Modern (franceză moderne - cel mai recent, modern), stil în european și arta americană sfârșitul secolului al XIX-lea - anii 1910. În efortul de a depăși eclectismul culturii artistice a secolului al XIX-lea, maeștrii Art Nouveau au folosit noi mijloace tehnice și constructive, planificare liberă pentru a crea clădiri în mod individualizate, neobișnuite ca aspect, toate elementele cărora erau supuse unui singur figurativ și design simbolic.

Fațadele clădirilor Art Nouveau au în cele mai multe cazuri dinamism și fluiditate a formelor, apropiindu-se uneori de sculptural sau amintind de fenomene organice naturale. Unul dintre principalele mijloace expresive și de formare a stilului în arta modernă a fost ornamentul unor contururi curbilinii caracteristice, pătrunse de ritm expresiv și subordonând structura compozițională a operei. Pictura Art Nouveau se caracterizează printr-o combinație de fundaluri ornamentale „covor” și tangibilitatea naturalistă a figurilor și detaliilor, silueta, utilizarea unor planuri mari de culoare sau monocrom fin nuanțat. Sculptura Art Nouveau se distinge prin dinamica și fluiditatea formelor, jocul virtuos al liniilor fragile și siluetele - grafică. O parte semnificativă a descoperirilor și realizărilor artistice ale Art Nouveau aparține artei secolului al XX-lea. La sfârșitul secolului al XIX-lea, arhitectul Antonio Gaudi din Spania, arhitectul belgian V. Horta, pictorii și graficienii A. de Toulouse-Lautrec, P. Gauguin, artiștii grupului Nabis din Franța, E. Munch în Norvegia, O. Beardsley în Marea Britanie, F. Vallotton în Elveţia.

Simbolism(Simbolisme franceze, din greacă symbolon - semn, simbol), direcție către cultura artistica Europa și SUA la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. în simbolism, principii estetice care a revenit la ideile de romantism, la filosofia lui A. Schopegauer, E. Hartmann, F. Nietzsche, la opera compozitorului R. Wagner, simbol generat de perspicacitatea poetică și care exprimă sensul ezoteric al fenomenelor ascunse de conștiința obișnuită trebuia să fie un instrument universal pentru a cunoaște secretele ființei și ale conștiinței. Neavând un stil propriu pronunțat, simbolismul a devenit un fel de mișcare „ideologică”, atrăgând o varietate de maeștri în stil. Recrearea și interpretarea principalelor motive simbolice, cum ar fi: „dragoste”, „moarte”, „suferință”, „așteptare” etc., din diverse poziții stilistice, au fost întruchipate în lucrările unor artiști precum P. Puvis de Chavannes , G. Moreau, O. Redon în Franța, F. Hodler și A. Böcklin în Elveția, J. Ensor și F. Rops în Belgia, E. Munch în Norvegia, M. Klinger și F. von Stuck în Germania; aproape de simbolism este opera lui P. Gauguin și a maeștrilor grupului Nabis din Franța, grafica lui O. Beardsley în Marea Britanie și opera multor maeștri ai stilului Art Nouveau.

Curente moderniste ale secolului XX. În primul deceniu al secolului al XX-lea s-au răspândit pe scară largă o serie de direcții, legate de îndepărtarea culturii burgheze de la realism, de proclamarea independenței artei față de realitate, care a stârnit tot mai mult frică și ură în rândul multor artiști. Numeroase curente în schimbare caleidoscopică sunt unite de conceptele de „modernism”, „tendințe moderniste”. Spectacolele artiștilor moderniști au luat forma unei revolte estetice anarhice împotriva tradițiilor și canoanelor de artă consacrate. Cu toate acestea, în realitate, căutările lor febrile au fost mai des dominate de „descoperiri” strict formale care au uimit privitorul, ducând la omnipotența unui principiu raționalist subiectiv, aleatoriu sau abstract. În esență, activitățile acestor artiști au reprezentat o abatere de la principala cale realistă și umanistă de dezvoltare a artei mondiale. Aceasta era esența problemei, și nu în acel conflict temporar cu consumatorul burghez de artă, pe care unii reprezentanți ai intelectualității progresiste l-au considerat drept o manifestare a revoluționismului. Cu toate acestea, opera unor asemenea mari maeștri precum, de exemplu, Matisse, Picasso, Marquet și alții, în esență, a depășit programul acestor tendințe, uneori, ca și în cazul lui Marquet, s-a rupt de modernism. Dorința de a găsi o legătură cu viața, de a rezolva probleme sociale majore a dat naștere la contradicții dureroase în munca lor. Elemente de realism, uneori ascunse, uneori și-au făcut loc în mod explicit în arta lor prin diverse metode deformante de transmitere a realității.

fauvism. Primul mișcare artisticăîn secolul XX, care a început să se îndepărteze de principiile realismului, a fost fauvismul (din cuvânt francez„fauves”, care desemnează animale dintr-o rasă prădătoare. Acest cuvânt a fost tradus incorect prin termenul „sălbatic”, care a prins rădăcini în literatura noastră). Numele de „fauviști” a fost dat artiștilor care în 1905 s-au pronunțat împotriva metodelor și tehnicilor picturale ale impresionismului, împotriva îngustării minții a gusturilor mic-burgheze și a plauzibilității naturaliste a artei salope. Cu toate acestea, acești pictori au criticat naturalismul nu din poziții realiste, ci din poziții formaliste. Fauvii nu aveau un program estetic comun, erau uniți de caracterul decorativ al căutării picturale, afirmarea dreptului artistului la o viziune subiectivă asupra lumii (Marquet este o excepție) și evitarea rezolvării problemelor sociale. Protestul artiștilor s-a exprimat în claritatea deliberată a soluțiilor compoziționale, în primitivismul formelor, în deformarea plastică a acestora, în negarea perspectivei liniare și a naturii iluzorii, în exprimarea culorii. Grupul includea artiști de diverse personalități creative: Matisse, plin de un vis etern al armoniei lumii, poetul realist consecvent al naturii Marquet, care a devenit un raționalist rece Derain după prăbușirea grupului, remarcat printr-o percepție expresivă crescută. a lumii lui Vlaminck, grotesc ascuțit și tragedie a imaginilor lui Rouault. Doar fauvism timp scurt artiști uniți. Fiecare dintre membrii grupului a urmat propriul drum, schimbând principiile și tehnicile creative.

