1700-luvulla suuren, muinaisen venäläisen kiven rakentamisen seitsemänsataa vuotta kestänyt kausi päättyy. Myöhemmin se mahtuu useammalle kuin yhdelle kiehtovalle sivulle maailman arkkitehtuurin aikakirjoissa. Ja jo 1700-luvun venäläinen arkkitehtuuri tulee kuuluisaksi useista taiteen ja rakentamisen innovaatioista. Nämä muutokset johtuivat pääasiassa hallituksen painavista vaatimuksista. Ensinnäkin Venäjän 1700-luvun arkkitehtuurin piti ilmaista koko valtavan valtakunnan voima, voima ja suuruus arkkitehtonisten rakenteiden muodossa.

poliittisten ja taloudellinen kehitys Venäjälle asetetaan myös uusia vaatimuksia kaupunkisuunnittelulle. Perinteisesti kaikkea venäläistä 1700-luvun arkkitehtuuria voidaan edustaa pääasiassa useilla arkkitehtonisilla suuntauksilla. Tämä on ensisijaisesti barokkia ja rokokooa ja tietysti klassismia.

1700-luvun venäläinen arkkitehtuuri: tärkeimmät tyylit

Määritelmän mukaan " barokki"on ainutlaatuinen maalauksen ja taiteen suuntaus, jonka tunnusmerkkejä ovat poikkeuksellinen loisto, eräänlainen kontrasti sekä erityinen yhdistelmä todellista ja illuusiota. 1700-luvun tunnustettuja barokkityylisiä mestareita harkittiin Trezzini, Schluter, Michetti, Zemtsov, Rastrelli, Chevansky ja Ukhtomsky. Heidän teoksissaan Venäjän 1700-luvun arkkitehtuuri ilmeni selkeimmin, heidän nimensä pysyvät ikuisesti suurvallan historiassa.

Merkittävin panos maailman ja venäläisen arkkitehtuurin aarteeseen oli Pietarin peruskorjaus. Tuon ajan arkkitehtonisten rakenteiden joukosta vaikuttavimmat olivat: Talvipalatsi, Stroganov-palatsi sekä Smolnyin luostari ja Tsarskoje Selo. Pietaria voi turvallisesti kutsua tuon ajan kulttuuripääkaupungiksi. Loppujen lopuksi se on siellä 1700-luvun venäläinen arkkitehtuuri oli laajamittaista. Toisin kuin Moskova ja kaikki muut Venäjän kaupungit, Pietarissa uskonnollisten rakennusten rakentamista ei käytännössä toteutettu - ne pystytettiin vain hätätilanteessa.

Venäjän arkkitehtuuri 1700-luvulla, erityisesti toisella puoliskolla, alkaa muuttua merkittävästi. Koristeellinen barokki ja prim rokokoo korvattiin arkkitehtonisella ja taiteellisella tyylillä - klassismilla. Se vakiintui nopeasti paitsi Pietarissa ja Moskovassa, myös levisi koko maahan.

Klassismi Venäjällä

Klassismi(käännöksessä latinasta - esimerkillinen) - taiteellinen tyyli, joka on luotu tiiviillä muotojen, kuvioiden ja taidekoostumusten yhdistelmällä muinainen maailma ja Italian renessanssin mestariteos.

1700-luvun arkkitehtuuri Venäjällä muodostuu myös sellaisten kuuluisien venäläisen klassismin perustajien taitavissa käsissä kuin: V. I. Bazhenov, A. F. Kokorinov, M. F. Kazakov, I. E. Starov. Lahjakkaat arkkitehdit pystyttivät kauniita monumentteja, joissa oli läsnä sekä klassisia arkkitehtonisia periaatteita että maailman klassikkojen elementtejä, ja venäläisen arkkitehtuuriperinnön perinteet jäljitettiin selvästi. Näiden arkkitehtien arkkitehtoniset rakenteet erottuvat niille ominaisesta yksinkertaisuudesta ja kurinalaisuudesta sekä rationaalisuudesta.

1700-luvun arkkitehtuuri Venäjällä tuli tunnetuksi sellaisista varhaisen venäläisen klassismin arkkitehtuuriteoksista: Pietarin taideakatemia, V. I. Bazhenovin teoksia Moskovassa - rakensi Paskovin talon ja Tsaritsynin majesteettisen Kremlin palatsin toteuttamaton hanke; Golitsynin sairaala, Moskovan senaatti Kremlissä, yhtä hyvin kuin Tauriden palatsi Pietarissa I. E. Starova ja muut.

1700-luvun venäläisen arkkitehtuurin edistyksellisillä perinteillä oli suuri merkitys myöhemmän arkkitehtuurin harjoittamisessa. Joka vuosi arkkitehtuuri muuttui, mutta jotkut venäläisen arkkitehtuurin piirteet kehittyivät tulevien vuosisatojen aikana säilyttäen perinteet ja kestävyyden 1900-luvulle asti.

1700-luvun alku Venäjälle sitä leimasi tavanomaisen elämäntavan hajoaminen, käänne kohti länsimaisten kulttuurimallien jäljittelyä, joka sisälsi ensisijaisesti suurkaupunki- ja maakuntaaatelisen. Venäjän taidetta 1700-luvun alusta. muuttuu maalliseksi. Ilmestyy toistaiseksi tuntemattomia tilataiteen tyyppejä ja genrejä: kaiverrus, monumentti, veistoksellinen muotokuva, maisema-arkkitehtuuri jne. Uusien taiteen tyyppien ja genrejen syntyminen liittyi tarpeeseen luoda rakenteilla olevasta Pietarista piirustuksia ja karttoja, jotka kuvastavat Venäjän armeijan ja laivaston voittoja.

Kaivertajien, kuvanveistäjien ja maalareiden sekä arkkitehtien ammatillinen koulutusjärjestelmä on syntymässä. Usein opettajina toimivat ulkomailta kutsutut tunnustetut mestarit. Venäjälle tulee Euroopasta useita taiteellisia tyylejä - barokki ja rokokoo, klassismi, valistusrealismi ja myöhemmin - sentimentalismi ja esiromantismi. Niinpä Venäjän taiteelliset prosessit liittyvät yhä tiiviimmin yleiseurooppalaisiin, vain kansantaide pysyy uskollisena perinteisille toimintamalleille ja toimintatapoille.
Johtava taiteellinen tyyli XVIII vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla. Venäjällä on tulossa barokki - absolutismin tyyli, joka ilmentää Venäjän itsevaltiuden loistoa ja voimaa. Venäläinen barokki erosi länsieurooppalaisesta optimistisen paatosensa ja positiivisen alkunsa ansiosta. Venäjän barokin tärkein asia on palatsien rakentaminen Venäjän uuteen pääkaupunkiin - Pietariin.

B.-K. Rastrelli.
Pietari I:n rintakuva 1723-1729
Pietarin kirassilla - kohokuvia Poltavan taistelusta. Ja myös Pietarin kuva Rooman keisarien puvussa, joka kaivertaa naishahmon valtikalla ja pallolla

Vuonna 1706 perustettiin rakennustyötä hoitamaan kaupunkiasioiden kanslia, jota johti U.A. Sinyavin. Nevan vasemmalla rannalla aloitettiin Admiraltyin linnoitustelakan rakentaminen.
Vuosina 1710-1711. Ensimmäinen Pietari I:n talvipalatsi rakennettiin. Kaksikerroksinen, korkealla katettu rakennus oli koristeltu pienellä koristeellisella portaalilla ja kapeilla pilastereilla. Vuosina 1726-1727. arkkitehti Dominico Trezzini lisäsi rakennukseen kaksi siipeä ja korosti sen keskustaa neljällä pylväällä.

1720-luvun lopulla. Pietarin kuva määräytyi. Vuonna 1737 perustettiin Pietarin rakennuskomissio, jonka arkkitehtonista osaa johti P.M. Eropkin. Komissio laati pääkaupungille yleissuunnitelman, jonka mukaan keskus siirrettiin Admiralty-puolelle. Kolmen Admiralty-tornista poikkeavan kaupungin pääväylän suunnat hahmoteltiin. I.K. Korobov (1700/1701-1747) ehdotti seitsemänkymmentämetrisen kivestä Admiralty-tornia, jossa on korkea kullattu torni ja tuuliviiri laivan muodossa.
Koko keskusalue määrättiin rakentamaan vain kivirakennuksilla. Tämän ajan vallitseva rakennustyyppi oli pääkaupungissa tai sen lähiöissä sijaitseva palatsikartano.

Venäjän arkkitehtuurin kukoistus XVIII vuosisadan puolivälissä. liittyy barokkityyliin ja Francesco Bartolomeo Rastrellin (1700-1771) nimeen, joka yhdisti teoksissaan länsieurooppalaisen barokin piirteet ja sen ns. "naryshkin"-inkarnaation. Saapuessaan Pietariin 16-vuotiaana Rastrelli matkusti ulkomaille kahdesti ja aloitti itsenäisen työskentelyn Anna Ioannovnan hallituskaudella. Hänen ensimmäiset rakennuksensa olivat puinen Winter Annenhofin palatsi Moskovassa ja kesäpalatsi lähellä Kremliä. Rastrelli rakensi Pietariin kolmannen Talvipalatsin yhdistäen Apraksinin ja Kikinin talot ja rakensi kaksi uutta rakennusta kulmiin Amiraliteetin puolelta. Nevan varrella lähes 150 metriä ulottuvan palatsin julkisivuissa säilyi vielä Pietari Suuren barokin piirteet, mutta Rastrellin käsi tuntui jo useiden sisätilojen suunnittelussa - Throne Hallin, eteisen ja Teatteri.

Vuonna 1749 Elizabeth antoi asetuksen Smolnyn luostarin rakentamisesta. Vuonna 1748 aloitettu katedraalin rakentaminen keskeytettiin varojen puutteen vuoksi. Rastrelli ei koskaan saanut sitä valmiiksi, mutta luotu rakennus oli yksi hänen merkittävistä luomuksistaan.
Smolnyn luostarin rakentamisen parissa työskentelevä Rastrelli saa keisarinnalta käskyn aloittaa Suuren Pietarhovin palatsin jälleenrakennustyöt. Arkkitehdille annettiin ehto: säilyttää Pietarista jäänyt rakennuskompleksi laajentamalla palatsia merkittävästi.

Rastrellin täydellisin luomus on Suuren eli Katariinan palatsi Tsarskoje Selossa, jonka rakennustyöt toteutettiin vuosina 1752-1757. Aiemmin aloitettu palatsin rakentaminen ei tyydyttänyt Elizabethia. Rastrelli muutti palatsin valtavaksi saliksi ja pystytti puistopaviljonkeja laajaan säännölliseen puutarhaan. Palatsin toisella puolella on valtava sisäpiha, jota rajaavat yksikerroksiset rakennukset. Palatsin keskiosan huoneiden enfiladissa oli upea viimeistely - kullatut puukaiverrukset, kattomaalaus.

Pietarin keskustassa Rastrelli pystytti neljännen Talvipalatsin. Lähes muuttumattomana säilynyt palatsi, venäläisen barokin huippu, rakennettiin suljetuksi nelikulmioksi, jossa on laaja piha, jonka koko hallitsee ympäröivää tilaa. Lukemattomat pylväät kokoontuvat nyt ryhmiin, erityisesti maalauksellisen rakennuksen kulmiin, sitten erottuvat. Katon kaidessa on kymmeniä koristeellisia maljakoita ja patsaita. Jokainen julkisivu Rastrelli on suunniteltu eri tavalla. Niinpä Nevaan päin oleva pohjoinen julkisivu ulottuu enemmän tai vähemmän tasaisena seinänä ilman havaittavia reunuksia. Palatsiaukiolle päin avautuvassa eteläisessä julkisivussa on seitsemän niveltä ja se on tärkein. Sen keskustaa korostaa leveä, rikkaasti koristeltu risoliitti, jonka läpi leikkaa kolme sisäänkäynnin kaaria. Sivujulkisivuista ilmeisin on länsimainen, Admiraliteettiin päin. Rastrellin luomasta palatsin sisätiloista Jordanin portaikko ja osittain Suuri kirkko ovat säilyttäneet barokkityyliset ilmeet. Katariina II:n valtaistuimelle liittymisen jälkeen Rastrelli lakkasi vastaanottamasta tilauksia, tuomioistuin ei pitänyt barokkityylistä. 23. lokakuuta 1763 Catherine päättää erottaa Rastrellin pääarkkitehdin tehtävästä. Vuonna 1771 hän jätti hakemuksen Imperiumin tiedeakatemiaan pääsystä, vetoomus hyväksyttiin 9. tammikuuta 1771. Samana vuonna Rastrelli kuolee.

Rastrellin töiden vaikutus oli vahva myös itsenäisille arkkitehdeille. Yksi näistä käsityöläisistä oli S. I. Chevakinsky (1709/1713 - n. 1780), joka rakensi kaksikerroksisen Pyhän Nikolauksen merikatedraalin.

Tiedot Luokka: 1700-luvun venäläinen taide Lähetetty 10.2.2018 18:52 Katselukertoja: 2880

Venäjälle XVIII vuosisata on Pietari I:n uudistuksiin liittyvien muutosten aikakausi. Nämä uudistukset vaikuttivat lähes kaikkiin maan elämän aloihin:

talous, hallinto, sotilasasiat, koulutus, yhteiskuntaajattelu, tiede ja kulttuuri. Pietari Suuren leikkaamasta "ikkunasta Eurooppaan" kaikki nykyajan saavutukset valuivat kirjaimellisesti Venäjälle.
Venäläinen taide hallitsi ja muokkasi länsieurooppalaista kokemusta monin eri tavoin: valmiita taideteoksia ostettiin ulkomailta, omia teoksia loivat kotimaiset ja ulkomaiset asiantuntijat, jotka houkuttelivat Venäjälle tuolloin erittäin aktiivisesti. Lahjakkaita ihmisiä lähetettiin Eurooppaan opiskelemaan julkisilla varoilla.

