Odată cu apariția secolului al XX-lea și progresul asociat acestei epoci, au apărut și schimbări serioase în pictură. Prioritatea artiștilor a fost constructivismul, simbolismul și afișarea clară a detaliilor. Pictorii s-au îndepărtat de imagini, alegorii și neclarități. Picturile lor au devenit tehnice, cu setarea corectă a planului și claritatea contururilor.
Pentru pictura din epoca modernismului, combinațiile caracteristice erau imagini „plate”, linii netede, modele „covor” și un fundal simplu. Adesea au fost folosite motive „plante”, care au fost țesute într-un model bizar, curgând în figurile oamenilor și animalelor.
D ve tahitian. Paul Gauguin
Sub conceptul de „mișcări moderniste”, specialiștii din domeniul picturii combină mai multe mișcări.
Simbolismul este un stil care se inspiră din imaginile epocii. Artiștii acestei mișcări se îndreaptă către teme de misticism, fantezie și spiritualitate. Sarcina lor este să se joace cu simboluri, să exprime alegoric gânduri și sentimente prin simboluri fantastice și ezoterice. Reprezentanții simbolismului au fost P. Gauguin, E. Munch.
Fauvism - tradus din franceza fauve - sălbatic. Contemporanii numiți adepți ai acestui stil - artiști sălbatici. Pictura din această direcție a fost caracterizată de pete de culoare strălucitoare, contrast de culoare și forme exaltate. Un reprezentant proeminent al acestei tendințe a fost Matisse. Când a fost întrebat despre culorile ireale ale părților corpului feminin, el a spus: „Nu pictez femei, pictez imagini”.
fauvism
Futurism. Numele provine de la cuvântul „futurum”, care înseamnă „viitor”. Artiștii acestei mișcări apelează la imagini ale erei industriale și ale dinamicii marilor orașe. Compozițiile lor sunt haotice, tema lor este superioritatea progresului tehnologic asupra omului.
Futurism
Epoca Art Nouveau este o perioadă controversată. Aceasta este o artă care nu este foarte de înțeles de către mase, uneori exagerat de exaltat și departe de viață. Căutarea lor în public și viata sociala, arăta adesea febril. Cu toate acestea, în această perioadă au apărut, într-adevăr, la orizont o serie de nume artiști talentați, din ale cărui lucrări studiază artiştii moderni.
În societatea de la începutul secolului al XX-lea, moderniștii erau percepuți ca revoluționari. Ei s-au răzvrătit împotriva tradițiilor în artă care se dezvoltaseră de-a lungul anilor și au acceptat în general canoanele.
Artiști moderni celebri: Mikhail Vrubel, Henri Matisse, Alphonse Mucha, Henri Rousseau, Amedeo Modigliani, Gustav Klimt.
POZE DUBLE (PARTEA 4 - ARTIȚI MODERNI RUSI)ARTISTI MODERNI RUSI.
Un pic de istorie a artei:
Era Art Nouveau rusă, de scurtă durată în timp, ne-a lăsat exemple magnifice de arhitectură națională, monumentală, decorativă și Arte Aplicate, pictură, sculptură, grafică, scenografie, publicații tipărite, costum, vesela, bijuterii uimitor de frumoase.
Un nou stil Art Nouveau a început să prindă contur în anii '90. al XIX-lea in Europa.
Ideologul său A. Van de Velde scria în 1894: „... artiștii care până acum erau cunoscuți ca „decadenți” s-au transformat în luptători care s-au repezit în fluxul unei noi religii promițătoare.”
Stilul Art Nouveau s-a născut într-o atmosferă de profundă nemulțumire față de arta existentă. Romantismul, care odinioară promitea atât de multe, a rămas doar o frumoasă utopie estetică.
Conform tradiției consacrate, modernismul este adesea considerat fie prea formal ca un sistem de ornamentare, fie prea „filosofic” ca o proiecție asupra artei a ideilor lui A. Bergson, Z. Freud, F. Nietzsche, T. Lipps.
