Abstracția în pictură. Picturi în stilul abstractionismului

Abstracționismul (lat. abstractie- îndepărtare, distragere) sau artă nefigurativă- o direcție de artă care a abandonat reprezentarea formelor apropiate de realitate în pictură și sculptură. Unul dintre scopurile abstracționismului este acela de a obține „armonizare” prin înfățișarea anumitor combinații de culori și forme geometrice, determinând privitorul să simtă completitatea și completitudinea compoziției. Figuri proeminente Distribuție: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova și Mihail Larionov, Piet Mondrian.

Poveste

Abstracţionism(artă sub semnul „forme zero”, artă neobiectivă) - direcție artistică, format în arta primei jumătăți a secolului al XX-lea, refuzând complet să reproducă formele reale lume vizibilă. Fondatorii abstracționismului sunt considerați a fi V. Kandinsky , P. Mondrian și K. Malevici.

V. Kandinsky și-a creat propriul tip pictura abstracta, eliberând de orice semne de obiectivitate petele impresioniştilor şi ale „sălbaticului”. Piet Mondrian a ajuns la inutilitatea sa prin stilizarea geometrică a naturii, începută de Cezanne și cubiștii. Tendințele moderniste ale secolului XX, concentrate pe abstractionism, se îndepărtează complet de principiile tradiționale, negând realismul, dar rămân în același timp în cadrul artei. Istoria artei odată cu apariția abstracționismului a cunoscut o revoluție. Dar această revoluție a apărut nu întâmplător, ci destul de natural și a fost prezisă de Platon! În lucrarea sa ulterioară, Philebus, a scris despre frumusețea liniilor, a suprafețelor și a formelor spațiale în sine, independent de orice imitație a obiectelor vizibile, de orice mimesis. Acest tip de frumusețe geometrică, în contrast cu frumusețea formelor naturale „neregulate”, după Platon, nu este relativă, ci necondiționată, absolută.

secolul al XX-lea și prezent

După primul război mondial din 1914-18, tendințele artei abstracte s-au manifestat adesea în lucrări individuale ale reprezentanților dadaismului și suprarealismului; în același timp, a fost determinată dorința de a găsi aplicații pentru forme non-picturale în arhitectură, artă decorativă și design (experimente ale grupului Style și Bauhaus). Mai multe grupuri de artă abstractă („Arta concretă”, 1930; „Cercul și pătrat”, 1930; „Abstracție și creativitate”, 1931), care uneau artiști de diferite naționalități și tendințe, au apărut la începutul anilor 30, în principal în Franța. Cu toate acestea, arta abstractă nu era larg răspândită la acea vreme și până la mijlocul anilor '30. grupurile s-au despărțit. În anii celui de-al Doilea Război Mondial (1939–45), în Statele Unite a apărut o școală de așa-numit expresionism abstract (pictori J. Pollock, M. Toby etc.), care s-a dezvoltat după război în multe țări (sub denumirea de tachisme sau „artă fără formă”) și a proclamat ca metodă „automatism mental pur” și impulsivitatea subconștientă subiectivă a creativității, cultul combinațiilor neașteptate de culoare și texturi.

În a doua jumătate a anilor 50, în Statele Unite s-a născut arta instalării, arta pop, care oarecum mai târziu l-a glorificat pe Andy Warhol cu reproducerea sa nesfârșită a portretelor lui Marilyn Monroe și a conservelor de mâncare pentru câini - abstractionism colaj. În artele vizuale din anii 60, cea mai puțin agresivă formă statică de abstractizare, minimalismul, a devenit populară. In acelasi timp Barnet Newman, fondator al abstractionismului geometric american împreună cu A. Lieberman, A. Heldși K. Noland s-a angajat cu succes în dezvoltarea ulterioară a ideilor neoplasticismului olandez și suprematismului rus.

O altă tendință în pictura americană a fost numită abstractionism „cromatic” sau „post-pictură”. Reprezentanții săi au respins într-o oarecare măsură fauvismul și postimpresionismul. Stil rigid, a subliniat contururile ascuțite ale lucrărilor E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella a cedat treptat locul picturii unui depozit melancolic contemplativ. În anii 1970 și 1980, pictura americană a revenit la arta figurativă. Mai mult, o manifestare atât de extremă a acestuia, precum fotorealismul, a devenit larg răspândită. Majoritatea istoricilor de artă sunt de acord că anii 70 sunt momentul adevărului pentru arta americană, pentru că în această perioadă s-a eliberat în cele din urmă de influența europeană și a devenit pur american. Cu toate acestea, în ciuda revenirii formelor și genurilor tradiționale, de la portret la pictura de istorie, nici abstracționismul nu a dispărut.

Picturile, operele de artă „non-fină” au fost create ca și înainte, din moment ce revenirea la realism în Statele Unite nu a depășit abstractionismul ca atare, ci canonizarea lui, interzicerea artei figurative, care a fost identificată în primul rând cu realismul nostru social, și, prin urmare, nu ar putea fi considerată odioasă într-o societate „liberă democratică”, o interdicție a genurilor „joase”, pe funcții sociale artă. În același timp, stilul picturii abstracte a căpătat o anumită moliciune, de care îi lipsea înainte - simplificarea volumelor, estomparea contururilor, bogăția semitonurilor, soluțiile subtile de culoare ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Toate aceste tendințe au pus bazele dezvoltării abstracționismului modern. În creativitate nu poate exista nimic înghețat, definitiv, deoarece aceasta ar fi moartea pentru el. Dar indiferent de drumurile pe care le parcurge abstracționismul, indiferent de transformările pe care le suferă, esența lui rămâne mereu neschimbată. Constă în faptul că abstractionismul în arta plastică este cel mai accesibil și nobil mod de a surprinde ființa personală și într-o formă care este cea mai adecvată, ca o imprimare în facsimil. În același timp, abstractionismul este o realizare directă a libertății.

Directii

În abstractionism se pot distinge două direcții clare: abstracția geometrică, bazată în principal pe configurații clar definite (Malevich, Mondrian), și abstracția lirică, în care compoziția este organizată din forme care curg liber (Kandinsky). De asemenea, în abstractionism există câteva alte tendințe independente majore.

Cubism

O tendință de avangardă în artele vizuale, care a apărut la începutul secolului al XX-lea și se caracterizează prin utilizarea formelor geometrice în mod emfatic condiționat, dorința de a „împărți” obiectele reale în primitive stereometrice.

raionism (luchism)

Direcția în arta abstractă a anilor 1910, bazată pe schimbarea spectrelor luminii și transmisia luminii. Ideea apariției formelor din „încrucișarea razelor reflectate ale diferitelor obiecte” este caracteristică, deoarece o persoană nu percepe de fapt obiectul în sine, ci „suma razelor provenite de la sursa de lumină, reflectată de obiect."

neoplasticism

Desemnarea direcției de artă abstractă, care a existat în 1917-1928. în Olanda și artiști uniți grupați în jurul revistei „De Stijl” („Stil”). Caracterizat prin forme dreptunghiulare clare în arhitectură și pictură abstractă în aspectul planurilor dreptunghiulare mari, pictate în culorile primare ale spectrului.

orfism

Direcția în pictura franceza anii 1910. Artiștii-orfiști au căutat să exprime dinamica mișcării și muzicalitatea ritmurilor cu ajutorul „regularităților” de întrepătrundere a culorilor primare ale spectrului și intersecția suprafețelor curbilinie.

Suprematism

Direcție în arta avangardă, fondată în anii 1910. Malevici. A fost exprimat în combinații de planuri multicolore ale celor mai simple contururi geometrice. Combinația de multicolore forme geometrice formează compoziții suprematiste asimetrice echilibrate pătrunse de mișcare interioară.

Tahism

Tendința abstracționismului vest-european din anii 1950 și 60, care a fost cea mai răspândită în SUA. Este un tablou cu pete care nu recreează imagini ale realității, ci exprimă activitatea inconștientă a artistului. Pe pânză sunt aplicate linii, linii și pete în tachisme mișcări rapide mâini fără un plan premeditat.

expresionism abstract

Mișcarea artiștilor care pictează rapid și pe pânze mari, folosind tușe non-geometrice, pensule mari, uneori picurând vopsea pe pânză, pentru a scoate emoțiile la maximum. Metoda expresivă de pictură aici este adesea la fel de importantă ca și pictura în sine.

