Već u umjetnost XVII veka, a posebno njegove druge polovine, uočavaju se trendovi koji su utrli put brzom razvoju sekularne realističke umetnosti 18. veka. Ikonografska konvencija ustupa mjesto živopisnoj reprodukciji ljudi, pejzaža i povijesnih događaja. Tradicionalno cvjetni ornament, što je tumačeno prilično konvencionalno, zamijenjeno je reprodukcijom realistično prikazanog cvijeća, plodova, listova, vijenaca i školjki. Na djelima primijenjene umjetnosti, slikarstvo na vjerske teme poprima gotovo sekularni karakter, ponekad naglašeno dekorativni i teatralni. Oblici predmeta postaju veličanstveni, svečani, sa najrazličitijim ukrasima. Nestaju mnoge drevne vrste kućnih potrepština, kao što su šolje sa ravnim policama i ručkama, te srebrni novčići. Tradicionalne drevne kutlače pretvaraju se u čisto dekorativne nagradne predmete koji su izgubili svoje praktično značenje. Pojavile su se nove vrste posuđa: čaše ukrašene baroknim ornamentima, svakodnevnim scenama i svjetovnim natpisima, čaše u obliku orla, čaše od roga na stalcima i mnoge druge. Crkveno posuđe i kućni predmeti klera sada se stilom nisu razlikovali od čisto svjetovnih stvari, a ponekad su ih čak i nadmašivali u većoj pompi i materijalnoj vrijednosti.

Nakon sekularizacije zemljišta 1764. godine, Trojice-Sergijeva lavra je izgubila svoje posjede, ali je njeno bogatstvo u to vrijeme bilo toliko veliko da ova reforma nije uticala na obim građevinskih radova u manastiru, niti na bogatu dekoraciju unutrašnjosti crkve, lične odaje namjesnika i mitropolita koji su živjeli u manastiru, kao i od bogatstva njegove sakristije i riznice. Manastir je i dalje primao priloge od carica i visokih dvorskih velikodostojnika, moskovskog mitropolita i drugog sveštenstva. U pravilu su to bila djela najboljih majstora Moskve, Sankt Peterburga, Velikog Ustjuga, Rostov-Jaroslavlja i drugih centara primijenjene umjetnosti. Dakle, Lavrska zbirka primenjene umetnosti 18. veka. predstavlja najraznovrsnije vrste tehnike nakita ovog vremena.

Umjetnost kovanog novca od srebra dobila je jedinstven izgled, posebno od sredine 18. stoljeća. To su uglavnom veliki barokni svici majstorski izvedeni u prilično visokom reljefu u kombinaciji sa slikama voća, košara cvijeća, kupida, vijenaca cvijeća i lišća. Utiskivanje je često rađeno ažurno iu ovom slučaju imalo je dodatnu pozadinu koja je osvjetljavala uzorak.

Klasičan primjer takvog kovanog novca je masivna postavka Jevanđelja napravljenog u Moskvi 1754. godine, koju je priložila carica Elizabeta1. Srebrne ploče sa slikanim emajliranim likovima Trojstva, evanđelista i scena iz Hristovog života postavljene su u visoke izrezane okvire i kvadrate. Odlikuju se svojim sekularnim karakterom.

Moskovski majstor P. Vorobej izradio je 1768. srebrnu zdjelu (koja se koristila u manastiru kao sveta zdjela). Ukrašena je izvrsnim kovanim ornamentom od osebujnih uvijenih kartuša i širokih listova na pozlaćenoj podlozi. Noge zdjele su lavlje šape, koje u kandžama drže glatke kuglice. Solnicu izrađenu 1787. godine, ukrašenu utiskivanjem i crnilom, izradio je moskovski majstor, dar Katarine II mitropolitu Platonu3.

Novo središte izrade nakita – Sankt Peterburg – u zbirci muzeja predstavlja kovana srebrna ručica sa izljevom u obliku glave orla, koju je 1768. godine izradio majstor Claes Johann Ehlers4. Isti majstor izradio je gonjenu srebrnu posudu s baroknim ornamentom na polju i prikazom biblijske scene: kit ispire Jonu5. U isto vrijeme, majstor je ovdje prikazao obalu Sankt Peterburga sa Petropavlovska tvrđava i toranj katedrale. Ruka i posuda su doprinos mitropolita Platona.

Predmeti za ritualne svrhe također su dobili svjetovni, dekorativni karakter, a njihova svečanost je bila naglašena njihovim neviđeno velikim veličinama. Tipično za 18. vijek. komplet liturgijskih posuda (kalež, patena, zvijezda i dvije ploče) koje je 1789. priložio A. V. Šeremetjev6. Visoka zdjela za pričest ovdje ima veliko čekićano zvonasto postolje, ažurno srebrno kućište na tijelu zdjele i zvono sa obojenim emajlom. Patene i ploče velikog promjera, posebno izrađene za ovaj kalež, ukrašene su gravurama koje prikazuju tradicionalne ikonografske scene.

Filigranska umjetnost poprima potpuno drugačiji karakter. Umjesto ravnog uvojaka sa granama koje se uvijaju na glatkoj površini metala u antičkim radovima, filigranski crtež 18. stoljeća. dodatno je komplikovana dodatnim ukrasima postavljenim na vrhu, ponekad u kombinaciji sa emajlom i dragim kamenjem. U nekim slučajevima, filigranski je napravljen ažurnim i postavljen na dodatnu pozadinu. Ponekad je predmet izrađivan od filigranskih niti.

Izvanredan filigranski rad je tabernakul iz 1789. godine, koji je priložio mitropolit Platon7. Ovdje su ažurni filigrani, filigrani u kombinaciji sa emajlom i filigrani koji se naslanjaju na glatku srebrnu podlogu. Tabernakul ima izgled svjetovne kutije, o čemu svjedoči potpuno necrkveni oblik, elegantna dekoracija i cvijeće zasađeno u uglovima od tankih metalnih dijelova sa emajlom.

Primjer vještog reljefnog filigrana može biti naslovnica knjige „Službenik biskupske službe“, također doprinos mitropolita Platona 17898.

Veliki razvoj je postignut u 18. veku. Solvychegodsk i Veliki Ustyug emajli sa svojom jednobojnom (plavom ili bijelom) pozadinom, na kojoj su ljudske figure, cvijeće i druge slike, ponekad dodatno obojene emajlima, postavljene u obliku zasebnih metalnih ploča. Muzej ima veliku kolekciju predmeta za domaćinstvo iz Solvyčegodska i Ustjuga.

U 18. vijeku Za unutrašnjost Lavrskih crkava rađene su monumentalne građevine od srebra prema crtežima poznatih umjetnika Moskve i Sankt Peterburga. Za oltar Trojice katedrale, po nalogu mitropolita Platona, izrađen je veliki srebrni sedmosvjećnjak u obliku lovorovog drveta9, također je ukrašen srebrom i tiblas ikonostasa Trojice; Moskovski majstor David Prif izradio je srebrni baldahin nad svetilištem Sergija Radonješkog prema crtežu Karavake (po narudžbini carice Ane Ivanovne10). Dakle, primenjena umetnost 18. veka. u muzejskoj zbirci zastupljena najkarakterističnijim delima.

Radovi umjetničkog zanata u zbirci muzeja omogućavaju da se prati njegov razvoj od ranih spomenika velikog kneza Moskve do kasno XVIII V. Tokom ovog dugog perioda mijenjala se i usavršavala tehnička vještina, nestajali su stari oblici predmeta i nastajali novi oblici, mijenjala se priroda ukrasa, uvijek u zavisnosti od estetskih pogleda određenih društveno-ekonomskim i političkim prilikama tog vremena, razvoja. domaćeg i stranog tržišta, obim i način proizvodnje.

O djelima XIV-XV vijeka. otkriva se slika postepenog oživljavanja umjetničkih zanata nakon tatarsko-mongolskog pustošenja ruske zemlje u 13. stoljeću. Majstori iz Moskve i drugih umetničkih centara Drevne Rusije vladaju raznim umetničkim tehnikama i usavršavaju svoje zanatske veštine.

U 16. veku Moskva konačno zauzima vodeće mjesto u kulturnom životu zemlje. Primijenjene umjetnosti ovog perioda odlikuju se raznolikošću oblika i umjetničkih ukrasa, kao i velikom tehničkom vještinom. Usavršava se složena umjetnost emajla, koja je poprimila uglavnom ornamentalni karakter, a umjetnost zlatnog crnila, utiskivanja i graviranja postiže veće majstorstvo.

Radovi od srebra za kućne i crkvene potrebe prate tradiciju narodnog stvaralaštva i vezuju se za uslove života ljudi, njihove obrede i način života.

Šarenilo i dekorativnost proizvoda 17. stoljeća, složenost ornamenta, izgled slikanih emajla, upotreba u velike količine drago kamenje, biseri i obojeno staklo daju sekularniji karakter primijenjenoj umjetnosti.

U 18. vijeku usvojeni su novi oblici predmeta, realistični uzorci i slikanje emajlom. U zbirci Zagorskog muzeja ovo razdoblje predstavljaju najbolje radionice Moskve i Sankt Peterburga. Njihovi radovi omogućavaju suđenje novih promjena koje se dešavaju u primijenjenoj umjetnosti.

