ja se oli pääasiassa kamarimusiikkia.
Samaan aikaan italialainen ooppera elää kukoistusaikaansa. Sen kirkkaimmat edustajat ovat G. Rossini, V Bellini, G. Donizetti, G. Verdi. Italialaisessa oopperassa kaksi suuntaa vastustettiin: toinen suuntautui kohti perinteistä buffoopperaa (ts.
komediat), toinen merkitsi suuntausta kohti kansallisoopperan muodostumista.
Jälkimmäisen edustaja oli G. Verdi (1813-1901). Hän oli oopperoiden "Regoleto", "La Traviata", "Othello", "Macbeth", "Aida", "Falstaff", "Il trovatore" ja muiden kirjoittaja. Hänen oopperoidensa aarioista tuli kansanlauluja ja kansallislauluja, jotka kutsuivat italialaisia taistelemaan itsenäisyyden puolesta.
J. Bizet ja R. Wagner tekivät oopperan vakavan uudistuksen. Bizet, yhden suosituimmista oopperoista - "Carmen" - kirjoittaja, oli erittäin realistisen juonen ja melodian kannattaja, joka ilmaisee avoimesti ihmisen tunteita. R. Wagner tuhosi oopperan tavanomaisen rakenteen ja toi siihen elementtejä dramaattisesta esityksestä ja sinfoniakonsertista. Hänen oopperoissaan oli paljon sinfoniakonserttoa. Hänen oopperoissaan oli monia sinfonisia lisäosia ja resitatiiveja.
”Sinfonisen musiikin uudistuksen toteutti ranskalainen säveltäjä C. Debussy. Debussy itse asiassa hylkäsi sinfoniselle musiikille tutut melodiat. Hän yritti näyttää tunteita tuhoten vakiintuneita musiikillisia muotoja.
Franz Schubert - itävaltalainen säveltäjä, yksi musiikin romantiikan perustajista, noin 600 laulun, yhdeksän sinfonian sekä suuri numero kamarimusiikkia ja soolopianomusiikkia. (kuunnellen katkelmaa "The Forest King" -levystä) Frederic Chopin on kirjoittanut lukuisia teoksia pianolle.
Puolan musiikkitaiteen suurin edustaja. Hän tulkitsi monia genrejä uudella tavalla: hän herätti alkusoittoa romanttiselle pohjalle, loi pianoballadin, poetisoi ja dramatisoi tansseja - mazurkaa, poloneesia, valssia; muutti scherzon itsenäiseksi teokseksi.
Giuseppe Verdi - Suuri italialainen säveltäjä, jonka työ on yksi maailman oopperataiteen suurimmista saavutuksista ja italialaisen oopperan kehityksen huipentuma 1800-luvulla. Säveltäjä loi yli 26 oopperaa ja yhden requiemin. Säveltäjän parhaat oopperat: Un ballo in maschera, Rigoletto, Il trovatore, La traviata. Luovuuden huippu on uusimmat oopperat: "Aida", "Othello".
Georges Bizet - romantiikan ajan ranskalainen säveltäjä, orkesteriteosten, romanssien, pianon kappaleita, sekä oopperat, joista kuuluisin oli Carmen.
Claude Debussy - ei ollut vain yksi merkittävimmistä ranskalaiset säveltäjät, mutta myös yksi merkittävimmistä musiikin hahmoista XIX vuoro ja XX-luvulla; hänen musiikkinsa edustaa siirtymämuotoa myöhäisromanttisesta musiikista modernismiin 1900-luvun musiikissa.
Tätä suunnitelmaa tarvitaan ympäri vuoden, myös museon työpajoissa.
1. Esittely
2. Työn kuvaus ja analyysi
Jokaisessa alaosassa suoritetaan muodollisen laitteen ja kuvan välinen suhde.. Kun vertailuja kuvaus ja analysointi etenevät joko peräkkäin (toista työtä verrataan ensimmäiseen) tai rinnakkain.
- koko
- muoto (pysty- ja vaakasuuntainen pitkänomainen, neliö, soikea, pyöreä, kuvasuhde)
- geometrisia kuvioita
- pääkokoonpanon linjat
- tasapaino, kuvan osien suhde toisiinsa ja kokonaisuuteen,
- katselujärjestys
- Perspektiivi, katoavat kohdat
- tasaisuus ja syvyys
- aluesuunnitelmat
- katsojan ja teoksen välinen etäisyys, katsojan paikka kuvan tilassa tai sen ulkopuolella
- näkökulma ja kulmien läsnäolo, horisonttiviiva
- tilavuus ja taso
- linja, siluetti
- valonlähteet, kellonaika, valotehosteet
- valon ja varjon emotionaalinen vaikutus
- sävyjen tai paikallisten värien hallitsevuus
- lämpimiä tai kylmiä värejä
- lineaarisuutta tai maalauksellisuutta
- pääväripisteet, niiden suhteet ja rooli koostumuksessa
- sävy, Valeria
- refleksit
- värin emotionaalinen vaikutus
- vedon luonne (avoin rakenne, sileä rakenne)
- smear orientaatio
- tahran kokoa
- lasitus
3. Johtopäätös
Toistaa tärkeimmät havainnot koskien kuva, teoksen merkitys.
Ennen käytännön analyysiin ryhtymistä on syytä tehdä yksi olennainen huomautus: kuvasta ei pidä etsiä sellaista, mikä ei ole siinä, eli ei missään tapauksessa saa asettaa itselleen tavoitteeksi sovittaa elävää työtä tiettyä kaavaa. Kommentoimisen muodoista ja keinoista pohdittaessa listasimme taiteilijan toiminnan mahdollisia liikkeitä ja vaihtoehtoja, mutta emme missään nimessä vaatineet, että niitä kaikkia on ehdottomasti käytettävä kuvassa. Tarjoamamme analyysi paljastaa yksinkertaisesti aktiivisemmin joitain teoksen piirteitä ja mahdollisuuksien mukaan selittää taiteilijan sävellystarkoitusta.
Kuinka jakaa yksittäinen organismi osiin? Voit käyttää perinteistä toimintosarjaa: piirrä diagonaaliakseleita kuvan geometrisen keskipisteen määrittämiseen, korosta vaaleita ja pimeitä paikkoja, kylmiä ja lämpimiä sävyjä, määritä sommituksen semanttinen keskusta, ilmaise sommitteluakselit tarvittaessa jne. kuvan muodollinen rakenne on helpompi määrittää.
2.1. ASETELMAKOOSTUMUSANALYYSI
Kattaaksesi laajemmin asetelman rakentamisen eri tekniikat, harkitse 1700-luvun klassista asetelmaa, sitten Cezannen ja Mashkovin asetelmia.
2.1.1. V. Kheda. Aamiainen karhunvatukkapiirakan kera. 1631
Ensimmäisen lävistäjän piirtämisen jälkeen huomaamme, että asetelman sommittelu on tehty virheen partaalla, mutta taiteilija selviytyi loistavasti tasapainottamistehtävästä ottamalla käyttöön asteittainen taustan vaaleneminen vasemmalle ylöspäin. Kun tarkastellaan erikseen vaaleita ja tummia yleistettyjä täpliä, olemme vakuuttuneita sävellyksen vaaleista sävyisistä eheydestä ja näemme, kuinka valkoinen kangas ja makaavan maljakon pohjan valaistu pinta pitävät tärkeimmät aksentit ja luovat olosuhteet rytmiselle sovitukselle. tummista täplistä. Suuri kirkas täplä ikään kuin murenee vähitellen pieniksi valon välähdyksiksi. Tummien pisteiden järjestely on rakennettu saman kaavion mukaan.
Asetelman lämpö ja kylmyys lähes yksivärisen kuvan olosuhteissa ilmaistaan erittäin hienovaraisesti ja hienovaraisesti yksityiskohtaisesti ja jakautuu suuriin massoihin vasemmalla ja oikealla. Värin eheyden säilyttämiseksi Kheda esittelee esineiden kylmiä sävyjä kuvan vasemmalle, "lämpimälle" puolelle ja vastaavasti lämpimiä sävyjä oikealle, "kylmälle" puolelle.
Tämän Dresdenin galleriaa koristavan asetelman loisto ei piile pelkästään esineiden absoluuttisessa aineellisessa merkityksessä, vaan myös kuvan huolellisesti harkitussa koostumuksessa.
2.1.2. P. Cezanne. Persikat ja päärynät. 1880-luvun loppu.
Tässä asetelmassa voidaan jäljittää kaksi peräkkäistä keskustaa: ensinnäkin tämä on valkoinen pyyhe, jonka päälle asetetaan hedelmät ja astiat, ja toiseksi persikat lautasella kuvan keskellä. Näin syntyy rytminen kolmisuuntainen katseen lähestymistapa kuvan fokusointiin: yleisestä taustasta pyyhkeeseen, sitten lautasen persikoihin, sitten lähellä oleviin päärynöihin.
Hedan asetelmaan verrattuna Cezannen teoksilla on laajempaa väriskeema, siksi asetelman lämmin-kylmäisyys leviää kuvan koko pinnalle ja on vaikea erottaa paikallisia lämpimien ja kylmien värien joukkoja. Erityinen paikka asetelmassa on vino leveä tumma kaistale taustalla. Se on eräänlainen koostumuksen antidominantti ja samalla korostaa kankaan valkoisuutta kohokohdissa ja värien puhtautta varjoissa. Kuvan koko rakenne on karkea ja siinä on tarkoituksella ilmeisiä siveltimen jälkiä - tämä korostaa ihmisen tekemää, itse kuvan luomisprosessin paljastamista. Myöhemmin kubismiin tulleen Cezannen sävellysten estetiikka piilee muodon väriliimauksen vahvan kehyksen rakentavassa paljastamisessa.
2.1.3. I. Mashkov. Moskovan lunta. 1924
Asetelman sommittelu on yleensä symmetrinen. Kuvan koko tilan täyteys ei ylitä merkityksessä kehystä, sävellys istuu tiukasti sisällä, ilmentyen joko ympyrässä tai neliössä (leipien järjestely). Ruoan runsaus ikään kuin rikkoo kuvan rajoja, samalla kun leipä jättää värin johtajaksi valkoisen maljakon, joka ryhmittyy sen ympärille. Paksu kylläinen väri, leipien tiivis materiaalisuus, jota korostaa tarkasti löydetty leivonnaisten rakenne, yhdistävät esineet harmonisesti ryhmiteltyksi kuumaksi kokonaisuudeksi jättäen taustan hieman kylmempään. Maljakon valkoinen täplä ei irtoa tasosta, se ei ole tarpeeksi suuri tullakseen semanttiseksi keskukseksi, mutta riittävän aktiivinen pitämään sävellystä tukevasti kiinni.
Kuvassa on kaksi tummaa pitkulaista täplää, jotka sijaitsevat kohtisuorassa toisiinsa nähden: tämä on ripustuskangaspala seinässä ja pöydän pinnassa. Yhdistämällä väriä ne estävät esineiden "hajauttamista". Saman rajoittavan, yhdistävän vaikutelman luovat kaksi vaakasuoraa raitaa hyllyn ja työtason sivuseinämässä.
Jos vertaamme Cezannen ja Mashkovin asetelmia, näyttää siltä, että suuren Cezannen koloristisia saavutuksia käyttämällä Ilja Mashkov kääntyy myös "yksivärisen" Khedan upeaan kolorismiin. Tietenkin tämä on vain vaikutelma; niin suuri taiteilija kuin Mashkov on täysin itsenäinen, hänen saavutuksensa kasvoivat luonnollisesti hänen taiteellisesta luonteestaan.
2.2. MAISEMA KOOSTUMUS
Maisemassa on yksi perinteinen sääntö: taivaan ja maiseman on oltava koostumukseltaan epätasaisia. Jos taiteilija asettaa tavoitteekseen näyttää tilaa, rajatonta tilaa, hän antaa suurimman osan kuvasta taivaalle ja kiinnittää siihen päähuomion. Jos taiteilijan päätehtävänä on välittää maiseman yksityiskohdat, niin kuvassa maiseman ja taivaan raja on yleensä paljon korkeammalla kuin sävellyksen optinen keskipiste. Jos reunus sijoitetaan keskelle, kuva hajoaa kahteen osaan väittäen yhtä lailla ylivaltaa - toissijaisen alisteisuuden periaatetta rikotaan. Tätä yleistä huomautusta havainnollistaa hyvin P. Brueghelin työ.
2.2.1. Pieter Brueghel vanhempi. Ikaruksen kaatuminen. Noin 1560
Maiseman koostumus on monimutkainen ja samalla hyvin luonnollinen, ensi silmäyksellä se on hieman supistettu yksityiskohtaisesti, mutta tarkemmin tarkasteltuna se on erittäin tiukasti räätälöity. Pieter Brueghelin paradoksaalisuus ilmeni kuvan semanttisen keskuksen (Ikaros) siirtymisenä periferiaan ja toissijaisen luonteen (kyntäjä) kompositiokeskukseen. Tummien sävyjen rytmi näyttää sattumanvaraiselta: vasemmalla pensaskot, kyntäjän pää, puita veden äärellä, laivan runko. Juuri tämä rytmi ei kuitenkaan anna katsojan silmän poistua kuvasta rannikon korkean osan tummaa reunaa pitkin tummaa diagonaalikaistaa pitkin. Toisen rytmin rakentavat kankaan vaaleiden osien lämpimät sävyt sekä maisematilan selkeä jako kolmeen tasoon: rannikko, meri, taivas.
Monien yksityiskohtien ansiosta sävellys on säilytetty klassisella tekniikalla - kyntäjän punaisen paidan luomana värinä. Syventymättä yksityiskohtaiseen kuvaukseen kuvan yksityiskohdista, ei voi olla ihailematta teoksen syvän merkityksen ilmaisemisen nerokasta yksinkertaisuutta: maailma ei huomannut Ikaruksen kaatumista.
2.2.2. Francesco Guardi. Isola di San Giorgio Venetsiassa. 1770-luku.
Värimaailmaltaan tämä on yksi upeimmista maalauksista koko maalauksen historiassa, mutta kuvallista täydellisyyttä ei olisi saavutettu ilman kauniisti rakennettua, kaikki klassiset kaanonit täyttävää sommitelmaa. Absoluuttinen tasapaino epäsymmetrialla, eeppinen majesteettisuus dynaamisella rytmillä, täsmällisesti löydetty värimassojen suhde, ilman ja meren maaginen kylmyys - tämä on suuren mestarin työtä.
Analyysi osoittaa, että sävellyksen rytmi rakentuu sekä pysty- että vaakasuunnassa ja vinottain. Pystyrytmin muodostavat tornit, pylväät, palatsin seinien jako veneiden mastojen mukaisesti. Vaakasuora rytmi määräytyy veneiden asettelun perusteella kahta kuvitteellista vaakaviivaa pitkin, palatsin jalka ja kattojen linjat, joissa ne yhtyvät seiniin. Erittäin mielenkiintoista on tornien latvojen diagonaalinen rytmi, kupoli, portioksen yläpuolella olevat patsaat, oikean seinän perspektiivi, kuvan oikealla puolella olevat veneet. Sävellyksen tasapainottamiseksi otettiin käyttöön vaihtoehtoinen diagonaalinen rytmi vasemmasta veneestä palatsin keskikupolille sekä lähimmästä gondolista oikeanpuoleisten mastojen huipulle.
