U 17. veku uvedena je podela slikarskih žanrova na „visoke” i „niske”. Prvi je uključivao historijske, borbene i mitološke žanrove. Drugi je uključivao svjetovne žanrove slikarstva iz Svakodnevni život, Na primjer, svakodnevni žanr, mrtva priroda, slikarstvo životinja, portret, akt, pejzaž.

Istorijski žanr

Istorijski žanr u slikarstvu ne prikazuje određeni predmet ili osobu, već određeni trenutak ili događaj koji se zbio u istoriji prošlih epoha. Uključen je u glavni žanrovi slikarstva u umjetnosti. Portret, bitka, svakodnevni i mitološki žanrovi često su usko isprepleteni sa istorijskim.

"Osvajanje Sibira od strane Ermaka" (1891-1895)
Vasilij Surikov

Umjetnici Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovič Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev i mnogi drugi slikali su svoje slike u istorijskom žanru.

Mitološki žanr

Priče, drevne legende i mitovi, folklor- prikaz ovih subjekata, junaka i događaja našao je svoje mjesto u mitološkom žanru slikarstva. Možda se može razlikovati na slikama bilo kojeg naroda, jer je povijest svake etničke grupe puna legendi i tradicija. Na primjer, takva radnja grčke mitologije kao što je tajna romansa boga rata Aresa i boginje ljepote Afrodite prikazana je na slici "Parnassus" italijanskog umjetnika po imenu Andrea Mantegna.

"Parnas" (1497.)
Andrea Mantegna

Mitologija u slikarstvu konačno se formirala tokom renesanse. Predstavnici ovog žanra, pored Andrea Mantegne, su Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mihajlovič Vasnetsov i drugi.

Battle žanr

Bojno slikarstvo opisuje scene iz vojnog života. Najčešće su ilustrovani različiti vojni pohodi, kao i bitke na moru i kopnu. I pošto se ove tuče često uzimaju iz stvarna istorija, tada bitka i historijski žanrovi ovdje nalaze svoju tačku ukrštanja.

Fragment panorame "Borodinska bitka" (1912)
Franz Roubaud

Bojno slikarstvo se oblikovalo tokom vremena Italijanska renesansa u delima umetnika Mikelanđela Buonarotija, Leonarda da Vinčija, a zatim Teodora Žerikoa, Fransiska Goje, Franca Aleksejeviča Ruboa, Mitrofana Borisoviča Grekova i mnogih drugih slikara.

Svakodnevni žanr

Scene iz svakodnevnih, društvenih ili privatnost obični ljudi, bilo da se radi o gradskom ili seljačkom životu, oslikava svakodnevni žanr u slikarstvu. Kao i mnogi drugi žanrovi slikarstva, svakodnevne slike se rijetko nalaze u vlastitom obliku, postajući dio žanra portreta ili pejzaža.

"Prodavac muzičkih instrumenata" (1652.)
Karel Fabricius

Nastanak svakodnevnog slikarstva nastao je u 10. veku na Istoku, a u Evropu i Rusiju se preselilo tek godine. XVII-XVIII vijeka. Jan Vermer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Mihail Šibanov i Ivan Aleksejevič Ermenev su najpoznatiji umetnici svakodnevne slike u tom periodu.

Animalistički žanr

Glavni objekti animalističkog žanra su životinje i ptice, divlje i domaće, i općenito svi predstavnici životinjskog svijeta. U početku je životinjska umjetnost bila uključena u žanrove Kinesko slikarstvo, pošto se prvi put pojavio u Kini u 8. veku. U Evropi se životinjsko slikarstvo formiralo tek u doba renesanse - životinje su u to vrijeme prikazivane kao oličenje ljudskih poroka i vrlina.

"Konji na livadi" (1649.)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp glavni su predstavnici životinjskog slikarstva u likovnoj umjetnosti.

Mrtva priroda

Žanr mrtve prirode prikazuje predmete koji okružuju osobu u životu. To su neživi objekti spojeni u jednu grupu. Takvi predmeti mogu pripadati istom rodu (na primjer, na slici su prikazani samo plodovi), ili mogu biti različiti (voće, pribor, muzički instrumenti, cvijeće itd.).