Visoko umjetničko majstorstvo djela primijenjene umjetnosti, predstavljeno više od pet stoljeća, stavlja zbirku Zagorskog muzeja na istaknuto mjesto u istoriji ruske umjetničke kulture.

Izložba se nalazi na drugom spratu južne zgrade istorijskog i arhitektonskog kompleksa 18.-19. veka. "Konjsko dvorište". Posjetioce muzeja upoznaje sa širokim spektrom eksponata koji predstavljaju tradicionalnu rusku umjetnost i zanate. Riječ je o radovima svjetski poznatih centara za obradu drveta i kostiju, lakiranju na papir-mašeu i metalu, vodećim zanatima igračaka od gline, kao i o štampanim i zlatom izvezenim šalovima ruskih majstora, staklenom, porculanskom i zemljanom posuđu.

Ovi centri su koncentrisani u Moskvi, Vladimiru, Vologdi, Ivanovu, Nižnjem Novgorodu i drugim regionima. Zbirka je počela 1920-ih godina, kada su nekoliko djela narodnih umjetnika koja su se nalazila među nacionaliziranim blagom Trojice-Sergijeve lavre dopunjena eksponatima iz Muzeja. lokalnoj regiji i Muzej Optina Pustyn. Godine 1941. opsežna zbirka Muzeja narodnih umjetničkih zanata (MNHR) prebačena je u Muzej Sergijev Posad (u to vrijeme Zagorskog). Sastojao se od četrdesetak hiljada eksponata, uključujući niz unikatnih djela narodnih zanata i djela eksperimentalnog karaktera, koje su izvodili majstori različitih umjetničkih centara u radionicama stvorenim u Moskovskoj Narodnoj Republici. Počevši od 1950-ih, muzej je započeo svrsishodno, sistematsko prikupljanje zbirke ruske tradicionalne dekorativne i primijenjene umjetnosti, a ovaj rad je postao jedno od prioritetnih područja njegovog djelovanja.

Značajno mesto u izložbenim salama zauzimaju dela narodnih zanatlija i umetnika Sergijevskog Posada. Igračke su donele posebnu slavu gradu. Izrađivali su se od drveta - rezbareni, tokani, stolarski; od papir-mašea i mastike - pokretom i zvukom. U muzeju su izložene lutke isklesane od trouglastih kockica i oslikane - dame, husari, bolničarke, poznate lutke gnjezdarice, popularne u drugoj polovini 19. - početkom 20. stoljeća. set arhitektonskih igračaka, uključujući „Trojice-Sergijevu lavru“.

Proizvodnja igračaka u selu neraskidivo je povezana sa zanatom igračaka Sergijev Posad. Bogorodskoe. Muzejska zbirka Bogorodskih rezbarenih skulptura uključuje igračke, skulpture, skulpturalne kompozicije i ima oko četiri hiljade eksponata. Veliko interesovanje predstavljaju dela 19. veka: „General Skobelev na konju“ - P.F. Bardenkova, “Vodič sa medvjedom” - D.I. Puchkova; zabavne višefiguralne kompozicije na ruske teme narodne priče i nova sovjetska stvarnost, izvedena 30-ih godina dvadesetog veka. (radovi A.F. Balaeva, N.E. Eroškina, V.T. Polinova, A.G. Šiškina).

Muzej ima široku zbirku radova kasno XIX- počeo je. XX vijek edukativne igračke i umjetničke i stolarske radionice Sergijev Posad i Abramtsev. To su kutije, kovčezi, komadi namještaja, izrađeni prema uzorcima poznatih umjetnika S.V. Malyutin, E.D. Polenova, Ap. M. Vasnetsov, N.D. Bartram, Vl.I. Sokolov i drugi. Rad radionice Abramcevo, koju je vodio E.D. Polenova, imala je direktan utjecaj na formiranje i razvoj Abramcevsko-kudrinskog drvorezbarskog zanata sa svojim karakterističnim biljnim uzorkom ravnog reljefa. Jedan od osnivača ribarstva bio je V.P. Vornoskov. U muzeju se čuva nekoliko radova majstora, uključujući ukrasno posuđe s početka dvadesetog stoljeća, te portal „Granničara“ iz 1937. godine.

Uz zanate za obradu drveta, u Rusiji su se obično klesale i igračke. Ova umjetnost vuče korijene iz paganizma, kada su male glinene figure, sudjelujući u magičnim ritualima, igrale ulogu jedinstvenih kultnih predmeta. Muzej predstavlja kolekcije igračaka Kargopolj (Arhangelska oblast), Filimonovskaja (regija Tula), Abaševska (regija Penza), Skopinskaja (regija Rjazan). Od velikog interesa je igračka Dimkovo (regija Kirov) s kraja 19. - početka 20. vijeka. Radi se o djelima nepoznatih autora i A.A. Mezrina: medicinske sestre, gospoda, plesni parovi, itd. Vrijedan dio kolekcije Dimkovo čine djela iz 1930-ih godina. Među djelima druge polovine XX vijeka. Višefiguralna kompozicija „Vjenčanje“, koju je izradila grupa dimkovskih majstorica pod vodstvom E.I., izdvaja se po svojoj zabavnoj prirodi. Koss-Denshina.

Drvo je bilo jedan od najpopularnijih materijala u Rusiji, a zanati za njegovu umjetničku obradu postojali su u različitim regijama. Uz Sergijev Posad, muzej najpotpunije predstavlja zanate regije Nižnji Novgorod - Khokhloma i Gorodets. Lagane drvene hokhloma zdjele, bratini, slani lizavci, oslikani svijetlim cvjetnim šarama i koji podsjećaju na dragocjene zlatne posude, bili su nadaleko poznati već u 19. stoljeću. Njihovu proizvodnju tradicionalno su obavljali seljaci u brojnim selima koja se nalaze na teritoriji modernog okruga Koverninsky u regiji Nižnji Novgorod. Među eksponatima muzejska zbirka– uzorci seljačkih jela iz 19. stoljeća. i namještaj iz 1930-ih s neobičnim slikama za “Khokhloma” na bijeloj i srebrnoj podlozi.

Zanat u Gorodecu počeo je da se formira krajem 18. veka, kada su seljaci iz brojnih malih sela koja se nalaze u blizini velikog trgovačkog sela Gorodec počeli da prave dno za prodaju kotača. Žene su sjedile na njima dok su radile, učvršćujući visoki češalj lanenom ili vunenom kudeljom u posebnu rupu. Ipak, trudili su se da dno uljepšaju: domaćica je bila na ponos, cijenila se i pazila, a nakon rada postavljala se na zid kao ukras za kuću. U dekoraciji Donjeca upotrijebili su vrlo rijetku tehniku ​​u ruskoj narodnoj umjetnosti intarzije komadima tamnog barskog hrasta. Do 1870-ih, prešli su sa rezbarenja s intarzijama na slikanje bujnih „ruža“, brzim, slikovitim potezima su prikazani konjanici, scene ispijanja čaja i veselja. Do 1920-ih nestala je potreba za krafnama, a umjetnici iz Gorodetsa počeli su naširoko koristiti svoje slikarske vještine u ukrašavanju drugih predmeta: kutija, kovčega, ukrasnih ploča, igračaka.

Zbirka Muzeja Gorodets ne samo da nam omogućava da pratimo glavne faze razvoja ovog centra od kraja 18. do kraja 20. stoljeća, već daje i ideju o radu gotovo svih majstora. koji je ostavio značajan trag u njegovoj istoriji. Zbirka uključuje radove prepoznate kao "klasične" primjere umjetnosti Gorodetsa: Donets A.V. i L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panel I.K. Mazin, ekran I.K. Lebedeva i D.I. Kryukova i drugi.
Ruski umjetnički lakovi su svjetski poznati. Muzejska zbirka vam omogućava da odrazite njihovu povijest i upoznaje vas sa svim glavnim centrima lakiranja. U muzeju su izloženi oslikani metalni tacni iz Nižnjeg Tagila i Žostova (Moskovska oblast), „lakirani“ predmeti od papir-mašea od 19. do 20. veka. selo u blizini Moskve Fedoskino, kao i centri Ivanovske i Vladimirske oblasti: Palekh, Kholuy i Mstera, gdje se umjetnost lakiranih minijatura razvila tek u sovjetsko vrijeme i zasnivala se na ustaljenim tradicijama ikonopisa. Od 1830-ih, u radionici O.F. Vishnyakov, koji se nalazi u selu Zhostovo, zajedno sa proizvodima od papira-mašea, počeo je da pravi metalne poslužavnike. Postepeno je ribarstvo steklo nezavisno značenje. Prilikom ukrašavanja poslužavnika prednost se počela davati cvjetnim aranžmanima oslikanim bogatim, slikovitim potezima.

Posebnu vrijednost predstavlja zbirka paleških lakiranih minijatura 1920-1930, koja uključuje djela vrlo visokog umjetničkog nivoa. Među njima su i radovi umjetnika koji su bili dio „Palehskog artela antičkog slikarstva“ formiranog 1924. godine: A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkova i drugi, uključujući virtuozna djela osnivača lakiranja u Palehu, I.I. Golikova.