Abstracționismul în interior

LA timpuri recente Abstracționismul a început să treacă de la picturile artiștilor la interiorul confortabil al casei, actualizându-l profitabil. Stilul minimalist cu utilizarea unor forme clare, uneori destul de neobișnuite, face camera neobișnuită și interesantă. Dar este ușor să treci peste bord cu culoarea. Luați în considerare combinația culoarea portocalieîn acest stil de interior.

Cel mai bine albul diluează portocalele bogate și, parcă, îl răcește. Culoarea portocalie face ca camera să devină mai fierbinte, deci nu mult; nu previne. Accentul trebuie pus pe mobilier sau pe designul acestuia, de exemplu, o cuvertură de pat portocalie. În acest caz, pereții albi vor îneca luminozitatea culorii, dar vor lăsa camera colorată. În acest caz, picturile din aceeași gamă vor servi ca un plus excelent - principalul lucru este să nu exagerați, altfel vor apărea probleme cu somnul.

combinație de portocaliu și flori albastre dăunătoare oricărei încăperi, dacă nu se referă la creșă. Dacă alegeți nuanțe luminoase, atunci acestea se vor armoniza cu succes între ele, vor adăuga dispoziție și nu vor afecta negativ chiar și copiii hiperactivi.

Portocaliul se potrivește bine cu verdele, creând efectul unui arbore de mandarin și o tentă de ciocolată. Maroul este o culoare care variază de la cald la rece, așa că normalizează perfect temperatura generală a încăperii. În plus, această combinație de culori este potrivită pentru bucătărie și sufragerie, unde trebuie să creați o atmosferă, dar să nu supraîncărcați interiorul. După ce ați decorat pereții în culori alb și ciocolată, puteți pune în siguranță un scaun portocaliu sau puteți agăța o imagine strălucitoare cu o culoare bogată de mandarină. În timp ce vă aflați într-o astfel de cameră, veți avea o dispoziție grozavă și o dorință de a face cât mai multe lucruri.

Picturi ale unor artiști abstracti celebri

Kandinsky a fost unul dintre pionierii artei abstracte. Și-a început căutarea în impresionism și abia apoi a ajuns la stilul abstracționismului. În munca sa, el a exploatat relația dintre culoare și formă pentru a crea o experiență estetică care a îmbrățișat atât viziunea, cât și emoțiile publicului. El credea că abstracția completă dă loc unei expresii profunde și transcendente, iar copierea realității nu interferează decât cu acest proces.

Pictura a fost profund spirituală pentru Kandinsky. El a căutat să transmită profunzimea emoției umane printr-un limbaj vizual universal de forme și culori abstracte care ar transcende granițele fizice și culturale. El a văzut abstracţionism ca mod vizual ideal care poate exprima „nevoia interioară” a artistului și transmite ideile umane si emotii. El se considera un profet a cărui misiune este să împărtășească aceste idealuri lumii, în beneficiul societății.

Ascunse în culori strălucitoare și linii negre clare, înfățișează mai mulți cazaci cu sulițe, precum și bărci, figuri și un castel pe un deal. Ca în multe picturi din această perioadă, reprezintă o bătălie apocaliptică care va duce la pacea veșnică.

Pentru a facilita dezvoltarea unui stil de pictură non-obiectiv, așa cum este descris în a sa Despre spiritual în artă (1912), Kandinsky reduce obiectele la simboluri pictografice. Înlăturând majoritatea referințelor la lumea exterioară, Kandinsky și-a exprimat viziunea într-un mod mai universal, traducând esența spirituală a subiectului prin toate aceste forme într-un limbaj vizual. Multe dintre aceste figuri simbolice au fost repetate și rafinate în lucrarea sa ulterioară, devenind și mai abstracte.

Kazimir Malevici

Ideile lui Malevici despre formă și semnificație în artă duc cumva la o concentrare asupra teoriei abstracționismului stilistic. Cu care a lucrat Malevici stiluri diferiteîn pictură, dar mai ales s-a concentrat pe studiul formelor geometrice pure (pătrate, triunghiuri, cercuri) și relația lor între ele în spațiul pictural. Prin contactele sale în Occident, Malevich a reușit să transmită ideile sale despre pictură prietenilor artiști din Europa și Statele Unite și astfel să influențeze profund evoluția. artă contemporană.

„Pătratul negru” (1915)

Pictura emblematică „Piața Neagră” a fost prezentată pentru prima dată de Malevich la o expoziție din Petrograd în 1915. Această lucrare întruchipează principiile teoretice ale suprematismului dezvoltate de Malevich în eseul său „De la cubism și futurism la suprematism: nou realism în pictură”.

Pe pânza din fața privitorului este o formă abstractă desenată pe un fundal alb sub forma unui pătrat negru - este singurul element al compoziției. Chiar dacă pictura pare simplă, există elemente precum amprentele digitale, loviturile de pensulă care apar prin straturile negre de vopsea.

Pentru Malevici, pătratul înseamnă sentimente, iar cel alb înseamnă gol, nimic. El a văzut pătratul negru ca pe o prezență divină, o icoană, de parcă ar putea deveni o nouă imagine sacră pentru arta neobiectivă. Chiar și la expoziție, această poză a fost plasată în locul în care o icoană este de obicei plasată într-o casă rusească.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, unul dintre fondatorii mișcării olandeze De Stijl, este recunoscut pentru puritatea abstracțiunilor și a practicii sale metodice. El a simplificat destul de radical elementele picturilor sale pentru a afișa ceea ce a văzut nu direct, ci figurativ și pentru a crea un limbaj estetic clar și universal în pânzele sale. În cele mai faimoase picturi ale sale din anii 1920, Mondrian reduce formele la linii și dreptunghiuri, iar paleta la cele mai simple. Utilizarea echilibrului asimetric a devenit fundamentală pentru dezvoltarea artei contemporane, iar lucrările sale iconice abstracte continuă să fie influente în design și sunt familiare culturii populare până în prezent.

„Arborele gri” este un exemplu de tranziție timpurie a lui Mondrian la stil abstracţionism. Arborele 3D este redus la cele mai simple linii și planuri, folosind doar gri și negru.

Acest tablou face parte dintr-o serie de lucrări ale lui Mondrian care au avut o abordare mai realistă, unde, de exemplu, copacii sunt prezentați într-un mod naturalist. În timp ce piesele ulterioare au devenit din ce în ce mai abstracte, de exemplu, liniile copacului sunt reduse până când forma copacului este abia vizibilă și secundară compoziției generale a liniilor verticale și orizontale. Aici se mai vede interesul lui Mondrian de a abandona organizarea structurata a liniilor. Această mișcare a fost semnificativă pentru dezvoltarea abstracției pure a lui Mondrian.

Robert Delaunay

Delaunay a fost unul dintre primii artiști ai stilului abstract. Opera sa a influențat dezvoltarea acestei direcții, pe baza tensiunii compoziționale care a fost cauzată de contrastul culorilor. A căzut rapid sub influența neoimpresionistă a culorii și a urmat foarte îndeaproape sistemul de culori al lucrărilor în stilul abstractionismului. El a considerat culoarea și lumina principalele instrumente cu care poți influența obiectivitatea lumii.

Până în 1910, Delaunay și-a adus propria contribuție la cubism sub forma a două serii de picturi înfățișând catedrale și Turnul Eiffel, care combinau forme cubice, dinamica mișcării și culori deschise. Acest Metoda noua Utilizarea armoniei culorilor a ajutat la separarea acestui stil de cubismul ortodox, numit orfism, și a influențat imediat artiștii europeni. Soția lui Delaunay, artista Sonia Turk-Delaunay, a continuat să picteze în același stil.