Futurism. Futurismul (din cuvântul „futurum” - „viitor”) care a apărut în 1909, care a existat până în anii 1930, a fost și el o formă sincer departe de realism, evoluând parțial către abstractionism. În futurism, distorsiunea și deformarea imaginii lumea reala erau de natură subiectivă. Gruparea de artiști futuristi care a ieșit în 1910 și-a declarat scopul a fi distrugerea vechii culturi și întruchiparea în arta modernă a dinamismului epocii industriale și a marilor orașe capitaliste moderne. Futuristii au fetișat tehnologia mașinilor, au opus mașina omului. Ei au căutat să transmită în pictură dinamica internă a subiectului și suprasaturarea conștiinței. omul modern multe impresii împletite. Ei au proclamat timpul (a patra dimensiune) ca principal factor de exprimare a modernității, sentimentul căruia au încercat să-l transmită în imagine fragmentând și distorsionând imaginea vizuală a lumii reale în dinamica haotică a ritmurilor, prin fixarea în mod repetat a repetatelor. etapele mișcării corpurilor în spațiu. Futuristii au prezis colapsul artă contemporană, a văzut ceva nou nu în reorganizarea socială a vieții societății, ci în triumful tehnismului modern, care suprimă omul. Futurismul și-a găsit cea mai frapantă expresie în Italia în lucrările lui U. Boccioni, D. Severini, D. Balla, K. Carra – autorii unor compoziții neliniştite și haotice.

Datele de referință și biografie ale „Galeriei de pictură Planet Small Bay” sunt pregătite pe baza materialelor „Istoriei artei străine” (editate de M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), „ Enciclopedia de artă străin arta clasica", "Marea Enciclopedie Rusă".

FORMAREA STILULUI MODERN ÎN ARTA EUROPEANĂ
SI CARACTERISTICILE EI

(MODERN Partea 1)

LA sfârşitul XIX-lea secol în Europa, s-a născut un nou stil artistic - modern (latină modernus, franceză moderne - nou, modern).
O piatră de hotar semnificativă în istoria acestui stil, care își are originea în Belgia, a fost deschiderea la Paris - capitala de atunci. Arte Frumoaseși trendsetter, în 1895, un showroom de artă modernă cu numele simbolic „L`Art Nouveau” („artă nouă”).
Într-adevăr, s-a dovedit a fi o artă nouă, semnificativ diferită de toate stilurile artistice anterioare.
Pe de o parte, Art Nouveau a căutat să absoarbă tot ceea ce a fost deja acumulat de omenire în domeniul creativității artistice și, pe de altă parte, să spună un cuvânt complet nou în artă, să dezvolte noi forme și imagini, să creeze un stil internațional unic. Modernistul a făcut față perfect sarcinilor stabilite. Avea într-adevăr un limbaj artistic comun, sistem unificat mijloace de exprimare si trucuri.

De mare importanță pentru dezvoltarea și aprobarea stilului Art Nouveau au fost organizarea a numeroase expoziții, articole și recenzii în reviste de artă populară și structurile arhitecturale din orașe într-un nou gust.
Art Nouveau s-a „dizolvat” rapid în reclame și afișe, fotografii și ilustrații de carte, în vitraliile colorate.

Semnele noului stil au fost ușor de recunoscut în compozițiile muzicale și spectacole de teatru. Articolele de zi cu zi (mobilier, vesela, tapet, țesături) și moda din acea vreme au demonstrat în mod clar trăsăturile stilului Art Nouveau.

Acum a-i nega prezența a devenit o chestiune inutilă și inutilă.
Cu toate acestea, ca întotdeauna, au existat mulți critici care i-au dat nume foarte imparțiale - „stil nou dulce”, „stil cu tăiței lejer”, „stil tenia”.

Baza noului limbaj artistic a fost linia - decorativ si dinamic, flexibil si mobil, transmite energia vietii. Linia în formă de S, împrumutată de la valurile și algele mării care se legănează, fluturi și libelule care flutură, tulpini și flori de crini și irisi care se întindeau spre părul ușor, de fete care flutura în vânt, a determinat una dintre principalele trăsături distinctive ale stilului Art Nouveau. - este ornamentare .

Casa si garsoniera Victor Horta
(Bruxelles, 1902):

arhitect belgian Victor Horta (a cărui muncă va fi dedicată parte separată) a dat acestei linii un nume expresiv - „lovitură de bici”, și compatriotul său Henry van de Velde a subliniat că linia Art Nouveau se remarcă prin „flexibilitate și elasticitate, capabile să transmită curentul de energie care se repezi din adâncurile naturale...”.

O linie curgătoare, netedă, continuă, care amintește de o serpentină, umplea fațadele structuri arhitecturale, formele muzicale, spațiul picturilor sau scena teatrală. Începutul ornamental al Art Nouveau a unit aproape toate tipurile de artă.

Unul dintre reprezentanții de seamă floral modern a devenit arhitect francez Hector Guimard (1867 - 1942), care și-a creat propriul său stil special, așa-numitul stil Guimard, sau „stil metrou”, în arhitectură. S-a remarcat prin sofisticarea formelor ondulate și curbate, modelarea complexă, asimetria și încălcarea proporțiilor naturale. Linia din lucrările sale s-a transformat într-un element aparte al organizării spațiului, lipsit de paralelism și simetrie.

În 1898, Guimard a primit comanda de a construi trei stații ale metroului din Paris. scopul principalși-a văzut proiectul în proiectarea pavilioanelor la sol. Pentru prima dată, decorul floral, folosit anterior doar pentru decorarea interioară, a devenit proprietatea arhitecturii. Stâlpi de fier, vopsiți în verde închis, care amintesc de bronzul vechi, au servit drept suport pentru intrarea în metrou. Plexuri metalice de flori tropicale, ciorchini de plante acvatice, felinare sub formă de lalele roșii aprinse, ieșite pe neașteptate de pe asfalt, au uimit publicul.

