Promjene u svakodnevnom životu i njihov utjecaj na umjetnost i zanate. Karakteristike ornamenta i dekora umjetničkih stilova barok, rokoko, klasicizam.

Posao sa srebrom i zlatom: peterburška škola, moskovski zanatlije i manufakture, crno srebro Velikog Ustjuga. Nove vrste posuđa od plemenitih i obojenih metala: čajnici, lonci za kafu, bujote, samovari. kućni predmeti i crkveni pribor. Državne regalije. Ordeni i medalje. Emajli. Umjetnici emajla A.G. Ovsov, G.S. Musikisky.

Pojava ruskog porcelana. D.I.Vinogradov. Carske i privatne fabrike porculana. Majolika, fajanca. Art glass. Dekorativne tkanine i tapiserije. Novo u odjeći. Ormarski i tvornički namještaj. Marquetry. Rezbarenje u civilnim i crkvenim interijerima. Posada. Dekorativni kamen. Kameje.

Umjetnički narodni zanati. Izrezbareni i intarzirani donci iz Gorodca. Rezbarenje kosti Kholmogor. Zlatni vez Tverske provincije. Čipka iz Galiča i Vologde. Gzhel keramika.

Muzika i pozorište u 18. veku

Višeglasno horsko pjevanje. Kants. Instrumentalna muzika i orkestri. Operna umjetnost. Balet. Muzika na dvoru, gradu i seljački život. Pojava nacionalne škole kompozitora. E.I. Fomin. I.E.Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S. Berezovski. A.O. Kozlovsky.

Pokušaji stvaranja javnog javnog pozorišta pod Petrom Velikim. Amaterski nastupi na dvoru. Školska pozorišta u duhovnom i svjetovnom obrazovne institucije. Profesionalne trupe stranih glumaca.

Dramaturgija ruskog klasicizma: tragedije i komedije. Uticaj sentimentalizma na pozorišni repertoar. Pojava drame i komične opere na ruskoj sceni. A.P. Sumarokov - dramaturg i pozorišna ličnost. Osnivač ruskog profesionalnog pozorišta, glumac i reditelj F. G. Volkov. Njegov prijatelj i sljedbenik I. A. Dmitrevsky. Masovne pozorišne predstave.

Tvrđava teatar. Trupa grofa P.B. Šeremeteva. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova i drugi umjetnici. Dvorsko pozorište u Ostankinu. Narodno pozorište.

SKRAĆENICE NAZOVA GLAVNIH MUZEJSKIH ZBIRKI KOJI SE SPOMINJU U SPISKU SPOMENIKA KULTURE

BAN - Biblioteka Ruska akademija nauke (Sankt Peterburg)

VMDPNI - Sveruski muzej dekorativne i primijenjene narodna umjetnost(grad Moskva)

GIM - Država Historical Museum(grad Moskva)

GMGS - Državni muzej urbane skulpture (Sankt Peterburg)

GMMK - Državni muzeji Moskovski Kremlj (Moskva)

GNIMA - Državni istraživački muzej arhitekture (Moskva)

GOP - Državna oružarska komora (Moskva)

Državni ruski muzej - Državni ruski muzej (Sankt Peterburg)

GTG - Država Tretjakovska galerija(grad Moskva)

GE - State Hermitage(St. Petersburg)

ZIKHMZ - bivši Zagorsk (sada Sergijev-Posad) istorijski Muzej umjetnosti- rezerva (Sergijev Posad, Moskovska regija)

MIDU - Muzej istorijskog blaga Ukrajine (Kijev)

MPIB - Muzej primenjene umetnosti i života 17. veka "Katedrala dvanaest apostola i Patrijaršijske odaje u Moskovskom Kremlju" (Moskva)

NGM - Novgorod United State Museum-Reserve (Novgorod)

NGP - Novgorodska komora aspekata (Novgorod)

SHM - Samara Art Museum (Samara)

SPOMENICI RUSKE KULTURE

ODJELJAK I. ISTORIJA RUSKE KULTURE STAROG I SREDNJEG VIJEKA

(PRIJE KRAJA XVII VEKA)

NARODNA DRVENA ARHITEKTURA

VERSKI OBJEKTI

1. Kletske crkve: Lazareva crkva iz manastira Murom (14.-16. vek) - rezervat prirode Kiži; Crkva Polaganja Odežde iz sela Borodava (15. vek) - Kirillo-Belozerski muzej-rezervat; Crkva Preobraženja Gospodnjeg iz sela Spas-Veži (17. vek) - Kostromski muzej-rezervat; Crkva Svetog Nikole iz sela Tuholja (17. vek) - Novgorodski muzej-rezervat "Vitoslavlitsy"; kapela Arhanđela Mihaila iz sela Lelikozero (18. vek) - Muzej-rezervat Kiži; Crkva Svetog Nikole iz sela Glotova (18. vek) - Suzdalski muzej-rezervat.

2. Šatorske crkve: Crkva Svetog Nikole u selu Ljavlja (16. vek); crkva Svetog Đorđa iz sela Veršina (17. vek) - Arhangelski muzej-rezervat "Mali Korely"; Crkva Vaskrsenja iz sela Patakino (18. vek) - Suzdalski muzej-rezervat; Crkva Uspenja (18. vek) u gradu Kondopogi.

Stil sredine veka utiče i na umetnost i zanate. Predmeti od porcelana, poput „Sopstvenog“ servisa Elizavete Petrovne i drugi materijali, odlikuju se krivolinijskim oblicima, kao i sočnim štukaturskim ornamentom, uzdižući se uzorno do ljuske i savitljivim biljnim izbojcima. Hirovita silueta predmeta organski je kombinovana sa svijetle boje, obilje pozlate, sjaj zrcalnih površina koje upotpunjuju svečanu sliku enterijera.