"Cvijeće u korpi, leptir i vilin konjic" (1614.)
Ambrozije Bosshart stariji

Mrtva priroda kao samostalan žanr oblikovala se u 17. vijeku. Posebno se ističu flamanska i holandska škola mrtve prirode. Predstavnici raznih stilova slikali su svoje slike u ovom žanru, od realizma do kubizma. Neke od najpoznatijih mrtvih priroda naslikali su slikari Ambrosius Bosschaert Stariji, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Portret

Portret je žanr slikarstva, koji je jedan od najčešćih u likovnoj umjetnosti. Svrha portreta u slikarstvu je prikazati osobu, ali ne samo njen izgled, već i prenijeti unutrašnje osjećaje i raspoloženje osobe koja se portretira.

Portreti mogu biti pojedinačni, parni, grupni, kao i autoportret, koji se ponekad izdvaja kao zaseban žanr. I većina poznati portret Od svih vremena, možda je slika Leonarda da Vinčija pod nazivom „Portret gospođe Lize del Đokondo“, svima poznata kao „Mona Liza“.

"Mona Liza" (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Prvi portreti pojavili su se prije više hiljada godina u starom Egiptu - to su bile slike faraona. Od tada se većina umjetnika svih vremena na ovaj ili onaj način okušala u ovom žanru. Portret i historijski žanrovi slikarstva također se mogu ukrštati: prikaz velikana istorijska ličnost smatraće se djelom istorijski žanr, iako će u isto vrijeme kao portret dočarati izgled i karakter ove osobe.

Nude

Svrha žanra akta je da prikaže nago ljudsko tijelo. Period renesanse se smatra trenutkom nastanka i razvoja ove vrste slikarstva, a glavni predmet slikarstva tada je najčešće postajalo žensko tijelo, koje je oličavalo ljepotu tog doba.

"Ruralni koncert" (1510)
Tizian

Tizian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso najpoznatiji su umjetnici koji su slikali aktove slike.

Scenery

Glavna tema pejzažnog žanra je priroda, okruženje - grad, selo ili divljina. Prvi pejzaži pojavili su se u antičko doba kada su oslikavali palače i hramove, stvarali minijature i ikone. Pejzaž je počeo da se pojavljuje kao samostalan žanr u 16. veku i od tada je postao jedan od najpopularnijih žanrova. žanrovi slikarstva.

Prisutan je u djelima mnogih slikara, počevši od Petera Rubensa, Alekseja Kondratjeviča Savrasova, Eduarda Maneta, preko Isaka Iljiča Levitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braquea pa do mnogih savremenih umjetnika 21. stoljeća.

"Zlatna jesen" (1895.)
Isaac Levitan

Među pejzažno slikarstvo Možete razlikovati žanrove kao što su morski i gradski pejzaži.

Veduta

Veduta je pejzaž čija je svrha da dočara izgled urbanog područja i prenese njegovu ljepotu i ukus. Kasnije, razvojem industrije, urbani pejzaž se pretvara u industrijski pejzaž.

"Markov trg" (1730.)
Canaletto

Gradske pejzaže možete cijeniti tako što ćete se upoznati sa djelima Canaletta, Pietera Bruegela, Fjodora Jakovljeviča Aleksejeva, Sylvestera Feodosievicha Shchedrina.

Marina

Morski pejzaž, ili marina, oslikava prirodu morskog elementa, njegovu veličinu. Najpoznatiji marinski slikar na svijetu je možda Ivan Konstantinovič Ajvazovski, čija se slika "Deveti talas" može nazvati remek-djelom ruskog slikarstva. Procvat marine dogodio se istovremeno s razvojem krajolika kao takvog.

"Jedrilica u oluji" (1886.)
James Buttersworth

Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio i Rafael Monleon Torres takođe su poznati po svojim morskim pejzažima.

Ako želite saznati još više o tome kako su nastali i razvili slikarski žanrovi u umjetnosti, pogledajte sljedeći video:

Uzmite, recite prijateljima!

Pročitajte i na našoj web stranici:

pokazati više

Slikarski stilovi su vrlo široka tema, moglo bi se reći vječna. Ljudi često koriste izraze koje ne razumiju u potpunosti, što izaziva zabunu i konfuziju. Zato želim da vam ukratko i jasno kažem sve što znam o trendovima u slikarstvu. Kako članak ne bih pretvorio u dosadnu lekciju iz povijesti, sažeto ću govoriti o najpopularnijim i najrelevantnijim područjima danas. Stilovi slikanja sa ilustracijama - zgodno i brz način upoznati se sa najvažnijim trendovima u likovnoj umjetnosti.