Stația de metrou din Paris
proiectat de Hector Guimard (c.1900):

Ornamentalitatea stilului Art Nouveau poate fi explicată prin interesul deosebit al artiștilor pentru exoticul Orientului, și în special în arta japoneză. Elemente ornamentate, bizare ale ornamentului arab: arabescuri, modele de covoare orientale, siluete de minarete și moschei musulmane, forme de vase - au servit ca punct de plecare pentru munca artiștilor Art Nouveau. Din operele de artă orientală au moștenit ideea compozițiilor orientale, frumusețea și netezimea liniei, prioritatea golului (amor vacui - dragoste pentru vid).

Baza esteticii originale și vibrante a Art Nouveau a fost ideea sintezei artei , dorința de a crea un stil unitar în arhitectură, grafică, pictură și design. Lucrarea celor mai mulți maeștri moderni s-a remarcat prin versatilitatea sa. Ei puteau face aproape totul.

Interiorul „La Pedrera” creat de cei mari Anthony Gaudi :

O trăsătură caracteristică a stilului Art Nouveau a fost ea funcţionalitate , adică să se concentreze pe utilizarea în viața de zi cu zi. Arta s-a confruntat cu sarcina de a crea un mediu frumos și confortabil în care viața de zi cu zi a fiecărei persoane să poată continua. „Art for All” s-a străduit pentru utilizarea materialelor economice: sticlă, beton și metal. De exemplu, fabricile de sticlă au creat nu numai lucrări individuale extrem de artistice, ci și produse de masă, în serie, care nu le erau inferioare ca calitate.

Pe rândul lui XIX- Art Nouveau din secolele XX a îmbrățișat aproape totul tari europene. A pășit pe continentul american, unde a primit o distribuție destul de largă.
În fiecare dintre țări, a dobândit propriul nume: „Art Nouveau” - în Franța și Belgia, „Art Nouveau” în Germania; Secession - în Austria, Liberty - în Italia, Modern Style - în Anglia, Modernissimo - în Spania, Tiffany - în SUA, Modern - în Rusia.

În fiecare cultură națională a lăsat un semn luminos și vizibil.
După ce a absorbit spiritul vremurilor sale tulburi, Art Nouveau a durat până la izbucnirea Primului Război Mondial, având un impact uriaș asupra dezvoltării ulterioare a artei.
Până la mijlocul secolului al XX-lea, au uitat de el sau au vorbit despre el ca pe un prost gust absurd. Dar începând cu anii 1950, evaluările au fost revizuite și a venit redescoperirea modernității.

Următoarea parte va fi dedicată Art Nouveau în arhitectură și operei lui Victor Horta.

Astfel încât, va urma.

Vă mulțumim pentru atenție.
Serghei Vorobyov.

Însuși conceptul de Art Nouveau, sau, așa cum este numit și Art Nouveau, înseamnă literal „nouă”, „artă nouă”. Într-o eră a industriei în dezvoltare rapidă creativitatea artistică a suferit si modificari. Dorința de ceva nou a fost exprimată într-o revoltă împotriva fundațiilor vechi din lumea artei, unde nu era loc pentru strălucire și originalitate. Totul a respectat legile stricte ale stilului și compoziției, pe care vechii maeștri le-au lăsat ca moștenire.

Apariția stilului

De regulă, majoritatea artiștilor au lucrat într-o manieră realistă. Au portretizat scene din Viata de zi cu ziși realitatea înconjurătoare, în timp ce artistul modernist a căutat să-și folosească imaginația. El a fost ghidat în primul rând de percepția sa asupra lumii, în loc să copieze pur și simplu ceea ce vede. Nu se putea exprima în cadrul artei tradiționale. Prin urmare, și-a creat propriul stil, care nu s-a bazat pe experiența trecutului, a fost original și a schimbat însăși ideea de frumusețe.

Suntem obișnuiți să percepem Art Nouveau exclusiv ca pe un produs al secolului XX. Cu toate acestea, o bază solidă a fost pusă de artiștii moderniști ai secolului al XIX-lea, precum Edouard Manet, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Aubrey Beardsley, Edvard Munch, Paul Cezanne și alții. Lucrările lor au fost cele care au dat modernității drumul spre viață.

„Secesiunea” din Viena

LA colțuri diferite Europa a dobândit modern forme diferiteși s-a exprimat în moduri diferite. Unul dintre cei mai faimoși și recunoscuți artiști moderniști ai secolului al XX-lea a fost dăruit lumii de către Austria. Este vorba despre Gustav Klimt. Lucrările sale ornamentale, simbolice și vibrante nu pot fi confundate cu nimeni altcineva. Ele atrag atenția cu o abundență de culoare aurie și modele luxuriante.

Dar Klimt a fost departe de singurul artist modernist din Austria. În 1897, el a unit creatorii locali inovatori într-o comunitate numită Secesiunea Vienei. S-a opus conservatorismului și academicismului în creativitate. Pe lângă Gustav Klimt, a inclus Joseph Hofmann, Koloman Moser, Max Kurzweil, Joseph Maria Olbrich și alți artiști și arhitecți.

Pavilionul expozițional a fost proiectat și construit de către membrii asociației. Proiectul a fost condus de Olbrich, iar interioarele au fost gândite de Moser. Prima expoziție acolo a avut loc în 1898. Tot datorită „Secesiunii” Viena a făcut cunoştinţă cu operele impresioniştilor.

Un alt artist austriac, din anumite motive, puțin cunoscut, dar nu mai puțin semnificativ pentru epoca modernă, Joseph Maria Auchentaller. Activitatea sa creatoare a fost foarte extinsă. A fost pictor, grafician, ilustrator, gravor, bijutier și fotograf, angajat în designul textil. De asemenea, s-a alăturat Secesiunii de la Viena.

Sloganul artiştilor modernişti austrieci au fost cuvintele criticului Ludwig Hevesi: „O epocă are propria artă, arta are propria ei libertate”.

Atât de diferit

Art Nouveau din Marea Britanie a apărut în grafica cărților încă de la sfârșitul secolului al XIX-lea, când artistul Aubrey Beardsley a ilustrat romanul Le Morte d'Arthur în maniera sa inimitabilă. Ilustrațiile sale alb-negru s-au remarcat prin eleganța formelor și rafinamentul liniilor.