XVIII vuosisadan taiteellisen luovuuden piirteet

Uusi aika loi myös uuden kulttuurin, joka korvasi keskiajan. Kauneuden käsite ja sen ilmentymisen muodot muuttuivat.
Samalla ei saa unohtaa, että Pietari Suuren ajan taide ei ollut vielä täysin vakiintunut, ulkomaista taidetta ei suodatettu, mutta sillä ei myöskään ollut hallitsevaa merkitystä venäläisessä taiteessa. Elämä itse asetti kaiken paikoilleen, ja venäläiseen kulttuuriin jäi vain se, mikä juurtui Venäjän maaperälle ja vastasi kansallisia etuja. Tämä prosessi toi venäläistä taidetta keskiajan suljetusta tilasta ja yhdisti sen yleiseurooppalaiseen, antaen samalla esimerkkejä maailmanluokan mestariteoksista.
Emme saa unohtaa, että julkiset näkymät olivat muuttumassa - Venäjä lähti absolutismin tielle. Tiede ja koulutus kehittyivät. Tiedeakatemia perustettiin, kirjapaino kehittyi aktiivisesti ja kulttuuri astui maalliselle kehityspolulle. Nämä muutokset olivat erityisen voimakkaita vuonna kuvataiteet ja arkkitehtuuri.
Kaupunkisuunnittelun periaatteet ovat muuttuneet - ne koskivat suunnittelua, tietyntyyppisiä rakennuksia, julkisivukoostumuksia, sisustusta, sisustusta jne.
XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. barokin tilalle tuli antiikin periaatteisiin perustuva klassismi. Mutta venäläisessä arkkitehtuurissa klassismin piirteet tulivat havaittaviksi jo 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla: yksinkertaisuus, tasapaino ja muotojen täsmällisyys. Teollisuuden ja kaupan kehityksen yhteydessä oli tarvetta rakentaa teollisuuden, valtion ja julkisesti tärkeitä rakennuksia: pankkeja, pörssiä, toreja, majataloja, valtion virastoja. Ja kulttuurin ja koulutuksen kehitys johti kirjastojen, teattereiden, yliopistojen ja akatemioiden rakentamiseen. Aateliston etuoikeudet laajenivat, ja tämä johti lisääntymiseen aatelistiloihin maaseudulla.

Maalaus

XVIII vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla. muodostuu maallisen muotokuvan genre. Tätä aikakautta kutsutaan "Pietarin ajan muotokuvaksi". Muotokuvatyyli tulee hallitsevaksi maalauksessa. Se on jo hyvin erilainen kuin 1600-luvun lopun parsuna. sommitelma, väri, kuvatun persoonallisuuden yksilöllisyys.

I. G. Tannauer. Pietari I:n muotokuva
Taiteilijat alkoivat käyttää suoraa perspektiiviä, joka luo kuvaan syvyyttä ja kolmiulotteisuutta tasossa. Petrin aikakauden taiteelle on ominaista korkea vahvistuksen patos, minkä vuoksi sen keskeinen teema on henkilö ja päägenre muotokuva.
Mutta kysymys tekijästä Petrinen aikakaudella säilyi vaikea ongelma. Taiteilijat eivät toisinaan allekirjoittaneet töitään. Lisäksi ongelmana oli mallin tunnistaminen, koska räätälöityjä muotokuvia luotiin yleensä niin, että suuri osa kuvattavan henkilön koristelua oli, varsinkin kun kyseessä olivat yleensä keisari ja hänen perheenjäsenensä ja heidän lähipiirinsä.

I. Nikitin. Kansleri Golovkinin muotokuva
Parsuna korvataan vähitellen, mutta se on jonkin aikaa edelleen olemassa jopa aikakauden johtavien taiteilijoiden töissä: I. Nikitina, I. Vishnyakova, A. Antropova, A. Matveeva, I. Argunova ja muut taiteilijat, mikä todistaa vielä keskeneräisestä siirtymisestä keskiajalta uusi tapa. Pappilaisuuden jälkiä löytyy myös 1700-luvun jälkipuoliskolta, erityisesti maaorja- ja maakuntaherrojen, itseoppineiden teoksista.

I. Vishnyakov. Xenia Ivanovna Tishininan muotokuva (1755)
Venäjän maalauksessa XVIII vuosisadan jälkipuoliskolla. kaksi taiteellista tyyliä vallitsi: klassismi ja sentimentalismi.
Muotokuvagenreä kehitettiin edelleen. Maalarit V. Borovikovsky ja F. Rokotov työskenteli sentimentaalismin tyyliin ja loi useita lyyrisiä ja henkisiä muotokuvia.

V. Borovikovsky. Muotokuva E.N. Arsenjeva (1796)
Muotokuvamaalari loi kokonaisen gallerian erinomaisten ihmisten kuvia D. Levitsky.

Arkkitehtuuri

1700-luvun ensimmäinen puolisko leimattu arkkitehtuurissa barokkityylillä. Venäläisen barokin kehityksen ensimmäinen vaihe juontaa juurensa Venäjän valtakunnan ajalle ja 1680-luvulta 1700-luvulle kehittyy Moskovan barokki, jonka pääpiirteenä on arkkitehtonisen järjestyksen elementtien laaja käyttö ja käyttö. keskeisiä sävellyksiä temppeliarkkitehtuurissa.

Pietarin perustaminen antoi voimakkaan sysäyksen venäläisen arkkitehtuurin kehitykselle, Pietari I:n toiminnan myötä alkaa uusi vaihe venäläisen barokin kehityksessä, tätä vaihetta kutsuttiin "Petrine-barokiksi", joka keskittyi esimerkkeihin Ruotsalainen, saksalainen ja hollantilainen siviiliarkkitehtuuri. Mutta vain tämän ajanjakson ensimmäiset arkkitehtoniset monumentit (esimerkiksi Pietarin ja Paavalin katedraali) välttyivät käytännössä Venäjän vaikutukselta. Huolimatta ulkomaisten arkkitehtien runsaudesta Venäjällä on alkamassa muodostua uusi oma arkkitehtuurikoulu.

Pietari Suuren ajan arkkitehtuuri erottui tilavuusrakenteiden yksinkertaisuudesta, artikuloinnin selkeydestä ja sisustuksen hillityksestä sekä julkisivujen tasomaisesta tulkinnasta. Pietarin ensimmäiset arkkitehdit: Jean-Baptiste Leblond, Domenico Trezzini, Andreas Schlüter, J. M. Fontana, Nicolo Michetti ja G. Mattarnovi. He kaikki työskentelivät Venäjällä Pietari I:n kutsusta. Jokainen heistä toi rakenteilla olevien rakennusten ilmeeseen edustamansa arkkitehtikoulun perinteet. Eurooppalaisen barokin perinteet omaksuivat myös venäläiset arkkitehdit, mm. Mihail Zemtsov.

Talvipalatsi on yksi Elisabetin barokin tunnetuimmista monumenteista.
Elizabeth Petrovnan hallituskauden aikakaudella kehitetään uutta Elisabetin barokkia. Se liittyy erinomaisen arkkitehdin Francesco Bartolomeo Rastrellin nimeen. Mutta tämä tyyli ei liity enemmän Petriin, vaan Moskovan barokkiin. Rastrelli suunnitteli Pietariin ja sen ympäristöön palatsikokonaisuuksia: Talvipalatsin, Katariinan palatsin, Pietarin. Hänen luomuksiaan leimaa valtava mittakaava, koristeellisen sisustuksen loisto, julkisivujen kaksi- tai kolmivärinen väritys kultaa käyttäen. Rastrellin arkkitehtuurin juhlava luonne jätti jälkensä kaikkeen venäläiseen taiteeseen 1700-luvun puolivälissä.
Elisabetin barokin aikana tärkeä paikka kuuluu 1700-luvun puolivälin Moskovan arkkitehtien työlle. johtama D. V. Ukhtomsky ja I. F. Michurin.
1760-luvulla klassismi syrjäytti vähitellen barokin venäläisessä arkkitehtuurissa.
Tiukan klassismin kukoistus liittyy luovuuteen M.F. Kazakova(1738-1812). Lähes kaikki Moskovan monumentaaliset rakennukset 1700-luvun lopulla. hänen luomansa: Senaatin palatsi Kremlissä, Petrovskin matkapalatsi, Grand Tsaritsynin palatsi, Butyrka jne.

Moskovan yliopiston vanhat rakennukset Mokhovaya-kadulla. Arkkitehti M.F. Kazakov
Vuonna 1812, Moskovan tulipalossa, rakennus paloi lähes kokonaan. Kaikki puulattiat ovat kadonneet. Kirjasto, joka sisälsi monia eksklusiivisia aineistoja, tuhoutui. Museoiden kokoelma, arkistot ovat kadonneet. Vuoteen 1819 asti Domenico Gilardi työskenteli vanhan rakennuksen jälleenrakentamisessa.
Nyt täällä sijaitsee Moskovan valtionyliopiston Aasian ja Afrikan maiden instituutti.
Varhaisen klassismin mestarit olivat A.F. Kokorinov(1726-1772) ja ranskaksi J.B. Valen Delamotte(1729-1800). Kokorinovin teokset merkitsevät siirtymää barokkista klassismiin. He ovat Pietarin keisarillisen taideakatemian rakennusprojektin kirjoittajia. Ja Valen-Delamot omistaa myös Pienen Eremitaasin rakennuksen.
I.E. Starov(1745-1808) - 1700-luvun toisen puoliskon suurin arkkitehti. Hänen töihinsä kuuluu Tauriden palatsi Pietarissa (1783-1789). Tämä on valtava kaupunkitila G.A.:lle, Potemkinille, joka kantoi Tauriden prinssin arvonimeä.
80-90-luvulla mestaruus siirtyi arkkitehdit Quarenghille ja Cameronille. D. Quarenghi(1744-1817), alkuperältään italialainen, työskenteli pääasiassa Pietarissa. Quarenghille ominainen rakennus on rakennus, jossa on kolme osaa: keskusrakennus ja kaksi siihen gallerioiden yhdistämää ulkorakennusta. Sävellyksen keskiosaa korosti portiikka. Quarenghi rakensi tiedeakatemian rakennuksen, Assignation Bankin rakennuksen. Sitten hän luo Eremitaasi-teatterin, Aleksanterin palatsin Tsarskoe Seloon. Myös Smolny-instituutin rakennukset ovat Quarenghin töitä.
Cameron- Pavlovskin palatsitilan kirjoittaja.

Smolny-instituutin rakennus. Arkkitehti D. Quarenghi

Veistos

XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. korkeimmat saavutukset kuvanveistoalalla liittyvät luovuuteen F.I. Shubin(1740-1805). Shubin on venäläisen veistoksellisen muotokuvan mestari. Sillä ei ollut edeltäjiä tässä genressä Venäjällä. Hänen luomansa veistoksisten muotokuvien galleria (A.M. Golitsyn, P.A. Rumjantsev, M.V. Lomonosov, Paavali I jne.) erottuu realismista ja ilmeisyydestä.
Monumentaaliveistos 1700-luvun jälkipuoliskolta. joita edustavat monet teokset, joista suurin on " Pronssi ratsastaja» EM. Falcone- Pietari I:n ratsastusmuistomerkki.
Klassismin näkyvä edustaja kuvanveistossa oli MI. Kozlovsky. Hän esitti modernin sankarin kuvan A. Suvorovin muistomerkissä, vaikkakaan ilman muotokuvaa. Pikemminkin se yleistetty kuva sankarin komentaja. MI. Kozlovsky on Pietarhovin kuuluisan veistosryhmän "Samson repimässä leijonaa" kirjoittaja.

Suvorovin muistomerkki Pietarissa (1801). Muistomerkin alla teksti: Italian prinssi, Rymnikin kreivi Suvorov

VARHAINEN (PETROVKA) BAROKI
tiukka geometria ja suunnitelmien "säännöllisyys", sisustuksen ja sisustuksen vaatimattomuus, erillisten tilauselementtien yhdistelmä barokkiyksityiskohtiin.
Domenico Trezzini. OK. 1670 - 1734. Rakennusinsinööri ja arkkitehti.
Domenico oli italialainen, alun perin Sveitsistä.
Vuodesta 1699 hän työskenteli Tanskassa, josta vuonna 1703 Venäjän suurlähettiläs A. P. Izmailov kutsui hänet Venäjän palvelukseen linnoittajaksi. Tämä määräsi arkkitehdin kohtalon: päivänsä loppuun asti hän asuu ja työskentelee Pietarissa.
Pietari I:n lähimpänä avustajana Trezzini itse asiassa johti kaikkea rakentamista Pietarissa. Hänen hankkeidensa mukaan muurattiin Kronstadt ja Aleksanteri Nevski Lavra, vuonna 1706 aloitettiin Pietari-Paavalin linnoituksen jälleenrakentaminen kiveen.

Pietari ja Paavalin linnoitus Pietarissa. 1703-1740 Pietari-Paavalin linnoitus on vanhin Pietarin arkkitehtonisista monumenteista. Hare Islandin linnoituksen perustamispäivää - 16. (27.) toukokuuta 1703 - pidetään kaupungin perustamispäivänä.