Lucrarea principală a lui Delaunay este dedicată turnul Eiffel- celebrul simbol al Franței. Acesta este unul dintre cele mai impresionante dintr-o serie de unsprezece picturi dedicate Turnului Eiffel între 1909 și 1911. Este vopsit în roșu strălucitor, ceea ce îl deosebește imediat de plictisirea orașului din jur. Dimensiunea impresionantă a pânzei sporește și mai mult măreția acestei clădiri. Ca o fantomă, turnul se înalță deasupra caselor din jur, scuturând în mod figurat chiar temeliile vechii ordini. Tabloul lui Delaunay transmite acest sentiment de optimism nemărginit, inocență și prospețime al unui timp care nu a fost încă martor la două războaie mondiale.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka este un artist cehoslovac care pictează în stil abstracţionism absolvent al Academiei de Arte din Praga. Ca student, a pictat în primul rând pe teme patrioticeși a scris compoziții istorice. A lui lucrări timpurii au fost mai academice, cu toate acestea, stilul său a evoluat de-a lungul anilor și în cele din urmă a trecut în abstractionism. Scrise într-o manieră foarte realistă, chiar și lucrările sale timpurii conțineau teme și simboluri mistice suprareale, care au fost păstrate la scrierea abstracțiunilor. Kupka credea că artistul și opera sa participă la o activitate creativă continuă, a cărei natură nu este limitată, ca un absolut.

„Amorfa. Fuga în două culori” (1907-1908)

Începând din 1907-1908, Kupka a început să picteze o serie de portrete ale unei fete ținând o minge în mână, de parcă ar fi fost pe cale să se joace sau să danseze cu ea. Apoi a dezvoltat reprezentări din ce în ce mai schematice ale ei și, în cele din urmă, a produs o serie de desene complet abstracte. Au fost realizate într-o paletă limitată de roșu, albastru, negru și alb. În 1912, la Salon d'Automne, una dintre aceste lucrări abstracte a fost expusă pentru prima dată public la Paris.

Abstracționiștii moderni

De la începutul secolului al XX-lea, artiști, printre care Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky, au experimentat formele obiectelor și percepția lor și, de asemenea, pun la îndoială canoanele existente în artă. Am pregătit o selecție a celor mai faimoși artiști abstracti moderni care au decis să-și depășească limitele cunoașterii și să-și creeze propria realitate.

artist german David Schnel(David Schnell) îi place să cutreiere locurile care erau dominate de natură, iar acum sunt pline de clădiri de oameni - de la locuri de joacă la fabrici și fabrici. Amintirile acestor plimbări dau naștere peisajelor lui abstracte strălucitoare. Dându-și frâu liber imaginației și memoriei, mai degrabă decât fotografiilor și videoclipurilor, David Schnell creează picturi care seamănă cu realitatea virtuală computerizată sau ilustrații pentru cărțile științifico-fantastice.

Creandu-și picturile abstracte la scară largă, artista americană Christine Baker(Kristin Baker) se inspiră din istoria artei și a curselor Nascar și Formula 1. La început, dă volum lucrării sale, aplicând mai multe straturi de vopsea acrilică și lipând siluetele. Kristin o dezlipește apoi cu atenție, ceea ce dezvăluie straturile de vopsea subiacente și face ca suprafața picturilor ei să arate ca un colaj multistrat, multicolor. În ultima etapă a lucrării, ea îndepărtează toate denivelările, făcând picturile ei să pară ca o radiografie.

În munca ei, artista de origine greacă din Brooklyn, New York, Elena Anagnos(Eleanna Anagnos) explorează aspecte Viata de zi cu zi care sunt adesea trecute cu vederea de oameni. În cursul „dialogului ei cu pânza”, conceptele obișnuite capătă noi semnificații și fațete: spațiul negativ devine pozitiv și formele mici cresc în dimensiune. Încercând să dea viață picturilor ei în acest fel, Eleanna încearcă să trezească mintea umană, care a încetat să mai pună întrebări și să fie deschisă la ceva nou.

Dând naștere unor stropi strălucitoare și pete de vopsea pe pânză, un artist american Sara Spitler(Sarah Spitler) caută să reflecte haosul, dezastrul, dezechilibrul și dezordinea în munca sa. Este atrasă de aceste concepte, deoarece sunt dincolo de controlul unei persoane. Prin urmare, puterea lor distructivă face lucrările abstracte ale lui Sarah Spitler puternice, energice și incitante. In afara de asta. imaginea rezultată pe pânza de cerneală, vopsele acrilice, creioane de grafit și email subliniază natura efemeră și relativitatea a ceea ce se întâmplă în jur.

Inspirându-se din domeniul arhitecturii, artistul din Vancouver, Canada, Jeff Dapner(Jeff Depner) creează picturi abstracte stratificate alcătuite din forme geometrice. În „haosul” artistic pe care l-a creat, Jeff caută armonie în culoare, formă și compoziție. Fiecare dintre elementele picturilor sale sunt legate între ele și conduc la următoarele: „Lucrarea mea explorează structura compozițională [a unui tablou] prin relațiile de culori dintr-o paletă aleasă...”. Potrivit artistului, picturile sale sunt „semne abstracte” care ar trebui să ducă privitorii la un nou nivel, inconștient.

Și Mihail Larionov, care a fondat în -1912 „Luchismul”, creatorul suprematismului ca un nou tip de creativitate Kazimir Malevich, autorul „Pătratul Negru” și Evgheni Mikhnov-Voitenko, a cărui operă se distinge, printre altele, printr-un gamă fără precedent de direcții ale metodei abstracte utilizate în lucrările sale (un număr dintre ele, inclusiv „stilul graffiti”, artistul a fost primul care a folosit nu numai maeștrii autohtoni, ci și străini).

O tendință legată de abstractionism este cubismul, care urmărește să înfățișeze obiecte reale cu o multitudine de planuri care se intersectează, creând imaginea unor figuri rectilinii care reproduc natura vie. Una dintre cele mai exemple clare cubismul au fost munca timpurie Pablo Picasso.