Palatsin seinien kuuma väri ja auringonsäteiden kulta katsojaan päin olevilla julkisivuilla erottavat rakennuksen harmonisesti ja voimakkaasti meren ja taivaan yleisen rikkaan värin taustalla. Meren ja taivaan välillä ei ole rajaa - tämä antaa ilmavuutta koko maisemaan. Palatsin heijastus lahden tyynissä vesissä on yleistetty ja täysin vailla yksityiskohtia, mikä mahdollistaa soutajien ja merimiesten hahmojen eksymisen.
2.2.3. G. Nissky. Moskovan alue. Helmikuu. 1957
Nyssky loi teoksensa puhtaina sävellyksiä, hän ei kirjoittanut niitä suoraan luonnosta, hän ei tehnyt paljon alustavia luonnoksia. Hän opetteli maisemia ulkoa, omaksui luonteenomaisimmat piirteet ja yksityiskohdat mieleensä, teki henkisen valinnan jo ennen maalaustelineen aloittamista.
Esimerkki tällaisesta hienostuneesta koostumuksesta on "Podmoskovye". Värimassojen sijainti, pitkien kylmien varjojen selkeä erottelu ja lumen vaaleanpunainen valkoisuus, tiukasti säädetyt kuusien siluetit keskimaassa ja kaukainen metsä, käännöksessä ryntäävä tavarajuna, viivaimen tavoin piirretty betonimoottoritie - kaikki tämä luo nykyaikaisuuden tunnetta, tämän takana näkyy teollinen aika, vaikka talvimaiseman lyyrisyys puhtaine lumeineen, aamun hiljaisuus, korkea taivas ei salli kuvan ansiota tuotantoaiheiseen teokseen:
Erityisen huomionarvoisia ovat taustalla olevat värisuhteet. Pääsääntöisesti etäisyydet on kirjoitettu kylmemmällä sävyllä kuin etualalla, kun taas Nisskyssä kaukainen metsä on suunniteltu lämpimin värein. Vaikuttaa siltä, että esinettä on vaikea siirtää kuvan syvyyksiin tällä värillä, mutta jos kiinnität huomiota taivaan punertavan oranssiin väriin, taiteilijan täytyi murtaa yleissääntö rakentaa tilaa siten, että metsä ei erotu terävästi taivasta vasten, vaan sulautuu siihen tonaalisesti. Mestari asetti etualalle punaiseen puseroon pukeutuneen hiihtäjän. Tämä valopilkku, jolla on hyvin pieni pinta-ala, pitää koostumusta aktiivisesti ja antaa sille avaruudellista syvyyttä. Kuvan vasempaan osioon lähentyvä vaakasuuntaisten massojen jako, vertailu kuusien pystysuoraan antaa teokselle sommitteludraamaa.
2.3. MUOTOKUVA KOOSTUMUS
Taiteilijat tulkitsevat muotokuvan teokseksi eri tavoin. Jotkut kiinnittävät huomiota vain henkilöön, esittelemättä ympäristön yksityiskohtia, he kirjoittavat neutraalille taustalle, toiset tuovat seurueen muotokuvaan tulkitsemalla sen kuvana. Sävellys toisessa tulkinnassa on pääsääntöisesti monimutkaisempaa, siinä käytetään monia aiemmin mainittuja muodollisia keinoja ja tekniikoita, mutta myös yksinkertaisessa kuvassa neutraalia taustaa vasten sävellystehtävät ovat ratkaisevia.
Anguisola Sofisba. omakuva
2.3.1. Tintoregto. Mies muotokuva. 1548
Taiteilija kiinnittää kaiken huomion kasvojen elävän ilmeisyyden siirtämiseen. Oikeastaan päätä lukuun ottamatta muotokuvassa ei ole kuvattu mitään, vaatteet ja tausta eroavat väriltään niin vähän toisistaan, että valaistut kasvot ovat teoksen ainoa valopilkku. Tässä tilanteessa koostumuksen laajuus ja tasapaino ovat erityisen tärkeitä. Taiteilija mittasi huolellisesti kehyksen mitat kuvan ääriviivoilla, määritti kasvojen paikan klassisella tarkkuudella ja muotoili värin eheyden puitteissa rasterit ja varjot kuumilla maaleilla. Koostumus on yksinkertainen ja täydellinen.
2.3.2. Rafael. Nuoren miehen muotokuva (Pietro Bembo). Noin 1505
Korkean renessanssin perinteen mukaisesti muotokuvia luotiin Italian maiseman taustaa vasten. Se on taustaa vasten, ei luonnonympäristössä. Tietty valaistuksen käytäntö, hahmon mittakaavan säilyttäminen suhteessa kehykseen, työstetty ei-entourage-muotokuvissa, antoi mestarille mahdollisuuden näyttää kuvattavaa hyvin läheltä, kaikissa ominaisissa yksityiskohdissa. Tämä on Rafaelin muotokuva nuoresta miehestä.
Nuoren miehen rintafiguuri on rakenteellisesti rakennettu useiden väriparien rytmiin: ensinnäkin se on punainen lippalakki ja punaisen paidan näkyvä osa; toiseksi oikealla ja vasemmalla pari tummaa täplää, jonka muodostavat virtaavat hiukset ja viitta; kolmanneksi nämä ovat kädet ja kaksi sirpaletta vasemmasta hihasta; neljänneksi se on nauha valkoista pitsikaulusnauhaa ja nauha taitettua paperia oikea käsi. Kasvot ja kaula, jotka muodostavat yhteisen lämpimän pisteen, ovat sävellyksen muodollinen ja semanttinen painopiste. Nuoren miehen selän takana oleva maisema on suunniteltu kylmemmillä väreillä ja muodostaa kauniin valikoiman kokonaisvärin kontekstissa. Maisema ei sisällä arjen yksityiskohtia, se on autio ja rauhallinen, mikä korostaa teoksen eeppistä luonnetta.
Muotokuvassa on yksi yksityiskohta, josta on tullut mysteeri taiteilijoille vuosisatojen ajan: jos huolellinen piirtäjä jäljittää olkapään ja kaulan linjan päähän (oikealla), niin niska osoittautuu ammattimaisesti sanottuna täysin kiinnittymättömänä pään massaan. Sellainen erinomainen anatomian tuntija kuin Rafael ei voinut tehdä niin alkeellista virhettä. Salvador Dalilla on maalaus, jota hän kutsui "Omakuvaksi rafaelilaiskaulalla". Rafaelin muotokuvan kaulan muodossa on todellakin selittämätöntä plastista vetovoimaa.
2.3.3. K. Korovin. Muotokuva F.I. Chaliapin. 1911
Paljon tässä työssä on epätavallista klassista maalausta harjoittavalle katsojalle. Muoto itsessään on jo epätavallinen, laulajan hahmon sävellystoisto, pöydän ja ikkunaluukkujen ääriviivat ovat epätavallisia, ja lopuksi maalauksellinen muotojen mallinnus ilman tiukkaa kuviota on epätavallinen.
Värimassojen rytmi oikeasta alakulmasta (seinän ja lattian kuuma sävy) vasempaan yläkulmaan (vihreys ikkunan ulkopuolella) etenee kolmessa vaiheessa ja vaihtuu kylmälle puolelle. Koostumuksen tasapainottamiseksi ja värin eheyden säilyttämiseksi kylmällä vyöhykkeellä tuodaan lämpimien sävyjen välähdyksiä ja vastaavasti kylmiä lämpimälle alueelle.
Taiteilija käyttää yksityiskohdissa toista värirytmiä: kuumat aksentit välähtävät koko kuvan pinnalla (kengät - vyö - lasi - kädet).