Slikarstvo prve polovine 18. veka

Od petrovskog doba slikarstvo je pretrpjelo ogromne promjene. Umjetnost štafelajnog slikarstva sa svojim semantičkim i kompozicione karakteristike. Obrnutu perspektivu zamjenjuje direktnim i povezanim prijenosom dubine prostora. Najvažnija karakteristika je slika figure u skladu sa principima anatomske ispravnosti. Pojavljuju se nova sredstva za prenošenje volumena. Najvažniji kvalitet je chiaroscuro, koji istiskuje uslovno simboličnu liniju konture. Sama tehnika ulje na platnu sa svojim karakterističnim specifičnim tehnikama i sistemom odnosa između boja, čvrsto je, iako ne odmah, uključen u umjetničku upotrebu. Poboljšava osećaj teksture. Umjetnik stječe sposobnost da prenese specifična svojstva mekog somota, oštrog hermelina, teškog zlatnog brokata i fine čipke. AT plot picture možete pratiti nove principe odnosa figura. Prikaz nagog tijela nov je i najteži zadatak. Sama struktura slike postaje razgranatija. Od početka 18. vijeka se kultiviše svjetovna umjetnost različite vrste štafelajnih radova, monumentalno slikarstvo u obliku panoa i plafona, minijaturno pisanje. Portret uključuje sve poznate varijante - ceremonijalnu, komornu, u uobičajenoj i kostimografskoj verziji, dvostruku i dvostruku. Umjetnici savladavaju alegorijske i mitološke teme. Prisutnost ovih karakteristika, iako se isprva pojavljuju u kompromisnom obliku, omogućava nam da govorimo o nastanku nove vrste slikarstva.

Prvi koraci ka formiranju portreta vezani su za rad slikarske radionice Oružarnice. Radovi ruskih i stranih majstora po svojoj prirodi gravitiraju parsuni. Od svih tipoloških varijanti, parsuna preferira svečani portret i u tom svojstvu se nalazi u nekoliko varijanti. Među njima je „portret-teza“ najarhaičnija. Kombinira portretne slike i brojne objašnjavajuće natpise unutar konvencionalnog prostora ikona. Može se govoriti i o "portretu-apoteozi". To su portreti-slike koje simboliziraju podvige Petra I. Česti su i obični portreti Petra, Menšikova, Šeremetjeva u punom rastu i na konju.

Prostor se svuda tumači na vrlo stereotipan način, a opći raspored objekata prije služi kao simbolična oznaka stvarnih prostornih odnosa. Problem unutrašnjeg i vanjskog prostora rješava se na isti uslovno značenjski i razmjerni način. Parsuna donekle odstupa od bogatstva kolorita tipičnog za ikonopis 17. vijeka. Međutim, skrupulozan prijenos ornamentike ogrtača i raznih detalja daje platnima pojačan dekorativni zvuk.

Majstor još uvijek ne savladava u potpunosti nove principe prijenosa volumena, kombinirajući naglašeno konveksna oslikana lica i planarno šarene haljine. Velika veličina platna, njihov impozantan duh, bogatstvo namještaja i izloženih dragulja imaju za cilj da ilustruju društveni značaj prikazano. Slika je autonomna, fokusirana je na sebe i ravnodušna prema drugima. Slikarstvo, koje još nije sazrelo da prenese pojedinca, na svoj način pokušava uočiti osobine svojstvene ovom liku. Međutim, opšte i pojedinačno još nisu spojeni u organsko jedinstvo, a specifična svojstva jedva da se provlače ispod konsolidovane tipizatorske maske.

Linija parsuna, koja je postojala relativno kratko, uglavnom 80-ih, a posebno 90-ih godina 17. stoljeća, naknadno se sudara sa vrlo snažnim tokom radova stranih i penzionisanih umjetnika koji ju je praktično istisnuo. Istovremeno, ne treba misliti da se ispostavilo da je to bila slučajna epizoda u općem procesu razvoja ruskog portreta. Pošto je potisnuta sa glavnih pozicija, parsuna je nastavila da postoji. Osim toga, njegove karakteristike pojavile su se u radu niza naprednih umjetnika kao dokaz nedovršenog prijelaza sa srednjovjekovnog pisanja na novi način. Kao takav, može se naći u radovima I. Nikitina, I. Višnjakova i A. Antropova.

Tragovi parsonizma nalaze se iu drugoj polovini 18. veka, posebno u delima kmetova ili provincijskih umetnika koji su samostalno dolazili do nove umetnosti, po pravilu, počev od ikonopisa. Napomenimo da raščlanjivanje kao umjetnički fenomen postoji ne samo u ruskoj školi, već iu Ukrajini i Poljskoj. Ima ga i u Bugarskoj, Jugoslaviji, pa čak i u zemljama Bliskog istoka, odnosno gde slikarstvo u sličnoj istorijskoj situaciji doživljava suštinski slično upoznavanje sa umetnošću novog vremena i sekularnom umetnošću.

Istorija Rusije na kraju 17. - prve četvrtine 18. veka neodvojiva je od imena jednog od najvećih političari Rusija - Petar I. Značajne inovacije u ovo doba ne samo u oblasti kulture i umetnosti, već iu industriji - metalurgiji, brodogradnji itd. Početkom 18. veka pojavljuju se prvi mehanizmi i mašine alatke za obradu metala. . Mnogo su u ovoj oblasti uradili ruski mehaničari Nartov, Surnin, Sobakin i drugi.

Istovremeno se postavljaju temelji državnog sistema opšteg i specijalnog obrazovanja. Godine 1725. osnovana je Akademija nauka pri kojoj je otvoreno odeljenje za umetničke zanate.

A. Nartov. Strug. Petrova era. 18. vijek

U 18. vijeku formiraju se novi principi arhitekture i urbanizma, a ovaj period je obilježen porastom oblikovanja proizvoda karakterističnih obilježja zapadnoevropskog baroka (Holandija, Engleska).

Kao rezultat poduhvata Petra I, predmeti tradicionalnih ruskih oblika brzo nestaju iz kraljevskog i aristokratskog života palate, i dalje ostajući u nastambama masa seoskog i gradskog stanovništva, kao iu crkvenoj upotrebi. U prvoj četvrtini 18. stoljeća ukazala se značajna razlika u stilskom razvoju, koja je dugo ostala karakteristična za profesionalno stvaralaštvo i narodne umjetničke zanate. U potonjem, vekovne tradicije ruske, ukrajinske, estonske itd. primenjene umetnosti se razvijaju direktno i organski.