Demn de menționat este Charles Mackintosh, care a contribuit la dezvoltarea Art Nouveau în arhitectura britanică.

Germania și Scandinavia sunt cunoscute pentru Art Nouveau. În ea, arhitectura combină pictura și artele și meșteșugurile într-un întreg armonios. Se caracterizează prin netezime și fluiditate a liniilor, vitralii cu ornamente florale sub formă de crini și irisi, metal forjat, ferestre largi, culoare aurie. Printre arhitecții moderniști celebri s-au numărat Bruno Julius Florian Taut, Peter Behrens, August Endel.

În SUA, Art Nouveau s-a exprimat în arta vitraliilor. Designerul american și artistul de sticlă Louis Comfort Tiffany a realizat vaze și lămpi în formă de floare, pe care le-a decorat cu sticlă făcută de el. Materialul s-a distins printr-o nuanță irizată și a câștigat o popularitate imensă. Vitraliile lui Tiffany nu și-au pierdut gloria până astăzi.

Alphonse Mucha

Alphonse Mucha ocupă un loc separat în Art Nouveau și în inimile multor cunoscători. Artistul de origine cehă și-a câștigat faima mondială cu afișe de teatru și afișe publicitare în stil Art Nouveau sau Art Nouveau. Interesant este că tânărul Fly și-a trimis lucrările la o școală de artă. Au fost returnați cu o notă despre lipsa lor totală de talent. Dar mai târziu, când Alphonse picta pereții castelului contelui, profesorul academiei i-a observat munca și a fost încântat de ea. Contele Kuen s-a angajat să plătească pentru educația sa. Așa a început mod creativ artist.

Datorită lucrării lui Alphonse Mucha, stilul Art Nouveau a fost ridicat la categoria de cult. Artistul a creat și executat comenzi în Franța, Germania, SUA. Crinii, florile de ciclamen, irisii au devenit simbolul stilului. Forme de plante și animale stilizate, cu linii netede și curgătoare.

Subiectul preferat al lui Alphonse Mucha a fost silueta grațioasă a unei femei frumoase, înconjurată de flori și ornamente. Pe lângă postere și ilustrații, artistul modernist Mukha s-a angajat în design interior și bijuterii, a scris tratate de artă. La Paris, la Expoziția Mondială de Arte și Meserii, Alphonse Mucha a fost declarat cel mai remarcabil reprezentant al Art Nouveau.

Moderniştii din epoca de argint

Apariția Art Nouveau în Rusia coincide aproximativ cu începutul Epoca de argintîn literatură. Primii artiști moderniști ruși la sfârșitul anilor 1880 au format un cerc numit „Lumea artei”.

La început, societatea a fost formată din Alexander Benois, Lev Bakst, Eugene Lansere, Serghei Diaghilev și Konstantin Somov. Treptat, li se alătură tot mai mulți participanți.

Serghei Diaghilev a devenit lider. A organizat expoziții și a promovat artiștii moderniști din Epoca de Argint pe piața europeană. Treptat, cercul se dezvoltă într-o asociere creativă. Include întreaga culoare a picturii rusești. Lista de nume ale artiștilor moderniști din Epoca de Argint este prea lungă. Printre aceștia, un loc aparte l-au ocupat Mihail Vrubel, Valentin Serov, Isaac Levitan, Mihail Nesterov, Nicholas Roerich.

Maeștri ai Art Nouveauului rusesc

Mențiune specială merită Mihail Aleksandrovich Vrubel. Nu a fost doar pictor, ci și decorator, ilustrator de carte. A pictat și pereți și vitralii. Unul dintre cele mai cunoscute motive ale operei sale este imaginea Demonului, inspirată din poezia lui Lermontov.

Personajul lui Vrubel se comportă mai mult ca un erou liric suferind decât ca o forță distructivă formidabilă. În pictura „Demonul așezat”, acest lucru este clar indicat de postura și ochii lui dornici.

De asemenea, în opera lui Vrubel, a fost remarcată o părtinire față de stilul popular. Include picturi pe tema epopeilor și basmelor rusești: „Pan”, „Mikula Selyaninovici”, „Prițesa lebăda”, precum și subiecte religioase și picturi cu icoane. Alexander Benois credea că Vrubel a fost cel care a exprimat toate cele mai frumoase și mai triste părți ale Epocii de Argint.

Împreună cu Mihail Alexandrovici, Mihail Vasilevici Nesterov a fost o figură semnificativă a modernismului rus. În opera sa sună motive religioase cu peisaje ale naturii nordice. El este cel mai cunoscut pentru pictura bisericească. De exemplu, lucrarea de mozaic de pe fațada Bisericii din Sankt Petersburg a Învierii lui Hristos a fost realizată conform schițelor sale.

Un alt reprezentant binecunoscut al artiștilor moderniști ruși este Nikolai Konstantinovich Roerich. A lucrat cu o productivitate incredibilă. Moștenirea lui tablouri are peste șapte mii. În timpul vieții, a câștigat faima mondială.

Roerich și-a scris picturile pe subiecte mitologice, mai ales slave, în culori intense pure. Una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale este „Oaspeții de peste mări”. Este scris cu linii mari, energice și culori expresive. Transmite clar fluxul de apă și mișcarea pânzei.

Evoluția modernismului

Astăzi, sub conceptul de „modernism” se unesc mai multe mișcări artistice. Acestea includ: cubism, abstractionism, impresionism, expresionism, simbolism, dadaism, fauvism, futurism, suprarealism, postmodernism. Fiecare dintre aceste zone are propria sa Reprezentanți proeminenți.

Unii asociază nașterea modernismului cu apariția în 1863 în Franța a „Salonului respinsăților”. Impresioniștii și-au expus picturile aici. Ideile lor au fost respinse de oficial critica de arta Cu toate acestea, acest lucru a contribuit doar la creșterea popularității lor. Impresionismul se traduce literal prin „impresie”. Artiștii au încercat să surprindă mobilitatea și schimbarea lumii, să-și transmită părerea despre aceasta.

Printre cei mai importanți reprezentanți se numără Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas, Auguste Renoir, Paul Cezanne.