Istorija centara u blizini Moskve (selo Fedoskino i selo Žostovo) seže do kraja 18. veka, kada je trgovac P.I. Korobov je u selu organizovao preduzeće za proizvodnju lakova od papir-mašea. Danilkov, koji se nalazi u blizini sela. Fedoskino. Ubrzo se ribarstvo proširilo po cijelom području. Muzejska zbirka predstavlja radove fabrike Lukutin (nasljednika P. I. Korobova) i malih seljačkih preduzeća u selima Ostaškovo, Žostovo, Sorokino i drugim koji se nalaze u Trojskoj volštini Moskovskog okruga. Najviše ranih radova zbirke datiraju iz sredine 19. vijeka. Proizvodi ovih radionica stilski su homogeni: kutije, kovčezi, cigarete, novčanici i burmutije od papir-mašea ukrašeni su slikovitim, realistično interpretiranim minijaturama sa izraženom nacionalnom tematikom. Tradicionalne slike „trojki“, „čajanki“, prizora iz seljačkog života, u pravilu su besplatne kopije štafelajnih slika i grafičkih radova ruski umetnici.
Istaknuto mjesto na izložbi zauzima zbirka ruskih šalova i šalova. Riječ je o šalovima izvezenim „zlatnim“ nitima i drugim proizvodima majstorica iz Tvera i Nižnjeg Novgoroda i elegantnim štampanim šalovima vodećih preduzeća Moskve i Moskovske regije 19. - početka 20. stoljeća. Najveći i trenutno jedini proizvođač vunenih štampanih marama i šalova u Rusiji je Pavlovski Posad kod Moskve, gde je njihova proizvodnja savladana početkom 1860-ih u fabrici u vlasništvu trgovaca Ya.I. Labzin i V.I. Gryaznov. Proizvodnja šalova bila je gotovo u potpunosti ručna. Uzorci su nanošeni na tkaninu pomoću rezbarenih drvenih ploča, “cvijeća” i “manira”. Omiljeni motiv dizajna pavlovskih šala kao i Zhostovo tacne, postale su slike cvijeća. Među eksponatima muzeja su i Pavlovoposadski šalovi iz različitih vremena. Ovo su šalovi legendarnog crtača iz 19. stoljeća. S.V. Postigov “Potkovica” i “Razvod” i djela naših savremenika E.P. Regunova, K.S. Zinovjeva, I.P. Dadonova i drugi.

Umjetnički zanati su značajan dio nacionalne kulture Rusije. Radovi predstavljeni u muzeju svjedoče o velikom talentu ruskih majstora, suptilnom umjetničkom ukusu i originalnosti njihovog talenta.

Kost je vrlo atraktivan materijal za ruske majstore, raznolik u svojim dekorativnim kvalitetama i tehničkim mogućnostima. Već u 17. veku. Tradicije umjetnosti rezbarenja kostiju počele su se razvijati u području naselja Kholmogory u provinciji Arkhangelsk. Kholmogorski majstori, uz tarsus (običnu životinjsku kost), koristili su kost morža, a rjeđe mamutovu kost, proizvodi od kojih su bili posebno cijenjeni. Najpopularnija roba bili su češljevi, kutije, kovčezi i kovčezi, ukrašeni najfinijim cvjetnim šarama, slikama životinja i ptica, izrađeni ažurnim rezbarijama i gravurama. U drugoj polovini XIX - početkom XX veka. Rezbarenje kosti praktikovano je u Trojice-Sergijevom manastiru i Sergijevom Posadu, o čemu svedoči ikona s potpisom „Trojice“ iz 1869. godine predstavljena na izložbi, koju je izradio Ivan Iljin (monah Jona), i mala ikona od slonovače koja prikazuje Sergija Radonješkog od lokalnog stanovništva. majstor I .WITH. Hrustačeva.

Tradicije minijaturnog rezbarenja kostiju i drveta koje su se ovdje razvile utjecale su na uspostavljanje rezbarenja kostiju u gradu Khotkovo, koji se nalazi nedaleko od Sergijevog Posada, u drugoj polovini 1940-ih. Jedinstvenost ovog centra očitovala se u korišćenju razne tehnike obrada kostiju, kombinacija kosti sa drvetom, široka upotreba tarzusa. Ove karakteristike bile su posebno živopisno oličene u radovima 1950-ih, posebno u kutiji V.E. Loginov "Michurin", čiji su koštani umetci majstorski izrađeni originalnom tehnikom višestrukog reljefa. Muzejska izložba pruža i priliku da se upoznate sa djelima tradicionalnih zanata umjetnički tretman kosti koje su nastale na istoku Rusije: Tjumenj (Tobolsk), Jakutija, Čukotka. Identitet svakog od njih temelji se na etničkoj i umjetničkoj tradiciji lokalnog stanovništva.

Tokom godina svog postojanja, muzej je sakupio bogatu kolekciju ruskog stakla i porculana. Ove vrste primijenjene umjetnosti dobile su brzi razvoj u Rusiji u XVIII-XIX vijeka. U holovima muzeja možete vidjeti proizvode tadašnjih tvornica, različitih po namjeni, formi, tehnici i stilu: carske tvornice porculana i stakla u Sankt Peterburgu, privatne tvornice porculana Gardnera, Popova, Kuznjecova, Kornilova, stakla fabrike - Malcov, Bakhmetev itd. Među eksponatima su najređi primerci ruskog stakla i keramike, kao što su, na primer, gravirani stakleni pehari iz 18. veka. ili proizvodi od majolike napravljeni u jednoj od prvih fabrika keramike u Rusiji, koju je 1724. godine u Moskvi otvorio trgovac A.K. Grebenshchikov. U muzeju se nalazi prekrasna zbirka porculanskih skulptura, uključujući različite žanrovske skulpture i čitav niz - "Narodi Rusije", koji je u 19. stoljeću. nekoliko puta je nastavljen u fabrikama Gardner i Kuznjecov u blizini Moskve.
Zbirku stakla i porculana sovjetskog i postsovjetskog perioda predstavljaju uglavnom radovi 1960-1980-ih, koje su izradili vodeći majstori i umjetnici iz najvećih ruskih fabrika. U istoriji domaćeg porculana, vodeću poziciju oduvek je zauzimala Lenjingradska fabrika porculana po imenu M.V. Lomonosov (bivši Imperial) i dve fabrike u blizini Moskve: fabrika porculana Dmitrovsky (ranije Gardner) i fabrika porcelana Dulevo nazvana po listu "Pravda" (ranije Kuznjecovsky). Ova preduzeća predstavljaju dve originalne i živahne škole sa sopstvenim stilom, visokom kulturom rada sa materijalima i bogatom tradicijom. Razlika između ove dvije škole porculana je u tome što su naslijedile različite istorijske slojeve ruske kulture: moskovska je bila vođena narodnom tradicijom, lenjingradska - visokoprofesionalnom umjetnošću 18. - 19. stoljeća, koja je pratila panevropski razvoj. .

Zbirka muzeja sadrži izuzetne i svečane radove umjetnika iz Sankt Peterburga (Lenjingrada), koji se odlikuju suptilnim umjetničkim ukusom i klasičnim osjećajem za mjeru: A.V. Vorobievsky, A.A. Yatskevich, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. Olevskoy; U skladu sa formom i slikarstvom sa narodnim razumevanjem lepote, svetla, životno potvrđujuća dela umetnika moskovske oblasti: P.V. Leonova. VC. Yasnetsova, N.N. Ropova i dr. Na izložbi se možete upoznati i sa zbirkom stakla i kristala druge polovine XX veka. Forme posuđa, ukrasne vaze i garniture, volumetrijsko-prostorne kompozicije, staklena plastika izrađene su raznim tehnikama i tehnologijama od strane vodećih umjetnika najstarijih staklarskih tvornica u Rusiji. Ovo je biljka u gradu Gus-Khrustalny, Vladimirska oblast (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); tvornica stakla "Crveni maj" u Vyshnevolotsky okrugu Tverske oblasti (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Fabrika kristala Dyatkovo (M.V. Grabar, V.V. Soiver, V.Ya. Shevchenko).

Ponos muzejske zbirke je prilično značajna zbirka Lenjingradske tvornice umjetničkog stakla, čije su aktivnosti povezane s radom takvih majstora primijenjene umjetnosti kao što je L.O. Jurgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, B.A. Eremin, Yu.M. Byakov. Većina radova od stakla i porculana jedinstveni su primjerci stvoreni za velike međunarodne ili nacionalne izložbe. Tako se muzejska zbirka ruske tradicionalne dekorativne i primijenjene umjetnosti po svojoj raznolikosti, cjelovitosti predstavljanja pojedinih centara i visokom umjetničkom nivou uvrštenih radova može svrstati u jednu od najboljih u zemlji. Radovi koji ga čine svjedoče o velikom talentu ruskih majstora, suptilnom umjetničkom ukusu i originalnosti njihovog talenta.

Razvoj dekorativne i primenjene umetnosti doprinijelo je unapređenju tehnologije zanatske i manufakturne proizvodnje, nastanku umjetničke industrije (proizvodnja tapiserija, umjetničkog stakla, fajansa, kamenorezac, proizvodnja svile i sukna), izrada modnih predmeta, luksuzne robe, otkriće i razvoj nalazišta bakra, kalaja, srebra, obojenog kamena, visokokvalitetnih glina.