"Bastionisuunnittelun" linnoituksessa on 6 bastionia, joiden kyljet on yhdistetty verhoilla (linnoituksen aidat).
Vuodesta 1706 lähtien uusien tiili- ja kivilinnoitusten rakentaminen aloitettiin. 3. toukokuuta 1706 Pietari I laski Menshikovin linnakkeen peruskiven omin käsin. Työ jatkui vuoteen 1734 saakka, jolloin Suvereenilinnake valmistui.

Domenico Andrea Trezzini

Pietari ja Paavalin linnoitus

29. kesäkuuta 1703 linnoitukseen muurattiin juhlallisesti pyhien Pietarin ja Paavalin nimissä oleva puinen katedraali Pietari I:n läsnäollessa. Vuosina 1712-1733 rakennettiin kivinen Pietari ja Paavalin katedraali. Siitä tuli keisarillinen hauta - ensimmäinen, joka haudattiin vielä keskeneräiseen rakennukseen, oli keisari Pietari I.

Pietari-Paavalin linnoituksen siluetilla on keskeinen rooli Nevan vesialueen arkkitehtonisessa kuvassa. Kapean rannikkokaistaleen yläpuolelle kohoavat linnoituksen bastionit ja verhoseinät muodostavat panoraaman kaupungin keskustaan. Niiden geometrisesti oikeita ääriviivoja hallitsevat vaakasuuntaiset nivelet, joiden yli kohoaa Pietari-Paavalin katedraali.

Vuonna 1716 Pietari I päätti muuttaa Vasiljevskin saaren pääkaupungin keskusalueeksi ja keskittää siihen tärkeimmät valtion laitokset. Leblonin tekemä saaren kaavoitushanke ei saanut hyväksyntää, ja asuinalueiden purkamisen suoritti arkkitehti D. Trezzini oman projektinsa mukaan.
Trezzini suoritti osan Vasiljevskin saaren säännöllisestä suunnittelusta, rakensi Pietari I:n kesäpalatsin kesäpuutarhaan.

Kahdentoista collegian rakennus. Kaari. D.A. Trezzini. 1722-1742. Yleinen muoto
Toinen Petrovskin barokin muistomerkki on kahdentoista kollegion rakennus. Arkkitehti Trezzini ratkaisi alun perin Peterin asettaman ongelman "kaikkien levyjen tasa-arvoisuudesta". Rakennus koostuu kahdestatoista identtisestä rakennuksesta, jotka on sijoitettu lähekkäin yhdeksi linjaksi ja ulottuu 383 metriin ja joita yhdistää yhteinen läpimenokäytävä.

Kaksitoista korkeakoulun rakennus Pietarissa. Kaari. JOO. Trezzini. 1722-1742. Yleinen muoto

Kollegiot sijaitsevat Nevan penkereen päässä, mutta tämä ei ole suunnitteluvirhe eikä sattuma: rakennus sijaitsi yhden kanavan punaisella linjalla, nyt täytetty, mutta Pietari Suuren aikana halki koko saaren. Tällä tavalla itäinen julkisivu, nyt aukiolle päin, avautui näkymä Vasiljevski-saaren pääaukiolle, joka oli tarkoitus muuttaa kaupungin keskiosiksi.

Taulut määrittävät kaupungin mittakaavan ja määrittelevät Trezzin-tyyppisten rakennusten johdonmukaisen "laskumisen" huipun uudessa pääkaupungissa: imperiumin korkeimpien urkujen esimerkillisestä rakennuksesta tyypillisten "eminenttien talojen", "talojen" kortteleihin. rikkaille" ja lopuksi "taloja ilkeille". Mutta ne kaikki sijoitetaan punaisen viivan varrelle - ei ole väliä kumpi: kanava, joen penkere vai katu.

Pietarin ensimmäinen suuri palatsi, kenraalikuvernöörin asuinpaikka, sijaitsee myös Vasiljevskin saarella. Menshikov-huoneistot, joissa pidettiin vastaanottoja ja konventteja, ovat tyypillinen esimerkki rikkaasta Pietarin palatsista, jonka pääjulkisivu on penkereen puolella. Nevan puolelta rakennettiin pieni satama, johon ankkuroituivat veneet vieraiden kanssa. Päärakennuksen takana oli laaja puutarha ja loputtomat rivit ulkorakennuksia - tyypillinen venäläinen tila omavaraisviljelyllä.

Ahkeruus, jolla tsaari Pietari täydensi kaikenlaisten harvinaisuuksien ja "friikkien" kokoelmaansa, johti tarpeeseen pystyttää erityinen rakennus. Tulevan Kunstkameran suunnittelu uskottiin saksalaiselle arkkitehti Mattarnoville, jonka hankkeen mukaan Vasiljevski-saaren pengerrelle rakennettiin alkuperäisen kompositsiooniratkaisun rakennus. Maapallon kruunasi tyypillinen siluetti kahdesta symmetrisestä rakennuksesta, joiden keskellä oli torni, jossa observatorio sijaitsi. Tulipalossa pahasti vaurioitunut ja vasta vuonna 1948 kunnostettu Kunstkameran torni on edelleen yksi Nevan maiseman pääkomponenteista.

Ensimmäisen 1700-luvun maalaus

Nikitin, Ivan Nikitich (noin 1680 - aikaisintaan 1742) - taidemaalari, muotokuvamaalari. Häntä kutsutaan oikeutetusti 1700-luvun venäläisen muotokuvan perustajaksi. Pietari I osallistui taiteilijan kohtaloon, joka oli ylpeä lahjakkuudestaan ​​ja menestyksestään muotokuvassa. Yksi ensimmäisistä venäläisistä taiteilijoista, Nikitin lähetettiin opiskelemaan Italiaan. Nikitinin työ on esimerkki kuvallisen ajattelun kehityksestä 1700-luvun alussa: keskiaikaisesta taiteellisesta perinteestä eurooppalaisen kuvakielen kehitykseen.

Taiteilijan alkuvuosista ei tiedetä mitään. Alkutaiteelliset taitonsa hän luultavasti hankki hollantilaisen A. Shkhonebekin ohjauksessa Moskovan asevaraston kaiverruspajassa. Vuonna 1711 Nikitin siirrettiin kaiverruspajan kanssa Pietariin. Ilmeisesti hän oppi maalaamaan muotokuvia itse, tutkien ja kopioimalla Venäjällä saatavilla olevia ulkomaisten mestareiden töitä. Hovikirkoissa palvelleiden sukulaisten ansiosta Nikitin otti nopeasti vahvan aseman Pietari I:n ympäristössä. Hän maalaa muotokuvia suvereeneista henkilöistä.

Varhaisissa muotokuvissa on selvä yhteys 1600-luvun lopun parsuneihin. Ne erottuvat kovasta kirjoituksesta, kuuroista tummista taustoista, kuvan tasaisuudesta, syvän tilan puutteesta ja mustavalkoisen mallinnuksen tavanomaisuudesta.

Matka Italiaan ei juurikaan muuttanut Nikitinin luovia periaatteita. Hän säilytti pääpiirteensä: maalauksen yleisen realismin ja maalauksellisten ominaisuuksien suorasukaisuuden.
Yksi parhaita teoksia taiteilijaa pidetään turhaan "lattiahetmanin muotokuvana".
Se on vaikuttava ulkonäön psykologinen kirkkaus, kasvojen piirteiden ilmaisu. Kaikki katsojan käsitystä muovaavat komponentit ovat omassa roolissaan: chiaroscuron kontrastit, lämmin, hieman synkkä väritys, ruskean, kullan ja pinkin yhdistäminen, pään muovinen mallinnus, vaatteiden yksityiskohdat ja poimut sekä lopuksi yleisluonne. muotokuva, jossa ei ole loiston ja edustavuuden merkkejä.
Intiimiyden piirteet antavat kuvalle erityisen psykologisen vakuuttavuuden, ja tämä on ennen kaikkea Nikitinin innovaatio, joka ennakoi venäläisen muotokuvagenren jatkokehityksen polkua.

1720-luku. Ajoitus.

Kuva Pietari I:stä kuolinvuoteella on täynnä henkilökohtaista surua ja tunnetta hetken juhlallisuudesta. Taiteilija suree menetystä ja on täynnä syvän kunnioituksen tunteita vainajaa kohtaan. Mestarin siveltimen alla maalaus kuulostaa requiemiltä.
Nikitinin muotokuva syntyi ikään kuin yhdessä istunnossa, kuin työhuone, melkein a la prima. Se antaa visuaalisen esityksen taiteilijan kirjoitustyylistä, joka työskenteli kevyin nestemäisin vedoin, joiden läpi punaruskea maa paistaa läpi. Tätä maaperää Nikitin käytti melkein aina.

Matvejev, Andrei(1701 - 1704 - 1739) - taidemaalari, muotokuvamaalari, ikonimaalari, allegoristen, koristeellisten ja monumentaalisten sävellysten kirjoittaja. Ensimmäinen venäläinen taiteilija, joka sai länsieurooppalaisen taidekoulutuksen.
Vuonna 1716 Pietari I:n asetuksella lahjakas ei-aatelista alkuperää oleva poika lähetettiin opiskelemaan maalausta Hollantiin. Syyskuusta 1717 syyskuuhun 1723 hän opiskeli Amsterdamissa A. Boosen johdolla. Aloittava taidemaalari vietti yksitoista vuotta Hollannissa ja Flanderissa.

Mielenkiintoisin Andrei Matveevin jäljellä olevasta perinnöstä on hänen muotokuvansa. Hyvin harvat niistä ovat säilyneet meidän aikoihin, muun muassa: "Maalauksen allegooria" (1725)

Omakuva vaimonsa kanssa. 1729 (?) Tämä on ainoa perhemuotokuva 1700-luvun ensimmäisen puoliskon venäläisessä maalauksessa.

Muotokuva A.P. Golitsyna. 1728

Veistos

Rastrelli, Bartolomeo Carlo(1675-1744) italialainen kuvanveistäjä ja arkkitehti. Hän työskenteli vuosina 1715-1744 Venäjällä, Pietarissa. Hän kehitti seremoniallisen barokkimuotokuvan tyypin. Barokkityylin perustaja kotimaisessa kuvanveistossa.
Rastrelli itse asiassa keskitti työnsä muotokuvaveiston alalle. Barokkiloisto ja halu välittää materiaalin tekstuuria yhdistyvät Rastrellin teoksissa autenttiseen vakuuttavaan mallin karakterisointiin.

Kuvanveistäjä työskenteli paljon ja hedelmällisesti Pietari I:n kuvan parissa. Vuonna 1719 hän teki Pietari I:stä (GE) naamion, joka toimi prototyyppinä kuuluisalle Pietari I:n (1723-1729) pronssiveistokselle. RM, GE ).

Yksi parhaista teoksista B.K. Rastrelli. Mieli, tahto ja energia näkyvät näkyvästi kuninkaan hahmossa. Katsojan eteen ei ilmesty vain merkittävä henkilö, vaan mittasuhteiltaan poikkeuksellisen valtiomies.
Elinvoimaisuus barokkityylisten yksityiskohtien siirtämisessä yhdistyy teoksessa upeaan koristeellisuuteen, hienostuneeseen taitoon siirtää vaatteiden tekstuuria ja yksityiskohtia sekä kuoren kilpien kuvia, jotka kuvaavat jaksoja Poltavan taistelusta ja allegorinen sävellys, joka edustaa kuningasta itseään, "vasara ja taltta" veistämällä kivilohkosta uuden Venäjän hahmon.

Maestro työskenteli monta vuotta Pietari I:n ratsastusmonumentilla, joka valettiin mestarin kuoleman jälkeen vuonna 1747 kuvanveistäjän ja myöhemmin kuuluisan arkkitehdin pojan F. B. Rastrellin johdolla. Muistomerkki pystytettiin vasta vuonna 1800 Mihailovskin linnan eteen.

K.B. Rastrelli esitteli Peterin ikäänkuin tutkiessaan uutta pääkaupunkia, hänen suosikkiaivonsa. Silmät suurten kulmakaarien alla ja "kaikkinäkevä" ilme tunkeutuvat kaupunkiin. Keisarin hahmo iskee hypertrofoituneilla muodoilla - voimakkaat hartiat, leveä rintakehä, liian suuret kämmenet. Petralla on päällään ritariajan raskas taottu kuori, päässään upea laakeriseppele. Vasemmalla kädellä hän pitää hevosensa ohjaksista ja oikealla komentajan sauvasta.

B.K. Rastrelli loi useita muotokuvia, joista kaikki eivät ole säilyneet meidän aikamme. Erityisen huomionarvoista on rintakuva jKr. Menshikov (GRM), valmistettu marmorista I.P. Vitali vuonna 1849 kadonneen vahaalkuperäisen jälkeen. Vuonna seremoniallinen veistos historiallisesti tarkasti välitetty persoonallisuuden piirteet Pietari I:n uskollinen kumppani.