Figura principală în cubism este Pablo Picasso. Cubismul se caracterizează prin împărțirea imaginii în forme condiționate și figuri primitive.

Abstracționismul este strâns asociat cu Wassily Kandinsky. Particularitatea acestui stil este combinație armonioasă forme geometrice și pete de culoare. În același timp, fiecare nuanță era simbolică și purta o anumită încărcătură semantică.

Kandinsky a identificat arta abstractă cu muzica. Într-unul dintre tratatele sale, el scria: „Un artist este o mână care, cu ajutorul unei chei sau alteia, face suflet uman vibrează”.

Modernismul târziu

Suprarealismul - o manifestare ulterioară a modernismului - a apărut în anii 20 ai secolului trecut și a devenit cunoscut pe scară largă datorită lucrărilor excentrice ale lui Salvador Dali. Acest gen este un zbor nelimitat al imaginației. Ciocnirea dintre real și ireal.

Simbolismul este probabil cea mai timpurie manifestare a Art Nouveau. Stilul a apărut în anii 1870. Simbolismul este un concept larg care se aplică nu numai picturii, ci și muzicii și literaturii. Simboliștii au experimentat în mod activ mijloace și teme artistice. Acest stil a fost popular și printre pictorii ruși. Reprezentantul său proeminent a fost Viktor Borisov-Musatov.

Fauvismul aparține pictura franceza. Strălucirea culorilor, dinamismul loviturilor, formele generalizate - acestea sunt principalele caracteristici ale fauvismului. Henri Matisse este considerată figura principală în acest stil. Deși termenul „fauvism” este tradus din franceză ca „sălbatic”, adepții stilului înșiși nu au recunoscut această definiție.

Futurismul a fost poziționat ca arta viitorului. A fost distribuit pe scară largă în Italia și Rusia. El a pornit de la dezvoltarea tehnologică și urbană a lumii, a căutat să-și exprime frumusețea și dinamica. Tehnici artistice futurismul sunt asemănătoare fauvismului și abstracționismului. Dar accentul principal este pus pe transmiterea ritmului și a mișcării viața modernă. Futurismul rus are o soartă foarte tragică. Unii dintre reprezentanții săi, de exemplu, Igor Terentyev, au fost împușcați, unii au fost trimiși în exil, restul au fost uitați.

Dadaismul era un colaj de ziar și tăieturi de reviste. Ca stil independent, nu a durat mult și s-a contopit cu suprarealismul și expresionismul.

Expresionismul și expresionismul abstract au scopul de a transmite stare emoțională artistul sau impresia lui despre acest lucru sau acel lucru, persoană și eveniment. Și deși termenul este utilizat pe scară largă, nu a existat nicio mișcare artistică specifică sub acest nume.

Cea mai recentă dezvoltare a modernismului este postmodernismul. Aceasta a fost ultima revoluție estetică din Europa la mijlocul secolului al XX-lea. caracteristica principală a devenit un compus de elemente culturi diferite- Est, Africa, India, America de Vest, cultura europeană. Postmodernismul a constat din grupuri de studenți care au căutat să aducă o nouă super-idee în societatea de consum. Dar de fapt a fost un fel de rebeliune estetică. Cei mai proeminenți reprezentanți ai stilului sunt Joseph Beuys și Sandro Chia.

Cele mai semnificative tablouri

Dintre toată diversitatea creativă, se poate evidenția cel mai mult picturi semnificative artiști celebri-moderniști, care au devenit un exemplu al stilului emergent și al ramurilor dezvoltării acestuia.

Prima, poate, va fi tabloul „Mic dejun pe iarbă” de Edouard Manet. Era atât de atipică pentru vremea ei, nu se încadra în niciun cadru al picturii tradiționale atât de mult încât nu a fost acceptată la o expoziție oficială la Salonul de la Paris și a fost ridiculizată de critici. Cu toate acestea, Manet a expus-o în Salonul Respinsului. Acolo a marcat o nouă eră în artă, lipsită de teama de a se exprima.

Al doilea exemplu, mai târziu, de revoluție a creativității, a fost pictura lui Pablo Picasso „Fetele din Avignon”. Ulterior, ea a primit statutul de icoană a modernismului. Picasso însuși a scris despre pictura sa că nu descrie un obiect, ci atitudinea lui față de acesta.

Iar a treia la rând, dar nu ca importanță, este poza artistului modernist rus Kazimir Malevich „Piața Neagră”. Este atât de faimoasă încât nu are nevoie de prezentare. Acesta este un fel de icoană a artiștilor moderniști ruși ai secolului al XX-lea. La acea vreme, stilul era fragmentat și lua forme bizare.

Pentru Malevich însuși, imaginea a devenit punctul de plecare, trecerea la nou nivel creativitate non-obiectivă, pe care a numit-o „Suprematism”. Acest nou stil a fost o combinație de forme geometrice simple ordonate. Kazimir Malevich și-a numit „Pătratul Negru” primul pas în creativitatea pură.

Concluzie

Dacă ar fi să fac lista plina artiștii moderniști, cei care sunt cumva conectați cu dezvoltarea stilului, atunci domeniul de aplicare al acestui articol nu ar fi în mod clar suficient. Căci este atât de mare încât este suficient pentru o carte întreagă.

Este dificil de supraestimat revoluția cu adevărat globală în artă pe care artiștii moderniști și picturile lor au produs-o. Au forțat societatea să privească lumea într-un mod nou. Pentru a vedea în el alte culori, forme și conținut.

La începutul secolului al XX-lea, toate valorile mostenire culturala anii trecuți au fost revizuiți, unii au fost lăsați în urmă în secolul trecut. Lumea este cuprinsă de schimbare. Acest lucru a fost facilitat de elegantul Art Nouveau vienez și de rafinatul Art Nouveau francez și de idei postmoderne în autoexprimare creativă.

Mulțumim creatorilor lumii Arte vizuale schimbat pentru totdeauna, devenit mai deschis, mai liber, mai nou. Acum iubitorii de artă pot urmări timp de secole dezvoltare artistică din trecut.