YouTube enciclopedic

1 / 5
În 1910-1915 pictorii din Rusia, Europa de Vest iar SUA au început să creeze opere de artă abstracte; printre primii abstracționiști, cercetătorii îi numesc pe Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich și Piet Mondrian. Anul nașterii artei neobiective este considerat a fi 1910, când în Germania, la Murnau, Kandinsky a scris prima sa compoziție abstractă. Conceptele estetice ale primilor abstractionisti sugerau ca creativitatea artistică reflectă tiparele universului, ascunse în spatele fenomenelor externe, superficiale ale realității. Aceste modele, înțelese intuitiv de artist, au fost exprimate prin raportul de forme abstracte (pete de culoare, linii, volume, forme geometrice) într-o lucrare abstractă. În 1911, la München, Kandinsky a publicat celebra carte Despre spiritualul în artă, în care reflecta asupra posibilității de a întruchipa necesarul interior, spiritualul, în contrast cu exteriorul, accidental. „Justificarea logică” a abstracțiilor lui Kandinsky s-a bazat pe studiul lucrărilor teosofice și antroposofice ale Helenei Blavatsky și Rudolf Steiner. În conceptul estetic al lui Piet Mondrian, elementele primare ale formei au fost opozițiile primare: orizontală - verticală, linie - plan, culoare - non-culoare. În teoria lui Robert Delaunay, spre deosebire de conceptele lui Kandinsky și Mondrian, metafizica idealistă a fost respinsă; Sarcina principală a abstracționismului pentru artist a fost să studieze calitățile dinamice ale culorii și alte proprietăți ale limbajului artistic (direcția fondată de Delaunay a fost numită orfism). Creatorul „raionismului” Mihail Larionov a descris „radiația luminii reflectate; praf de culoare.
Născută la începutul anilor 1910, arta abstractă s-a dezvoltat rapid, manifestându-se în multe domenii ale artei avangardiste în prima jumătate a secolului al XX-lea. Ideile de abstractionism s-au reflectat în lucrările expresioniştilor (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), cubiştilor (Fernand Leger), dadaiştilor (Jean Arp), suprarealiştilor (Joan Miró), futuriştilor italieni (Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico Prampolini), orfiști (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), suprematiști ruși (Kazimir Malevich), luchiști (Mikhail Larionov și Natalya Goncharova) și constructiviști (Lyubov Popova, Lazar Popova, Lazar Lissova, olandeză, Varitzky Papova), olandeză (Alexander Lissova Psovadričen, olandeză) Theo Doussburg , Bart van der Lek), o serie de sculptori europeni (Alexander Arkhipenko, Konstantin Brankusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevsner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Nagyat, Vladimir Tyat). La scurt timp după apariția abstractionismului, au fost identificate două direcții principale în dezvoltarea acestei arte: abstracție geometrică gravitând spre forme geometrice regulate și stări stabile, „substanțiale” (Mondrian, Malevich), și preferând forme mai libere, procese dinamice abstracție lirică(Kandinsky, Kupka). Primul asociatii internationale artiștii abstractioniști („Cercul și pătratul”, „Abstracția-creativitate”) s-au format la începutul anilor 1920 și începutul anilor 1930 la Paris.
Programele estetice ale abstractioniştilor au fost caracterizate de universalism; arta abstractă a fost prezentată în ele ca un model universal al ordinii mondiale, inclusiv dispozitivul mediu inconjuratorși structura societății. Lucrând cu elementele primare ale limbajului pictural, abstracționiștii s-au orientat către principiile generale de compoziție, legile modelării. Nu este surprinzător faptul că abstracționiștii și-au găsit folosirea formelor nereprezentative în arta industrială, designul artistic și arhitectura (activitățile grupului Style din Olanda și ale școlii Bauhaus din Germania; munca lui Kandinsky la VKhUTEMAS; arhitecții și proiectele de design ale lui Malevich; Alexander „Mobilele” lui Calder; desenele lui Vladimir Tatlin, lucrări de Nahum Gabo și Antoine Pevsner). Activitatea abstracționiștilor a contribuit la formarea arhitecturii moderne, a artelor și meșteșugurilor și a designului.
La sfârșitul anilor 1940, în Statele Unite s-a dezvoltat expresionismul abstract, care s-a format pe baza abstractionismului liric. Reprezentanții expresionismului abstract (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Franz Kline) și-au proclamat metoda „inconștiența” și automatismul creativității, efectele neprevăzute („action painting”). În conceptele lor estetice, nu mai exista o metafizică idealistă, iar o compoziție neobiectivă devenea uneori un obiect autosuficient care exclude asocierile cu realitatea. Tachisme a devenit analogul european al expresionismului abstract, ai cărui reprezentanți de seamă au fost Hans Hartung, Pierre Soulages, Wolsa, Georges Mathieu. Artiștii au căutat să folosească combinații neașteptate, nestandardizate de culori și texturi, sculptorii (Eduardo Chillida, Seymour Lipton și alții) au creat compoziții bizare și au folosit metode neobișnuite de prelucrare a materialelor.
În anii 1960, odată cu declinul expresionismului abstract, o tendință remarcabilă în abstractionism a fost dezvoltarea principiilor abstracției geometrice op-art, folosind iluzii optice de percepție a obiectelor plate și spațiale. O altă direcție în dezvoltarea abstracției geometrice a fost arta cinetică, care se joacă cu efectele mișcării reale a întregii opere sau a componentelor ei individuale (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taxis). În același timp, în SUA a apărut abstracția postpictrică, ale cărei principii erau reducerea și simplificarea finală a formelor picturale; a moștenit forme geometrice obișnuite din abstracția geometrică, rotundele abstracției postpictrice, le „înmoaie”. Reprezentanți de seamă ai acestei tendințe sunt Frank Stella, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland. Minimalismul, care s-a format în anii 1960 și 1970, a devenit expresia supremă a abstracției geometrice în sculptură.

Istoria artei abstracte în Rusia și URSS

1900-1949

Artiștii Kandinsky și Malevich la începutul secolului al XX-lea au adus o contribuție semnificativă la dezvoltarea teoriei și practicii abstractionismului.
În anii 1920, în timpul dezvoltării rapide a tuturor tendințelor de avangardă, arta abstractă a inclus în orbita sa cubo-futuriști, non-obiective, constructiviști, suprematisti: Alexandra Exter și Lyubov Popova, Alexander Rodcenko și Varvara Stepanova, Georgy Stenberg și Mihail Matyushin , Nikolai Suetin și Ilya Chashnik . Limbajul artei non-figurative a stat la baza culturii unei forme plastice noi, moderne, șevalet, arte și meșteșuguri sau monumentale, și a avut toate oportunitățile pentru o dezvoltare ulterioară fructuoasă și promițătoare. Dar contradicțiile interne ale mișcării de avangardă, intensificate de presiunea oficialității ideologice, la începutul anilor ’30 i-au forțat pe liderii acesteia să caute alte moduri creative. Arta abstractă antipopulară, idealistă nu mai avea dreptul să existe.
Odată cu venirea la putere a naziștilor, centrele abstracționismului din Germania și Italia s-au mutat în America, deoarece conceptul de abstractionism nu a găsit sprijin printre ideologii fascismului. În 1937, la New York a fost creat un muzeu de pictură non-obiectivă, fondat de familia milionarului Guggenheim, în 1939 - Muzeul de Artă Modernă, creat pe cheltuiala lui Rockefeller. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial și după încheierea acestuia, în general, toate forțele de ultra-stânga ale lumii artei s-au adunat în America.
În America de după război, „școala din New York” câștiga putere, ai cărei membri erau creatorii expresionismului abstract Jackson Pollock, Mark Rothko, Barnett Neumann, Adolf Gottlieb. În vara anului 1959, tinerii artiști și-au văzut lucrările la Moscova la o expoziție de artă națională a SUA în parcul Sokolniki. Cu doi ani înainte de acest eveniment, modern arta mondiala prezentat la o expoziție de artă ca parte a festival mondial tineri și studenți. Revoluția informațională a devenit un fel de simbol al libertății spirituale și sociale [ ] . Arta abstractă era acum asociată cu eliberarea internă de opresiunea totalitară a regimului sângeros, cu o viziune diferită asupra lumii. ] . Problemele limbajului artistic actual, noua formă plastică s-au dovedit a fi indisolubil legate de procesele socio-politice. Epoca „dezghețului” a însemnat un sistem special de relații între arta abstractă și putere. A început o nouă etapă în dezvoltarea abstracționismului sovietic - anii 1950-1970.
Pentru tinerii artiști sovietici, crescuți în tradițiile sistemului academic și viziunea materialistă asupra lumii, descoperirea abstracției a însemnat posibilitatea de a reproduce experiența subiectivă personală. Cercetătorii americani au caracterizat expresionismul abstract drept „un gest de eliberare de valorile politice, estetice, morale” [ ] . Sentimente similare au trăit tinerii pictori din URSS, care au înțeles arta contemporană necunoscută pentru ei și, în același timp, și-au construit propriile forme de conviețuire cu autoritățile sau de opoziție față de acestea. S-a născut underground-ul, iar printre artiștii informali, apelul la arta abstractă a fost în general acceptat și răspândit.
În acești ani, mulți pictori au simțit nevoia de limbajul artei neobiective. Necesitatea de a stăpâni vocabularul formal a fost adesea asociată nu numai cu imersiunea în creativitatea spontană, ci și cu alcătuirea unor tratate teoretice gânditoare. Ca și la începutul secolului, pentru acești pictori, abstracția nu însemna negație diferite niveluri sens. Arta abstractă modernă europeană și americană s-a bazat pe niște straturi fundamentale precum studiul conștiinței mitologice primitive, freudianismul, începuturile existențialismului, filozofiile orientale - Zen. ] . Dar, în condițiile realității sovietice, artiștii abstracti nu au fost întotdeauna capabili să se familiarizeze pe deplin și profund cu sursele primare, au găsit intuitiv răspunsuri la problemele care i-au îngrijorat [ ] și, respingând acuzațiile de a copia pur și simplu modele occidentale, și-au luat în serios propria reputație profesională [ ] .