Ambele sunt greșite. Art Nouveau nu se poate reduce la decorativism;
Modernismul a propus o „perestroika” grandioasă a artei. Cu toate acestea, multe s-au dovedit a fi nerealizate, iar cel mai important lucru este că acest stil nu a durat mult, doar aproximativ 10-15 ani. Prin urmare, Art Nouveau a rămas în istoria artei ca o serie de exemple unice, de obicei de natură paradoxală.
Art Nouveau a început în tipuri variate artă și a început nesistematic; primii săi pași pot fi văzuți în ceramica lui P. Gauguin, și în picturile lui J. Seurat și în
„Danaide” de O. Rodin, și în arhitectura lui A. Gaudi și în picturile murale ale lui J.
Whistler, iar în schițele lui M. Vrubel - lucrări din anii 80. al XIX-lea
Deja în anii 90. Art Nouveau se concentrează în mod conștient pe egalitatea tuturor tipurilor de artă. Art Nouveau a fost orientat fundamental către talentul universal al artistului; munca lui în tipuri diferite arta era numai binevenită.
Prin urmare, arhitectul a acționat ca pictor și ca maestru al meșteșugurilor decorative; pictorul era angajat în sculptură (să ne amintim de activitatea universală a lui van de Velde, C. R. Mackintosh, artiştii grupului Nabi, M. Vrubel, S. Wyspianski, A. Maillol, G. Guimard). Acești maeștri au gândit creativ în mod sintetic și aceasta a fost cheia succesului lor.
În Rusia, Art Nouveau a fost reprezentat de asociația artistică „World of Art”, formată la sfârșitul anilor 1890.
B. M. Kustodiev. Portretul de grup al membrilor asociației World of Art. 1916-1920. Muzeul Rusiei, Sankt Petersburg
Fondatorii „Lumii Artelor” au fost artistul A. N. Benois și figura de teatru S. P. Diaghilev. Nucleul asociației era format din absolvenți ai gimnaziului K.I. Această asociație s-a anunțat cu voce tare prin organizarea „Expoziției artiștilor ruși și finlandezi” în 1898 la Muzeul Școlii centrale de tehnologie a desenului a baronului A.L. Stieglitz.
Asociația a inclus artiștii L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva și K. A. Somov.
Maeștri precum I. Ya Bilibin, A. Ya Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. au fost apropiați de „Lumea artei” Serov, M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov.
Perioada clasică din viața asociației a avut loc în 1900-1904 - în acest moment grupul era caracterizat de o unitate deosebită a principiilor estetice și ideologice. Artiștii au organizat expoziții sub auspiciile revistei World of Art. După 1904, asociația și-a pierdut unitatea ideologică și s-a dezintegrat până în 1924.
Am realizat o selecție de picturi gemene ale „lumea artiștilor” special pentru La belle epoque, care a fost fascinată de epoca Art Nouveau.
Constantin Somov
comedie italiană
Ambele tablouri au fost pictate în 1914. Primul tablou se află într-o colecție privată. iar al doilea a fost pictat pentru licitația World of Art în favoarea celor răniți în Primul Război Mondial și este păstrat acum la Național. Galerie de artă Armenia în Erevan.
Constantin Somov
Arlechin și doamnă
Primul tablou este din 1912 (Galeria Tretiakov), al doilea este din 1921 (Muzeul Rus, Sankt Petersburg)
Valentin Serov
Ulise şi Nausicaa
Ambele picturi au fost pictate în 1910, primul se află la Galeria Tretiakov, al doilea la Muzeul Rus. Pe lângă dimensiune, ele diferă în detalii.
Constantin Somov
Îndrăgostiți (porțelan)
Ambele figurine au fost realizate în 1905, una este păstrată în Muzeul Fabricii de Porțelan. Lomonosov din Sankt Petersburg, locația celuilalt este necunoscută (cel mai probabil într-o colecție privată).
Constantin Somov
Pup
Prima versiune a fost scrisă în 1914 ( colecție privată), al doilea - în 1918, ca ilustrație pentru „Cartea marchizei”.
RESTUL IMAGINILOR DIN COMENTARII...