Norme plemenitog života zahtijevaju demonstraciju bogatstva, sofisticiranosti i briljantnosti u životu suverene osobe. Oblici starog načina života, uključujući i Petrov (još uvijek poslovni, strogi), konačno su istisnuti sredinom 18. vijeka. Dominantnu poziciju u ruskoj umjetnosti zauzima takozvani rokoko stil, koji je logično upotpunio trendove kasnog baroka. Svečani interijeri ovog vremena, na primjer, neke sobe palača Peterhof i Carskoye Selo, gotovo su u potpunosti ukrašene složenim rezbarijama.

Opće karakteristike rocaille ornamentike (zakrivljenost linija, obilan i asimetričan raspored stiliziranih ili bliskih prirodi cvijeća, listova, školjki, očiju itd.) u potpunosti su reproducirane u ruskoj arhitekturi i namještaju tog vremena, keramici, odjeći, kočijama, ceremonijama. oružje itd. Međutim, razvoj ruske primijenjene umjetnosti ipak je krenuo potpuno samostalnim putem. Unatoč neospornoj sličnosti oblika vlastitih proizvoda sa zapadnoeuropskim, nije teško uočiti razlike među njima. Dakle, ali u poređenju s francuskim, ruski proizvodi namještaja imaju mnogo slobodnije oblike i mekši su u obrisima i crtežima. Majstori su i dalje zadržali vještine narodnog rezbarenja, veće i općenitije nego na Zapadu. Ništa manje karakteristična je polihromija ruskih proizvoda i kombinacija pozlate i slikanja, što je rijetko u Francuskoj, ali je svuda prihvaćeno u Rusiji.

Od 60-ih godina 18. stoljeća u ruskoj arhitekturi počinje prijelaz na klasicizam sa svojim lakonskim i strogim oblicima, okrenutim antici i obilježenim velikom suzdržanošću i elegancijom. Isti proces se dešava i u primenjenoj umetnosti.

U planiranju, opremi i dekoraciji gradskih vila i palača (arhitekata Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov itd.) postoji jasna simetrija, proporcionalna jasnoća. Zidovi prostorija (između prozora ili naspram njih) sakriveni su ogledalima i panelima od svilenog damasta, ukrasnih pamučnih tkanina i sukna.

.

Sofa - rokoko stil. Rusija (detalj). Sredinom 18. vijeka

Fotelja u klasičnom stilu. Rusija. Druga polovina 18. veka

Podovi su napravljeni od drveta raznih vrsta, a ponekad su prekriveni platnom ili tkaninom; plafoni su oslikani (na primjer, tehnika grisaille koja imitira reljefno oblikovanje). Umjesto naslaganog parketa koriste se podovi od smrekove daske "pod voskom". Zidovi i plafoni su često presvučeni tkaninom ili tapetama. Ako su u prednjim prostorijama postavljeni mramorni kamini impresivne veličine, tada se u intimnim odajama podižu tradicionalnije peći na postoljima ili nogama, obloženim pločicama. Jednako je primjetna razlika u lampama: u hodnicima - to su nakit izrađeni i skupi lusteri, kandelabri, svijećnjaci, u odajama - mnogo skromniji svijećnjaci i lampe. Još je više kontrasta u oblicima prednjeg i kućnog namještaja. Sve ovo govori ne toliko o želji vlasnika palata i vila da uštede novac, koliko o njihovom sagledavanju objektivnog okruženja kao važnog faktora psihološki odgovarajuće atmosfere.

Većina namještaja i niz drugih proizvoda krajem 18.-prve polovine 19. stoljeća nisu bili stalno potrebni; ako nije bilo potrebe, uklanjani su ili premeštani u neaktivno korišćene delove prostorija. Namještaj za sjedenje mora biti pokriven. U istoj vezi, transformabilni nameštaj sa radnom ravninom - čajni i kartaški stolovi, sklopivi trpezarijski sto, sto za ručni rad, sistem stolova različitih visina koji se uklapaju jedan ispod drugog itd. Raznovrsni izgled prostorija u raznim svakodnevnim situacijama. Istovremeno, istaknut je niz domaćih procesa koji su se tokom toplih sezona odvijali van zgrade - na terasi iu parku. Kao rezultat toga, šire se nove vrste proizvoda - baštenski nameštaj, suncobrani, parkovne lampe, itd. U 18. veku su se na pojedinim imanjima organizovale kmetske radionice koje su proizvodile prilično velike serije nameštaja, porculana, tepiha i drugih proizvoda.

Krajem 18. stoljeća, u opremanju velikih palača, dolazi do odvajanja stvarnog dizajna proizvoda (namještaj, lampe, satovi, tapiserije i drugi pribor i ukrasi) kao posebno područje ​kreativnog djelovanja od njihovog zanatska proizvodnja je već opipljivo pogođena. Dizajneri su uglavnom arhitekti i profesionalni umjetnici. U proizvodnji proizvoda za masovno tržište koriste se mašine i mehaničke metode obrade materijala, čime se inženjer pretvara u vodeću figuru u proizvodnji. To dovodi do izobličenja i gubitka visokih estetskih kvaliteta svojstvenih robi široke potrošnje, do odvajanja industrije od umjetnosti. Ovaj trend je bio prirodan u uslovima kapitalističkog razvoja društva i jedan od glavnih za čitav 19. vijek.