1950-1970

Revenirea artei abstracte la spatiu cultural Rusia nu a fost doar o consecință a unei schimbări a climatului politic sau o imitație a fenomenelor artistice din Occident. Legile „autodezvoltării artei” au aliniat forme „vitale pentru arta însăși”. A existat un proces de repersonalizare a artei. A devenit posibil să se creeze imagini individuale ale lumii.” [ ] Acesta din urmă a provocat o puternică reacție negativă la nivel de stat, ani lungi obișnuiți să considere abstractionismul ca „o tendință extrem de formalistă, străină de veridicitate, ideologie și naționalitate” [ ] și lucrările create de abstracționiști, ca: „O combinație fără sens de forme geometrice abstracte, pete și linii haotice”. [ ]
Timp de aproape treizeci de ani (de la sfârșitul anilor 1950 până în 1988) Evgeny Mikhnov-Voitenko și-a dezvoltat propriul stil de artă abstractă, un maestru unic în gama de metode utilizate. Diferitele perioade ale operei sale sunt marcate de numeroase experimente în domeniul picturii și artelor și meșteșugurilor; Moștenirea artistului include grafică, picturi realizate în tehnici mixte, email nitro, pastel, sos, ulei, guașă, tempera, precum și lucrări din lemn, metal, sticlă, spumă.
Mai întâi [ ] o asociație artistică informală a perioadei „dezgheț”, care a dezvoltat principiile artei abstracte, a fost studioul New Reality, care s-a adunat în jurul lui E.M. Belyutin. Inițial, studioul a funcționat ca cursuri de perfecționare la Comitetul Orășenesc al Artiștilor Grafici. Cursul spre liberalizarea generală stabilit de cel de-al XX-lea Congres a deschis perspective pentru libertatea creativității și activităților artistice. Cu toate acestea, expoziția din 1962 de la Manege, criticile dure din partea partidului de artă a artiștilor New Reality și campania împotriva abstracționismului i-au forțat pe artiști să intre în underground. În următorii 30 de ani, studioul a lucrat continuu în atelierele din Abramtsevo, într-o casă care a aparținut lui Belyutin.
În dezvoltarea principiilor reprezentării non-figurative, artiștii studioului s-au bazat atât pe experiența artiștilor de avangardă ruși de la începutul secolului, cât și pe artiștii occidentali contemporani. O caracteristică a „Noii Realități” a fost concentrarea pe munca colectivă, la care aspirau futuriștii de la începutul secolului al XX-lea. „Noua realitate” a reunit artiștii moscoviți care au avut opinii diferite asupra metodei de construire a abstracției. Artiștii Lyutsian Gribkov și Tamara Ter-Ghevondyan au lucrat într-un stil cel mai apropiat de expresionismul abstract. Păstrând elementele formelor reale în lucrările lor, au dezvoltat categoriile de expresie stări emoționale prin mişcări vizual-plastice. Vera Preobrazhenskaya, care a fost o lungă perioadă de timp șefa studioului și a fixat teoria și metodologia școlii, a parcurs un drum lung de la expresionism prin estetica op-art la abstracția geometrică. Împreună cu Eliy Belyutin, Preobrazhenskaya a fost implicată în dezvoltarea modulelor „psiho-granule”, simboluri care ar exprima stări concrete și concepte abstracte cu ajutorul unor soluții clare color-plastic. Vera Preobrazhenskaya a spus: „În picturile mele, Dumnezeu este aproape întotdeauna un pătrat negru” [ ] . În procesul de lucru cu membrii studioului, Eliy Belyutin a format teoria „contactului universal”, în care a exprimat principiile dezvoltării potențialului creativ al artistului.
Artiștii „Noii Realități” se considerau moștenitori, în primul rând, ai artei lui Wassily Kandinsky. Strămoșul abstracției rusești s-a concentrat pe înfățișarea lumii spirituale prin arta plastică. Căutările lor artistice au fost îmbogățite de realizările artiștilor abstracti europeni de la mijlocul secolului, care au redat parțial figurativul operelor lor într-o nouă calitate. iluzie optica sau un fetiș.
Kandinsky spunea că: „Conștient sau inconștient, artiștii se întorc din ce în ce mai mult la materialul lor, îl testează, cântărind pe o scară spirituală valoarea intrinsecă a elementelor din care ar trebui creată arta” [ ] . Ceea ce s-a spus la începutul secolului a devenit din nou relevant pentru generațiile următoare de pictori. În a doua jumătate a anilor 1950 a apărut o sculptură abstractă, echipată cu un „creier electronic” – „Cysp I” de Nicolas Schöffer. Alexander Calder își creează „grajdurile”. Există una dintre zonele izolate ale abstractionismului - op-art. În același timp, aproape simultan în Anglia și Statele Unite, au apărut primele colaje, folosind etichete pentru produse de masă, fotografii, reproduceri și obiecte similare ale noului stil pop art.
Abstracția Moscovei la începutul anilor 1960, aprofundând în căutarea unei noi modelări, corespunzătoare stare internă„creative insight”, un fel de meditație, a oferit exemple convingătoare ale propriei ei înțelegeri a culturii non-obiectivului. De exemplu, în opera lui Vladimir Nemukhin, Lydia Masterkova, Mihail Kulakov, care sunt cu siguranță purtați de expresionismul abstract, pe care au reușit să-l umple cu o tensiune spirituală ridicată. Un alt tip de gândire abstractă a fost demonstrat cel mai constant în lucrarea sa analitică și practică de Yuri Zlotnikov, autorul seriei extinse Signals creată la sfârșitul anilor 1950. Potrivit artistului: „Dinamismul, ritmul, pronunțat în abstractizare geometrică”, l-a condus la analiza: „Ideile dinamice inerente artei”, iar mai departe: „La studiul reacțiilor motorii umane” [ ] . În „Semnale”, artista a explorat „feedback-ul” reacțiilor psihologice spontane la simbolurile de culoare.
Următoarea etapă în dezvoltarea abstracției rusești începe în anii 1970. Este momentul ca artiștii contemporani să se familiarizeze cu opera lui Malevich, cu suprematismul și constructivismul, cu tradițiile avangardei ruse, cu teoria și practica ei. „Elementele primare” ale lui Malevich au trezit un interes stabil pentru forma geometrizată, semnele liniare și structurile plastice. Abstracția „geometrică” a făcut posibilă apropierea de problemele care i-au îngrijorat pe maeștrii anilor 1920, de a simți continuitatea și legătura spirituală cu avangarda clasică. Autorii contemporani au descoperit operele filozofilor și teologilor ruși, teologilor și misticii, au accesat surse intelectuale inepuizabile, care, la rândul lor, au umplut lucrările lui Mihail Shvartsman, Valery Yurlov și Eduard Steinberg cu un nou sens.
Abstracția geometrică a stat la baza metodelor de lucru ale artiștilor care s-au unit la începutul anilor 1960 în grupul Mișcare. Printre membrii săi s-au numărat Lev Nusberg, Vyacheslav Koleichuk, Francisco Infante. Acesta din urmă era fascinat în special de suprematism. În „Spirale dinamice” Infante a studiat modelul unei spirale infinite în spațiu, analizat cu atenție: „Situație plastică inexistentă”.
Pictura americană în anii 1970 revine la figurativitate. Se crede că anii 1970 este: „Momentul adevărului pentru pictura americană, care se eliberează de tradiția europeană care a hrănit-o și devine pur americană”. [ ]
Mijlocul anilor 1980 poate fi privit ca finalizarea următoarei etape în dezvoltarea abstracției în Rusia, care până la acel moment a acumulat nu numai o vastă experiență în eforturile creative, probleme filozofice semnificative, dar și convins de cererea de gândire abstractă.
Anii 1990 au confirmat „modul rusesc” special al artei neobiective. Din punctul de vedere al dezvoltării culturii mondiale, abstractionismul ca direcție stilistică s-a încheiat în 1958. Cu toate acestea, în: „Societatea rusă post-perestroika abia acum are nevoie de o comunicare egală cu arta abstractă, există dorința de a vedea nu pete fără sens, ci frumusețea jocului plastic, ritmurile sale, pentru a pătrunde în sensul lor. Auzi, în sfârșit, sunetul simfoniilor picturale. [ ] Artiștii au avut ocazia să exprime nu numai forme clasice - Suprematism sau expresionism abstract, ci și abstractizare lirică și geometrică, minimalism, sculptură, obiect, carte de autor realizată manual, în masă de hârtie, turnată chiar de maestru.

Artă abstractă modernă în pictură

Un termen important limbaj modern abstractizarea a devenit culoare alba. Pentru Marina Kastalskaya, Andrey Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh, spațiul alb - cea mai mare tensiune a culorii este în general plin de posibilități de variante nesfârșite care permit utilizarea atât a ideilor metafizice despre legile spirituale, cât și a celor optice ale reflexiei luminii.
Spațiul ca categorie conceptuală are semnificații diferite în arta contemporană. De exemplu, există un spațiu al unui semn, un simbol care a apărut din adâncurile conștiinței arhaice, transformat uneori într-o structură asemănătoare unei hieroglife. Există un spațiu de manuscrise antice, a căror imagine a devenit un fel de palimpsest în compozițiile lui Valentin Gerasimenko.