ÎN sfârşitul XIX-lea V. apare la art un stil nou, ai cărui adepți încearcă să se îndepărteze de istoricism și eclectism artă contemporană. Acest stil a fost numit modern (din latinescul modernus - cel mai nou, modern).
Art Nouveau s-a manifestat cel mai clar în arhitectură, design de cărți și arta afișelor. S-a referit și la sculptură și pictură.
Pentru prima dată noul stil s-a anunțat în Anglia. În alte țări vest-europene, Art Nouveau a luat contur în anii 1880. În Franța a fost numit „Art Nouveau”, în Germania - „Jugendstil”, în Austria - „Secession”, în Italia - „Liberty”, în Spania - „Modernismo”, în Polonia - „Secession”.
Apariția unei astfel de arte a predeterminat în mare măsură opera lui W. Morris, J. Ruskin, a prerafaeliților și a graficienilor englezi W. Blake și W. Crane.
Pictura Art Nouveau se caracterizează prin decorativitate exterioară, stilizare și ornamentație plată. Artiștii folosiți adesea în lucrările lor motive vegetale. Tulpinile, frunzele și florile plantelor exotice aparent ofilite au fost țesute într-un model bizar, în care uneori apăreau figuri de femei sau creaturi fantastice. Liniile de contur netede, figurile alungite, planurile de culoare care conectează (adesea monocrome) au făcut imaginea foarte impresionantă. Datorită acestor calități, limbajul pictural al Art Nouveau a fost adesea folosit de simboliști pentru a-și întruchipa ideile și imaginile.
Numele unor astfel de oameni sunt asociate cu arta modernă artiști celebri, precum P. Gauguin, P. Bonnard, M. Denis, E. Vuillard, P. Sérusier în Franța, E. Munch în Norvegia, F. Hodler în Elveția, G. Klimt în Austria, F. von Stuck în Germania.
Un reprezentant proeminent al modernismului în grafica cărților a fost O. Beardsley.
Aubrey Beardsley
Aubrey Vincent Beardsley s-a născut în 1872 într-o familie engleză bogată. În 1891 a intrat la F. Brown Westminster Art School. În timpul liber, tânărul artist a mers la muzeele și galeriile din Londra. A fost foarte impresionat de arta lui A. Durer, Michelangelo și S. Botticelli. Beardsley a admirat în special gravurile lui A. Mantegna, din care a făcut copii.
Influență semnificativă asupra formării stil artistic Beardsley a fost influențat de arta gravurii japoneze și de opera pictorilor francezi din secolul al XVIII-lea. şi lucrările prerafaelitului E. Burne-Jones. Puțin mai târziu, atenția i-a fost atrasă de lucrările lui C. Lorrain, A. Watteau, P. Prudhon, J. Callot și G. Moreau.
La sfârșitul anului 1891, Beardsley a atins faima reală. Cea mai mare lucrare a acestei perioade a fost o serie de ilustrații pentru Poveștile Regelui Arthur de John Dent. În același an, artistul l-a cunoscut pe E. Burne-Jones, a cărui artă a admirat-o mereu.
Din 1893, Beardsley lucrează la ilustrații pentru reviste, dintre care unele sunt publicate sub conducerea sa (The Yellow Book, 1894-1895, împreună cu H. Harland; Savoy, 1896, împreună cu A. Simons), și realizează și desene. pentru cărți (ilustrări pentru „Moartea lui Arthur” de T. Malory, 1893-1894; pentru „Salome” de O. Wilde, 1894; pentru poveștile lui E. Poe; pentru „Violul ecluzei” de A. Puopa, 1896 schiță pentru coperta și splash screen pentru romanul „Scene Viața pariziană„O. Balzac, 1897; ilustrații pentru „Volpone” de B. Johnson, 1897). În aceste lucrări ușor frivole și elegante se remarcă influența gravurii franceze din secolul al XVIII-lea.
Odată cu popularitatea vine și Beardsley bunăstarea materială. Dar acest lucru nu îl salvează de o boală gravă - tuberculoza, care îl chinuie pe artist încă din copilărie. De aici tragedia profundă care pătrunde în ilustrațiile lui Beardsley pentru „The Fall of the House of Escher” de Edgar Allan Poe.