Gotika

"Oltar porodice Merode." Robert Campin. 1430-ih.

Gotika je pokret u umjetnosti koji je zahvatio sve zemlje zapadne i srednje Evrope. Tada je gotika bila u svemu - u skulpturi, slikarstvu, vitražima itd. korišćen je svuda gde je bilo moguće, dogodio se „kulturni bum“. Ova popularnost je rezultat najnovijeg koraka u evoluciji srednjovjekovne umjetnosti. Centar i glavna figura gotički stil postojala je arhitektura - visoki lukovi, vitraži, puno detalja. Rimsko doba nije moglo izdržati takvu navalu i ostalo je po strani istorije.

Godine: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.

renesansa (renesansa)

"Pokajnica Marija Magdalena." Tizian. 1560-ih.

Renesansa nastala od pada Byzantine Empire i kulturni preokret koji se dogodio oko ovog pitanja u Evropi. Bizantinci koji su bili primorani da pobegnu, zajedno sa kulturne veze, donio je umjetnička djela i biblioteke u evropske zemlje. Tako je došlo do svojevrsnog oživljavanja antičkih pogleda, ali na moderan način. Tokom godina, mnoge tačke su revidirane i dovedene u pitanje. Generalno, vladali su sekularni humanizam i ideje prosperiteta.

Godine: 1400 - 1600.
Hijeronim Boš, Leonardo da Vinči, Ticijan.

Barok

"Judita i Holofernes." Caravaggio. 1599.

Barok- Evropski kulturno nasljeđe porijeklom iz Italije. Karakterizira ironičnu zlobnu ljepotu, neprirodni elitizam i pretencioznost. Karakteristične karakteristike ovakvih slika su visoki kontrast, napetost radnje i dinamika karaktera rastegnuta do krajnjih granica. Kvintesencijom baroka smatra se crkva Santa Maria della Vittoria koja se nalazi u Rimu.

Godine: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.

Klasicizam

"Milosrđe Scipiona Afričkog." Pompeo Batoni. 1772

Klasicizam igrao je ogromnu ulogu u umjetnosti, kao temeljni pokret u slikarstvu 18. stoljeća. Sve postaje jasno iz samog imena (latinski classicus znači uzoran, uzoran).
Umjetnici su sebi postavili cilj da upoznaju gledatelja sa uzvišenim, a njihove slike bile su zvijezda vodilja. Visok moral, suzdržana kultura i tradicionalne antičke vrijednosti postali su osnova klasicizma. U doba klasicizma u Evropi je došlo do kulturnog rasta i prevrednovanja vrijednosti, umjetnost je dostigla potpuno drugačiji nivo.

Godine: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Poussin Nicolas.

Realizam

"Roaming Acrobats" Gustave Dore. 1874

Realizam pokušava da sa najvećom autentičnošću prenese raspoloženje trenutka, trenutak stvarnosti na platnu. Ali zauzvrat, to nije ograničeno jasnim granicama; jedina pravila su da na slici ne smije biti mjesta za stvari koje isključuju realizam. Tokom eksperimenata, krajem 18. vijeka, ovaj stil je podijeljen na naturalizam i impresionizam. Ali realizam je uspio preživjeti i popularan je čak iu modernom slikarstvu.

Godine: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-François Millet.

Impresionizam

„Utisak. Rising Sun". Claude Monet. 1872

Impresionizam nastao u Francuskoj, ovaj koncept je uveo Louis Leroy. Impresionisti koji su radili u ovom stilu željeli su uhvatiti drugi utisak svakog predmeta ili trenutka; slikali su upravo ovdje i sada, bez obzira na formu i značenje. Slike su prikazivale isključivo pozitivne i svijetle trenutke i trenutke. Ali kasnije su na toj osnovi počele nesuglasice među impresionistima; vremenom su se pojavili majstori koji su mogli biti impresionirani društvenim problemima, glađu i bolestima. Međutim, impresionizam je ljubazan i pozitivan stil slikarstva koji prikazuje dobre i svijetle trenutke.