Arkkitehtuuri

Peterhof. Kaari. F.B. Rastrelli. 1747-1755. Suuri palatsi ja Grand Cascade. Ch. Niken kaiverrus Ch. de Lespinasin piirustuksen jälkeen. 1700-luvun 2. puolisko GNIMA

Yksi parhaimmista Francesco Bartolomeo Rastrellin teoksista - Smolnyn luostari - upea esimerkki XVIII vuosisadan venäläisestä barokkista. Pääkaupungin luostarikokonaisuuden on suunnitellut arkkitehti poikkeuksellisella loistolla ja laajuudella.
Smolnyn luostarin katedraali Pietarissa. Kaari. F.B. Rastrelli. 1748-1764. Smolnyn luostarin malli. 1750-1756
Smolnyn luostarin suunnittelumalli tehtiin F.B.:n piirustusten mukaan. Rastrelli mittakaavassa 1:62 Jacob Lorenzin johtaman käsityöläisryhmän toimesta. Malli edustaa suuren barokkimestarin ideaa kaikessa täydellisyydessään. Käytännössä hanke ei kuitenkaan toteutunut täysin, ja rakentamisen aikana tehtiin useita muutoksia. Kaupungin puolelta sisäänkäynnin portin yläpuolella olevasta kellotornista oli tarkoitus tulla koko kokoonpanon huipentuma. Sen arvioitu korkeus oli 140 metriä, mikä on 18 metriä korkeampi kuin Pietari-Paavalin linnoituksen torni. Korkeiden kustannusten ja teknisten vaikeuksien vuoksi kellotornin rakentaminen lopulta hylättiin, vaikka se perustettiin vuonna 1761.

Vuodesta 1752 vuoteen 1756 keisarinna Elizabeth Petrovnan aikana F. B. Rastrelli johti Venäjän tsaarien maalaisasunnon rakentamista Tsarskoje Seloon. Tänä aikana hän rakensi uudelleen koko Suuren (Katariinan) palatsin.

Talvipalatsi on yksi Venäjän tunnetuimmista barokkimonumenteista, jonka Francesco Bartolomeo Rastrelli rakensi Elizabeth Petrovnan hallituskaudella.
Se kuuluu kotimaan korkeimpiin saavutuksiin arkkitehtuuri XVIII vuosisadalla. Palatsi suunniteltiin ja toteutettiin suljetun nelikulmion muodossa, jossa oli laaja piha. Sen julkisivut ovat Nevaan päin, kohti Admiraliteettia ja aukiota, jonka keskellä F.B. Rastrelli aikoi pystyttää Pietari I:n ratsastuspatsaan. Pylväiden monimutkainen rytmi, arkkitehtuurien rikkaus ja muotojen monimuotoisuus, runsas stukko-yksityiskohdat, monet koristeelliset maljakot ja patsaat, jotka sijaitsevat kaiteen ja lukuisten päällystysten yläpuolella, luovat rakennuksen poikkeuksellinen koristeellinen koristelu loistossaan ja loistossaan. Eteläisen julkisivun halkaisee kolme sisäänkäyntikaaria, jotka johtavat pääpihalle, jossa palatsin keskussisäänkäynti sijaitsi pohjoisen rakennuksen keskellä.

Jordanin pääportaikko sijaitsee rakennuksen koilliskulmassa.

Mariinski-teatterin päärakennuksen (Teatralnaja-aukio, rakennus nro 1) rakensi arkkitehti A.K. Kavos vuosina 1847-1848 ja kunnostettiin sitten vuoden 1860 tulipalon jälkeen.
Itse asiassa Mariinskin oopperatalo Aleksanteri II:n vaimon, keisarinna Maria Aleksandrovnan mukaan nimetty, avattiin 2. lokakuuta 1860 Mihail Glinkan oopperalla A Life for the Tsar.

Maalausta 1700-luvun jälkipuoliskolta

Taiteen kehitys Euroopassa sai kreivi I. I. Shuvalovin esittämään keisarinna Elizaveta Petrovnalle ehdotuksen tarpeesta perustaa "erityinen kolmen jaloimman taiteen akatemia". Ivan Ivanovich aikoi avata sen Moskovassa, suunnittelemassaan yliopistossa, mutta sen seurauksena Taideakatemia perustettiin vuonna 1757 Pietariin, vaikka ensimmäiset 6 vuotta se oli listattu Moskovan yliopistoon.
Pietarissa Akatemia sijaitsi alun perin Shuvalov-kartanossa Sadovayalla. Vuodesta 1758 lähtien harjoitukset aloitettiin täällä. Koulutus kesti 9 vuotta ja sisälsi kaiverrustaiteen, muotokuvan, kuvanveiston, arkkitehtuurin jne. Vuodesta 1760 lähtien parhaat valmistuneet lähetettiin Akatemian kustannuksella harjoitteluun ulkomaille. Vuosina 1764 - 1788 Akatemialle rakennettiin erityinen rakennus (Universitetskaya pengerry, 17; arkkitehdit A. F. Kokorinov ja J. B. Vallin-Delamot). Nyt tässä rakennuksessa toimii Pietarin valtion maalauksen, kuvanveiston ja arkkitehtuurin instituutti, joka on nimetty I. E. Repinin mukaan, sekä Venäjän taideakatemian tutkimusmuseo, arkisto, kirjasto, laboratorioita ja työpajoja.

Anton Pavlovich Losenko(1737-1773) - venäläinen taiteilija, klassisen taiteen edustaja, historiallisen genren perustaja venäläisessä maalauksessa.
Äskettäin avatun Kolmen jaloimman taiteen akatemian presidentti I. I. Shuvalov kiinnitti huomiota nuoren taiteilijan lahjakkuuteen, ja vuonna 1758 Losenko tunnustettiin hänen oppilaakseen.

Abrahamin uhri (Abraham uhraa poikansa Iisakin). 1765. Ajoitus
Se oli Pariisissa opiskelun tulos.
Juoni on lainattu Vanhasta testamentista (1. Moos. 22:2-12).
Maalaus sai Pariisin taideakatemian ensimmäisen kultamitalin. Siinä Losenko pyrki välttämään liiallista koristeellisuutta ja osoitti kuvallisen uskontunnustuksensa perusperiaatteet: "luonnon kauneuden" siirtämistä ja emotionaalisesti rikkaan sävellyksen rakentamista.

Maalauksesta tuli ensimmäinen venäläisen taiteen historiassa omistettu kangas muinainen Venäjän historia.
Muinaisen Venäjän historian juonen "Vladimir ja Rogneda" työstä A.P. Losenko sai akateemikon arvonimen vuonna 1770 ja hänet nimitettiin maalauksen professoriksi.

Muotokuvalajin kukoistusaika 1700-luvun jälkipuoliskolla. Kiinnostus ihmisen intiimiin maailmaan.

Rokotov, Fedor Stepanovitš(1735[?]-1808) - suurin venäläinen muotokuvamaalari. Hänen teoksensa ovat 1700-luvun venäläisen muotokuvamaalauksen parhaita saavutuksia. Taiteilijan luova polku oli pitkä: kun hän ensimmäisen kerran otti siveltimen käsiinsä, I.Ya oli vielä elossa. Vishnyakov, sisään viime vuodet Rokotovin elämä, hänen ensimmäiset teoksensa loi jo O.A. Kiprensky.
jälkipolvet unohtivat kokonaan. Muisto hänestä tuskin välkkyi XIX-luvulla. "World of Art" -taiteilijoiden oli löydettävä hänen teoksensa uudelleen kuuluisissa näyttelyissään: 1902 ja "Tauride" vuonna 1905.

Suurherttua Pavel Petrovichin muotokuva lapsena. 1761. GRM Mikä upea poikamainen kasvot! Mikä avoin ja kiltti pieni mies - ja F.S. Rokotov onnistui välittämään tämän. Mutta mitä tekee venäläinen ympäristö ihmiselle, ei välttämättä edes keisarillinen hovi... Mikä sairaalloisen ylpeyden omaava neuroottinen Pavel Petrovitš nousee 42-vuotiaana kuninkaalliselle valtaistuimelle - katkeroituneena ja suvaitsemattomana ihmisiä kohtaan. hänen seurueensa, niistä, jotka muutaman vuoden kuluttua tappavat hänet.

F.S. Rokotov käytti muotokuvan profiilirakennetta korostaakseen kuvan rituaalista merkitystä. Profiilimuotokuvat ovat harvinaisia ​​venäjäksi taide XVIII vuosisadat. Heihin otettiin käyttöön tietty mallin idealisointi. ne herättivät aikalaisten assosiaatioita antiikkikameoihin, roomalaisiin mitaleihin ja kolikoihin, joihin lyötiin keisarien kasvojen profiilit.
Muotokuva synnytti lukuisia kopioita kaiverruksissa ja miniatyyreissä, ja se toimi myös tilaisuutena runollisten kuvausten-ekfraasien luomiseen.

Prinsessa E.B. Jusupova. 1750-luvun loppu - 1760-luvun alku GRM 1760-luvun puoliväliin mennessä Rokotovista tulee, kuten G. Reimers kirjoittaa, arvostettu muotokuvamaalari. Hän luo muotokuvagallerian jaloimpien perheiden edustajista
Muotokuvassa hänet on kuvattu hyvin nuorena, melkein tyttönä. Tässä varhaisessa Rokotov-teoksessa voi aistia L. Toquen, yhden taiteilijan opettajista, vaikutuksen. Sinertävät kylmät sävyt vallitsevat, kuten pastellimaalauksessa, joka on ominaista toquelle ja rokokoolle. Myös kasvojen tyyppi on tyypillistä ranskalaisen muotokuvamaalarin luovalle tyylille. Mutta silmät on kirjoitettu eri tavalla: vaaleilla varjoilla ja lasiteilla, mikä edeltää Rokotovin 1770-1780-luvun kirjettä.

Muotokuva prinsessa A.A. Kurakina. Con. 1760-luku - varhainen. 1770-luku Tverin taidegalleria.
Prinsessa Agrafena (Agrippina?) Alexandrovna Kurakina (1734-1791) on kuvattu arvokkaiden korujensa kaikessa loistossa. Hänen kaulassaan on pitkä musta samettisametti, jossa on timanttiristi, kiinnitetty suurella timantilla. Korvissa on pyöreät timanttikorvakorut.
Huolimatta siitä, että kopioitua kangasta ei ole allekirjoitettu, koko muotokuvan sommittelu, väritys, vedot ja viimeistely todistavat F.S. Rokotova.

Moskovaan muuton myötä Fedor Rokotovin elämän ja työn alkukausi päättyy.
Kotikaupungissaan taiteilija työskentelee pääosin yksityistilauksesta, vaikka hänen täytyi suorittaa erillisiä toimeksiantoja Taideakatemiasta. Rokotovista tuli siten yksi ensimmäisistä "vapaista taiteilijoista" Venäjällä, joka oli riippumaton valtion palveluksesta.
Moskovan aikana Rokotov loi koko perheen gallerioita.
Moskovan teoksista Muotokuva V.I. Maykov. 1775. Valtion Tretjakovin galleria
Muotokuva V.I. Maykov erottuu mallin ominaisuuksien täysimittaisesta tarkkuudesta ja objektiivisuudesta.

Levitsky, Dmitri Grigorjevitš(1735-1822) - erinomainen venäläinen taidemaalari, muotokuvamaalari. Hän maalasi seremoniallisia ja kammiomuotokuvia, joissa hän vangitsi monien aikalaistensa ulkonäön.
Taiteilijan elämä ja työ osuivat Katariinan aikakauteen, jonka henkeä ilmensivät parhaiten hänen aikalaistensa seremonialliset ja kammiokuvat.

1700-luvun jälkipuoliskolla Levitskyllä ​​ei ollut aikalaistensa joukossa, ehkä vain F. S. Rokotovia lukuun ottamatta, vastinetta kammiomuotokuvassa. Ylivoimaisella hienovaraisuudella hän pystyi tunkeutumaan ihmisen yksilöllisyyteen. Mestari luo koko gallerian muotokuvia Denis Diderot'n muotokuva. 1773-1774 Taide- ja historiamuseo. Geneve Ranskalaisen filosofin muotokuvan taiteelliset ominaisuudet määrää halu välittää persoonallisuuden yksilöllisiä ominaisuuksia ja samalla tehdä siitä eettinen arvio. Yhdistämällä nämä kaksi puolta muotokuva - näkyvä ominaisuus Venäläistä kamarimusiikkia muotokuva XVIII vuosisadat.

Taiteilijan yleisesti tunnustettu menestys oli sarja muotokuvia Smolyankan naisista - Smolnyin luostarissa (myöhemmin - Smolny-instituutin) jaloneitojen koulutusseuran oppilaista. Levitsky aloitti työnsä 1770-luvun alussa ilmeisesti I. I. Betskyn määräyksestä. Kuuluisassa Smolyanka-naisten muotokuvasarjassa taiteilijan täytyi tehdä ilmeisiksi valaistuneen kasvatuksen hedelmät, jota Katariina II niin kannatti.

Kirkkaan tunteellinen muotokuva E.N. Molchanova. Taiteilija on iloinen kahdeksantoistavuotiaan tytön ainutlaatuisesta viehätysvoimasta - kaunis, hieman surullinen ja tuskin hymyilevä. Molchanova tyylikkäässä valkoisessa silkkimekossa, setti Smolny-instituutin vanhemmille oppilaille. Fyysinen laite, antle-tyhjiöpumppu, jota käytettiin opetusapuna, ja ranskalainen volyymi on tarkoitettu osoittamaan Molchanovan laajaa koulutusta, joka suoritti kurssin suurella kultamitalilla.

Tutkijoilla ei ole tietoa siitä, että DG. Levitsky maalasi Katariina II koskaan luonnosta, mutta tässä tapauksessa se ei ollut niin tärkeää. Valtavalla seremoniallisella kankaalla monarkian kuva on allegorinen. Viisas ja kaunis lainsäätäjä, jota Levitsky kuvasi ja jonka Deržavin lauloi Felitsaksi, hyveellisenä keisarinnana, joka uhraa rauhan alamaistensa hyvinvoinnin vuoksi, ei ole ollenkaan kuin todellinen Katariina II. Saavuttaakseen ilmaistun idean suuruuden ja muodon monumentaalisuuden, jonka monimutkainen kirjallinen ohjelma määräsi, taidemaalari siirtyi tarkoituksella pois muotokuvan samankaltaisuudesta.