Art Nouveau, aka Art Nouveau, este cu siguranță stilul meu preferat. Mai mult, designul site-ului meu, după toate indicațiile, este realizat în stilul Art Nouveau, după cum sa dovedit. Aceasta și Culoarea albastră, și ornamente florale, și saturația compoziției și abundența liniilor netede. Foarte modern stil interesantîn ceea ce privește aplicarea în pictură, arhitectură, decor interior. Datorită acestei caracteristici practice de extindere la domenii conexe ale artei, Art Nouveau a găsit o renaștere astăzi. Cel puțin, este foarte convenabil să decorați mediul de locuit în același stil, de la gardul de la intrare până la coperta cărții.

(din franceză moderne - modern) - direcție artisticăîn art. Reprezentanții modernității au fost uniți de mișcarea anti-eclectică - dorința de a opune opera lor eclectismului perioadei precedente. Caracteristicile sale distinctive sunt respingerea liniilor drepte și a unghiurilor în favoarea unor linii mai naturale, naturale, interesul pentru noile tehnologii (de exemplu, în arhitectură), elemente de artă aplicată.

LA tari diferite stilul Art Nouveau a fost numit diferit: în SUA - tiffany (numit după L.K. Tiffany), în Franța - Art Nouveau (fr. art nouveau, artă nouă), în Germania - Jugendstil (german Jugendstil, stil tânăr), în Austria - Stilul Secession (Secessionsstil), în Anglia - stil modern (stil modern, stil modern), în Italia - stil Liberty, în Spania - Modernismo, în Olanda - Nieuwe Kunst, în Elveția - stil molid (stil sapin).

Perioada Art Nouveau este relativ scurtă, are limite cronologice destul de clare: de la sfârșitul anilor 1880 până în 1914, începutul Primului Război Mondial, care a întrerupt dezvoltarea naturală a artei în majoritatea țărilor europene. În perioada modernă, a existat o regândire rapidă a vechiului forme de artăși recepții, apropiere și contopire diferite feluriși genurile artistice. Artiștii Art Nouveau au încălcat cu îndrăzneală normele și limitele obișnuite. Conținutul principal al perioadei moderne a fost dorința de a descoperi noi metode, stiluri, forme, sinteza diverselor surse.

Artiștii Art Nouveau au folosit diferite forme în munca lor: arta arhaică grecească, arta creto-miceniană, clasică antică, arta exotică a Chinei și Japoniei, gotică și renascentist, arta etruscă și rococo francez. Ornamentul a devenit unul dintre principalele mijloace expresive și de formare a stilului în arta modernă. Dorința de integritate, plasticitate a elementelor externe și interne, decorative și structurale ale compoziției, dinamica și fluiditatea formelor este trăsături distinctive stil modern.

Reprezentanții Art Nouveau-ului s-au străduit pentru o unitate stilistică rațională, astfel încât tablourile și spalierele care decorează pereții să se potrivească cu mobilierul, sticlăria, tacâmurile, precum și cu îmbrăcămintea, bijuteriile și, în general, cu tot ce se află în spațiul pe care l-au proiectat. În Art Nouveau există o imagine decorativă și bidimensională, curgerea liniilor flexibile și flexibile, modele plane. Și nu a contat dacă un astfel de decor era destinat unei coperți de carte sau pentru fațada unei clădiri.

La originile Art Nouveau francez s-au aflat Paul Gauguin și artiștii cercului său. De asemenea, cel mai faimos maestru al Art Nouveau din Franța a fost Henri de Toulouse-Lautrec. Rol important dezvoltarea Art Nouveau în Franța a fost interpretată de arhitectul Hector Guimard, bijutierul René și artistul din sticlă și mobilier Emile Gallé. Un loc semnificativ în arta Art Nouveau aparține faimoșilor arhitecți belgieni Henri van de Velde și Victor Horta. În Spania, arhitectul Antoni Gaudí a fost cel mai individual și versiunea originala Art Nouveau.

În Marea Britanie, trăsăturile caracteristice noului stil au apărut în designul cărților de la începutul anilor 1880. Una dintre cele mai graficieni celebri Art Nouveau a fost Aubrey Beardsley, desenele sale excentrice ilustrau opere literare. Unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai Art Nouveau în Marea Britanie a fost C. R. McIntosh, un arhitect și designer scoțian care a realizat o varietate de opera de artă- de la proiecte de arhitectură la schițe de tapet și argintărie. Lucrarea lui Macintosh a avut un impact uriaș asupra dezvoltării arhitecturii și artei europene.

În Statele Unite, arhitectul Louis Sullivan a folosit ornamente Art Nouveau pentru a decora fațadele clădirilor proiectate de el. Principalul exponent al Art Nouveau a fost Louis Comfort Tiffany, pictor și artist de sticlă. A inventat o sticlă irizată unică pe care a numit-o favrile și a folosit-o în celebrele sale vaze și lămpi în formă de floare.

De asemenea, următorii artiști pot fi numiți reprezentanți ai modernității - Ferdinand Hodler, Jan Torop,

La sfârşitul secolului al XIX-lea. în artă apare un nou stil, ai cărui adepți încearcă să se îndepărteze de istoricismul și eclectismul artei moderne. Acest stil a fost numit modern (din latinescul modernus - cel mai recent, modern).

Art Nouveau s-a manifestat cel mai clar în arhitectură, design de cărți și arta afișelor. De asemenea, a atins sculptura și pictura.

Pentru prima dată noul stil s-a declarat în Anglia. În alte țări vest-europene, Art Nouveau a luat contur în anii 1880. În Franța, a fost numit „Art Nouveau”, în Germania - „Jugendstil”, în Austria - „Secession”, în Italia - „Liberty”, în Spania - „Modernismo”, în Polonia - „Secession”.

Apariția unei astfel de arte a predeterminat în mare măsură opera lui W. Morris, J. Ruskin, a prerafaeliților și a graficienilor englezi W. Blake și W. Crane.

Pictura Art Nouveau se caracterizează prin decorativitate exterioară, stilizare, ornamentalitate plană. Adesea, artiștii în lucrările lor au folosit motive vegetale. Tulpinile, frunzele și florile plantelor exotice aparent ofilite au fost țesute într-un model bizar, în care uneori apăreau figuri de femei sau creaturi fantastice. Liniile de contur netede, figurile alungite, planurile de culoare care conectează (adesea monocrome) au făcut imaginea foarte eficientă. Datorită acestor calități, limbajul pictural al Art Nouveau a fost adesea folosit de simboliști pentru a-și întruchipa ideile și imaginile.