Desenele erotice ale lui Beardsley pentru " Poveste adevărată Lucian” provoacă indignare din partea cercurilor oficiale. Aceste ilustrații în 1895 au devenit motivul plecării artistului din „Cartea galbenă”.
În 1896, Beardsley a mers într-o stațiune din Ipsom pentru tratament. În același an, a creat ilustrații foarte spirituale și erotice pentru „Lysistrata” a lui Aristofan, precum și pentru satira lui Juvenal. Doi ani mai târziu, artistul muribund avea să implore editura să distrugă desenele frivole, dar, din fericire, acesta din urmă nu a dat curs cererii și ne-a păstrat minunatele creații ale graficianului englez.
O. Beardsley. Coperta pentru revista Savoy. 1896
O. Beardsley. Toaletă. Ilustrație pentru poezia lui A. Puopa „The Stealing of a Lock”. 1896
Într-un număr de lucrări ale lui Beardsley, există un interes vizibil pentru subiectele religioase și mistice. Pasiunea sa pentru științele oculte a fost reflectată într-un desen numit de autor „Despre neofit sau cum a fost inițiat în magia neagră de către demonul Asomuel” (1893). Beardsley însuși a venit cu numele demonului care personifică insomnia.
Desenul „Sărutul lui Iuda” (1893) pare nu mai puțin misterios, indicând interesul artistului pentru lumea spirituală, interioară a omului. Aceleași motive sunt prezente în alte lucrări ale lui Beardsley.
Aubrey Beardsley, care a trăit foarte mult viata scurta(a murit în 1898), a lăsat o amprentă profundă arta europeana. Desenele rafinate și fragile, dar în același timp ironice și vii ale graficianului englez au avut o mare influență asupra maeștrilor generațiilor următoare.
Gustav Klimt
Gustav Klimt, un pictor, grafician și decorator austriac, un reprezentant major al Art Nouveau-ului vienez, s-a născut în 1862 la Viena.
În 1876-1883 Klimt a studiat la Școala de meserii artistice din Viena cu pictorul F. Laufberger. Primele sale picturi au fost compoziții istorice care reflectau influența artei academice.
Împreună cu H. Makart, Klimt a lucrat la decorațiuni monumentale. Printre astfel de lucrări se numără un panou pitoresc al scării Muzeului Kunsthistorisches din Viena (1891). Această lucrare, ca și compozițiile alegorice din anii 1890. („Dragoste”, 1895), care amintește de picturile artiștilor simboliști J. Toorop și F. Knopf.
Un rol major în dezvoltarea Art Nouveau vienez (Jugendstil) l-a jucat Secession, o asociație de artiști și arhitecți care au respins tradițiile artei academice. În 1897, Klimt a devenit președinte al Secesiunii. La începutul anilor 1900. artistul, îndeplinind un ordin de la Ministerul Culturii, a realizat trei panouri monumentale pentru sala de adunări a Universității din Viena („Filosofie”, 1900; „Medicina”, 1901; „Jurisprudență”, 1903). Din păcate, în timpul celui de-al doilea război mondial, toate cele trei panouri au fost distruse. Aceste lucrări au arătat clar trăsăturile Art Nouveau: asimetrice structura compozitionala, capricios, care amintește de un model complex de împletire a trupurilor umane goale. Erotismul evident al acestor lucrări ale lui Klimt, precum și spiritul pesimist care le pătrunde, au devenit motivul respingerii panelurilor de profesori universitare.
Klimt apare ca un artist matur cu un stil de pictură consacrat în „Friza lui Beethoven” (1902), care a fost inclusă în ansamblul monumental al clădirii Secession. Această lucrare exprimă încercarea maestrului de a interpreta Simfonia a IX-a a lui Beethoven cu ajutorul imaginilor picturale și alegorice. Ritmul figurilor alungite ale Frizei lui Beethoven seamănă cu un tempo în schimbare piesa muzicala. Hainele oamenilor reprezentați în picturi, precum și fundalul, sunt acoperite cu linii ornamentale fanteziste și culori strălucitoare de aur și argint. Mozaicul sălii de mese din Palatul Stoclet din Bruxelles, creat de Klimt în 1911, este realizat în același stil.