Značajna je uloga Akademije nauka u „prosperitetu slobodnih umetnosti i manufaktura“, koja odražava nova prirodoslovna i tehnička interesovanja u dekorativnoj i primenjenoj umetnosti. U prvoj polovini 18. vijeka javljaju se novi oblici obrazovanja i usavršavanja zanatlija u umjetničkim manufakturama; U Rusiji se pojavljuju cehovske organizacije zanatlija, što ne negira široku upotrebu stranih zanatlija u različitim oblastima dekorativne i primijenjene umjetnosti.

U dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti (predmeti interijera, namještaj, dekor) moda aktivno diktira stil. Kao rezultat toga, pojavljuju se nove vrste predmeta i ažuriraju estetske ideje u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti. U dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti sredine 18. vijeka postojala je tendencija sintetiziranja umjetnosti, gdje su se arhitektura, skulptura, slikarstvo i primijenjeni zanati spojili u dekorativni ansambl.

Kao rezultat toga, umjetnost uređenja interijera postaje posebna vrsta umjetničke djelatnosti u radu arhitekata 18. stoljeća. Ova vrsta umjetničke aktivnosti određuje pojavu novih tipova prostorija (kancelarije, prednje sobe, spavaće sobe, dnevne sobe, „hole za slike“) i njihov predmetni sadržaj (Ljetna palača, Palata A.D. Menšikov, Velika palača Peterhof, Monplaisir).

Sve to doprinosi razvoju izrade namještaja, pojavljuju se nove vrste i oblici namještaja, materijali i načini ukrašavanja. Uticaj engleskog i holandskog namještaja ovdje je vrlo jak. Pod uticajem Evrope, u Rusiji se razvija čak i barokni i rokoko stil u nameštaju.

Namještaj klasicizma ima karakterističan karakter i oblik. U velikoj mjeri antikni motivi se mogu pratiti u oblicima i dekoraciji namještaja. Sredinom 18. stoljeća arhitekti su učestvovali u razvoju novih vrsta namještaja, u Rusiji se pojavila umjetnost namještaja i dizajnerski namještaj (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). U drugoj polovini 18. stoljeća pojavljuju se prve radionice namještaja (radionica G. Gambsa i I. Otta). Ovaj period u umjetnosti namještaja karakterizira Jakovljev stil. Do druge polovine 18. stoljeća mijenjaju se materijali u umjetnosti namještaja: ovdje se pojavljuju mahagonij, pozlaćeno drvo, topola, karelijska breza; Tkanina i vez se sve više koriste u izradi namještaja.

Posebno mjesto u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti zauzimaju keramika i fajanca. Ovo se u početku događa zbog ekspanzije uvoza zemljanog posuđa iz Engleske i Holandije. Međutim, ubrzo se u Moskvi pojavila prva privatna manufaktura A. Grebenščikova koja je proizvodila rusku finu fajansu. Kasnije se formira stil ceremonijalnog dvorskog posuđa s mat graviranjem i širi se moda na kristal kao predmet interijera. To podrazumijeva otvaranje Malcovljeve prve privatne fabrike stakla i kristala u Možajskom okrugu.

U 18. stoljeću, zbog sve veće popularnosti dekorativne i primijenjene umjetnosti i uređenja prostorija, značajno je porasla potrošnja stakla koje se koristilo za izradu raznih ogledala i rasvjetnih tijela.

Skulptura i slikarstvo druge polovine 18. vijeka.

Igrao je veliku ulogu u razvoju slikarstva u 18. veku kreacija Vladimir Lukič Borovikovski. Unatoč činjenici da umjetnik nije službeno naveden kao student Akademije, on je, bez sumnje, koristio savjete njenih nastavnika i prije svega Levitskog. Prirodni talenat i željezna upornost mladog umjetnika ubrzo su doveli do toga da Borovikovsky postane jedan od prvih majstora kasnog 18. vijeka. Napravio je niz izvrsnih portreta svojih savremenika, uključujući G. Deržavina, V. Arsenjeva, M. Lopuhinu, O. Filipovu i mnoge druge. Neprestano zanimanje za emocionalna iskustva osobe, naglašena liričnost i kontemplacija, napuhana izmaglicom sentimentalnosti, toliko karakteristična za to doba, karakteristični su za većinu djela Borovikovskog. Umjetnik nikada nije išao putem vanjske, površne karakterizacije slike, neprestano se trudio da prenese najsuptilnije duhovne pokrete portretiranih osoba.

Njegovim radom dominiraju kamerni portret. Borovikovsky nastoji da afirmiše samopoštovanje i moralnu čistotu osobe (portret „Lizynke i Dashinke“, portret E.N. Arsenyeve, itd.). Na prelazu iz 18. u 19. vek, Borovikovskog su privlačile snažne, energične ličnosti, on se fokusirao na građanstvo, plemstvo i dostojanstvo portretisanih; Izgled njegovih modela postaje suzdržaniji, pejzažnu pozadinu zamjenjuju slike unutrašnjosti (portreti A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruka, itd.).

Borovikovsky je takođe priznati majstor portretnih minijatura. Zbirka Ruskog muzeja sadrži radove koji pripadaju njegovom kistu - portreti A.A.Kapnista, N.I. Umjetnik je često koristio lim kao osnovu za svoje minijature.

Rusko portretno slikarstvo 18. veka dostiže svoj pravi vrhunac u stvaralaštvu D.G.Levitsky . Već u jednom od svojih ranih radova - portretu arhitekte A. Kokorinova - Levitsky je pokazao izuzetne slikarske sposobnosti. Visokim umjetničkim zaslugama odlikuju se portret velikog francuskog materijalističkog filozofa D. Dideroa, koji je Levitsky naslikao u Sankt Peterburgu 1773. godine, i serija portreta studentica Instituta Smolny koju je stvorio umjetnik. Slike ovih djevojaka obilježene su iskrenošću i toplinom, a posebnost svake od njih maestralno je prenesena.

Portreti narednih godina - Lvova, umjetnikov otac, Bakunjinovi, Anna Davia i mnoga druga remek-djela Levitskog - jasan su dokaz njegovog briljantnog talenta.

Levitsky je stvorio opsežnu galeriju portreta svojih suvremenika, hvatajući široko i potpuno, kao nitko drugi, žive slike ljudi tog doba. Umetnost Levitskog upotpunjuje istoriju razvoja ruskog portretnog slikarstva u 18. veku. Treba, međutim, napomenuti da postoje neka historijski određena ograničenja njegovog rada: poput drugih izuzetnih umjetnika svog vremena, Levitsky nije mogao odražavati društvene kontradikcije stvarnosti. Ljudi koje je umjetnik prikazao, u skladu sa preovlađujućim estetskim idejama, uvijek pomalo poziraju kao da se pokušavaju prikazati gledaocu u „najprijatnijem“ svjetlu. Međutim, u nizu svojih radova umjetnik postiže zadivljujuću jednostavnost i vitalnost.

Naslijeđe Levitskog je ogromno i još uvijek izaziva osjećaj neposrednog estetskog zadovoljstva kod gledalaca. Profesionalno savršenstvo njegovih radova i njihova realistička orijentacija stavljaju umjetnika na jedno od najčasnijih mjesta u cjelokupnoj istoriji ruske umjetnosti.

Među najvećim poznata dela D.G. Levitskog su: "Portret E.A. Voroncove", "Portret arhitekte A.F. Kokorinova", "Portret M.A. Dyakova", "Portret Ursule Mnishek of the Russian", "Portrait of the Russian". kostim” itd.

U području portretno slikarstvo Drugi ruski umjetnici polovina XVIII vekovi su takođe rekli svoju novu reč. Acuity psihološke karakteristike, koji obilježava mnoge portrete ovog vremena, upečatljiv je - kist najboljih ruskih majstora sve više gravitira ka istinitom prikazu slike osobe. Značajno je da su u to vrijeme nastajali portreti ne samo plemstva i “ moćni sveta ovo“, ali i niz progresivnih javnih ličnosti. Ovim portretima u potpunosti nedostaju elementi pompe i vanjskog sjaja; Umetnici posvećuju pažnju prenošenju unutrašnjeg sadržaja čoveka, otkrivanju snage njegovog uma, plemenitosti njegovih misli i težnji.

Razvoj ruskog portreta našao je svoj izraz u djela F. Rokotova.

Fjodor Stepanovič Rokotov- jedan od najboljih ruskih portretista. Primivši likovno obrazovanje pod vodstvom L.-J. Le Lorrain i grof Pietro Rotari, radili su na način ovog potonjeg, ali su se više udubljivali u prirodu nego on i bio vrijedan u izvršenju. Godine 1762. primljen je kao pomoćnik novoosnovanog Sankt Peterburga. Akademije umjetnosti za sliku „Venera“ koju joj je poklonila i za portret cara Petra III.