Borovikovsky, Vladimir Lukich(1757-1825) - erinomainen venäläinen muotokuvamaalari. Uskonnollisen maalauksen mestari. Lukuisat muotokuvat korkeimmista henkilöistä ja Pietarin aatelistosta toivat mainetta taiteilijalle. Monet niistä on tehty sentimentaalismin hengessä.

Sentimentaaliset tunnelmat Borovikovskyn työssä koskettivat hallitsijan kuvaa. Katariina II kävelyllä Tsarskoje Selon puistossa (taustalla Chesme-pylväs). 1794.
Borovikovskyn kammiokuvat avasivat uuden sivun venäläisessä taiteessa. Kuvat tulkitaan yksilöiksi, joilla on oma syvästi yksilöllinen henkinen maailma.

Ominaisuuksia ja seurueita pyydetään näyttelemään uutta roolia: paljastamaan ei kuvatun henkilön sosiaalista asemaa, vaan hänen henkilökohtaisia ​​ominaisuuksiaan.
Kuvattavan ympäristönä on maisema, ja teoksen leitmotiivina on ihmisen ja luonnon fuusio. 1700-luvun lopun estetiikassa tällainen teema on erityisen tyypillinen. Totta, maisemassa on vielä paljon konventionaalisuutta - maalaisluonto taiteilijan siveltimen alla on koristeellinen ja muistuttaa teatteritaustaa. Mutta Borovikovskia houkuttelevat jo Venäjän luonnon erityispiirteet: valkoiset koivun rungot, ruiskukkat, rukiin tähkät.

GTG.
Keisarinna Katariina II:n tytär ja hänen armonsa prinssi G.A. Potemkin-Tavrichesky. Hän on muotokuvassa 23-vuotias. Aikalaiset huomasivat, että hän näytti isältään.

kotitalousgenre

Veistos 1700-luvun jälkipuoliskolta

Falcone, Etienne Maurice (1716-1791) - erinomainen ranskalaisen valaistuksen veistoksen mestari.
Tekijä kuuluisa monumentti Keisari Pietari I Senaatin aukio Pietarissa.

Shubin, Fedot Ivanovich(1740-1805) - XVIII vuosisadan suurin venäläinen kuvanveistäjä, joka työskenteli muotokuvalajissa. Valistuksen klassismin edustaja taiteessa. Taideakatemian professori.
Hänen veistoksessaan - sosiaalisten ominaisuuksien terävyys.

Shubinin ensimmäinen työ palattuaan Venäjälle vuonna 1773 oli Katariinan diplomaatin, varakansleri prinssi A.M. Golitsyn. Tämä on yksi kuvanveistäjän loistavimmista teoksista (kipsivalu - ajoituksella; marmori - State Tretjakovin galleria). Valaistun aatelisen hahmossa ylivoiman tunne muihin nähden ja herruudesta yhdistyvät maalliseen kiiltoon, hienovaraiseen mieleen ja samalla ikääntyvän ihmisen väsymykseen. Golitsynin kuva on moniselitteinen: prinssin ylimielisyyden ja suuruuden kautta näkyy venäläisen Voltairian skeptisyys ja pettymys.

M.V. Lomonosov. 1792. Ajoitus
Vuonna 1792 Shubin loi muotokuvan M.V. Lomonosov. Kuvanveistäjä antaa ilmeikkäästi, totuudenmukaisesti ja tarkasti kohdistetun luonnehdinnan erinomaisesta venäläisestä tiedemiehestä, ensimmäisestä venäläisestä akateemikasta. Toisin kuin muut, tämä Shubinin teos on sävellyksen yksinkertainen. Muodon tulkinnassa ei ole loiston ja virallisuuden elementtejä. Muotokuva on täynnä syvää älykkyyttä ja demokratiaa. Se osoittaa selvästi realistisen tyylin piirteet.

Monipuolinen ja ristiriitainen tässä monipuolisuudessa on kuvanveistäjän luoma muotokuva Paavali I. 1800. Vanne
Shubinin muotokuvataiteen mestariteos on Paavali I:n rintakuva. Seremoniaalilajissa tehty muotokuva on perinteisesti täynnä tähtiä, tilauksia ja muita arvomerkkejä. Kuitenkin Shubin, joka on paljon tärkeämpi, tarttui aina sinnikkäästi ihmisen ulkonäön ainutlaatuisiin piirteisiin yrittäen ilmaista hänen henkisiä ominaisuuksiaan. Kuvanveistäjä paljastaa Paavali I:ssä hänen luonteensa monimutkaisuuden: ylimielisyyttä, kylmää ylpeyttä, sairaalloista ylpeyttä ja samalla hänen "minänsä" kätkettyä kärsimystä ja turvattomuutta.
Niin oudolta kuin se saattaakin tuntua, keisari piti muotokuvastaan ​​Shuban esityksessä.

Simson repii auki leijonan suun. Suihkulähde Peterhofissa. Kuvanveistäjä M.I. Kozlovsky. 1800-1802. Sankarillinen paatos.
Hyvin myöhään XVIII sisään. parhaat venäläiset kuvanveistäjät olivat mukana Pietarhovin suuren kaskadin veistosten kunnostuksessa. Vuosina 1800-1802 M.I. Kozlovsky (1753 - 1802) loi Simsonin patsaan Pietarhovin kaskadille. Veistos on sijoitettu Big Fountain Dipperin keskelle. Se oli allegoria Pietari I:n voitosta Ruotsista.
Patsas katosi jälkiä toisen maailmansodan aikana. Sodan jälkeen mallin mukaan tehtiin uusi veistosmalli.

1700-luvun toisen puoliskon arkkitehtuuri

Taideakatemian rakennus (1765-88) kuuluu venäläisen arkkitehtuurin varhaisklassismiin. A. F. Kokorinovin kuoleman jälkeen rakentaminen valmistui Feltenin ja E. Sokolovin johdolla.
Taideakatemia (1764-1788). Arkkitehdit Alexander Filippovich Kokorinov (1726 - 1772), J.B.M. Vallin-Delamot. Sisustusveistäjä V.I.Demut-Malinovskin stukkokoristeet.

Pashkov-talo pystytettiin vuosina 1784-1786 henkivartijoiden Semenovskin rykmentin kapteeniluutnantille P. E. Pashkoville. Oletettavasti sen rakentajaa pidetään suurimmana venäläisenä arkkitehtina V.I. Bazhenov. Vuonna 1812 talo tuhoutui tulipalossa ja rakennettiin sitten uudelleen. Arkkitehdit pyrkivät entisöimään talon 1700-luvun kuvien mukaan alkuperäiseen muotoon.

Vuonna 1775 Bazhenov sai Katariinalta uuden tilauksen - laatia Moskovan lähellä sijaitsevan kuninkaallisen kartanon projekti sarjan erillisten paviljonkien muodossa, jotka ovat samanlaisia ​​kuin Khodynin "viihderakennukset".
Maiseman kauneudesta ja muinaisista rakennuksista kuuluisasta Kolomenskojesta lähellä pieni tila nimeltä "Musta muda" ostettiin 1700-luvun alun kirjailijan Kantemirin sukulaisilta. Täällä aloitettiin Moskovan lähellä sijaitsevan kuninkaallisen asunnon rakentaminen, joka sai pian uuden nimen "Tsaritsyno".

Tatjana Ponka

Arkkitehtuuri. Johtava suunta XVIII vuosisadan toisen puoliskon arkkitehtuurissa. oli klassismi, jolle oli ominaista vetoomus antiikin arkkitehtuurin kuviin ja muotoihin (pylväsjärjestys) ihanteellinen esteettinen standardi.

Merkittävä 60-80-luvun arkkitehtuuritapahtuma. oli Nevan penkereiden suunnittelu. Yksi Pietarin nähtävyyksistä oli kesäpuutarha. Vuosina 1771-1786 Kesäpuutarha Nevan penkereen puolelta oli aidattu ristikolla, jonka kirjoittaja on Yu.M. Felten (1730-1801) ja hänen avustajansa P. Egorov. Ristikko kesäpuutarha tehty klassismin tyyliin: pystysuora hallitsee täällä: pystysuorassa seisovat huiput ylittävät suorakaiteen muotoiset kehykset, tasaisesti jakautuneet massiiviset pylväät tukevat näitä kehyksiä korostaen rytmillään yleistä majesteettisuuden ja rauhan tunnetta. Vuosina 1780-1789 suunnitellut arkkitehti A.A. Kvasov rakensi graniittipenkereitä ja rinteitä ja sisäänkäyntejä jokeen.

Kuten monet aikalaiset, Yu.M. Felten oli mukana uudistamassa Suuren Pietarhovin palatsin (valkoinen ruokasali, valtaistuinhuone) sisätilojen uudelleenkäsittelyä. Venäjän laivaston loistavan voiton kunniaksi turkkilaisista Chesman lahdella vuonna 1770, yksi Suuren Pietarhovin palatsin halleista oli Yu.M. Felten muutettiin Chesme Halliksi. Hallin pääkoristeena oli 12 kangasta, jotka toteutettiin vuosina 1771-1772. saksalainen taidemaalari F. Hackert, omistettu Venäjän laivaston taisteluille turkkilaisia ​​vastaan. Chesman taistelun kunniaksi Yu.M. Felten rakensi Chesmen palatsin (1774-1777) ja Chesmen kirkon (1777-1780) 7 verstaa Pietarista matkalla Tsarskoje Seloon. Goottilaiseen tyyliin rakennettu palatsi ja kirkko muodostavat yhtenäisen arkkitehtonisen kokonaisuuden.

Venäläisen klassismin suurin mestari oli V. I. Bazhenov (1737/38-1799). Hän varttui Moskovan Kremlissä, jossa hänen isänsä oli diakoni yhdessä kirkoista, ja opiskeli Moskovan yliopiston kuntosalilla. Valmistuttuaan Taideakatemiasta vuonna 1760, V.I. Bazhenov meni eläkeläisenä Ranskaan ja Italiaan. Ulkomailla asuessaan hän nautti niin mainetta, että hänet valittiin Rooman professoriksi, Firenzen ja Bolognan akatemioiden jäseneksi. Vuonna 1762 Venäjälle palattuaan hän sai akateemikon arvonimen. Mutta Venäjällä arkkitehdin luova kohtalo oli traaginen.

Tänä aikana Catherine suunnitteli Suuren Kremlin palatsin rakentamisen Kremliin, ja V.I. Bazhenov nimitettiin sen pääarkkitehdiksi. Projekti V.I. Bazhenov tarkoitti koko Kremlin jälleenrakentamista. Se oli itse asiassa Moskovan uuden keskustan projekti. Se sisälsi kuninkaallisen palatsin, Collegian, Arsenaalin, teatterin ja aukion, joka oli suunniteltu muinaiseksi foorumiksi, jossa oli yleisökokouksia. Itse Kreml, kiitos siitä, että Bazhenov päätti jatkaa kolmea katua, joilla on käytäviä palatsin alueelle, yhdistettynä Moskovan kaduihin. 7 vuoden ajan V.I. Bazhenov kehittää projekteja, valmistautuu rakentamiseen, mutta vuonna 1775 Katariina käskee rajoittamaan kaikkea työtä (virallisesti - varojen puutteen vuoksi, epävirallisesti - yleisön kielteisen asenteen vuoksi hanketta kohtaan).

Kuluu useita kuukausia, ja V.I. Bazhenoville on uskottu palatsi- ja puistokompleksin luominen Moskovan lähellä sijaitsevaan Chernaya Dirtin (Tsaritsynon) kylään, jonne Katariina II päätti rakentaa maaseudun. Kymmenen vuotta myöhemmin kaikki päätyöt saatiin päätökseen. Kesäkuussa 1785 Katariina saapui Moskovaan ja tarkasti Tsaritsynin rakennuksia, sitten tammikuussa 1786 antoi asetuksen: palatsi ja kaikki rakennukset pitäisi purkaa, ja V.I. Bazhenov erotettiin ilman palkkaa ja eläkettä. "Tämä on vankila, ei palatsi", - tämä on keisarinnan johtopäätös. Legenda yhdistää palatsin purkamisen sen ahdistavaan ulkonäköön. Uuden palatsin rakentaminen Catherine neuvoi M.F. Kazakov. Mutta tämäkään palatsi ei ollut valmis.

Vuosina 1784-1786. IN JA. Bazhenov rakensi varakkaalle maanomistaja Pashkoville kartanon, joka tunnetaan P.E.:n talona. Paškov. Pashkov-talo sijaitsee korkean kukkulan rinteessä, Kremliä vastapäätä, Neglinkan ja Moskva-joen yhtymäkohdassa ja on klassismin aikakauden arkkitehtoninen mestariteos. Tilaan kuului asuinrakennus, areena, talli, palvelu- ja ulkorakennuksia sekä kirkko. Rakennus on tunnettu muinaisesta ankaruudesta ja juhlallisuudesta puhtaasti Moskovan kuvioinnilla.