Picturile pictate de Klimt în anii 1900 se caracterizează printr-o combinație de modelare tridimensională a figurilor umane cu ornamentație plată. Artistul acoperă părți ale corpului uman gol cu mozaicuri strălucitoare și modele aurii. Fețele și corpurile par să apară prin spirale, figuri geometrice, flori fanteziste și tulpini de plante exotice. Picturile „Judith” (1901), „Sărutul” (1907-1908), „Trei vârste” (1908) și „Salomee” (1909) au fost interpretate în acest fel.
G. Klimt. Judith. 1901
G. Klimt. Trei vârste. 1908
În anii 1910 Pictura lui Klimt se schimbă oarecum: abundența aurului dispare, expresia apare în imagini. Acestea sunt compozițiile simbolice „Fata” (1913), „Mireasă” (1917-1918).
Peisajele lui Klimt („Câmpul de maci”, 1907; „Palatul lângă apă”, 1908; „Alley in the Park”, 1912) au fost, de asemenea, executate în stil Art Nouveau.
Gustav Klimt a murit în 1918 la Viena.
Artistul german M. Klinger a lucrat și în stilul Art Nouveau.
Max Klinger
Pictorul, graficianul și sculptorul german Max Klinger sa născut la Leipzig în 1857. A studiat la Școala de Artă din Leipzig sub renumitul maestru F. Brouwer. În 1874-1875 și-a continuat studiile la Karlsruhe la Academia de Arte cu K. Gussow, iar în 1876 a început să urmeze Academia de la Berlin. A trăit și a lucrat la Leipzig și Berlin. În 1879 a vizitat Carlsbad, München, Bruxelles, unde a studiat în atelierul lui E. H. Wouters.
Din 1881, artistul a locuit la Berlin, iar din 1883 - în vecinătatea capitalei germane la Villa Albers. În 1867, Klinger, împreună cu A. Böcklin, a vizitat Parisul, iar în 1886-1889. - Italia. În 1892, a devenit unul dintre fondatorii Societății Artiștilor din Berlin, iar mai târziu s-a alăturat Secesiunii de la München. Din 1897, Klinger este profesor de grafică la Academia de Arte din Leipzig.
Primele lucrări ale artistului sunt marcate de influența picturii academice. În acești ani (sfârșitul anilor 1870), el a pictat picturi pe subiecte antice și istorice („Fall at the Wall”, 1878; „Death of Caesar”, 1879).
În anii 1880. Klinger a început să creeze lucrări cu conținut simbolic. Din acel moment, imaginile alegorice sau fantastice au predominat în pictura sa („Sea God in the Surf Wave”, 1884-1885). Picturile sale amintesc de picturile lui G. von Mare, A. Böcklin, A. Feuerbach. Apropierea cu arta lui Feuerbach este evidențiată, de exemplu, de pictura lui Klinger „Misiune”, pictată în 1880. Artistul a înfățișat naturalist și oarecum teatral pe pânza sa o femeie goală așezată lângă mare, lângă care stau un corb și un stârc.
Peisajele lui Klinger „Seara” (1882), „Defileul muntelui” (1884) și „Peisajul de vară” (1884-1885) au fost executate sub forma unui panou alungit (ceea ce este foarte tipic pentru pictura simbolistă).
Pictorul a fost întotdeauna interesat de tema efemerării vieții pământești și a inevitabilității morții. Astfel de motive i-au fascinat adesea nu numai pe artiștii contemporani, ci și pe maeștrii epocilor trecute. În spiritul artei renascentiste, au fost pictate picturile „Plaia funerară” (1890) și „Răstignirea” (1890). Legenda Epocii de Aur - o perioadă în care toți oamenii erau fericiți și trăiau în armonie cu natura - se reflectă în lucrări ale lui Klinger precum „Ora albastră” (1890), „Sursa” (1891-1892) și triptic „Amintirea Parisului” (1908). Aceste pânze arată privitorului figurile unor tineri și tineri frumoși, personificând vremurile trecute. Artistul a decorat partea inferioară a tripticului „Amintiri din Paris” cu ornamente sculpturale, exprimând astfel ideea de a combina diferite tipuri de artă, caracteristice esteticii simbolismului.