Picturile abstracte câștigă rapid popularitate, iar astăzi atitudinea față de ele nu este la fel de critică ca înainte. Dacă ne îndepărtăm de sensul lor și considerăm doar ca un element de decor, atunci ei fac o treabă excelentă cu sarcina lor. Abstracționismul poate concura în condiții egale cu toate genurile obișnuite de pictură, în multe privințe înaintea lor. Abstracționismul poate deveni un complot excelent în decorul oricărei camere, nu ar trebui să fii părtinitor față de el.
„Pictură abstractă în culori liniștitoare”, artista Anna Orion.
1. Ce este abstractizarea;
2. Reprezentanți de seamă;
3. Caracteristicile genului;
4. Unde să atârne o imagine abstractă;
5. Picturile mele sunt în acest gen;
6. Comanda un tablou stil abstract.
Ce este abstractizarea
Picturile abstracte aparțin artei non-figurative, nu înfățișează niciodată forme corecte si culori. Pictorul și teoreticianul rus a venit în această direcție Arte vizuale- Vasili Kandinsky. Picturile abstracte sunt considerate în mod eronat a fi un set aleatoriu de culori pe pânză, dacă artistul a turnat într-adevăr culori aleatorii, atunci ar rezulta un terci fără sens de culoarea mlaștină. În acest gen, culoarea și forma petelor de vopsea sunt importante, restul nu contează.
Pictură abstractă cu multă vopsea
Acest gen s-a obișnuit cu mediul artei contemporane și este foarte popular în design. interioare moderne. În zilele noastre, o imagine în stil abstract ar trebui să evoce anumite asocieri. Dacă pânza provoacă oameni diferiti aproximativ aceleași asociații și dispoziție, atunci imaginea este considerată reușită.
Reprezentanți renumiți ai artei abstracte
- Vasili Kandinsky (1866 - 1944, Moscova)
- Kazimir Malevici (1878 - 1935, Kiev)
- Francis Picabia (1879 - 1953, Paris)
- Pablo Picasso (1881 - 1973, Malaga)
- Barnett Newman (1905 - 1970, New York)
Deși primul tablou abstract a fost pictat de Wassily Kandinsky încă din 1909, acest gen poate fi considerat încă tânăr și neformat complet. Această tendință a fost preluată de Malevich, Larionov, Goncharova și mulți alți artiști care își căutau propriul limbaj de exprimare la acea vreme. Abstractionismul s-a extins, au apărut noi tendințe în el, precum suprematismul, raionismul, dadaismul, cubismul și multe altele.
„Pătratul Negru”, simbol al rupturii finale cu academicismul.
Cea mai populară varietate de abstractionism a fost suprematismul, al cărui creator a fost Kazimir Malevich. Detalii despre cel mai faimos tablou al acestui artist găsiți în materialul meu publicat anterior:.
Caracteristică
Este dificil de caracterizat un gen de pictură atât de controversat, care se dezvoltă rapid în timpul nostru. Picturile abstracte pot îndeplini sarcini complet diferite, acesta este principalul lor avantaj față de alte stiluri. Când nu există rame stilistice, o astfel de pictură se potrivește ușor în absolut orice interior, pe orice perete.
„Galben”, artista Anna Orion.
Nu analiza profund. tablouri moderneîn acest stil, adesea sunt concepute pur și simplu pentru a mulțumi ochiul privitorului. Există excepții, dar sunt rare. Mai ales, artiștii contemporani a plecat de la preceptele lui Kandinsky și a folosit abstractionismul pentru a îndeplini sarcini interioare.
Unde să atârnă
Pictura în ulei în general își poate găsi un loc oriunde, iar abstracția - cu atât mai mult. Culorile din imagine ar trebui să fie în armonie cu interiorul dvs., iar acest lucru este suficient pentru pictura abstracta uleiul arăta grozav în casă.
Pânză în interiorul clientului. Artista Anna Orion.
Pete strălucitoare de tonuri roșii se vor potrivi bucătăriei, pe care le-aș asocia cu blocuri sau roșii, portocale. Sau linii verzi care ar simboliza diverse plante. Opțiunile sunt nesfârșite și toate depind de interiorul tău. Pe hol, mai multe picturi mici asemănătoare ca structură, dar Culori diferite. O astfel de compoziție ar părea interesantă și ar fi asociată cu casa ta, plecând impresie bună pentru noii oaspeți.
Experiența mea cu picturile abstracte
Nu am desenat atâta abstracție pe cât mi-aș dori, dar toate picturile mele în ulei din acest gen - îmi plac foarte mult. Toate comenzile pentru abstractizare sunt interesante și neobișnuite, deoarece astfel de pânze sunt foarte specifice, s-ar putea spune „la cheie”. Cea mai mare poză a mea, din întâmplare, a fost făcută în genul abstract. Alegerea culorii și dimensiunii pânzei a fost făcută împreună cu clientul pentru a obține rezultatul maxim.
„Altele”, artista Anna Orion.
Cumpărați pictură în ulei
Spune-ne ce fel de poză vrei, ce culori ar trebui să domine, dimensiunea pânzei. După ce am clarificat toate detaliile, voi începe să pictez tabloul. Nu uitați că este o pictură abstractă care este considerată cel mai respectabil și rafinat cadou dintre toate stilurile. pictura modernă. Costul aproximativ al unui tablou în ulei în artă abstractă îl puteți afla pe pagină.
Abstracția este considerată în mod eronat cel mai scump gen de pictură, acest lucru se datorează oamenilor bogați și influenți și gusturilor lor. La urma urmei, doar cei care cunosc adevărata esență pot cumpăra o pânză complet roșie cu milioane de dolari, iar restul vizitatorilor de la licitație vor aplauda admirați. Ce ziceti oameni normali care vor să cumpere o abstracție, atunci, desigur, nu costă milioane, dar totuși este mai scumpă decât tablourile obișnuite. Motivul este banal, constă în consumabile, care necesită multă abstractizare. În plus, picturile din acest gen sunt întotdeauna mari, iar vopseaua este aplicată în straturi foarte groase. Ulterior, se consumă mai multă vopsea decât pe un peisaj obișnuit sau o natură moartă.