Toinen lahjakas venäläinen arkkitehti, joka työskenteli klassismin tyyliin, oli M. F. Kazakov (1738-1812). Kazakov ei ollut eläkeläinen ja opiskeli muinaisia ​​ja renessanssin muistomerkkejä piirustuksista ja malleista. Suuri koulu hänelle oli yhteinen työ Bazhenovin kanssa, joka kutsui hänet Kremlin palatsin projektiin. Vuonna 1776 Catherine neuvoi M.F. Kazakov valmistelee hallitusrakennusta Kremlissä - senaattia. Senaattirakennukselle varattu tontti oli epämiellyttävä pitkänomainen kolmion muotoinen, jota ympäröivät joka puolelta vanhat rakennukset. Niinpä senaattirakennus sai yleisen kolmiomaisen suunnitelman. Rakennuksessa on kolme kerrosta ja se on tiilirakenteinen. Teoksen keskipisteenä oli sisäpiha, johon johti kupulla varustettu sisäänkäyntikaari. Sisääntulokaaren ohitettuaan sisään mennyt henkilö löysi itsensä majesteettisen rotundin edessä, joka oli kruunattu mahtavalla kupolilla. Senaatin piti istua tässä valoisassa pyöreässä rakennuksessa. Kolmionmuotoisen rakennuksen kulmat leikataan pois. Tästä johtuen rakennusta ei pidetä tasaisena kolmiona, vaan kiinteänä massiivisena tilavuutena.

M.F. Kazakov omistaa myös aateliskokouksen rakennuksen (1784-1787). Tämän rakennuksen erikoisuus oli, että arkkitehti sijoitti rakennuksen keskelle Pylväiden sali, ja sen ympärillä on lukuisia olohuoneita ja käytäviä. Juhlallisiin seremonioihin tarkoitetun Pylvässalin keskeistä tilaa korostaa korintilainen pylväikkö, ja juhlallisuutta lisää lukuisten kattokruunujen ja kattovalaistuksen kimallus. Vallankumouksen jälkeen rakennus annettiin ammattiliittoille ja nimettiin uudelleen Ammattiliittojen taloksi. Alkaen V.I.:n hautajaisista. Leninin liittotalon pylvässalia käytettiin suruhuoneena valtiomiehille ja valtiomiehille. kuuluisat ihmiset. Tällä hetkellä Hall of Columnsissa järjestetään yleisötilaisuuksia ja konsertteja.

Kolmanneksi suurin arkkitehti 1700-luvun jälkipuoliskolla on I. E. Starov (1744-1808). Hän opiskeli ensin Moskovan yliopiston kuntosalilla ja sitten Taideakatemiassa. Starovin merkittävin rakennus on Tauriden palatsi (1782-1789) - valtava G.A. Potemkin, joka sai Tauriden tittelin Krimin kehittämisestä. Palatsin kokoonpanon perusta on sali-galleria, joka jakaa koko sisustuskompleksin kahteen osaan. Pääsisäänkäynnin puolella kahdeksankulmaisen kupolihallin vieressä on useita huoneita. Vastakkaisella puolella on suuri talvipuutarha. Rakennuksen ulkoasu on hyvin vaatimaton, mutta se kätkee sisätilojen häikäisevän ylellisyyden.

Vuodesta 1780 lähtien italialainen Giacomo Quarenghi (1744–1817) on työskennellyt Pietarissa. Hänen uransa Venäjällä oli erittäin onnistunut. Venäjän arkkitehtoniset luomukset ovat loistava yhdistelmä venäläisiä ja italialaisia ​​arkkitehtonisia perinteitä. Hänen panoksensa venäläiseen arkkitehtuuriin oli se, että hän asetti yhdessä skotti C. Cameronin kanssa Pietarin silloisen arkkitehtuurin standardit. Quarenghin mestariteos oli tiedeakatemian rakennus, joka rakennettiin vuosina 1783-1789. Pääkeskusta korostaa kahdeksanpylväinen joonialainen portiikko, jonka loistoa korostaa tyypillinen pietarilainen kuisti, jossa on portaat kahdelle "versolle". Vuosina 1792-1796. Quarenghi rakentaa Tsarskoje Seloon Aleksanterin palatsin, josta tuli hänen seuraava mestariteos. Aleksanterin palatsissa pääaiheena on Korintin ritarikunnan voimakas pylväikkö. Yksi Quarenghin merkittävimmistä rakennuksista oli Smolny-instituutin rakennus (1806-1808), jossa on selkeä rationaalinen pohjaratkaisu vaatimusten mukaisesti. oppilaitos. Sen suunnitelma on tyypillinen Quarenghille: julkisivun keskiosaa koristaa majesteettinen kahdeksanpylväinen portiikko, etupihaa rajoittavat rakennuksen siivet ja aita.

70-luvun lopulla arkkitehti C. Cameron (1743-1812), syntyperäinen skotti, saapui Venäjälle. Eurooppalaisesta klassismista kasvatettuna hän onnistui tuntemaan venäläisen arkkitehtuurin koko omaperäisyyden ja rakastumaan siihen. Cameronin lahjakkuus ilmeni pääasiassa upeissa palatsin ja puiston esikaupunkiyhtyeissä.

Vuonna 1777 Jekaterinan pojalla Pavel Petrovitshilla oli poika - tuleva keisari Aleksanteri I. Iloinen keisarinna antoi Pavel Petrovitšille 362 eekkeriä maata Slavjanka-joen varrella - tulevan Pavlovskin. Vuonna 1780 C. Cameron ryhtyi luomaan Pavlovskin palatsi- ja puistoyhtyeen. Erinomaiset arkkitehdit, kuvanveistäjät, taiteilijat osallistuivat puiston, palatsin ja puistorakenteiden rakentamiseen, mutta ensimmäinen puiston muodostumisjakso Cameronin johdolla oli erittäin merkittävä. Cameron loi perustan Euroopan suurimmalle ja parhaalle maisemapuistolle tuolloin muodikkaalla englantilaisella tyylillä - puistolle, joka on painokkaasti luonnollinen, maisema. Huolellisten mittausten jälkeen hän asetti teiden, kujien, polkujen pääväylät, jakoi paikkoja lehdille ja lageille. Täällä on maalauksellisia ja kodikkaita kulmia pienten valoisten rakennusten kanssa, jotka eivät loukkaa kokonaisuuden harmoniaa. C. Cameronin työn todellinen helmi on Pavlovskin palatsi, joka on rakennettu korkealle kukkulalle. Seurata venäläisiä perinteitä, arkkitehti onnistui "sovittamaan" arkkitehtoniset rakenteet viehättävälle alueelle, yhdistämään ihmisen tekemän kauneuden luonnon loistoon. Pavlovskin palatsista puuttuu pretenteettisyys, sen ikkunat korkealta mäeltä katsovat rauhallisesti hitaasti virtaavalle Slavjanka-joelle.

Viimeinen arkkitehti XVIII vuosisadalla. V. Brennaa (1747-1818) pidetään oikeutetusti Pavel ja Maria Feodorovnan suosikkiarkkitehtina. Noustuaan valtaistuimelle vuonna 1796 Paavali I poisti C. Cameronin Pavlovskin pääarkkitehdin viralta ja nimitti V. Brennan hänen tilalleen. Tästä eteenpäin Brenna ohjaa kaikkia Pavlovskin rakennuksia, osallistuu kaikkiin merkittäviin Pavlovin ajan rakennuksiin.

Brenne, Paavali I uskoi työnhallinnan toisessa maaasunnossaan - Gatchinassa. Brennan Gatchina-palatsilla on vaatimaton, jopa askeettinen spartalainen ulkonäkö, mutta sisustus majesteettinen ja ylellinen. Samaan aikaan aloitettiin työt Gatchina-puistossa. Järvien ja saarten rannoilla on suuri määrä paviljonkeja, jotka näyttävät ulkopuolelta hyvin yksinkertaisilta, mutta niiden sisätilat ovat upeat: Venus-paviljonki, Koivutalo (ulkonäköisesti koivupolttopuuta muistuttava), Porta Masca ja Maanviljelijän paviljonki.

Paavali I päätti rakentaa Pietariin palatsin omaan tyyliinsä - sotilaallisen estetiikan hengessä. Palatsiprojektin kehitti V.I. Bazhenov, mutta hänen kuolemansa yhteydessä Paavali I uskoi palatsin rakentamisen V. Brennan tehtäväksi. Paul halusi aina asua siellä, missä hän syntyi. Vuonna 1797 Fontankassa, Elizaveta Petrovnan kesäpalatsin paikalla (jossa Pavel syntyi), palatsin asettaminen tapahtui arkkienkeli Mikaelin - taivaallisen isännän suojeluspyhimyksen - Mikhailovskin linnan kunniaksi. Mihailovskin linnasta tuli Brennan paras luomus, jolle hän antoi linnoituksen vaikutelman. Linnan ulkonäkö on kivimuurilla ympäröity nelikulmio, jonka molemmille puolille kaivettiin ojia palatsin ympärille. Palatsiin oli mahdollista päästä laskusiltojen kautta, ja palatsin ympärille asetettiin tykkejä eri paikkoihin. Aluksi linnan ulkopinta oli täynnä koristeita: marmoripatsaita, maljakoita ja hahmoja oli kaikkialla. Palatsissa oli laaja puutarha ja paraatikenttä, jossa katselmuksia ja paraatteja pidettiin säällä kuin säällä. Mutta rakkaassa linnassaan Pavel onnistui asumaan vain 40 päivää. Hänet kuristettiin yöllä 11.–12. maaliskuuta. Paavali I:n kuoleman jälkeen kaikki, mikä antoi palatsille linnoituksen, tuhoutui. Kaikki patsaat siirrettiin Talvipalatsiin, ojat peitettiin maalla. Vuonna 1819 hylätty linna siirrettiin päätekniikan kouluun, ja sen toinen nimi ilmestyi - Engineering Castle.

Veistos. XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. alkaa venäläisen kuvanveiston todellinen kukoistus, joka liittyy ensisijaisesti F.I. Shubinin (1740–1805), maanmiehen M.V. Lomonosov. Valmistuttuaan akatemiasta suurella kultamitalilla Shubin lähti eläkematkalle ensin Pariisiin (1767-1770) ja sitten Roomaan (1770-1772). Ulkomailla vuonna 1771, ei elämästä, Shubin loi Katariina II:n rintakuvan, josta palattuaan kotimaahansa vuonna 1774 hän sai akateemikon arvonimen.

Ensimmäinen teos F.I. Shubin palattuaan - A.M.:n rintakuva Golitsyn (1773, Venäjän museo) on yksi mestarin loistavimmista teoksista. Koulutetun aatelisen hahmossa luetaan älykkyyttä, auktoriteettia, ylimielisyyttä, mutta samalla alentumista ja tapaa varovaiseen "uimiseen" muuttuvan poliittisen onnen aalloilla. Kuuluisan komentajan A. Rumyantsev-Zadunaiskin kuvassa pyöreän, hauskan ylösalaisin käännetyn nenän, ei ollenkaan sankarillisen ulkonäön takana, vahvan ja merkittävä henkilö(1778, valtion taidemuseo, Minsk).

Ajan myötä kiinnostus Shubinia kohtaan häviää. Hänen muotokuvansa toteutettiin ilman koristelua, ja asiakkaat pitivät yhä vähemmän. Vuonna 1792 Shubin loi muistista rintakuvan M.V. Lomonosov (Venäjän valtionmuseo, Tiedeakatemia). Suuren venäläisen tiedemiehen edessä ei ole jäykkyyttä, jaloa ylimielisyyttä eikä liiallista ylpeyttä. Hieman pilkkaava ihminen katsoo meitä, maailmallisen kokemuksen omaavia viisaampia, jotka elimme elämää kirkkaasti ja vaikeasti. Mielen eloisuus, henkisyys, jalo, samaan aikaan - suru, pettymys, jopa skeptisyys - nämä ovat tärkeimmät ominaisuudet, jotka ovat ominaisia ​​suurelle venäläiselle tiedemiehelle, jonka F.I. Shubin tiesi erittäin hyvin.

Muotokuvataiteen mestariteos F.I. Shubin on Paavali I:n rintakuva (1798, RM; 1800, Tretjakovin galleria). Kuvanveistäjä onnistui välittämään kuvan koko monimutkaisuuden: ylimielisyyden, kylmyyden, sairauden, salailun, mutta samalla sellaisen henkilön kärsimyksen, joka lapsuudesta lähtien koki kaiken kruunatun äidin julmuuden. Paul pidin työstä. Mutta tilauksia ei juuri tullut. Vuonna 1801 F.I. Shubin ja työpaja töineen. Vuonna 1805 kuvanveistäjä kuoli köyhyydessä, hänen kuolemansa jäi huomaamatta.

Samaan aikaan ranskalainen kuvanveistäjä E.-M. Falcone (1716-1791; Venäjällä - 1766-1778). Falcone työskenteli Ranskan kuninkaan Ludvig XV:n hovissa, sitten Pariisin akatemiassa. Teoksissaan Falcone seurasi hovissa vallitsevaa rokokoomuotia. Todellinen mestariteos oli hänen työnsä "Talvi" (1771). Kuva istuvasta tytöstä, joka personoi talven ja peittää kukat jaloissaan pehmeästi putoavilla vaatepoimuilla, kuten lumipeite, on täynnä hiljaista surua.

Mutta Falcone haaveili aina monumentaalisen teoksen luomisesta, hän onnistui toteuttamaan tämän unelman Venäjällä. Diderot'n neuvosta Catherine tilasi kuvanveistäjän luomaan Pietari I:lle ratsastusmuistomerkin. Vuonna 1766 Falcone saapui Pietariin ja aloitti työnsä. Hän kuvasi Pietari I:tä hevosen selässä. Keisarin pään kruunaa laakeriseppele - hänen kunniansa ja voittojensa symboli. Kuninkaan käsi, joka osoittaa Nevaan, Tiedeakatemiaan ja Pietari-Paavalin linnoitukseen, ilmaisee symbolisesti hänen hallituskautensa päätavoitteita: koulutusta, kauppaa ja sotilaallista voimaa. Veistos kohoaa graniittikiven muotoiselle jalustalle, joka painaa 275 tonnia. Jalustalle on Falconen ehdotuksesta kaiverrettu lakoninen kirjoitus: "Pietari Suurelle, Katariina Toinen." Muistomerkin avaaminen tapahtui vuonna 1782, jolloin Falcone ei enää ollut Venäjällä. Neljä vuotta ennen muistomerkin avaamista osoitteessa E.-M. Falcone oli eri mieltä keisarinnan kanssa, ja kuvanveistäjä lähti Venäjältä.

Merkittävän venäläisen kuvanveistäjän M.I. Kozlovsky (1753-1802) yhdisti barokin ja klassismin piirteitä. Hän jäi myös eläkkeelle Roomassa, Pariisissa. 90-luvun puolivälissä, palattuaan kotimaahansa, Kozlovskyn työn hedelmällisin aika alkaa. Hänen teostensa pääteema on antiikista. Hänen teoksistaan ​​venäläiseen kuvanveistoon tulivat nuoret jumalat, kupidot, kauniit paimentyttäret. Tällaisia ​​ovat hänen "Paimen jänisellä" (1789, Pavlovsk Palace Museum), "Sleeping Cupid" (1792, Russian Museum), "Amor with arrow" (1797, Tretjakovin galleria). Patsaassa "Aleksanteri Suuren vigilia" (80-luvun toinen puolisko, Venäjän museo) kuvanveistäjä vangitsi yhden tulevan komentajan tahdon koulutuksen jaksoista. Taiteilijan merkittävin ja suurin työ oli muistomerkki suurelle venäläiselle komentajalle A.V. Suvorov (1799-1801, Pietari). Monumentilla ei ole suoraa muotokuvaa. Se on pikemminkin yleistetty kuva soturista, sankarista, jonka sotilasasussa yhdistyvät muinaisen roomalaisen ja keskiaikaisen ritarin aseelementit. Energiaa, rohkeutta, jaloa kumpuaa komentajan koko ulkonäöstä, hänen ylpeästä päänsä käännöksestä, siroisesta eleestä, jolla hän nostaa miekkansa. Toinen loistava työ M.I. Kozlovskysta tuli patsas "Samson repimässä leijonan suun" - keskeinen patsas Pietarhovin suuressa suihkulähteiden kaskadissa (1800-1802). Patsas oli omistettu Venäjän voitolle Ruotsista suuressa Pohjan sodassa. Simson personoi Venäjän ja leijona voitti Ruotsin. Taiteilija antaa voimakkaan Simsonin hahmon monimutkaisessa käänteessä, intensiivisessä liikkeessä.

Suuren isänmaallisen sodan aikana natsit varastivat muistomerkin. Vuonna 1947 kuvanveistäjä V.L. Simonov loi sen uudelleen säilyneiden valokuvadokumenttien perusteella.

Maalaus. XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. historiallinen genre esiintyy venäläisessä maalauksessa. Sen ulkonäkö liittyy nimeen A.P. Losenko. Hän valmistui Taideakatemiasta, sitten eläkeläisenä hänet lähetettiin Pariisiin. A.P. Losenko omistaa ensimmäisen teoksen Venäjän historiasta - "Vladimir ja Rogneda". Siinä taiteilija valitsi hetken, jolloin Novgorodin ruhtinas Vladimir "anemma" Rognedalta, Polotskin prinssin tyttäreltä, jonka maalle hän meni tulella ja miekalla, tappoi hänen isänsä ja veljensä ja otti hänet väkisin vaimokseen. . Rogneda kärsii teatraalisesti nostaen silmänsä; Vladimir on myös teatterimainen. Mutta veto Venäjän historiaan oli hyvin tyypillistä korkean kansallisen nousun aikakaudelle 1700-luvun jälkipuoliskolla.

Maalauksen historiallisen teeman kehitti G.I. Ugryumov (1764-1823). Hänen teostensa pääteema oli Venäjän kansan taistelu: paimentolaisten kanssa ("Jan Usmarin voimakoe", 1796-1797, Venäjän museo); saksalaisten ritarien kanssa ("Aleksanteri Nevskin juhlallinen saapuminen Pihkovaan saksalaisten ritarien voiton jälkeen", 1793, Venäjän museo); rajojen turvallisuuden vuoksi ("Kazanin valloitus", 1797-1799, Venäjän museo) jne.

Suurin menestys oli maalaus 1700-luvun jälkipuoliskolla. ulottuu muotokuvagenressä. Venäjän kulttuurin merkittävimpiin ilmiöihin 1700-luvun jälkipuoliskolla. kuuluu taidemaalari F.S. Rokotov (1735/36–1808). Hän tuli maaorjilta, mutta sai vapautensa maanomistajaltaan. Hän hallitsi maalaustaiteen P. Rotaryn töissä. Nuori taiteilija oli onnekas, hänen suojelijansa oli Taideakatemian ensimmäinen presidentti I.I. Shuvalov. I.I.:n suosituksesta. Shuvalova F.S. Rokotov sai vuonna 1757 tilauksen Moskovan yliopistolle Elizaveta Petrovnan mosaiikkimuotokuvasta (alkuperäisestä L. Tokke). Muotokuva oli niin menestys, että F.S. Rokotov saa tilauksen suuriruhtinas Pavel Petrovitšin (1761) ja keisari Pietari III:n (1762) muotokuvista. Kun Katariina II nousi valtaistuimelle, F.S. Rokotov oli jo tunnettu taiteilija. Vuonna 1763 taiteilija maalasi keisarinnan täydessä kasvussa, profiilissa kauniissa ympäristössä. Rokotov maalasi myös toisen, puolipitkän muotokuvan keisarinnasta. Keisarinna piti hänestä kovasti, hän uskoi hänen olevan "yksi samankaltaisimmista". Catherine esitti muotokuvan Tiedeakatemialle, jossa se on säilynyt tähän päivään asti. Hallitsevien henkilöiden jälkeen muotokuvat F.S. Rokotov halusi saada Orlovit, Shuvalovit. Joskus hän loi kokonaisia ​​muotokuvia saman perheen edustajista sen eri sukupolvissa: Baryatinskyt, Golitsynit, Rumjantsevit, Vorontsov. Rokotov ei pyri korostamaan malliensa ulkoisia ansioita, hänelle tärkeintä on ihmisen sisäinen maailma. Taiteilijan teoksista erottuu Maykovin muotokuva (1765). Hallituksen suuren virkamiehen varjolla laittoman naisellisuuden, oivalluksen, ironisen mielen takana arvellaan. Muotokuvan väri, joka on rakennettu vihreän ja punaisen yhdistelmälle, luo vaikutelman kuvan täyteläisyydestä, elinvoimaisuudesta.

Vuonna 1765 taiteilija muutti Moskovaan. Moskovalle on ominaista suurempi luovuuden vapaus kuin virallisessa Pietarissa. Moskovassa on muotoutumassa erityinen "Rokotov" -maalaustyyli. Taiteilija luo kokonaisen gallerian kaunista naisten kuvia, joista merkittävin on muotokuva A.P. Stuyskaya (1772, valtion Tretjakovin galleria). Hoikka hahmo vaaleanharmaa-hopeamekossa, erittäin pörröiset jauhetut hiukset, pitkä kihara, joka putoaa hänen rintaan, hienostuneet soikeat kasvot, joissa on tummat mantelinmuotoiset silmät - kaikki lisäävät nuoren naisen kuvaan mysteeriä ja runoutta. Muotokuvan hieno väritys - vihertävä suo ja kullanruskea, haalistunut vaaleanpunainen ja helmenharmaa - lisää mysteerin vaikutelmaa. XX vuosisadalla. runoilija N. Zabolotsky omisti upeita säkeitä tälle muotokuvalle:

Hänen silmänsä ovat kuin kaksi pilveä

Puoliksi hymy, puoliksi itke

Hänen silmänsä ovat kuin kaksi valhetta

Epäonnistumisten sumun peitossa.

A. Struyskayan kuvan onnistunut ilmentymä muotokuvassa toimi pohjana legendalle, jonka mukaan taiteilija ei ollut välinpitämätön mallia kohtaan. Itse asiassa valitun nimi S.F. Rokotov tunnetaan hyvin, ja A.P. Struiskaya oli onnellisesti naimisissa miehensä kanssa ja oli tavallinen maanomistaja.

Toinen 1700-luvun suuri taiteilija oli DG. Levitsky (1735-1822) - muodollisen muotokuvan luoja ja kammiomuotokuvan suuri mestari. Hän syntyi Ukrainassa, mutta 1950- ja 1960-lukujen vaihteessa Levitskyn elämä Pietarissa alkoi, liitettynä ikuisesti tähän kaupunkiin ja Taideakatemiaan, jossa hän johti muotokuvaluokkaa vuosia.

Hän pyrki malleissaan korostamaan omaperäisyyttä, silmiinpistävimpiä piirteitä. Yksi taiteilijan tunnetuimmista teoksista on seremoniallinen muotokuva P.A. Demidov (1773, valtion Tretjakovin galleria). Tunnetun kaivosperheen edustaja P.A. Demidov oli uskomattoman rikas mies, outo eksentrinen. Alkuperäisessä muotokuvassa Demidov on kuvattu seisomassa rennossa asennossa pylväikköä ja verhoja vasten. Hän seisoo autiossa juhlasalissa, kotona, yömyssyssä ja helakanpunaisessa aamutakissa viitellen huvituksiinsa - kastelukannuun ja kukkaruukuun, jonka rakastaja hän oli. Hänen asussaan, asennossaan - haaste ajalle ja yhteiskunnalle. Kaikki sekoittuu tässä henkilössä - ystävällisyys, omaperäisyys, halu tulla toteutumaan tieteessä. Levitsky pystyi yhdistämään ylellisyyden piirteet seremoniallisen muotokuvan elementteihin: pylväät, verhot, maisema Moskovan orpokodille, jonka ylläpitoon Demidov lahjoitti valtavia summia.

1770-luvun alussa. Levitsky esittää seitsemän muotokuvaa Smolnyn jaloneitojen instituutin oppilaista - "Smolyanka" (kaikki ajoituksella), joka on kuuluisa musikaalisuudestaan. Näistä muotokuvista on tullut taiteilijan korkein saavutus. Niissä taiteilijan taito ilmeni erityisen täydellisesti. E.N. Khovanskaya, E.N. Hruštšova, E.I. Nelidov on kuvattu teatteriasuissa heidän esittäessään eleganttia pastoraalia. Muotokuvissa G.I. Alymova ja E.I. Molchanova, yksi sankaritarista soittaa harppua, toinen istuu tieteellisen instrumentin vieressä kirja kädessään. Nämä vierekkäin sijoitetut muotokuvat personoivat "tieteen ja taiteen" hyödyt järkevälle, ajattelevalle henkilölle.

korkein kohta kypsää luovuutta mestari oli hänen kuuluisa alleloginen muotokuvansa Katariina II:sta, oikeuden temppelin lainsäätäjästä, jonka taiteilija toisti useissa versioissa. Tällä teoksella on erityinen paikka venäläisessä taiteessa. Se ilmensi aikakauden korkeat ajatukset kansalaisuudesta ja isänmaallisuudesta, ihanteellisesta hallitsijasta - valistunut hallitsija, joka huolehti väsymättä alamaistensa hyvinvoinnista. Levitsky itse kuvaili työtään seuraavasti: "Kuvan keskiosa edustaa oikeuden jumalattaren temppelin sisäpuolta, jonka edessä lainsäätäjän muodossa alttarilla unikonkukkia polttava H.I.V. uhraa kallisarvoisensa rauha yleisen rauhan puolesta."

Vuonna 1787 Levitsky jätti opettamisen ja lähti Taideakatemiasta. Yksi syy tähän oli taiteilijan intohimo mystisiä virtauksia kohtaan, joka levisi varsin laajalle Venäjällä 1700-luvun lopulla. ja hänen pääsynsä vapaamuurarien loosiin. Ei ilman uusien ideoiden vaikutusta yhteiskunnassa, noin 1792, muotokuva Levitskyn ystävästä ja hänen mentoristaan ​​vapaamuurariudessa, N.I. Novikov (TG). Novikovin eleen ja katseen hämmästyttävä eloisuus ja ilmaisukyky, joka ei ole ominaista Levitskyn muotokuvien sankareille, maiseman fragmentti taustalla - kaikki tämä pettää taiteilijan yrityksen hallita uutta, nykyaikaisempaa kuvakieltä, joka on jo luontaista. muita taiteellisia järjestelmiä.

Toinen tämän ajan merkittävä taiteilija oli V. L. Borovikovsky (1757–1825). Hän syntyi Ukrainassa, Mirgorodissa, opiskeli ikonimaalausta isänsä kanssa. Vuonna 1788 V.L. Borovikovsky tuotiin Pietariin. Hän opiskeli ahkerasti, hioen makuaan ja taitojaan, ja pian hänestä tuli tunnustettu mestari. 1990-luvulla hän luo muotokuvia, jotka ilmentävät täysin uuden taiteen suuntauksen - sentimentaalismin - piirteitä. Kaikki Borovikovskyn "sentimentaaliset" muotokuvat ovat kuvia ihmisistä kammioympäristössä, yksinkertaisissa asuissa omena tai kukka kädessään. Paras niistä on muotokuva M.I. Lopukhina. Sitä kutsutaan usein venäläisen maalauksen korkeimmaksi sentimentaalismin saavutukseksi. Nuori tyttö katsoo alas muotokuvasta. Hänen asentonsa on vapaa, yksinkertainen mekko istuu löyhästi hänen vartalonsa ympärille, hänen raikkaat kasvonsa ovat täynnä charmia ja charmia. Muotokuvassa kaikki on sopusoinnussa, sopusoinnussa keskenään: puiston varjoisa nurkka, ruiskukat kypsän rukiin korvien joukossa, haalistuvat ruusut, tytön laiska, hieman pilkkaava ilme. Lopukhinan muotokuvassa taiteilija pystyi osoittamaan todellista kauneutta - hengellistä ja lyyristä, joka on ominaista venäläisille naisille. Sentimentaalismin piirteet ilmestyivät V.L. Borovikovsky jopa keisarinnan kuvassa. Nyt tämä ei ole edustava muotokuva "lainsäätäjästä" kaikilla keisarillisilla kunniamaininnoilla, vaan kuva tavallisesta naisesta aamutakissa ja lippassa kävelyllä Tsarskoje Selon puistossa rakkaan koiransa kanssa.