Un alt triptic de Klinger, „Hristos pe Olimp” (1897), este de mare interes. Artistul îi va plasa pe eroii istoriei creștine în epoca antică, punând în prim plan principiul Divin. Această lucrare indică o schimbare în tehnicile de pictură ale autorului: acum rol principal Petele de contur și culoare joacă un rol în realizarea unui tablou, cu ajutorul căruia Klinger modelează volume.
Caută noi mijloace artistice reflectată în lucrările sculpturale ale lui Klinger, în care maestrul combină diferite tipuri de marmură cu aur și fildeș; acoperă sculpturile cu vopsea („Salome”, 1893; „Beethoven”, 1902).
Un loc semnificativ în opera lui Klinger îl ocupă lucrări grafice: afișe pentru expozițiile Secession și frumoase gravuri (serie Glove, 1881).
Artistul a murit în 1920. Opera sa a jucat un rol important în dezvoltarea artei moderne.
După cum am menționat mai sus, viața modernă este strâns legată de simbolism. Mulți artiști care au lucrat în stilul Art Nouveau au fost fascinați de ideile de simbolism în diferite etape ale muncii lor.
În fiecare dintre tipurile de artă este posibil, deși condiționat, să se aplice trăsături comune, anumite teme și motive comune. Deci în modernitate, cu caracteristici proprii fiecărei școli naționale, se mai manifestă o înclinație predominantă către propriul cerc de intrigi, motive sau teme, deși acest cerc se va dovedi neapărat apropiat ca bază de altul.
Artiștii moderni nu știau nimic despre esența profundă a artei orientale. Ei nu aveau idei precise despre filozofia orientală, dar într-un fel intuitiv, interior, au simțit însăși esența artei orientale. Meritul artiștilor moderni constă în faptul că au văzut frumusețea orientală și au putut să transmită acest sentiment profund în lucrările lor într-un mod unic.
Principalele trăsături ale stilului Art Nouveau pot fi identificate cu „filozofia vieții”: „ideea de creștere, manifestare vitalitate, impuls, sentiment imediat, inconștient, expresie directă a stării sufletești, trezire, formare, dezvoltare, tinerețe, primăvară. De exemplu, în pictura germană găsim nenumărate „Vârtejuri”, „Dansuri”, „Bacanale”, în care această idee de biologism poate fi dezvăluită destul de adecvat, iar acestei idei se adaugă și un element mitologic. Maeștrii Art Nouveau s-au îndreptat în mod deosebit spre toate aceste motive, printre care F. von Stuck (1863-1928), L. von Hofmann (1852-1932), G. von Habermann (1849-1929). şcoli naţionale vom găsi multe motive similare. Să ne amintim „Whirlwind” de F.A. Malyavin (1869-1940), motive de dans de S.V. Malyutin (1859-1937), A.N. Benoit (1870-1960) și alții”.
Principalele trăsături ale modernismului în pictură constau în arătarea pasiunilor umane: de exemplu, motivul unui sărut era popular. Celebrul „Sărut” de P. Behrens a fost una dintre primele soluții la acest motiv. După ce a plasat două capete în centru care s-au îmbinat, artistul le-a învelit în păr, transformându-le într-un model, un ornament. Klimt, în pictura cu același nume, a căutat să echilibreze impulsul și decorativismul abstract. Fața femeii, întoarsă direct către privitor, exprimă pasiunea sincer și direct.
Foarte des, artiștii înfățișează tinerii eroi în acest fel F. Hodler (1853-1918), în pictura „Primăvara”, a subliniat motivul trezirii sentimentelor și al formării forțelor vitale. „Unul dintre picturile lui K.S a devenit o parafrază a temei lui Hodler. Petrova-Vodkina - „Tineretul”. Ne întâlnim constant cu tineri eroi în operele lui Hoffmann.”