Godine: 1860 - 1920.
Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas.

postimpresionizam

"Autoportret u sivom filcanom šeširu III." Vincent Van Gogh. 1887

postimpresionizam apsorbovao mnoge raznih stilova i tehničar. Evropski majstori sa svježim pogledima na slikarstvo iznjedrili su nove trendove i aktivno se trudili da se odmaknu od tada dosadnog impresionizma i realizma.

Godine: 1880 - 1920.
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O'Conor.

Pointilizam

„Rio San Trovaso. Venecija". Henri Edmond Cross. 1904

Pointilizam(tačka - tačka) - stilski pravac u slikarstvu, koji je isti impresionizam, samo u drugoj ljusci. Umjesto nazubljenih poteza korišteni su točkasti ili pravokutni oblici. Također, umjetnici su odustali od miješanja boja na paleti, umjesto toga, čiste boje su nanesene na platno i miješane direktno na samom platnu bez dodirivanja.

Godine: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.

Modernizam

"Leptiri izbliza." Odilon Redon. 1910

Modernizam je zajednička karakteristika svih žanrova i stilova u slikarstvu od 1850. do 1950. godine. Uključuje trendove u slikarstvu kao što su impresionizam, ekspresionizam, neo- i postimpresionizam, fovizam, kubizam, futurizam, apstraktna umjetnost, dadaizam, nadrealizam i mnoge druge. Postojanje ovih stilova označava potpuni odmak likovne umjetnosti od akademizma. Nakon napuštanja akademizma postalo je gotovo nemoguće pratiti sve trendove i stilove koji su se formirali i formiraju.

Godine: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kazimir Malevich, Auguste Renoir i mnogi drugi.

Akademizam

Akademizam- pravac u umjetnosti koji slijedi pravila i običaje antike i renesanse. Akademizam nastoji da nametne jasne temelje i granice i isključuje fantaziju i kreativni let. Umjesto toga, naglasak je na poboljšanju nedostataka, „hrapavosti“ prirode – skrivanju ili uklanjanju. Poboljšanje stvarnosti ka lijepoj percepciji je suština akademizma. Radnje su često preuzete iz antičke mitologije, a koriste se i biblijski i istorijski motivi.

Godine: 1500 - danas.
Karl Brjulov, Vilijam Bugero, Fjodor Bruni.

primitivizam

“U kuhinji” Epifanij Drovnjak. 1940~

primitivizam- namjerno pojednostavljivanje slike do te mjere da izgleda kao da je djelo djeteta. Različiti narodni crteži i ilustracije mogu se pripisati primitivizmu. Samo na prvi pogled slike izgledaju jednostavno i apsurdno. Ali ako pažljivo pogledate, možete vidjeti ispravne proporcije i usklađenost s pravilima horizonta i kompozicije. Većina poznatih majstora primitivizma i naivne umetnosti bili su veliki poštovaoci istorije svog naroda i njegove kulture. Zato su sve njihove slike bogate koloritom kraja u kojem su živjeli. Danas se ovaj žanr transformirao u naivnu umjetnost, često pomiješanu sa simbolizmom. To je zbog činjenice da moderni gledatelj nije spreman da primitivizam percipira u njegovom čistom obliku.

Godine: 1900 - danas.
Epifanije Drovnjak, Anri Ruso, Niko Pirosmanišvili.

kubizam

"Žena koja sjedi u plavoj haljini." Pablo Picasso. 1939

kubizam je pokret modernizma, koji se često koristi u odnosu na slikarstvo i likovnu umjetnost. Majstori su podijelili svoje predmete u geometrijske oblike, dajući svakom jedinstvenom elementu svoj gusti sektor.

Godine: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Léger, Robert Delaunay.

Nadrealizam

"Postojanost sjećanja". Salvador Dali. 1931

Nadrealizam je mešanje snova sa stvarnošću. U ovom stilu umjetnici su svoje snove ispuštali prema van, miješajući slike iz stvarnog života jedne s drugima, kombinirajući nespojive stvari. Također, dotaknute su i lične teme snova - strahovi, tajne želje, nesvjesne fantazije, kompleksi. Sve što čovek može da vidi u svojim snovima. Danas nadrealisti kopiraju vanjsku školjku, koristeći samo lijepe forme, ne ubacujući im značenje koje je bilo karakteristično za majstore prošlosti.

Godine: 1920 - danas.
Salvador Dali, Maks Ernst, Rene Magrit.

apstrakcionizam

"Žuto crveno plavo." Vasilij Kandinski. 1925

apstrakcionizam- pravac u umjetnosti u kojem se odbijalo oslikavanje stvarnosti i ispravnosti oblika. Glavni cilj je prikazati mnogo šarenih oblika koji zajedno mogu ispričati priču o slici. Rusija i Amerika smatraju se rodnim mjestom apstraktne umjetnosti.

Godine: 1910 - danas.
Vasilij Kandinski, Kazimir Malevič, Pit Mondrijan.

Ekspresionizam

"Vrisak." Edvard Munch. 1893

Ekspresionizam postavlja sebi jedan jedini zadatak, da prenese ono što je autor slike osećao u trenutku njenog pisanja. Umjetnici u ovom stilu žele izraziti sebe i svoja osjećanja, zbog čega je ekspresionizam antipod impresionizma, u kojem je naglasak na ekspresiji čisto vanjske ljuske. Ekspresioniste karakteriše sklonost ka misticizmu, pesimizmu i malodušnosti.

Godine: 1890 - danas.
Egon Schiele, Karl Eugen Kehl, Jerzy Hulewicz.

Pop Art

"Zelene boce Coca-Cole." Andy Warhole. 1962

Pop Art — Moderan stil u umjetnosti, koristeći simbole popularne kulture i potrošačke proizvode. Moderna tehnologija je pomogla u manipulaciji i kombiniranju objekata, zbog čega je pop art često bio kritiziran od strane vratara stare škole. Vremenom je pop art apsorbovao mnoge trendove u slikarstvu.

Godine: 1950 - 1980.
Andy Warhol, David Hockney, Robert Rauschenberg.

Minimalizam

Gran Cairo. Frank Stella. 1962

Minimalizam treba minimizirati autorsku intervenciju u okruženje. Minimalizam označava samo najvažnije tačke. Njegovo porijeklo leži u konstruktivizmu, suprematizmu i dadaizmu. To je vrlo kontroverzan žanr slikarstva, zbog previše minimalističkih pogleda nekih autora ovog stila. Danas se minimalistički trendovi u slikarstvu izuzetno brzo transformišu.

Godine: 1960 - danas.
Frank Stella, Carl Andre, Sol LeWitt.

Hiperrealizam

"Voće". Jacques Bodin. 2016

Hiperrealizam pojavio u vezi sa popularizacijom fotografije, umetnici su bili zainteresovani za nadmetanje sa fotografima. Hiperrealisti stvaraju alternativnu stvarnost, realističnu iluziju.

Godine: 1970 - danas.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.

To su svi pravci u slikarstvu

To je sve što sam mogao i želio reći na ovu temu 😉 Zapravo, pravaca u slikarstvu ima mnogo više, a oni se nenamjerno razvijaju bukvalno svaki dan. U ovom članku želio sam govoriti o najpopularnijim i najutjecajnijim. Ako vam se svidio materijal, podijelite ga na društvenim mrežama, hajde da zajedno razvijamo umjetnost. Hvala svima na podršci!

Šta je slikanje?

Slikarstvo je vrsta likovne umjetnosti čija djela nastaju pomoću boja nanesenih na bilo koju površinu.
"Slikarstvo nije samo neka vrsta fantazije. To je rad, posao koji se mora raditi savjesno, kao što to radi svaki savjestan radnik", tvrdio je Renoir.