XVIII vuosisadan lopussa. esiintyy venäläisessä maalauksessa uusi genre- maisema. Taideakatemiaan avattiin uusi maisemaluokka, ja S. F. Shchedrinistä tuli maisemaluokan ensimmäinen professori. Hänestä tuli Venäjän maiseman perustaja. Shchedrin kehitti ensin maiseman sommittelusuunnitelman, josta tuli pitkään esimerkillinen. Ja siinä S.F. Shchedrin opetti useamman kuin yhden taiteilijasukupolven. Shchedrinin työn kukoistusaika osui 1790-luvulle. Hänen teoksistaan ​​tunnetuimpia ovat Pavlovsky-, Gatchina- ja Peterhof-puistojen näkymät sekä näkymät Kamenny-saarelle. Shchedrin vangitsi tietyntyyppisiä arkkitehtonisia rakenteita, mutta pääroolin ei antanut niille, vaan ympäröivälle luonnolle, jonka kanssa ihminen ja hänen luomuksensa ovat harmonisessa fuusiossa.

F. Alekseev (1753/54-1824) loi perustan kaupungin maisemille. Hänen 1790-luvun teoksissaan. Erityisen tunnettuja ovat "Näkymä Pietari-Paavalin linnoitukselle ja palatsin penkereelle" (1793) ja "Näkymä Pietari-Paavalin linnoituksesta" (1794). Alekseev luo ylevän ja samalla elävän kuvan suuresta, majesteettisesta, yksilöllisestä kaupungista sen kauneudessa, jossa ihminen tuntee olonsa onnelliseksi ja vapaaksi.

Vuonna 1800 keisari Paavali I antoi Aleksejeville tehtävän maalata Moskovan näkymiä. Taiteilija kiinnostui vanhasta venäläisestä arkkitehtuurista. Hän viipyi Moskovassa yli vuoden ja toi takaisin useita maalauksia ja monia akvarelleja näkymistä Moskovan kaduille, luostareille, esikaupunkialueille, mutta pääasiassa erilaisia ​​​​kuvia Kremlistä. Nämä lajit ovat erittäin luotettavia.

Työ Moskovassa rikastutti taiteilijan maailmaa, antoi hänelle mahdollisuuden tarkastella pääkaupungin elämää tuoreella tavalla, kun hän palasi sinne. Hänen Pietarin maisemissaan genren luonne korostuu. Penkereet, kadut, proomut, purjeveneet ovat täynnä ihmisiä. Yksi tämän ajanjakson parhaista teoksista on "Näkymä Englannin pengerrykseen Vasilevskin saarelta" (1810-luku, Venäjän museo). Se löysi mittasuhteen, harmonisen suhteen itse maisemaan ja arkkitehtuuriin. Tämän kuvan kirjoittaminen viimeisteli niin kutsutun kaupunkimaiseman taittamisen.

Kaiverrus. Vuosisadan toisella puoliskolla työskentelivät upeat kaivertajat. "Todellinen kaivertamisen nero" oli E. P. Chemesov. Taiteilija eli vain 27 vuotta, hänestä jäi noin 12 teosta. Chemesov työskenteli pääasiassa muotokuvagenressä. Kaiverrettu muotokuva kehittyi erittäin aktiivisesti vuosisadan lopulla. Chemesovin lisäksi voidaan nimetä G.I. Skorodumov, tunnettu pistekuvioisesta kaiverruksesta, joka loi erityisiä mahdollisuuksia "maalaukselliselle" tulkinnalle (I. Selivanov. Suurruhtinas Aleksandra Pavlovnan muotokuva V.P. Borovikovskyn alkuperäisestä, mezzotint; G.I. Skorodumov. omakuva, kynäpiirustus).

Käsityöt. 1700-luvun jälkipuoliskolla Gzhel-keramiikka saavutti korkean taiteellisen tason - keramiikkatuotteet Moskovan alueella, jonka keskus oli entinen Gzhel-volost. XVII vuosisadan alussa. Gzhelin kylien talonpojat alkoivat valmistaa paikallisesta savesta tiiliä, vaaleita lasitettuja astioita ja leluja. XVII vuosisadan lopussa. talonpojat hallitsivat "muurahaisten", ts. peitetty vihertävällä tai ruskealla lasiteella. Gzhel-savet tulivat tunnetuiksi Moskovassa, ja vuonna 1663 tsaari Aleksei Mihailovitš määräsi Gzhel-savien tutkimuksen aloittamisen. Gzheliin lähetettiin erityinen komissio, johon kuuluivat Moskovan keramiikkatehtaan omistaja Afanasy Grebenshchikov ja D.I. Vinogradov. Vinogradov viipyi Gzhelissä 8 kuukautta. Sekoittamalla Orenburgin savea Gzhel (chernozem) saveen, hän sai aitoa puhdasta, valkoista posliinia (posliinia). Samaan aikaan Gzhel-käsityöläiset työskentelivät A. Grebenštšikovin tehtailla Moskovassa. He oppivat nopeasti majolikan valmistuksen ja alkoivat valmistaa fermentoituja ruukkuja, kannuja, mukeja, kuppeja, lautasia, koristeltu koristeellisella ja kerronnallisella maalauksella, täynnä vihreää, keltaista, sinistä ja violetinruskeaa värejä valkoisella kentällä. XVIII vuosisadan lopusta. Gzhelissä on siirtymä majolikasta puolifajanssiin. Myös tuotteiden maalaus muuttuu - majolikalle ominaisesta monivärisestä yksiväriseen sinisellä (koboltti) maalaamiseen. Gzhel-astioita levitettiin laajalti Venäjällä, Keski-Aasiassa ja Lähi-idässä. Gzhel-teollisuuden kukoistusaikoina astioiden tuotantoa varten oli noin 30 tehdasta. Tunnettujen valmistajien joukossa olivat veljekset Barmin, Khrapunov-novy, Fomin, Tadin, Rachkins, Guslins, Gusyatnikovs ja muut.

Mutta menestyneimmät olivat veljekset Terenty ja Anisim Kuznetsov. Heidän tehtaansa syntyi 1800-luvun alussa. Novo-Kharitonovon kylässä. Heiltä dynastia jatkoi perheyritystä vallankumoukseen saakka ostamalla yhä enemmän kasveja ja tehtaita. XIX vuosisadan toisella puoliskolla. Gzhel-alukset, joissa on käsin muovaus ja maalaus, katoavat vähitellen, vain suuret tehtaat ovat jäljellä. Vuoden 1920 alusta lähtien ilmestyi erilliset keramiikkapajat, artellit. Gzhel-tuotannon todellinen elpyminen alkaa vuonna 1945. Yksivärinen sininen underglaze (koboltti) maalaus otettiin käyttöön.

Vuonna 1766 Verbilkin kylässä lähellä Dmitrovia lähellä Moskovaa venäläistynyt englantilainen Frans Gardner perusti parhaan yksityisen posliinitehtaan. Hän loi arvostuksensa ensimmäisenä yksityisten posliinivalmistajien joukossa luoden vuosina 1778-1785 Katariina II:n tilauksesta neljä upeaa tilauspalvelua, jotka erottuivat puhtaudesta ja sisustuksen ankaruudesta. Tehdas valmisti myös italialaisten oopperahahmojen hahmoja. XIX alku sisään. merkitsi uutta vaihetta Gardner-posliinin kehityksessä. Tehtaan taiteilijat luopuivat eurooppalaisten mallien suorasta jäljittelystä ja yrittivät löytää oman tyylinsä. Gardnerin kupit, joissa oli muotokuvia vuoden 1812 isänmaallisen sodan sankareista, saivat valtavan suosion. Zelentsov "Magic Lantern" -lehdestä. Nämä olivat miehiä ja naisia, jotka harjoittivat tavanomaista talonpoikatyötä, talonpoikalapsia, kaupunkityöläisiä - suutareita, talonmiehiä, kauppiaita. Venäjällä asuvien kansojen hahmot tehtiin etnografisesti tarkasti. Gardnerin hahmoista on tullut näkyvä esimerkki Venäjän historiasta. F.Ya. Gardner löysi oman tuotetyylinsä, jossa empire-muodot yhdistettiin motiivien genreen ja sisustuksen värikylläisyyteen kokonaisuutena. Vuodesta 1891 lähtien tehdas kuului M.S. Kuznetsov. Lokakuun vallankumouksen jälkeen tehdas tunnettiin nimellä Dmitrovskin posliinitehdas ja vuodesta 1993 - "Verbilok-posliini".

Fedoskinon miniatyyri . XVIII vuosisadan lopussa. Moskovan lähellä sijaitsevassa Fedoskinon kylässä kehitettiin eräänlainen venäläinen lakkapienimaalaus öljymaaleilla paperimassalle. Fedoskino-miniatyyri syntyi yhden huonon tavan ansiosta, joka oli yleinen 1700-luvulla. Noina muinaisina aikoina oli hyvin muodikasta haistella tupakkaa, ja kaikki tekivät sen: aatelisto, tavalliset ihmiset, miehet, naiset. Tupakka säilytettiin kullasta, hopeasta, kilpikonnankuoresta, posliinista ja muista materiaaleista valmistettuihin nuuskalaatikoihin. Ja Euroopassa he alkoivat valmistaa nuuskalaatikoita puristetusta pahvista, joka oli kastettu kasviöljyyn ja kuivattu jopa 100 °C:n lämpötilassa. Tätä materiaalia alettiin kutsua papier-mâchéksi (purupaperi). Nuuskalaatikot peitettiin mustalla pohjamaalilla ja mustalla lakalla, ja maalauksessa käytettiin klassisia kohtauksia. Tällaiset nuuskalaatikot olivat erittäin suosittuja Venäjällä, joten vuonna 1796 Danilkovon kylässä, 30 km Moskovasta, kauppias P.I. Korobov aloitti pyöreiden nuuskalaatikoiden valmistuksen, jotka koristeltiin kanteensa kiinnitetyillä kaiverruksilla. Kaiverrukset peitettiin läpinäkyvällä lakalla. Vuodesta 1819 lähtien tehtaan omisti Korobovin vävy P.V. Lukutin. Yhdessä poikansa A.P. Lukutin laajensi tuotantoa, järjesti venäläisten mestareiden koulutuksen, hänen alaisuudessaan tuotanto siirrettiin Fedoskinon kylään. Fedoskinon mestarit alkoivat koristella nuuskalaatikoita, helmiä, arkkuja ja muita tuotteita öljymaaleilla tehdyillä kuvaminiatyyreillä klassiseen kuvalliseen tapaan. Lukutinin 1800-luvun esineet kuvaavat näkymiä Moskovan Kremlistä ja muista arkkitehtonisista monumenteista, kansanelämän kohtauksia öljymaalaustekniikalla. Troika-ajelut, juhlat tai talonpoikatanssit, teen juominen samovaarissa olivat erityisen suosittuja. Venäläisten mestareiden luovuuden ansiosta Lukutinin lakat ovat saaneet omaperäisyyttä ja kansallista makua sekä tonteissa että tekniikassa. Fedoskino-miniatyyri maalataan öljymaaleilla kolmesta neljään kerrokseen - maalaus suoritetaan peräkkäin (koostumuksen yleinen ääriviiva), kirjoitus tai uudelleenmaalaus (tarkempi tutkimus), lasitus (kuvamallinnus läpinäkyvillä maaleilla) ja häikäisy (työn viimeistely) vaaleilla väreillä, jotka välittävät häikäisyä esineissä). Alkuperäinen Fedoskino-tekniikka on "läpikirjoittamista": pinnalle levitetään heijastavaa materiaalia ennen maalausta - metallijauhetta, lehtikultaa tai helmiäistä. Nämä vuoraukset loistavat läpinäkyvien lasitusmaalien kerrosten läpi ja antavat kuvalle syvyyden ja hämmästyttävän hehkuvaikutelman. Nuuskalaatikoiden lisäksi tehtaalla valmistettiin arkkuja, silmälaukkuja, neulakoteloita, perhe-albumien kansia, teepaloja, pääsiäismunia, tarjottimia ja paljon muuta. Fedoskinon miniaturistien tuotteet olivat erittäin suosittuja paitsi Venäjällä, myös ulkomailla.

Siten 1700-luvun jälkipuoliskolla - "järjen ja valistuksen" aikakaudella Venäjällä ainutlaatuinen, monessa suhteessa ainutlaatuinen taidekulttuuria. Tämä kulttuuri oli vieras kansallinen ahdasmielisyys ja eristäytyminen. Hämmästyttävän helposti hän omaksui ja muokkasi luovasti kaiken arvokkaan, joka oli luotu muiden maiden taiteilijoiden töistä. Syntyi uusia taiteen tyyppejä ja genrejä, uusia taiteellisia suuntauksia, kirkkaita luovia nimiä.