Jo sisään taide XVII luvulla, erityisesti sen toisella puoliskolla, on sellaisia ​​suuntauksia, jotka tasoittivat tietä XVIII vuosisadan maallisen realistisen taiteen nopealle kehitykselle. Ikonimaalauskonventti antaa väylän ihmisten, maisemien ja historiallisten tapahtumien elämänjäljittelylle. Perinteinen kukka koristeena, joka tulkittiin melko ehdollisesti, korvataan realistisesti renderoitujen kukkien, hedelmien, lehtien, seppeleiden ja kuorien kopiolla. Taideteollisuudessa uskonnollisia aiheita käsittelevä maalaus saa lähes maallisen luonteen, joskus korostetusti koristeellista ja teatraalista. Esineiden muodoista tulee upeita, juhlallisia, erilaisilla koristeilla. Monet vanhat kodin esinetyypit ovat katoamassa, kuten kupit litteillä hyllyillä-kahvoilla, hopeaveljekset. Perinteisistä muinaisista kauhoista tulee puhtaasti koristeellisia premium-tuotteita, jotka ovat menettäneet käytännöllisen merkityksensä. Uudentyyppisiä astioita ilmestyy: barokkikoristeilla koristellut kupit, arjen kohtaukset ja maallisen sisällön kirjoitukset, kotkan muotoiset pikarit, sarvista valmistetut pikarit jalustoissa ja monet muut. Kirkkovälineet ja papiston taloustavarat eivät nyt eronneet tyyliltään puhtaasti maallisista tavaroista, ja joskus jopa ylittivät ne suuremmassa loistossaan ja aineellisessa arvossaan.

Maiden maallistumisen jälkeen vuonna 1764 Trinity-Sergius Lavra menettää omaisuutensa, mutta sen rikkaus oli siihen mennessä niin suuri, että tämä uudistus ei vaikuttanut luostarin rakennustöiden laajuuteen eikä kirkon sisätilojen rikkaaseen suunnitteluun. , kuvernöörin ja luostarissa asuneen metropoliitin henkilökohtaisia ​​asuntoja sekä sen sakristin ja aarrekammion rikkauksia. Luostari sai edelleen lahjoituksia keisarinnalta ja hovin korkeilta arvohenkilöiltä, ​​Moskovan metropoliitilta ja muilta papistoilta. Yleensä nämä olivat Moskovan, Pietarin, Veliki Ustjugin, Rostov-Jaroslavlin ja muiden taideteollisuuskeskusten parhaiden mestareiden teoksia. Siksi XVIII vuosisadan taideteollisuuskokoelma Lavra. edustaa tämän ajan monipuolisinta koruteknologiaa.

Hopean takaa-ajo saa omituisen muodon varsinkin 1700-luvun puolivälistä lähtien. Nämä ovat pääasiassa suuria barokkikiharoita, jotka on taidokkaasti toteutettu melko korkealla kohokuviolla yhdistettynä hedelmien, kukkakorien, kupidoiden, kukkaseppeleiden ja lehtien kuvaan. Chasing tehtiin usein harjakattoiseksi ja tässä tapauksessa siinä oli lisätausta, joka valaisi kuviota.

Klassinen esimerkki tällaisesta metallirahasta on Moskovassa vuonna 1754 keisarinna Elisabetin panoksella tehty massiivinen evankeliumiokladi1. Hopealaatat, joissa on maalattuja emalikuvia Kolminaisuudesta, evankelistoista ja kohtauksista Kristuksen elämästä, on asetettu korkeisiin laatikoihin ja neliöihin. He ovat maallisia.

Moskovan käsityöläinen P. Vorobey teki vuonna 17682 hopeamaljan (jota käytettiin luostarissa vesikulhoina). Se on koristeltu erinomaisella jahdatulla ornamentilla, joka koostuu alkuperäisistä kiharretuista cartoucheista ja leveistä lehdistä kullatulla taustalla. Kulhon jalat ovat leijonatassuja, jotka pitävät kynsissään sileitä palloja. Vuoden 1787 kohokuviolla ja niellolla koristeltu suolapuristin oli Moskovan mestarin lahja Metropolitan Platonille3.

Uutta korujen valmistuskeskusta - Pietari - esittelee museon kokoelmassa käsityöläinen Claes Johann Ehlersin vuonna 1768 valmistama kotkanpään muotoinen nokkahohtoinen hopeakahva4. Sama käsityöläinen teki kentän poikki ajetun hopea-astian, jossa oli barokkikoristeet ja kuvaus raamatullisesta kohtauksesta: valas heittää Joonan maihin5. Samaan aikaan mestari kuvasi täällä Pietarin rannikkoa. Pietari ja Paavalin linnoitus ja katedraalin torni. Rukoma ja ruokalaji - Metropolitan Platonin panos.

Rituaaliset asiat saivat myös maallisen koristeellisen luonteen, ja niiden juhlallisuutta korosti ennennäkemättömän suuri koko. Tyypillistä 1700-luvulle. sarja liturgisia astioita (malja, pateeni, tähti ja kaksi lautasta), jonka teki vuonna 1789 A. V. Šeremetjev6. Täällä olevassa korkealla ehtoollismaljassa on iso, kellomainen tarjotin, kulhon rungossa harjakattoinen hopeakuori ja malja maalatulla emalilla. Erityisesti tätä maljaa varten tehdyt halkaisijaltaan suuret diskot ja lautaset on koristeltu perinteisiä ikonografisia kohtauksia välittävillä kaiverruksilla.

Filigraanitaide saa täysin erilaisen luonteen. Muinaisteoksissa sileälle metallipinnalle kiertyvän litteän ituisen kiharan sijaan filigraanipiirros 1700-luvulta. monimutkaistaa päälle lisätyt koristeet, joskus yhdessä emalin ja jalokivien kanssa. Joissakin tapauksissa filigraani tehdään harjakattoiseksi ja asetetaan lisätaustalle. Joskus asia tehtiin skannatuista säikeistä.

Erinomaista filigraanityötä on Metropolitan Platonin7 panoksen vuodelta 1789 rakennettu tabernaakkeli. Siinä on harjakattoisia filigraaneja, filigraania yhdistettynä emaliin ja filigraania päällekkäin sileälle hopeiselle taustalle. Tabernaakkeli näyttää maallulta arkuna, mistä todistavat sen täysin ei-kirkollinen muoto, tyylikäs sisustus ja kulmiin istutetut kukat, jotka on tehty ohuista emaloiduista metalliosista.

Esimerkki taitavasta avustusfiligraanista löytyy kirjan "Piispan virkailija" palkasta, myös Metropolitan Platonin panoksesta vuonna 17898.

Suuri kehitys on saatu XVIII vuosisadalla. Solvychegodsk ja Veliky Ustyug emalit yksivärisellä (sinisellä tai valkoisella) taustalla, joiden päälle on asetettu ihmishahmoja, kukkia ja muita kuvia erillisten metallilevyjen muodossa, joskus lisäksi värjättyinä emaleilla. Museossa on laaja kokoelma Solvychegodskin ja Ustyugin taloustavaroita.

XVIII vuosisadalla. Lavran temppelien sisätiloihin tehtiin myös monumentaalisia hopearakenteita kuuluisien Moskovan ja Pietarin taiteilijoiden piirustusten mukaan. Kolminaisuuden katedraalin alttarille tehtiin Metropolitan Platonin käskystä suuri hopeinen seitsemän kynttilänjalka laakeripuun muodossa9, hän koristeli myös Kolminaisuuden katedraalin ikonostaasin hopeisen tablan. Moskovan käsityöläinen David Prif teki Caravaccan piirustuksen mukaan hopeakatoksen Sergius Radonežin pyhäkön päälle (keisarinna Anna Ivanovna10). Siten XVIII vuosisadan taideteollisuus. edustaa museokokoelmassa tyypillisimpiä teoksia.

Museokokoelman käsityöt mahdollistavat sen kehityksen jäljittämisen Moskovan suuriruhtinaskunnan varhaisista monumenteista myöhään XVIII V. Tämän pitkän ajanjakson aikana tekniset taidot muuttuivat ja paranivat, esineiden vanhat muodot katosivat ja uusia muotoja ilmaantui, koristelun luonne muuttui aina esteettisten näkemysten mukaan, jotka määräytyvät aikansa sosioekonomisten ja poliittisten olosuhteiden, kulttuurin kehityksen mukaan. koti- ja ulkomaiset markkinat, tuotannon laajuus ja menetelmä.

XIV-XV vuosisatojen teoksista. paljastaa kuvan taidekäsityön asteittaisesta elpymisestä Venäjän maan tatari-mongolien tuhon jälkeen 1200-luvulla. Moskovan ja muiden antiikin Venäjän taidekeskusten mestarit hallitsevat erilaisia ​​taiteellisia tekniikoita ja parantavat käsityötekniikkaa.

XVI vuosisadalla. Moskova voittaa lopulta johtavan paikan maan kulttuurielämässä. Tämän ajanjakson taideteollisuus erottuu erilaisista muodoista ja taiteellisista koristeista sekä suuresta teknisestä taidosta. Enimmäkseen koristeellisen luonteen saanut monimutkainen emalitaide on kehittymässä, niellon taito kullalle, takaa-ajo ja kaiverrus saavuttavat enemmän taitoa.

Hopeasta tehdyt kotitalous- ja kirkkoteokset noudattavat kansantaiteen perinteitä ja liittyvät ihmisten elinoloihin, rituaaleihin ja elämäntapaan.

1600-luvun tuotteiden värikkyys ja koristeellisuus, koristeen monimutkaisuus, maalattujen emalien ulkonäkö, käyttö suurissa määrissä jalokivet, helmet ja värilliset lasit antavat taideteollisuudelle maallisempaa luonnetta.

XVIII vuosisadalla. otettiin käyttöön uusia esinemuotoja, koristeen realistisuus ja maalaus emalille Zagorskin museon kokoelmassa tätä ajanjaksoa edustavat Moskovan ja Pietarin parhaat työpajat. Heidän teoksensa antavat meille mahdollisuuden arvioida taideteollisuudessa tapahtuvia uusia muutoksia.

Yli viiden vuosisadan ajan esiteltyjen taideteosten korkea taiteellinen taito asettaa Zagorskin museon kokoelman näkyvälle paikalle Venäjän taiteellisen kulttuurin historiassa.

Näyttely sijaitsee 1700-1800-luvun historiallisen ja arkkitehtonisen kompleksin eteläisen rakennuksen toisessa kerroksessa. "Hevospiha". Se esittelee museovieraille laajan valikoiman näyttelyitä, jotka edustavat perinteistä taidekäsityötä ja -tuotantoa Venäjällä. Nämä ovat maailmankuulujen puun ja luun käsittelykeskusten teoksia, lakkamaalausta paperimassalle ja metallille, johtavaa savilelujen käsityötä sekä venäläisten mestareiden painettuja ja kullalla brodeerattuja huiveja, lasitavaroita, posliinia, fajanssia.

Nämä keskukset ovat keskittyneet Moskovaan, Vladimiriin, Vologdaan, Ivanovoon, Nižni Novgorodiin ja muille alueille. Kokoelman alku ajoittui 1920-luvulle, jolloin Trinity-Sergius Lavran kansallistettuihin aarteisiin kuuluneita kansankäsityöläisten teoksia täydennettiin museon näyttelyillä. paikallinen alue ja Optina Pustyn -museo. Vuonna 1941 laaja kansantaidemuseon (MNHR) kokoelma siirrettiin Sergiev Posad (silloin Zagorsk) -museoon. Siinä oli noin neljäkymmentä tuhatta näyttelyä, ja se sisälsi joukon ainutlaatuisia kansankäsityön teoksia ja kokeellisia teoksia, jotka eri taidekeskusten mestarit tekivät MNHR:n alaisuudessa luoduissa työpajoissa. Museo alkoi 1950-luvulta alkaen hankkia määrätietoisesti, systemaattisesti kokoelmaa venäläistä perinteistä taidetta ja käsityötä, ja tästä työstä tuli yksi sen toiminnan painopistealueista.

Näyttelysaleissa merkittävä paikka on Sergiev Posadin alueen kansankäsityöläisten ja taiteilijoiden teoksille. Lelut ovat tuoneet kaupunkiin erityistä mainetta. Ne tehtiin puusta - veistetty, sorvattu, puusepäntyö; papier-machesta ja mastiksista - liikkeellä ja äänellä. Museo esittelee kolmikulmaisista kiiloista veistettyjä ja maalattuja nukkeja - naisia, husaareja, sairaanhoitajia, kuuluisia pesänukkeja, jotka olivat suosittuja 1800-luvun jälkipuoliskolla - 1900-luvun alussa. tyyppiset arkkitehtoniset lelut, mukaan lukien Trinity-Sergius Lavra.

Lelujen tuotanto Sergiev Posadin kylässä liittyy erottamattomasti leluteollisuuteen. Bogorodskoje. Bogorodskin veistettyjen veistosten museokokoelmaan kuuluu leluja, veistoksia, veistoksiset koostumukset ja siinä on noin neljä tuhatta näyttelyä. Suuri kiinnostus edustavat 1800-luvun teoksia: "Kenraali Skobelev hevosen selässä" - P.F. Bardenkova, "Opas karhun kanssa" - D.I. Puchkov; viihdyttäviä monihahmoisia sävellyksiä venäläisiä teemoja kansantarut ja uusi neuvostotodellisuus, tehty 1900-luvun 30-luvulla. (A. F. Balaevin, N. E. Eroshkinin, V. T. Polinovin, A. G. Shishkinin teoksia).

Museolla on laaja kokoelma teoksia myöhään XIX- alkoi. 20. vuosisata opettavaiset lelu- ja taidepuusepäntyöpajat Sergiev Posadissa ja Abramtsevissa. Nämä ovat arkkuja, arkkuja, huonekaluja, jotka on valmistettu kuuluisien taiteilijoiden S.V. kehittämien näytteiden mukaan. Malyutin, E.D. Polenova, Ap. M. Vasnetsov, N.D. Bartram, Vl.I. Sokolov ja muut. Abramtsevon työpajan työ, jota johti E.D. Polenovilla oli suora vaikutus Abramtsevo-Kudrinin puunveistotyön muodostumiseen ja kehitykseen sen ominaisella litteällä kohokuviolla. Yksi käsityön perustajista oli V.P. Vornoskov. Museossa on useita mestarin teoksia, mukaan lukien koristeelliset astiat 1900-luvun alusta, vuoden 1937 rajavartioportaali.

Puuntyöstön ohella keramiikka oli yleistä Venäjällä, yleensä astioiden viereen veistettiin leluja. Tämän taiteen juuret ovat pakanallisuudessa, jolloin pienet savesta tehdyt hahmot, jotka osallistuvat maagisiin riitoihin, toimivat eräänlaisina kulttiesineinä. Museo esittelee lelukokoelmia Kargopolista (Arkangelin alue), Filimonovosta (Tulan alue), Abaševskajasta (Penzan alue), Skopinskajasta (Rjazanin alue). Erittäin kiinnostava on Dymkovo-lelu (Kirovin alue) 1800-luvun lopulla - 1900-luvun alussa. Nämä ovat tuntemattomien kirjailijoiden ja A.A. Mezrina: sairaanhoitajat, herrat, tanssiparit jne. Arvokas osa Dymkovo-kokoelmaa on 1930-luvun töitä. 1900-luvun toisen puoliskon teosten joukossa. Monihahmoinen sävellys "Häät", jonka on tehnyt ryhmä Dymkovon käsityöläisiä, jota johtaa E.I. Koss-Denshina.

Puu oli yksi Venäjän suosituimmista materiaaleista, ja sen taiteellista käsittelyä varten oli käsitöitä eri alueilla. Sergiev Posadin ohella museo esittelee täydellisimmin Nižni Novgorodin alueen käsitöitä - Khokhloma ja Gorodets. Vaaleat puiset Khokhloma-kulhot, bratinat, solonitsat, kirkkaalla kukkakuviolla maalatut ja arvokkaita kultaisia ​​astioita muistuttavat, tunnettiin laajalti jo 1800-luvulla. Niiden tuotantoa harjoittivat perinteisesti useiden Nižni Novgorodin alueen nykyaikaisen Koverninsky-alueen alueella sijaitsevien kylien ja kylien talonpojat. Näyttelyiden joukossa museon kokoelma- näytteitä XIX vuosisadan talonpoikaruoista. ja 1930-luvun huonekaluja, joissa maalaus valkoisella ja hopealla taustalla, Khokhlomalle epätavallinen.

Gorodetsky-käsityö alkoi muotoutua 1700-luvun lopulla, kun useiden pienten kylien talonpojat, jotka sijaitsevat lähellä suurta Gorodetsin kauppakylää, alkoivat tehdä pohjaa kehruupyörille myytäväksi. Naiset istuivat niillä työn aikana kiinnittäen korkean kampan pellava- tai villarouheella erityiseen reikään. Siitä huolimatta he yrittivät tehdä pohjasta kauniin: se oli emännän ylpeys, sitä arvostettiin ja vaalittiin, ja työn jälkeen se asetettiin seinälle talon koristeeksi. Donetsien koristelussa he käyttivät venäläisessä kansantaiteessa hyvin harvinaista tekniikkaa upottaa tummalla suon tammen palasilla. 1870-luvulla he siirtyivät kaiverruksesta maalaamiseen. Nopeilla maalauksellisilla vedoilla kuvattiin reheviä "rosaaneja", ratsumiehiä, teenjuontikohtauksia ja juhlia. 1920-luvulle mennessä donettien tarve oli kadonnut, ja Gorodetsin mestarit alkoivat käyttää maalaustaitojaan laajalti muiden esineiden sisustamiseen: laatikoihin, arkkuihin, koristepaneeleihin, leluihin.

Museon Gorodets-kokoelma ei vain anna meille mahdollisuuden jäljittää tämän keskuksen kehityksen päävaiheita 1700-luvun lopusta 1900-luvun loppuun, vaan antaa myös käsityksen melkein kaikkien mestareiden työstä. joka jätti huomattavan jäljen sen historiaan. Kokoelma sisältää teoksia, jotka on tunnustettu "klassisiksi" esimerkkeiksi Gorodetsin taiteesta: Donets A.V. ja L.V. Melnikovs, G.L. Poljakov, V.K. Smirnov, paneeli I.K. Mazin, I.K. Lebedevin ja D.I. Kryukov ja muut.
Venäläiset taiteelliset lakat ovat maailmankuuluja. Museon kokoelma antaa mahdollisuuden heijastaa niiden historiaa ja tutustuttaa kaikkiin lakkamaalauksen tärkeimpiin keskuksiin. Museossa on esillä maalattuja metallitarjottimia Nižni Tagilista ja Zhostovosta (Moskovan alue), "lakka" -tuotteita, jotka on valmistettu 1800-1900-luvun paperimassasta. lähellä Moskovaa. Fedoskino sekä Ivanovon ja Vladimirin alueiden keskukset: Palekh, Kholuy ja Mstera, joissa lakkapienoismalli kehitettiin vasta Neuvostoliiton aikoina ja perustui ikonimaalauksen vakiintuneisiin perinteisiin. 1830-luvulta lähtien työpajassa O.F. Vishnyakova, joka sijaitsee Zhostovon kylässä, alkoi yhdessä papier-mâché-tuotteiden kanssa valmistaa metallialustoja. Vähitellen kalastus hankittu itsenäinen merkitys. Tarjottimien koristelussa alettiin suosia mehukkailla kuvavetoin maalattuja kukka-asetelmia.

Erityisen arvokas on Palekh-lakkaminiatyyrikokoelma vuosilta 1920-1930, joka sisältää erittäin korkean taiteellisen tason teoksia. Niiden joukossa on taiteilijoiden teoksia, jotka kuuluivat vuonna 1924 perustettuun "muinaisen maalauksen Palekh-artelliin": A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkov ja muut, mukaan lukien virtuoosi Lakkamaalauksen perustajan työn suorittamisessa Palekhissa I.I. Golikov.

Moskovan lähellä sijaitsevien keskusten (Fedoskinon kylä ja Zhostovon kylä) historia ulottuu 1700-luvun loppuun, jolloin kauppias P.I. Korobov järjesti kylässä yrityksen papier-mâché-lakkatuotteiden valmistukseen. Danilkove, joka sijaitsee kylän lähellä. Fedoskino. Teollisuus levisi pian koko alueelle. Museokokoelma esittelee Lukutinin tehtaan (P.I. Korobovin seuraajat) ja pienten talonpoikaisyritysten työtä Ostashkovon, Zhostovon, Sorokinon ja muiden kylissä Moskovan alueen Troitskaja-volostissa. Suurin osa varhaisia ​​töitä kokoelmat ovat peräisin 1800-luvun puolivälistä. Näiden työpajojen tuotteet ovat tyylillisesti homogeenisia: laatikoita, arkkuja, tupakkalaukkuja, lompakoita, papier-mâché-nuuskarasioita koristavat maalaukselliset, realistisesti tulkitut miniatyyrit, joissa on selkeä kansallinen teema. Perinteiset kuvat "troikoista", "teejuhlista", talonpojan elämän kohtauksista ovat pääsääntöisesti ilmaisia ​​kopioita maalaustelineistä ja maalauksista. graafisia töitä venäläisiä taiteilijoita.
Näyttelyssä näkyvä paikka on venäläisten huivien ja huivien kokoelma. Nämä ovat Tverin ja Nižni Novgorodin käsityöläisten huivit ja muut tuotteet, jotka on kirjailtu "kultaisilla" langoilla, sekä 1800- ja 1900-luvun alun Moskovan ja Moskovan alueen johtavien yritysten tyylikkäät täytetyt huivit. Suurin ja tällä hetkellä Venäjän ainoa villapainattujen huivien ja huivien valmistaja on Moskovan lähellä sijaitseva Pavlovsky Posad, jossa niiden tuotanto hallittiin 1860-luvun alussa kauppiaiden Ya.I.:n omistamassa tehtaassa. Labzin ja V.I. Grjaznov. Huivit valmistettiin lähes kokonaan käsin. Kuviot levitettiin kankaaseen veistetyillä puulaudoilla, "kukka" ja "tapoja". Pavlovsk-huivien piirustusten suosikkimotiivi sekä Zhostovon tarjottimet, teräskuvia kukista. Museon näyttelyesineiden joukossa on Pavlovsky Posad -huivit eri ajoilta. Nämä ovat 1800-luvun legendaarisen piirtäjän huiveja. S.V. Postigov "Hevosenkenkä" ja "Säädettävä" sekä aikalaisten E.P. Regunova, K.S. Zinovjeva, I.P. Dadonova ja muut.

Taidekäsityöt ovat merkittävä osa Venäjän kansalliskulttuuria. Museossa esitellyt teokset todistavat venäläisten mestareiden suuresta lahjakkuudesta, hienosta taiteellisesta mausta ja lahjakkuuden omaperäisyydestä.

Erittäin houkutteleva ja monipuolinen materiaali venäläisille käsityöläisille koristeominaisuuksiensa ja teknisten ominaisuuksiensa puolesta on luu. Jo XVII vuosisadalla. luunveistotaiteen perinteet alkoivat kehittyä Kholmogoryn asutuksen alueella Arkangelin maakunnassa. Kholmogoryn käsityöläiset käyttivät tarsuksen (tavallisen eläimen luun) ohella mursun, harvemmin mammutin, luuta, joista valmistettuja tuotteita arvostettiin erityisen paljon. Suosituimpia tavaroita olivat kammat, laatikot, arkut ja arkut, jotka on koristeltu hienoimmilla kukkakuvioilla, eläin- ja lintukuvilla, jotka tehtiin harjakatkoisella kaiverruksella ja kaiverruksella. XIX toisella puoliskolla - XX vuosisadan alussa. Luuveistotyöt suoritettiin Trinity-Sergius-luostarissa ja Sergiyev Posadissa, mistä todistavat näyttelyssä esitelty Ivan Iljinin (munkki Joona) tekemä tunnuskuvake "Kolminaisuus" vuodelta 1869 ja pieni norsunluukuvake, joka kuvaa Sergius Radonezhista , paikallisen mestarin työtä I .WITH. Hrustachev.

Täällä kehittyneet pienoisluu- ja puuveiston perinteet vaikuttivat luunveiston muodostumiseen viime vuosisadan 40-luvun jälkipuoliskolla Khotkovon kaupungissa, joka sijaitsee lähellä Sergiev Posadia. Tämän keskuksen omaperäisyys ilmeni hakemuksessa erilaisia ​​tekniikoita luun käsittely, luun yhdistäminen puuhun, lyhtyjen laaja käyttö. Nämä piirteet ilmenivät erityisen elävästi 1950-luvun teoksissa, erityisesti V.E. Loginov "Michurin", jonka luulisäkkeet on taidokkaasti toteutettu alkuperäisellä monitahoisen kohokuvioinnin tekniikalla. Museon näyttely tarjoaa myös mahdollisuuden tutustua perinteisen käsityön töihin. taiteellinen käsittely luut, jotka ovat kehittyneet Itä-Venäjällä: Tyumen (Tobolsk), Jakutia, Chukotka. Jokaisen heistä identiteetti perustuu paikallisen väestön etnisiin ja taiteellisiin perinteisiin.

Museon vuosien aikana on kerätty rikkain kokoelma venäläistä lasia ja posliinia. Tämäntyyppiset taideteollisuus on kehittynyt nopeasti Venäjällä vuonna XVIII-XIX vuosisatoja. Museon auloissa on nähtävillä tuon ajan tehtaiden tuotteita, tarkoitukseltaan, muodoltaan, toteutustekniikaltaan ja tyyliltään erilaisia: keisarillisen posliini- ja lasitehtaiden St. esimerkkejä venäläisestä lasista ja keramiikasta, kuten kaiverrettu lasi 1700-luvun pikareita. tai majolikatuotteet, jotka on valmistettu yhdessä Venäjän ensimmäisistä keramiikkatehtaista, jonka kauppias A.K. avasi vuonna 1724 Moskovassa. Grebenštšikov. Museossa on upea kokoelma posliiniveistoksia, mukaan lukien erilaisia ​​genreveistoksia ja koko sarja - "Venäjän kansat", joka XIX-luvulla. uusittu toistuvasti Moskovan Gardnerin ja Kuznetsovin tehtailla.
Neuvostoliiton ja Neuvostoliiton jälkeisen ajan lasi- ja posliinikokoelma edustaa pääasiassa Venäjän suurimpien tehtaiden johtavien mestareiden ja taiteilijoiden teoksia vuosilta 1960-1980. Kotimaisen posliinin historiassa M.V.:n mukaan nimetty Leningradin posliinitehdas. Lomonosov (entinen keisarillinen) ja kaksi Moskovan lähellä tehdasta: Dmitrovin posliinitehdas (entinen Gardner) ja Pravda-sanomalehden (entinen Kuznetsovsky) mukaan nimetty Dulevon posliinitehdas. Nämä yritykset ovat kaksi erottuvaa ja eloisaa koulua, joilla on oma tyylinsä, korkea materiaalinkäsittelykulttuuri ja rikkaat perinteet. Kahden posliinikoulun ero on siinä, että ne perivät erilaisia ​​venäläisen kulttuurin historiallisia kerroksia: Moskovan koulukuntaa ohjasi kansanperinne, Leningradin koulukuntaa ohjasi 1700-1800-lukujen erittäin ammattimainen taide, joka oli linjassa. koko eurooppalaisen kehityksen kanssa.

Museon kokoelmassa on hienostuneita ja juhlallisia Pietarin (Leningradin) taiteilijoiden teoksia, joille on ominaista herkkä taiteellinen maku ja klassinen suhteellisuustaju: A.V. Vorobyevsky, A.A. Yatskevich, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. Olevsky; muodoltaan ja maalaukseltaan sopusoinnussa ihmisten kauneusymmärryksen kanssa, Moskovan alueen taiteilijoiden kirkkaat, elämää vahvistavat teokset: P.V. Leonova. VC. Yasnetsova, N.N. Ropova ym. Näyttelyssä voi tutustua myös 1900-luvun toisen puoliskon lasi- ja kristallikokoelmaan. Pöytälomakkeita, koristeellisia maljakoita ja sarjoja, kolmiulotteisia koostumuksia, lasimuovia valmistavat Venäjän vanhimpien lasitehtaiden johtavat taiteilijat useilla eri tekniikoilla ja teknologioilla. Tämä on tehdas Gus-Khrustalnyn kaupungissa Vladimirin alueella (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); Krasny Mayn lasitehdas Vyshnevolotskyn alueella Tverin alueella (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Djatkovon kristallitehdas (M.V. Grabar, V.V. Soiver, V. Ya. Shevchenko).

Museokokoelman ylpeys on Leningradin taidelasitehtaan melko merkittävä kokoelma, jonka toiminta liittyy sellaisten taideteollisuusmestarien työhön kuin L.O. Jürgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, B.A. Eremin, Yu.M. Byakov. Suurin osa lasista ja posliinista tehdyistä teoksista on ainutlaatuisia näytteitä suurimpia kansainvälisiä tai koko venäläisiä näyttelyitä varten. Siten monimuotoisuuden, yksittäisten keskusten edustuksen täydellisyyden, siihen sisältyvien teosten korkean taiteellisen tason, venäläisen perinteisen taiteen ja käsityön museokokoelma voidaan luokitella yhdeksi maan parhaista. Sen muodostavat teokset todistavat venäläisten mestareiden suuresta lahjakkuudesta, heidän kykynsä hienovaraisesta taiteellisesta mausta ja omaperäisyydestä.

Koriste- ja soveltavan taiteen kehittäminen myötävaikutti käsityö- ja parantamiseen, taideteollisuuden syntymiseen (kuvakudosten, taidelasin, fajanssin valmistus, kivenleikkaus, silkin ja kankaan valmistus), muodikkaiden tavaroiden, ylellisyystavaroiden manufaktuurista tuotantoa, esiintymien löytämistä ja kehittämistä kuparia, tinaa, hopeaa, värillistä kiveä, korkealaatuista savea.

Tiedeakatemian rooli "vapaiden taiteiden ja manufaktuurien hyvinvoinnissa", joka heijastaa uusia luonnontieteellisiä ja teknisiä kiinnostuksen kohteita koriste- ja taideteollisuudessa, on merkittävä. 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla ilmestyi uusia taidemanufaktuurien mestareiden koulutus- ja koulutusmuotoja; Venäjällä on käsityöläisten kiltajärjestöjä, mikä ei sulje pois ulkomaisten mestareiden laajaa jakautumista koriste- ja taidetaiteen eri alueilla.

Taiteessa ja käsityössä (sisustus, huonekalut, sisustus) tyyli sanelee aktiivisesti muotia. Seurauksena on uudentyyppisiä esineitä, taiteen ja käsityön esteettisiä ideoita päivitetään. 1700-luvun puolivälin koriste- ja soveltavassa taiteessa on taipumus taiteiden synteesiin, jossa arkkitehtuuri, kuvanveisto, maalaus ja taidekäsityö sulautuvat koristeelliseksi kokonaisuudeksi.

Tämän seurauksena sisustustaiteesta tulee erityinen taiteellinen toiminta 1700-luvun arkkitehtien työssä. Tämäntyyppinen taiteellinen toiminta saa aikaan uudentyyppisten tilojen (työhuoneet, eteiset, makuuhuoneet, olohuoneet, "kuvasalit") ja niiden sisällön (Kesäpalatsi, A. D. Menshikovin palatsi, Suuri Pietarhovin palatsi, Monplaisir) syntymistä.

Kaikki tämä edistää huonekaluliiketoiminnan kehitystä, uusia tyyppejä ja muotoja huonekaluja, materiaaleja ja sisustustapoja ilmestyy. Englantilaisten ja hollantilaisten huonekalujen vaikutus on täällä erittäin vahva. Euroopan vaikutuksesta Venäjällä on muotoutumassa jopa barokki- ja rokokootyyli huonekaluissa.

Klassismin huonekaluilla on tyypillinen luonne ja muoto. Antiikkiaiheet ovat suurelta osin jäljitettävissä huonekalujen muodoissa ja koristeissa. 1700-luvun puolivälissä arkkitehdit osallistuivat uudentyyppisten huonekalujen kehittämiseen, Venäjälle ilmestyi huonekalutaidetta ja kirjailijahuonekaluja (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). 1700-luvun jälkipuoliskolla ilmestyivät ensimmäiset huonekalupajat (G. Gambsin ja I. Ottin työpaja). Tälle ajanjaksolle huonekalutaiteessa on ominaista "Jakobin" tyyli. 1700-luvun jälkipuoliskolla huonekalutaiteen materiaalit olivat muuttumassa: tänne ilmestyi mahonki, kullattu puu, poppeli, karjalainen koivu; Huonekalujen valmistuksessa käytetään yhä enemmän tekstiilejä ja brodeerauksia.

Keramiikalla ja fajanssilla on erityinen paikka koriste- ja soveltavassa taiteessa. Tämä tapahtuu aluksi Englannista ja Hollannista peräisin olevien fajanssituotteiden tuonnin lisääntymisen vuoksi. Pian Moskovaan ilmestyi kuitenkin ensimmäinen yksityinen A. Grebenštšikovin manufaktuuri, joka tuotti venäläistä hienoa fajanssia. Myöhemmin muotoutui seremoniallisten palatsiastioiden tyyli mattakaiverruksella, ja kristallin muoti sisustusesineenä levisi. Tämä merkitsee Maltsovin ensimmäisen yksityisen lasi- ja kristallitehtaan avaamista Mozhaiskin alueelle.

1700-luvulla taiteen ja käsityön, sisustuksen kasvavan suosion vuoksi lasin kulutus lisääntyi, jota käytettiin erilaisiin peileihin ja valaisimiin.

Veistos ja maalaus 1700-luvun jälkipuoliskolta.

Tärkeä rooli 1700-luvun maalauksen kehityksessä oli luominen Vladimir Lukich Borovikovsky. Huolimatta siitä, että taiteilijaa ei ollut virallisesti listattu Akatemian opiskelijaksi, hän epäilemättä käytti sen opettajien ja ennen kaikkea Levitskyn neuvoja. Nuoren taiteilijan luonnollinen lahjakkuus ja rautainen sinnikkyys johtivat pian siihen, että Borovikovsky ylennettiin 1700-luvun lopun ensimmäisten mestareiden joukkoon. Hän loi sarjan erinomaisia ​​muotokuvia aikalaisistaan, mukaan lukien G. Deržavin, V. Arsenjeva, M. Lopukhina, O. Filippova ja monet muut. Jatkuva kiinnostus ihmisen henkisiä kokemuksia kohtaan, korostunut lyyrisyys ja mietiskely, aikakaudelle niin tyypillisen sentimentaalisuuden usva, ovat ominaisia ​​useimmille Borovikovskyn teoksille. Taiteilija ei koskaan seurannut kuvan ulkoisten, pinnallisten ominaisuuksien polkua, vaan pyrki jatkuvasti välittämään kuvattujen kasvojen hienovaraisimmat henkiset liikkeet.

Hänen töitään hallitsee kammiomuotokuva. Borovikovsky pyrkii vahvistamaan henkilön itsearvoa ja moraalista puhtautta (Lizynkan ja Dashinkan muotokuva, E. N. Arsenjevan muotokuva jne.). 1700-1800-luvun vaihteessa Borovikovsky veti puoleensa vahvat, energiset persoonallisuudet, hän keskittyy kansalaisuuteen, jaloisuuteen ja kuvattujen ihmisarvoon. Hänen malliensa ulkonäkö muuttuu hillitymmäksi, maisema tausta korvataan sisätilojen kuvalla (A.A. Dolgorukovin, M.I. Dolgorukan muotokuvat jne.).

Borovikovsky on myös tunnustettu muotokuvien miniatyyrejen mestari. Venäjän museon kokoelma sisältää hänen siveltimeensä kuuluvia teoksia - muotokuvia A.A. Menelasista, V.V. Kapnistista, N.I. Lvovasta ja muista. Taiteilija käytti usein tinaa miniatyyriensä pohjana.

1700-luvun venäläinen muotokuvamaalaus saavuttaa todellisen huippunsa työssä DG Levitsky . Jo yhdessä varhaisista teoksistaan ​​- arkkitehti A. Kokorinovin muotokuvassa - Levitsky osoitti erinomaisia ​​taidemaalarikykyjä. Suuren ranskalaisen materialistisen filosofin D. Diderot'n muotokuva, jonka Levitsky maalasi Pietarissa vuonna 1773, ja taiteilijan luoma muotokuvasarja Smolny-instituutin oppilaista ovat taiteellisesti arvokkaita. Näiden tyttöjen kuvat on merkitty vilpittömästi ja lämmöllä, jokaisen omaperäisyys välitetään mestarillisesti.

Myöhempien vuosien muotokuvat - Lvova, taiteilijan isä, Bakunins, Anna Davia ja monet muut Levitskyn mestariteokset - ovat selvä todiste hänen loistavasta lahjakkuudestaan.

Levitsky loi aikalaistensa muotokuvista laajan gallerian, jossa vangittiin aikakauden ihmisten elävät kuvat yhtä laajasti ja täydellisesti kuin kukaan muu. Levitskyn taide täydentää venäläisen muotokuvamaalauksen kehityshistoriaa 1700-luvulla. On kuitenkin syytä huomata myös hänen työnsä historiallisesti määrättyjä rajoituksia: Levitsky ei muiden aikansa merkittävien taiteilijoiden tavoin kyennyt heijastamaan todellisuuden sosiaalisia ristiriitoja. Taiteilijan kuvaamat ihmiset poseeraavat vallitsevien esteettisten ideoiden mukaisesti aina jonkin verran, ikään kuin he yrittäisivät näyttää itsensä katsojalle "miellyttävämmässä" valossa. Useissa teoksissaan taiteilija saavuttaa kuitenkin hämmästyttävän yksinkertaisuuden ja elinvoimaisuuden.

Levitskyn perintö on valtava ja herättää edelleen katsojassa suoran esteettisen nautinnon tunteen. Hänen teostensa ammattitaito ja realistinen suuntautuminen asettavat taiteilijan yhdelle kunniallisimmista paikoista koko venäläisen taiteen historiassa.

Kaikkein eniten kuuluisia teoksia D.G. Levitsky seuraavat: "E.A. Vorontsovan muotokuva", "Arkkitehti A.F. Kokorinovin muotokuva", "N.A. Lvovin muotokuva", "M.A. Dyakovan muotokuva", "Ursula Mnishekin muotokuva", "Agashin tyttären muotokuva venäläisasussa" ", jne.

Alueella muotokuvamaalaus Venäläiset taiteilijat toiseksi puolet XVIII vuosisadalla sanoi myös uuden sanansa. terävyys psykologiset ominaisuudet, joka leimaa monia tämän ajan muotokuvia, on silmiinpistävää - parhaiden venäläisten mestareiden sivellin vetoaa yhä enemmän kohti henkilökuvan totuudenmukaista välittämistä. On merkittävää, että tällä hetkellä muotokuvia ei vain aatelista ja " maailman mahtava tämä”, mutta myös joukko edistyksellisiä julkisuuden henkilöitä. Näissä muotokuvissa loiston ja ulkoisen kiillon elementit puuttuvat kokonaan; taiteilijat kiinnittävät huomionsa ihmisen sisäisen sisällön siirtämiseen, hänen mielensä voiman, ajatusten ja pyrkimysten jalouden paljastamiseen.

Venäläisen muotokuvan kehitys sai ilmentymisen mm F. Rokotovin työ.

Fedor Stepanovitš Rokotov- yksi parhaista venäläisistä muotokuvamaalajista. Saatuaan taidekasvatus L.-J. Le Lorraine ja kreivi Pietro Rotary työskentelivät jälkimmäisen tapaan, mutta hän syventyi luontoon enemmän kuin hän ja oli ahkera toteuttamisessa. Vuonna 1762 hänet hyväksyttiin vastikään perustetun Pietariin lisähenkilöksi. Taideakatemia hänelle esitetystä maalauksesta "Venus" ja keisari Pietari III:n muotokuvasta.

Herkkä kuvataito erottaa tämän taiteilijan muotokuvat. Kuvan intiimi henkisyys, varsinkin naismuotokuvissa, Rokotov tuo suurta ilmaisua ja voimaa. Taiteilijan teosten erittäin tekninen täydellisyys - piirustuksen luonteen ja kuvallisen taidon suhteen häneen voi verrata vain Levitskyä. Rokotovin luomat muotokuvat erottuvat piirustuksen hienostuneisuudesta ja värien eleganssista.

Useimmille kuuluisia teoksia Rokotoviin kuuluvat: "Tuntemattoman naisen muotokuva vaaleanpunaisessa mekossa", "A.I. Vorontsovin muotokuva", "G.G. Orlovin muotokuva panssariin", "Katariina II:n kruunausmuotokuva", "A. P. Struyskayan muotokuva", "A. runoilija V.I. Maikov, "Surovtsevan muotokuva" jne.

XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. Venäjän maalaus alkoi kehittyä kotitalousgenre . kuitenkin genren maalaus Taideakatemian johto ja etuoikeutetut yhteiskunnalliset kerrokset pitivät sitä ilkeänä, taiteilijan siveltimen arvottomana. Tästä huolimatta E. Pugatšovin johtaman talonpoikaissodan jälkeen sekä kirjallisuudessa, teatterissa ja musiikissa että maalauksessa 1770-1780-luvuilla. alkoi osoittaa kiinnostusta talonpoikia, sen elämäntapaa, elämäntapaa kohtaan. Usein nämä olivat tunteellisia kuvia idyllisistä paimenista ja paimentyttäreistä, joilla ei ollut mitään tekemistä todellisen talonpoikaiselämän kanssa. Poikkeuksia kuitenkin oli.

Yksi ensimmäisistä venäläisessä maalauksessa, talonpoikateeman kehitti maaorjaruhtinas G. A. Potemkin Mihail Shibanov . Hän maalasi kuvat "Talonpoikaillallinen", "Hääsopimuksen juhla" jne. Shibanovin maalauksissa ei tuomita maaorjuutta, mutta näissä kankaissa ei ole talonpojan elämän idealisointia. Taiteilija erottuu tiedosta ja ymmärryksestä venäläisen talonpojan elämästä ja luonteesta.

Talonpoikateema heijastui taiteilija I. M. Tankovin (1739 - 1799), maalauksen "Feast in the Village" kirjoittajan ja I. A. Ermenevin (1746 - vuoden 1792 jälkeen), jotka maalasivat akvarelleja "Talonpoikalounas", " Kerjäläisten laulajat" ja jne.). Taiteilija välitti ensimmäistä kertaa venäläisen taiteen historiassa kansanelämän synkän puolen, köyhyyden kurjuuden.

XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. venäläisen kuvanveiston todellinen kukoistus alkaa. Se kehittyi hitaasti, mutta venäläinen valistusajattelu ja venäläinen klassismi olivat suurimmat kannustimet suurten kansalaisideoiden, laajamittaisten ongelmien taiteen kehittymiselle, mikä johti tällä ajanjaksolla kiinnostukseen kuvanveistoa kohtaan. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofjev, Martos - jokainen oli itsessään kirkkain yksilöllisyys, jätti jälkensä taiteeseen. Mutta heitä kaikkia yhdisti yhteiset luovat periaatteet, jotka he oppivat professori Nicolas Gillet'ltä, joka johti Akatemian veistosluokkaa vuosina 1758-1777, yhteiset ajatukset kansalaisuudesta ja isänmaallisuudesta sekä antiikin korkeat ihanteet.

Yleistyneen kauniin etsintä ei sulje pois ihmisen luonteen täyttä ymmärtämisen syvyyttä, halua välittää sen monipuolisuutta. Tämä halu on käsinkosketeltava monumentaali-koristeellisessa muovissa ja maalausteline veistos vuosisadan jälkipuoliskolla, mutta erityisesti muotokuvagenressä.

Hänen korkeimmat saavutuksensa liittyvät ennen kaikkea luovuuteen. Fedot Ivanovitš Shubin (1740-1805), maanmies Lomonosov, joka saapui Pietariin jo taiteilijana, joka ymmärsi luunveiston monimutkaisuudet. Shubinin ensimmäinen teos kotimaassaan on rintakuva A.M. Golitsyn todistaa jo mestarin täydestä kypsyydestä. Mallin ominaisuuksien kaikki monipuolisuus paljastuu sen kiertokatselmuksessa, vaikka veistoksen päänäkökulma on epäilemättä olemassa.

Shubin ei työskennellyt vain muotokuvamaalaajana, vaan myös sisustajana. Hän esitti 58 soikeaa marmoria historiallisia muotokuvia Chesme-palatsille (sijaitsee asevarastossa), veistoksia Marmoripalatsille ja Peterhofille, Katariina II -lainsäätäjän (1789-1790) patsas. Ei ole epäilystäkään siitä, että Shubin on Venäjän suurin ilmiö taiteellista kulttuuria XVIII vuosisadalla. Yhdessä kotimaisten mestareiden kanssa Venäjällä työskenteli ranskalainen kuvanveistäjä Etienne-Maurice Falcone, joka Pietari I:n muistomerkissä Senaatin aukio Pietari ilmaisi ymmärryksensä Pietarin persoonallisuudesta, sen historiallisesta roolista Venäjän kohtalossa.

Fjodor Fjodorovitš Shchedrin(1751-1825). Hän kävi läpi samat koulutusvaiheet Akatemiassa ja jäi eläkkeelle Italiassa ja Ranskassa kuin Shubin. Hänen vuonna 1776 toteuttamansa "Marsyas" on täynnä myrskyisää liikettä ja traagista maailmankuvaa. Kuten kaikki klassisen aikakauden kuvanveistäjät, Shchedrin kiehtoo muinaisia ​​kuvia ("Sleeping Endymion"; "Venus"), samalla kun hän näyttää erityisen runollisen tunkeutumisen heidän maailmaansa.

Venäjän historia 1700-luvun lopulla - 1700-luvun ensimmäinen neljännes on erottamaton Venäjän yhden suurimmista poliittisista hahmoista - Pietari I:n nimestä. Merkittävät innovaatiot eivät tällä hetkellä valtaa vain kulttuurin ja taiteen kenttää , mutta myös teollisuus - metallurgia, laivanrakennus jne. 1700-luvun alussa ilmestyivät ensimmäiset mekanismit ja työstökoneet metallinkäsittelyyn. Paljon tällä alalla tekivät venäläiset mekaanikot Nartov, Surnin, Sobakin ja muut.

Samalla luodaan valtion yleis- ja erityisopetusjärjestelmän perusta. Vuonna 1725 perustettiin Tiedeakatemia, jonka alaisuudessa avattiin taidekäsityön osasto.

A. Nartov. Sorvi. Pietarin aikakausi. 1700-luvulla

1700-luvulla syntyi uudet arkkitehtuurin ja kaupunkisuunnittelun periaatteet, jota leimasi Länsi-Euroopan barokin (Hollanti, Englanti) ominaispiirteiden mukaisten tuotteiden muotoilun lisääntyminen.

Pietari I:n hankkeiden seurauksena perinteisen venäläisen muodon esineet katoavat nopeasti palatsin kuninkaallisesta ja aristokraattisesta elämästä ja jäävät edelleen maaseutu- ja kaupunkiväestön asuntoihin sekä kirkkokäyttöön. Juuri 1700-luvun ensimmäisellä neljänneksellä hahmottui merkittävä ero tyylin kehityksessä, joka pysyi pitkään tyypillisenä ammattimaiselle luovuudelle ja kansantaidekäsityölle. Jälkimmäisessä kehitetään suoraan ja orgaanisesti vuosisatoja vanhoja venäläisen, ukrainalaisen, viron jne. soveltavan taiteen perinteitä.

Jalon elämän normit edellyttävät vaurauden, hienostuneisuuden ja loiston osoittamista suvereenin ihmisen elämässä. Vanhan elämäntavan muodot, mukaan lukien Pietarin (vielä asiallinen, tiukka), pakotettiin lopulta pois 1700-luvun puolivälissä. Venäläisessä taiteessa hallitseva asema on ns. rokokootyyli, joka täydensi loogisesti myöhäisbarokin suuntauksia. Tämän ajan seremonialliset sisätilat, esimerkiksi jotkin Pietarhovin ja Tsarskoje Selon palatsin huoneet, on lähes kokonaan koristeltu taidokkain kaiverruksin.

Rocaille-ornamentoinnin yleiset piirteet (linjojen kaarevuus, tyyliteltyjen tai elävien kukkien, lehtien, kuorien, silmien jne. runsas ja epäsymmetrinen asettelu) toistuvat täysin venäläisessä arkkitehtuurissa ja silloisissa huonekaluissa, keramiikassa, vaatteissa, vaunuissa, seremonia-aseissa. jne. Venäläisen taideteollisuus kehittyi kuitenkin täysin itsenäisesti. Huolimatta omien tuotteidemme muotojen kiistattomasta samankaltaisuudesta länsieurooppalaisten kanssa, niiden välisiä eroja ei ole vaikea havaita. Joten, mutta verrattuna ranskalaisiin, venäläisillä huonekalutuotteilla on paljon vapaammat muodot ja pehmeämpi ääriviivat ja piirustukset. Mestarit säilyttivät edelleen kansanveiston taidot, laajemmat ja yleisemmät kuin lännessä. Yhtä ominaista on venäläisten tuotteiden monivärisyys ja kullan ja maalauksen yhdistelmä, joka on harvinaista Ranskassa, mutta hyväksytty kaikkialla Venäjällä.

1700-luvun 60-luvulta lähtien venäläisessä arkkitehtuurissa alkoi siirtyminen klassismiin sen lakonisilla ja tiukoilla muodoilla, jotka kääntyivät antiikin puolelle ja joita leimaa suuri pidättyvyys ja armo. Sama prosessi tapahtuu soveltavassa taiteessa.

Kaupungin kartanoiden ja palatsien (arkkitehdit Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov jne.) suunnittelussa, varustelussa ja sisustamisessa on selkeä symmetria, suhteellinen selkeys. Tilojen seinät (ikkunoiden välissä tai vastapäätä) peittävät peilit ja paneelit silkkidamaskista, koristepuuvillakankaista ja kankaasta.

.

Sohva - rokokootyylinen. Venäjä (yksityiskohta). 1700-luvun puoliväli

Klassinen nojatuoli. Venäjä. 1700-luvun toinen puoli

Lattiat on valmistettu eri puulajeista ja joskus peitetty kankaalla tai kankaalla; katot maalataan (esim. grisaille-tekniikka jäljittelee kohokuviota). Pinotun parketin sijasta käytetään kuusilankkua "vahan alla". Seinät ja katot on usein verhoiltu kankaalla tai tapetoitu. Jos etuhuoneisiin on järjestetty vaikuttavan kokoiset marmoritakat, intiimeihin kammioihin pystytetään perinteisempiä jalustalle tai jaloille sijoitetut, laatoilla vuoratut uunit. Ero lamppujen välillä on yhtä havaittavissa: hallissa - nämä ovat koruja valmistettuja ja kalliita kattokruunuja, kynttelikköjä, lamppuja, kammioissa - paljon vaatimattomampia kynttilänjalkoja ja lamppuja. Etu- ja kodin huonekalujen muodoissa on vielä enemmän kontrastia. Kaikki tämä ei puhu niinkään palatsien ja kartanoiden omistajien halusta säästää rahaa, vaan siitä, että he pitävät objektiivista ympäristöä tärkeänä tekijänä psykologisesti sopivassa ilmapiirissä.

Suurin osa huonekaluista ja useista muista tuotteista 1700-luvun lopulla - 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla ei ollut jatkuvasti tarpeen; jos tarvetta ei ollut, ne joko poistettiin tai siirrettiin ei-aktiivisiin tilojen osiin. Istuinkalusteet on peitettävä. Samassa yhteydessä muunnettavat kalusteet työtasolla - tee- ja korttipöydät, kokoontaitettava ruokapöytä, käsityöpöytä, erikorkuisten, toistensa alle sopivien pöytien järjestelmä jne. erilaisia ​​tilojen ulkoasuja eri paikoissa jokapäiväisiä tilanteita. Samalla nostettiin esille useita lämpimänä vuodenaikana talon ulkopuolella tapahtuneita kotimaisia ​​prosesseja - terassilla ja puistossa. Tämän seurauksena uudentyyppiset tuotteet ovat leviämässä - maisemapuutarhakalusteet, sateenvarjomarkiisit, puistovalaisimet jne. 1700-luvulla järjestettiin yksittäisillä tilailla maaorjapajoja, joissa valmistettiin melko suuria eriä huonekaluja, posliinia, mattoja ja muita tuotteita.

1700-luvun lopulla suurten palatsien varustuksessa tuotteiden varsinaisen suunnittelun (huonekalut, lamput, kellot, kuvakudokset ja muut välineet ja koristeet) erottaminen erityiseksi luovan toiminnan alueeksi heidän käsityötuotantonsa vaikuttaa jo merkittävästi. Suunnittelijat ovat pääosin arkkitehteja ja ammattitaiteilijoita. Massamarkkinoille tarkoitettujen tuotteiden valmistuksessa käytetään koneita ja mekaanisia materiaalien käsittelymenetelmiä, mikä tekee insinööristä tuotannon johtavan hahmon. Tämä johtaa kulutustavaroiden korkean esteettisten ominaisuuksien vääristymiseen ja menettämiseen, teollisuuden erottamiseen taiteesta. Tämä suuntaus oli luonnollinen yhteiskunnan kapitalistisen kehityksen olosuhteissa ja yksi tärkeimmistä koko 1800-luvun ajan.

Venäjän kapitalististen suhteiden intensiivisen kehityksen aikana 1800-luvulla teollisuustuotannon kapasiteetit kasvoivat. 1800-luvun puolivälissä tarve taiteellisesti ammattitaitoiselle tuotekehittäjien ja käsityöläisten henkilökunnalle tuntui jo kiivaasti. Heidän koulutustaan ​​varten avataan erityisoppilaitokset Moskovaan (kreivi Stroganov) ja Pietariin (paroni Stieglitz). Heidän nimensä - "tekniset piirustuskoulut" - puhuu uudentyyppisen taiteilijan syntymisestä. Vuodesta 1860 lähtien on kehitetty erityistä taiteilijan käsityökoulutusta. Useita kirjoja julkaistaan ​​erilaisten materiaalien käsittelytekniikasta: puu, pronssi, rauta, kulta jne. Kauppaluetteloita julkaistaan, mikä korvaa aiemmin julkaistun "Economic Store" -lehden. 1800-luvun puolivälistä lähtien on muodostunut työterveyteen ja taloustavaroiden käyttöön liittyviä tieteitä. Kuitenkin koko 1800-luvun kaikki taiteellinen massatehdastuotanto pysyi täysin alisteisena kauneuden jakamatta hallitsevalle ajatukselle koristeellisena ja koristeellisena suunnitteluna. Tämän seurauksena useimmat klassismin tyylielementtien tuotteet: monimutkaiset profiilit, uurretut pylväät, ruusukkeet, seppeleet, antiikkiaiheisiin pohjautuvat koristeet jne. otettiin muotoon. Useissa tapauksissa nämä elementit olivat otettu käyttöön jopa teollisuuslaitteiden - työstökoneiden - muotoihin.

Taideteollisuus- ja kotitaloustuotteiden tyylikehityksessä 1800-luvulla erotetaan tavanomaisesti kronologisesti kolme pääjaksoa: klassismin suuntausten jatkuminen ns. empire-tyylin mukaisesti (luvun ensimmäinen neljännes); myöhäisklassismi (noin 1830-1860) ja eklektiikka (1860-luvun jälkeen).

1800-luvun ensimmäistä neljännestä leimaa venäläisen arkkitehtuurin yleinen ideologinen ja rakennuslaajuinen nousu, joka aiheutti merkittävän elpymisen myös taideteollisuudessa.

Empire-tyylinen nojatuoli. 1800-luvun ensimmäinen neljännes.

Voitto vuoden 1812 sodassa jossain määrin nopeuttaa ja täydentää venäläisen kansalliskulttuurin muodostumisprosessia, joka on saamassa yleiseurooppalaista merkitystä. Kuuluisimpien arkkitehtien - Voronikhinin, Quarenghin, Kazakovin - toiminta, joka liittyy läheisesti edellisen jakson klassismiin, osuu vain vuosisadan ensimmäiselle vuosikymmenelle. Heidän tilalle tulee joukko sellaisia ​​merkittäviä mestareita, kuten Rossi, Stasov, Grigorjev, Beauvais, jotka toivat uusia ideoita ja erilaista tyylihenkeä venäläiseen taiteeseen.

Tiukkuus ja monumentaalisuus ovat tunnusomaisia ​​empire-tyylisten kodin esineiden arkkitehtuurille ja muodoille. Jälkimmäisessä koriste-aiheet muuttuvat huomattavasti, tarkemmin sanottuna niiden typologia laajenee käyttämällä muinaisen Egyptin ja Rooman koristesymboleja - griffinejä, sfinksejä, faskioita, sotilaallisia attribuutteja ("trofeeja"), seppeleitä, seppeleitä jne. Verrattuna esimerkkeihin varhainen klassismi yleensä sisustuksen määrä, sen "visuaalinen paino" tuotteiden koostumusratkaisussa kasvaa. Monumentalisoituminen, toisinaan ikään kuin muotojen karkeneminen, johtuu klassisten koriste-aiheiden - reunukset, seppeleet, lyyrat, panssarit jne. - yleistymisestä ja geometrisaatiosta, jotka ovat yhä enemmän siirtymässä pois todellisista prototyypeistään. Maalauksellinen (kohtaukset, maisemat, kukkakimput) esineiden maalaus katoaa lähes kokonaan. Ornamentti pyrkii täplään, ääriviivaan, soveltuvuuteen. Suurin osa tuotteista, erityisesti huonekaluista, muuttuu suuriksi, massiiviksi, mutta monimuotoisiksi yleisilmeeltään ja siluettiltaan. Empire-tyylin raskaus huonekaluissa lähes hävisi jo 1830-luvulla.

1800-luvun puolivälistä lähtien arkkitehtuurin, soveltavan ja teollisen luovuuden saralla alkoivat uudet etsinnät.

Syntyi yleiseurooppalainen taiteellinen liike, nimeltään "Biedermeier", joka on nimetty yhden saksalaisen kirjailijan L. Eichrodtin hahmoista (teos julkaistiin 1870-luvulla) porvariston mukaan hänen mukavuuden, läheisyyden ihanteen kanssa.

Tehdasrauta. Venäjä. 1800-luvun toinen puoli

1800-luvun jälkipuoliskolla käsityö syrjäytettiin entisestään utilitarististen kotitaloustuotteiden tuotannosta. Vuosisatojen ajan niiden taiteellisen ratkaisun menetelmät ja tekniikat, vuosisatojen aikana kehittyneet muotoilun periaatteet ovat ristiriidassa markkinoiden massaluonteen ja tuotannon kannattavuuden uusien taloudellisten suuntausten kanssa. Vastaus muuttuvaan tilanteeseen on kaksijakoinen. Jotkut mestarit - suurin osa heistä - tekevät kompromisseja. Pitämällä tuhoutumattomana perinteinen näkemys kaikista jokapäiväisistä asioista koriste- ja soveltavan taiteen esineenä, he alkavat mukauttaa klassismin koristeaiheita kone- ja sarjateknologian kykyihin. "Tehokkaita" sisustustyyppejä ja tuotteiden koristeluja ilmestyy. Henry Cool esitti Englannissa jo 1830-luvulla ulkoisesti uudistusmielisen iskulauseen tehdastuotteiden sisustamisesta elementeillä "kuvataidemuotojen maailmasta". Monet teollisuusyrittäjät omaksuvat innokkaasti iskulauseen ja pyrkivät hyödyntämään kuluttajamassan kiintymystä ulkoisesti koristeltuihin, koristeellisesti rikastettuihin kodin sisustusmuotoihin.

Muut teoreetikot ja soveltavan taiteen harjoittajat (D. Reskin, W. Morris) päinvastoin ehdottavat alan boikotin järjestämistä. Heidän uskonsa on keskiaikaisten käsityöperinteiden puhtaus.

Maissa Länsi-Eurooppa ja Venäjällä kiinnittävät ensimmäistä kertaa teoreetikkojen ja ammattitaiteilijoiden huomion käsityöläiset ja käsityöläiset, joiden työssä säilytettiin edelleen syvät kansanperinteet. Venäjällä Nižni Novgorodin messut 1870-1890-luvuilla osoittavat näiden perinteiden kestävyyden uusissa olosuhteissa. Monet ammattitaiteilijat - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich ja muut - kääntyvät innostuneena koristetaiteen kansanperinteisiin. Venäjän eri alueilla ja maakunnissa, kaupungeissa, kuten Pihkova, Voronezh, Tambov, Moskova, Kamenetz-Podolsk ja muut, syntyy käsityöyrityksiä, joiden perustana on käsityö. Työpajojen työllä Abramtsovossa Moskovan lähellä, Talashkinossa lähellä Smolenskia, P. Vaulinin yrityksessä Pietarin lähellä ja Muravan keramiikkaartellissa Moskovassa oli erityinen merkitys kuolevan luovan käsityön elpymiselle.

Samovar. 1800-luvulla

Venäjä. Toinen puoli

Teollinen pumppu. 1800-luvulla

Kaikkien näiden työpajojen tuotteet muodostivat kuitenkin niin merkityksettömän osan kokonaiskulutuksesta, että niillä ei voinut olla merkittävää vaikutusta massatuotantoon, vaikka ne osoittivat kansanperinteitä säilyttävän koristetaiteen olemassaolon oikeutuksen massakonetuotannon ohella. asioista. Myöhemmin tämän vahvisti konetekniikan hyökkäys sellaisilla koriste- ja soveltavan taiteen aloilla kuin korut (korut), maton kudonta, räätälöinti, mikä johti niiden taiteellisen laadun jyrkäseen laskuun.

Valtaosan 1800-luvun jälkipuoliskolla valmistettujen tuotteiden muodoissa ei käytännössä kehitetä mitään uutta. Kuitenkin yleisimmän tilanteen uutuus jo tällä hetkellä lisää sisäisiä edellytyksiä innovatiivisille etsinnöille - tyylihakujen tiedostaminen tärkeänä luovana tarpeena, mestarin taiteellisen yksilöllisyyden ilmentymänä. Jos tähän asti tyylisuuntaukset (gootti, renessanssi, barokki, klassismi jne.) ovat syntyneet ja levinneet pääsääntöisesti yleisten, lähes "globaalien", spontaanisti kiteytyneiden suuntausten seurauksena maailman esteettisessä kehityksessä, niin vuodesta alkaen 1800-luvun puolivälissä tyylillinen omaperäisyys nähdään yksittäisen taiteilijan, arkkitehdin suorana luovana saavutuksena. Tässä suhteessa kiinnostus kaikkien aikojen ja kansojen taideperintöä kohtaan aktivoituu voimakkaasti. Tästä rikkaimmasta perinnöstä tulee jäljitelmien, suorien lainausten lähde tai se käy läpi outoa luovaa käsittelyä.

Pöytä ja moderni nojatuoli. 1800-luvun loppu

Tämän seurauksena suurin osa tuotteista on epätavallisen kirjava kuva, jossa välkkyvät joko selkeitä tai hienovaraisia ​​muistoja antiikista, romaanisesta aikakaudesta, goottilaista, italialaista tai ranskalaista renessanssia, Bysantin ja muinaisen Venäjän taidetta, barokkia jne. , usein eklektisesti sekoittaen yhden tuotteen, sisustuksen, rakennuksen suunnittelussa. Siksi tätä arkkitehtuurin ja soveltavan taiteen historian ajanjaksoa kutsuttiin eklektiseksi. Siitä huolimatta esineet (lamput, metallikauhat, kaukalot, astiat, jakkarat jne.) ovat suhteellisen halpoja, mutta ne on valmistettu ilman taiteellista tarkoitusta, usein rumissa muodoissa ja huonolaatuisia.

Uuden tyylin etsinnässä otetaan huomioon todellinen tarve konetuotannon olosuhteissa, toisaalta pohjimmiltaan uusi lähestymistapa tuotteiden muodostukseen ja menneisyyden koristeellisten perinteiden säilyttäminen. muu. Porvaristo, joka 1800-luvun lopulla oli ottanut vahvan aseman Venäjän taloudessa, tavoitteli omaa taiteellista ideologiaansa arkkitehtuurissa ja muotoilussa - rationaalisen, suhteellisen vapauden kulttia jalon kulttuurin arkaismeista, joka rohkaisi kaikkeen. taidetta, joka voisi kilpailla menneisyyden tyylien kanssa. Sellainen 1800-luvun lopulla oli jugendtyyli - "uusi taide" Belgiassa, Isossa-Britanniassa ja Yhdysvalloissa, "Jugendstil" Saksassa, "Secessions-tyyli" Itävallassa, "vapaa tyyli" Italiassa. Sen nimi - "moderni" (ranskasta moderne) tarkoitti "uusi, moderni" - lat. modo - "äsken, äskettäin." Puhtaassa muodossaan, häipyen ja sekoittuneena muihin tyylisuuntauksiin, se ei kestänyt kauan, noin vuoteen 1920 asti, eli noin 20-25 vuotta, kuten lähes kaikki 1600-1900-luvun tyylisuuntaukset.

Art nouveau on monipuolinen eri maat ja yksittäisten mestareiden työssä, mikä vaikeuttaa heidän ratkaisemiensa tehtävien ymmärtämistä. Ominaisuus oli kuitenkin kaikkien aiemmin käytettyjen koriste- ja koristemotiivien ja -tekniikoiden lähes täydellinen hävittäminen, niiden radikaali uudistaminen. Perinteiset reunalistat, ruusukkeet, kapiteelit, huilut, "saapuvan aallon" vyöt jne. korvataan tyylitellyillä paikallisilla kasveilla (liljat, iirikset, neilikat jne.), naaraspäillä, joilla on pitkät kiharat hiukset jne. Usein koristeita ei ole ollenkaan , ja taiteellinen vaikutus saavutetaan siluetin ilmeisyyden, muodon artikuloinnin, pääsääntöisesti ohuesti piirrettyjen, ikään kuin vapaasti virtaavien, sykkivien linjojen ansiosta. Art nouveau -tuotteiden muodoissa voi melkein aina tuntea taiteilijan hassua tahtoa, tiukasti venyneen nauhan jännitystä, liioiteltuja mittasuhteita. Äärimmäisissä ilmenemismuodoissa tämä kaikki pahenee jyrkästi, nostetaan periaatteeksi. Toisinaan tulee esiin välinpitämättömyys rakentavaa muotologiikkaa kohtaan, miltei näennäinen intohimo tehtävän näyttävään puoleen, erityisesti sisätilojen, usein tehokkaan teatterin ratkaisussa.

Kaikille heikkouksia- on noussut vaatimattomuus, toisinaan muotojen äänekkyys, uusi lähestymistapa rakennuksen, sisustuksen, sisustuksen ratkaisuun toimivan, rakentavan ja teknologisen ratkaisun logiikalla.

Moderni kynttilänjalka. 1900-luvun alku

Astiasto. XIX vuosisadan loppu.

Moderni peilipöytä. 1900-luvun alku

Suurimmassa osassa näytteistä jugend ei hylännyt tuotteiden koristelua, vaan vain korvasi vanhat koriste-aiheet ja -tekniikat uusilla. Jo 1900-luvun alussa, uuden tyylin voittojen aikaan, palasi jälleen, aluksi arasti, sitten laajalti, vanhojen tyylien muoti, jolla oli tietty yhteys juhlavuoden valmisteluihin. satavuotisjuhlavuotta. Isänmaallinen sota 1812. Pietarissa vuonna 1903 järjestetty näyttely "Modern Art" osoitti selvästi "klassisoivan modernin" syntymisen.

Moderniuden tulokset ovat monimutkaisia. Tämä on soveltavan taiteen puhdistusta eklektiikasta ja käsityöläisten mestareiden "antikoneismista" ja epäonnistuneista yrityksistä palauttaa menneisyyden tyylejä. Nämä ovat ensimmäisiä merkkejä arkkitehtuurin ja taideteollisuudesta poistumisesta funktionalismin ja konstruktivismin tielle, modernin muotoilun tielle. Samaan aikaan jugend, joka pian havaitsi suuntauksen tyylin kansallistamiseen, aiheutti uuden puhtaasti koristeellisten etsintöjen aallon. Monet maalarit kääntyvät soveltavaan taiteeseen ja sisustussuunnitteluun (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin jne.) vetoamalla kohti venäläisen sadun värikkyyttä, "piparkakkuja" jne. Perspektiivissä myöhemmän historiallisen prosessin , massateollisen tuotannon kiireellisten ongelmien ratkaisemisessa, sellaisilla kokeiluilla ei voinut olla vakavaa ideologista ja taiteellista merkitystä, vaikka ne antoivat sysäyksen toisen taideteollisuusalan - taidekäsityön ja erityisesti teatteri- ja koristetaiteen - kehitykselle. .

Art Nouveau ikään kuin selvensi ja valmisteli tietä uusien esteettisten ja luovien periaatteiden vakiinnuttamiseksi arjen asioiden luomisen taiteessa, vauhditti uuden taiteellisen ammatin - taiteellisen suunnittelun (design) - syntymistä.

Funktionalismin ja konstruktivismin muodostuminen länsimaiden arkkitehtuurin ja taiteellisen suunnittelun erityissuuntiin tapahtui 1910-luvun lopulla elämän vakiintumisen ja talouden menestyksen yhteydessä ensimmäisen maailmansodan jälkeen. Mutta uuden modernin arkkitehtuurin perusperustukset määräytyivät sotaa edeltävänä aikana sellaisten arkkitehtien kuten T. Garnier ja O. Perret (Ranska), X. Berlaga (Hollanti), A. Loos (Itävalta), P. Behrens (Saksa), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Venäjä) jne. Jokainen heistä voitti modernin vaikutuksen omalla tavallaan ja taisteli.

Vuonna 1918 perustettiin arkkitehtuurin ja taideteollisuuden erityisosastot Koulutuksen kansankomissaariaatin kuvataideosaston alaisuuteen. Asiantuntijoiden koulutukseen kiinnitetään suurta huomiota. V.I. Lenin allekirjoitti vuonna 1920 asetuksen korkeampien valtion taiteellisten ja teknisten työpajojen (VKHUTEMAS) perustamisesta. Valmistuneet loivat uusia näytteitä kankaista, huonekaluista, astioista jne.

Koulutus työpajoissa (vuonna 1927 ne muutettiin VKhUTEIN-liittoon taiteelliseksi ja tekniseksi instituutiksi), suoritettiin tiedekunnissa: arkkitehtuuri, keramiikka, tekstiilit jne. Puun ja metallin käsittelyn tiedekunnassa A.:n johdolla. Rodchenko, D . Lissitzky, V. Tatlin ja muut mestarit etsivät uusia muotoja ja malleja erilaisille esineille. Kaiken VKHUTEMASin toiminnan tavoitteena oli kehittää opiskelijoissa taitoja integroidusta lähestymistavasta arjen ja tuotannon aineympäristön suunnitteluun.

1920-luvulla kehittyi "tuotantotaiteen" suuntaus, joka kehitti funktionalismin ja konstruktivismin periaatteita ja pyrki vakiinnuttamaan taiteilijoiden mieliin esteettisen ihanteen rationaalisesti organisoidusta materiaalituotannosta. "Valmistajat" julistivat kaikki entiset taiteen muodot porvarillisiksi, joita proletariaat ei hyväksynyt. Siksi he kieltävät paitsi "käytännöllisesti hyödyttömän" kuvataiteen, vaan myös kaiken puhtaasti koristetaiteen, kuten korut. 1920-luvulla tekniset ja taloudelliset edellytykset heidän ideoidensa toteuttamiselle eivät olleet maassamme vielä kypsiä.

VKHUTEMAS ja 1920-luvun "tuotantotyöntekijät" olivat ideologisesti ja esteettisesti läheisesti yhteydessä "Bauhausiin" ja useissa tärkeissä hetkissä edustivat sen kanssa pohjimmiltaan yhtä suuntausta tuon ajan taiteellisessa suunnittelussa. Tämän uuden liikkeen puitteissa muodostui modernin muotoilun estetiikka, joka ylitti edellisen ajanjakson soveltavan taiteen ristiriidat. Muotoilun perustajien käytännön taiteellista toimintaa oli myös asioiden luomisen taiteen taiteellisten ja ilmaisuvälineiden arsenaalin kehittäminen. Heidän töissään (huonekalut, valaisimet, astiat, kankaat jne.) kiinnitettiin eniten huomiota sellaisiin materiaalien ja muotojen ominaisuuksiin kuten tekstuuri, väri, plastinen ilme, rytminen rakenne, siluetti jne., joista on tullut keskeisiä koostumustuotteita ilman, että se on ristiriidassa rakentavan logiikan ja muodon valmistettavuuden vaatimusten kanssa. Toinen maassamme menestyksekkäästi 1920-luvulla kehittynyt alue on tekninen suunnittelu. Vuonna 1925 Moskovaan pystytettiin erinomaisen insinöörin V. Shukhovin hankkeen mukaan kuuluisa radiotorni, jonka harjakattoisesta siluetista tuli pitkään Neuvostoliiton radion symboli. Vuotta aiemmin J. Gakkel loi tekniikan viimeisimpiin saavutuksiin perustuvan ensimmäisen Neuvostoliiton dieselveturin, jonka muoto näyttää nykyäänkin varsin modernilta. 1920-luvulla toteutui tarve tieteelliselle tutkimukselle ihmisen toiminnan lakeista hänen keinotekoisesti luomassaan objektiivisessa ympäristössä. Työn keskusinstituuttia järjestetään, sen seinien sisällä tutkitaan työn tieteellistä organisointia, tuotantokulttuuria koskevia kysymyksiä. Tiedemiesten ja suunnittelijoiden huomion kiinnittävät kysymykset biomekaniikasta, aistinvaraisuudesta jne. Noiden vuosien merkittävien teosten joukossa on raitiovaununkuljettajan työpaikkaprojekti (N. Bernshtein).

I. Gakkel. Veturi. 1930-luvun alku

Osana 35-vuotisjuhlavuotta Kokovenäläinen koriste-, taide- ja kansantaiteen museo avaa uudistetun pysyvän näyttelyn "Venäjän koriste- ja taidetaide 1700-luvulla - 1800-luvun ensimmäinen kolmannes".

"Pietari Suuri haastoi Venäjän, ja hän vastasi hänelle Pushkinilla", A. N. Herzenin tunnuslause määrittelee tarkimmin sen aikakauden merkityksen ja rajat, jolle näiden hallien näyttely on omistettu. Tässä esitellyt esineet ovat eläviä virstanpylväitä, jotka merkitsivät sen muodostumista ja kukoistusta kansallista kulttuuria nykyajan eurooppalaisen kulttuuriperinteen helmassa. Ne vangitsevat muutoksen elämäntapa ja taiteelliset maamerkit, vanhan muuttuminen ja uusien aihemuotojen, tekniikoiden ja jopa taide- ja käsityötyyppien synty.

Uuden näyttelyn suunnittelu perustuu periaatteeseen, että näyttelyt esitetään ainutlaatuisina taideesineinä, jotka yhdistetään temaattisiksi, tyylillisiksi ja typologisiksi lohkoiksi. Tämä päätös antaa meille mahdollisuuden arvioida kunkin esineen arvoa ajan, tyylin, tietyn koriste- ja taidetaiteen kehityksen kannalta ja keskittyy sen taiteelliseen arvoon sinänsä.

Tarkastusskenaario on rakennettu näyttelyn tilaratkaisun pohjalta, ei vain sisällöltään (typologian, teemojen, tyylin ja kronologian osalta), vaan myös visuaalisesti - Pietari Suuren ajoilta biedermeieriin.

Terriini (tureeni) kannella 1795

Uuden näyttelyn keskeiset teemat ovat: "Muutosten aika: 1600-1700-luvun vaihteessa", johon liittyy ns. "1700-luvun primitiivit", jotka järjestivät uudelleen uuden todellisuuden. aika perinteisen taiteen muodoissa; "Klassikko Venäjän XVIII luvulla", joka edustaa aikakautta Pietarista Paavaliin hovitaiteen korkeissa esimerkeissä, sekä "Venäjän valtakunta" ja "Huoneissa", jotka esittelevät venäläisen kulttuurin kahta puolta 1800-luvun ensimmäisellä kolmanneksella - loistavaa keisarillista tyyliä. ja kulttuurin muodostumista yksityisyyttä, korreloi saksalaisen biedermeier-ilmiön kanssa. Samalla näyttelyssä voit katsella teoksia tavalliseen tapaan - taiteen tyypeittäin korostaen huonekaluja, taiteellista metallia, lasia, posliinia, keramiikkaa, kivenleikkaustaidetta, luuta ja helmiä.

Erityistä huomiota tulee kiinnittää sellaisiin ainutlaatuisiin kirkkoesineisiin, kuten pyhäinjäännöksen risti ja Panagia, jotka ovat peräisin 1600-luvulta. Ne tehtiin tuolloin kalliilla tekniikalla - emalilla filigraanilla. Varhaisimpia näyttelyesineitä ovat 1600- ja 1700-luvun alun arkkuja, joissa on metalliosat ja koristeelliset koristeet, mustesäiliöt, messinkiset Ural-astiat. Uralin Demidovin tehtaan messinkiset mukit ovat silmiinpistävä esimerkki seremoniallisista edustavista metallivälineistä kattaukseen.

Kattaus- ja tarjoilutarvikkeet valmistettiin sitten eri tekniikoilla. Esimerkiksi kaksi Imperial Glass Factoryn valmistamaa lasista tummansinistä kuppia, joissa on monogrammi "EML" ja "WGS" harvinainen esimerkki maalatut tuotteet myöhään XVIII - alku XIX vuosisadalla. Pikarien latinalaiset monogrammit kuuluvat Ruotsin Venäjän-lähettilään 1793 Werner Gottlob von Schwenierille - "WGS" - ja hänen äidilleen Ebbe Maria Lagerbringille - "EML". Kuppeja säilytettiin yli kaksi vuosisataa Skarhultin linnassa Skånessa (Ruotsissa) perheen aarteena.

Näyttelyssä esitellään ainutlaatuisia näytteitä 1700-1800-luvun venäläisistä palatsin kalusteista, joista erityisen kiinnostavia ovat marquetry-tekniikalla tehdyt shakki- ja korttipöydät. 1800-luvun alkupuoliskolle tyypillisistä huonekalunäyttelyistä kiinnittää huomiota kaksi harvinaislaatuista jakob-tyylistä liukumäkeä. Myös kaksi Osip Ivanovich Boven suunnittelemaa nojatuolia kuuluvat samaan aikaan. Mielenkiintoisia ovat pariisilaisen pronssinvalmistajan Pierre-Philippe Thomiren valmistamat Minin- ja Pozharsky-takakellot sekä sisätiloissa Punaisella torilla seisova kuuluisa Ivan Martoksen muistomerkki.

Bove I.O. Nojatuoli 1800-luvun ensimmäinen neljännes

Erityinen paikka näyttelyssä on kuvakudos "Rescue of the Fishermen", joka valmistettiin Flanderissa tuntemattomassa työpajassa 1600-luvun jälkipuoliskolla - 1700-luvun alussa. Hän tuli VMDPNI:hen vuonna 1999 Kansantaidemuseon kokoelman mukana. S. T. Morozova. Kuvakudoksen juoni on lainattu Raamatusta: sävellyksen keskellä on kuvattu yksi ihmeistä - "Kävely vesillä". Kuvakudos kunnostettiin useissa vaiheissa - sen kunnostivat osittain Kansantaiteen museon asiantuntijat. S. T. Morozov, ja jo vuonna 2014 koko Venäjän koriste-, soveltavan ja kansantaiteen museon entisöijät saivat päätökseen täydellisen restauroinnin. Siten kuvakudos on saanut uuden elämän ja esitellään näyttelyssä ensimmäistä kertaa.

Asiaankuuluvissa temaattisissa osioissa esitellään 1700- ja 1800-luvun lopun lasista ja kristallista valmistettuja valaisimia, posliinista ja pronssista valmistettuja sisustusesineitä. Jokainen näyttely on referenssiesimerkki tietystä tyylistä, vangitsee aikansa henkeä ja esittelee taiteellisen ja teknisen osaamisen mahdollisuuksia.

Tällainen näyttelyn tilaratkaisu antaa museolle mahdollisuuden järjestää retkiä ja erikoisohjelmia tehokkaimmalla ja mielenkiintoisella tavalla. Mielenkiintoisimmat ja merkittävimmät näyttelyesineet esitellään laajennetuilla merkinnöillä sekä QR-koodeilla, joiden ansiosta vierailijat voivat saada tarkempaa tietoa. Näyttely on varustettu moderni järjestelmä valaistuslaitteet. Korkean interaktiivisuuden ansiosta uusi näyttely lupaa olla eläväisempi ja kiinnostavampi sekä edistää luovaa vuoropuhelua kävijöiden, erityisesti lasten ja nuorten kanssa.