Suptilna likovna vještina izdvaja portrete ovog umjetnika. Rokotov intimnu duhovnost slike, posebno u ženskim portretima, dovodi do velike izražajnosti i snage. Visoko tehničko savršenstvo umjetnikovih djela - po prirodi crteža i slikarskoj vještini, samo se Levitsky može porediti s njim. Portreti koje je napravio Rokotov odlikuju se sofisticiranošću dizajna i elegancijom boja.

Za većinu poznata dela Rokotov uključuju: „Portret nepoznate žene u ružičastoj haljini“, „Portret A. I. Voroncova“, „Portret G. G. Orlova u oklopu“, „Krunacioni portret Katarine II“, „Portret A. P. Struyskaya“. pjesnik V.I.Maikova”, “Portret Surovtseve” itd.

U drugoj polovini 18. vijeka. počeo da se razvija u ruskom slikarstvu svakodnevni žanr . kako god žanrovsko slikarstvo smatran je od strane rukovodstva Akademije umjetnosti i privilegiranih slojeva društva nečim niskim, nedostojnim umjetnikovog četka. Uprkos tome, nakon seljačkog rata pod vođstvom E. Pugačova, kako u književnosti, pozorištu i muzici, tako iu slikarstvu 1770-1780-ih. počelo se javljati interesovanje za seljaštvo, njihov način života i način života. Često su to bile sentimentalne slike idiličnih pastira i pastirica, koje nisu imale ništa zajedničko sa stvarnim seljačkim životom. Međutim, bilo je izuzetaka.

Jedan od prvih u ruskom slikarstvu koji je razvio seljačku temu bio je kmet kneza G. A. Potemkina. Mikhail Shibanov . Naslikao je slike „Seljački ručak“, „Proslava svadbenog ugovora“ itd. Na slikama Šibanova nema prokazivanja kmetstva, ali na ovim slikama nema idealizacije seljačkog života. Umjetnik se odlikuje poznavanjem i razumijevanjem života i karaktera ruskog seljaka.

Seljačka tema ogledala se u radu umjetnika I. M. Tankova (1739 - 1799), autora slike "Praznik u selu" i I. A. Ermeneva (1746 - poslije 1792), koji je naslikao akvarele "Seljački ručak", " Pjevači prosjaka” i dr.). Po prvi put u istoriji ruske umetnosti, umetnik je preneo sumorne aspekte života ljudi, bednost siromaštva.

U drugoj polovini 18. vijeka. počinje pravi procvat ruske skulpture. Razvijala se sporo, ali su ruska prosvetna misao i ruski klasicizam bili najveći podsticaji za razvoj umetnosti velikih građanskih ideja i velikih problema, koji su odredili interesovanje za skulpturu u ovom periodu. Šubin, Gordejev, Kozlovski, Ščedrin, Prokofjev, Martos - svaki je bio bistar pojedinac za sebe i ostavio je svoj trag u umjetnosti. Ali sve su ih ujedinili zajednički kreativni principi, koje su naučili od profesora Nicolasa Gilleta, koji je vodio klasu skulpture na Akademiji od 1758. do 1777. godine, opštih ideja građanstva i patriotizma i visokih ideala antike.

Potraga za općenito lijepim ne isključuje punu dubinu razumijevanja ljudskog karaktera, želju da se prenese njegova svestranost. Ta želja je opipljiva u monumentalnoj i dekorativnoj skulpturi i štafelajne skulpture druge polovine veka, ali posebno u žanru portreta.

Njegova najveća dostignuća vezana su prvenstveno za kreativnost Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), Lomonosovljev sunarodnik, koji je u Sankt Peterburg stigao već kao umjetnik koji je savladao zamršenost rezbarenja kostiju. Šubinovo prvo djelo u domovini je bista A.M. Golitsyn već svjedoči o punoj zrelosti majstora. Sva raznovrsnost karakteristika modela otkriva se kada ga se pregleda svuda unaokolo, iako nesumnjivo postoji glavna tačka gledišta za skulpturu.

Šubin je radio ne samo kao slikar portreta, već i kao dekorater. Izveo je 58 ovalnih mermera istorijskih portreta za palatu Česme (koja se nalazi u Oružanoj komori), skulpture za Mermernu palatu i za Peterhof, statuu Katarine II - zakonodavca (1789-1790). Nema sumnje da je Šubin najveća pojava u ruskom jeziku umjetničke kulture XVIII vijek. Zajedno sa domaćim majstorima u Rusiji radio je francuski kipar Etienne-Maurice Falconet, koji je u spomeniku Petru I. Senatski trg u Sankt Peterburgu izrazio svoje razumevanje ličnosti Petra, njene istorijske uloge u sudbinama Rusije.

Fedor Fedorovič Ščedrin(1751-1825). Prošao je iste faze školovanja na Akademiji i penzionisanja u Italiji i Francuskoj kao i Šubin. “Marsija”, koju je izveo 1776. godine, puna je nasilnog pokreta i tragičnog stava. Kao i svi vajari iz doba klasicizma, Ščedrin je fasciniran drevnim slikama („Uspavani Endimion“; „Venera“), pokazujući posebno poetski uvid u njihov svijet.

Istorija Rusije na kraju 17. - prve četvrtine 18. veka neodvojiva je od imena jedne od najvećih političkih ličnosti u Rusiji - Petra I. Značajne inovacije su u to vreme zahvatile ne samo oblast kulture i umetnosti, ali i industrija - metalurgija, brodogradnja itd. Početkom 18. veka pojavljuju se prvi mehanizmi i mašine za obradu metala. Mnogo su u ovoj oblasti uradili ruski mehaničari Nartov, Surnin, Sobakin i drugi.

Istovremeno se postavljaju temelji državnog sistema opšteg i specijalnog obrazovanja. Godine 1725. osnovana je Akademija nauka sa otvorenim odeljenjem za umetničke zanate.

A. Nartov. Strug. Petrova era. XVIII vijek

U 18. stoljeću formiraju se novi principi arhitekture i urbanizma. Ovaj period je obilježen jačanjem karakterističnih karakteristika zapadnoevropskog baroka (Holandija, Engleska) u formiranju proizvoda.

Kao rezultat inicijative Petra I, proizvodi tradicionalnih ruskih oblika brzo nestaju iz kraljevskog i aristokratskog života palače, a i dalje ostaju u domovima masa seoskog i gradskog stanovništva, kao i u crkvenoj upotrebi. U prvoj četvrtini 18. vijeka javlja se značajna razlika u stilskom razvoju, koja je dugo ostala karakteristična za profesionalno stvaralaštvo i narodne umjetničke zanate. U potonjem se direktno i organski razvijaju stoljetne tradicije ruske, ukrajinske, estonske itd. primijenjene umjetnosti.

Norme plemenitog života zahtijevaju demonstraciju bogatstva, sofisticiranosti i sjaja u životu suverene osobe. Oblici starog načina života, uključujući i onaj Petra Velikog (još uvijek poslovni i strogi), konačno su istisnuti sredinom 18. stoljeća. Dominantnu poziciju u ruskoj umjetnosti zauzima takozvani rokoko stil, koji je logično upotpunio trendove kasnog baroka. Svečani interijeri ovog vremena, na primjer, neke sobe palače Peterhof i Carskoe Selo, gotovo su u potpunosti ukrašene složenim rezbarijama.

Opće karakteristike rocaille ornamentike (zakrivljenost linija, obilan i asimetričan raspored stiliziranih ili prirodno bliskih cvijeća, listova, školjki, očiju itd.) u potpunosti su reproducirane u ruskoj arhitekturi i namještaju tog vremena, keramici, odjeći, kočijama, ceremonijalno oružje, itd., ali je razvoj ruske primijenjene umjetnosti ipak išao potpuno samostalnim putem. Unatoč bezuvjetnoj sličnosti oblika vlastitih proizvoda sa zapadnoeuropskim, nije teško uočiti razlike među njima. Dakle, ali u poređenju s francuskim, ruski proizvodi namještaja imaju mnogo slobodnije oblike i mekši su u obrisima i crtežima. Majstori su i dalje zadržali vještine narodnog rezbarenja, veće i općenitije nego na Zapadu. Ništa manje karakteristična je polikromatizacija ruskih proizvoda i kombinacija pozlate i slikanja, koja se rijetko sreće u Francuskoj, ali je svugdje prihvaćena u Rusiji.

Od 60-ih godina 18. stoljeća u ruskoj arhitekturi počinje prijelaz na klasicizam sa svojim lakoničnim i strogim oblicima, usmjerenim prema antici i obilježenim velikom suzdržanošću i gracioznošću. Isti proces se dešava i u primenjenoj umetnosti.

U rasporedu, opremi i dekoraciji gradskih vila i palača (arhitekata Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov itd.) pojavljuje se jasna simetrija i proporcionalna jasnoća. Zidovi prostorija (između prozora ili naspram njih) sakriveni su ogledalima i panelima od svilenog damasta, ukrasnih pamučnih tkanina i sukna.

.

Sofa - rokoko stil. Rusija (fragment). Sredinom 18. vijeka

Stolica u klasičnom stilu. Rusija. Druga polovina 18. veka.

Podovi su napravljeni od drveta raznih vrsta, a ponekad su prekriveni platnom ili tkaninom; plafoni su oslikani (npr. tehnikom grisaille, imitirajući reljefno modeliranje). Umjesto naslaganog parketa koriste se smrčeve daske “pod voskom”. Zidovi i plafoni su često obloženi tkaninom ili tapetama. Ako su u glavnim prostorijama ugrađeni mramorni kamini impresivnih dimenzija, onda su u intimnim prostorijama tradicionalnije peći ugrađene na stolove ili noge, obložene pločicama. Jednako je uočljiva razlika u lampama: u hodnicima su nakitni i skupi lusteri, kandelabri, svijećnjaci, u odajama su mnogo skromniji svijećnjaci i lampe. Još je više kontrasta u oblicima svečanog i kućnog namještaja. Sve ovo govori ne toliko o želji vlasnika palata i vila da uštede novac, koliko o njihovom sagledavanju predmetnog okruženja kao važnog faktora psihološki odgovarajuće atmosfere.

Većina namještaja i niz drugih proizvoda krajem 18. i u prvoj polovini 19. stoljeća nisu bili stalno potrebni; ako nije bilo potrebe, ili su uklonjeni ili premješteni u neaktivno korištene dijelove prostorija. Namještaj za sjedenje mora biti pokriven. U istom smislu, transformabilni namještaj sa radnom površinom dobio je veliki razvoj - stolovi za čaj i karte, sklopivi trpezarijski sto, stol za ručni rad, sistem neravno-visokih stolova koji se uklapaju jedan ispod drugog, itd. Sve se to značajno povećalo. udobnost života, suptilna diferencijacija njegove funkcionalne potpore i raznovrsnost izgleda prostorija u različitim svakodnevnim situacijama. Istovremeno, posebno je istaknut niz svakodnevnih procesa koji su se tokom toplih sezona odvijali izvan zgrade - na terasi iu parku. Zbog toga su se raširile nove vrste proizvoda - baštenski nameštaj, suncobrani, parkovne lampe itd. U 18. veku na pojedinim imanjima su bile organizovane kmetske radionice koje su proizvodile prilično velike serije nameštaja, porculana, tepiha i drugih proizvoda.

Krajem 18. stoljeća, u opremanju velikih palača, odvajanje stvarnog dizajna proizvoda (namještaj, lampe, satovi, tapiserije i drugi pribor i pokućstvo) kao posebno područje stvaralačke djelatnosti od njihove zanatske proizvodnje. već primetno uticalo. Ulogu dizajnera uglavnom imaju arhitekti i profesionalni umjetnici. Proizvodnja proizvoda za masovno tržište koristi strojeve i mehaničke metode obrade materijala, pretvarajući inženjera u vodeću ličnost u proizvodnji. To dovodi do izobličenja i gubitka visokih estetskih kvaliteta svojstvenih potrošačkim proizvodima, do odvajanja industrije od umjetnosti. Ovaj trend je bio prirodan u uslovima kapitalističkog razvoja društva i jedan od glavnih za čitav 19. vijek.

Tokom intenzivnog razvoja kapitalističkih odnosa u Rusiji u 19. veku došlo je do povećanja kapaciteta industrijske proizvodnje. Sredinom 19. stoljeća već je postojala hitna potreba za umjetnički stručnim kadrovima izrađivača proizvoda i zanatlija. Za njihovu obuku otvorene su specijalizovane obrazovne ustanove u Moskvi (Grof Stroganov) i Sankt Peterburgu (Baron Stieglitz). Sam njihov naziv - "škole tehničkog crtanja" - govori o nastanku novog tipa umjetnika. Od 1860. godine razvija se specijalno zanatsko obrazovanje za majstore izvođača. Objavljuju se mnoge knjige o tehnologiji obrade raznih materijala: drveta, bronze, gvožđa, zlata itd. Izdaju se trgovački katalozi koji zamenjuju ranije objavljeni časopis Economic Store. Od sredine 19. vijeka formiraju se nauke vezane za pitanja higijene rada i upotrebe kućnih potrepština. Međutim, kroz cijelo 19. stoljeće svi masovni tvornički proizvodi umjetnički su ostali potpuno podređeni nepodijeljeno dominantnoj ideji ljepote kao dekorativnog i ornamentalnog oblikovanja proizvoda. Posljedica toga je uvođenje stilskih elemenata klasicizma u oblik većine proizvoda: složene profilne završne obrade, kanelirani stupovi, rozete, vijenci, ornamenti po antičkim motivima, itd. U nizu slučajeva uvedeni su ovi elementi. u oblike čak i industrijske opreme – alatnih mašina.

U stilskom razvoju primenjene umetnosti i proizvoda za domaćinstvo u 19. veku, hronološki se konvencionalno izdvajaju tri glavna perioda: nastavak trendova klasicizma u skladu sa tzv. Empire stilom (prva četvrtina veka); kasni klasicizam (oko 1830-1860) i eklekticizam (nakon 1860-ih).

Prvu četvrtinu 19. veka obeležio je opšti uspon ideološkog duha i graditeljskog dometa u ruskoj arhitekturi, što je izazvalo značajan preporod u primenjenoj umetnosti.

Fotelja u stilu carstva. Prva četvrtina 19. veka.

Pobjeda u ratu 1812. godine u određenoj mjeri ubrzava i dovršava proces formiranja ruske nacionalne kulture, koja poprima panevropski značaj. Aktivnosti najpoznatijih arhitekata - Voronihina, Kvarengija, Kazakova, usko povezane sa klasicizmom prethodne ere, dogodile su se tek u prvoj deceniji veka. Zamenjuje ih plejada tako divnih majstora kao što su Rosi, Stasov, Grigorijev, Bove, koji su u rusku umetnost doneli nove ideje i drugačiji stilski duh.

Ozbiljnost i monumentalnost karakteristične su za arhitekturu i forme raznih predmeta za domaćinstvo u stilu carstva. U potonjem se dekorativni motivi primjetno mijenjaju, odnosno proširuje se njihova tipologija korištenjem ukrasnih simbola starog Egipta i Rima - grifona, sfingi, fasa, vojnih atributa („trofeja“), vijenaca isprepletenih vijencem itd. s primjerima ranog klasicizma općenito povećava se količina dekora, njegova "vizualna težina" u kompozicionom dizajnu proizvoda. Monumentalizacija, katkad kao grubost oblika, nastaje zbog veće generalizacije i geometrizacije klasičnih ornamentalnih motiva - ivica, vijenaca, lira, oklopa itd., koji se sve više udaljavaju od svojih stvarnih prototipova. Slikanje objekata (scena, pejzaža, buketa) gotovo potpuno nestaje. Ornament ima tendenciju da bude mrljav, konturan i aplikativan. Većina proizvoda, posebno namještaja, postaju veliki, masivni, ali variraju u cjelokupnoj konfiguraciji i silueti. Težina carskog stila u namještaju gotovo je nestala već 1830-ih.

Od sredine 19. stoljeća počinju nova traganja u oblasti arhitekture, primijenjenog i industrijskog stvaralaštva.

Rođen je panevropski umjetnički pokret pod nazivom „Bidermajer“, nazvan po buržoaziji jednog od likova njemačkog pisca L. Eichrodta (djelo je objavljeno 1870-ih) sa njegovim idealom udobnosti i intimnosti.

Fabrički napravljeno gvožđe. Rusija. Druga polovina 11. veka.

U drugoj polovini 19. stoljeća ručni rad je dodatno istisnut iz proizvodnje utilitarnih proizvoda za domaćinstvo. Tokom vekova, metode i tehnike njihovog umetničkog rešavanja, principi oblikovanja forme, koji su se razvijali kroz vekove, dolaze u sukob sa novim ekonomskim trendovima u masovnoj proizvodnji i isplativosti proizvodnje stvari za tržište. Odgovor na promjenjivu situaciju je dvostruk. Neki majstori - većina njih - prave kompromise. Smatrajući neprikosnovenim tradicionalni pogled na sve svakodnevne stvari kao predmete dekorativne i primijenjene umjetnosti, ornamentalne motive klasicizma počinju prilagođavati mogućnostima stroja i serijskih tehnologija. Pojavljuju se „efikasne“ vrste dekoracije i završne obrade proizvoda. Još 1830-ih u Engleskoj, Henry Kuhl je iznio naizgled reformistički slogan za ukrašavanje fabričkih proizvoda elementima „iz svijeta likovnih oblika“. Mnogi industrijalci rado prihvaćaju slogan, pokušavajući maksimalno iskoristiti privrženost potrošačkih masa za eksterno ukrašene, ornamentalno obogaćene oblike kućnog namještaja.

Drugi teoretičari i praktičari primijenjene umjetnosti (D. Ruskin, W. Morris), naprotiv, predlažu organiziranje bojkota industrije. Njihov kredo je čistoća tradicije srednjovjekovnog zanata.

U zemljama zapadna evropa A u Rusiji su po prvi put pažnju teoretičara i profesionalnih umjetnika privukli zanatski arteli i majstori, u čijem su radu još uvijek očuvane duboke narodne tradicije. U Rusiji sajmovi u Nižnjem Novgorodu 1870-1890-ih pokazuju održivost ovih tradicija u novim uslovima. Mnogi profesionalni umjetnici - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich i drugi - s entuzijazmom se okreću narodnom porijeklu dekorativne umjetnosti. U različitim regijama i provincijama Rusije, u gradovima kao što su Pskov, Voronjež, Tambov, Moskva, Kamenets-Podolsk, itd., Pojavljuju se zanatska preduzeća, čija je osnova ručni rad. Za oživljavanje kreativnih, umirućih zanata posebno su značajni bili rad radionica u Abramcovu kod Moskve, u Talaškinu kod Smolenska, preduzeća P. Vaulina kod Sankt Peterburga i keramičkog artela Murava u Moskvi.