Numele unor artiști celebri precum P. Gauguin, P. Bonnard, M. Denis, E. Vuillard, P. Serusier în Franța, E. Munch în Norvegia, F. Hodler în Elveția, G. Klimt în Austria, sunt asociate cu art nouveau.F. von Stuck în Germania.
Un reprezentant proeminent al Art Nouveau în grafica cărților a fost O. Beardsley.

Aubrey Beardsley

Aubrey Vincent Beardsley s-a născut în 1872 într-o familie engleză bogată. În 1891 a intrat la F. Brown Westminster Art School. În timpul liber, tânărul artist a mers la muzeele și galeriile din Londra. A fost foarte impresionat de arta lui A. Durer, Michelangelo, S. Botticelli. Beardsley a fost admirat în special de gravurile lui A. Mantegna, din care a făcut copii.

Influență semnificativă asupra formării stil artistic Beardsley a fost influențat de arta gravurii japoneze, opera pictorilor francezi din secolul al XVIII-lea. şi lucrările prerafaelitului E. Burne-Jones. Puțin mai târziu, atenția i-a fost atrasă de lucrările lui C. Lorrain, A. Watteau, P. Prudhon, J. Callot și G. Moreau.

La sfârșitul anului 1891, Beardsley a ajuns adevărata faimă. Cea mai mare lucrare a acestei perioade a fost o serie de ilustrații pentru Poveștile Regelui Arthur de John Dent. În același an, artistul l-a cunoscut pe E. Burne-Jones, a cărui artă a admirat-o mereu.

Din 1893, Beardsley lucrează la ilustrații pentru reviste, dintre care unele sunt publicate sub conducerea sa (The Yellow Book, 1894-1895, împreună cu H. Harland; The Savoy, 1896, împreună cu A. Simons) și, de asemenea, creează desene pentru cărți (ilustrări pentru „Moartea lui Arthur” de T. Malory, 1893-1894; pentru „Salome” de O. Wilde, 1894; pentru poveștile lui E. Poe; pentru „Violul ecluzei” de A. Puop, 1896; schiță pentru coperta și ecranul de splash pentru romanul „Scene Viața pariziană» O. Balzac, 1897; ilustraţii pentru „Volpone” de B. Johnson, 1897). În aceste lucrări ușor frivole și elegante se remarcă influența gravurii franceze din secolul al XVIII-lea.

Odată cu popularitatea vine și Beardsley bunăstarea materială. Dar acest lucru nu îl salvează de o boală gravă - tuberculoza, care îl chinuie pe artist încă din copilărie. De aici tragedia profundă care pătrunde în ilustrațiile lui Beardsley pentru Căderea Casei Escher a lui Poe.

Desene erotice de Beardsley la " poveste adevărată Lucian” provoacă resentimente din cercurile oficiale. Aceste ilustrații în 1895 au devenit motivul plecării artistului din Cartea Galbenă.

În 1896, Beardsley a mers într-o stațiune din Ipsom pentru tratament. În același an, el creează ilustrații foarte spirituale și erotice pentru Lysistrata lui Aristofan, precum și pentru satira lui Juvenal. Doi ani mai târziu, artistul muribund va implora editura să distrugă desenele frivole, dar, din fericire, acesta din urmă nu a dat curs cererii și ne-a salvat minunatele creații ale graficianului englez.

O. Beardsley. Coperta pentru revista Savoy. 1896
O. Beardsley. Toaletă. Ilustrație pentru poezia lui A. Puop „Răpirea unui bucle”. 1896

Într-o serie de lucrări ale lui Beardsley, interesul pentru subiectele religioase și mistice este vizibil. Pasiunea pentru științele oculte s-a reflectat în desenul, numit de autor „Despre neofit, sau cum a fost inițiat în magia neagră de către demonul Asomuel” (1893). Numele demonului, personificând insomnia, a fost inventat de însuși Beardsley.

Nu mai puțin misterios este desenul „Sărutul lui Iuda” (1893), care mărturisește interesul artistului pentru lumea spirituală, interioară, a omului. Aceleași motive sunt prezente în alte lucrări ale lui Beardsley.

Aubrey Beardsley, care a trăit foarte mult viata scurta(a murit în 1898), a lăsat o amprentă profundă asupra artei europene. Desenele rafinate și fragile, dar în același timp, ironice și vii ale graficii engleze au avut o mare influență asupra maeștrilor generațiilor următoare.

Gustav Klimt

Gustav Klimt, un pictor, grafician și decorator austriac, un reprezentant major al Art Nouveau-ului vienez, s-a născut în 1862 la Viena.

În 1876-1883. Klimt a studiat la Școala de meserii artistice din Viena cu pictorul F. Laufberger. Primele sale picturi sunt compoziții istorice care au reflectat influența artei academice.

Împreună cu H. Makart, Klimt a fost angajat în peisaje monumentale. Printre astfel de lucrări se numără un panou pitoresc al scărilor Muzeului de Istoria Artei din Viena (1891). Această lucrare, ca și compozițiile alegorice din anii 1890. („Dragoste”, 1895), care amintește de pictura artiștilor simboliști J. Toorop și F. Knopf.

Secession, o asociație de artiști și arhitecți care au respins tradițiile artei academice, a jucat un rol important în dezvoltarea Art Nouveau vienez (Art Nouveau). În 1897, Klimt a devenit președinte al Secesiunii. La începutul anilor 1900 artistul, îndeplinind ordinul Ministerului Culturii, a realizat trei panouri monumentale pentru sala de adunări a Universității din Viena („Filosofie”, 1900; „Medicina”, 1901; „Jurisprudență”, 1903). Din păcate, în timpul celui de-al doilea război mondial, toate cele trei panouri au fost distruse. În aceste lucrări s-au manifestat clar trăsăturile Art Nouveau: asimetrice construcție compozițională, capricios, care amintește de un ornament complex de împletire a corpurilor umane goale. Erotismul pur al acestor lucrări ale lui Klimt, precum și spiritul pesimist care le pătrundea, au devenit motivul respingerii panelului de către profesorii universității.

Klimt apare ca un artist matur cu un stil de scris bine stabilit în Friza Beethoven (1902), care a fost inclusă în ansamblul monumental al clădirii Secession. Această lucrare a exprimat încercarea maestrului de a interpreta Simfonia a IX-a a lui Beethoven cu ajutorul imaginilor picturale și alegorice. Ritmul figurilor alungite ale „frizei Beethoven” seamănă cu un tempo în schimbare piesa muzicala. Hainele oamenilor înfățișați în picturi, precum și fundalul, sunt acoperite cu linii ornamentale bizare și culori strălucitoare de aur și argint. În același stil a fost realizat mozaicul sălii de mese din Palatul Stoclet din Bruxelles, creat de Klimt în 1911.

Picturile pictate de Klimt în anii 1900 se caracterizează printr-o combinație de modelare tridimensională a figurilor umane cu ornamentalitate plană. Artistul acoperă părți ale corpului uman gol cu ​​mozaicuri strălucitoare și modele aurii. Fețele și corpurile par să se arate prin spirale, figuri geometrice, flori capricioase și tulpini de plante exotice. Picturile „Judith” (1901), „Sărutul” (1907-1908), „Trei epoci” (1908), „Salomee” (1909) au fost executate în acest fel.

G. Klimt. Judith. 1901
G. Klimt. Trei vârste. 1908

În anii 1910 Pictura lui Klimt se schimbă oarecum: abundența aurului dispare, expresia apare în imagini. Astfel sunt compozițiile simbolice „Fata” (1913), „Mireasă” (1917-1918).

Peisajele lui Klimt au fost executate și în stil Art Nouveau (Câmpul de maci, 1907; Palatul lângă apă, 1908; Aleea în parc, 1912).
Gustav Klimt a murit în 1918 la Viena.

A funcționat și Art Nouveau artist german M. Klinger.

Max Klinger

Pictorul, graficianul, sculptorul german Max Klinger s-a născut la Leipzig în 1857. A studiat la Școala de Artă din Leipzig cu celebrul maestru F. Brouwer. În 1874-1875. și-a continuat studiile la Karlsruhe la Academia de Arte sub conducerea lui K. Gussov, iar în 1876 a început să urmeze Academia din Berlin. A trăit și a lucrat în Leipzig, Berlin. În 1879 a vizitat Karlsbad, München, Bruxelles, unde a studiat în atelierul lui E. H. Wouters.

Din 1881, artistul a locuit la Berlin, iar din 1883 - în vecinătatea capitalei germane la Villa Albers. În 1867, Klinger, împreună cu A. Böcklin, a vizitat Parisul, iar în 1886-1889. - Italia. În 1892, a devenit unul dintre fondatorii Societății Artiștilor din Berlin, iar mai târziu s-a alăturat Secesiunii de la München. Din 1897, Klinger este profesor de grafică la Academia de Arte din Leipzig.

Primele lucrări ale artistului sunt marcate de influența picturii academice. În acești ani (sfârșitul anilor 1870) a pictat picturi pe subiecte antice și istorice („Cădere la zid”, 1878; „Moartea Cezarului”, 1879).

În anii 1880 Klinger a început să creeze lucrări cu conținut simbolic. Din acel moment, în pictura sa predomină imaginile alegorice sau fantastice („Zeul mării în valul fluviului”, 1884-1885). Picturile sale amintesc de pânzele lui G. von Mare, A. Böcklin, A. Feuerbach. Apropierea lui Feuerbach de artă este evidențiată, de exemplu, de „Misiunea” lui Klinger, realizată în 1880. Artistul a înfățișat naturalist și oarecum teatral pe pânza sa o femeie goală așezată lângă mare, lângă care stau un corb și un stârc.

Peisajele lui Klinger „Seara” (1882), „Defileul muntelui” (1884), „Peisajul de vară” (1884-1885) sunt realizate sub forma unui panou alungit (ceea ce este foarte tipic picturii simboliste).

Pictorul a fost dintotdeauna interesat de tema trecătoarei vieții pământești și a inevitabilității morții. Astfel de motive i-au fascinat adesea nu numai pe artiștii contemporani, ci și pe maeștrii epocilor trecute. În spiritul artei renascentiste, s-au pictat picturile „Plaia mormântului” (1890), „Răstignirea” (1890). Legenda epocii de aur - perioada în care toți oamenii erau fericiți și trăiau în armonie cu natura - a fost reflectată în lucrări ale lui Klinger precum „Ora albastră” (1890), „Primăvara” (1891-1892), tripticul. „Amintiri din Paris” (1908). Aceste pânze arată privitorului figurile unor tineri și tineri frumoși, personificând vremurile trecute. Partea inferioară a tripticului „Amintiri din Paris” a fost decorată de artist cu ornamente sculpturale, exprimând astfel ideea de a uni diferite tipuri de arte, inerente esteticii simbolismului.

De mare interes este un alt triptic Klinger - „Hristos pe Olimp” (1897). Artistul va interfera cu eroii istoriei creștine din epoca antică, punând în prim plan principiul Divin. Această lucrare mărturisește schimbarea tehnicilor de pictură ale autorului: acum rol principal in realizarea unei imagini se joaca conturul si petele de culoare, cu ajutorul carora Klinger modeleaza volume.

Căutarea de noi mijloace artistice s-a reflectat și în lucrările sculpturale ale lui Klinger, în care maestrul combină diferite tipuri de marmură cu aur și fildeș; acoperă sculpturile cu vopsea (Salome, 1893; Beethoven, 1902).

Un loc semnificativ în opera lui Klinger este ocupat de lucrările grafice: afișe pentru expoziții ale Secesiunii și gravuri frumoase (serie „Mănușa”, 1881).

Artistul a murit în 1920. Opera sa a jucat un rol important în dezvoltarea Art Nouveau.

După cum am menționat mai sus, viața modernă este strâns legată de simbolism. Mulți artiști care au lucrat în stilul Art Nouveau, în diferite etape ale muncii lor, au fost pasionați de ideile de simbolism.