Figuurin mittakaava suhteessa kehykseen mahdollistaa sen, että seurue ei ole tausta, vaan kuvan täysivaltainen sankari. Ilman tunne, jossa esineiden rajat liukenevat, valo ja heijastukset luovat illuusion vapaasta improvisaatiosta ilman tarkoituksellista sommittelua, mutta muotokuvassa on kaikki muodollisesti pätevän sommittelun merkit. Mestari on mestari.
2.4. KUVAN KOOSTUMUS 2.4.1. Rafael. Sikstus Madonna. 1513
Tämä maalaus, ehkä maailman kuuluisin, kilpailee sen kanssa suosiossa vain Leonardo da Vincin "La Gioconda". Jumalanäidin kuva, kirkas ja puhdas, henkistettyjen kasvojen kauneus, teoksen idean saavutettavuus ja yksinkertaisuus sulautuvat harmonisesti kuvan selkeään sommitteluun.
Taiteilija käytti aksiaalista symmetriaa kompositiovälineenä ja osoitti siten kristityn sielun alkuperäistä täydellisyyttä ja tasapainoista rauhaa, uskoen hyvän lopulliseen voittoon. Symmetria sommitteluvälineenä korostuu kirjaimellisesti kaikessa: hahmojen ja verhojen asettelussa, kasvojen käänteessä, itse hahmojen massojen tasapainossa pystyakseleiden suhteen, lämpimien sävyjen nimissä.
Otetaan keskushahmo. Vauva Madonnan käsivarsissa painaa sommittelullisesti vasenta puolta, mutta Raphael tasapainottaa figuuria tarkasti lasketulla viittasiluetilla. Oikeanpuoleisen tytön figuuri on massaltaan hieman pienempi kuin vasemmalla oleva Sixtus, mutta oikean hahmon värikylläisyys on aktiivisempi. Massien symmetrian näkökulmasta voit katsoa Madonnan ja Kristuksen kasvojen sijaintia ja sitten kuvan alareunassa olevien enkelien kasvojen sijaintia. Nämä kaksi paria kasvot ovat vastavaiheessa.
Jos yhdistät kuvan kaikkien päähahmojen kasvojen kuvat viivoilla, muodostuu säännöllinen rombi. Madonnan tukijalka on maalauksen symmetria-akselilla. Tällainen sommittelumalli tekee Rafaelin työstä ehdottoman tasapainoisen, ja hahmojen ja esineiden sijoittelu ovaalin ympäri optisen keskuksen ympärillä säilyttää sävellyksen eheyden jopa sen osien epäyhtenäisyydestä huolimatta.
2.4.2. A.E. Arkhipov. Oka-joen varrella. 1890
Avoin, dynaaminen jopa staattisten hahmojen kanssa sommitelma on rakennettu käänteistä diagonaalia pitkin: oikealta ylhäältä vasemmalle. Osa pitkäveneestä menee katsojalle kuvan alaosan alle - tämä luo läsnäolomme tunteen suoraan pitkäveneellä istuvien keskuudessa. Auringonvalon ja kirkkaan kesäpäivän välittämiseksi taiteilija käyttää sommittelukeinona figuurien yleisen valon värin ja varjon aksenttien välistä kontrastia. Lineaarinen perspektiivi vaati pitkäveneen keulan kuvien pienentämistä, mutta ilmaperspektiivi (rannikon syrjäisyyden illuusion vuoksi) ei vähentänyt keulan kuvien selkeyttä lähikuviin verrattuna. eli pitkäveneen sisällä ei käytännössä ole ilmaperspektiiviä. Sävellyksen tasapainon varmistaa yhteisen tumman kompositioovaalin suhteellinen sijainti keskeltä vasemmalla ja aktiivisen tumman täplän oikealla puolella (kahden hahmon ja lautasen varjoosat). Lisäksi, jos kiinnität huomiota mastoon, se sijaitsee kuvan akselilla, ja oikealla ja vasemmalla etäisyydellä on symmetrisiä vaaleita aksentteja.
2.4.3. N. Eryshev. Muuttaa. 1975
Sävellys on rakennettu vertikaalien rytmiin. Teollisuusrakennukset (muuten, hyvin ehdolliset), yksi puu, ihmisten hahmot - kaikki korostuu pitkänomaisesti ylöspäin, vain kuvan alaosassa on useita vaakasuoria viivoja, jotka muodostuvat betonilaatoista, putkista ja horisontista. Sävellyksen painopiste on teini-ikäisten turistien ryhmä, joka sijaitsee lähes symmetrisesti työskentelevän mestarin molemmilla puolilla. Jalostamot muodostavat yhdessä kahden teini-ikäisen valkoisen pelipaidan kanssa pystysuoran suorakulmion. Ikään kuin rajoittaessaan tätä suorakulmiota, kirjailija asetti kaksi nuorta terrakottavaatteisiin. Eräänlaista symmetriaa luodaan asettamalla mestarin figuuri pystyakselille ja oikealle tasaisesti seisovan, trumpetin muotoisen rakenteen omaavan puun soittoääni.
Suora kohdistus, tarkoituksellinen tilanteen sovitus, hahmojen selkeästi hahmoteltu staattinen luonne voisi johtua kiistanalaisina hetkinä realistisessa elämänsiirrossa, mutta tässä teoksessa on monumentaalisen suunnittelusuunnan piirteitä, jossa kaikki tämä on orgaanista. loogista ja tarpeellista. Sävellyksen näkökulmasta tässä käytetään selkeitä, muodollisesti moitteettomia keinoja ryhmittelystä rytmiin sävytuksiin ja artikulaatioihin.
OSA NELJÄS
KOOSTUMUS JA TAITEELLINEN
On siis aika puhua niistä teoksen ominaisuuksista, jotka itse asiassa ovat esteettisten arvojen, henkisen täyteyden, taiteellisten kuvien elinvoimaisuuden kantajia. Tämä on hienovarainen asia, tässä on paljon vaikeasti havaittavissa olevaa, sekoitettuna taiteilijan henkiseen energiaan, hänen yksilöllisyytensä, hänen asenteensa maailmaan. Sävellyksen rooli laskeutuu lukutaitoon, kykyyn ilmaista ajateltua kauneuden ja harmonian kielellä, kykyyn rakentaa terve ja vahva muoto.
1. YLEISTYS JA TYÖPINTÄ
Klassisen taiteellisen käytännön perinteissä on tapana välttää kasa onnettomuuksia, jotka tuhoavat kuvan eheyden, sen symbolisen varmuuden. Etüüdi asiaaineiston keräämiskeinona, älynä objektiivisen todellisuuden leirissä, kantaa mukanaan liiallista, hetkellistä, joskus sanallista raportointia. Valitsemalla valmiista teoksesta tyypillisimpiä piirteitä, tekemällä yleistyksiä ja painotusten vaihtamista, tekijä saavuttaa eniten samankaltaisuuden taiteellisen ideansa kanssa. Yleistyksen ja valinnan tuloksena syntyy tyypillinen kuva, ei yksittäinen, ei satunnainen, vaan imee syvällisimmän, yleisimmän, totuuden.
Näin syntyy sankari- tai maisematyyppi, kuten esimerkiksi protodiakoni I. Repinin muotokuvassa tai täysin venäläinen maisema I. Levitanin maalauksissa.
TAIDETEOSTEN TAITEELLINEN ANALYYSI
Pääasiallinen tapa perehdyttää koululaiset kuvataiteeseen on aikuisen taidekritiikkitarina. Valinnan määrää työn sisältö ja rakenne. Taidehistoriallisen tarinan rakenne voisi olla jotain tällaista:
Viesti maalauksen nimestä ja taiteilijan nimestä;
Mistä maalauksessa on kyse?
Mikä on tärkein asia kuvassa (korosta sommittelukeskusta sellaisena kuin se on kuvattu (väri, rakenne, sijainti);
Mitä teoksen pääasian ympärille on kuvattu ja miten siihen liittyvät yksityiskohdat (näin syvenee kuvan sisältöön, kun taas teoksen sisällön ja sen ilmaisuvälineiden välille syntyy yhteys) ;
Mitä taiteilija kauniisti osoitti työllään;
Mitä ajattelet, kun katsot tätä kuvaa?
Tällaisen tarinan rakenteen käyttö on mahdollista, kunnes lapset alkavat itsenäisesti ja yksityiskohtaisesti vastata tarinan jälkeen esitettyihin kysymyksiin kuvan sisällöstä ja hankkivat monologisen puheen taidon vastata kysymykseen, mistä kuvassa on kyse. .
Tämän tekniikan jälkeen on perusteltua tarjota erityisiä kysymyksiä, joiden tarkoituksena on luetella kuvassa oleva hämmästyttävä asia, tarkastella sitä yksityiskohtaisesti, jotta lapsi saadaan ymmärtämään työn sisältö. Esimerkiksi: "Mitä kuvassa näkyy? Mikä on mielestäsi tärkein asia kuvassa? jne." Näitä tekniikoita voidaan soveltaa, kun lapset ovat itsenäisesti tutkineet työn. Esitä sitten heille kysymyksiä vahvistaaksesi ymmärrystä kuvan sisällöstä, muodostumista kyvystä eristää taiteilijan käyttämät ilmaisuvälineet.
Analyysia suoritettaessa taideteos opettajan on tärkeää ottaa huomioon jokin laki taiteellista luovuutta ja taiteellisuuden välttämätön edellytys: taiteen mestariteokset ovat orgaaninen yhteys taidemuoto ja sisältöä. Sisältö ja muoto ovat erottamattomia toisistaan - sekä luovassa prosessissa että valmiissa työssä. Tässä tapauksessa voit käyttää seuraavaa tekniikkaa: tarina on esimerkki aikuisen henkilökohtaisesta asenteesta kuvaan, josta hän pitää. Tämän tarinan jälkeen lasten puhe rikastuu suuresti. Kun lapset ovat vallanneet taiteen historiallisen tarinankerrontataidon, maalausten analysoinnin, aloitamme maalausten tarkastelun korkeamman tason kysymyksillä. "Mistä kuvassa on kyse? Millä nimellä kuvaisit? Miksi sitä kutsuttiin niin?" Näin ohjaamme lasten huomion sisällön ja ilmaisuvälineiden välisen yhteyden luomiseen ja selittämiseen. Se edistää kyvyn kehittyä järkeilemään, todistamaan, analysoimaan ja tekemään johtopäätöksiä. Jos lapsen on vaikea vastata heti, mistä kuvassa on kyse, käytämme tarkkojen asetusten menetelmää. Ennen kuin vastaat kysymykseen, mistä kuvassa on kyse, katso huolellisesti, mitä siinä on kuvattu. Tärkeintä on, miten taiteilija sen esitti, ja sitten vastaa kysymykseen, mistä kuvassa on kyse.
Näin voit opettaa heidät päättelemään loogisesti ja avaa tien itsenäiseen vastauksen etsimiseen. Visuaalisten keinojen valinta, taiteellisen muodon muodostuminen riippuvat taideteoksen perustan muodostavan elämänmateriaalin ominaisuuksista; materiaalin ideologisen ja esteettisen ymmärryksen luonteesta eli sisällöstä. On tärkeää välittää lapsille, että idea voi jäädä toteutumatta, jos taiteilija ei löydä sille ilmaisumuotoa. Sisällön ja muodon orgaaninen fuusio on esteettisen nautinnon välttämätön edellytys taideteoksen havaitsemisprosessissa. Kompositsiooni- ja kolorististen vaihtoehtojen vastaanotto auttaa ratkaisemaan vaikeudet ymmärtää kuvan sisältöä ja sen ilmaisumuotoa yhtenäisyydessä. Tässä tapauksessa aikuinen näyttää sanallisesti tai visuaalisesti, kuinka kuvan sisältö muuttuu, siinä ilmaistut tunteet, tunnelma riippuen koostumuksen (tietyn järjestyksen teoksen elementtien suhteessa) tai värin (väri) muutoksesta. yhdistelmä) kuvassa.
Kuvan väri hyvin varhaisesta iästä lähtien aiheuttaa lapsissa eläviä tunnereaktioita. Jotta väristä tulisi "puhuva", työssä käytetään kolorististen vaihtoehtojen tekniikkaa. Tärkeintä on muuttaa kuvan väriä sanallisen kuvauksen avulla. Siksi on erittäin tärkeää, että taideteos saa lapselle henkilökohtaisen merkityksen, jotta hän voi ilmaista suhtautumistaan teostaan. Kuvan sisältö paljastuu ottamalla huomioon havainto ja teoksen idean, juonen, hahmojen analyysin perusteella. Havainnon täyteydestä taiteellista sisältöä, joka liittyy usein opettajan kaunopuheisuuteen, riippuu hänen kuvansa ymmärtämisen täydellisyydestä keinona heijastaa todellisuutta taiteessa.
ESIMERKKIKYSYMYKSIÄ TAIDETEOSTEN ANALYYSIIN
Tunnetaso:
Millaisen vaikutelman teos tekee?
Millaisia tuntemuksia katsoja voi kokea?
Mikä on työn luonne?
Miten osien mittakaava, muoto, vaaka-, pysty- tai diagonaalinen sijoittelu, tiettyjen arkkitehtonisten muotojen käyttö, tiettyjen värien käyttö kuvassa ja valon jakautuminen teoksessa auttavat teoksen emotionaalista vaikutelmaa? arkkitehtoninen monumentti?
Aihe taso:
Mikä (tai kuka) on kuvassa?
Mitä katsoja näkee seisoessaan julkisivun edessä? sisätiloissa?
Kenet näet veistoksessa?
Korosta tärkeintä näkemästäsi.
Yritä selittää, miksi tämä näyttää olevan tärkein asia sinulle?
Millä keinoin taiteilija (arkkitehti, säveltäjä) erottaa pääasia?
Miten esineet on järjestetty teoksessa (aihekokoonpano)?
Miten teoksen päälinjat piirretään (lineaarinen sommittelu)?
Miten arkkitehtonisessa rakenteessa (arkkitehtonisessa koostumuksessa) verrataan tilavuuksia ja tiloja?
Tarinan taso:
Yritä kertoa kuvan juoni uudelleen.
Yritä kuvitella, mitä tapahtumia voi tapahtua useammin tässä arkkitehtonisessa rakenteessa.
Mitä tämä veistos voi tehdä (tai sanoa), jos se herää eloon?
Symbolinen taso:
Onko teoksessa esineitä, jotka symboloivat jotain?
Onko teoksen koostumuksella ja sen pääelementeillä symbolinen luonne: vaaka, pystysuora, diagonaali, ympyrä, soikea, väri, kuutio, kupoli, kaari, holvi, seinä, torni, torni, ele, asento, vaatetus, rytmi, sointi jne..?
Mikä on teoksen nimi? Miten se liittyy juoneensa ja symboliikkaan?
MAALAUSTÖÖKSEN ANALYYSISUUNNITELMA
2. Tyyli, suunta.
3. Maalauksen tyyppi: maalausteline, monumentaalinen (fresko, tempera, mosaiikki).
4. Materiaalin valinta ( maalausteline maalaus): öljymaalit, akvarelli, guassi, pastelli. Tämän materiaalin käytön ominaisuudet taiteilijalle.
5. Maalauksen genre (muotokuva, maisema, asetelma, historiallinen maalaus, panoraama, dioraama, ikonimaalaus, venesatama, mytologinen genre, arkigenre). Taiteilijan teosten genren ominaisuudet.
6. Kuvankaunis juoni. Symbolinen sisältö (jos sellainen on).
7. Teoksen maalaukselliset piirteet:
tasaisuus;
väritys;
Taiteellinen tila (taiteilijan muuntama tila);
9. Teoksen katselun yhteydessä saatu henkilökohtainen vaikutelma.
VEISTOSTEOSTEN ANALYYSISUUNNITELMA
2. Tyyli, suunta.
3. Veistoksen tyyppi: pyöreä veistos, monumentaalinen veistos, pieni muovi, kohokuvio ja sen lajike (bareljeef, korkea kohokuvio), veistoksellinen muotokuva, herma jne.
4. Mallin valinta (todellisuudessa olemassa oleva henkilö, eläin, taiteilijan fantasia, allegorinen kuva).
5.Plastika (kehonkieli), valo- ja varjostusmallinnus.
6. Vuorovaikutus ympäristön kanssa: veistoksen väri
(väritys) ja värillinen tausta ympäristöön, valotehosteet (taustavalo); veistos arkkitehtuurin elementtinä, vapaasti seisova patsas jne.
7. Materiaalin valinta ja ehdollisuus (marmori, graniitti, puu, pronssi, savi jne.).
8. Kansalliset piirteet.
9. Henkilökohtainen käsitys monumentista.
ARKKITEHTUURIN ANALYYSISUUNNITELMA
2. Tyyli, suunta. Suurten tai pienten muotojen arkkitehtuuri.
3. Sijoita arkkitehtoniseen kokonaisuuteen (sisältyminen, eristäminen,
korrelaatio maiseman kanssa, orgaanisen yksityiskohdan rooli jne.). Tektoniikka: seinäjärjestelmät, muuraus, teline ja kaari
rakenne, runkorakenne, holvirakenne, moderni
tilarakenne (taitettu, ruuvi jne.).
4. Käytetty materiaali ja sen osallistuminen erityisen arkkitehtonisen ilmeen luomiseen. Hänen työnsä luonne rakenteessa (pilarit - ne kantavat, holvit joustavat, reunalistat lepäävät, kaaret nousevat, kupolikruunu jne.).
5. Tietyn teoksen arkkitehtonisen kielen omaperäisyys,
ilmaistuna:
Symmetria, epäsymmetria, epäsymmetria;
Osien rytmi, yksityiskohdat;
Tilavuus (litistetty, pystysuoraan kaventunut, kuutio jne.);
Mittasuhteet (yksityiskohtien ja osien harmonia);
Kontrasti (muotojen vastakohta);
Siluetti (ulkoviivat);
Mittakaava (suhde henkilöön);
Pinnan väri ja rakenne.
7. Rakennuksen kansalliset piirteet.
8. Taiteen synteesin läsnäolo (arkkitehtuurin yhteys kuvanveistoon ja maalaukseen).
Toinen tekniikka kuvan analysoimiseksi, jota A. Melik-Pashaev ehdotti. Käytän sitä tunneillani useimmiten opiskellessani historiallisia ja jokapäiväisiä genrejä. Ehdotan, että lapset harkitsevat kuvaa huolellisesti, kun nimeän sen tekijän, mutta en ilmoita otsikkoa. Sitten ehdotan, että vastaat ehdotettuihin kysymyksiin kirjallisesti. Lapset eivät vastaa kysymykseen 3 kirjallisesti, vaan keskustelemme siitä yhdessä. Ajattelen etukäteen johtavia kysymyksiä, jotka auttavat lapsia paljastamaan täydellisemmin kuvan juonen ja antamaan syvällisiä vastauksia muihin kysymyksiin.
Kysymyksiä kuvaan:
1. Miten kutsuisit tätä kuvaa?
2. Pidätkö kuvasta vai et?
3. Kerro meille tästä kuvasta, jotta henkilö, joka ei tunne sitä, saa siitä käsityksen.
4. Millaisen tunnelman tämä kuva sinussa herättää?
7. Haluatko lisätä tai muuttaa jotain vastaukseesi ensimmäiseen kysymykseen?
8. Palaa vastaukseen toiseen kysymykseen. Onko arviosi pysynyt samana vai onko se muuttunut? Miksi arvostat kuvaa niin paljon?
Lähetä hyvä työsi tietokanta on yksinkertainen. Käytä alla olevaa lomaketta
Opiskelijat, jatko-opiskelijat, nuoret tutkijat, jotka käyttävät tietopohjaa opinnoissaan ja työssään, ovat sinulle erittäin kiitollisia.
Lähetetty http://www.allbest.ru/
Analyysi arkkitehtoninen työ Paškovin talo
"Taiteilijan tehtävä muodon avulla on tuhota materiaali", F. Schiller, kirjasta B.R. Vipper, Johdatus taiteen historialliseen tutkimukseen. Arkkitehtuurin päätehtävä onkin muuttaa materiaalia, muokata sitä ja alistaa se omalle tasolleen. taiteellisiin tarkoituksiin. Ja tuloksena voit luoda yhden sävellyksen, joka perustuu ilmeikkääseen tilavuuden ja tilan yhdistelmään. Arkkitehtien tulee myös yhdistää kolme puolta rakennuksen harmonisessa koostumuksessa: toisaalta mukavuus ja hyöty (toiminnallinen tehtävä); toisaalta vahvuus ja taloudellisuus (rakentava ja tekninen ja taloudellinen tehtävä); kolmannen kanssa - muotojen kauneus (esteettinen tehtävä). Ja lopulta sävellyksen tavoitteeksi tulee - saavuttaa muodon ja sisällön yhtenäisyys. Ja tämän saavuttaminen ei ole niin helppoa. Harkitse yhtä Moskovan näkyvimmistä taloista. Mitkä ominaisuudet, mitkä arkkitehtoniset tekniikat määrittelivät tämän rakennuksen korkean arvioinnin?
Pashkov-talon arkkitehtuuri
Paškovin talo rakennettiin vuosina 1784-1786. XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. Vasili Bazhenov varakkaan maanomistajan Pashkovin toimesta. Se oli aikaa, jolloin klassismin jalo yksinkertaisuus ja pidättyvyys murtuivat barokin rikkaan anteliaisuuden kanssa. Tuon ajan tunnustettu mestari Vasily Bazhenov onnistui luomaan Moskovan klassismin tyylin, joka yhdistää orgaanisesti barokin ja klassismin periaatteet täällä. Tämän vahvistavat näiden tyylien suosikkimenetelmät. Esimerkiksi pitkä julkisivu Mokhovaya-kadulle on tehty klassiseen tyyliin, jolle on ominaista yhtenäisyys, johdonmukaisuus ja korostettu oikea järjestys. Sen koostumus avautuu selkeästi symmetrisesti keskusrakennuksen akseliin nähden. Sen oikealle ja vasemmalle puolelle lähtee kaksi yksikerroksista galleriaa, jotka päättyvät kaksikerroksisiin identtisiin ulkorakennuksiin. Pashkovin talossa on kaksi pääjulkisivua - yksi näyttää ajoradalle ja on palatsi, juhlallinen luonne, toinen on suunnattu sisäpihalle ja on mukavampi, tila-ilme. Sylinterimäinen Belvederi kohoaa ylös (Bazhenov teki siitä läpikulkuisen rotundin, jota ympäröivät parilliset pylväät ja kupoli, jonka päällä on veistos Kreikkalainen jumalatar Minerva) yhdessä kahden alemman kanssa se muodosti selkeän tasakylkisen kolmion. Nämä ovat klassismin tyylin tekniikoita, jotka kirjaimellisesti tarkoittaa "esimerkkiä" latinaksi. Barokkisävyt näkyvät selvästi arkkitehtonisen sisustuksen suunnittelussa, erityisesti keskusrakennuksen julkisivun järjestysjärjestelmä, toisaalta tiukka klassinen, toisaalta tehty sen yksityiskohdissa (maljakot kaiteet, veistokset, stukkokoristeyksityiskohdat) enemmän vapautta ja omaperäisyyttä verrattuna tavallisiin klassisiin kaanoneihin.
Talo ei ole säilynyt tähän päivään asti alkuperäisessä muodossaan, sitä on uusittu useita kertoja. Erityisesti vuonna 1812 talo tuhoutui tulipalossa. Arkkitehdit yrittivät entisöidä talon 1700-luvun kuvien mukaan, sellaisena kuin se alun perin luotiin.
Näkymä rakennuksen arkkitehtonisesta typologiasta
Paškovin talo on palatsityyppinen arkkitehtuuri, tyyppi, joka korostaa tiettyä elämäntapaa (tyyppiä). Tässä tapauksessa Bazhenov kehittää eräänlaista venäläistä kaupunkiaatelista ja rakentaa Paškovin talon arkkitehtoniseksi kokonaisuudeksi, joka koostuu kolmikerroksisesta päärakennuksesta, jonka päällä on rotunda-belvedere, ja kaksikerroksisista ulkorakennuksista, jotka on yhdistetty siihen yksikerroksisilla gallerioilla.
Aluksi rakennusta tarkasteltuna vaikuttaa siltä, että talo on pieni. Mutta se näyttää suuremmalta kuin se on, kiitos gallerioiden ja ulkorakennusten, jotka ulottuvat pitkin katua yhtenä suorana päärakennuksen vieressä. Ne näyttävät täydentävän yleistä arkkitehtonista koostumusta reunoilla. Tällainen kolmiosainen kokoonpano, joka koostuu keskusrakennuksesta, käytävägallerioista ja ulkorakennuksista, ei ole arkkitehdin mielijohteesta - se on perusteltua tuon ajan elämällä. Päärakennuksessa olivat omistajan olohuoneet ja valtiohuoneet. Ulkorakennuksissa oli keittiö, palvelijat asuivat ja vieraita. Galleriat mahdollistivat ulkorakennuksista kulkemisen taloon ilman ulkona menoa, mikä oli erityisen tärkeää huonolla säällä tai talvella.
Paikka avaruudessa
Talon kokoonpanon arkkitehtoninen tila on järjestetty. Sen sijainti on hyvin harkittu. Eikä vain urbaanissa kokonaisuudessa, vaan myös itse koostumuksessa. Rakennuksen vaikuttava ulkonäkö johtuu osittain sen rakennuspaikasta. Paškovin talo seisoo korkealla Vagankovsky-kukkulalla, ikään kuin jatkaen nousuaan, kahden laskevan kadun avoimella kulmalla.
Talon urbaani arkkitehtoninen kokonaisuus voidaan kuvata panoraamamaisemaksi. Kohteen korkea sijainti ja näkyvyys kaikilta puolilta auttoivat paremmin tunnistamaan rakenteen kolmiulotteisuuden ja korkean tason rakenteen, joka orgaanisesti tuli Kremlin ympäristön kokonaisuuteen.
Rakennuksen massa visuaalisessa havainnoissa riippuu arkkitehtonisen kokonaismuodon materiaalimäärän visuaalisesta arvioinnista. Massa on täällä leikattu melko vapaasti. Pashkov-talon hoikka pyramidin muotoinen siluetti, jota korostavat sivusiivet, pyrkimys sen keskirakennuksen huipulle sekä sen helpotus rotunda-belvederen ansiosta - kaikki tämä pikemminkin juontaa juurensa kansan perinteisiin. muinaisen Venäjän arkkitehtuuri. Bazhenovin rakennuksen massan niin sanottu orgaaninen kasvu saavuttaa täällä suuren ilmaisuvoiman.
Rakennustyyppi
Suunnittelu on teline-palkki. Rakennus erottuu selkeästä pohjaratkaisusta ja järjestäytyneestä tektonisesta mittakaavasta.
arkkitehtoninen sisustus
Yleensä talon arkkitehtonista sisustusta voidaan kutsua muoviksi. Mutta se on niin rikas, että on tarpeen tarkastella sitä yksityiskohtaisemmin.
a) arkkitehtonisen sisustuksen sijainnin periaate
Arkkitehtonisen sisustuksen sijainti Pashkovin talon lähellä soutuperiaatteen mukaisesti, tällainen periaate on vain palatsin arkkitehtuurille ominaista. Järjestä elementit ja arkkitehtonisen sisustuksen elementit vuorotellen ja seuraa järjestyksessä.
Kellarin galleria ikään kuin tasapainottaa päärakennuksen ulkorakennusten kanssa ja ulottaa vastakkain asettamisen lakia noudattaen julkisivun koko pituudelta.
Arkkitehtonisen sisustuksen sijainti - määrittää rakennuksen koostumuksen.
b) koostumus
Pashkov-talon juhlallisesti kevyt ja rikas kokoonpano - loistava esimerkki Bazhenovin sävellyksen hallinta ja hänen laaja kaupunkisuunnittelun lähestymistapa erilliseen rakennukseen osana kaupunkikokonaisuutta.
Koko arkkitehtoninen kompleksi voidaan luonnehtia syvä-tilanäkymäksi koostumuksesta, koska se sisältää päärakennus, ulkorakennukset, etupiha, puutarha ja erilaiset ulkorakennukset. Mikä vaatii syvyyttä, sisäänpääsyä. Mutta jos tarkastelemme Pashkov-taloa erikseen, niin sen pituus ja korkeusmittojen ylivoima syvyyteen nähden - kertoo meille, että talon koostumus on selvästi etumainen. Rakentaminen päätetään pääasiassa julkisivutasoissa, tässä on tärkein semanttinen ja esteettinen arkkitehtoninen kuormitus. Lisäksi edessä hallitseva symmetria. Kaksikerroksiset ulkorakennukset näyttävät tasapainottavan rakennusta suhteessa pääjulkisivun keskiakseliin. On myös versio, että Kremlin julkisivu ei ole ollenkaan etuovi, vaan puisto kääntöpuoli siellä on laaja piha, jonka Bazhenov on suunnitellut aivan kuin etuovi.
c) tilausjärjestelmä
Talon järjestysjärjestelmä on hyvin rikas, se ilmeisesti perustuu sen suunnitteluun. Toisin kuin vaakasuorassa maalaismaisessa pohjakerroksessa, keskusjulkisivurakennuksessa on kaksi pääkerrosta. Ulkonevassa portiksessa on käytetty korinttilaista komposiittijärjestystä, joka yhdistää molemmat kerrokset ja lisää visuaalisesti rakennuksen mittakaavaa. Sama järjestys koristaa myös keskusrakennuksen seinien pilasterit.
Nelipylväisen portiuksen sivuilla on patsaita, jotka on sijoitettu pylväiden jalkoihin. Ulkorakennusten pylväissä ja pilastereissa on käytetty monimutkaista ionijärjestystä nelisivuisilla vinopääkirjoilla. Ne korostavat taiteellista itsenäisyyttä ja ulkorakennusten roolia julkisivun koostumuksessa.
Keskusrakennuksen kattoa kehystävä kaide kantaa pilareilla reheviä maljakoita, pehmentäen siirtymää friisistä ja reunuksesta keskustilavuuden täydentävään rotundiin. Se käyttää päällekkäistä ionialaista järjestystä (myöhemmin palautettu entisen korintin järjestyksen tilalle). Siten arkkitehdit tuntuivat tehneen talosta raskaamman tekemällä raskaamman tilauksen kevyemmän tilauksen sijaan. Mutta rotunda-belvedere yleensä ei ole niin staattinen muoto ja korostaa koko sävellyksen pyrkimystä ylöspäin, mikä helpottaa yleisvaikutelma rakennuksesta.