U toku intenzivnog razvoja kapitalističkih odnosa u Rusiji u 19. veku povećavaju se kapaciteti industrijske proizvodnje. Sredinom 19. vijeka već se akutno osjećala potreba za umjetnički stručnim kadrom izrađivača proizvoda i zanatlija. Za njihovu obuku otvorene su specijalizovane obrazovne ustanove u Moskvi (Grof Stroganov) i Sankt Peterburgu (Baron Stieglitz). Sam njihov naziv - "tehničke škole crtanja" - govori o nastanku novog tipa umjetnika. Od 1860. godine razvija se posebno zanatsko obrazovanje majstora izvođača. Objavljuju se mnoge knjige o tehnologiji obrade raznih materijala: drveta, bronze, gvožđa, zlata itd. Izdaju se trgovački katalozi koji zamenjuju dotadašnji časopis "Ekonomska radnja". Od sredine 19. vijeka formiraju se nauke koje se odnose na pitanja zdravlja na radu i upotrebe pokućstva. Međutim, kroz cijelo 19. stoljeće svi masovno proizvedeni tvornički proizvodi umjetnički su ostali potpuno podređeni nepodijeljeno dominantnoj ideji ljepote kao dekorativnog i ornamentalnog oblikovanja proizvoda. Posljedica toga bilo je uvođenje u formu većine proizvoda stilskih elemenata klasicizma: složenih profilnih završetaka, kaneliranih stupova, rozeta, vijenaca, ornamenata po antičkim motivima itd. U nizu slučajeva ovi elementi su bili uveden u oblike čak i industrijske opreme - alatnih mašina.

U stilskom razvoju primenjene umetnosti i proizvoda za domaćinstvo u 19. veku, konvencionalno se hronološki izdvajaju tri glavna perioda: nastavak tendencija klasicizma u skladu sa tzv. Empire stilom (prva četvrtina veka); kasni klasicizam (oko 1830-1860) i eklekticizam (nakon 1860-ih).

Prvu četvrtinu 19. veka obeležio je opšti uspon ideološkog i građevinskog dometa u ruskoj arhitekturi, što je izazvalo značajan preporod i u primenjenoj umetnosti.

Fotelja u stilu carstva. Prva četvrtina devetnaestog veka.

Pobjeda u ratu 1812. godine u određenoj mjeri ubrzava i zaokružuje proces formiranja ruske nacionalne kulture, koja poprima panevropski značaj. Djelatnost najpoznatijih arhitekata - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, usko povezana sa klasicizmom prethodnog perioda, pada tek na prvu deceniju stoljeća. Zamenjuje ih plejada tako izuzetnih majstora kao što su Rosi, Stasov, Grigorijev, Beauvais, koji su u rusku umetnost doneli nove ideje i drugačiji stilski duh.

Strogost i monumentalnost karakteristične su za arhitekturu i forme raznih predmeta za domaćinstvo carskog stila. U potonjem se dekorativni motivi primjetno mijenjaju, tačnije, njihova tipologija se proširuje korištenjem ukrasnih simbola starog Egipta i Rima – grifona, sfingi, fascije, vojnih atributa („trofeja“), vijenaca okićenih vijencem itd. s primjerima ranog klasicizma općenito povećava se količina dekora, njegova "vizualna težina" u kompozicionom rješenju proizvoda. Monumentalizacija, ponekad, kao do grubosti oblika, nastaje zbog veće generalizacije i geometrizacije klasičnih ornamentalnih motiva - rubova, vijenaca, lira, oklopa itd., koji se sve više udaljuju od svojih stvarnih prototipova. Slikovito (scene, pejzaži, buketi) slikanje predmeta gotovo potpuno nestaje. Ornament teži tački, konturi, primjenjivosti. Proizvodi većinom, posebno namještaj, postaju veliki, masivni, ali raznoliki u općoj konfiguraciji i silueti. Težina Empire stila u komadima namještaja gotovo je nestala već 1830-ih.

Od sredine 19. stoljeća počinju nova traganja u oblasti arhitekture, primijenjenog i industrijskog stvaralaštva.

Rađa se panevropski umetnički pokret, nazvan "Bidermajer", po imenu buržuja jednog od likova njemački pisac L. Eichrodt (djelo je objavljeno 1870-ih) sa svojim idealom udobnosti, intimnosti.

Fabričko gvožđe. Rusija. Druga polovina 19. veka

U drugoj polovini 19. stoljeća ručni rad je dodatno istisnut iz proizvodnje utilitarnih proizvoda za domaćinstvo. Vjekovima su metode i tehnike njihovog umjetničkog rješavanja, principi oblikovanja, koji su evoluirali stoljećima, u suprotnosti sa novim ekonomskim trendovima u masovnosti i isplativosti proizvodnje stvari na tržištu. Odgovor na promjenjivu situaciju je dvostruk. Neki majstori - većina njih - prave kompromise. Smatrajući neuništivim tradicionalni pogled na sve svakodnevne stvari kao predmet dekorativne i primijenjene umjetnosti, ornamentalne motive klasicizma počinju prilagođavati mogućnostima stroja i serijskih tehnologija. Pojavljuju se „efikasne“ vrste dekoracije i dekoracije proizvoda. Još 1830-ih u Engleskoj, Henry Cool iznio je spolja reformistički slogan ukrašavanja fabričkih proizvoda elementima "iz svijeta likovnih oblika". Mnogi industrijalci nestrpljivi su da preuzmu taj slogan, nastojeći da iskoriste privrženost potrošačke mase spolja ukrašenim, ornamentalno obogaćenim oblicima kućnog nameštaja.

Drugi teoretičari i praktičari primijenjenih umjetnosti (D. Reskin, W. Morris), naprotiv, predlažu organiziranje bojkota industrije. Njihov kredo je čistoća tradicije srednjovjekovnih zanata.

U zemljama zapadna evropa a u Rusiji su po prvi put pažnju teoretičara i profesionalnih umjetnika privukli zanatski arteli i zanatlije, u čijem su radu još uvijek sačuvane duboke narodne tradicije. U Rusiji sajmovi u Nižnjem Novgorodu 1870-1890-ih pokazuju održivost ovih tradicija u novim uslovima. Mnogi profesionalni umjetnici - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich i drugi - s entuzijazmom se okreću narodnom porijeklu dekorativne umjetnosti. U raznim regijama i provincijama Rusije, u gradovima kao što su Pskov, Voronjež, Tambov, Moskva, Kamenec-Podolsk i drugi, pojavljuju se zanatska preduzeća, čija je osnova ručni rad. Za oživljavanje kreativnih zanata koji su izumirali, od posebnog je značaja bio rad radionica u Abramcovu kod Moskve, u Talaškinu kod Smolenska, preduzeću P. Vaulina kod Sankt Peterburga i keramičke artele Murava u Moskvi.