Model cu un singur butoi, William Morris
„Abstract”, numit și „artă neobiectivă”, „non-figurativă”, „nereprezentativă”, „abstracție geometrică” sau „artă concretă”, este un termen umbrelă destul de vag pentru orice obiect de pictură sau sculptură care nu nu descrie obiecte sau scene recognoscibile. Cu toate acestea, după cum putem vedea, nu există un consens clar cu privire la definiția, tipurile sau sensul estetic al artei abstracte. Picasso credea că așa ceva nu a existat deloc, în timp ce unii istorici de artă cred că toată arta este abstractă – pentru că, de exemplu, nicio pictură nu poate conta că este altceva decât un rezumat grosier a ceea ce vede.pictor. În plus, există o scară variabilă de abstractizare, de la semi-abstract la complet abstract. Deci, în timp ce teoria este relativ clară – arta abstractă este desprinsă de realitate – sarcina practică de a separa lucrările abstracte de cele non-abstracte poate fi mult mai problematică.
Care este conceptul de artă abstractă?
Să începem cu o foarte un exemplu simplu. Luați un desen rău (non-naturalist) a ceva. Execuția imaginii lasă de dorit, dar dacă culorile ei sunt frumoase, desenul ne poate uimi. Aceasta arată cum o calitate formală (culoare) o poate suprascrie pe o calitate reprezentativă (desen).
Pe de altă parte, o pictură fotorealistă, de exemplu, a unei case poate prezenta o grafică excelentă, dar subiectul, schema de culori și compoziția generală pot fi complet plictisitoare.
Justificarea filozofică a aprecierii valorii calităților formale artistice provine din afirmația lui Platon că: „Liniile drepte și cercurile... nu sunt doar frumoase... ci eterne și absolut frumoase”.
Convergence, Jackson Pollock, 1952
În esență, dictonul lui Platon înseamnă că imaginile nenaturaliste (cercuri, pătrate, triunghiuri etc.) au o frumusețe absolută, neschimbătoare. Astfel, un tablou poate fi judecat doar pentru linia și culoarea sa, nu trebuie să înfățișeze un obiect sau o scenă naturală. Pictorul, litograful și teoreticianul francez Maurice Denis (1870-1943) a avut același lucru în minte când a scris: „Amintiți-vă că un tablou este înainte de a deveni un cal de război sau o femeie goală... în esență o suprafață plană acoperită cu culori colectate. într-o anumită ordine”.
Frank Stella
Tipuri de artă abstractă
Pentru a menține lucrurile simple, putem împărți arta abstractă în șase tipuri principale:
- Curbiliniu
- bazată pe culoare sau lumină
- Geometric
- Emoțional sau intuitiv
- Gestural
- minimalist
Unele dintre aceste tipuri sunt mai puțin abstracte decât altele, dar toate implică separarea artei de realitate.
Artă abstractă curbilinie
Caprifoi, William Morris, 1876
Acest tip este puternic asociat cu arta celtică, care utilizează o serie de motive abstracte, inclusiv noduri (cele opt tipuri principale), modele întrețesute și spirale (inclusiv triskele sau triskelion). Aceste motive nu au fost inventate de celți, ci de mulți alții culturi timpurii au folosit aceste ornamente celtice de secole. Cu toate acestea, este corect să spunem că designerii celtici au respirat viață nouăîn aceste modele, făcându-le mai complicate și mai complexe. S-au întors mai târziu în secolul al XIX-lea și au fost deosebit de evidente în coperți de cărți, textile, tapet și modele calico, precum cele ale lui William Morris (1834-96) și Arthur McMurdo (1851-1942). Abstracția curbilinie este caracterizată și de conceptul de „imagine infinită”, o trăsătură larg răspândită a artei islamice.
Artă abstractă bazată pe culoare sau lumină
Nufărul, Claude Monet
Acest tip este ilustrat în opera lui Turner și Monet, care folosesc culoarea (sau lumina) în așa fel încât să separe opera de artă de realitate, pe măsură ce obiectul se dizolvă într-un vârtej de pigment. Exemple sunt picturile Nufărul de Claude Monet (1840-1926), Talisman (1888, Musee d'Orsay, Paris), Paul Serusier (1864-1927). Câteva dintre picturile expresioniste ale lui Kandinsky, pictate în timpul său cu Der Blaue Reiter, sunt foarte aproape de abstractizare. Abstracția colorată a reapărut la sfârșitul anilor 1940 și 50 sub forma picturii color dezvoltate de Mark Rothko (1903-70) și Barnett Newman (1905-70). În anii 1950 în Franța, a varietate paralelă pictura abstractă legată de culoare, cunoscută sub numele de abstractizare lirică.
Talisman, Paul Serusier
abstracție geometrică
Boogie Woogie pe Broadway de Piet Mondrian, 1942
Acest tip de artă abstractă intelectuală există încă din 1908. O formă rudimentară timpurie a fost cubismul, în special cubismul analitic, care a respins perspectiva liniară și iluzia profunzimii spațiale în pictură pentru a se concentra asupra aspectelor sale bidimensionale. Abstracția geometrică este cunoscută și ca artă concretă și artă fără obiect. După cum v-ați putea aștepta, se caracterizează prin imagini non-naturaliste, de obicei forme geometrice, cum ar fi cercuri, pătrate, triunghiuri, dreptunghiuri etc. Într-un sens, fără nicio referire sau legătură cu lumea naturală, abstractionismul geometric este cel mai pur. formă de abstractizare. S-ar putea spune că arta concretă este pentru arta abstractă ceea ce veganismul este pentru vegetarianism. Abstracția geometrică este reprezentată de Cercul Negru (1913, Muzeul Rus de Stat, Sankt Petersburg), pictat de Kazimir Malevich (1878-1935) (fondatorul Suprematismului); Boogie Woogie pe Broadway (1942, MoMA, New York) Piet Mondrian (1872-1944) (fondatorul neoplasticismului); și Compoziție VIII (The Cow) (1918, MoMA, New York) de Theo Van Dosburg (1883-1931) (fondatorul De Stijl și Elementarism). Alte exemple includ Apelul la Piață a lui Josef Albers (1888-1976) și Op-Art de Victor Vasarely (1906-1997).
Cercul negru, Kazimir Malevich, 1920

Compoziţia a VIII-a, Theo Van Dosburg
Artă abstractă emoțională sau intuitivă
Acest tip de artă acoperă o combinație de stiluri, subiect comun care este o tendinţă naturalistă. Acest naturalism se manifestă în formele și culorile folosite. Spre deosebire de abstracția geometrică, care este aproape anti-natură, abstracția intuitivă descrie adesea natura, dar într-un mod mai puțin reprezentativ. Două surse importante pentru acest tip de artă abstractă sunt: abstracția organică (numită și abstracție biomorfă) și suprarealismul. Poate cel mai faimos artist specializat în această formă de artă a fost Mark Rothko (1938-1970), născut în Rusia. Alte exemple includ picturi de Kandinsky, cum ar fi Compoziția nr. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) și Compoziția VII (1913, Galeria Tretiakov); Femeie (1934, Colecție privată) Joan Miro (1893-1983) și Divizibilitate nedeterminată (1942, Galerie de artă Allbright-Knox, Buffalo) Yves Tanguy (1900-1955).
Divizibilitate nedeterminată, Yves Tanguy
Gesticularea (gestuală) artă abstractă
Fără titlu, D. Pollock, 1949
Aceasta este o formă de expresionism abstract în care procesul de creare a unui tablou devine mai important decât de obicei. De exemplu, se aplică vopsea într-un mod neobişnuit, loviturile sunt adesea foarte libere și rapide. Printre exponenți remarcabili ai picturii de semne americane se numără Jackson Pollock (1912-56), inventatorul Action-Painting și soția sa Lee Krasner (1908-84), care l-au inspirat să-și inventeze propria tehnică, așa-numita „pictură prin picurare”; Willem de Kooning (1904-97), celebru pentru munca sa din seria Woman; și Robert Motherwell (1912-1956). În Europa, această formă este reprezentată de grupul Cobra, în special de Karel Appel (1921-2006).
artă abstractă minimalistă
Învățând să desenezi, Ed Reinhardt, 1939
Acest tip de abstractizare era un fel de artă de avangardă, lipsită de toate referințele și asociațiile externe. Aceasta este ceea ce vezi - și nimic altceva. Ia adesea o formă geometrică. Această mișcare este dominată de sculptori, deși include și câțiva mari artiști precum Ed Reinhardt (1913-67), Frank Stella (născut în 1936), ale căror picturi sunt la scară mare și includ grupuri de formă și culoare; Sean Scully (născut în 1945) artist irlandez-american ale cărui forme dreptunghiulare de culoare par să imite formele monumentale ale structurilor preistorice. De asemenea, Joe Baer (n. 1929), Ellsworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (n. 1937), Bryce Marden (n. 1938), Agnes Martin (1912-2004) și Robert Ryman (n. 1930).

Ellsworth Kelly

Frank Stella

În secolul trecut, direcția abstractă a devenit o adevărată descoperire în istoria artei, dar destul de naturală - o persoană a fost întotdeauna în căutarea de noi forme, proprietăți și idei. Dar chiar și în secolul nostru, acest stil de artă ridică multe întrebări. Ce este abstractionismul? Să vorbim mai departe despre asta.

Artă abstractă în pictură și artă

În stil abstracţionism artistul folosește limbajul vizual al formelor, contururilor, liniilor și culorilor pentru a interpreta subiectul. Acest lucru este în contrast cu formele de artă tradiționale, care preiau o interpretare mai literară a subiectului - transmitând „realitatea”. Abstractionismul, pe de altă parte, merge cât mai departe de arta plastică clasică; reprezintă lumea obiectivă într-un mod complet diferit decât în viața reală.

Abstracționismul în artă provoacă mintea observatorului, la fel cum îi provoacă emoțiile - pentru a aprecia pe deplin o operă de artă, observatorul trebuie să scape de nevoia de a înțelege ceea ce artistul încearcă să spună, dar trebuie să simtă el însuși emoția de răspuns. . Toate aspectele vieții sunt interpretabile prin abstractionism - credință, frici, pasiuni, reacții la muzică sau natură, calcule științifice și matematice etc.

Această tendință în artă a apărut în secolul al XX-lea, împreună cu cubismul, suprarealismul, dadaismul și altele, deși nu se cunoaște momentul exact. Principalii reprezentanți ai stilului de artă abstractă în pictură sunt considerați a fi artiști precum Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka și Piet Mondrian. despre munca lor și tablouri importante vorbire și mergi mai departe.