Kuten muissakin taidemuodoissa, rytmi on tärkeässä roolissa arkkitehtuurissa. Hänen ylivallansa ansiosta arkkitehtuurista voidaan puhua huolellisesti rytmisen tilan taiteena. Siksi arkkitehtuuria kutsutaan usein "jäädytetyksi musiikiksi". Loppujen lopuksi sisään musiikillinen taide Rytmi on myös tärkein sävellyskeino
Paškovin talon rytmisiä elementtejä ovat: pylväikkö, arkadi, kellarikerroksen rustiikki, friisi ja lukuisat rytmisesti toistuvat koriste-elementit.
Minkään taideteoksen rytmi ei kuitenkaan ole yksinkertainen vuorottelu. Tämä on eräänlainen yhtenäisyys, jossa monet rytmiset rivit yhdistetään. Tässä siis pylväskadun rytminen pulsaatio, joka on ryhmitelty kolmeen täsmälleen samankokoiseen ja samankokoiseen pylvääseen, pylvään osien tarkasti säädetty rytmi pystysuoraa pitkin (ainoa ero on järjestyksessä), oikeita rytmejä. friisimuotoilu, dynaaminen rustikkaus, pilasterit - kaikki tämä on huolellisesti harkittu ja arkkitehti yhdistänyt yhdeksi harmoniaksi.
Arkkitehtonisen rytmin avulla Bazhenov rakentaa katsojan käsitystä sekä tilassa että ajassa. Rytmi on erittäin tärkeä. Loppujen lopuksi katsoja voi rakenteen suhteen pysyä liikkumattomana ja sitten pääosa avaruudelliset rytmit soittavat hänen havaintossaan. Mutta heti kun katsoja alkaa ohittaa rakennusta tai lisäksi astua sisään, hän elää rytmiä ajassa. Joten käsitys arkkitehtonisista yhtyeistä muistuttaa luonteeltaan käsitystä musiikillisesta tai kirjallinen työ, jossa muotoa laajennetaan peräkkäin, fragmentti fragmentilta. Lisäksi arkkitehtuuri määritellään nykyään yleensä taiteeksi rakentaa ihmisen olemassaolon tilaa. Ja itse tilan rakentava arkkitehti saa sen rytmikkäästi sykkimään katsojan havainnoissa.
Rakennuksen perustarkoitus
Rakennuksen perustarkoitus on hallinnollinen. Alun perin illuusiona monarkian harmonian ja rationaalisuuden, valistetun absolutismin politiikan, se muuttuu ajan myötä julkiseksi rakennukseksi.
Nykyään Paškov-talo on yksi V. I. Leninin mukaan nimetyn Venäjän valtionkirjaston rakennuksista. Se on valtion suojelema, ja se on edelleen yksi Moskovan kauneimmista rakennuksista. Valitettavasti viime aikoina se on käytännössä suljettu satunnaisten vierailijoiden silmiltä, voimme ihailla sen loistoa vain Mokhovaya-kadun puolelta.
Johtopäätös
Muotoa luovan fantasian näkökulmasta arkkitehtuurin ylivoima muihin taiteen alueisiin nähden on ilmeinen. Mikä tämä ilmiö on? Ja se, että arkkitehtonisilla muodoilla ei ole luonnossa suoria analogioita, se ei toista eikä jäljittele vierasta kieltä, vaan puhuu omaa kieltään. Siten voimme jälleen kerran sanoa, että arkkitehtuuri on eräänlainen taiteen synteesi, joka ruumiillistuu avaruudessa. Monumentaalisuus, koristeellisuus, taideteollisuus, joka on niin ominaista sekä kuvanveistolle että maalaukselle, ja sai nimen - arkkitehtuuri.
Isännöi Allbest.ru:ssa
Samanlaisia asiakirjoja
Arkkitehtuurin käsitteen määritelmä. Arkkitehtonisten suunnittelumenetelmien huomioon ottaminen Barkhin B.G. Rakenteellisen ongelman, kuvioiden ja suunnittelun perustavanlaatuisen menetelmän opiskelu. Rakennuksen imagon luominen ja projektin toteuttaminen.
tiivistelmä, lisätty 19.10.2015
Arkkitehtonisen ja rakentavan ratkaisun kehittäminen kaksikerroksiseen yksittäiseen asuinrakennukseen, joka on suunniteltu 4-5 hengen perheelle. Rakennuksen tilasuunnittelupäätös. Matalan asuinrakennuksen seinät. Lattiaelementtien materiaali.
lukukausityö, lisätty 20.11.2013
Ongelma koulurakennuksen arkkitehtonisen projektin kehittämisessä. Koulutuspedagogisen järjestelmän, liikkuvan koulutusprosessin organisoinnin ja metodologian vaikutus rakennuksen tilasuunnittelupäätökseen. Analyysi aikaisemmasta rakennuskokemuksesta.
tieteellinen työ, lisätty 6.4.2012
"Älykkään kodin" arkkitehtonisen suunnittelun päätehtävät perheen tarpeiden ja toiveiden mukaisesti. Rakennuksen sijoittaminen olemassa olevaan rakennukseen, sen suunta. Asuinrakennuksen suunnittelu, rakentava ja arkkitehtoninen-figuratiivinen ratkaisu.
harjoitusraportti, lisätty 19.5.2015
Moskovan Punaisen aukion yhtyeen muodostumisen historia. Arkkitehtonisen kokonaisuuden yleiset ominaisuudet. Arkkitehtonisen kokonaisuuden kulttuurikonteksti ja piirteet. Yhteenveto analyysi yhtyeen sävellys- ja semioottisten komponenttien keskinäisriippuvuudesta.
tiivistelmä, lisätty 6.2.2011
Rakennuksen tukirakenteiden ja teknisten laitteiden todellisen teknisen kunnon määrittäminen. Asunto- ja kunnallispalvelualaa sekä liittovaltion toimeenpanoviranomaisten toimintaa säätelevien säädösten tutkimus. Rakennuksen poistolaskenta.
lukukausityö, lisätty 12.06.2012
Rakennus- ja suunnitteluratkaisujen kehittäminen rakennuksen pääelementeille. Rakennuksen tilasuunnitteluratkaisun piirteet. Laskelmat viereisen alueen parantamisesta ja rakennuksen teknisestä tuesta. Asuinrakennuksen rakennuskustannusten määrittäminen.
opinnäytetyö, lisätty 18.7.2014
Projekti yhdeksänkerroksisesta asuinrakennuksesta, jossa on kauppa. Kuvaus suunnitellun rakennuksen sijainnista suhteessa viestintävälineisiin. Asuntojen kaavoitus asuinrakennuksessa. Ulko- ja sisustussuunnittelu sekä arkkitehtoninen ja kompositsiooniratkaisu.
lukukausityö, lisätty 17.12.2011
Ensimmäiset askeleet Balthasar Neumannin käsityössä. Neumannin arkkitehtitoimintaa. Hänen tunnetuimpia teoksiaan. Orgaaninen yhdistelmä maalauksellista ja veistoksellista sisustusta rakennuksen sisätiloihin. Pyhiinvaelluskirkko Vierzenheiligenissä.
tiivistelmä, lisätty 22.8.2012
Arkkitehtonisten, organisatoristen, teknisten ja taloudellisten ratkaisujen kehittäminen asuinrakennushankkeelle. Rakennuksen ulko- ja sisäviimeistely, sen tekniset laitteet. Tekniikka ja työn organisointi. Jätteiden hävittäminen rakennustyömaalla.