Samovar. 19. vijek

Rusija. Druga polovina

Industrijska pumpa. 19. vijek

Međutim, proizvodi svih ovih radionica činili su tako beznačajan dio ukupne potrošnje da nisu mogli imati primjetnijeg učinka na masovnu proizvodnju, iako su dokazali legitimnost postojanja dekorativne umjetnosti koja čuva narodnu tradiciju uz masovnu mašinsku proizvodnju stvari. Kasnije je to potvrđeno invazijom mašinske tehnologije u oblastima dekorativne i primenjene umetnosti kao što su nakit (nakit), ćilimarstvo, krojenje, što je dovelo do naglog pada njihovog umetničkog kvaliteta.

U oblicima najvećeg dela proizvedenih proizvoda druge polovine 19. veka praktično se ne razvija ništa novo. Međutim, novina najopštije situacije već u ovom trenutku doprinosi dodavanju unutrašnjih preduvjeta za inovativna traženja - svijesti o stilskim traganjima kao bitnoj stvaralačkoj potrebi, kao manifestaciji umjetničke individualnosti majstora. Ako su se do sada stilski trendovi (gotika, renesansa, barok, klasicizam itd.) rađali i širili, po pravilu, kao rezultat općih, gotovo „globalnih“, spontano iskristalisanih trendova u estetskom razvoju svijeta, onda od stilska originalnost sredine 19. stoljeća smatra se direktnim stvaralačkim ostvarenjem pojedinca, umjetnika, arhitekte. S tim u vezi, naglo se aktivira interes za baštinu umjetnosti svih vremena i naroda. Ovo najbogatije nasljeđe postaje izvor imitacija, direktnih pozajmica ili prolazi kroz bizarnu kreativnu obradu.

Stol sa modernom foteljom. Kraj 19. vijeka

Kao rezultat toga, najveći dio proizvoda čini neobično šarolika slika, u kojoj se sad jasno, sad jedva primjetne reminiscencije na antiku, romaničko doba, gotiku, italijansku ili francusku renesansu, umjetnost Bizanta i Drevna Rusija, barok i sl., često eklektički miješajući u dizajnu jednog proizvoda, interijera, zgrade. Stoga je ovaj period u povijesti arhitekture i primijenjene umjetnosti nazvan eklektičnim. AT narodni život Ipak, počinju da se uvode proizvodi (lampe, metalne kante, korita, posuđe, taburei itd.), relativno jeftini, ali bez ikakve umjetničke svrhe, često u ružnim oblicima i lošeg kvaliteta.

Potraga za novim stilom provodi se uzimajući u obzir stvarnu potrebu u uvjetima proizvodnje strojeva, temeljno novi pristup formiranju proizvoda, s jedne strane, i očuvanje dekorativnih tradicija prošlosti, s jedne strane. ostalo. Buržoazija, koja je do kraja 19. veka zauzela jaku poziciju u ruskoj ekonomiji, težila je sopstvenoj umetničkoj ideologiji u arhitekturi i dizajnu – kultu racionalnog, relativne slobode od arhaizama plemenite kulture, podstičući sve u umjetnost koja bi mogla konkurirati stilovima iz prošlosti. Takav je krajem 19. veka bio stil Art Nouveau - „nova umetnost“ u Belgiji, Velikoj Britaniji i SAD, „Jugendstil“ u Nemačkoj, „Stil secesije“ u Austriji, „slobodni stil“ u Italiji. Njegovo ime - "moderno" (od francuskog moderne) značilo je "novo, moderno" - od lat. modo - "upravo sada, nedavno." U svom čistom obliku, bledeći i miješajući se s drugim stilskim pravcima, nije dugo trajao, do otprilike 1920. godine, odnosno oko 20-25 godina, kao i gotovo svi stilski pravci 17.-20. stoljeća.

Art Nouveau je raznolik u različite zemlje te u radu pojedinih majstora, što otežava razumijevanje zadataka koje rješavaju. Međutim, karakteristika je bila gotovo potpuno iskorenjivanje svih dotadašnjih dekorativnih i ornamentalnih motiva i tehnika, njihova radikalna obnova. Tradicionalne vijence, rozete, kapitele, frule, pojaseve "dolaznog talasa" itd. zamjenjuju stilizirane lokalne biljke (ljiljani, perunika, karanfili itd.), ženske glave sa dugom kovrčavom kosom itd. Često uopće nema ukrasa , a umjetnički učinak postiže se ekspresivnošću siluete, artikulacijom forme, linijama, po pravilu, tanko iscrtanim, kao da slobodno teku, pulsiraju. U oblicima art nouveau proizvoda gotovo se uvijek može osjetiti neka ćudljiva volja umjetnika, napetost čvrsto nategnute žice, pretjerane proporcije. U ekstremnim manifestacijama, sve se to naglo pogoršava, uzdiže do principa. Ponekad se pojavljuje zanemarivanje konstruktivne logike forme, gotovo lažna strast prema spektakularnoj strani zadatka, posebno u rješavanju interijera, često efektno teatralnih.

Za sve slabosti- pojavila se pretencioznost, ponekad bučnost formi, novi pristup rješavanju zgrade, enterijera, opremanja logikom funkcionalnog, konstruktivnog i tehnološkog rješenja.

Svijećnjak modernog stila. Početkom 20. vijeka

Set posuđa. Kraj XIX veka.

Moderni toaletni sto. Početkom 20. vijeka

Art Nouveau u velikoj većini svojih uzoraka nije napuštao dekoraciju proizvoda, već je samo zamijenio stare ukrasne motive i tehnike novima. Već početkom 20. vijeka, u vrijeme trijumfa novog stila, opet, isprva stidljivo, a zatim naširoko, vratila se moda na stare stilove, što je imalo izvjesnu vezu sa pripremama za proslavu stogodišnjicu. Otadžbinski rat 1812. Izložba „Moderna umetnost“, priređena u Sankt Peterburgu 1903. godine, jasno je pokazala rađanje „klasifikovanja modernosti“.

Rezultati modernosti su složeni. To je čišćenje primijenjene umjetnosti od eklekticizma, i od „anti-mašinizma“ šampiona ručnih zanata, i od neuspjelih pokušaja da se obnove stilovi iz prošlosti. To su prvi simptomi izlaska arhitekture i primijenjene umjetnosti na put funkcionalizma i konstruktivizma, na put modernog dizajna. Istovremeno, ubrzo otkrivši trend nacionalizacije stila, Art Nouveau je izazvao novi val čisto dekorativnih pretraga. Mnogi slikari se okreću primenjenoj umetnosti i dizajnu enterijera (S. Maljutin, V. Vasnjecov, A. Benoa, S. Golovin, itd.), gravitirajući šarenilu ruske bajke, „medenjaka” itd. U perspektivi kasnijeg istorijskog procesa, rešavajući hitne probleme masovne industrijske proizvodnje, ovakvi eksperimenti nisu mogli imati ozbiljniji ideološki i umetnički značaj, iako su dali podsticaj razvoju još jedne grane primenjene umetnosti - umetničkog zanata, a posebno pozorišne i dekorativne umetnosti. .

Art Nouveau je, takoreći, očistio i pripremio put za uspostavljanje novih estetskih i kreativnih principa u umjetnosti stvaranja svakodnevnih stvari, ubrzao nastanak nove umjetničke profesije - umjetničkog dizajna (dizajna).

Formiranje funkcionalizma i konstruktivizma u posebne pravce u arhitekturi i umjetničkom oblikovanju zapadnih zemalja dogodilo se krajem 1910-ih u vezi sa stabilizacijom života i uspjehom privrede nakon Prvog svjetskog rata. Ali osnove nova moderna arhitektura određena je u predratnom periodu u radu arhitekata kao što su T. Garnier i O. Perret (Francuska), X. Berlaga (Holandija), A. Loos (Austrija), P. Behrens (Nemačka), F. Wright (SAD), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusija) i dr. Svaki od njih je na svoj način savladao uticaj modernosti i borio se.

Godine 1918. formirani su posebni odjeli za arhitekturu i umjetničku industriju pri Odjeljenju za likovnu umjetnost Narodnog komesarijata za obrazovanje. Ozbiljna pažnja se poklanja obuci specijalista. Godine 1920. V. I. Lenjin je potpisao dekret o osnivanju Visokih državnih umjetničkih i tehničkih radionica (VKHUTEMAS). Maturanti su kreirali nove uzorke tkanina, namještaja, posuđa itd.

Obrazovanje u radionicama (1927. pretvorene su u VHUTEIN Svesavezni umjetničko-tehnički institut) odvijalo se na fakultetima: arhitektura, keramika, tekstil itd. Na fakultetu za obradu drveta i metala pod vodstvom A. Rodčenko, D . Lissitzky, V. Tatlin i drugi majstori tražili su nove forme i dizajne raznih predmeta. Sve aktivnosti VKHUTEMAS-a bile su usmjerene na razvoj vještina učenika integrisani pristup na dizajn objektivnog okruženja svakodnevnog života i proizvodnje.

Dvadesetih godina 20. stoljeća razvija se trend „proizvodne umjetnosti“, razvijajući principe funkcionalizma i konstruktivizma, nastojeći da u svijesti umjetnika uspostavi estetski ideal racionalno organizirane materijalne proizvodnje. Sve dotadašnje oblike umjetnosti "proizvođači" su proglasili buržoaskim, neprihvatljivim za proletarijat. Otuda njihovo negiranje ne samo "praktički beskorisne" likovne umjetnosti, već i sve čisto dekorativne umjetnosti, poput nakita.20-ih godina prošlog vijeka u našoj zemlji još nisu bili sazreli tehnički i ekonomski uslovi za realizaciju njihovih ideja.

VKHUTEMAS i "proizvodni radnici" 1920-ih bili su ideološki i estetski usko povezani sa "Bauhausom" iu nizu važnih momenata sa njim su predstavljali, u suštini, jedan trend u umetničkom oblikovanju tog vremena. U okviru ovog novog pokreta formirala se estetika modernog dizajna, prevazilazeći kontradikcije u primenjenoj umetnosti prethodnog perioda. Praktična umjetnička djelatnost osnivača dizajna bila je i razvoj arsenala umjetničkih i izražajnih sredstava umjetnosti stvaranja stvari. U svojim radovima (nameštaj, lampe, posuđe, tkanine itd.) najveća pažnja posvećena je osobinama materijala i oblika kao što su tekstura, boja, plastična izražajnost, ritmička struktura, silueta itd., koja su postala presudna u sastav proizvoda bez sukoba sa zahtjevima konstruktivne logike i obradivosti oblika. Još jedna oblast koja se kod nas uspješno razvija 1920-ih godina je inženjersko projektovanje. Godine 1925. u Moskvi je, prema projektu izvanrednog inženjera V. Šuhova, podignut čuveni radio toranj, čija je ažurna silueta dugo vremena postala simbol sovjetskog radija. Godinu dana ranije, J. Gakkel je stvorio prvu sovjetsku dizel lokomotivu zasnovanu na najnovijim tehnološkim dostignućima, čiji oblik i danas izgleda prilično moderno. Dvadesetih godina prošlog vijeka spoznala se potreba za naučnim istraživanjem zakona ljudske djelatnosti u objektivnom okruženju koje je umjetno stvorio. Organizuje se Centralni institut rada, u njegovim zidovima se sprovode istraživanja o pitanjima naučne organizacije rada, kulture proizvodnje. Pažnju naučnika i dizajnera privlače pitanja biomehanike, organoleptike itd. Među zapaženim radovima tih godina je i projekat radnog mesta vozača tramvaja (N. Bernshtein).

I. Gakkel. Lokomotiva. Ranih 1930-ih

važno mesto u kultura XVIII in. okupirala dekorativnu i primenjenu umetnost. Rokoko dizajn enterijera učinio je prostor svetlim, zidovi su delovali tanko, sakriveni ukrasnim panelima i ogledalima koja se ogledaju jedno u drugom, važnu ulogu reproducirani ekrani. Namještaj postaje elegantan, djeluje krhko, poprima bizarne obrise. AT sema boja tapetama i namještajem dominiraju pastelne boje.

Prostorija je trebala odavati dojam budoara, (prostorije namijenjene samo komunikaciji sa bliskim ljudima).

Rokoko interijeri su često bili dopunjeni ili autentičnim kineskim proizvodima: paravanima, porculanom, lakiranim slikama ili dekorativnim kompozicijama stiliziranim kao kinesko slikarstvo.

Od sredine XVIII veka. s razvojem neoklasicizma, dizajn interijera postao je jednostavan i prilično strog. Ako su francuski interijeri bili uzor rokokoa, onda su engleski interijeri bili uzor neoklasicizma. Posebno su bili poznati enterijeri engleskog arhitekte Robert Adam(1728-1792). Stvarajući dvorske kuće, umjetnik ih je ukrašavao stupovima, pilastrima i skulpturama. Ovaj stil se zove "Adam stil". Odlikuje se elegancijom, dekorativnošću, organski uključujući ponekad originalne antičke predmete.

U odjeći i frizurama XVIII vijeka. također se otkrivaju promjene stila. U eri Luja XV izgled osobe postao je umjetničko djelo: toaleti plemstva bili su pretenciozni i rafinirani, frizure su bile fantastične (perike su ušle u modu), crne mušice na napudranom licu postale su poseban jezik u ljubavni dijalog. “Žena, obučena i začešljana kao igračka, obuvana u uske cipele sa štiklama, morala je vrlo oprezno koračati kako bi održala ravnotežu i ne bi se raspala – to je razvilo naviku lebdećeg hoda i glatkih pokreta menueta. . Želeli su da vide ženu kao dragocenu lutku, rajsku pticu, izuzetan cvet. Takva su stvorenja pristajala fantastičnom i hirovito prozračnom okruženju rocaille interijera” (2, 45).

Kostim, posebno za žene, postaje umjetničko djelo. Takvo odijelo bilo je neudobno i nepraktično, ali neobično privlačno.

Muško odijelo bilo je jednako elegantno kao i žensko, a odabrane su nježne nijanse pastelnih boja.

Ljubav prema svemu elegantnom doprinela je procvatu nakita i porcelana.

Procvat evropske porculanske umjetnosti također pada sredinom osamnaestog in. i povezana sa rokoko stilom. Najpoznatiji su francuski porcelan iz grada Sevresa i njemački porcelan iz Meisena (Saksonija). U svojim kompozicijama majstori iz Majsena oslikavali su "galantne svečanosti" - profinjenu zabavu aristokrata.

Rokoko nije bio stil poput gotike i baroka, nije postao velik i holistički umjetnički smjer. Širenje ukusa ere Regenta pripremila je sama sudbina francuskog plemstva, koje je napredovalo u 18. veku. samo u jednom - u osiguranom uređaju i sretan život. Bio je to besposlen život okružen elegantnim luksuzom. Umjetnost je bila ukras besposlenog života francuskog plemstva.

Oni igraju posebnu ulogu dekorativne umjetnosti(Čak je i gastronomija podignuta na nivo umjetnosti).

Glavni zadatak umjetnosti je ugoditi, sama umjetnost se poistovjećuje sa luksuzom, razigranošću i sprdnjom.

Ogledala postaju omiljeni zidni ukras, postavljaju se jedno naspram drugog, dajući beskonačan broj odsjaja.

Potreba za luksuznom robom stvorila je u Francuskoj čitave grane umjetničke proizvodnje zahvaljujući radu namještaja, tkalja, vajara, draguljara i vezilja.

Omiljeni ukrasni motivi rokokoa su školjke, stabljike i cvijeće.

U oblasti dekoracije, neoklasicizam se okrenuo unutrašnjosti sala koje su bile opremljene na antički način. Podvizi Napoleonove vojske donijele su nove ukrasne motive: mačeve, zastave. U Napoleonovo doba dolazi do promjena u odjeći i frizurama. Širi se moda za sve starinsko: od silueta i kroja haljina, koje podsjećaju na hitone i tunike, do slobodno puštenih lokna. Ne samo da su nestale krinoline i fižme, već su u modu ušli i dijamanti, uklesano kamenje postavljeno u okvir (dragulji).

Za razliku od drugih oblika umetnosti u muzici XVIII veka. barok kao stilski pravac i dalje je bio široko zastupljen. od najvećih majstora Barokne epohe u muzici bile su Bach i Handel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) bio je najveći muzičar 18. vijeka, a uticaj njegove muzike i dalje raste. Njegovo kompozitorsko stvaralaštvo bilo je iznenađujuće svestrano uprkos spolja skromnom životu (bio je kantor - vođa i dirigent crkvenog hora). Bach je od djetinjstva bio duboko religiozan i držao se protestantske vjere. Reformacija u Njemačkoj je izazvala žar protestantskog pjevanja (horskog pjevanja). Učinivši crkveni obred jednostavniji i rigorozniji, protestantizam je povećao značaj muzike u njemu. Crkva je postala centar muzičke umjetnosti, a crkveni orguljaš je bio njen predstavnik. Orguljaška umjetnost bila je izuzetno rasprostranjena u Njemačkoj, pa stoga ne čudi da su orgulje pratile cijeli Bachov život. Njegovo orguljaško nasljeđe uključuje nekoliko žanrova, među kojima se ističu koralni preludiji i dvoglasni polifoni ciklusi. l fuga. Bachova muzika izražava religioznu poniznost, patos, lirizam i impuls. Uz prirodnost i jednostavnost, njegovim spisima su svojstveni uzvišenost i značaj. Među Bachovim muzičkim kreacijama postoji ogroman broj istinskih remek-djela koja su dobila svjetsko priznanje.

Pored Baha uzdiže se još jedna značajna figura muzičkog baroka - Georg Friedrich Handel(1685-1759). Život je proveo u velikim evropskim gradovima, dobio je odličan muzičko obrazovanje. Prva opera, Rinaldo, postavljena u Londonu, donela je slavu Hendlu. Hendl je pisao muziku u različitim žanrovima, ali oratorijumi (velika vokalno-simfonijska dela sa razvijenom fabulom) predstavljaju vrhunac njegove zaostavštine. književni izvor Najpoznatiji kompozitorov oratorij bio je prvi dio Biblije – Stari zavjet. Hendl je živeo u Engleskoj i njenim događajima političke istorije, kao i epski domet biblijskih priča, nije mogao a da ne izazove njegovo interesovanje.

Kompozitora su odlikovale prvenstveno građanske teme. Odabirući biblijske teme, Hendl se divi snazi ​​ljudskih strasti. Upravo su strast, dinamika, slika konfrontacije bili karakteristični za barok.

Ako je prva polovina XVIII veka. u muzici je barok definiran kao muzički stil, tada je njegova druga polovina postala vrhunac kompozitora bečke klasične škole:

Gluck, Haydn, Mozart i Beethoven. Najviša dostignuća klasicizma vezana su za Beč, glavni grad ogromnog Austrijskog carstva, grad u potpunosti zasićen muzikom.

Bečka klasična škola odgovorila je na raspoloženja i ideje prosvjetiteljstva. Muzička umjetnost odražavala duhovnu potragu i kontroverzne umjetničke procese svog vremena. Na primjer, Lesing je utjecao na Mozartovo djelo.

Principi klasicizma našli su svoje oličenje u muzici prosvjetiteljstva.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) ušao je u istoriju muzike kao reformator operske umetnosti, koji je postavio temelje novom operskom stilu. Opere koje je Gluck napisao bile su neobične i po sadržaju i po načinu izražavanja osjećaja likova. Gluckove aktivnosti odvijale su se u Beču i Parizu, a bile su povezane i sa kontroverzama u filozofiji i estetici, u koje su bili uključeni prosvjetitelji. Kritikovali su dvorsku operu i smatrali da je antičko pozorište idealno spojilo muziku, plastiku i recitaciju.

Gluk je pokušao da dramatizuje operu, da joj da istinitost i prirodnost. Sve Gluckove najbolje opere, počevši od Orfeja, napisane su upravo na antičke teme, u kojima je kompozitor pronašao snažne likove i snažne strasti. Za Glukovog života njegove opere izazivale su žestoke kontroverze, ali vrijeme je pokazalo održivost principa, a nije slučajno da su ih primjenjivali i drugi istaknuti kompozitori.

Joseph Haydn(1732-1809) skoro tri decenije ostao je kapelnik (vođa hora i orkestarske kapele), a samo svoje slobodno vreme posvetio je komponovanju muzike. Ako je Gluck reformirao operu, onda je Haydn stvorio savršene simfonije. Njegovo kreativan način prošao kroz različite umetničke epohe, ali je kompozitorov rad bio vezan upravo za doba prosvjetiteljstva. Prosvjetitelji su vjerovali u napredak društva i čovjeka, a Haydnova muzika izražava optimizam i težnju za srećom. Haydnove kreacije su prilično racionalističke: odlikuju ih promišljenost i sklad, što je također u skladu s racionalističkim principima prosvjetiteljstva.

Haydn se u svojim oratorijumima bavi temom prirode, čiji je kult bio karakterističan za takvog pedagoga kao što je Rousseau. Upravo je Haydn postao najsjajniji kompozitor prosvjetiteljstva.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) počeo je komponovati još od rano djetinjstvo, mnogo je putovao, rano stekao slavu. Kao i Gluck, Mocart je postao veliki reformator opere, ne samo simfonirajući, već i aktualizirajući je. Odabirom djela kao što su Ludi dan ili Figarova ženidba, Mocart je pokazao svoju posvećenost prosvetiteljske ideje. U Čarobnoj fruli kompozitor predstavlja svojevrsnu utopiju, blisku vjeri prosvjetitelja u moralni napredak čovječanstva. Mocartova muzika iznenađujuće kombinuje prirodnost i harmoniju, iskrenost i savršenstvo, besprekornu jasnoću i drhtavo uzbuđenje. Najveće dostignuće Mocartove muzike bio je čuveni "Rekvijem" - njegova poslednja kompozicija.

Deutsch kompozitor Ludwig van Beethoven(1770-1827) veći dio života proveo je u Beču. Njegovi spisi također nose otisak prosvjetiteljstva. Kompozitor se pokazao upravo u žanrovima sonate i simfonije, koji su se konačno uobličili upravo u ovo doba. Njegovi radovi otkrivaju promišljenost cjelokupne ideje i pojedinačnih detalja, jasnoću formi.

U njegovim najpoznatijim djelima oličena je herojska tema, tema borbe, koja je povezana kako s ličnošću samog kompozitora, tako i sa obilježjima njegove biografije: događajima Velikog. francuska revolucija nadživeo je devetnaestogodišnjeg dečaka. Iako su ideje prosvjetiteljstva bile karakteristične za Betovenovu muziku, on već predstavlja nova era anticipirajući romantizam. muzički stil kompozitor se od umjetnosti drugih bečkih klasika razlikuje po obimu, dramatičnosti, emocionalnoj snazi. Takve su "Patetična sonata", Treća simfonija ("Herojska"), Peta i Deveta simfonija, posebno "Oda radosti", koja dovršava posljednju. Celokupno Betovenovo nasleđe u celini imalo je ogroman uticaj na razvoj muzike, posebno na formiranje romantizma.