Tablouri ale unor artiști celebri: artă abstractă

Vasili Kandinsky

Kandinsky a fost unul dintre pionierii artei abstracte. Și-a început căutarea în impresionism și abia apoi a ajuns la stilul abstracționismului. În munca sa, el a exploatat relația dintre culoare și formă pentru a crea o experiență estetică care a îmbrățișat atât viziunea, cât și emoțiile publicului. El credea că abstracția completă dă loc unei expresii profunde și transcendente, iar copierea realității nu interferează decât cu acest proces.

Pictura a fost profund spirituală pentru Kandinsky. El a căutat să transmită profunzimea emoției umane printr-un limbaj vizual universal de forme și culori abstracte care ar transcende granițele fizice și culturale. El a văzut abstracţionism ca mod vizual ideal care poate exprima „nevoia interioară” a artistului și poate transmite idei și emoții umane. El se considera un profet a cărui misiune este să împărtășească aceste idealuri lumii, în beneficiul societății.

„Compoziția IV” (1911)

Ascunse în culori strălucitoare și linii negre clare, înfățișează mai mulți cazaci cu sulițe, precum și bărci, figuri și un castel pe un deal. Ca în multe picturi din această perioadă, reprezintă o bătălie apocaliptică care va duce la pacea veșnică.

Pentru a facilita dezvoltarea unui stil de pictură non-obiectiv, așa cum este descris în a sa Despre spiritual în artă (1912), Kandinsky reduce obiectele la simboluri pictografice. Înlăturând majoritatea referințelor la lumea exterioară, Kandinsky și-a exprimat viziunea într-un mod mai universal, traducând esența spirituală a subiectului prin toate aceste forme într-un limbaj vizual. Multe dintre aceste figuri simbolice au fost repetate și rafinate în lucrarea sa ulterioară, devenind și mai abstracte.

Kazimir Malevici

Ideile lui Malevici despre formă și semnificație în artă duc cumva la o concentrare asupra teoriei abstracționismului stilistic. Malevich a lucrat cu diferite stiluri în pictură, dar mai ales s-a concentrat pe studiul formelor geometrice pure (pătrate, triunghiuri, cercuri) și relația lor între ele în spațiul pictural.

Prin contactele sale în Occident, Malevich a reușit să transmită ideile sale despre pictură prietenilor artiști din Europa și Statele Unite și astfel să influențeze profund evoluția artei contemporane.

„Pătratul negru” (1915)

Pictura emblematică „Piața Neagră” a fost prezentată pentru prima dată de Malevich la o expoziție din Petrograd în 1915. Această lucrare întruchipează principiile teoretice ale suprematismului dezvoltate de Malevich în eseul său „De la cubism și futurism la suprematism: nou realism în pictură”.

Pe pânza din fața privitorului este o formă abstractă desenată pe un fundal alb sub forma unui pătrat negru - este singurul element al compoziției. Chiar dacă pictura pare simplă, există elemente precum amprentele digitale, loviturile de pensulă care apar prin straturile negre de vopsea.

Pentru Malevici, pătratul înseamnă sentimente, iar cel alb înseamnă gol, nimic. El a văzut pătratul negru ca pe o prezență divină, o icoană, de parcă ar putea deveni o nouă imagine sacră pentru arta neobiectivă. Chiar și la expoziție, această poză a fost plasată în locul în care o icoană este de obicei plasată într-o casă rusească.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, unul dintre fondatorii mișcării olandeze De Stijl, este recunoscut pentru puritatea abstracțiunilor și a practicii sale metodice. El a simplificat destul de radical elementele picturilor sale pentru a afișa ceea ce a văzut nu direct, ci figurativ și pentru a crea un limbaj estetic clar și universal în pânzele sale.

În cele mai faimoase picturi ale sale din anii 1920, Mondrian reduce formele la linii și dreptunghiuri, iar paleta la cele mai simple. Utilizarea echilibrului asimetric a devenit fundamentală pentru dezvoltarea artei contemporane, iar lucrările sale iconice abstracte continuă să fie influente în design și sunt familiare culturii populare până în prezent.

„Copacul gri” (1912)

„Arborele gri” este un exemplu de tranziție timpurie a lui Mondrian la stil abstracţionism. Arborele 3D este redus la cele mai simple linii și planuri, folosind doar gri și negru.

Acest tablou face parte dintr-o serie de lucrări ale lui Mondrian care au avut o abordare mai realistă, unde, de exemplu, copacii sunt prezentați într-un mod naturalist. În timp ce piesele ulterioare au devenit din ce în ce mai abstracte, de exemplu, liniile copacului sunt reduse până când forma copacului este abia vizibilă și secundară compoziției generale a liniilor verticale și orizontale.

Aici se mai vede interesul lui Mondrian de a abandona organizarea structurata a liniilor. Această mișcare a fost semnificativă pentru dezvoltarea abstracției pure a lui Mondrian.

Robert Delaunay

Delaunay a fost unul dintre primii artiști ai stilului abstract. Opera sa a influențat dezvoltarea acestei direcții, pe baza tensiunii compoziționale care a fost cauzată de contrastul culorilor. A căzut rapid sub influența neoimpresionistă a culorii și a urmat foarte îndeaproape sistemul de culori al lucrărilor în stilul abstracției. El a considerat culoarea și lumina principalele instrumente cu care poți influența obiectivitatea lumii.

Până în 1910, Delaunay și-a adus propria contribuție la cubism sub forma a două serii de picturi înfățișând catedrale și Turnul Eiffel, care combinau forme cubice, dinamica mișcării și culori strălucitoare. Acest nou mod de a folosi armonia culorilor a ajutat la separarea stilului de cubismul ortodox, numit orfism, și a influențat imediat artiștii europeni. Soția lui Delaunay, artista Sonia Turk-Delaunay, a continuat să picteze în același stil.

„Turnul Eiffel” (1911)

Lucrarea principală a lui Delaunay este dedicată Turnului Eiffel, faimosul simbol al Franței. Acesta este unul dintre cele mai impresionante dintr-o serie de unsprezece picturi dedicate Turnului Eiffel între 1909 și 1911. Este vopsit în roșu strălucitor, ceea ce îl deosebește imediat de plictisirea orașului din jur. Dimensiunea impresionantă a pânzei sporește și mai mult măreția acestei clădiri. Ca o fantomă, turnul se înalță deasupra caselor din jur, scuturând în mod figurat chiar temeliile vechii ordini.

Tabloul lui Delaunay transmite acest sentiment de optimism nemărginit, inocență și prospețime al unui timp care nu a fost încă martor la două războaie mondiale.

Frantisek Kupka

František Kupka este un artist cehoslovac care pictează în stil abstracţionism absolvent al Academiei de Arte din Praga. Ca student, a pictat în primul rând pe teme patriotice și a scris compoziții istorice. Lucrările sale timpurii au fost mai academice, cu toate acestea, stilul său a evoluat de-a lungul anilor și în cele din urmă a evoluat în artă abstractă. Scrise într-o manieră foarte realistă, chiar și lucrările sale timpurii conțineau teme și simboluri mistice suprareale, care au fost păstrate la scrierea abstracțiunilor.

Kupka credea că artistul și opera sa participă la o activitate creativă continuă, a cărei natură nu este limitată, ca un absolut.

„Amorfa. Fuga în două culori” (1907-1908)

Începând din 1907-1908, Kupka a început să picteze o serie de portrete ale unei fete ținând o minge în mână, de parcă ar fi fost pe cale să se joace sau să danseze cu ea. Apoi a dezvoltat reprezentări din ce în ce mai schematice ale ei și, în cele din urmă, a produs o serie de desene complet abstracte. Au fost realizate într-o paletă limitată de roșu, albastru, negru și alb.

În 1912, la Salon d'Automne, una dintre aceste lucrări abstracte a fost expusă pentru prima dată public la Paris.

Stilul abstractionismului nu își pierde popularitatea în pictura secolului 21 - iubitorii de artă modernă nu sunt contrarii să-și decoreze casele cu o astfel de capodoperă, iar lucrările în acest stil zboară sub ciocan la diferite licitații pentru sume fabuloase.

Următorul videoclip vă va ajuta să aflați și mai multe despre arta abstractă în artă:
Continut Asemanator: