kuuluisia taiteilijoita, kuvanveistäjät, grafiikat

Aivazovski Ivan Konstantinovitš(1817–1900) - venäläinen taidemaalari, merimaiseman mestari ("Yhdeksäs aalto", "Mustameri").

Borovikovsky Vladimir Lukich(1757–1825) - venäläinen ja ukrainalainen muotokuvamaalari, sentimentalisti (M. I. Lopukhinan, A. B. Kurakinin muotokuvia).

Bosch (Bos van Aken) Hieronymus (Hieronymus)(n. 1460–1516) - hollantilainen taidemaalari, yksi pohjoisen renessanssin suurimmista mestareista.

Botticelli Sandro (Alessandro di Mariano di Vani Filipepi)(1445-1510) - varhaisen renessanssin suurin italialainen taidemaalari.

Brueghel vanhin Peter ("talonpoika")(n. 1525–1569) - Flanderin taidemaalari ja graafikko, maisema- ja genrekohtausten mestari.

Bryullov Karl Pavlovich(1799-1852) - Venäläinen taidemaalari, piirtäjä, jännittävien dramaattisten kankaiden ("Pompejin viimeinen päivä") ja seremoniallisten muotokuvien ("Hevosnainen") mestari.

Van Gogh Vincent(1853-1890) - hollantilainen taidemaalari, postimpressionismin edustaja. Hänen maalauksilleen on ominaista värikontrastit, kiihkeä rytmi. Hän loi traagisia kuvia tuskallisen jännittyneellä, äärimmäisen ekspressiivisellä tavalla, rakentuen värikontrasteihin, kiihkeään rytmiin, tahnamaisen vedon vapaaseen dynamiikkaan ("Night Cafe", "Maisema Auversissa sateen jälkeen").

Van Dyck Anthony (1599–1641) - Flanderin maalari, maalauksen virtuoosi, Rubensin oppilas. Hänen töitään leimaa jalo henkisyys ("Omakuva").

pakettiauto Eik tammikuu(n. 1385 tai 1390–1441) - Flanderin varhaisrenessanssin maalari, muotokuvamestari, yli 100 uskonnollisia aiheita käsittelevän sävellyksen kirjoittaja, yksi ensimmäisistä taiteilijoista, jotka hallitsivat öljymaaleilla maalaustekniikan.

Vasnetsov Viktor Mihailovitš(1848–1926) - venäläinen taiteilija-vaeltaja. Hän loi kankaita venäläisten eeposten ja satujen teemoista ("Alyonushka", "Kolme sankaria").

Watteau Antoine(1684-1721) - ranskalainen taiteilija, genremaalauksen mestari.

Velasquez Diego (Velasquez Rodriguez de Silva)(1599–1660) - espanjalainen taidemaalari Velazquezin kankaille ("Breakfast", "Surrender of Breda") on tunnusomaista harmonia, hienovaraisuus ja värikylläisyys.

Venetsianov Aleksei Gavrilovich(1780–1847) - venäläinen taidemaalari. Suurin osa hänen teoksistaan ​​- talonpojan elämän teemoista - on kirjoitettu luonnosta.

Vereshchagin Vasily Vasilievich(1842–1904) - venäläinen taistelumaalari. Teoksissaan hän osoitti sodan kauhuja ("The Apotheosis of War"). Kuoli taistelulaivan Petropavlovsk räjähdyksessä Port Arthurissa.

Wermeeri Jan Delft(1632-1675) - hollantilainen taidemaalari, joka erottui runollisesta käsityksestään jokapäiväisessä elämässä ("Tyttö lukee kirjettä").

Veronese (Cagliari) Paolo(1528–1588) - italialainen renessanssimaalari. Hänen luomiaan maalauksia erottaa juhlallisuus ja hienostuneisuus.

Vrubel Mihail Aleksandrovitš(1856–1910) - venäläinen hopeakauden taidemaalari Hän vetosi kohti filosofista yleistystä, tragediaa, juonen symbolista ymmärtämistä ("Prinsessaunnelma", "Demoni").

Vuchetich Jevgeni Viktorovich(1908–1974) - venäläinen Neuvostoliiton kuvanveistäjä (isänmaan hahmo Mamaev Kurganissa Volgogradissa).

Ja Nikolai Nikolajevitš(1831–1894) - kuuluisa venäläinen taidemaalari, muotokuvien, historiallisten ja uskonnollisten maalausten mestari ("Viimeinen ehtoollinen", "Pietari I kuulustelee Tsarevitš Aleksei Petrovitshia Pietarissa", "Mikä on totuus?").

Gainsborough Thomas(1727–1788) - Englantilainen taidemaalari, graafikko, muotokuva- ja maisemamaalari.

Gauguin Eugene Henri Paul(1848–1903) - Ranskalainen taidemaalari, keramiikkaveistäjä ja graafikko. Cezannen ja Van Goghin ohella häntä pidetään postimpressionismin suurimpana edustajana.

Goya Francisco José de(1746–1828) - Espanjalainen taidemaalari ja graafikko, rohkea muodon uudistaja. Hänen töihinsä kuuluvat freskoja, maalauksia ("Nude Maja"), kaiverrussarjaa ("Caprichos").

kreikkalainen (El Greco)(Domenikos Theotokopoulos) (1541-1614). ) - Kreikkalaista alkuperää oleva espanjalainen taidemaalari, jonka teoksille on ominaista mystinen korotus ("Inkvisiittorin muotokuva").

David Jacques Louis(1748–1825) - Ranskalainen taidemaalari, klassisen maalauskoulun ("Oath of the Horatii") kannattaja.

Dali Salvador(1904–1989) - Espanjalainen taiteilija, yksi surrealismin näkyvimmistä edustajista. Hän antoi maalauksissaan näkyvää autenttisuutta luonnottomille tilanteille ja esineyhdistelmille.

Degas Edgar ( 1834–1917) - Ranskalainen impressionistinen maalari, pastellin mestari ("Blue Dancers").

Delacroix Eugene ( 1798–1863) - Ranskalainen taidemaalari ja graafikko, ranskalaisen romantiikan johtaja ("Vapaus johtaa ihmisiä").

Giorgione(1477–1510) - Italialainen taidemaalari, yksi korkean renessanssin taiteen perustajista ("Sleeping Venus", "Judith").

Giotto di Bondone(1266–1337) - italialainen taiteilija, modernin maalauksen ("Kristuksen valitus") perustaja.

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) ( 1386–1466) - Italialainen kuvanveistäjä, yksi renessanssin "isistä".

Durer Albrecht(1471–1528) - Saksalainen renessanssimaalari ja graafikko, taideteoreetikko (omakuvat, Madonna ja lapsi, kaiverrukset).

Kandinsky Vasily Vasilievich(1866–1944) - venäläinen taidemaalari ja graafikko, avantgardisti, yksi abstraktin taiteen perustajista.

Canova Antonio(1757–1822) - italialainen kuvanveistäjä, klassismin merkittävin edustaja eurooppalaisessa kuvanveistossa.

Caravaggio Michelangelo da (Michelangelo Merisi Caravaggio)(1571–1610) - italialainen taidemaalari, uudistaja Eurooppalainen maalaus XVII vuosisadalla. Yksi barokin suurimmista mestareista.

Kiprensky Orest Adamovich(1782–1836) - venäläinen taidemaalari ja piirtäjä, romantiikan edustaja (A. S. Pushkinin muotokuvia).

Klodt Petr Karlovich(1805–1867) - Venäläinen kuvanveistäjä, klassismin edustaja, eläinmaalari (hevosia Anichkov-sillalla Pietarissa).

Korovin Konstantin Aleksejevitš(1861-1939) - Venäläinen taidemaalari ja teatteritaiteilija, plein air maalauksen hienovarainen mestari, lähellä impressionismia.

Kramskoy Ivan Nikolaevich(1837–1887) - venäläinen taidemaalari, vaeltaja, I. E. Repinin opettaja ("May Night"). Psykologisen muotokuvan mestari, joka paljastaa monimutkaiset henkiset liikkeet ("Stranger").

Cranach Lucas vanhempi(1472–1553) - Saksalainen taidemaalari ja graafikko, joka yhdisti renessanssin taiteelliset periaatteet goottilaisen perinteen kanssa, loistava muotokuvamaalari.

Kuindzhi Arkhip Ivanovich(1841–1910) - venäläinen maisemamaalari, vaeltaja. Kuindzhin teokset osoittavat koristeellista värien sonorismia, valotehosteita, jotka ovat lähellä luontoa illuusiota ("Yö Dneprillä").

Larionov Mihail Fedorovich(1881-1964) - venäläinen taidemaalari, avantgarde-taiteilija, abstrakti taiteilija, niin kutsutun rayonismin luoja.

Levitan Isaac Ilyich(1860–1900) - Venäläinen kiertävä taidemaalari, maisemamaalari, "mielimaiseman" luoja, joka paljastaa luonnontilojen hienovaraiset vivahteet ("Ikuisen rauhan yläpuolella").

Levitski Dmitri Grigorjevitš(1735–1822) - 1700-luvun venäläinen muotokuvamaalari, seremoniallisten muotokuvien mestari.

Leonardo da Vinci(1452–1519) - italialainen taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti ja tiedemies Hän esitti naisen kauneuden ihanteen maailmankuulussa maalauksessa "La Gioconda" ("Mona Lisa").

Lysippos(IV vuosisata eKr.) - antiikin kreikkalainen kuvanveistäjä, Aleksanteri Suuren hovimaalari.

Masaccio (Tommaso di Giovanni di Simone Cassai)(1401-1428) - italialainen taidemaalari, töissään hän pyrki ilmentämään ajatusta ihmisen täydellisyydestä.

Malevitš Kazimir Severinovich(1878-1935) - venäläinen abstrakti taiteilija ("Musta neliö"), suprematismin perustaja.

Manet Edouard(1832-1883) - ranskalainen taiteilija, yksi impressionismin kirkkaimmista edustajista. Hänen teoksiaan erottaa todellisuuden havaintojen tuoreus ja terävyys ("Konsertti Tuileries'ssa").

Henri Matisse(1869-1954) - Ranskalainen taidemaalari, graafikko, joka hyväksyi koristeellisen tyylin lasimaalauksissa, kaiverruksissa, litografioissa, favismin perustaja.

Michelangelo Buonarroti(1475-1564) - italialainen taidemaalari, kuvanveistäjä ja arkkitehti ("David", maalaus Sikstuksen kappelista Roomassa).

Myron Eleutherista(V vuosisata eKr.) - Kreikkalainen kuvanveistäjä aikakaudelta, joka edelsi välittömästi kreikkalaisen taiteen korkeinta kukoistusta (VI luvun loppu - V vuosisadan alku). Suurin osa kuuluisa teos Mirona - "Discobolus".

Modigliani Amedeo(1884–1920) - italialainen taidemaalari. Modiglianin teoksille on ominaista musiikillinen siluetin ja värin hienostuneisuus, sommittelun ytimekkyys.

Monet Oscar Claude(1840-1926) - ranskalainen taidemaalari, yksi impressionismin perustajista.

Munch Edvard(1863-1944) - norjalainen taidemaalari ja graafikko, yksi ekspressionismin ("The Scream") perustajista.

Mukhina Vera Ignatievna(1889–1953) - Neuvostoliiton monumentaalinen kuvanveistäjä ("Työmies ja kolhoosinainen").

Perov Vasily Grigorievich (Kridener)(1834–1882) - venäläinen taidemaalari, yksi "Matkavien taidenäyttelyiden liiton" ("Troika", "F. M. Dostojevskin muotokuva", "Hunters on Rest") perustajajäsenistä.

Petrov-Vodkin Kuzma Sergeevich(1878-1939) - venäläinen neuvostomaalari ("Punainen hevonen"), symbolisti, romanttinen.

Picasso Pablo Ruiz(1881-1973) - ranskalainen taiteilija, työskennellyt useilla eri suunnilla - kubismi, realismi jne. Hän loi teoksia täynnä tuskaa ja protestia ("Guernica"), kuuluisan "Rauhankyyhkynen" kirjoittaja.

Pirosmani Niko(1862–1918) - Georgian primitiivinen maalari Hän maalasi ryhmämuotokuvia, kylttejä, jotka välittivät terävästi täyteyden ja elämänilon tunnetta.

Praxiteles(IV vuosisata eKr.) - muinainen kreikkalainen kuvanveistäjä, syntyi Ateenassa n. 390 eaa e. Kuuluisten sävellysten "Hermes Dionysoksen vauvan kanssa", "Apollo tappaa liskon" kirjoittaja. Suurin osa Praxitelesin teoksista tunnetaan roomalaisista kopioista tai muinaisten kirjailijoiden kuvauksista.

Poussin Nicolas(1594-1665) - ranskalainen taidemaalari, klassismin koulukunnan edustaja ("Maisema polyphemuksen kanssa").

Rafael Santi(1483-1520) - italialainen taidemaalari ja arkkitehti, jonka kankaille on ominaista klassinen selkeys ja majesteettinen henkisyys. Hän ylisti ihmisen maallista olemassaoloa, hänen henkisten ja fyysisten voimiensa harmoniaa ("Sistuksen Madonna").

Reynolds Joshua(1723-1792) - englantilainen taidemaalari ja taideteoreetikko. Virtuoosi muotokuvamaalari ("J. O. Heathfield"), hän maalasi myös historiallisista ja mytologisista aiheista.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606-1669) - hollantilainen taidemaalari, piirtäjä, etsaaja. Hän maalasi kohtauksia ja muotokuvia, jotka olivat psykologisesti monimutkaisia ​​("Night Watch", "Danae").

Renoir Auguste(1841-1919) - ranskalainen taidemaalari, graafikko ja kuvanveistäjä, lähellä impressionisteja. Hän lauloi olemisen aistillista kauneutta ja iloa.

Repin Ilja Efimovitš(1844–1930) - venäläinen ja ukrainalainen taidemaalari. Hän paljasti ihmisten hengellisen kauneuden, heidän rakkautensa vapauteen ("Kasakat kirjoittavat kirjeen Turkin sulttaanille", "Proomunkuljettajat Volgalla", "He eivät odottaneet").

Roerich Nikolai Konstantinovitš(1874-1947) - venäläinen taiteilija, 1920-luvulta lähtien hän asui Intiassa, jonka filosofialla oli valtava vaikutus hänen työhönsä.

Rodin Auguste(1840-1917) - ranskalainen kuvanveistäjä, muodon uudistaja ("Thinker", "Citizens of Calais").

Rokotov Fedor Stepanovitš(1735–1808) - erinomainen venäläinen taidemaalari. Taiteilijan teosten joukossa on hienovaraisia, runollisia muotokuvia, joissa on tietoisuus ihmisen henkisestä ja fyysisestä kauneudesta.

Rubens Peter Paul(1577–1640) - flaamilainen taidemaalari. Hänen maisemansa on täynnä voimakkaita luonnonvoimia. Talonpoikaiselämän kohtaukset ("Return of the Reapers") ovat demokraattisen hengen täynnä.

Rublev Andrei(n. 1360-n. 1430) - suuri venäläinen taidemaalari, ikonimaalari, Moskovan maalauskoulun suurin mestari. Rublevin teokset ovat täynnä syvää inhimillisyyttä ja ylevää henkisyyttä ("Kolminaisuus", maalaukset monista katedraaleista, ikonit).

Savrasov Aleksei Kondratievich(1830–1897) - venäläinen maisemamaalari, vaeltaja. Hän välitti arkisten motiivien runollista kauneutta ja merkitystä ("The Rooks Have Arrived").

Saryan Martiros Sergeevich(1880–1972) - armenialainen taidemaalari Elämää vahvistavan, tunnemaiseman mestari, tyyliltään kirkas ja koristeellisesti yleistetty ("Ararat Valley", "Armenia"), terävä psykologinen muotokuva ja juhlava värikäs asetelma.

Cezanne Paul(1839-1906) - ranskalainen taidemaalari, postimpressionisti ("Marnen pankit", "Persikat ja päärynät").

Serov Valentin Aleksandrovich(1865–1911) - venäläinen taidemaalari ja graafikko, Wanderer. Varhaiset teokset ("Girl with Peaches") ovat raikkaita ja värikkäitä.

Snyders Ranska(1579-1657) - Flanderin taidemaalari, asetelmien ja barokkityylisten eläinten sävellysten mestari ("Kukotaistelut", "Fruit Dealer").

Surikov Vasily Ivanovich(1848-1916) - Venäläinen taiteilija-vaeltaja, monet kankaat on omistettu Venäjän historian käännekohtiin ("Boyarynya Morozova" jne.). Muotokuvamestari.

Tintoretto (Robusti) Jacopo(1518-1594) - italialainen taidemaalari, yksi myöhäisrenessanssin venetsialaisen koulukunnan suurimmista maalareista.

Tizian (Tizian Vecellio)(1476-1576) - italialainen taidemaalari, venetsialaisen koulun johtaja. Hänen teoksiaan erottaa iloisuus, elämänkäsityksen monipuolisuus ("Venus ja Adonis", "Danae") ja myöhemmissä teoksissa - intensiivinen draama.

Thorvaldsen Bertel(1768–1844) - tanskalainen kuvanveistäjä, klassismin edustaja. Thorvaldsenin veistoksia leimaa plastinen täydellisyys, pidättyvyys ja kuvien idealisointi ("Jason").

Tropinin Vasily Andreevich(1776–1857) - venäläinen taidemaalari, romanttisen muotokuvan mestari.

Toulouse-Lautrec Henri de(1864-1901) - ranskalainen graafikko ja taidemaalari, postimpressionisti.

Phidias(V vuosisata eKr.) - antiikin kreikkalainen korkean klassisen ajan kuvanveistäjä. Phidiaan työtä pidetään yhtenä antiikin taiteen korkeimmista saavutuksista (Ateenan patsaat, Olympolainen Zeus).

Hokusai Katsushika(1760-1849) - japanilainen maalari ja piirtäjä, värillisten puupiirrosten mestari.

Cellini Benvenuto(1500–1571) - italialainen kuvanveistäjä, arkkitehti ja kirjailija Yksi tunnetuimmista manierismin edustajista.

Chagall Mark(1887-1985) - ranskalainen taidemaalari, surrealismin seuraaja. Suurin osa hänen kuvistaan ​​on saanut inspiraationsa venäläisistä ja juutalaisista kansanmusiikkiaiheista.

Shishkin Ivan Ivanovich(1832–1898), venäläinen taidemaalari, yksi realistisen maisemamaalauksen suurimmista mestareista. Akateemikko (1865), professori (1873), Taideakatemian maisemapajan johtaja (1894-1895). Kiertävien taidenäyttelyiden liiton perustajajäsen.

Escher Maurice Cornelis(1898–1972) hollantilainen graafikko. Hänet tunnetaan parhaiten käsitteellisistä litografioistaan, kaiverruksistaan ​​puuhun ja metalliin, joissa hän tutki mestarillisesti äärettömyyden ja symmetrian käsitteiden plastisia puolia sekä monimutkaisten kolmiulotteisten esineiden psykologisen havainnon piirteitä.

Yaroshenko Nikolai Aleksandrovich(1846–1898) - venäläinen taidemaalari-vaeltaja. Muotokuvat, maisemat, genrekohtaukset ("Stoker", "Vanhat ja nuoret") ovat dramaattisia.

Tämä teksti on johdantokappale.

Grafiikka on monipuolista. Se sisältää poliittista juliste- ja sanomalehti- ja aikakauslehtipiirustusta, kirjojen kuvitusta ja karikatyyrejä, teollista soveltavaa grafiikkaa ja elokuvamainontaa. Suuri osa siitä on maalaustelinegrafiikkaa - piirustuksia ja kaiverruksia, jotka toteutetaan itsenäisesti, käytännön erityistarkoituksen ulkopuolella. Se on nimetty niin analogisesti maalaustelinemaalauksen kanssa, jonka teoksia taiteilija luo erityisellä koneella - maalaustelineella; sana "grafiikka" tulee kreikan sanasta grapho (grafo) - kirjoitan, piirrän. Tietenkään maalaustelinegrafiikka ei ole täysin vailla tarkoitusta. Kun taiteilija ottaa siveltimen, kynän tai kaivertajan taltan käteensä, hänellä on aina tietty tavoite. Hän pyrkii välittämään ihmisille ajatuksensa ja tunteensa, käsityksensä elämästä, vahvistamaan sen arvoisia ja rankaisemaan negatiivista, näyttämään maailman hämmästyttävän, piilotetun kauneuden, jonka hän näkee. Mutta samaan aikaan maalaustelinepiirustuksen tai kaiverruksen tekijä ei aina tavoittele työllään agitoivaa tai syyllistävää päämäärää julisteiden ja pilapiirrosten mestarina, ei suorita mainos- tai utilitaristisia tehtäviä juliste- ja teollisena taiteilijana. grafiikka, hänen kuvat eivät lopulta liity kirjallisia sankareita ja tilanteet, kuten kuvittajien teoksissa.

Samalla tavalla maalaustelinemaalauksen ja -veiston mestarit, toisin kuin seinämaalarit ja sisustajat, luovat itsenäisiä teoksia, jotka eivät liity mihinkään taiteelliseen kokonaisuuteen - rakennukseen, huoneeseen, aukiolle, puistoon jne.

Telinegrafiikalla on paljon yhteistä maalaustelinemaalauksen kanssa. Vaikka niiden johtavat taiteelliset keinot ovat erilaiset, molemmilla taidetyypeillä on suuret ja monin tavoin samanlaiset mahdollisuudet kuvata luontoa, ihmisiä ja koko aineellisen maailman rikkautta. Ihmiselämän eri osa-alueet, jotka ovat aina olleet taiteen huomion kohteena, ehdottivat sen eri genrejen lisäämistä siihen - muotokuva, maisema, arki- tai taistelusommittelu, asetelma jne. Näitä genrejä on sekä Neuvostoliiton maalauksessa että taidemaalauksessa. Neuvostoliiton grafiikkaa. Maailman ihmisen sielu näkyy erityisen syvällisesti lukuisissa maalausteoksissa, kuvanveistossa ja grafiikassa. Tässä psykologiassa, monipuolisessa ja upeassa keskustelussa katsojan kanssa henkilöstä, arvostamme erityisesti maalaustelinetaidetta.

Maalaustyön kanssa paljon yhteistä maalaustelinegrafiikka on samalla toteutustavan mukaan - pääasiassa paperille - lähellä kaikkia muita grafiikkatyyppejä piirustus- ja kaiverrustekniikoiden suhteen. Se, kuten koko graafisen taiteen perhe, erottuu asioiden suhteellisesta suoritusnopeudesta sekä hyvistä toistomahdollisuuksista. Tämän ansiosta grafiikalla on ensinnäkin hienoa dataa ollakseen ajankohtaista, julkisen elämän tapahtumiin nopeasti reagoivaa taidetta, joka elää modernin rytmissä. Näitä grafiikkaan sisältyviä mahdollisuuksia, kuten alla näemme, sen mestarit käyttivät useammin kuin kerran täydellisesti. Toiseksi, koska graafinen arkki toteutetaan yleensä nopeammin kuin maalaus tai veistos (vaikka graafikolta ei vaadita vähemmän henkistä voimaa, lahjakkuutta ja taitoa), se säilyttää erityisen välittömän kommunikoinnin luonnon kanssa, mahdollisuuden live-kiinnitykseen. se. Jos tähän lisätään, että graafisten teosten esitystekniikka on hyvin monipuolinen, tulee tämän taiteen ideologinen ja esteettinen rikkaus ilmeiseksi.

Graafisten teosten tarkkaavaista katsojaa odottaa paljon mielenkiintoista. Ei heti, vaan vähitellen hänelle paljastuu jokaisen graafisen tekniikan omaperäisyys ja kauneus - grafiittikynäpiirroksen hopeinen kirkkaus ja italialaisen lyijykynän samettinen mustuus, kynäpiirustusten tarkka sujuvuus musteella tai musteella, arkuus pastellit ja sangviinit. Opimme vähitellen arvostamaan puuhiilellä, kastikkeella, mustalla vesivärillä tai musteella piirtämiseen käytettävissä olevaa rikasta harmaanmustan sävyvalikoimaa, värillisen akvarellin läpinäkyvää keveyttä ja guassin raskaampaa, materiaalista kieltä. Meitä kiehtoo puupiirrosten monipuolinen ja joustava kieli, linoleikkauksen yleisluontoiset ja lakoniset muodot, chiaroscuron ilmaisu ja etsauksen värin syvyys, litografisella lyijykynällä mallinnuspiirustuksen vapaa, runsas värisävy, pehmeys.

Usein taiteilijat työskentelevät myös sekatekniikalla yhdistäen töissään esimerkiksi hiiltä, ​​liitua ja jonkinlaista lyijykynää tai vesiväriä ja pastellia, akvarelleja ja guassia jne.

Sekä litografiassa että kaiverrustekniikoissa katsoja näkee taiteilijan työn lopputuloksen - vedoksen tai painatuksen, muuten - kaiveruksen. Yhdeltä laudalta tai kiveltä saa monia tällaisia ​​vedoksia, ja ne kaikki ovat yhtä alkuperäisiä taideteoksia. Tämä vedosten ominaisuus - niiden melko suuri levikki säilyttäen samalla kaikki taiteelliset ansiot - on meille erityisen arvokas.

Yhä useammat neuvostoihmisten piirit liittyvät nyt taiteeseen. He löytävät painetusta ajatusten ja esteettisten elämysten täyteyden, jonka aito suuri taide tarjoaa, ja samalla printti ei ole kaukainen museo-yksilöllisyys, jota näemme vain satunnaisesti, vaan asia, jolla kauneus tulee kotiin, arkeen.

Neuvostoliiton maalaustelinegrafiikka on laaja taidealueemme, jonka vielä kirjoittamaton historia sisältää upeita sivuja suuria taiteellisia hakuja ja saavutuksia. Sillä on omat loistavat perinteensä sekä venäläisessä taiteessa että useissa muissa kansallisissa taidekouluissa. Melkein kaikki menneisyyden suuret maalarit olivat myös suuria piirtämisen ja akvarellin mestareita. Aleksanteri Ivanovin ja K. Bryullovin vesivärit, Repinin lukuisat piirustukset ja vesivärit, V. Serovin ja Vrubelin grafiikat ovat taiteemme mestariteoksia täynnä ikuista viehätystä. Demokraattisena taiteena, joka kantaa taiteilijoiden kuvia ja ajatuksia kansalle, litografia ilmestyi Venäjälle 1800-luvun alussa. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov, myöhemmin Perov, Shishkin, Vl. Makovsky, Levitan ja muut taiteilijat. 1800-luvun 40-luvulla Shchedrovsky albumissa "Tässä ovat meidän" näyttää katsojakaupan, käsityöläiset, kansantyypit. Tämä oli ensimmäinen kokemus värilitografian luomisesta venäläisessä taiteessa. Viime vuosisadan johtavat taiteilijat arvostavat kaiverrustaitoa sen suhteellisen paremmasta saavutettavuudesta ihmisten ulottuville, koska se tuo heidän luomuksensa lähemmäksi kansanyleisön yleisöä. Ukrainalaisen runouden klassikko ja taiteilija T. G. Shevchenko, joka työskenteli etsauksessa, kirjoitti vuonna 1857: "Kaikista kuvataiteet Tykkään kaivertamisesta nyt eniten. Eikä ilman syytä. Olla hyvä kaivertaja tarkoittaa olla kauniin ja opettavaisen levittäjä yhteiskunnassa. "Shishkin oli myös etsauksen harrastaja. I. E. Repin kääntyi toistuvasti erilaisiin kaiverrustekniikoihin. Kaikki lajityypit - arki, historialliset kohtaukset, muotokuva ja maisema - kehittyy viime vuosisadan litografiassa, etsauksessa ja piirtämisessä.

1900-luvun alun grafiikassa, kuten kaikessa taiteessa, on monimutkainen, toisinaan päinvastaisten suuntausten kutoutuminen. Vuoden 1905 vallankumouksen tapahtumat vangitsevat aikakauslehtigrafiikkaa erityisen voimakkaasti, mutta ne löytävät vastauksia myös maalaustelineissä - S. Ivanovin etsaukset, V. Serovin pastellivärit, järkyttynyt todistaja tsarismin kostoista työläisiä vastaan. Näissä teoksissa, samoin kuin Kasatkinin kuvissa kaivostyöläisistä, työläisistä, opiskelijoista, S. Korovinin sotilaita kuvaavissa piirustuksissa, Sergei Ivanovin köyhille siirtolaisille omistetuissa arkissa on kiinnostusta työmiehelle ominaista. kehittyneen venäläisen taiteen ja sympatian hänen vaikeaa ja usein traaginen kohtalo. Mutta näiden vuosikymmenten grafiikassa on myös taipumus siirtyä pois sosiaalisen todellisuuden monimutkaisuudesta ja ristiriidoista. Joissain tapauksissa tämä suuntaus pakottaa taiteilijoiden teoksiin eräänlaista passiivista pohdiskelua, toisissa taas johdattaa taiteilijat töissään palatsin halleihin ja puistoihin, jotka ovat kaukana ja vieraita laajalle yleisölle. Vallankumousta edeltävän grafiikan lähes johtava genre on maisema. Se työllistää sellaiset suuret mestarit kuin A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lansere ja muut. He näkevät hienovaraisesti monipuolisen luonnon kauneuden, sen eri tilat, arkkitehtuurin runouden suhteessa maisemaan. Tämä maailman kauneuden ihailu on heidän teostensa tärkein ikuinen sisältö, joka innostaa meitä tähän päivään asti. Mutta joskus ripaus mietiskelyä tuntuu heidän lakanoissaan.

Vallankumousta edeltäneessä kaiverruksessa, aikakauslehtien ja kirjojen kuvituksessa enemmän kuin muissa taiteen muodoissa tuntui World of Art -yhteiskunnan vaikutus, ehkä siksi, että monet sen jäsenistä olivat korkean ammattitason graafikkoja. Näistä taiteilijoista tähän yhteisöön kuuluivat Ostroumova-Lebedeva ja Lansere. Kuitenkin kaikki heidän työnsä parhaat puolet muodostuivat vastoin "taiteen maailman" teoreetikkojen esteettisiä asenteita, jotka puolsivat "puhdasta taidetta" kaukana elämästä. "Taiteen maailman" päähahmojen A. Benoisin, K. Somovin ja muiden maalaukset, vesivärit ja piirustukset herättivät henkiin menneiden aikakausien hovielämän uljaan ja eloton maailman, olivat hienostunut ja opittu historian peli. Vallankumousta edeltävässä grafiikassa syntyy siis teoksia, jotka ovat kyllästyneet kaikella yhteiskunnallisten ristiriitojen draamalla, ilmestyy massa kammiolyyrisiä maisemia ja samalla kukoistaa retrospektivismi, eli poikkeaminen modernista, esteettisyydestä. taiteen maailma.

Vallankumouksen jälkeisinä ensimmäisinä vuosina maalaustelinegrafiikan ulkonäkö muuttui vähän. Nämä ankarat vuodet olivat sotilaallisen kovaäänisen julistetaiteen, kiihottavan monumentaaliveistoksen ja joukkolomien koristelun uuden taiteen aikaa. Tällaisten taiteen nopean kehityksen taustalla maalaustelinegrafiikka näyttää aluksi erityisen perinteiseltä. Periaatteessa täällä työskentelevät samat mestarit kuin vallankumousta edeltävinä vuosina, eikä heidän työnsä, joka on jo pitkälti määrätty, käy läpi välittömästi ja nopeasti monimutkaisia ​​muutoksia, jotka liittyvät uuden todellisuuden vaikutuksiin. Maisema- ja muotokuvasta tuli maalaustelinegrafiikan johtavia genrejä. Taiteilijat kuvaavat rakkaudella kaupunkien muinaisia ​​kulmia, merkittäviä arkkitehtonisia monumentteja, luonnon ikuista kauneutta, jotka eivät ole alttiina sosiaalisille myrskyille. Heidän työssään on paljon kiehtovaa käsityötaitoa, rauhallista ihailua maailman kauneudesta. Mutta tätä menneisyyteen kääntyneen retrospektiivisen maiseman suljettua pientä maailmaa näyttää suojan näkymätön muuri maassa tapahtuvilta tapahtumilta.

Kotimaisen genren teokset, joita syntyi vähän, kuvaavat samaa hiljaista ja vaatimatonta elämää, joka ei koske sosiaalisia mullistuksia, yksinkertaista kotityötä.

Näiden vuosien grafiikkaa hallitsevat kaiverrukset ja litografiat; piirtäminen ja akvarelli eivät ole yleisiä. Maisemat ja muotokuvat julkaistaan ​​usein kaiverrusalbumeissa, ja nämä ovat pienilevikkisiä ja kalliita painoksia harvoille asiantuntijoille.

Läheisyys erottaa muotokuvatyöt. Muotokuvamaalareiden mallit ovat yleensä taiteilijoita, kirjailijoita, taiteilijoita, eli melko kapea joukko ihmisiä henkisesti lähellä tekijää. Heidän sisämaailmansa paljastuu hienovaraisesti ja tarkkaavaisesti, mutta ei vielä sellaisella suuren yleistyksen tasolla, joka on myöhemmin neuvostotaiteen käytettävissä.

Ja vain N. A. Andreevin tekemissä muotokuvissa, erityisesti hänen kuvissaan V. I. Leninistä, grafiikan muotokuvalaji saa välittömästi uusia ominaisuuksia, yleistyvän voiman, sosiaalisen äänen. Nämä piirustukset kuuluvat oikeutetusti neuvostotaiteen parhaisiin saavutuksiin, ne ilahduttavat meitä edelleen ja osallistuvat elämäämme. Mutta niiden luomisvuosina nämä arkit olivat ikään kuin loistava poikkeus, joka vain vahvisti säännön - toisin sanoen useimpien muotokuvatöiden yleisen kammioluonteen. Andreevin piirustuksista, ikään kuin aikaansa edellä, aloitamme tutustumisen Neuvostoliiton maalaustelinegrafiikkaan.

N. A. Andreeville (1873 - 1932) - kuuluisalle kuvanveistäjälle, Moskovan muistomerkkien kirjoittajalle Gogolille, Ostrovskille, Vapauden muistomerkille, piirtäminen ei ollut vain välttämätön työn valmisteluvaihe, vaan myös itsenäinen luovuuden alue . 1920-luvun alussa hän teki suuren määrän graafisia muotokuvia - Dzerzhinsky, Lunacharsky, Gorky, Stanislavsky, Taideteatterin taiteilijat ja muut.

Mies kaikessa luonteensa eheydessä - se kiinnosti muotokuvamaalari Andreevia. Hänen levyissään mallin sisäinen maailma on hahmoteltu selkeästi, luotettavasti, yksityiskohtaisesti, mutta ilman puolisävyjä ja vivahteiden rikkautta. Tutustumalla Andreevin muotokuviin saamme tavallaan summan erittäin tarkkoja, todennettuja tietoja niissä kuvatuista ihmisistä. Nimenomaan tämän tiedon selkeys on eräänlainen Andreevin työn paatos, ja myös muotokuvien esitystapa tottelee häntä.

Suuri osa tästä tavasta tulee taiteilijan veistoksellisesta näkemyksestä muotoa. Tämä on piirustuksen korostunut plastisuus, pakollinen ilmeisen siluettiviivan etsintä, mutta myös värin jäykkyys, ilman tunteen puute. Mutta tärkeintä tässä oli se positiivinen, joka antoi Andreevin veistoksellisen lahjakkuuden - kyvyn nähdä malli kokonaisuutena, tärkeintä pään ääriviivoissa, nähdä ulkonäön erityispiirteet, puhdistettu satunnaisista viivoista ja käännöksistä. Tämä siluetin eheys yhdistettynä kasvojen, erityisesti silmien, yksityiskohtaisimpaan kehitykseen muodostaa taiteilijan ainutlaatuisen tavan. Häntä palvelivat hyvin Andreevin käsissä sanguine-, pastelli-, värikynät sekä hiili tai italialainen lyijykynä, joilla päämäärät hahmoteltiin.

Samalla tavalla Andreev toteutti useita muotokuvia V. I. Leninistä, jotka ovat osa hänen kuuluisaa Leninianaansa - laajaa luonnosten, piirustusten, luonnosten ja veistosten sykliä, jonka luominen oli Andreevin elämän pääteos neuvostovallan vuosina. . Andrejevin Leninin muotokuvat eivät ole meille vain lahjakkaan taiteilijan töitä, vaan myös arvokas paljastus silminnäkijälle, henkilölle, joka toistuvasti tarkkaili Leniniä kongresseissa ja kongresseissa sekä Kremlin toimistossaan. Andreev teki tämän työn aikana paljon pintaluonnoksia, mutta valmiita kuvallisia muotokuvia on vain kolme; taiteilija ymmärsi täydellisesti tehtäviensä monimutkaisuuden ja erityispiirteet mahdollisen toteutusnopeuden kanssa.

Yhdessä näistä muotokuvista Leninin lievä silmänräpäys, tuskin havaittavissa oleva hymy puhalsi kuvaan elämää ja loi kuvan, joka on täynnä inhimillistä lämpöä. Samalla muotokuvassa asuu tunne johtajakuvan yhteiskunnallisesta merkityksestä, ja siksi tämä arkki on sisällöltään niin uutta noiden vuosien graafisen muotokuvan taiteelle (ill. 1).

Leninin - joukkojen johtajan, jolla on vielä suurempi voima ja ilmaisu -teeman kehitti Andrejev V. I. Leninin profiilikuvassa, joka on usein päivätty 1920-luvun alkuun. Tämän inspiroidun kuvan impulssi ja energia, sen ylevä sankarillisuus valloittaa sydämet. Samalla ymmärrystä historiallinen rooli V. I. Lenin erottuu täällä sellaisesta kypsyydestä, että tämä Andreevin teos näyttää olevan paljon edellä 1920-luvun alun taiteen rajoja. Kaikesta näiden vuosien taiteen rikkaudesta ja saavutuksista huolimatta emme löydä siitä sellaista tunnetta Leninin tekojen mittakaavasta, Leninin ajattelun laajuudesta, sellaista historiallista ymmärrystä hänen kuvastaan. Ja oikeudenmukaiselta vaikuttaa "Leninianan" tutkijan L. Trifonovan äskettäinen oletus, että vasta 1930-luvulla tunnetuksi tullut muotokuva ei luotu 1920-luvun alussa, vaan myöhemmin. Lakoninen kieli ja sisäinen sisältö antavat tälle levylle todellista monumentaalisuutta. Ei ole turhaa, että tämä muotokuva on nyt tuttu laajalle yleisölle paitsi monista kopioista: se on tehty mosaiikkina, se on maalattu H:t-paneeleilla, kun koristellaan juhlapyhiä. Valtavaan kokoon suurennettu piirustus ei menetä mitään lakonisesta ilmeisyydestään,

G. S. Vereisky (s. 1886) työskenteli myös muotokuva-alalla Neuvostoliiton grafiikan muodostumisen ensimmäisistä vuosista lähtien. Ihmisen yhteiskunnallisen merkityksen arvioinnin hetki tulee olemaan tärkeässä asemassa myöhemmin hänen asioissaan, mutta taiteilijan polku tähän ja erityisesti ensimmäisten teosten luonne oli erilainen kuin Andreevin. G. S. Vereisky sai ensimmäiset taitotaitonsa yksityisessä studiossa Harkovissa, opiskeli yliopistossa, osallistui opiskelijoiden vallankumoukselliseen piiriin ja vuoden 1905 vallankumouksellisiin tapahtumiin, tähän liittyen vankilaan ja sitten useiden vuosien maastamuuttoon - nämä ovat joitain hetkiä taiteilijan elämäkerrasta. Vuodesta 1918 lähtien Vereisky työskenteli useita vuosia Eremitaasin kaiverrusosastolla. Hän saapui sinne jo hallussaan merkittävää tietoa maailmantaiteen historiasta, kun taas hänen pitkä työnsä Eremitaasissa rikastutti häntä vielä enemmän tässä suhteessa. Ei kirja, vaan elävä tieto maailmantaiteen mestariteoksista jätti jälkensä taiteilijan luovaan imagoon; suuri kulttuuri, jalo, yksinkertaisuus, jonka takana on vaativuus, erottavat hänen lukuisista teoksistaan. Vereisky aloitti litografisista muotokuvista, ja vaikka tunnemme hänet nykyään erinomaisena piirtäjänä ja etsarina, hän teki eniten litografian alalla.

Työnsä alusta lähtien Vereiskylle oli ominaista uskollisuus luontoon, havainnointi. Siksi ehkä tämän taiteilijan pitkä polku taiteessa näyttää ensi silmäyksellä sileältä ja rauhalliselta. Itse asiassa häntä leimaavat jatkuvat etsinnät, taitojen parantaminen,

Bereiskyn ensimmäinen albumi "Russian Artists" julkaistiin vuonna 1922. Näemme täällä täysin edustettuna ryhmän "World of Art" -seuran taiteilijoita perustajista toiseen sukupolveen. Vereisky tuntee mallinsa täydellisesti ja vangitsee tarkasti jokaisen taiteilijan henkisen tunnelman, luonteen - Benoisin synkän vakavuuden ja epämiellyttävän yksinäisyyden, Somovin ilottoman keskittymisen, piiklevän ilmeen, Mitrohhinin sisäisen elämän intensiivisyyden jne. arkkien sekä Andreevin muotokuvista voimme oppia paljon täällä kuvatuista ihmisistä, mutta Vereiskin muotokuvissa ei ole hetkeä ihmisten arvioimiseksi niin sanotusti etäältä, luonnehdinnat annetaan kammiossa , intiimi-lyyrinen taso, ja kysymystä heidän toiminnan yhteiskunnallisesta merkityksestä ei ole vielä nostettu esille. Seuraavissa albumeissa 1927 - 1928 Vereisky löytää jo tarkemmin mallin luonnollisen ja rento asennon, piirtää varmemmin ja vapaammin. Menestyksekkäitä muotokuvia taiteilijoista Golovin, Zamirailr, arkkitehti Shchuko, kriitikko Yaremich, Notgaft. Vereisky pystyi hyvin välittämään sisäisen kulttuurin, mielen eloisuuden, suuren koulutuksen viehätyksen, joka on luontaista hänen kuvaamilleen ihmisille.

1930-luvulla Vereisky työskenteli paljon lentäjien muotokuvien parissa, ihaillen heidän rohkeuttaan ja rohkeuttaan, yrittäen korostaa näitä ominaisuuksia kuvauksessaan. Ja kun hän suuren isänmaallisen sodan alussa loi muotokuvia Fisanovitšin, Meshcherskyn, Osipovin ja muiden taistelujen rohkeista osallistujista, ne näyttivät jatkolta taiteilijan tarinalle urheista Neuvostoliiton sotilaista, jotka alkoivat teoksista. 1930-luvulta.

Mutta Vereiskyn tärkein saavutus tänä aikana ja sen jälkeen olivat kulttuurihenkilöiden muotokuvat. Erityisen selkeästi sotavuosina taiteilija koki muotokuvien teemana luovuus, arvokas ja taiteilijalle luovuttamaton kyky työskennellä luovalla näkemyksellä vaikeinakin hetkinä. Näissä arkkeissa Vereiskin suurta teknistä taitoa näytti ensimmäistä kertaa valaisevan syvä emotionaalinen jännitys, ja hänen aina oikeat ja tarkat muotokuvansa saivat elävän emotionaalisuuden. Eremitaasin johtaja, orientalisti I. A. Orbeli ja runoilija N. Tikhonov, piirsi hän Leningradin piirityksen päivinä; hänen vaikeutensa jättivät jälkensä näiden ihmisten ulkonäköön, mutta työolosuhteista huolimatta ja heidän luova syvyytensä välittyy konkreettisesti ja selkeästi. Samaa inspiroituneiden etsintöjen runoutta on myös taiteilija E. E. Lanseren, kapellimestari E. A. Mravinskyn, taidemaalari T. N. Yablonskajan muotokuvissa (ill. 2). Jälleen kerran täällä esitellään eri ammattien kulttuurihenkilöitä, mutta kuinka heidän sisäinen maailmansa on muuttunut, heidän kiihkeä omistautumisensa taiteeseen on valaistu uudella merkityksellä. Vereiskyn teosten entinen intiimiys katoaa, ja kysymys julkinen rooli taide soi täydessä voimissaan hänen muotokuvissaan vuosilta 1940-1950. Hänen psykologisen kirjoittamisensa menetelmät eivät muuttuneet erilaisiksi, vaan vain tarkemmiksi, mutta hänen ominaisuuksiensa tavanomaisesta tunnollisesta totuudesta, hänen kuvaamiensa ihmisten suuren sisäisen läheisyyden muodoista, läheisyydestä pääasiassa - ymmärryksen ymmärtämisessä. hänen työnsä merkitys, ikään kuin itsestään olisi ilmoitettu.

Sanomalla G. S. Vereiskyn nimen, muistamme usein välittömästi M. S. Rodionovin (1885 - 1956) teokset - taiteilijan, jonka taide oli monin tavoin sisäisesti lähellä G. S. Vereiskiä. Ja tärkeimmät työalueet - muotokuva ja maisema (joita Vereisky teki myös paljon) sekä tavan tiukka kauneus ja huomaavaisuus luonnontutkimuksessa olivat yhteisiä näille taiteilijoille. M. S. Rodionovin vuosina 1944-1946 esittämä, myös litografiatekniikalla, sarja tutkijoiden ja taiteilijoiden - Abrikosovin, Baranovin, Vesninin ja muiden - muotokuvia sisältää grafiikassamme samaa vakavuutta, vailla ulkoista näyttävyyttä, vahvaa sisäistä totuudenmukaisuus muotokuvataide, jonka hahmottelevat G. S. Vereiskyn teokset.

Vereiskyn ja Rodionovin teokset veivät meidät kauas ensimmäisistä vallankumouksen jälkeisistä vuosista. Palataksemme niihin, meidän on täydennettävä meille jo tuttua muotokuvateosten piiriä B. M. Kustodievin (1878 - 1927) teoksilla. Suuri taidemaalari Kustodiev työskenteli paljon grafiikan parissa. Mielenkiintoinen muotokuva F. I. Chaliapinista, jonka hän toteutti vuonna 1921 vesivärillä ja kynällä. Jos tämän muotokuvan ensimmäisessä versiossa arjen sinetti ikään kuin sammuttaa sisäisen valon Chaliapinin kasvoista, niin edelleen taiteilija luo monimutkaisen ja samalla vakuuttavan kuvan; aistii hänessä lahjakkuuden, leveyden, eleganssin ja jonkin kätketyn ajatuksen (ill. 3).

Toinen laajalle levinnyt tyylilaji 1920-luvun grafiikassa oli maisema. Yksi sen suurimmista mestareista oli A. P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955). Hänen varhain herännyt kiinnostuksensa taiteeseen johti hänet Stieglitzin tekniseen piirustuskouluun, jossa hän opiskeli erinomaisen opettajan ja kaivertajan V. V. Maten, monisävykaiverruksen suuren mestarin, johdolla. Ostroumovan luovaa profiilia ei määritetty heti. Muutettuaan Taideakatemiaan hän opiskeli siellä useiden opettajien johdolla, ja hänet hyväksyttiin myöhemmin I. E. Repinin opiskelijaksi. Tämä oli tapahtuma, joka jätti jälkensä kaikkiin taiteilijan myöhempään toimintaan. "Syvyyksissä, taiteemme ytimessä, Repinskyn iloinen, raikas ja ikuisesti elävä realismi on jokaisen kulmakivi", Ostroumova kirjoitti myöhemmin. Pikkuhiljaa taiteilijan kiinnostus kaiverrukseen ja erityisesti värillisiin puupiirroksiin on muuttumassa määrätietoisempaa. Hän opiskeli tämän taiteen hienoja esimerkkejä eri kokoelmista Pariisin-matkallaan. Kaikista kaiverrustekniikoista Venäjällä 1900-luvun alun puupiirrokset olivat vähiten itsenäistä taiteellista arvoa ja olivat olemassa pääasiassa jäljentämismenetelmänä. maalaukset. Värilliset puupiirrokset unohdettiin kokonaan. Siksi, kun Ostroumova-Lebedeva lähetti akatemialle kilpailuun joukon kaiverruksiaan, mukaan lukien värillisen puupiirroksen flaamilaisen taiteilijan Rubensin maalauksesta "Perseus ja Andromeda", tuomaristo hylkäsi aluksi tämän arkin ja luuli sen akvarelliksi. .

Koko elämäni ajan luova elämä Ostroumova-Lebedeva kantoi intohimoa puupiirroksia ja akvarelleja kohtaan. Ensimmäisestä niistä taiteilija itse kirjoittaa rakkaudella ja runoudella:

"Arvostan tässä taiteessa esityksen uskomatonta ytimekkyyttä ja lyhyyttä, sen lakonisuutta ja tästä johtuen sen äärimmäistä terävyyttä ja ilmaisukykyä. Arvostan sen viivojen armotonta varmuutta ja selkeyttä puukaiverruksessa... Itse tekniikka ei salli tarkistuksia varten, joten puukaiverruksessa ei ole varaa epäilyille ja epäröinnille ...

Ja kuinka kaunista onkaan työkalun juokseminen kovalla puulla! Lauta on niin kiillotettu, että se näyttää sametilta, ja tällä kiiltävällä kultaisella pinnalla terävä taltta juoksee nopeasti, ja taiteilijan koko työ on pitää hänet tahtonsa rajoissa!

Upea hetki, kun kovan ja hitaan työn jälkeen, johon liittyy jatkuvaa intensiivistä huomiota - älä tee virhettä - rullaat maalia telalla ja kaikki taululle jättämäsi viivat alkavat loistaa mustalla maalilla, ja yhtäkkiä ilmestyy piirustus laudalla.

Olen aina pahoillani, että niin loistavan kaiverruksen kukinnan jälkeen, joka oli 1500- ja 1600-luvuilla, tämä taide alkoi kuihtua, siitä tuli palvelu, käsityö! Ja olen aina haaveillut antaakseni hänelle vapauden!"

Jo vallankumousta edeltävinä vuosina Ostroumova loi monia upeita teoksia - näkymiä Pietariin ja sen ympäristöön, maisemia, jotka on maalattu matkoilla Italiassa, Espanjassa, Ranskassa,

Hollanti. Muuttumaton tarkkuus ja luontouskollisuus yhdistyvät niissä jo suureen yleistämisen lahjaan. Taiteilija Pietari piirtää erityisen läpitunkevasti ja runollisesti. Kaupunki kohoaa lakanoissaan majesteettisena, täynnä harmoniaa ja kauneutta. Sävellyksen harmonia, lineaarinen selkeys, värien puhtaus erottavat hänen teoksensa.

Vallankumouksen jälkeen, joka aiheutti taiteilijalle muistelmiensa mukaan luovan energian ja iloisen nousun, Ostroumova työskentelee edelleen eniten arkkitehtonisen maiseman genressä. Hänen lakanoissaan, kuten ennenkin, kaupunki ei ole vilkkaat kadut, jotka kuhisevat aktiivista väkeä, vaan ennen kaikkea kauniin arkkitehtuurin valtakunta, sen kestävä kauneus.

Samalla taiteilijalle paljastuu kaupungin ilmeessä uusia piirteitä, ja hänen maalaustensa hillitty emotionaalisuus vaihtuu toisinaan myrskyisemmällä, impulsiivisemmalla fiiliksellä. Yhden maisemagenren puitteissa Ostroumova luo hyvin monipuolisia ja aina sisäisesti olennaisia ​​asioita. Muista esimerkiksi hänen vuoden 1918 akvarelli "Petrograd. Field of Mars". Tämä arkki, jossa pilvet liikkuvat nopeasti korkealla taivaalla, aukion avaruus ja Suvorovin muistomerkin hoikka, eteenpäin katsova hahmo on täynnä piilotettua jännitystä ja paatosa. Taiteilijan asenne täällä on rohkea, iloinen, hänen kuulemansa elämänrytmit ovat selkeitä, marssimainen ja marssin tavoin musikaali. Ostroumova maalaa kevyin vedoin, muodoltaan yleistettynä, yksityiskohtia käyttäen viisaasti maltillisesti. Vaikuttaa siltä, ​​että tämä arkki on piirretty melko yksinkertaisesti, mutta sen yksinkertaisuuden takana on taito ja loistava taiteellinen maku. Se ilmenee myös tämän asian vaatimattoman ja kauniin paletin jaloudessa.

Puupiirros "Smolny" on täynnä Ostroumovan epätavallista myrskyistä emotionaalisuutta. Vallankumouksen henkäys ikäänkuin puhaltaa tämän maiseman ja rauhan rakentamisen yli klassisia muotoja näyttää elävän jälleen, kuten lokakuussa 1917. Mustan ja valkoisen yhteentörmäys näyttää kaksinkertaistavan kunkin värin voiman. Propylaean pylväät, jotka merkitsevät Smolnyn sisäänkäyntiä, muuttuvat uhkaavasti mustiksi, maa loistaa kirkkaalla valkoisuudella, vedot pyörivät nopeassa liikkeessä, ääriviivat tien rakennukseen syvyyksissä, puu kaartaa puuskaisen tuulen alla ja vino. putoavat viivat rajaavat hieman taivasta Smolnyn yllä. Luodaan kuva täynnä impulsseja, liikettä, romanttista jännitystä. Lisäksi kuinka kaunis ja viehättävä tämä musta puupiirros on, kuinka suuria ovat sen puhtaasti koristeelliset ansiot.

Pavlovskia kuvaavien pienten puupiirrosten sykli erottuu myös koristeellisuudesta. Taiteilija näki koristeellisuuden puunipun ääriviivoissa, patsaan tai ristikon siluetissa, elämässä havaittuna ja siksi vakuuttavana.

Klassinen esimerkki Ostroumova-Lebedevan suuresta taidosta on maisema "Kesäpuutarha kuurassa" (1929; ill. 4).

Autiopuutarhan rauhallisuus täyttää sinut, kun katsot tätä kaiverrusta; sinä ikään kuin löydät itsesi sen kujalta - näin kirjoittaja käyttää arkin koostumusta. Jalanjälkien ommel syvässä lumessa ja lumen peittämän mustan ritilän rytmi hahmottelevat liikettä arkin syvyyksiin, ja sitä pyöristää siellä kevyesti sillan kevyt siluetti. Liike ja kaukaiset ihmishahmot elävöittävät koko arkin, mutta eivät riko sen lumista viehätysvoimaa. Se on yhdistelmä hämmästyttävää rauhaa, hiljaisuutta ja elämän tunnetta iso kaupunki, joka virtaa jonnekin hyvin lähellä, ja tästä kaiverruksesta syntyy erityinen viehätys. Talven runous, sen sumeat värit, huurteinen ilma, joka puhaltaa puiden latvujen yli hauraassa vaaleanpunaisessa kuurassa, on taiteilijan toimesta tässä kauniisti välitetty.

Suuren isänmaallisen sodan aikana jo yli seitsemänkymmentä vuotta vanha Ostroumova-Lebedeva ei lähtenyt Leningradista. Hän jakoi kaikkien asukkaiden kanssa saarron uskomattomat vaikeudet eikä lopettanut työskentelyä parhaan kykynsä mukaan. Hänen näihin vuosiin liittyvien muistelmiensa sivut eivät ole vain vaikeuksien ja henkisten ahdistusten kronikka, vaan myös todiste ikuisesta luovasta palamisesta, väsymättömästä halusta työskennellä. Tällainen rakkaus taiteeseen, suuri omistautuminen sille ovat edelleen esimerkki nuorille taiteilijoille, ja Ostroumova-Lebedevan saavutukset kaiverruksessa ja erityisesti hänen taiteellisten värillisten puupiirrosten elvyttäminen jäävät suuren mestarin horjumattomaksi panokseksi taide.

V. D. Falileevin (1879 - 1948) teokset ovat monella tapaa asenteeltaan ja tyyliltään lähellä Ostroumova-Lebedevan teoksia. Hän oli myös mustien ja värillisten puupiirrosten mestari ja kääntyi etsauksen ja linoleikkauksen pariin etsiessään jatkuvasti uusia teknisiä mahdollisuuksia työlleen, erityisesti väriin. Falilejevin maisemat, jotka kuvaavat sekä kotimaata että ulkomaalaisia, houkuttelevat meitä samalla tunteiden täyteydellä, kyvyllä nähdä kauneutta tavanomaisissa luonnonaiheissa kuin Ostroumova-Lebedevan teoksissa, mutta harmonia ja klassinen linjojen puhtaus ovat vähemmän. hänen kaiverruksissaan tavallista, hänen piirustustapansa on vapaampi ja jotenkin levottomampi, väritys kuumempi ja maalauksellisempi. Samaan aikaan kyky yleistää vaikutelmiaan, luoda tilava taiteellinen kuva minimaalisin keinoin tekee Falileevista sukua Ostroumova-Lebedevaan. Tässä mielessä on tyypillistä esimerkiksi Falilejevin "Italia" värillisten linoleikkausten albumi, jossa taiteilija omistaa vain yhden arkin yhdelle tai toiselle kaupungille erittäin lakonisissa koostumuksissa, joissa on toisinaan vain fragmentti rakennuksesta, ikään kuin keskittyy tyypillisimmin Italian kaupunkien ilmeeseen.

Taiteilija on kiinnostunut myös myrskyisestä luonnosta, hän tekee etsaussarjan "Rains", useissa arkeissa hän varisee, tutkii meren vaihtelevaa ulkonäköä, myrskyisen meriaallon ääriviivoja. Myrsky- ja sadeaiheisissa maisemissa jotkut tutkijat näkevät eräänlaisen graafisen vastauksen vallankumoukselliselle myrskylle, mutta tällainen lähentyminen vaikuttaa silti liian suoraviivaiselta. Ja Falileevin kanssa emme uskalla luoda samanlaista suhdetta hänen juoniensa ja sosiaalisten tapahtumien välille. Mutta hänen teostensa kokonaisuudessa, niiden sisäisen rakenteen erityisessä intensiivisyydessä todellakin tuntuu sosiaalisen maailman monimutkaisuudesta, ja se näkyy hänen maisemalevyissään selvemmin kuin esimerkiksi Joukot-linoleikkauksessa. , koska Falileev oli ensisijaisesti maisemamaalari.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) oli myös maisemagenren edustaja grafiikassa. Moskovassa oli hänen persoonansa runoilija, joka oli niin omistautunut ja koskaan kyllästynyt laulamaan sitä, kuten Leningrad Ostroumova-Lebedevan persoonassa. Pavlov oli melkein samanikäinen kuin Ostroumova, mutta hänen polkunsa taiteeseen alkoi muissa, vaikeammissa elinoloissa. Vankilan ensihoitajan poika, myöhemmin vartija Kristuksen Vapahtajan katedraalissa Moskovassa, hänen piti "mennä kansan luo" varhain ja ilmoittautui oppipoikaksi kaiverrustyöpajaan. Kaiverrukset V. Makovskin maalauksista olivat ensimmäisiä teoksia, jotka toivat hänelle menestystä. Myöhemmin Pavlov opiskeli Stieglitzin teknisen piirustuksen koulussa ja Maten työpajassa sekä taiteiden edistämisyhdistyksen koulussa, mutta ei kauan työtarpeen vuoksi. Maalausten jäljentämisessä taiteilija saavuttaa suuren taidon, ja hänen kaiverruksensa julkaistaan ​​noiden vuosien suosituissa aikakauslehdissä, jotka tutustuttavat lukijoihin suurten maalareiden - Repinistä V. Makovskiin - töihin. Valomekaniikka kuitenkin syrjäyttää tämän toistotavan entisestään. Pavlovin teoksissa hänen työnsä pääteema ilmestyy - Moskovan ja maakuntakaupunkien muinaiset kulmat, menneisyyteen häipyvä Venäjän maisema.

Siirtyminen alkuperäisten kaiverrusten luomiseen ei ollut taiteilijalle helppoa, mutta hänen ahkeruutensa ja rakkautensa aiheeseen teki paljon. Vuodesta 1914 lähtien I. N. Pavlovin maisemakaiverrusten albumeita alkoi ilmestyä. Hänen maisemiensa ytimessä olivat vaikutelmat Moskovan lähialueen luonnosta, Volgan ja Okan retkistä. Kammioinen luonnonkäsitys, eräänlaisen läheisyyden etsiminen siinä erotti nämä ensimmäiset teokset. "Pyrisin kulmien valintaan ja odotin näkeväni kaiverrukseni todellisina tunnelmamaisemina. Suuressa mittakaavassa panoraamakuvassa minusta tuntui, että tavoittelemani läheisyys ja sommittelun selkeys voisivat kadota kokonaan", taiteilija muisteli myöhemmin. Aloittaessaan suuren sarjan Moskovan maisemia, Pavlov etsii myös täällä ensisijaisesti kammiollisia lyyrisiä aiheita vangitsemalla antiikin. "Etsin harvinaisimpia vanhoja rakennuksia, pihoja, umpikujia, sata vuotta vanhoja puutaloja, vanhan arkkitehtuurin kirkkoja; en jättänyt huomioimatta monia merkittäviä antiikin monumentteja... Joskus vanha vuorotteli uuden kanssa, jotta korostaa otetun kaupungin tyypillisyyttä", luemme hänen muistelmissaan.

Vuodesta toiseen kertyi I. N. Pavlovin Moskovan kaiverruksia, jotka muodostivat hänen lukuisat albuminsa. Paljon on muuttunut suhteellisen lyhyessä ajassa Moskovassa, I. N. Pavlovin suuressa modernissa kaupungissa maalaamat hiljaiset kulmat ovat tulleet tunnistamattomiksi. Ja olemme kiitollisia taiteilijalle, joka on säilyttänyt meille hiljaisten kujien vaatimattoman mukavuuden, pienten talojen ystävällisyyden (ill. 5). Ja muissa Venäjän kaupungeissa - Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok - Pavlov houkuttelee muinaista arkkitehtuuria. Hän tunsi hänen ilmeisyyden ja omaperäisyyden erittäin hyvin. Mutta kaiken kaikkiaan Pavlovin teokset ovat verrattomasti vähemmän taiteellisia ja plastisia kauneutta kuin esimerkiksi Ostroumova-Lebedevan tai Falileevin maisemissa. Hänen työnsä dokumentaarinen tarkkuus muuttuu usein valokuvaukseksi.

5. I. N. Pavlov. Arkki albumilta "Old Moscow". Varvarkassa. 1924

Pavlovin nykyaikaisten maisemien sykli täydennettiin vuosina 1920 - 1930, jolloin hän liittyi Vallankumouksellisen Venäjän taiteilijoiden liittoon, kuten monet taiteen mestarit, luoville liikematkoille maan teollisuuskeskuksiin. Värillinen linoleikkaus "Astrakhan", jossa tumma laivaparvi ja valot iso rakennus Veden kansankomissaariaatti rannalla, maisema "Volgalla", jossa on teräviä mustia purjeveneiden siluetteja ja hieman vapisevaa vettä, "Baku", "Balakhna" ja jotkut muut näinä vuosina toteutetut arkit olivat taiteilijan parhaita töitä. . 78-vuotiaan mestarin vuonna 1949 luoma arkki "Zvenigorod. Outskirts" valloittaa iloisella, kirkkaalla tunnelmalla.

Kriitikoiden sopimaton ylistys Pavlovin teokselle 1940-luvun lopulla ja 1950-luvun alussa hämärsi hänen teostensa puutteet ja paradoksaalisesti vaikeutti niiden todellisten ansioiden selvittämistä. Hänen työnsä täydellinen kieltäminen ei ole nykyään harvinaista. Mutta arvostamme taiteilijan hienoa työtä ja hänen rikasta kokemustaan, jonka hän jakoi avokätisesti monien Neuvostoliiton grafiikan mestareiden kanssa uransa alussa.

Pavlovin ansio - yhdessä V. D. Falileevin kanssa - on linoleikkauksen tuominen Neuvostoliiton taiteilijoiden jokapäiväiseen elämään ja uuden menetelmän keksiminen vesiväreillä tulostettavaksi - aquatypes.

I. N. Pavlovin opiskelijoista M. V. Matorin, väripuupiirrosten mestari ja maisemamaalari, toimii hedelmällisesti taiteilijana ja opettajana.

Vetoessaan arkkitehtuurimaisemaan, antiikin muistomerkkeihin IN Pavlov ei ollut yksin 1920-luvulla. Vl. Iv. Levitanin opiskelija Sokolov, jota sama I. N. Pavlov onnistui kiinnostamaan kaiverrustekniikoista, julkaisi vuosina 1917 - 1925 useita albumeja, jotka oli omistettu Sergiev Posadille, vanhalle Moskovalle, Rostoville. Kaikki nämä ovat hyviä esimerkkejä vanhasta maisemasta. Yuonin ja Kustodievin 1920-luvun litografioiden albumeissa on myös Sergiev Posad, venäläisiä maisemia, kuvia koskemattomasta vanhasta maakuntaelämästä. Pietarin klassiset rakennukset seisovat P. A. Schillingovskin puupiirrosten jahdatuissa linjoissa. Maisemaalbumi julkaistiin vuonna 1923, vaikka sen nimi oli "Pietari. Rauniot ja herätys", mutta sisälsi periaatteessa vain surullisia kuvia raunioista - tuhosta. sotilaallisen tuhon aiheuttama Petrograd. Armeniassa Schillingin veto-oikeus näkee jälleen vain antiikin piirteitä ja julkaisi etsausalbumin "Old Erivan" vuonna 1927. Näin ollen muinainen maisema ensimmäisen vuosikymmenen grafiikassa ei ole yksittäisten mestareiden satunnainen harrastus, vaan kokonaisuus.

Vasta noin vuoteen 1927 mennessä kiinnostus häneen kuihtui, ja sama Schillingovski, arkkitehtonisen antiikin suuri innokas, loi seuraavana vuonna, 1928, albumin "New Armenia", ikään kuin hän huomauttaisi teoksissaan tyypillisen muutoksen, joka tapahtui aikataulu.

Uusi tietysti kasvaa vanhan sisimmässä, ja nykymaisemaan omistetut teokset ilmestyivät grafiikassa niin sanotusti sen syvyyksissä meille jo tuttujen asioiden joukossa. Heidän kirjoittajansa olivat taiteilijoita, jotka vasta eilen omistivat luovuutensa arkkitehtuurin ja luonnon ikuisten kauneuksien pohtimiseen. Joten esimerkiksi I. I. Nivinsky (1881-1933), Neuvostoliiton etsauksen suurin mestari, vuonna 1925 julkaistulla albumilla "Crimea" välittää taiteellisesti ja helposti, vaikkakin hieman mietiskelevästi, kauniin arjen juhlaa. eteläinen luonto. Lokakuun 10-vuotispäivänä kansankomissaarien neuvoston määräyksestä Nivinsky luo useita suuria etsauksia "Zages", joissa hän kuvaa Georgian voimalaitosta, ei vain esittele uutta juonen maisemiinsa, vaan myös etsii aktiivisesti uutta. ilmaisumuotoja sille.

Onnistunut on etsaus "V. I. Leninin muistomerkki Zagasissa" huolellisella piirroksella ja V. I. Leninin muistomerkki, joka on luonnollisesti vallitseva teollisuusmaisemassa - kuvanveistäjä I. D. Shadrin luomus (kuvio 6). Tämän monumentin kauneudesta, sen majesteettisesti näyttävästä siluetista tulee tässä maisemakuvan pääkomponentti. Taiteilija pitää luontoa nyt paitsi ihailevan mietiskelyn kohteena, myös suuren inhimillisen toiminnan kenttänä. Ensimmäistä kertaa aktiivisen elämänasenteen nuotit kuulostivat selkeästi graafisessa maisemassa.

Taiteilija I. A. Sokolovin (s. 1890) teoksissa ilmaantuu uusia motiiveja 1920-luvun jälkipuoliskolla. I. A. Sokolov, V. D. Falileevin opiskelija ja suuri ihailija, kuvaa työnsä alusta lähtien kaiverrustyön kohtauksia. Aluksi tämä on naisen raskasta ja vaivalloista kotityötä kotitaloudessa, käsityötä - ahdas ja rajallinen maailma, joka näkyy lämmöllä ja rakkaudella. Työnsä päälle kumartuva suutarin, pyykkinainen, isoäiti lastenlastensa kanssa illan ahtaissa umpikujassa, hoikka pitsintekijän siluetti vaalean kankaan taustalla, jossa on monimutkainen kuviointi, jota se ilmeisesti yhdistää - nämä ovat ensimmäiset teokset Sokolovin (s. 7).

Luonteeltaan ne ovat hyvin lähellä I. Pavlovin, Vl. Sokolov ja muut taiteilijat, jotka esittelivät meille suurkaupunkien epävirallisia kulmia, niiden koskematonta antiikkia. "Joten näyttää siltä, ​​​​että elämä, joka näkyy I. A. Sokolovin kaiverruksissa, eteni niiden pienten talojen seinien takana, joita I. N. Pavlov kuvasi", kirjoittaa oikein I. A. Sokolovan elämäkerta M. Z. Kholodovskaya.

Ilmeisesti, koska työkuvat ovat aina olleet taiteilijaa lähellä, hän oli yksi ensimmäisistä, joka laajensi teemansa kapeaa ulottuvuutta ja alkoi kuvata teollisen työn uutta maailmaa - työtä suuressa metallurgisessa tehtaassa. Vuoteen 1925 mennessä hänen ensimmäiset arkkinsa, jotka kuvaavat Moskovan tehdasta "Hammer and Sickle", kuuluvat. Tähän mennessä taiteilija oli jo hallinnut värillisen monilevyisen linoleikkauksen tekniikan, ja työpajatyypit, voimakkaiden teräsristikoiden kutominen, kohtausten monimutkainen valaistus häikäisevän kuumalla metallilla on toistettu tarkasti ja perusteellisesti. Myöhemmin, jo kypsänä mestarina, Sokolov tulee jälleen tuttuun tehtaaseen ja luo vuonna 1949 sarjan hänelle omistettuja kaiverruksia. Tällä kertaa hän tuo sarjaan muotokuva-arkkeja; yksi niistä, joka kuvaa terästyöläistä F. I. Sveshnikovia, oli taiteilijalle erityisen menestynyt. Svešnikovin varjossa, joka tarkkailee sulatusta, hän onnistui välittämään suuren elämän- ja työkokemuksen omaavan henkilön vaatimattomuuden, yksinkertaisuuden, viehätyksen. Mutta jopa Sokolovin ensimmäiset "tehdas" levyt säilyttävät merkityksensä meille; ne sisältävät tunnollisen tarkkuuden ensimmäisistä askeleista polulla, jota kirjailija itse ja muut taiteilijat eivät tunne.

Koko elämänsä ajan I. Sokolov työskenteli myös paljon maisema-alalla. Hänen maisemansa 1920- ja 1930-luvuilta tulivat laajalti tunnetuiksi; varhaisen kevään kylmä raikkaus ja syksyn tulinen puku on aina painettu niihin selkeällä, tarkalla kuviolla, kirkkailla, puhtailla väreillä. Parantaakseen värilinoleikkauksen tekniikkaa ja saavuttaen rikkaan värivalikoiman vapaan siirron, taiteilija käyttää suurta määrää tauluja ja joskus rullaa taululle ei yhtä, kuten tavallista, vaan useita värejä. Hänen tunnettu kaiverrus "Kuzminki, syksy", joka valloittaa esimerkiksi kuumalla maalauksellisella väreillä, toteutettiin seitsemälle taululle yhdeksässä värissä.

Taiteilija heijasti sodan tapahtumia suurissa sarjoissa "Moskova vuonna 1942" ja "Mitä vihollinen tuhosi". Niistä ensimmäisessä maalaamassa Moskovan kaduilla rintamalle lähteviä tankkeja, taakse ajettuja karjoja, pihojen kasvimaita jne., taiteilija kyllästää arkkinsa genre-aiheilla, mutta jää silti ensisijaisesti maisemamaalariksi ratkaisussaan. kokoonpano kokonaisuudessaan. Toisessa - maisema -sarjassa dokumentaarinen tehtävä tuodaan tietoisesti esille, mutta suru värjää myös näitä arkkeja, jotka kuvaavat Leningradin esikaupunkien kauniiden kokonaisuuksien tuskallista tuhoa. Sama dokumentaarinen tehtävä kohtaa taiteilijan sodanjälkeisten vuosien sarjassaan, jossa hän toisti huolella ja huolellisesti V. I. Leninin ja A. M. Gorkin elämään ja työhön liittyviä mieleenpainuvia paikkoja.

Ensimmäiset teokset uudesta elämästä, kuten Nivinskyn tai Sokolovin lakanat, eivät olleet lukuisia. Niiden määrä kuitenkin kasvaa vähitellen. Ensimmäisen viisivuotissuunnitelman vuosina järjestettiin maalareiden ja graafikkojen työmatkoja tärkeimpiin uudisrakennuksiin, teollisuusjättiläisiin ja ensimmäisiin kolhoosiin. Taiteilijat olivat innostuneita näistä uusista tehtävistä. Ja vaikka näiden matkojen tuloksena syntyneiden teosten joukossa oli vielä vähän taiteellisesti arvokkaita asioita, tämän työn myötä tulee grafiikkaan uusi raikas virta, maan suuren elämän henkäys.

Tämän teoksen monimutkaisuus koostui sekä taiteilijoiden riittämättömästä tiedosta sosialistisen rakentamisen jokapäiväisestä elämästä että monien niille vuosille ominaisen taiteen muotokysymysten kiistellystä. Lukuisat taideryhmät nousivat usein vastakkaisiin teoreettisiin alustoihin, ja tuolloin syntyneissä kiistoissa kyseenalaistettiin toisinaan itse maalaustelinetaiteen olemassaolooikeus. Ei pidä unohtaa, että nämä vuodet olivat ristiriitaisten etsintöjen aikaa taidekasvatuksen alalla. Usein väärä taiteilijakoulutus yliopistoissa riisti heiltä vahvat ammattitaidon perustat, ja nuoren graafikon täytyi tehdä paljon myöhemmin. Totta, useiden erinomaisten vanhemman sukupolven mestareiden teokset sekä heidän nuorille antamansa neuvot usein yliopiston virallisten seinien ulkopuolella olivat hänelle erittäin opettavaisia. Siellä oli myös ateljeita, kuten esimerkiksi Kardovskin ateljee, jossa taiteilijat kävivät läpi hedelmällisen realistisen piirtämisen ja sommittelun koulun. Silti taiteilijoiden työolot olivat vaikeat. Ne paranivat vain, kun taiteelliset ryhmittymät poistettiin 1930-luvun alussa ja kaikki terveet luovat voimat yhdistettiin yhdelle realistiselle alustalle.

Kun piirretään grafiikkaa nykyaiheisiin, taiteilijoille kehittyi nopeasti useita päätyöalueita. Yksi niistä oli, kuten näimme I. Sokolovin kaiverruksissa, tarkan, jokseenkin kuvaavan, lähes dokumentaarisen jäljennöksen avulla nähdyistä, pääasiassa teollisista työoloista. Tämäntyyppisissä teoksissa oli paljon tekijöiden nerokasta ja rehellistä halua kertoa katsojalle mahdollisimman tarkasti ja täydellisesti uusista rakennuksista ja tehtaista. Ei suotta, että taiteilijat eivät usein rajoitu yhteen arkkiin, vaan kokonaisessa sarjassa he tallentavat näkymiä tehtaasta, rakentamisesta jne.

Toista suuntaa voidaan kutsua lyyrisen tunteen lämmittämäksi, lakoniseksi, säilyttäen luonnoksen eloisuuden, mutta myös sen pidättyväisyyden, teollisuusmaiseman taiteen, jonka 1920-luvun lopulla ja 1930-luvun alussa loi N. N. Kupreyanov (1894 - 1933), tällaisten erilaisten taiteilijoiden, kuten Kardovskin, Petrov-Vodkinin, Ostroumova-Lebedevan, Kupreyanovin opiskelija, kävi läpi lyhyen, mutta vaikean polun taiteessa, täynnä jatkuvia etsintöjä. Hän työskenteli mielenkiintoisesti paitsi maalaustelinegrafiikan, myös kirjojen kuvituksen parissa. Yksi ensimmäisistä Kuprejanovista omistautui vallankumoukselle, ja hänen puupiirroksensa "Armored car" (1918) ja "Cruiser" Aurora "(1923), jotka olivat jossain määrin harkittuja korostetussa kulmassa tai nopeassa linjojen liikkeessä, sisälsivät hiukkasen aitoa henkistä. kohotus, eloisa vastaus lokakuun tapahtumiin. Pian puupiirrokset jättävä Kuprejanov työskentelee pääosin vapaasti, täynnä valoa ja salaperäisiä valon ja varjon siirtymiä musteella ja akvarelleilla. "Selishchenskaya-sarjan" kammiomaisemat ja kohtaukset, jossa on sekä lämpöä että läheistä eristäytymistä perhemaailmasta, muodostavat yhden hänen työnsä puolista. Mutta Kuprejanovin taide astuu varhain myös suuren maan avaruuteen. Sarjassa "Railway Tracks" (1927) hänen nopea harjansa täyttää lakan toisensa junien jyrkällä liikenteellä ja hänen kiireisessä rytmissään kuuluu kaiku maan liike-elämästä, syklit "Baltic", joka aloitettiin syntyä vuonna 1931, ja "Fisheries of the Kaspian Sea", jotka syntyi taiteilijan matkojen seurauksena - sama keveys on ulkoisesti huolimaton oi sitä luonnollista piirtämistapaa. Sen takana on aistittavissa kaikkea muuta kuin täydellinen modernismin kuvien etsintä, jossa yhdistyvät ohikiitävä ilmaisu ja ominaisuuden tilava sisältö.

Varhainen kuolema keskeytti taiteilijan työn keskellä.

Kolmas suunta graafikkojen nykyaiheisiin työskentelyyn syntyi varhaisena trendinä romanttisesti pirteä juonen renderöinti. Se muuttaa teolliset aiheet majesteettiseksi, toisinaan lumoavaksi spektaakkeliksi. Näyttäisi siltä, ​​​​että tällaisilla teoksilla on luovin, tunneperäisin lähestymistapa luontoon. Ja todellakin, niiden joukossa merkittäviä ja erittäin kauniita toteutuksessa asiat eivät ole harvinaisia. Mutta heidän romanttisella riemullaan on useimmiten hieman abstraktia ja subjektiivista luonnetta, se, kuten muidenkin teosten kuvauksen tarkkuus, on tulosta vain taiteilijan ensimmäisestä kosketuksesta teemaan. Ei turhaan, yleisten näkemysten rakentamisesta, tehtaiden työpajoista jne., kaikkien varhaisten teollisten teosten kirjoittajat antavat niissä edelleen hyvin vaatimattoman paikan ihmisille. Esimerkki romanttisen suunnitelman teoksista voi olla N. I. Dormidontovin arkki "Dneprostroy" (1931; ill. 8). Dormidontov (s. 1898) on myös yksi ensimmäisistä taiteilijoista nykyaikainen teema kaaviossa. Jo 1920-luvun puolivälistä lähtien hänen työlle omistetut työkirjansa ilmestyivät - aluksi jäykän tarkkoja ja kuivia, sitten vapaampia ja koostumuksesta löytyneitä. Piirustuksessa "Dneprostroy" taiteilijaa kiehtoo rakenteen valtava mittakaava, lumoava yötyön kuva, jota valaisee lukuisten hehkulamppujen terävä valo. Hänen piirustuksessaan työstä tulee mielikuvitusta iskevä spektaakkeli, salaperäinen, suurenmoinen ja hieman fantastinen.

Samanlainen tulkinta työstä on nähtävissä AI Kravchenkon (1889 - 1940) kaiverruksissa, jotka on myös omistettu Dneprogesin rakentamiselle (1931). Taiteilija loi sen jo luovuuden kypsällä aikakaudella, ja hänen näyttävä taitonsa ilmeni siinä selvästi,

Tämän syklin kaiverruksissa kasataan valtavia padon rakenteita, jotka nousevat ylös, nosturien nuolet nousevat tiiviisti niiden ympärille, korkea taivas pyörteilee pilviä ja aurinko lähettää häikäiseviä säteitään ylös. Mustan ja valkoisen värien kontrastit synnyttävät kirkkaan, levoton valikoiman kaiverruksia. Rakentamisen spektaakkeli Kravchenkon lähellä on mahtava ja vaikuttava. Ja ihmiset, jotka luovat uuden teollisen jättiläisen vaikeissa olosuhteissa, annetaan vain rytmisesti toistuvina identtisten siluettihahmojen ryhminä, abstrakteina liikkeen kantajina. Kuitenkin monia taiteilijoita tuolloin veti puoleensa ensisijaisesti rakennustyömaan, työpajan jne. yleinen panoraamailmaisu. Ja Kravtšenkon kaiverruksissa se näkyy vain lahjakkaimmin.

Luovuus Kravchenko tekee yleensä kirkkaan ja omaperäisen sivun grafiikkamme historiassa. Puupiirrosten, etsauksen ja piirtämisen mestari, erittäin herkkä maalaustelineesineiden terävän sosiaalisen värityksen teemoille, tieteiskirjailija ja kuvituksen taikuri, Kravchenko saavutti nopeasti laajan suosion kotimaassa ja ulkomailla. Hän tuli talonpoikaperheestä ja sai koulutuksen Moskovan maalaus-, kuvanveisto- ja arkkitehtuurikoulussa. Hänen opettajiaan olivat kuuluisat venäläiset maalarit S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov. Kravtšenko aloitti uransa maalarina, mutta hänen työnsä on erityisen kiinnostavaa piirtämisen ja kaivertamisen alalla, johon hän kääntyi neuvostovallan vuosina. Lukuisat matkat Intiaan, Ranskaan, Italiaan, Amerikkaan ja Neuvostoliittoon täydensivät Kravtšenkon taidekoulutusta ja laajensivat hänen näköalaansa. Kravchenko työskenteli kovasti. Hän loi oudon kuvamaailman kirjojen kuvituksiin yhdistäen fantasiaa ja groteskia, tunteiden vapinaa taikuutta ja pakkomielteen energiaa. Hän työskenteli jatkuvasti maisema-alalla, hänen eri arkkinsa kuvaavat Moskovan alueen ja Euroopan kuuluisien kaupunkien harmoniaa, kauneutta ja vaatimatonta luontoa. Hän on yksi ensimmäisistä graafikoista, joka loi julkisiin aiheisiin reagoivia tarinasarjoja. Samana vuonna 1924 tehty V. I. Leninin hautajaisille omistettu kaiverrussarja oli surullinen silminnäkijäkertomus, ja nyt se on saavuttanut historiallisen teoksen merkityksen. Myöhemmin taiteilija palasi jälleen leninistiseen teemaan, kun hän teki vuonna 1933 tiukan ja juhlallisen kaiverruksen "Mausoleumi". Hän teki myös kaiverrussarjan "Naisen elämä menneisyydessä ja nykyisyydessä" Neuvostoliiton paviljonkiin Pariisin kansainvälisessä näyttelyssä. Kontrastisissa maalauksissa taiteilija toisti nais-äidin kohtalon tsaari- ja Neuvosto-Venäjällä; hän toimi täällä tarinankertojana, jonka puhe on tunteellinen ja elävä, mutta hänen kuvissaan ei ollut suurta sisäistä ja plastista ilmaisua. Kun sarja "Dneprostroy" Kravchenko ei jättänyt teollista teemaa, ja vuonna 1938 hän loi luovan matkan materiaalien perusteella piirustuksia ja etsauksia, jotka oli omistettu Azovstalin tehtaalle.

Teräksen kaatamista kuvaavassa etsauksessa (ill. 9) taiteilijaa kiehtoo edelleen valtavien teknisten rakenteiden voima, työn kuvan majesteettisuus. Hän säveltää vapaasti monimutkaisen kohtauksen, valaisee sen tehokkaasti valovirroilla ja kipinöillä. Lisäksi täällä ilmestyy todellinen työrytmi ja sen mukana kaiken tapahtuvan tarkoituksenmukaisuus Dneproetroyn jokseenkin abstraktin patoksen sijaan. Näyttävän viihteen lisäksi arkki saa myös mahtavaa sisältöä.

Tämän monumentaalisen etsauksen teki Kravchenko liittovaltion näyttelyä "Sosialismin teollisuus" varten. Tämä neuvostotaiteen näyttely liittyy taiteilijoiden massavetoon nykypäivään. Teoksia sille luotiin useita vuosia vuodesta 1936 alkaen. Vähän ennen tämän työn alkua 1500 rumpalia yhdestä suurimmista tehtaista kirjoitti Pravdan sivuille taiteilijoille:

"Odotamme sinulta upeita maalauksia. Haluamme, että ne eivät ole vain yksinkertaisia ​​valokuvia. Haluamme, että niihin panostetaan intohimoa. Haluamme niiden innostavan meitä ja lapsiamme. Haluamme heidän juurruttavan meihin kamppailun ja janon iloa. uusiin voittoihin. Haluamme sinun näyttävän maamme ihmisille - sankareille ja tavallisille rakentamisemme osallistujille."

Nämä kiihkeät sanat eivät ainoastaan ​​muotoilleet hyvin taiteemme tehtäviä, vaan heijastivat myös ihmisten vaativan rakkauden ilmapiiriä taidetta kohtaan, taiteilijoita heidän työssään auttavan työmiehen korkeaa kiinnostusta sitä kohtaan. Sergo Ordzhonikidzen aloitteesta järjestetty ja puolueen 18. kongressin päivinä avattu näyttely kattoi laajasti Neuvostomaan elämää. Täällä oli esillä yli 1000 teosta, joista noin 340 oli graafisella osastolla (satiiria lukuun ottamatta). Harvat näistä arkeista olivat taitavia töitä, harvat niistä ovat säilyneet tähän päivään asti. Mutta heidän tuomat uudet teemat, joita taiteilijat näkivät elämässä - uusien rakennusten telineissä, tehtaan työpajoissa - olivat suuri valloitus grafiikan taiteelle. Dneprostroy ja työ Solikamskin potaskakaivoksilla, metron rakentaminen ja arktisen alueen kehitys, kullankaivos taigassa ja kaivostyöntekijän työ - kuinka erilaisia ​​nämä aiheet ovatkaan elämänilmiöiden noidankehästä, johon maalaustelinegrafiikka oli aiemmin rajoitettua, kuinka vähän antiikin noudattamista, perustavaa retrospektiivista! Täällä oli vielä paljon teollisuusmaisemia. Mutta niiden lisäksi ilmestyy myös työnteon kohtauksia; ja tehtaalla, pellolla, laboratoriossa, kaivoksessa työskentelevästä henkilöstä tulee ensimmäistä kertaa graafisten teosten sankari. Taiteilijat eivät vieläkään tunne hänen sisäistä maailmaansa hyvin, aluksi he tuntevat olonsa vain hyväksi ja osaavat välittää hänen itsevarmuuttaan työskentelytapansa, ammatillisten liikkeiden plastisuutta. Siksi piirustusten työele on vakuuttavampi kuin ilme kasvoilla, ja jotkut hyvät teokset pilaavat hahmojen ulkoisen töykeyden.

Taiteilija A. Samokhvalov (s. 1894) esimerkiksi vesivärisarjassa osoitti hyvin "Metrostroy Girlsin" tarmoa ja optimismia, mutta korosti myös heidän epäkohteliaisuuttaan. Tällainen korostus ikään kuin rajaa tietämyksemme Samokhvalovin sankaritarista ja köyhdyttää hänen töitään, vaikka aivan sen sävyssä, sen ilmapiirissä on piirteitä, jotka näkyvät oikein elämässä. Työmiestä luonnehtii harkitummin S. M. Shorin (s. 1897) akvarelli "Vuohentyttö" sarjasta "Donbassin vanhat ja uudet vaatimukset" (1936; ill. 10). Täällä luodaan mielikuva älykkäästä ja energisestä naisesta, hänen henkinen varastonsa, moraalinen vahvuus arvataan herkästi. Ei suotta S. Shorista tulee graafisen muotokuvan mestari, jonka hän useimmiten esittää etsaustekniikalla.

Sotaa edeltävinä vuosina ilmestyi I. A. Lukomskin (s. 1906) työntekijöille omistettuja arkkeja. Hänen seepiapiirustuksessaan "Työmies" (1941; ill. 11) painopiste siirtyy yksilöluonteisesta tyypilliseen, arkistoitu alleviivattu, ikään kuin lähikuvaan. Työntekijän kasvoista voidaan lukea sisäinen vapaus, ylpeys työstään.

1930-luvulla grafiikan kannalta tärkeä tapahtuma oli puoluehistorian kuvitusnäyttelyn valmistelu. Se keskitti monien taiteilijoiden kiinnostuksen historiallisiin aiheisiin, sai heidät ajattelemaan uudelleen valtiomme kulkemaa polkua. Historiallis-vallankumouksellinen teema aloitti elämänsä grafiikassa jo 1920-luvun alussa. Nämä olivat kuitenkin tuolloin vain erillisiä teoksia, pääasiassa kaiverruksia, joissa usein abstraktia koristeellisuutta ja kaavamaisuutta pidettiin vielä kiinteänä osana kaiverrustekniikkaa. Myöhemmin, vuonna 1927, täydellisenä vastakohtana näille teoksille, ukrainalaisen taiteilijan V. I. Kasiyanin taltan alle ilmestyy vallankumouksellisella paatosella kiihdytetty kuva Perekop-taistelun sankarista. V. I. Kasiyan (s. 1896) - kotoisin Länsi-Ukrainasta, koulutettu Prahan kuvataideakatemiassa - taiteilija etsivä sielu, kirkas temperamenttinen tapa. Hänen listansa on valoisa, tunteellinen, mutta hän on silti yksin näiden vuosien aikataulussa.

Suurin osa edellä mainittuun näyttelyyn luoduista teoksista sai pikemminkin maalaustelineen kuin havainnollistavan luonteen. Se avattiin vuonna 1941, ennen sotaa, ja sitä kutsuttiin "neuvoston grafiikan uusien teosten näyttelyksi", ja se sisälsi useita hyviä teoksia. Monet heistä kuuluivat kirjagrafiikan mestareille. Kuvittajat toivat maalaustelinepiirustuksen piiriin kuvien psykologisen luonteen ja historiallisen tilanteen tarkkuuden, jotka olivat tuolloin taiteensa silmiinpistäviä saavutuksia. Sellaisia ​​olivat taiteilijakollektiivi Kukryniksy - "Barrikadeilla", "Chkalov Uddin saarella", "Poliittiset johdot", Kibrik - "Khalturin ja Obnorsky", Shmarinov "Baumanin hautajaiset" ja muut.

Graafikkojen kiinnostuksella historiallisiin aiheisiin 1920- ja 1930-luvuilla oli toinen kirjallisuuteen liittyvä näkökohta.

Inspiroivia kuvia Pushkinista, Lermontovista pitkiä vuosia herätti taiteilijoiden luovan huomion. N. P. Uljanov (1875 - 1949) teki paljon työtä Pushkin-sarjaansa. Yksi vanhemman sukupolven suurimmista Neuvostoliiton maalareista, V. A. Serovin läheinen oppilas, Uljanov oli historiallisen maalauksen ja muotokuvan mestari sekä teatteritaiteilija.

Uljanovin piirustukset kertovat suuren runoilijan elämän eri ajanjaksoista - lyseopäivistä viimeisiin traagisiin kuukausiin; ne valmistuvat vaihtelevasti - toiset ovat suurempia, toiset näyttävät luonnoksilta, intensiivisten ja keskeneräisten hakujen sivuilta, mutta niissä kaikissa taiteilijalle tärkeintä on Puskinin sielun tulinen elämä. Yksi parhaista on piirustus, joka on tehty maalauksen "Pushkin ja hänen vaimonsa peilin edessä hovipallossa" yhteydessä. Ylpeä, kaunis Puškinin kuva näkyy tässä Serovin inspiroiman piirustuksen lakonisissa linjoissa.

Pushkinin teema saa toisen tulkinnan grafiikassa - ikimuistoisten paikkojen maisemassa. Taiteilija L. S. Khizhinsky (s. 1896) esiintyy tässä genressä. Taitavasti tehdyissä Puškinin ja Lermontovin paikkoja kuvaavissa koruissa hän saavuttaa vaikean yhdistelmän dokumentaarista tarkkuutta ja tunnepitoista runollista alkua. Ilman tätä yhdistelmää aina hienovaraiseen tekstiin, yksittäisiin assosiaatioihin rakentuvan muistomaiseman menestys on mahdotonta.

1930-luvulla uudet hetket grafiikan kehityksessä tuntuvat erittäin voimakkaasti. Ne eivät koostu pelkästään uusista suunnista taiteilijoiden työssä, jotka, kuten olemme nähneet - näyttelytoiminnan tukemana - ovat saamassa laajaa mittakaavaa, vaan myös perinteisten muotokuvan ja maiseman genrejen uudesta sisällöstä ja liittotasavaltojen taiteilijoiden merkittävien teosten esiintyminen. Joten jo edellä mainittu V. I. Kasiyan luo näiden vuosien aikana Shevchenkolle omistettuja kaiverruksia, jotka ovat täynnä vakavia ajatuksia. Taiteilija laittoi myös paljon hengellistä tulta myöhempään suureen kobzariin liittyvään työhönsä, joka kuvaa katkeamattoman vihaista Shevchenkoa kansan taistelun jaksojen taustalla (ill. 12).

Tärkeimpiä näiden vuosien töitä ovat armenialaisen mestarin M. Abegyanin maisemat ja muotokuvat, ukrainalaisen G. Pustoviten Moldovalle omistetut litografiat, georgialaisen taiteilija D. Kutateladzen monumentaalinen etsaus S. Ordzhonikidzesta ja S. M. Kirovista. Tänä aikana tunnettu azerbaidžanilainen taiteilija A. Azimzade - sarjakuvapiirtäjä, piirtäjä ja julistetaiteilija - loi maalaustelinegrafiikan alan mielenkiintoisimpia asioita. Menneisyyden kuvat on toistettu hänen arkkissaan alkuperäiseen yksityiskohtaiseen tapaan, jossa on ripaus koristepiirroksia. Mitä uutta on 1930-luvun muotokuvassa ja maisemassa? Näiden genrejen entinen intiimiys katoaa, ja niiden mestarit tulevat yhä rohkeammin ulos elämään, uusiin ihmisiin tutustuen, maisemateosten maantieteellistä kattavuutta laajentaen. Jälkimmäinen ei koske vain teollisuuden mestareita, vaan myös tavallista maisemaa. Jos aiemmin vain E. E. Lansere, joka tutki väsymättä Kaukasuksen kansojen luontoa ja elämää, ja Schillingovsky, joka maalasi Armenian, poikkesivat vakiintuneesta Moskovan ja Leningradin perinteestä maisemassa, nyt kokonainen mestareiden galaksi luo teoksiaan sen ulkopuolella. kapeat rajat. Taiteilijat kuvaavat Keski-Venäjän, pohjoisen, Krimin, Kaukasuksen ja Keski-Aasian luontoa. Maisemasta tulee akvarellitekniikan loistavien sovellusten alue. Graafisten L. Brunin, A. Ostroumova-Lebedevan, taiteilijoiden S. Gerasimovin, A. Deinekan, P. Konchalovskyn teokset todistavat akvarellimaiseman todellisesta kukoistamisesta. Tekijän maailmankuvan aktiivisuus on uusi piirre näissä teoksissa. Ehkä se näkyy erityisen selkeästi niiden taiteilijoiden maisemissa, jotka sattuivat vierailemaan ulkomailla näinä vuosina.

Terävä näkemys vieraan todellisuuden kontrasteista on luontaista esimerkiksi A. A. Deinekan (kuvio 13) pariisilaisissa ja roomalaisissa maisemissa. Taiteilija ei voi antautua majesteettisen arkkitehtuurin ja patsaiden rauhalliselle viehätysvoimalle, kuten useampaan kertaan tapahtui vallankumousta edeltäneissä ulkomaisissa grafiikkasarjoissa; tätä kaunista taustaa vasten hänen silmänsä huomaa sekä työttömän miehen hahmon että kirkon saarnaajien pahaenteisiä itsevarmoja hahmoja. Deinekan arkkien kaltaisten teosten piirissä syntyy neuvostografiikalle ominaista journalistista intohimoa ja poliittista periksiantamattomuutta.

Nämä ominaisuudet ilmenivät voimakkaasti myös leningradilaisen Yu. N. Petrovin (1904 - 1944) "espanjalaisessa sarjassa". Petrovin sarja oli maalaustelinegrafiikan panos fasismin vastaiseen taisteluun, jota niinä vuosina jo aktiivisesti käyttivät sekä karikatyyrimestarit että poliittiset julistetaiteilijat. Piirtäjän ja kuvittajan Yu. Petrovin taide oli suuren kulttuurin ja syvien tunteiden taidetta. Petrov osallistui taisteluun fasismia vastaan ​​Espanjassa, hän tunsi ja rakasti tätä maata, sen ihmisiä, sen menneisyyden suuria kirjailijoita ja taiteilijoita, ja tämä rakkaus ja kunnioitus heijastui hänen piirustuksiinsa. Espanja, sen vuoristoiset maisemat, pommien tuhoamat talot, sen hillitty, ylpeä ja kiihkeä kansa - kansanarmeijan sotilaat, kotinsa menettäneet naiset ja lapset on vangittu lakonisiin, hieman surullisiin ja rohkeisiin sommitteluihin. Jotkut Petrovin sarjan sivut näyttävät luonnosteluilta, mutta lempeä piirustus pehmeällä mallinnuksella linjaa muotojen ja maisemasuunnitelmien plastisuuden niin tarkasti, niin tärisevä elämä täyttää ne, että jokaisen arkin suuri ajatus tulee konkreettiseksi. Tämä sarja on edelleen yksi kokeneimmista ja vilpittömimmistä asioista aikataulussamme. Sen kirjoittaja kuoli myöhemmin sotilaspostissa Suuren isänmaallisen sodan aikana, eikä hänen paljon lupaava taiteensa ehtinyt saavuttaa huippuaan.

Vuonna 1941 alkanut Suuri isänmaallinen sota muutti dramaattisesti kaikentyyppisten taiteen luonnetta ja kehitystahtia. Hän aiheutti myös suuria muutoksia maalaustelineen grafiikassa. Grafiikan tehokkuudesta, sen tekniikoiden suhteellisesta yksinkertaisuudesta on tullut nyt erityisen arvokkaita ominaisuuksia. Polttava tarve saada sananvaltaa kansallisten koettelemusten hetkellä, vastata nopeasti tulevan päivän katkeruuteen ja sankaruuteen, johti monet taiteilijat piirtämiseen, akvarelleihin ja joskus kaiverruksiin. Maalaustelinegrafiikassa alkoivat nyt työskennellä tunnustettujen mestareidensa kanssa jotkut maalarit sekä erittäin menestyksekkäästi kuvittajat.

Sodan ensimmäisestä vuodesta lähtien maalaustelinegrafiikasta tuli julisteiden ja karikatyyrien ohella yksi aktiivisimmista taiteen muodoista, joka jännitti syvästi katsojien sydäntä. Piirtämisen ja kaiverruksen mestarit loivat monia kauniita asioita, jotka syntyivät vihasta ja inspiraatiosta. Tässä teossarjassa on erilliset huiput, jotka erottuvat erityisestä plastiikkataidosta. Mutta sotilaallisen grafiikan yleinen taso on korkea. Taiteilijat loivat piirustuksensa sekä puna-armeijan riveissä että piiritetyssä Leningradissa, kaupungeissa, joiden läpi kulki raskas vetäytymisaalto, takana, jossa kaikki oli rintaman tehtävien alaisia, ja maamme ulkomailla. sisään viimeinen ajanjakso taistelee fasismia vastaan. Grafiikka osoitti meille sodan eri puolia, elämän eri puolia tällä isänmaan historian ratkaisevalla ajanjaksolla - väsyneen sairaanhoitajan ohikiitävästä pohdiskelusta valtavan taistelun panoraamaan. Samaan aikaan myös kykyjen ero, taiteilijoiden figuratiivisen ajattelun varasto, vaikutti selvästi. Yhden teoksissa sota näkyy pitkinä sotateinä, usein epämiellyttävinä ja joskus niin terävästi silmää miellyttävinä säilyneen metsän odottamattomalla kauneudella. Toisen arkissa hän käy läpi sarjan yksinkertaisia ​​kohtauksia armeijaelämästä, jotka on luonnosteltu hätäisesti, mutta tarkasti. Kolmannen piirustuksissa hän on soturin tai partisaanin silmissä, joka on tavannut kuoleman useammin kuin kerran. Taiteilijat lauloivat näissä eri luonteisissa teoksissa neuvostokansan rohkeutta ja isänmaallisuutta, joka ilmeni selvästi sotavuosina. Graafiset teokset ovat täynnä sitä erityistä tunnetta Neuvostoliiton elämämme kauneudesta, jota sota terävöittää ja joka merkitsi kaikkien taiteen muodot parhaita asioita.

Grafiikalle ominaista piirre oli lukuisten luonnosten esiintyminen. Taiteilijat esittivät niitä joskus vaikeimmassa taistelutilanteessa yrittäen kertoa ihmisille sodasta tarkemmin ja täydellisemmin kerätäkseen materiaalia tulevia sävellyksiä varten. Moskovan graafikko P. Ya. Kirpichev Heron piirustusalbumin "Front Diary" esipuheessa Neuvostoliitto S. Borzenko kirjoittaa: "Sodan tuoreille jälkille piirretyt kuvat kulkevat yksi toisensa jälkeen, ne kulkevat sellaisina kuin taiteilija näki ne tapahtumien aikaan... Mikään vaara ja vaikeus ei pysäyttänyt häntä. Hän teki tiensä valitut kohteet miinakenttien joukossa ja työskentelivät siellä aamusta iltaan, peläten menettävänsä hetken väliin, peläten, että tulipalot sammuisivat ja pokaaliryhmät ottaisivat pois haaksirikkoutuneet aseet ja tankit. Tämä kuvaus taiteilijan työstä rintamalla on hyvin tyypillinen, sillä kuten Kirpichev, monet maalaustelinegraafikot työskentelivät sodan aikana. Luonnokset muodostavat taiteemme arvokkaan rahaston, jota ei suinkaan julkaista kokonaisuudessaan. Heidän kirjoittajansa ovat N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Dzhaparidze, N. N. Zhukov, P. Ya. E. K. Okas, U. Tansykbaev, S. S. Uranova ja muut loivat kokonaisen kronikan vaikeasta sotilaallisesta arjesta, runon miehestä sotaa, puolustaen kotimaataan fasismista.

Huolimatta luonnoksia erottavasta sujuvuudesta, ne osoittavat jo jokaisen taiteilijan lahjakkuuden piirteet - eikä vain hänen piirustusmestarinsa, vaan myös tietyn joukon ilmiöitä, jotka koskettavat häntä eniten.

Joten esimerkiksi A. V. Kokorin (s. 1908) ei koskaan ohita yhtäkkiä näkemäänsä maalauksellista kohtausta, hän piirtää graafiseen päiväkirjaansa sekä aseeseen ripustetut satulat että kolmella rikkinäinen kuorma-auto, jonka alta on työnnetty ulos. sivuilla sitä korjaavien sotilaiden saappaat ja saattuehävittäjä, joka ompelee rauhallisesti jotain ompelukoneella aivan kentällä, ja pappihahmo, jolla on suuri reppu, puhumassa neuvostosotilaan kanssa. Kokorin on vanginnut ihmisten ulkonäön yleispiirteen tarkasti, ja hänen yksinkertaisten kulissien takana tunnet aina kevyen hymyn, kiintymyksen sankareitasi kohtaan. Näihin luonnoksiin kertyi Kokorinin kokemus arkkitehtonisen maiseman mestarina, joka kykeni hahmottelemaan kaupungin ulkonäköä, sen arkkitehtuurin pääpiirteitä ja kadun elämää - ominaisuuksia, jotka kehittyivät taiteilijan jälkimainingeissa. sota-intiaanipiirroksia.

Lämpö ja lyyrisyys erottavat D. K. Mochalskyn luonnokset ja piirustukset. Jopa tähän soveltumattomimmassa tilanteessa, sodan viimeisessä vaiheessa suoraan Berliiniin johtavien etulinjan teiden hälinässä tai jo Berliinissä - fasismin linnoituksessa, jonka joukkomme juuri valloittivat - lämpöä elämä, sen iloinen säde, lempeässä ulkonäössä välähtää varmasti Mochalskyn lakanoissa tyttöjen liikenteenohjaajia, taistelijan ilmeenä kiinnitettynä naiseen, jolla on lastenvaunut.

N. N. Zhukov (s. 1908) esiintyy sotilaallisissa luonnoksissa fysiognomistina taiteilijana, joka näkee ihmisessä paljon. Jatkuva kiinnostus ihmisen sisäiseen maailmaan tekee merkityksellisiksi jopa näennäisesti pintapuoliset piirustukset. Hänen lakanoissaan vuorottelevat maisemat, luonnokset sotilaista, genrekohtaukset. Žukovin lyijykynällä piirtämisen tapa, jolla ei ole mitään ulkoista näyttävyyttä, heijastaa ikään kuin tämän taiteilijan kiinnostusta luontoon, hänen lähestymistapansa harkitsevuutta. Žukovin teokset saivat mainetta jo ennen sotaa, kun hän sai valmiiksi sarjan kuvitussarjaa K. Marxin elämäkertaan. Myöhemmin Zhukov ei jättänyt työtään tästä vastuullisesta aiheesta. Hän investoi paljon työtä piirustussarjan "V.I. Lenin" luomiseen. Hänen menestyneimmät arkkinsa on ratkaistu kevyen luonnoksen muodossa, joka kiinnittää hetken muiden ketjuun, eräänlaisena muotokuvatutkimuksena. Mutta juuri sotilasluonnoksia luotaessa taiteilijan havainnointikyky ja nopea luonnos taito vahvistuivat, mistä oli hänelle myöhemmin hyötyä - sekä laajassa, katsojien suosiossa lapsille omistetussa piirustussarjassa että muotokuvissa. . Ennen kaikkea sota-ajan työkokemus näkyi kuvissa B. Polevoyn "Tarinasta oikeasta miehestä", jonka Zhukov loi pian sodan jälkeen.

On sanottava, että sotilastyön kokemus oli osansa muiden taiteilijoiden havainnollistavassa työssä. Tämä kokemus auttoi O. G. Vereiskya luomaan piirustuksia A. Tvardovskin "Vasili Terkinille" ja toi pitkään A. V. Kokorinin, myöhemmin "Sevastopol Tales" L. N. Tolstoin kuvittajan, sotilaalliseen teemaan. A. P. Livanovin polku hänen pian sodan jälkeen luomasta sarjasta "Partisaanit" D. A. Furmanovin "Chapaevin" kuvitukseen oli myös looginen.

Toinen sotavuosien grafiikalle tyypillinen piirre oli taiteilijoiden vetovoima sarjan muotoon eli arkkisarjaan, jota yhdistää yksi konsepti ja toteutustapa. Voimme nähdä, että sarjat olivat taiteilijoiden luomia aiemmin, mutta sotavuosina niistä tuli grafiikan johtava ilmiö. Sarja on hyvä vain silloin, kun katsoja oppii jokaisella sen sivulla jotain uutta, kun taiteilija ohjaa vaikutelmiaan vuorotellen arkkia tietyllä tavalla, eli antaen sarjalle selkeän sommittelun. Tulemme aina kohtaamaan käsitteen "sävellys", kun analysoimme erillistä taideteosta. Mutta todellisuudessa on olemassa myös kokonaisen graafisen sarjan koostumus sen arkkien vuorottelun sisäisenä säännöllisyytenä, joiden välillä on erilaisia ​​​​yhteyksiä. Rakentamalla selkeästi sarjan sommittelua, taiteilija löytää siitä uuden tavan suureen ilmaisuun. Sarjan kirjoittaja esittää oleellisesti monitavuisen, monitahoisen teoksen, jonka jokaisen sivun tulee kuulostaa kokonaisvaltaiselta ja vahvalta ja samalla olla olennainen osa ikään kuin yhdellä hengityksellä syntynyttä kokonaisuutta. Tämä tehtävä ei tietenkään ole helppo. Ja usein arkkien summa, jota taiteilija kutsuu sarjaksi, ei ole pohjimmiltaan sarja.

Sarjan koostumus on erilainen. Sarja voidaan siis rakentaa arkkien kontrastiselle rinnakkaiselle asetukselle tai päinvastoin niiden tasaiselle, identtiselle soundille. Toisessa tapauksessa kirjoittaja voi aloittaa sarjatarinansa lisäämällä vähitellen sen tunnejännitettä, luoden toiminnan ja tunteiden kulminaatiota yhteen tai useampaan arkkiin ja päättäen sen loppuun.

Näin järjestettiin esimerkiksi runoilija N. S. Tikhonovin tekstin kanssa vuonna 1946 julkaistu A. F. Pakhomovin suuri litografioiden sykli "Leningrad saarron ja vapautumisen päivinä". Tämä sykli oli lastenkirjojen mestari A. F. Pakhomovin (s. 1900), joka tunnetaan N. A. Nekrasovin ja I. S. Turgenevin teosten kuvituksistaan, ensimmäinen suuri esitys maalaustelinegrafiikassa. Pakhomovin litografiat ovat silminnäkijöiden kertomuksia, ja ne koskettavat meitä näkemämme totuudella, suuren inhimillisen solidaarisuuden ja rohkeuden valossa.

Sarja alkaa arkilla "Kansanmiliisin näkeminen", Se vie meidät välittömästi ahdistuksen, hämmentyneen onnellisen elämän ilmapiiriin. Lisäksi tapahtumat kehittyvät nopeasti, kaupungin elämä muuttuu, pommituksista ja pommituksista tulee olennainen osa sitä. Leningradilaiset rakentavat bunkkereita kaduille, päivystävät katoilla hälytyksen aikana pelastaen haavoittuneita tuhoutuneista taloista. Kaikki tämä näkyy nopeasti toisiaan korvaavissa litografioissa, yksityiskohtaisina, kuin tarina, mutta täynnä sisäistä jännitystä. Niissä aika tiivistyy ja kyllästyy, ihmiset toimivat tuhlaamatta minuuttia, taistelevat rohkeasti vihollista vastaan.

Albumin seuraava sivu - "On the Neva for Water" (ill. 14) vie meidät pois näiden jaksojen nopeasta rytmistä. Täällä aika kuluu hitaasti - tämä on Leningradin saarron kylmien ja nälkäisten päivien raskas askel. Tyttö, jolla on sietämättömän raskas ämpäri, liikkuu hitaasti portaita ylös. Tämä sankaritar Pakhomov on yksi vahvimmista kuvista paitsi sarjassa, myös koko sotilasgrafiikassa. Katsojan katse pysähtyy ennen kaikkea tytön kasvoihin - näin rakennetaan litografian sommittelu, näin tämän kasvojen poikkeuksellinen ilmeisyys sanelee. Taiteilija kehitti ilmeitään yksityiskohtaisesti - syvää väsymystä ilmaisevat tummat silmät näyttävät erityisen suurilta ohuemmilla kasvoilla, rypistyneet kulmakarvat yhdistyvät terävällä liikkeellä, puoliavoimen suun verettömät huulet ovat niin vaaleat, etteivät ne juuri eroa. kasvoilla ja taiteilija linjaa ääriviivat hieman linjallaan. Vaikuttaa siltä, ​​​​että tämän tytön kuva on väsymyksen ja kärsimyksen ruumiillistuma. Mutta merkittävin asia hänessä on näiden fyysisen väsymyksen ja uupumuksen piirteiden yhdistelmä henkiseen kovuuteen.

Pakhomovin sankarittaren vankkumattomuus, tottelemattomuus on monimutkaisin fuusio hänen henkisen elämänsä monista puolista, hänen sisäisistä ominaisuuksistaan, ja samalla tämä on hänen tärkein ominaisuus, joka hallitsee kaikkia muita. Täällä, yhdessä Pakhomovin tavanomaisen yksinkertaisuuden ja kuvan nerokkaan selkeyden kanssa, syntyy sen monipuolisuus ja syvyys. Pakhomov on aina erityisen lähellä lasten kuvia. Ja tässä litografiassa hän onnistui kertomaan paljon, näyttäen kuinka tyttö kaataa vettä vedenkeittimestä; hänelle tämä on asia, johon hän on täysin imeytynyt - sekä välttämättömyys että samalla peli. Tässä yhdistelmässä on särkevää kipua, siinä on aitoa saartoelämää akuutin tragedian nuoteineen arjen keskellä. Joen luminen avaruus, pakkasen läpinäkyvä talviilma välittyvät hyvin litografioissa. Tämä arkki, samoin kuin seuraava piirros "Sairaalaan" - tehokkain, täynnä tunnetta. Ne muodostavat ikään kuin sarjan huipentuma. Lisäksi taiteilijan tarinaa johdetaan rauhallisemmin ja tapahtumien vauhdin mukaisesti hänen levynsä muuttuvat kirkkaammiksi ja iloisemmiksi: "Krovelolitsy", "Uudenvuodenaatto" ja muut. Sarja päättyy loogisesti ilotulituskuvaan 27. tammikuuta 1944 Neuvostoarmeijan kaupungin saarron läpimurron kunniaksi, ilotulitus, joka kiihottaa ihmisiä niin syvästi ja iloisesti ja herättää joukon muistoja ja toiveita. Ilotulitteiden alla ihmiset iloitsevat eri tavoin: sekä meluisasti antautuen tämän hetken kirkkaalle voitolle loppuun asti että mietteliäästi, hieman muistoihin etääntyen, että syvästi, koko sydämestään tunteen lastensa turvallisuuden. Jännitys ja ilo yhdistävät heidät, ja arkin tiivis sommittelu tekee tämän lujuuden ikään kuin näkyväksi ja omin silmin.

Sotilaallinen Leningrad on omistettu monille muiden taiteilijoiden teoksille. Nimetään niistä S. B. Yudovinin (1892 - 1954) linoleikkaussarja. Näimme, kuinka Pakhomovin sarjassa litografiatekniikka antoi taiteilijalle mahdollisuuden esitellä jokaisen suunnittelemansa kuvan yksityiskohtaisesti, syventyen yksityiskohtiin, yhdistäen niiden lineaarisen hienovaraisuuden talvimaiseman sulavien avaruusten maalauksellisuuteen. Yudovinin sarja on tehty linoleikkauksella. Yudovinille on ominaista tunteiden paheneminen, traagiset nuotit kuulostavat arvovaltaisesti hänen lakanoissaan. Ja hänen arkkiensa koko kuviollinen rakenne ja esitystapa ovat tämän tapahtuman tragedian tunteen alaisia. Hänen kaiverruksissaan hallitsee raskas musta väri ja kylmä lumen hehku. Kaupungin jäätävässä hiljaisuudessa ihmiset vaeltelevat vaivalloisesti kumartuen taakan painon alla, saartoongelmien taakan alla. Heidän hahmonsa, jotka yleensä nähdään ikään kuin ylhäältä, erottuvat jyrkästi lumisia katuja vasten. Kulmikas kuvio, armoton valo, joka nappaa siennat ulos pimeydestä; elämä, josta tuli tragedian kehys - nämä ovat Yudovinin kaiverruksia. Turhaa moittia taiteilijaa heidän ankarasta totuudenmukaisuudestaan, optimismin puutteesta. Yudovinin lahjakkuuden luonne antoi hänelle mahdollisuuden ilmaista erityisen herkästi leningradilaisten taistelun traagisia puolia vihollisen kanssa.

Mutta grafiikkaa kokonaisuutena leimaa kirkkaampi maailmankuva, vaikka kuvattaisiin koettelemuksia. Neuvostoliiton ihmiset. Näimme tämän jo Pakhomovin sarjassa ja löydämme tälle uutta vahvistusta tutustumalla D. A. Shmarinovin piirustussarjaan "Emme unohda, emme anna anteeksi!" Shmarinov (s. 1907) on yksi niistä taiteilijoista, joiden ponnistelut teki Neuvostoliiton kirjankuvituksesta suuren suosion 1930-luvulla. Hän sai hyvän ammatillisen koulutuksen Kiovassa Prahovin ja Moskovassa Kardovskin taidestudioissa. Psykologin lahjakkuus ja suuri sisäinen kulttuuri erottavat hänen kirjateoksensa. Sotavuosina Shmarinov loi julisteita ja maalaustelinepiirroksia. Sarja "Emme unohda, emme anna anteeksi!" teloitti hänen vuonna 1942 lyhyessä ajassa, mutta sen idea muotoutui koko ensimmäisen sodan vuoden aikana.

Taiteilijan tarina ei ala vähitellen, alusta - hän järkyttää meidät välittömästi piirustuksen "Execution" suurella tragedialla. Kuvia sodan koettelemuksista ja koettelemuksista seuraa peräkkäin, mutta sarjan ensimmäiseltä sivulta noussut kirkas teema neuvostokansan rohkeudesta voittaa katkerimmillakin sivuillaan. Yksi parhaat piirustukset tämä sykli on "Palauta"-arkki (kuvio 15). Tuhannet Neuvostoliiton yhteisviljelijät tunsivat elämässään aseman, jossa taiteilijan kuvaama nainen sijaitsee. Shmarinov maalasi hänet sillä hetkellä, kun spektaakkeli tuhoutuneesta, tuhoutuneesta alkuperäiskodista avautui ensimmäisen kerran hänen silmiinsä ja pakotti hänet pysähtymään jonkinlaiseen surullisen ja närkästyneen pohdinnan tyrmistöön. Hänen syvä kiihtyneisyytensä ei ilmene lähes ulkonaisesti missään. Tämä on vahvan ihmisen hillintää, joka ei salli itselleen tunteiden räjähdystä, epätoivon hetkiä. Ja kuinka paljon maisema kertoo katsojalle täällä! Ilman läpinäkyvä puhtaus, auringon heijastusten kirkkaus ja sulan maan päällä liukuvat varjot - tämä kaunis alkukevään kuva tuo iloa kohtauksen monimutkaiseen alatekstiin. Arkki alkaa kuulostaa lyyriseltä tarinalta, ja tämä on hyvin ominaista Shmarinovin lahjakkuudelle. Shmarinovin piirustukset, jotka on toteutettu hiilellä ja mustalla vesivärillä, käyvät läpi monia työvaiheita. Mutta mielellään välttelevät kuivaa ulkoista täydellisyyttä säilyttäen vetojen värisevän eloisuuden, ikään kuin ne olisivat juuri taiteilijan asettamat.

Vain sarjan kahdessa viimeisessä arkissa - "Paluu" ja "Kokous" - ei ole kuvaa natseista, ja vaikka ilo on vielä hyvin kaukana, ilmapiiri muuttuu kevyemmäksi, sankarit hengittävät helpommin. Ensimmäisen sodan vuoden ankara elämä, jonka tapahtumat taiteilija tiivisti, ehdotti hänelle sarjan koostumusta - useimpien sen sivujen hellittämätöntä traagista jännitystä ja viimeisten piirustusten kirkkaita muistiinpanoja.

Sotavuosina V. A. Favorsky (s. 1886), yksi vanhimmista Neuvostoliiton taiteilijoista, suuri puunkaiverrusmestari, kääntyi myös maalaustelinegrafiikkaan. Koko uransa ajan kirjakuvitus herätti hänen huomionsa eniten. Ja nyt Neuvostoliiton ja ulkomaiset katsojat ihailevat ennen kaikkea hänen "Tarina Igorin kampanjasta" kaiverrusten harmonista eeppistä maailmaa, "Boris Godunovin" kuvituksen tragediaa ja syvyyttä, monitavuisuutta, täynnä filosofisia yleistyksiä ja joskus ankaraa. , joskus kiehtovia elämän sävyjä, sarja kaiverruksia Pushkinin "Pienet tragediat". Mutta jo 1920-luvun lopulla Favorsky loi myös kauniin muotokuvan F. M. Dostojevskista - täysin itsenäisen, vaikkakin tietysti läheisesti kirjailijan kirjoihin liittyvän. Valo ja varjo vastustavat tätä häiritsevää lehteä; värisevästi, vahvasti muotoiltu kuva miehestä, joka on tuskallisten ajatusten pyörteessä. Tulemme täällä kosketuksiin poikkeuksellisen intensiivisen henkisen elämän kanssa, arvaamme sisäisen maailman, joka on täynnä ristiriitoja ja kamppailua. Vapaassa vedonvälityksessä, viisaassa värinkäytössä näkyy suuri taito.

1940-luvulla Favorsky loi levyt "Minin ja Pozharsky", "Kutuzov". Taiteilija ei ollut yksin luovalla vetoomuksellaan isänmaamme historian loistokkaille sivuille; Sotavuosina ne herättivät luonnollisesti erityistä huomiota maalareissa ja graafikoissa. Samarkandin rytmisesti ohuiden linoleikkausten samaan aikaan toteutetussa sarjassa arkielämän kulku on kuvattu kiireettömästi ja lakonisesti. Valkoinen tausta, jolla on tärkeä rooli kaikissa hänen lakanoissaan, korostaa siluettien eleganssia, yksinkertaisten mutta harkittujen sävellysten musikaalisuutta.

Taiteilija viittaa ja myöhemmin useammin kuin kerran maalaustelinegrafiikkaan (arkki "Lentävät linnut", 1959; ks. etukappale jne.), mutta kirjakuvitus painaa häntä mittaamattoman enemmän.

Sota-ajan grafiikassa näkyvä paikka kuuluu L. V. Soyfertisin (s. 1911) teoksille. Soyfertis työskenteli aiemmin satiirisen aikakauslehtigrafiikan alalla, ja nyt hän esiintyy usein Krokodil-lehden sivuilla. Sotavuosina hän osallistui taisteluihin Sevastopolissa, Novorossiyskissä, Odessassa. Soyfertiksellä oli mahdollisuus nähdä sodassa paljon vaikeita asioita, useammin kuin kerran kuolema oli hänen vieressään, mutta hänen kirkas ja kevyt kykynsä poimittiin tästä ei raivokkaasta taistelukohtauksesta, ei tragediasta ja kuolemasta, vaan elämän hymystä, joka pysyy itsestään jopa pommituksen alaisena. Erikoinen terävyys, hauskuus erottaa hänen kuvaamansa asennot. Merimies kiiruhtaa piiritettyyn Sevastopoliin etulinjaan, ja pojat - yhdessä vauhtiin - kiillottavat ahkerasti hänen kenkiään. "Kerran" on tämän arkin nimi. Kaupungin yllä on ilmataistelu aurinkoisella taivaalla, naiset katsovat sitä, ja vanha nainen ompelee rauhallisesti jotain istuen tuolilla portilla. Merimiehet sanomalehden ikkunassa lukevat viimeisimmät uutiset, seisovat tiiviissä porukassa, kiväärin pistimillä (ill. 16), merimies ja valokuvaaja sijaitsevat pommin suppilossa - kuva tarvitaan juhladokumenttiin . Kaikkea tätä voidaan tietysti kutsua arkipäiväisiksi jaksoiksi, mutta tämä on elämää, joka on vakiinnutettu kivenheiton päähän etulinjasta, ja mitä vaatimattomimmilla, ensisilmäyksellä jopa hauskimmilla kohtauksilla täällä tuuletetaan suurella rohkeudella ja sankaruus. Aito armo erottaa Soyfertisin piirustukset. Ja jos Favorskyn "Samarkand-sarjassa" linoleikkausten ajetut linjat ja siluetit olivat siroja, niin Soyfertisin siro ja kaunis ovat kevyitä, hauraita, ikään kuin ääriviivapiirroksen huolimattomia linjoja ja eloisaa, hengittävää, hieman sävytettyä läpinäkyvää akvarellitäyttöä.

Soyfertis on 1950-luvun piirustuksissaan taiteilija, jolla on ohikiitävä hymy ja suuri sympatia ihmisiä kohtaan. Hänen sarjansa "Metro" - Moskovan maanalaisten palatsien hälinässä havaittu genrekohtausten sarja sekä lapsille omistettuja piirroksia ja etsauksia nähdään edelleen hämmästyttävän valppaasti, yhä valaisee vaativa kiinnostus henkilöä kohtaan. Välillä koskettavia ja hauskoja, välillä pilkallisia ja jopa hieman groteskeja, vertailuissa terävyyttä saavia, nämä arkit paljastavat meille aina joitain uusia elämän piirteitä, jotain uutta tavallisessa arjen virrassa.

Sotavuosina kertynyt suuri materiaali ei mahtunut helposti taiteilijaarkistoon. Monet heistä jatkoivat sotilaallisten aiheiden parissa työskentelemistä sodan päätyttyä. Erityisen paljon sotaa käsitteleviä piirustuksia ja kaiverruksia esitettiin ensimmäisten rauhanvuosien näyttelyissä. Samaan aikaan grafiikkatyö kulki luonnollisesti tietämyksen ja visuaalisten vaikutelmien yleistämisen polkua pitkin luonnosta ja luonnosta maalaustelinearkkiin ja kokonaiseen grafiikkasarjaan. Niinpä taiteilija V. V. Bogatkin (s. 1922) toteutti vuosina 1946 - 1950 useita hänen sotilasluonnoksensa materiaaleihin perustuvia litografioita. Sotavuosina Bogatkin oli juuri aloittamassa luovaa työtään. Hän maalasi paljon; yksi hänen piirusksistaan, joka kuvaa nuorta sotilasta Tisza-joen rannalla (1945), sai huomattavan mainetta. Mutta hänen työnsä pääalue oli maisema. Bogatkin vangitsee litografioihinsa piiritetyn Leningradin autioiden katujen hiljaisuuden, pimennetyn Moskovan, fasismin romahtamisen päivien Berliinin, rikkinäisten laitteiden vuoret kaduilla, neuvostotankkeja Brandenburgin portilla. Vuosien mittaan olemme yhä enemmän arvostaneet näiden arkkien sisältämän, sodan kuuman takaa-ajon luoman näkemämme tarkkuutta.

1940-luvun lopulla ja 1950-luvun alussa kuva maalaustelinegrafiikan kehityksestä oli monimutkainen ja monella tapaa ristiriitainen. Taiteilijat onnistuivat havaitsemaan ja välittämään tiettyjä hyvin merkittäviä puolia elämästämme ja ennen kaikkea näyttämään sodan läpikäyneelle miehelle, ilon työhön paluusta, intohimoista luomisen janoa. Tämä oli erityisen ilmeistä joissakin kolhoosityölle omistetuissa teoksissa; Isänmaamme rauhallisten peltojen kauneus tuntui heissä vastikään hankittuna, valloitettuna omaisuutena. Samaan aikaan neuvostoihmisiä ja heidän töitään kuvaavien piirustusten virtauksessa havainnollistamisen piirteet, ajatusten ja tunteiden köyhyys heijastui selvästi. Proosadokumentti esti monia näiden teosten taiteilijoita nousemasta elämämme runollisen yleistyksen tasolle. Historiallisista ja vallankumouksellisista teemoista ilmestyi monia piirustuksia ja kaiverruksia, taiteilijat antoivat voimansa ja lahjakkuutensa työhönsä, mutta persoonallisuuskultin vaikutus oli heille erityisen kova. Se esti taiteilijoita luomasta ideologisesti rikkaita teoksia, ja se johti joissakin teoksissa ihmisten roolin historian luojana kuvaamiseen väärin.

Näiden vuosien grafiikka kehittyi teknisesti yksipuolisesti. Monia graafisia tekniikoita ei käytetty juurikaan, vallitsi musteella piirtäminen, hiilellä ja mustalla vesivärillä. Vain maisemamaailmassa todellinen akvarellimaalaus ja tietyt kaiverrustyypit olivat melko yleisiä. Mutta tekniikoiden monimuotoisuus esiintyi usein maisemassa rinnakkain asioiden sisäisen passiivisuuden kanssa.

Toisaalta näiden vuosien aikana syntyi myös suuria taiteellisia ansioita. Joten tänä aikana muodostui B. I. Prorokovin alkuperäinen ja vahva lahjakkuus, joka on nyt yksi johtavista Neuvostoliiton grafiikan mestareista. Prorokovin työ liittyy olennaisesti sotavuosiin, siihen, mitä taiteilija näki ja koki tuolloin. Mutta Prorokov ei vain palannut kaikki nämä vuodet sydämensä muistolla sotaan, hän onnistui sanomaan taiteillaan tarpeellisimmat sanat maailmasta.

B. I. Prorokov syntyi vuonna 1911 Ivanovo-Voznesenskissä. Hänen kiinnostuksensa piirtämiseen ilmestyi jo varhain lukio. Hänen koulupiirustuksensa, jotka lähetettiin Komsomolskaja Pravda -sanomalehden kilpailuun, palkittiin ensimmäisellä palkinnolla. Tämä antoi kirjoittajalle oikeuden saada lippu korkeampaan taiteelliseen ja tekniseen instituuttiin (Vkhutein). Siellä opiskelu ei kuitenkaan antanut Prorokoville juuri mitään ja se kesti alle kaksi vuotta. Vain litografiaa opettaneen poliittisen grafiikan suurimman mestarin D. S. Moorin neuvot olivat Prorokoville erittäin arvokkaita. Koska Prorokov ei saanut erityiskoulutusta, hän kävi läpi hyvän koulun - poliittisen ja taiteellisen - työssään Komsomolskaja Pravdassa ja myöhemmin Krokodil-lehdessä. Sanomalehden toimeksiannoissa hän matkusti paljon ympäri maata, sanomalehtimiehenä hän oppi tekemään suuren tarjonnan luonnoksia tulevaa käyttöä varten voidakseen suorittaa nopeasti minkä tahansa tehtävän. Suurin osa Prorokovin sotaa edeltäneistä teoksista on karikatyyrejä kotimaisista ja kansainvälisistä aiheista. Erilliset julisteet, myös hänen itse toteuttamansa, ja erityisesti arkki, joka paljastaa fasismin eläimellisen antihumanistisen luonteen, ennustivat jo hänen tulevien teostensa journalistista intensiivisyyttä, intohimoa ja terävyyttä.

Sodan ensimmäisistä kuukausista lähtien Prorokov työskenteli Hangon niemimaan varuskunnan sanomalehdessä, joka kesti sankarillisesti vihollisen piirityksen.

"Joskus meitä hämmentyy puhua taidehenkilön saavutuksista yhtä äänekkäästi kuin sotilaan tai komentajan uroteosta, kunnes kirjailija tai taiteilija sattuu korvaamaan tapetun komentajan taistelussa ja johtamaan korkeuden puolustamista", kirjoitti. osallistuja Hangon puolustukseen, joka kertoi siitä tarinassa "Ganguttsy" Vl. Rudny - Enkä voi kuvitella Gangutin merimiesten vankkumatonta taistelua * ( * Gangutin niemimaa Hanko kutsuttiin Pietari I:n aikana) neljäntenäkymmenentenäensimmäisenä vuonna ilman profeetallista naurua ja satiiria, ilman hänen päivittäisiä kuvallisia feuilletonejaan, kaiverruksia, muotokuvia, sinkin puutteen vuoksi kaiverrettuja kliseitä linoleumiin, repeytynyt lattioista sodan runtelemissa taloissa. "Taiteilija lähti Hangosta. merimiesten viimeisten yksiköiden kanssa. Kronstadt ja Leningrad saarron alaisina, Malaya Zemlya Novorossiyskin lähellä, Berliini ja Port Arthur - nämä ovat hänen sotilaspolun virstanpylväitä. Ja kaikkialla, jopa vaikeimmissa olosuhteissa ja aivan eturintamassa, taiteilija maalasi paljon.

Prorokovin ensimmäinen sodanjälkeinen sarja - "Kuomintangin Kiinassa" loi hän sen perusteella, mitä hän näki Kaukoitä heti japanilaisten militaristien tappion jälkeen. Se on kooltaan pieni, ja siinä kuvataan vain joitain piirteitä kiinalaisten elämän piirteistä, jotka yhä kokevat siirtomaasortoa ja taistelevat kansallisen vapautumisensa puolesta. Mutta kirjailijan elämänasenteen intohimo heijastuu jo täysin täällä. Sympatialla taiteilija piirtää kiinalaisen partisaanin - yksinkertaisen, vaatimattoman ja rohkean nuoren miehen, vihan ja pilkan kanssa - elegantteja amerikkalaisia, jotka järjestivät epäinhimillisiä riksakilpailuja; Hän jakaa meistä näköjään sekä mielenosoituksen kiihkeän puhujan kiihkon että paahtavan auringon alla vaunujen ääressä kyykyttävän riksan raskaan väsymyksen. Prorokovin seuraavissa teoksissa tunnemme ikään kuin hänen kirjoittajan äänen, hänen aina kuuman suuttumuksensa tai rakkautensa, ja siksi hänen teoksensa vangitsevat meidät erityisellä voimalla.

Seuraavissa piirustusjaksoissa "Tässä se on, Amerikka!" ja "Rauhan puolesta!" publicisti Prorokovin ääni vahvistui. Elämä hänen lakanoissaan saa imperialismin poliittisen paljastamisen vihaisen voiman. Piirustuksessa "Aggressor's Tanks to Bottom" taiteilija jännittävässä säälittävässä kuvassa osoittaa työntekijöiden rauhantahtoa, heidän solidaarisuuden voimaa. Järkytyksen puuska irrotti voimat, mikä kokosi monoliittisen ryhmän ihmisiä, jotka heittivät säiliön veteen. Arkki on koostumukseltaan lakoninen, täynnä kamppailun paatosa; se kestää helposti suuren nousun, ja useammin kuin kerran rauhan kannattajat maamme ulkopuolella kantoivat sitä julisteena mielenosoituksissa. Sarja "Tässä se on, Amerikka!" Prorokov esitti sen kuvituksena Amerikkaa käsittelevään pamflettien ja esseiden kirjaan. Mutta se on muuttunut pohjimmiltaan maalaustelinesykliksi - sen arkkien sisältö on niin itsenäistä, ymmärrettävää ja tekstitöntä. Samalla tavalla Prorokovin myöhemmät kuvitukset kirjalle "Majakovski Amerikassa" saivat maalaustelinepiirteitä. Vetous Majakovskiin oli syvästi looginen Prorokovin teoksissa. Taiteilija on hyvin lähellä Majakovskin runojen intohimoista painetta ja niille ominaista vihan ja sarkasmin vuorottelua, rohkeita allegorisia kuvia ja ilmiöiden pakollista poliittista arviointia.

Kaikissa sodan jälkeen esitetyissä teoksissaan Prorokov taistelee rauhan puolesta, paljastaa imperialismin, sen siirtomaapolitiikan epäinhimillisyyden ja militaristiset suunnitelmat. Mutta taiteilijan voimakkain puhe maailmalle oli hänen sarjansa "Se ei saa toistua!", jossa hän ensimmäistä kertaa laantuneiden taistelujen jälkeen kosketti sotilaallisia visioita, jotka eivät olleet lähteneet sydämestä.

Hänen sarjassaan korostuu kaksi vastakkaisen tunnelman arkkia: toisella - "Hiroshima" - tuhoon tuomitut kasvot, jotka yhä katsovat meitä atomiräjähdyksen helvetistä, toisella - nuori äiti, ase käsissään, suojelemassa lapsi, joka puolustaa valoisaa elämää maan päällä. Näiden kahden arkin välissä, kuten kehyksessä, on sarja kuvia sodasta. Niissä ihmiset kamppailevat fasismin tuoman kuoleman kanssa; ja kuoleman hetkellä he halveksivat vihollista, aivan kuten nuori nainen halveksii teloittajia, joiden silmissä on verinen näky Babi Yarista (ill. 17). Ei yksityiskohtia, jotka poistavat suurta jännitystä, jokainen arkki on tunne, joka on otettu korkeimmalla hetkellä, se on tuskaa, jonka ei ole vielä tarkoitus loppua. Terävä siluetti ja lähikuva valittu tässä pakollisiksi taiteellisiksi tekniikoiksi. Vain taiteilija, jolla on suuri rohkeus ja kiihkeä usko ihmisiin, voi toistaa meille julman totuuden viimeinen sota. Hänen sivunsa täynnä kipua, vihaa ja kärsimystä eivät jätä ketään välinpitämättömäksi. Tšekkiläisen kommunistin J. Fuchikin testamentti "Ihmiset, olkaa valppaita!" kuuluu meille tässä Neuvostoliiton taiteilijan sarjassa.

V. I. Leninille omistetuista teoksista erottuvat kirjankuvituksen suurimman mestarin E. A. Kibrikin (s. 1906) piirustukset. Sarjan erillisillä arkeilla taiteilija, joka tutki huolellisesti Leninin toimintaan liittyviä materiaaleja vallankumouksen vuonna, ei vain oppinut ensimmäistä totuutta samankaltaisuus, mutta myös siirtyi pidemmälle, sisäisten ominaisuuksien syvyyksiin.

Arkki "V. I. Lenin maanalaisessa" (ill. 18) toistaa vuoden 1917 heinäkuun päivät, jolloin Pietarissa asuva Lenin pakotettiin piiloutumaan väliaikaisen hallituksen verikoirilta. Miten taiteilija itse kuvitteli tämän piirustuksen juonen? Hänen mukaansa hän halusi tässä näyttää Leninin teoreetikkoa, tiedemiestä, ajattelijaa, joka esiintyi päivittäin noina päivinä artikkeleilla, jotka aseistavat puoluetta sen taistelussa proletariaatin diktatuurin puolesta; kuvaamisen tarpeessa olevaa erityistä hetkeä taiteilija kuvaili seuraavasti: "...Lenin, kuten hänen luonteensa oli, käveli ympäri huonetta, pohtien sitä valtavaa materiaalia, jota elämä toimitti joka päivä ja jossa hänen oli saatava kiinni tärkeimmistä asia, mitä on tarpeen kohdistaa puolue toisella artikkelilla Pravdassa. Löytettyään tämän pääasia, hän istuutui nopeasti pöytään, unohtaen heti kaiken maailmassa, syöksyi työhön. Tyypillistä on, että Kibrik kuvittelee kuvan liikkeessä ja piirtää yhden hetken muiden ketjuun, hän ottaa huomioon myös edellisen. Pienen yksinäisen huoneen hiljaisuus on täynnä suuren työn jännitystä. Taiteilija pystyi välittämään Levinin kiirettä ja kiinnostusta työhönsä keskittyneellä kasvojen ilmeellä, nopeasti kirjoittavan ihmisen asennolla.

Kuva "V. I. Lenin Razlivissä" on tunnelmaltaan erilainen: siinä on levottomuutta, hillitty impulssi. Leninin ajatusvirta on kaukana ympäristöstä, ja myös järvimaiseman avaruudet ikään kuin laajentavat arkin kattavuutta. Yllä lainatussa kirjassa Kibrik kertoo yksityiskohtaisesti näiden sävellysten parissa työskennellessään, ja jokainen, joka tuntee hänen piirustuksensa, on kiinnostunut lukemaan näitä sivuja,

1950-luvun puoliväliin mennessä grafiikassa ilmestyy kauniita asioita nykyajasta. Taiteilija Yu. I. Pimenov, taidemaalari, graafikko ja teatterisisustaja, avasi meille suurella "Moskovan alue" -sarjallaan koko suuren maailman täynnä kirkasta elämäniloa. Pimenovilla on harvinainen runollisen arjen lahja, kyky nähdä arjen kauneus. Ja tavallisessa havaittu kauneus löytää aina erityisen läheiset polkunsa katsojan sydämeen. Kuuman päivän kuuma ilma lähiöissä ja tytön hahmo rantakadulla, innokkaat työntekijät uusien talojen rakennustyömaalla ja sateen säteily Moskovan esikaupunkialueella - nämä ovat Pimenovin piirustusten ja vesivärien yksinkertaisia ​​juonia . "Minusta näyttää genremaalarille", hän kirjoitti, "arvokkaimpia löytöjä ovat ne aidot nähdyt elämänpalat, joissa tavallisissa, kuvittelemattomissa, todellisissa jokapäiväisissä tapauksissa paljastuu maan suuri totuus." Aikamme kiihkeä työrytmi, sen erityinen, energinen ja asiallinen kauneus elävät taiteilijan teoksissa (ks. kansi). Ehkä Pimenovin kuvien ja erityisesti hänen jatkuvien sankaritarensa - naiset, jotka työskentelevät rakennustyömaalla, remontoivat asuntoja, ompelevat, kotityöt - tärkein viehätys piilee toiminnassa, toiminnassa. Hänen akvarellinsa vaalea, vaalea väri antaa juhlallisuutta tavallisimpiinkin kohtauksiin ja asioihin. Taiteilija tuo upeaa maalauksellisuutta myös mustan akvarellin ja hiilen tekniikkaan. Mustan sävyvärin avulla hän pystyy välittämään puista veteen putoavien varjojen syvyyden ja varhaisen kevään läpinäkyvän kylmän ja sateen tuoreuden aseman laiturilla sekä metsätien hartsimaisen mukavuuden. . Pimenov on erittäin tärkeä taiteilija. Hänen näkemyksensä maailmasta, suosikkiaiheiden kirjo säilyy samana 1940-1950-lukujen maalaussarjassa - genrekohtauksia, asetelmia, jotka niin yksinkertaisesti ja runollisesti kertovat ajankohtaisesta, sekä hänen grafiikoissaan, ja jopa proosassa - Moskovan aluetta käsittelevässä kirjassa, jonka on kirjoittanut kiihkeästi, nopeasti, sulavasti ja helposti, puhtaasti taiteellisella näkemyksellä elämästä sen todella kauniissa, monivärisessä asussa.

Elämä liikkeessä, uusi ja iloinen, joka päivä syntynyt, kiirehtii vangitsemaan Pimenovin myöhemmässä sarjassaan "Uudet neljännekset".

Matkustettuaan ulkomailla useammin kuin kerran 1950-luvulla Pimenov loi koko joukon pieniä kankaita ja luonnoksia näiden matkojen vaikutelmien perusteella tai suoraan matkojensa aikana. Tässäkin hänen katseensa pysyy ensisijaisesti kauneutta rakastavan ihmisen katseena, journalismi ei ole hänelle omituista. Mutta joidenkin hänen ulkomaisten teostensa suruntäyteiset sanoitukset kuulostavat tahtomattaan vastakohtana hänen arkille omistettujen arkkien äänekkäälle onnelle elämämme tavallisille päiville ja asioille.

Pimenovin ulkomaiset teokset eivät olleet yksin aikataulussamme. 1950-luvulla ja myöhemmin, kun maamme kansainväliset kulttuurisuhteet laajenivat ja monet taiteilijat matkustivat eri puolille maailmaa, näiden matkojen vaikutelmien pohjalta syntyi kokonainen sarja sarjoja. Ne sisälsivät yleensä kohtauksia katuelämästä, maisemia, yksittäisiä muotokuvaarkkeja. Taiteilijat kertoivat näkemästään ja esittelivät luonnon maalauksellisia kulmia, kuuluisia monumentteja arkkitehtuuri ja kuvanveisto, elämän piirteet, matkoilla tavatut ihmiset. Pakotettu sujuvuus leimaa suurimman osan näistä teoksista. Mutta matkojen tuloksena syntyi myös valmiita sarjoja, joissa reportaasi, luonnostelu korvattiin todellisella taiteellisella yleistyksellä. Tällaisten syklien tuntemisesta katsoja ei saanut vain ketjun eläviä turistivaikutelmia, vaan myös uutta tietoa tietystä maasta ja esteettistä nautintoa.

Yksi näistä asioista oli vuonna 1957 luotu N. A. Ponomarevin (s. 1918) sarja "Pohjoinen Vietnam". Taiteilijan näkemä kuva tästä maasta on täynnä viehätysvoimaa: harmaansininen korkea taivas, tyynien vesien avaruus, riisipellot ja lila kiviketju horisontissa, joko selvästi näkyvissä tai helmiäissumussa sulavana. . Näissä arkissa elää rauhallista, hieman mietiskelevää arjen runoutta. Ihmisiä on kuvattu syvällä myötätunnolla - Vietnamin vaatimaton ahkera kansa - kalastajat, kaivostyöläiset, naiset menossa torille (s. 19), odottamassa ylitystä lahden varrella. Herkkä ja hienovarainen väritys antaa piirustuksiin ilmaisua. Vietnamilainen sarja oli monella tapaa käännekohta kirjoittajalleen. Taiteilija aloitti uransa Donbassin kaivostyöläisille (1949-1950) omistetuilla hiili- ja musta guassipiirroksilla. Heillä oli paljon tunnollisuutta ja työtä ja vähemmän luovaa inspiraatiota. Vietnamia piirtäessään taiteilija löysi työssään uusien runollisten nuottien lisäksi myös koloristin kyvyn, joka pystyy näkemään guassin ja pastellin sekatekniikan harmonian ja koristeellisuuden.

Ulkomaisiin vaikutelmiin perustuvista sarjoista kiinnostavat myös O. G. Vereiskin (s. 1915) teokset. O. Vereisky, nykyään merkittävä neuvostokirjailijoiden kirjojen kuvittaja ja maalaustelinegraafikko, on velkaa ensimmäiset taiteensa tuntemukset isälleen G. S. Vereiskille. Hän opiskeli myös Leningradin taideakatemiassa. O. Vereisky hallitsee yhtä vapaasti sekä mustalla vesivärillä tai tussilla sävypiirroksen pehmeän maalauksellisuuden että selkeän, määrätyn kynällä piirtämisen tekniikan kirkkaat kontrastit. Viime aikoina taiteilija kiinnostui joistakin kaiverrustekniikoista, ja hän toisti piirustuksiaan, jotka tehtiin Egyptin, Syyrian ja Libanonin matkojen tuloksena, vedoksissa. Yksi parhaista niistä on arkki nimeltä "Lepää matkalla. Syyria" (kuvio 20). Hän on väriltään kaunis ja lakoninen sommittelu, mutta hänen tärkein viehätyksensä on naisen kuva. Taiteilija toistaa kasvojen hienostunutta kauneutta ja lievää surua, eleen hillittyä hellyyttä ja naisen luonnollista suloisuutta. Myös O. Vereiskyn "American Series" -sarjan arkit ovat täynnä tarkkoja havaintoja, ja hän näki amerikkalaisen elämän seremoniallisen, mutta myös hämärän arjen piirteet.

Tietoamme tästä maasta täydentävät myös sirot, lineaarisesti luonnostelevat kynäpiirrokset V. Gorjajevin, terävän, hieman sarkastisen taiteilijan, kuvittaja Mark Twainin, Crocodile-lehden pysyvän kirjoittajan, piirustuksista.

Sodan jälkeiselle grafiikalle on ominaista liittotasavaltojen taiteilijoiden suuri menestys. Vahvimmat graafikot ovat nyt muodostuneet Ukrainassa, Virossa, Liettuassa ja Latviassa. Sekä piirtämisellä että akvarelleilla on suuret taiteilijansa näissä tasavalloissa, ja grafiikan taidetta kehitettiin silloin tällöin, kun se 1940-luvun lopulla ja 1950-luvun alussa oli laskussa RSFSR:ssä.

Esimerkkinä ukrainalaisesta maalaustelinegrafiikasta voidaan mainita M. Deregusin sarja "Ukrainian Folk Thoughts and Songs". Laajasti ajateltuna, sisältäen eri tunnelmia ja teemoja sisältäviä arkkeja, tämä sykli luonnehtii ukrainalaisen grafiikan kypsyyttä, vaikka Dereguksen itsensä - maisemamaalari ja kuvittaja par excellence - töissä erottuu jonkin verran toisistaan. Arkin "Marus Boguslavkan ajatus" suru ja toivo sekä yksinäisyyden tragedia, petetty usko ihmisiin arkissa "Asovin kolmen veljen ajatus" korvataan aikamme rohkealla runoudella sävellyksessä " Partisaanien ajatus" Kovpakin keskeisellä kuvalla. Nuoret ukrainalaiset taiteilijat V. Panfilov, joka omisti kaiverruksensa terästyöläisille, ja I. Selivanov, joka loi arkkeja historiallisista ja vallankumouksellisista teemoista, työskentelevät menestyksekkäästi grafiikan parissa. Tyypillinen ukrainalaisen grafiikan genre on teollisuusmaisema, joka toteutetaan yleensä kaiverrustekniikoilla. Sen mestarit ovat V. Mironenko, A. Paštšenko, N. Rodzin ja muut.

Baltian tasavalloissa maisemagrafiikka on hyvin monipuolista. On vahva virta kamarilyyrinen maisema, emotionaalinen, suurella viehätysvoimalla. Sen tekijöinä ovat virolaiset taiteilijat, kaiverrusmestarit R. Kaljo, A. Keerend, L. Ennosaar, akvarellimaalari K. Burman (juniori), latvialaiset graafikot - A. Junker, liettualaiset - N. Kuzminskis ja muut. Heidän töissään on lyyrisiä pohdiskeluja ja sielua rikastavaa läheistä kommunikaatiota luonnon kanssa, ja joka kerta heidän kotimaansa, maalauksellisen muinaisen Tallinnan jne. kauneus ymmärretään uudella tavalla.

Viron vanhimman piirtäjän G. Reindorfin teoksissa maisemakuvat saavat filosofisemman värityksen. Meidän on nyt vaikea täysin kuvitella pitkää luova tapa tämä taiteilija, koska melkein kaikki hänen sotaa edeltävät teoksensa menetettiin Suuren isänmaallisen sodan aikana. Mutta myös hänen toimintansa sodanjälkeinen aika oli hedelmällistä. Reindorf syntyi vuonna 1889 Pietarissa. Valmistuttuaan Stieglitzin teknisestä piirustuskoulusta hän sai oikeuden työmatkaan ulkomaille ja lähti Ranskaan. Ensimmäinen maailmansota katkaisi ulkomaalaisten eläkeläisten lyhyen kauden. Kotimaahansa palattuaan Reindorf työskentelee soveltavan ja maisemagrafiikan alalla ja harjoittaa opetustoimintaa. Hänen tärkeimmät luovat kiinnostuksen kohteet 1940-1950-luvuilla olivat maisema ja jossain määrin kirjojen kuvitus. Hän esittää esineitään näinä vuosina pääasiassa piirustusten muodossa; aiemmin taiteilija loi myös ilmeikkäät kaiverrusarkit. Halu kuvan objektiiviseen tarkkuuteen menee toisinaan Reindorfin arkkien emotionaalisen rikkauden kustannuksella, mutta hänen parhaissa teoksissaan nämä kaksi periaatetta yhdistyvät. Tältä osin tyypillisimpiä ovat hänen arkkinsa "Elokuun kuumina päivinä" (1955). Eräänlainen harmonia yhdistää kaiken tässä elävän maaseutumaisema, ja virtuoosi piirustustekniikka grafiittikynällä antaa arkeille sävyrikkauden ja erityisen filigraanisuorituskyvyn.

Baltian maiden grafiikassa on myös romanttisen maiseman linja, joka on kyllästetty myrskyisten levottomien inhimillisten tunteiden paatosuudella. Latvialaisten taiteilijoiden P. Upitiksen, O. Abeliten kaiverruksissa, M. Ozoliņšin erillisillä arkeilla, luontokuvat ovat väritettyjä akuutilla emotionaalisella, täynnä sisäistä jännitystä.

Riian asukkaan E. Andersonin etsauksissa maisema muuttuu ympäristöksi, jossa työn majesteettinen toiminta avautuu.

Monet Baltian taiteilijat toimivat sekä maisemamaalarina että temaattisten teosten tekijöinä, mikä vain rikastuttaa heidän töitään. Virolaisen taiteilijan E. K. Okasin (s. 1915) monipuolisesta työstä löytyy esimerkiksi maisema-arkkeja, muotokuvia ja temaattisia asioita. Okas syntyi Tallinnassa työväenperheeseen ja opiskeli siellä ensin Valtion Taideteollisuuskoulussa ja sitten Valtion Taideyliopistossa. Suuren isänmaallisen sodan aikana hän työskenteli etulinjan taiteilijana. Okas on sekä taidemaalari että kirjankuvituksen mestari. Mutta jos hänen kirjojen sivuille luomiaan kuvia erottaa meistä joskus vuosikymmeniä ja vuosisatoja, hänen maalausteosteosten sankarit elävät aina modernissa, hengittävät sen ei suinkaan rauhallista tunnelmaa. Tunne modernin maailman monimutkaisuudesta ja sen terävistä sosiaalisista ristiriidoista täyttää esimerkiksi Okasin hollantilaisen ja italialaisen matkaluonnoksen sarjan arkit, jotka hän on pohjimmiltaan toteuttanut erilaisilla kaiverrustekniikoilla. Nämä terävänäköiset ja ankaran totuudenmukaiset kaiverrukset kuulostavat oikealta journalismista. Liettualainen taiteilija V. Yurkunas (s. 1910) työskentelee myös kirja- ja maalaustelinegrafiikassa. Hän valmistui Kaunasin taidekoulusta vuonna 1935 ja on jatkuvasti mukana opetustoiminnassa. Hänen kaiverruksissaan ihmiset näyttävät olevan erityisen läheisessä yhteydessä alkuperäiseen luontoonsa, kotimaahansa. Tällaisia ​​ovat Maironiksen runon (1960; ill. 21) sankarit, jonka hän toistaa, sellainen on monien katsojien sympatian voittanut pieni kolhoosi - kuva kauniilla maalla kävelevästä nuoruudesta, taiteettoman yksinkertainen ja provosoiva, upea. ainutlaatuinen tunteiden eheys ("I will be a milkmaid", 1960). V. Yurkunasin linoleikkaustekniikassa on sekä ytimekkyyttä että joustavuutta, se luo luonnollisesti hänen kirkkaita, optimistisia kuviaan.

Itämeren liikenne muotokuva-alalla työskentelee innostuneesti, Ja jos meillä on nyt RSFSR:n taiteilijoiden teosten joukossa G. S. Vereiskyn poikkeuksetta menestyneiden, mutta jo harvinaisten esitysten lisäksi vain terävästi tunnusomaisia ​​M. Feiginin etsausmuotokuvia. , Itämerellä tulemme olemaan tyytyväisiä monien muotokuvamaalajien hienovaraiseen ja monipuoliseen taitoon.

Virolainen taiteilija E. Einmann (s. 1913) saavutti tässä genressä paljon. Hän on opiskellut Valtion Taideteollisuuskoulussa ja Tallinnan Taideyliopistossa, ja hänen luomispolkunsa alkoi Suuren isänmaallisen sodan aikana. Nyt hänen teostensa pitkässä sarjassa hänen lahjakkuutensa piirteet näkyvät selvästi. Taiteilijan harkittu ja huolellinen asenne malliensa sisäiseen maailmaan. Ihmisen kunnioittaminen on hänen työnsä ominaispiirre. Se näkyy aina, maalaapa taiteilija vanhaa kalastajaa tai nuorta ammattioppilaista, sairaanhoitajaa tai näyttelijää. Samalla tekijän suora kokemus, mallin arvio, jää jonnekin sivuun, pääasia on hillitty ja objektiivinen tarina siitä. Einmannin muotokuvat valloittavat graafisen tavan hienovaraisuudella, joka on vieras ulkoisille vaikutuksille. Tämä hienovaraisuus erottaa hänen arkkinsa, jotka on toteutettu grafiitilla tai italialaisella lyijykynällä, sekä akvarelleja ja litografiaa.

Tunteellinen ja lyyrinen on virolaisen taiteilijan A. Bach-Liimandin muotokuva, joka on erityisen hyvä kuvaamaan naisia ​​ja lapsia. Linoleikkauksella työskentelevän liettualaisen taiteilijan A. Makunaiten muotokuvat ja omakuva ovat täynnä vakavia ajatuksia. Nuoren latvialaisen piirtäjän F. Paulukin luomat hiilimuotokuvat ovat ilmeikkäitä.

Grafiikalla Ukrainassa ja Baltiassa on pitkät perinteet, ja siksi sen menestys on pitkälti luonnollista. Mutta jopa sellaisissa tasavalloissa kuin esimerkiksi Kirgisia tai Kazakstan, joissa grafiikka on melko nuori, se on jo edistynyt huomattavasti.

Kirgisian johtava grafiikan mestari on L. Ilyina (s. 1915), Moskovan polygrafisen instituutin oppilas, joka työskenteli monta vuotta Frunzen kaupungissa. Monumentaalisuus, suuret muodot, lakonisuus ovat hänen linoleikkauksilleen ominaisia ​​piirteitä. Viime vuosina kirjan kuvituksesta hieman etääntyvä Iljina on esittänyt monia maalausteoksia, ja erityisesti maisemasarjan puupiirroksia "Native Land" (1957) ja laajaa sarjaa tasavallan naiselle omistettuja värillisiä linoleikkauksia. Uuden piirteet, jotka erottavat elämämme, voivat olla erityisen havaittavissa naisten kohtaloita esittänyt kirgisitaiteilija. Työ ei nyt taivuta naisia, vaan antaa vain majesteettisuutta ja merkitystä ryhdille. Vapaa, hillitön asenne erottaa sekä tyttö-juurikasviljelijän (1956) että kaukaisen Tien Shanin edustajat, jotka kuuntelevat tarkkaavaisesti puhujaa (1960). L. Ilyinan linoleikkaukset ovat muovisia, tilavuus on vapaasti muovattu niihin eloisalla, karkealla vedolla, suurilla väritäplillä. Samalla arkin siluettikoristevaikutus säilyy aina (kuvio 22).

Azerbaidžanissa taiteilija M. Rahman-zade (s. 1916), joka kuvaa rannikon öljykenttiä Kaspianmerellä, työskentelee mielenkiintoisesti värilitografian alalla. Hän osaa tuoda sarjaansa erilaisia ​​motiiveja, jotka näyttävät samanlaisilta ja samalla joka kerta paljastaen jotain uutta teollisessa maisemassa. Hänen vuodelta 1957 valmistetun työskentelyn ylimmäinen arkki erottuu muun muassa sommittelunsa hoikuudesta, kirkkaan keltaisen veden ja mustien harjakattoisten kuvioiden soinnisesta yhdistelmästä. Tällaisia ​​ovat eräät tasavallan kaivertajien ja piirtäjien saavutukset.

Nykypäivän grafiikka on hyvin erilainen kuin ensimmäisen sodanjälkeisen vuosikymmenen grafiikka. Mitä uutta, toisin kuin edellinen, siinä ilmestyi? Jos aikaisempi nykyaika vangittiin aidolla runollisella yleistyksellä vain yksittäisiin asioihin, niin nyt sen elävät piirteet ovat hajallaan monissa graafisissa teoksissa. Taiteilijoiden joukkovuoro nykypäivään antaa tuloksensa. Moderniteetti sulautuu ei-ulkoisiin, syviin piirteisiinsä, taiteilijat löytävät maamme ikään kuin uudet kasvot, Neuvostoliiton mies. Viime vuosien grafiikalla on monella tapaa yhteistä maalauksen kanssa. Näiden taiteiden taiteilijat näkevät ajan ankarat ja kiihkeät kasvot, erityinen asennetoiminta valtaa heidän töitään. Ja uusien, testaamattomien taiteen muotojen himo osoittautuu myös heille yhteiseksi. Grafiikassa tämä kaikki viittaa ensisijaisesti grafiikkaan. Sen nousu alkoi 1950-luvun puolivälissä, ja nyt voimme puhua sen todellisesta kukoistusajasta. Tämä kukoistus liittyy ensisijaisesti uusien nuorten voimien tulvaan maalaustelinekaiverrukseen. Mutta myös jo kokeneet taiteilijat osallistuivat siihen. Esimerkiksi A. Vedernikovin maisemissa Leningrad, joka on rasittu monilla esittämisperinteillä, ilmaantuu yhtäkkiä niin uudessa, puhtaista väreistä kimaltelevassa ilmeessä, että se näyttää näkevän ensimmäistä kertaa. Vedernikovin värilitografiatekniikka ei jäljittele värikynäpiirustusta tai yksityiskohtaista vesivärimaalausta. Taiteilija operoi yleistetyillä muodoilla, useiden puhtaiden sävyjen rohkeilla yhdistelmillä. Hänen koristeellisuuden etsintönsä värilitografiassa on yksi monista tämän päivän tyypillisistä vedoksista.

Taidegrafiikan menestyksiin voidaan lukea myös F. D. Konstantinovin puupiirrokset maaseututyöstä ja erityisesti hänen maisemalehtensä "Kevät kolhoosilla" (1957; ill. 23) sekä armenialaisen taiteilijan M. M. Abeghyanin maisemat - " Rocky Shore of Zanga", "In the mountains of Bjni" (1959) ja monia muita vanhemman ja keskipolven taiteilijoiden teoksia.

Mutta uusi, joka erottaa modernin grafiikan, tuntuu erityisen selvästi nuorten asioissa. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zakharov, Ya. Manukhin, I. Resets, L. Tukachev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - kokonainen galaksi nuoria joka esiintyi kirkkaasti painettuna. Näemme tavallisia esikaupunkimaisemia Leningradin taide- ja pedagogisesta koulusta valmistuneen A. Ushinin (s. 1927) "Suite on Wires" (s. 24). Sen levyissä ei tapahdu tapahtumia, vain sähköjunat ryntäävät hiljaa, ja samaan aikaan täällä tapahtuu paljon - teräsristikot nousevat tukemaan johtoja, valonvyyhdet junan ikkunasta repivät paksun yöpimeyden, valkoiset salamat sade ylittää sen, ja pilvet kasautuvat häikäiseväksi kasaksi mustille taivaille - elämä on käynnissä, ainutlaatuista, elävää, tuntui erittäin terävästi, aktiivisimmassa, jännittyneimmässä tilassaan. Juuri tämä terävä, aktiivinen käsitys elämästä sen jatkuvassa dynamiikassa erottaa monet nuorten teokset. Se yhdistää heidän työnsä. Mutta lisäksi nuoret ovat työssään hyvin yksilöllisiä. Jokaisella näistä taiteilijoista on jo omat kasvonsa taiteessa, oma mielipiteensä elämästä, oma ymmärrys kaiverruskielestä.

G. Zakharovin tilavat maisemat ja lyyriset kohtaukset korostetulla rytmillään suurilla mustavalkoisilla viivoilla ja täplillä kuulostavat ainutlaatuisilta. I. Golitsynin ajatuksia herättävät, hieman ironiset maisemaromaanit ovat yksityiskohtaisia, joissa jokainen talo on kokonainen tarina valtavan kaupungin elämästä ja katuristeys avautuu meille hetkessä ja hieman pessimistisenä näkemyksenä käärönä ihmisen arjesta. Golitsynin joustava hopeakaiverrustekniikka muodostui suurelta osin Favorskyn vaikutuksesta. Puupiirrosten hienovaraisuus, sen tonaalinen rikkaus, niin Favorskylle alistuva, ikään kuin laajensi Golitsynin, suuremman, rohkeamman linopiirrostekniikan taiteilijan, näköaloja (ill. 25),

Hieman ankara, merkittävä ja tavallisimmissa ilmenemismuodoissaan elämä virtaa 24. A. A. U Shin. Sade. 1960 suurkaupungista leningradilaisen V. Volkovin etsauksissa. Hänen lakanansa on vailla pikkuasioiden hälinää ja monumentalisoi todellisuutta, ikään kuin paljastaen sen rohkean majesteettisen rytmin arjen virrassa. Ja taiteilija näyttää ihmiset jollain, mutta merkittävällä tavalla - nämä ovat ankaria, lakonisia työväkeä.

Georgialainen taiteilija D. Nodia näkee teollisen maiseman ja työelämän kohtaukset aktiivisesti dynamiikkana. Y. Manukhin paljastaa nuoruuden läpinäkyvän maailman, lapsellisen sielunselkeyden ja henkisten liikkeiden aikuisten hienovaraisuuden ihanan yhdistelmän suositun Grass of Grass -ruohon hauraassa kuvassa.

Sama taiteilija saa rauhantaistelulle omistetussa kaiverruksessa erityisen ilmeen kuvasta, joka ilmentää Hiroshiman vihaa ja tuskaa. Samaan aikaan Manukhin oppi paljon maalaustelinearkin läheisyydestä julisteen taiteeseen (kuvio 26).

V. Popkov (ill. 27) kertoo yksityiskohtaisesti kuljetustyöntekijöiden työstä kaiverrus- ja guassisarjassa, joka on toiminut kiinnostavasti myös viime vuosina maalarina. Kaikissa näissä teoksissa nuoret taiteilijat paljastavat meille nykyaikaisuutemme erilaisia ​​puolia omalla tavallaan ja hyvin tuoreesti nähtynä.

Tietenkään kaikki taidegrafiikkatyöt eivät ole nyt vain menestyviä. Mukana on myös pientä arjen kirjoitusta, havainnollistavuutta. Usein törmäämme niihin työhön omistetuissa sarjoissa sekä teollisessa ympäristössä tylsällä protokollalla. On myös asioita, joiden koko merkitys loppuu niiden ulkoiseen koristeellisuuteen. Toisaalta viime vuosien grafiikan uutta syntyi piirtämisessä, vaikka näin voimakasta nuorten irtautumista ei täällä näkynyt. Ohjeellinen tässä suhteessa on V. E. Tsigalin (s. 1916) luova polku. Se alkoi ensimmäisinä sodanjälkeisinä vuosina tussi- ja akvarellipiirustussarjalla, jossa neuvostokansan elämää ja työtä esitettiin autenttisesti, usein lyyrisesti ja lämpimästi, mutta silti ilman suuria taiteellisia löytöjä. Tsigalia hankaloitti osittain hänen liiallinen aktiivisuus, halu kattaa taitellaan liian laaja kirjo elämänilmiöitä. Tsigal työskenteli nopeasti, suuria sarjoja hänen arkkiaan ilmestyi lähes kaikissa suurissa näyttelyissä. Mutta todellinen luova keskittyminen tuli hänelle vasta, kun hän alkoi matkustaa ja tutkia talonpoikien elämää Dagestanin vuoristokylissä, ja hän kiinnostui suhteellisen pitkään tästä yhdestä aiheesta, joka tietysti oli melko kiitollinen taiteilija. Näin ilmestyi hänen sarjansa "Dagestan" (1959 - 1961), joka oli iso askel eteenpäin Tsigalille. Tässä syklissä on myös taiteilijalle paljastuneen ylämaan elämän uutuuden ehtymätön viehätys ja ystävällisellä katseella havaittuja hyvin salaisia, arkipäiväisiä piirteitä ja omituista harmonian tunnetta ihmisen ja luonnon välillä. Sen arkki on rakennettu Dagestanille yhteisten motiivien hienovaraiseen rinnakkain, mutta yhtäkkiä paljastaen meille elämäntavan ja ihmissuhteiden erityispiirteet, ikuiset ja samalla hienovaraisesti nykyaikaiset (kuvio 28).

Nykyisessä maalaustelinegrafiikan nousussa monimutkainen / hienovarainen akvarellitaide on löytänyt paikkansa. Vesiväreissä tarvitaan varmaa silmää ja nopeaa, tarkkaa kättä. Korjaukset ovat siinä lähes mahdottomia, ja siveltimen liikuttaminen maalilla ja vedellä on petollisen helppoa ja vaatii taiteilijalta tiukkaa kurinalaisuutta. Mutta akvarellien koloristiset mahdollisuudet ovat rikkaat, ja paperin läpikuultavuus läpinäkyvän maalikerroksen alla antaa sille ainutlaatuisen keveyden ja graceuden. "Akvarelli on maalausta, joka salaa haluaisi tulla grafiikkaa. Akvarelli on grafiikkaa, josta tulee kohteliaasti ja hienovaraisesti maalaamista rakentaen saavutuksiaan ei tappavalle paperille, vaan sen elastisen ja epävakaan pinnan omituiselle paljastamiselle", kirjoitti aikoinaan yksi maailman suurimmista asiantuntijoista. Neuvostoliiton grafiikka A. A. Sidorov. Nytkin, kuten 1930-luvulla, maisemamaalarit ovat maamme vesivärien mestareita. S. Boymin, N. Volkovin, G. Khrapakin, S. Semenovin, V. Alfeevskin, D. Geninin, A. Mogilevskin ja monien muiden teokset esittävät modernin kaupungin elämää, luontoa sen värien rikkaudessa. sen upea monimuotoisuus. Ja yhä harvemmin passiivinen kuvailevuus löytää suojansa maisemasta.

Nämä ovat joitain modernin Neuvostoliiton grafiikan ominaisuuksia. Hänen kuvansa on kuitenkin niin monimutkainen ja rikas, että ansaitsee tietysti erillisen kuvauksen. Tavoitteenamme oli vain tutustua maalaustelinegrafiikan tunnetuimpien mestareiden työhön ja sen historian yksittäisiin hetkiin.

Taiteilija Yu. I. Pimenov, jonka piirustuksista keskusteltiin edellä, kirjoitti: "Taiteilijan tie on lumouksen tie täynnä turhautumista ja epäonnistumisia sen ilmaisutavassa. Mutta jokaisessa vilpittömässä asiassa on jyvä, mikrohiukkanen halutusta, se löytää kaiun jostain, jossain tämän tunteen aalto hyväksytään ja kukkii.kaiken hänen kova ja iloinen työnsä.

• Klassisten taiteilijoiden piirroksia Hyvät käyttäjät, voit ladata joidenkin taiteilijoiden grafiikkaa rar-arkistoihin. Suuret kuvat. Päivitys Grafiikkahistoria-osiossa.
• vk.com/site. Sivuston "Graph" edustus yhteydessä. Yhteisöllä on paljon opetusvideoita taiteilijoille. Klassisten graafikkojen uusia albumeja lisätään jatkuvasti.

Sivuston "Graph" taiteilijoiden teoksia.

Graafinen taide- toisaalta - eräänlainen taide, toisaalta - ammatti, joka on kaikkien saatavilla, ja kaikki ihmiset ovat mukana siinä nuoresta iästä lähtien. Graafisen piirustuksen luomiseen tarvitset vain paperiarkin ja piirustusmateriaalia - lyijykynän tai maalin. Eli toisaalta grafiikka on julkisesti saatavilla.

Mutta toisaalta se on monimutkainen taiteen muoto, jota on opetettava samalla tavalla kuin maalausta tai kuvanveistoa. Tämä on grafiikan vaikeus ja yksinkertaisuus. Jokainen osaa piirtää, mutta vain harvasta voi tulla mestari.
Grafiikka on jaettu kahteen tyyppiin: painettu (tulostettu) tarkoitettu replikoitavaksi; ja ainutlaatuinen, mikä tarkoittaa teosten luomista yhtenä kappaleena.

Grafiikan yleisin erottuva piirre on kuvatun kohteen erityinen suhde tilaan, jonka roolissa on pitkälti paperin tausta, "valkoisen arkin ilma", Neuvostoliiton grafiikkamestarin sanoin. V. A. Favorsky. Avaruustuntumaa eivät synny vain arkin alueet, joita kuva ei täytä, vaan usein (esimerkiksi vesiväripiirustuksissa) ja värillisen kerroksen alla näkyvä paperin tausta.

Haluamme huomioida osion: Taiteilijoiden kirjasto.
"Kirjastossa" voit ladata taiteen, anatomian, taidehistorian, piirustus- ja maalaustunteja koskevia kirjoja kotiopetukseen.

Sekä 100 Art Gallery -lehden numeroa djvu-muodossa.

Alla esitellään taiteilijoita, jotka ovat tunnettuja kaikkialla maailmassa kykynsä piirtää tavallisella liuskekivikynällä. Jokaisella heistä on oma tyylinsä, persoonallisuutensa sekä luovuuden suosikkiaiheet. Lisäksi jokaisen kirjoittajan nimi on myös linkki taiteilijan henkilökohtaiseen verkkogalleriaan, jossa voit tutkia tarkemmin ja yksityiskohtaisemmin kynäpiirroksia ja jokaisen heistä elämäkertaa.
Kuvien läpi katsoessa huomaat jokaisessa maalauksessa mielenkiintoisia piirteitä. Jotkut erottuvat pehmeillä linjoilla, tasaisilla valo-varjo-siirtymillä ja virtaviivaisilla muodoilla. Toiset päinvastoin käyttävät työssään kovia linjoja ja selkeitä viivoja, jotka luovat dramaattisen vaikutelman.
Aiemmin olemme verkkosivuillamme julkaisseet kuvia joistakin mestareista. Tässä on luettelo artikkeleista, joissa voit nähdä yhtä houkuttelevia lyijykynäpiirroksia.

• Mattias Adolfssonin uskomattomia kuvituksia sisältävä albumi;

JD Hillberry

Luonnolliset kyvyt ja vahva halu kiinnittää huomiota työhönsä ilmestyivät JD Hillberryssä lapsena. Halu ja lahjakkuus tekivät mestarista yhden maailman parhaista lyijykynäpiirustustaiteilijoista. Vielä Wyomingissa opiskellessaan hän alkoi kehittää omaa tekniikkaansa sekoittamalla hiiltä ja grafiittia saadakseen piirustuksiinsa fotorealistisen vaikutelman. JD käyttää monokromaattista valoa kiinnittääkseen katsojan huomion chiaroscuron ja tekstuurin leikkiin. Koko uransa ajan hän on yrittänyt ylittää realismin ja ilmaisun. Muutettuaan Coloradoon vuonna 1989 Hillberry alkoi kokeilla väärennettyjä piirustuksia. Perinteisesti tämäntyyppistä työtä tehdään öljyissä, mutta hän välitti onnistuneesti juonen realistisuuden kynän avulla. Tällaisia ​​kuvia katsova katsoja harhautuu ajattelemaan, että esine on kehyksessä tai ikkunassa, vaikka todellisuudessa kaikki nämä elementit on piirretty. JD Hillberry työskentelee studiossaan Westminsterissä Coloradossa ja laajentaa edelleen yleisön käsitystä piirustuksillaan.

Brian Duey

Brian on yksi upeimmista lyijykynällä piirtävistä taiteilijoista, joka on kauniisti vuorovaikutuksessa kynän kanssa luodakseen inspiroivia taideteoksia. Tässä on mitä hän sanoo työstään ja itsestään:
"Nimeni on Brian Duey. Synnyin ja kasvoin Grand Rapidsissa, Michiganissa. Osallistuin julkinen koulu pienessä kylässä nimeltä Granville, jossa hän tutustui ensimmäisen kerran taiteeseen. En koskaan ajatellut harrastukseni vakavuutta, mutta huomasin 20-vuotiaana vahvan vetovoiman lyijykynällä piirtämiseen. Istuin yksin kotonani ja tylsyydestä päätin ottaa kynän käteeni ja alkaa piirtämään. Rakastuin heti piirtämiseen ja halusin tehdä sitä koko ajan. Jokaisen piirustuksen myötä parani ja parani. Kehittelin omaa tekniikkaani ja alkuperäisiä temppujani työskennellessäni. Pyrin luomaan realistisia piirustuksia ja lisäämään omia käsitteellisiä ideoitani. Minulta kysytään usein, mikä minua inspiroi ja missä opin piirtämään. Voin avoimesti sanoa, että olen itseoppinut.
Kuvituksiani on julkaistu kirjoissa ja onnittelukorteissa, CD-levyjen kansissa ja erilaisissa aikakauslehdissä. Olen tehnyt kaupallista työtä vuodesta 2005 ja tänä aikana olen hankkinut asiakkaita ympäri maailmaa. Suurin osa tilauksistani tulee Yhdysvalloista, Isosta-Britanniasta ja Kanadasta, mutta työskentelen myös Irlannin asiakkaiden kanssa. Maalaukseni on ollut esillä gallerioissa Yhdysvalloissa. Vuonna 2007 minua pyydettiin maalaamaan muotokuva Britney Spearsistä, joka oli mukana taidegalleriassa Hollywoodissa, Kaliforniassa. MTV uutisoi tästä tapahtumasta ja minusta tuli maailmankuulu. En aio lopettaa tähän ja jatkaa työtäni. Minulla on uusia ideoita ja suunnitelmia. Yksi tulevaisuuden tavoitteistani on julkaista opettavainen piirustuskirja.

T. S. Abe

Vaikka emme löytäneetkään paljon Aben teoksia, hänen kuvituksensa osoittavat, että kyseessä on korkealuokkainen mestari. Taiteilija hallitsee erinomaisesti kynän ja kuvaa taitavasti monimutkaisia ​​ideoita soveltaen itseään omia menetelmiä. Aben maalaukset ovat harmonisia ja tasapainoisia, monimutkaisia ​​ja samalla helppoja ymmärtää. Hän on yksi aikamme lahjakkaimmista kynäpiirustustaiteilijoista.

Caesar Del Valle

Taiteilija töissään käyttää erikoista ainutlaatuinen tekniikka lyijykynäpiirros. Caesarin kuvitukset eivät ainoastaan ​​osoita hänen lahjakkuuttaan, vaan heijastavat myös kirjailijan hienovaraista käsitystä ympäristöstä.

Henrik

Henrikin töitä on esillä Deviantin taidegalleriassa. Hänen piirustuksensa ovat mielenkiintoinen esimerkki kynätaiteesta. Mestari käyttää ihmeellisesti mustavalkoisia sävyjä välittääkseen alkuperäisiä kuvia ja epätavallisia ideoita.

) pystyi ilmeikkäissä lakaisutöissään säilyttämään sumun läpinäkyvyyden, purjeen keveyden, laivan tasaisen heilumisen aalloilla.

Hänen maalauksensa hämmästyttävät syvyydellään, volyymillään, kylläisyydellään ja tekstuurillaan, josta on mahdotonta irrottaa katsetta.

Lämmin yksinkertaisuus Valentina Gubareva

Alkukantainen taiteilija Minskistä Valentin Gubarev ei tavoittele mainetta ja tekee vain sitä mitä rakastaa. Hänen teoksensa on järjettömän suosittuja ulkomailla, mutta lähes tuntemattomia maanmiehilleen. 90-luvun puolivälissä ranskalaiset rakastuivat hänen jokapäiväisiin luonnoksiinsa ja allekirjoittivat taiteilijan kanssa 16 vuoden sopimuksen. Maalaukset, joiden näyttäisi olevan ymmärrettäviä vain meille, "kehittymättömän sosialismin vaatimattoman viehätyksen kantajille", pitivät Euroopan yleisö, ja näyttelyt alkoivat Sveitsissä, Saksassa, Isossa-Britanniassa ja muissa maissa.

Sergei Marshennikovin aistillinen realismi

Sergei Marshennikov on 41-vuotias. Hän asuu Pietarissa ja luo klassisen venäläisen realistisen muotokuvakoulun parhaiden perinteiden mukaisesti. Hänen maalaustensa sankarittaret ovat hellästi ja puolustuskyvyttömiä puolialastomissa naisistaan. Monet tunnetuimmista maalauksista kuvaavat taiteilijan muusaa ja vaimoa Nataliaa.

Philip Barlowin likinäköinen maailma

Korkearesoluutioisten kuvien nykyaikana ja hyperrealismin nousussa luovuus Philip Barlow(Philip Barlow) herättää heti huomion. Katsojalta vaaditaan kuitenkin tiettyä ponnistelua pakottaakseen itsensä katsomaan epäselviä siluetteja ja kirkkaita pisteitä kirjailijan kankailla. Luultavasti näin likinäköisyydestä kärsivät ihmiset näkevät maailman ilman laseja ja piilolinssejä.

Laurent Parcelierin aurinkoiset puput

Laurent Parcelierin maalaus on mahtava maailma jossa ei ole surua eikä epätoivoa. Et löydä hänestä synkkiä ja sateisia kuvia. Hänen kankaissaan on paljon valoa, ilmaa ja kirkkaita värejä, jota taiteilija soveltaa tunnusomaisin tunnistettavin vedoin. Tämä luo tunteen, että maalaukset on kudottu tuhansista auringonsäteistä.

Urban Dynamics Jeremy Mannin teoksissa

Amerikkalaisen taiteilija Jeremy Mannin öljy puupaneeleille maalaa dynaamisia muotokuvia modernista metropolista. "Abstraktit muodot, linjat, vaaleiden ja tummien pisteiden kontrasti - kaikki luo kuvan, joka herättää tunteen, jonka ihminen kokee kaupungin väkijoukossa ja vilskeessä, mutta voi myös ilmaista rauhallisuutta, joka syntyy hiljaisen kauneuden mietiskelystä", sanoo taiteilija.

Neil Simonin kuvitteellinen maailma

Brittitaiteilija Neil Simonen (Neil Simone) maalauksissa kaikki ei ole sitä, miltä ensi silmäyksellä näyttää. "Minulle ympärilläni oleva maailma on sarja hauraita ja jatkuvasti muuttuvia muotoja, varjoja ja rajoja", Simon sanoo. Ja hänen maalauksissaan kaikki on todella illusorista ja yhteydessä toisiinsa. Rajat huuhtoutuvat pois ja tarinat virtaavat toisiinsa.

Joseph Lorasson rakkausdraama

Italialaissyntyinen amerikkalainen nykytaiteilija Joseph Lorusso siirtää kankaalle arkielämässä näkemänsä kohtaukset tavalliset ihmiset. Halaukset ja suudelmat, intohimoiset impulssit, hellyyden ja halun hetket täyttävät hänen tunnekuvansa.

Dmitri Levinin kyläelämä

Dmitry Levin on venäläisen maiseman tunnustettu mestari, joka on vakiinnuttanut asemansa venäläisen realistisen koulukunnan lahjakkaana edustajana. Hänen taiteensa tärkein lähde on kiintymys luontoon, jota hän rakastaa hellästi ja intohimoisesti ja tuntee olevansa osa sitä.

Kirkas Itä Valeri Blokhin