Samovar. XIX veka

Rusija. Druga polovina

Industrijska pumpa. XIX veka

Međutim, proizvodi svih ovih radionica činili su tako neznatan dio ukupne potrošnje da nisu mogli imati zapaženog uticaja na masovnu proizvodnju, iako su dokazali legitimnost postojanja, uz masovnu mašinsku proizvodnju, i predmeta dekorativne umjetnosti koji čuvaju narodne tradicije. To je kasnije potvrđeno prodorom mašinske tehnologije u područja dekorativne i primijenjene umjetnosti kao što su nakit, ćilimarstvo i krojenje, što je dovelo do naglog pada njihove umjetničke kvalitete.

U oblicima najveće količine proizvedenih proizvoda u drugoj polovini 19. veka, praktično ništa novo još nije razvijeno. Međutim, novost općeg stanja već u ovom trenutku doprinosi formiranju unutrašnjih preduvjeta za inovativne potrage - svijest o stilskim traganjima kao važnoj stvaralačkoj potrebi, kao manifestaciji umjetničke individualnosti majstora. Ako su se do sada stilski trendovi (gotika, renesansa, barok, klasicizam itd.) rađali i širili, po pravilu, kao rezultat općih, gotovo „globalnih“, spontano iskristalisanih trendova u estetskom razvoju svijeta, onda od sredinom 19. vijeka stilska originalnost se smatra neposrednim stvaralačkim dostignućem pojedinog umjetnika ili arhitekte. S tim u vezi, naglo se pojačava interes za baštinu umjetnosti svih vremena i naroda. Ovo bogato naslijeđe postaje izvor imitacija, direktnih pozajmica ili je podvrgnuto bizarnoj kreativnoj obradi.

Stol sa stolicom u stilu secesije. Kraj 19. vijeka

Kao rezultat toga, većina proizvoda predstavlja neobično šaroliku sliku, u kojoj trepere očigledne ili suptilne reminiscencije na antiku, romaničko doba, gotiku, italijansku ili francusku renesansu, umjetnost Vizantije i antičke Rusije, barok itd. često eklektično miješanje u dizajn jednog proizvoda, interijera, zgrade. Stoga je ovaj period u povijesti arhitekture i primijenjene umjetnosti nazvan eklektičnim. Proizvodi (lampe, metalne kante, korita, posuđe, taburei i dr.) koji su relativno jeftini, ali izrađeni bez ikakve umjetničke svrhe, često u ružnim oblicima i nekvalitetni, tek počinju da se uvode u svakodnevni život ljudi.

Potraga za novim stilom provodi se uzimajući u obzir stvarne potrebe u uvjetima strojne proizvodnje, temeljno novi pristup oblikovanju proizvoda, s jedne strane, i očuvanje dekorativnih tradicija prošlosti, s jedne strane. ostalo. Buržoazija, koja je do kraja 19. stoljeća zauzela jaku poziciju u ruskoj ekonomiji, težila je vlastitoj umjetničkoj ideologiji u arhitekturi i dizajnu - kultu racionalne, relativne slobode od arhaizama plemenite kulture, podsticanju u umjetnosti. sve što bi moglo da se takmiči sa stilovima iz prošlosti. Tako se krajem 19. veka pojavio stil Art Nouveau - „nova umetnost“ u Belgiji, Velikoj Britaniji i SAD, „Jugendstil“ u Nemačkoj, „Stil secesije“ u Austriji, „slobodni stil“ u Italiji. Njegovo ime - "moderno" (od francuskog moderne) značilo je "novo, moderno" - od lat. modo - "upravo sada, nedavno." U svom čistom obliku, gaseći se i miješajući se s drugim stilskim pokretima, trajao je relativno kratko, do oko 1920. godine, odnosno oko 20-25 godina, kao i gotovo svi stilski pokreti 17.-20.

Art Nouveau je raznolik u različite zemlje te u radu pojedinih majstora, što otežava razumijevanje problema koje rješavaju. Međutim, karakteristično je gotovo potpuno iskorenjivanje svih dotadašnjih dekorativnih i ornamentalnih motiva i tehnika i njihova radikalna obnova. Tradicionalne vijence, rozete, kapitele, frule, pojaseve „valujućeg talasa“ itd. zamjenjuju stilizirane lokalne biljke (ljiljani, perunika, karanfili itd.), ženske glave sa dugom kovrčavom kosom itd. Često uopće nema ukrasa , a umjetnički učinak postiže se ekspresivnošću siluete, podjelama oblika, linijama, obično fino nacrtanim, kao da slobodno teku, pulsiraju. U oblicima art nouveau proizvoda gotovo se uvijek može osjetiti neka ćudljiva volja umjetnika, napetost čvrsto nategnute žice i pretjerane proporcije. U ekstremnim manifestacijama, sve se to naglo pogoršava, uzdiže do principa. Ponekad postoji zanemarivanje konstruktivne logike forme, gotovo lažni entuzijazam za spektakularnu stranu zadatka, posebno u dizajnu interijera, koji su često spektakularno teatralizirani.

Pred svima slabosti- nastala je pretencioznost, ponekad bučnost formi, novi pristup rješenju objekta, interijera, opremanja logikom funkcionalnog, konstruktivnog i tehnološkog rješenja.

Svijećnjak u stilu Art Nouveau. Početak 20. vijeka

Set posuđa. Kraj 19. vijeka

Toaletni stočić iz perioda secesije. Početak 20. vijeka

Art Nouveau u velikoj većini svojih primjera nije odustao od dekoracije proizvoda, već je samo zamijenio stare ukrasne motive i tehnike novima. Već početkom 20. stoljeća, u vrijeme trijumfa novog stila, ponovo se vraća moda na stare stilove, isprva stidljivo, a zatim naširoko, što je imalo poznatu vezu s početkom priprema za proslavu. stogodišnjice Otadžbinski rat 1812. Izložba „Moderna umetnost“, organizovana u Sankt Peterburgu 1903. godine, jasno je pokazala rađanje „klasifikovanja modernosti“.

Rezultati modernosti su složeni. To je pročišćavanje primijenjene umjetnosti od eklekticizma, i od „anti-mašinizma“ šampiona rukotvorina, i od propalih pokušaja da se obnove stilovi iz prošlosti. To su prvi simptomi arhitekture i primijenjene umjetnosti koji stupaju na put funkcionalizma i konstruktivizma, na put modernog dizajna. Istovremeno, ubrzo otkrivajući tendenciju nacionalizacije stila, Art Nouveau je izazvao novi val čisto dekorativnih potrage. Mnogi slikari se okreću primenjenoj umetnosti i dizajnu enterijera (S. Maljutin, V. Vasnjecov, A. Benoa, S. Golovin i dr.), gravitirajući šarenilu ruskih bajki, „medenjaka” itd. U perspektivi kasnijim istorijskim procesom, rešavanjem gorućih problema masovne industrijske proizvodnje, ovakvi eksperimenti nisu mogli imati ozbiljniji idejni i umetnički značaj, iako su dali podsticaj razvoju još jedne grane primenjene umetnosti – umetničkog zanata i posebno pozorišne i dekorativne umetnosti.

Modernost je, takoreći, otvorila i pripremila put za uspostavljanje novih estetskih i kreativnih principa u umjetnosti stvaranja svakodnevnih stvari, te ubrzala nastanak nove umjetničke profesije - umjetničkog dizajna.

Formiranje funkcionalizma i konstruktivizma u posebne pravce u arhitekturi i umjetničkom oblikovanju zapadnih zemalja dogodilo se krajem 1910-ih u vezi sa stabilizacijom života i ekonomskim uspjehom nakon Prvog svjetskog rata. Ali temeljni temelji nove moderne arhitekture utvrđeni su u predratnom periodu u radu arhitekata kao što su T. Garnier i O. Perret (Francuska), H. Berlaga (Holandija), A. Loos (Austrija), P. Behrens (Nemačka), F. Wright (SAD), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusija) itd. Svaki od njih je prevazišao uticaj modernosti i borio se na svoj način.

Godine 1918. formirani su posebni odjeli za arhitekturu i umjetničku industriju pri Odjeljenju za likovnu umjetnost Narodnog komesarijata za prosvjetu. Ozbiljna pažnja se poklanja pitanjima obuke specijalista. Godine 1920. V. I. Lenjin je potpisao dekret o stvaranju Visokih državnih umjetničkih i tehničkih radionica (VKHUTEMAS). Maturanti su kreirali nove uzorke tkanina, namještaja, posuđa itd.