Combinația diferitelor forme „vii” se manifestă în reprezentarea frecventă a satirilor, centaurilor și sfinxilor. Acest stil este caracterizat prin reprezentarea unor părți ale naturii vii: o floare, o frunză, o pasăre, un fluture, care acționează ca un anumit concept, un simbol. Păsările preferate au fost lebăda și fazanul: una simbol al pieirii, cealaltă al soarelui. Motivele predominante ale Art Nouveau sunt și macii, irisii, crinii și alte plante, șerpii, șopârlele, lebedele, valurile. Tulpinile, frunzele și florile plantelor exotice aparent ofilite sunt țesute în modele bizare, în care uneori apar figuri de femei sau creaturi fantastice.
Expresivitatea picturii Art Nouveau a fost uneori atinsă printr-o combinație de planuri mari de culoare (L. S. Bakst în Rusia, E. Munch în Norvegia) sau monocrom fin nuanțat (M. A. Vrubel, A. N. Benois). Caracteristică picturii Art Nouveau este o combinație paradoxală de convenții decorative, fundaluri ornamentale de covoare și figuri și chipuri din prim plan sculptate cu claritate și tangibilitate sculpturală (G. Klimt în Austria, F. Knopf în Belgia, M.A. Vrubel în Rusia). Efectul de profunzime sau de perspectivă pentru artiștii de atunci avea o importanță secundară întreaga imagine, cu excepția figurilor eroilor, părea plată, iar în alte cazuri părea decorată cu „aplicații”.
Pictura Art Nouveau a fost plină de poetica simbolismului, combinând imaginile sale caracteristice cu ritm complex, compoziție liniară în combinație cu o pată decorativă de culoare. Semnele distinctive ale stilului Art Nouveau sunt considerate a fi o netezime specială a formelor, figuri alungite, contururi accentuate și suprafețe clare într-o singură culoare. În perioada Art Nouveau, estetica liniei curbe, apărută în pictura postimpresioniştilor francezi, şi apoi întărită de influenţe orientale, a căpătat un caracter constructiv.
Numele operelor de artă din perioada Art Nouveau sunt caracterizate de definiții exotice: „ochiul de păun”, „culoarea brocartului roșu”, „satin albastru-verde din pene de păun”, „sirful unei nopți fragede”. În aceste nuanțe subtile s-au păstrat și reînviat motivele și materialele clasice, precum și tehnici rare emailarea, irizația și pictura sticlei cu emailuri, trosnirea - tehnici de fabricare a sticlei venețiane a Renașterii. Finisarea detaliilor bijuteriilor și utilizarea materialelor neobișnuite pătrund cu îndrăzneală în pictura Art Nouveau.
Aceasta este arta lui Gustav Klimt (1862-1918) - un pictor, decorator de teatru și grafician austriac. Culorile strălucitoare de albastru, verde și roșu ale picturilor sale, designul aplatizat, ornamentația și textura neobișnuită a pătratelor și dreptunghiurilor mici evocă mozaicurile bizantine și grafica japoneză. G. Klimt a combinat pictura în ulei cu aplicații și incrustații, introducând smalt, majolica, cupru și alamă, pietre semiprețioase și corali. Pictura lui este asociată cu „ epocă de aur» modern.
În arta rusă cel mai mult un reprezentant de seamă din perioada Art Nouveau a fost Mihail Alexandrovici Vrubel (1856-1910). Originalitatea stilului său de pictură constă în strivirea nesfârșită a formelor pe margini, parcă pictate din interior cu lumină și culoare, precum cristalele sau florile fantastice de piatră.
Stilul Art Nouveau este una dintre direcțiile timpurii ale unei astfel de tendințe artistice globale precum modernismul în artă. Datorită modernismului, artiștii au depășit realismul tradițional, descoperind ceva fundamental nou. Artiștii epocii Art Nouveau au avut în mare parte idei diferite, dar un singur scop - să-și surprindă sentimentele și experiențele într-un mod unic și impresionant în noua lor pictură. Principalele trăsături ale Art Nouveau, într-un număr mare de manifestări, au diversificat surprinzător pictura secolului al XX-lea.
O direcție de artă care a devenit populară în ultimul deceniu al secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, combinând mișcări precum expresionismul, abstractionismul, cubismul, dadaismul, futurismul și suprarealismul, se numește modernism. Aceasta este o colecție de stiluri la începutul secolului.
Ce este stilul Art Nouveau?
Așadar, un artist modernist ar putea aparține oricăruia dintre aceste tendințe, care decurgeau una de la alta, fiind ceva nou în raport cu precedentul. CU limba franceza moderne se traduce prin „modern”. Modernitatea a îmbrățișat toate țările Europei și Americii. În multe dintre ele avea nume proprii: Art Nouveau, Art Nouveau, „sfârșitul secolului”, Liberty și altele. Toți au personificat o nouă direcție în care nu a fost o reflectare reală a lumii, ci mai degrabă un transfer al propriei lumi subiective pe pânză. Unele articole indică faptul că artistul modernist neagă mostenire culturala, alții relatează că a abandonat liniile drepte și unghiurile. Dar cubismul atunci? La începutul secolului, existau atât de multe mișcări, tendințe, cercuri și societăți diferite care aduceau cuvinte noi talentate și uneori strălucitoare, iar noua direcție i-a unit pe toți cu ideea comună de a restructura lumea sub stindardul ei, la fel cum epoca de argint i-a unit pe toți poeții ruși ai aceluiași timp.
Tineretul are întotdeauna nevoie de actualizări
De regulă, inovatorii erau oameni tineri, talentați, originali, erau interesați de orice, urau fundațiile, doreau să atingă o exprimare maximă de sine și și-au creat propriile lumi în cadrul unei singure imagini. Desigur, modernismul este un stil special de gândire artistică. După cum sa menționat mai sus, stilul Art Nouveau în pictură și arhitectură a purtat acest nume tocmai în Rusia și, desigur, avea propriile sale trăsături naționale. Există părerea că la noi a fost cumva estompată, nu a existat un caracter clar, pronunțat. Poate că acest lucru s-a întâmplat pentru că în Rusia există multe de toate - mulți artiști străluciți, multe școli și mișcări, iar orice idee care vine din afară capătă o aromă națională.
Școală modernă în Rusia
Artiști moderniști ruși precum Bilibin și Borisov-Musatov, Vasnetsov și Vrubel, Golovin, Malyutin și Nesterov, femeile moderniste Golubkina, Polenova, Yakunchikova au făcut ecou tendința paneuropeană, dar au introdus în modernitate trăsături naționale și sociale. Acest stil poate fi urmărit în lucrări individuale Kandinsky și Korovin, Levitan și Petrov-Vodkin, Roerich și Serov. La începutul secolului, în Rusia au apărut publicații care promovau ideile stilului Art Nouveau - „Scalele” lunare, revistele „Arta și industria artei” și „Lumea artei”, ale căror figuri principale reprezentau și Rusia. Art Nouveau cu creativitatea lor. Cei mai strălucitori dintre ei sunt Bakst și Benois, Dobuzhinsky și Somov. Datorită numelor enumerate, se poate imagina acest strat puternic de talente diferite, dar unite printr-o direcție comună a creativității.
Cei mai străluciți reprezentanți ai stilului
O direcție scurtă, dar foarte luminoasă
Cele mai bune picturi ale moderniștilor și clasicilor actuali împodobesc toate muzeele din întreaga lume. Picturile sunt perlele muzeelor rusești. Lucrările lui Vrubel, Vasnetsov, Roerich, Kustodiev și alții sunt recunoscute și iubite. Cine nu cunoaște eroii lui Vasnețov sau Prințesa lebădă a lui Vrubel, Demonul sau Pan? Frumoși, misterioși, mistici, sofisticați și unici, ele reprezintă cu vrednicie, deși de scurtă durată, dar un strat foarte semnificativ în arta rusă.
Pentru a rezuma, putem spune că cel mai mult reprezentanţi tipici, cei mai străluciți moderniști și artiști ai secolului XX sunt Edvard Munch, Paul Gauguin și compatrioții noștri - Ivan Bilibin, Mikhail Vrubel și Nicholas Roerich.