Obuka u radionicama (1927. transformisana u Svesavezni umetničko-tehnički institut VKHUTEIN) odvijala se na fakultetima: arhitektonski, keramički, tekstilni, itd. Na fakultetu za obradu drveta i metala pod rukovodstvom A. Rodčenka, D. . Lisitsky, V. Tatlin i drugi majstori tragali su za novim oblicima i dizajnom raznih predmeta. Sve aktivnosti VKHUTEMAS-a bile su usmjerene na razvijanje kod učenika vještina integriranog pristupa dizajniranju predmetnog okruženja svakodnevnog života i proizvodnje.

Dvadesetih godina 20. stoljeća pojavio se pokret „industrijske umjetnosti“, koji je razvijao principe funkcionalizma i konstruktivizma, koji je nastojao uspostaviti u svijesti umjetnika estetski ideal racionalno organizirane materijalne proizvodnje. Bilo koji prethodni oblici umetnosti proglašeni su buržoaskim „produkcijskim“ i neprihvatljivim za proletarijat. Otuda i njihovo odbacivanje ne samo „praktički beskorisne“ likovne umjetnosti, već i sve čisto dekorativne kreativnosti, na primjer nakita. U 20-im godinama tehnički i ekonomski uslovi u našoj zemlji još nisu bili zreli za realizaciju njihovih ideja.

VKHUTEMAS i „proizvodni radnici“ 1920-ih bili su ideološki i estetski usko povezani sa Bauhausom iu nizu važnih momenata predstavljali su s njim suštinski jedan pokret u umetničkom oblikovanju tog vremena. U okviru ovog novog pokreta formirala se estetika modernog dizajna, prevazilazeći kontradikcije u primenjenoj umetnosti prethodnog perioda. Praktična umjetnička aktivnost osnivača dizajna bila je i razvoj arsenala umjetničkih i izražajnih sredstava umjetnosti stvaranja stvari. U svojim radovima (nameštaj, lampe, posuđe, tkanine itd.) najveću pažnju poklanjali su osobinama materijala i forme kao što su tekstura, boja, plastična ekspresivnost, ritmička struktura, silueta itd., koja su dobila odlučujući značaj u sastav proizvoda, bez sukoba sa zahtjevima konstruktivne logike i obradivosti forme. Drugi pravac koji se uspješno razvio u našoj zemlji 20-ih godina bio je inženjerski dizajn. Godine 1925. u Moskvi je, prema projektu izvanrednog inženjera V. Šuhova, podignut čuveni radio toranj, čija je ažurna silueta dugo vremena postala simbol sovjetskog radija. Godinu dana ranije J. Gakkel je, na osnovu najnovijih tehnoloških dostignuća, stvorio prvu sovjetsku dizel lokomotivu, čiji oblik i danas izgleda prilično moderno. Dvadesetih godina 20. stoljeća uviđa se potreba za naučnim istraživanjem obrazaca ljudske djelatnosti u umjetno stvorenom okruženju. Organizuje se Centralni institut rada, u njegovim zidovima se sprovode istraživanja o pitanjima naučne organizacije rada i kulture proizvodnje. Pažnju naučnika i dizajnera privlače pitanja biomehanike, organoleptike itd. Među zapaženim radovima tih godina je i projektovanje radnog mesta vozača tramvaja (N. Bernstein).

Ya. Lokomotiva. Ranih 1930-ih

U okviru proslave svoje 35. godišnjice, Sveruski muzej dekorativne, primenjene i narodne umetnosti otvara ažuriranu stalnu postavku „Dekorativna i primenjena umetnost Rusije u 18. – prvoj trećini 19. veka“.

"Petar Veliki je izazvao Rusiju, a ona mu je odgovorila Puškinom", - krilatica A. N. Herzena najpreciznije definira značenje i granice epohe kojoj je izložba ovih dvorana posvećena. Ovdje predstavljeni objekti su žive prekretnice koje su obilježile nastanak i procvat nacionalne kulture u krilu evropske kulturne tradicije Novog doba. Oni pokazuju promjenu način života i umjetničkih referentnih tačaka, transformacija starih i pojava novih predmetnih formi, tehnika, pa i vrsta dekorativne i primijenjene umjetnosti.

Dizajn nove izložbe zasnovan je na principu demonstriranja eksponata kao jedinstvenih umjetničkih predmeta, koji su spojeni u tematske, stilske i tipološke blokove. Ovo rješenje omogućava da se značaj svakog predmeta ocijeni sa vremenskog, stilskog, razvoja određene vrste dekorativne i primijenjene umjetnosti, te usmjerava pažnju na njegovu umjetničku intrinzičnu vrijednost.

Scenarij inspekcije izgrađen je na osnovu prostornog rješenja izložbe, ne samo sadržajno (tipološki, tematski, stilski i hronološki), već i vizualno - od vremena Petra Velikog do bidermajera.

Terina (posuda) sa poklopcem 1795

Centralne teme nove izložbe su: „Doba promene: prelaz između 17. i 18. veka“, koja uključuje tzv. tradicionalna umjetnost; „Klasično ruski XVIII stoljeće“, koji predstavlja epohu od Petra do Pavla u visokim primjerima dvorske umjetnosti, kao i „Rusko carstvo“ i „U sobama“, demonstrirajući dva aspekta ruske kulture prve trećine 19. stoljeća – briljantni carski stil. i formiranje kulture privatnost, u korelaciji s fenomenom njemačkog bidermajera. Istovremeno, izložba omogućava pregled radova u uobičajenom nizu - po vrstama umjetnosti, naglašavajući namještaj, umjetnički metal, staklo, porcelan, keramiku, kamenorezačku umjetnost, kosti i perle.

Posebnu pažnju zaslužuju tako jedinstveni crkveni predmeti kao što su Moštarski krst i Panagija, koji datiraju iz 17. stoljeća. Rađene su tehnikom koja je u to vrijeme bila skupa – filigranski emajl. Među najranijim eksponatima su škrinje sa metalnim okvirima i ukrasnim ukrasima, mastionice i uralski mesingani pribor od 17. do početka 18. stoljeća. Upečatljiv primjer svečanog reprezentativnog metalnog posuđa za postavu stola su mesingane šolje iz fabrike Demidov na Uralu.

Predmeti za posluživanje stola i predmeti na poslužavniku zatim su napravljeni različitim tehnikama. Na primjer, dva staklena, tamnoplava pehara sa monogramima “EML” i “WGS”, proizvedena u Carskoj tvornici stakla, su rijedak primjer slikani predmeti s kraja 18. početkom XIX veka. Latinski monogrami na šoljama pripadaju švedskom izaslaniku u Rusiji 1793. godine, Werneru Gottlobu von Schweniru - "WGS" - i njegovoj majci Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Šolje su čuvane više od dva veka u zamku Skarhult, Skåne (Švedska), kao porodično blago.

Na izložbi će biti predstavljeni jedinstveni primjerci ruskog dvorskog namještaja iz 18.-19. stoljeća, među kojima su posebno zanimljivi stolovi za šah i karte rađeni tehnikom intarzije. Među eksponatima namještaja karakterističnog za prvu polovinu 19. stoljeća, ističu se dva ormara rijetkog kvaliteta u jakobinskom stilu. Istom vremenu pripadaju i dvije stolice koje je dizajnirao Osip Ivanovič Bove. Zanimljivi su i kaminski sat „Minin i Požarski“ pariskog bronzera Pierre-Philippe Thomire i, reprodukujući u unutrašnjem formatu, čuveni spomenik Ivanu Martosu koji stoji na Crvenom trgu.

Bove I.O. Fotelja Prva četvrtina 19. vijeka

Posebno mjesto na izložbi zauzima tapiserija „Spasavanje ribara“, koja je rađena u Flandriji u nepoznatoj radionici u drugoj polovini 17. – početkom 18. vijeka. U VMDPNI je ušla 1999. godine sa zbirkom Muzeja narodne umjetnosti po imenu. S. T. Morozova. Tema tapiserije je posuđena iz Biblije: u središtu kompozicije prikazano je jedno od čuda - "Hod po vodama". Restauracija rešetke izvršena je u nekoliko faza - djelimično su je restaurirali stručnjaci iz Muzeja narodne umjetnosti. S. T. Morozov, a već 2014. godine kompletnu restauraciju završili su specijalisti restauratori Sveruskog muzeja dekorativne, primijenjene i narodne umjetnosti. Tako je rešetka našla novi život i prvi put će biti predstavljena na izložbi.

U odgovarajućim tematskim dijelovima predstavljena su rasvjetna tijela od stakla i kristala, predmeti interijera od porculana i bronze s kraja 18.-19. stoljeća. Svaki eksponat je referentni primjer određenog stila, koji odražava duh svog vremena i predstavlja mogućnosti umjetničkog i tehničkog umijeća.

Ovakvo prostorno rješenje izložbe omogućit će muzeju da organizira izlete i posebne programe na najefikasniji i najzanimljiviji način. Najzanimljiviji i najznačajniji eksponati biće predstavljeni sa proširenim napomenama, kao i podrškom QR kodovima, zahvaljujući kojima će posetioci moći da dobiju detaljnije informacije. Izložba je opremljena savremeni sistem rasvjetna oprema. Zahvaljujući visokoj interaktivnosti, nova izložba obećava da će biti živahnija i zanimljivija, kao i da će promovirati kreativni dijalog s posjetiteljima, posebno s djecom i mladima.