Slikanje je nevjerovatno čudo dostupnosti svima umjetnički materijali u najrazličitije vidljive slike stvarnosti. Ovladavanje slikarskom umjetnošću znači biti u stanju prikazati stvarne predmete bilo kojeg oblika, različite boje i materijala u svakom prostoru.
Slikarstvo, kao i svi drugi oblici umjetnosti, ima poseban umjetnički jezik kojim umjetnik odražava svijet. Ali, izražavajući svoje razumijevanje svijeta, umjetnik istovremeno u svojim radovima utjelovljuje svoje misli i osjećaje, težnje, estetske ideale, procjenjuje životne pojave, objašnjavajući njihovu suštinu i značenje na svoj način.
IN Umjetnička djela Različiti žanrovi likovne umjetnosti koje stvaraju slikari koriste crtež, boju, svjetlo i sjenu, ekspresivnost poteza, teksturu i kompoziciju. To omogućava da se na ravni reproducira živopisno bogatstvo svijeta, volumen predmeta, njihova kvalitetna materijalna originalnost, prostorna dubina i svjetlo-zračno okruženje.
Svijet slikarstva je bogat i složen, njegova blaga je čovječanstvo akumuliralo kroz milenijume. Najdrevnija slikarska djela naučnici su otkrili na zidovima pećina u kojima su živjeli primitivni ljudi. Prvi umjetnici su prikazivali scene lova i životinjske navike sa neverovatnom preciznošću i oštrinom. Tako je nastala umjetnost slikanja na zidu, koja je imala osobine karakteristične za monumentalno slikarstvo.
Postoje dvije glavne vrste monumentalnog slikarstva - freska i mozaik.
Freska je tehnika slikanja bojama razrijeđenim čistom ili krečnom vodom na svježem, vlažnom malteru.
Mozaik je slika napravljena od čestica kamena, smalte, keramičkih pločica, homogenog ili različitog materijala, koje su učvršćene u sloj zemlje - kreč ili cement.
Freske i mozaik su glavne vrste monumentalne umjetnosti koje se zbog svoje trajnosti i postojanosti boja koriste za ukrašavanje arhitektonskih volumena i ravnina (zidne slike, abažuri, panoi).
Štafelajno slikarstvo (slika) ima samostalan karakter i značenje. Širina i potpunost obuhvata stvarnog života ogleda se u raznolikosti vrsta i žanrova svojstvenih štafelajnom slikarstvu: portret, pejzaž, mrtva priroda, svakodnevni, istorijski, borbeni žanrovi.
Za razliku od monumentalnog štafelajno slikarstvo nije spojen na ravninu zida i može se slobodno izlagati.
Idejno-umjetničko značenje djela štafelajne umjetnosti ne mijenja se u zavisnosti od mjesta na kojem se nalaze, iako njihov umjetnički zvuk zavisi od uslova izlaganja.
Pored navedenih vrsta slikarstva, postoji i dekorativno slikarstvo - skice pozorišne kulise, scenografije i kostima za bioskop, kao i minijature i ikonopis.
Da bi stvorio minijaturno ili monumentalno umjetničko djelo (na primjer, sliku na zidu), umjetnik mora poznavati ne samo konstruktivnu suštinu predmeta, njihov volumen, materijalnost, već i pravila i zakonitosti slikovnog predstavljanja. priroda, harmonija boja i boja.

U slikovnoj slici iz prirode potrebno je uzeti u obzir ne samo raznolikost boja, već i njihovo jedinstvo, određeno snagom i bojom izvora svjetlosti. Nijedna mrlja u boji ne bi trebalo da se unese u sliku bez usklađivanja sa ukupnim stanjem boje. Boja svakog predmeta, kako na svjetlu tako iu sjeni, mora biti povezana s cjelinom boje. Ako boje slike ne prenose utjecaj boje osvjetljenja, one neće biti predmet jedne sheme boja. Na takvoj slici svaka boja će se isticati kao nešto strano i strano datom stanju osvjetljenja; izgledat će nasumično i uništiti integritet boje slike.
Dakle, prirodno ujedinjenje boja prema opštoj boji rasvjete je osnova za stvaranje skladne strukture boja slike.
Boja je jedno od najizražajnijih sredstava u slikarstvu. Umjetnik na plan prenosi šareno bogatstvo onoga što je vidio, uz pomoć kolor forme spoznaje i reflektira svijet. U procesu oslikavanja prirode razvija se osjećaj za boju i njene brojne nijanse, što omogućava korištenje boja kao glavnog izražajnog sredstva slikanja.
Percepcija boje, a oko umjetnika može razlikovati više od 200 njenih nijansi, možda je jedna od najsretnijih osobina kojima je priroda obdarila čovjeka.
Poznavajući zakone kontrasta, umjetnik se kreće onim promjenama u boji prikazane prirode, koje je u nekim slučajevima teško uhvatiti okom. Percepcija boje zavisi od sredine u kojoj se objekat nalazi. Stoga umjetnik, kada prenosi boju prirode, upoređuje boje jedne s drugima, osiguravajući da se percipiraju u međusobnoj povezanosti ili međusobnim odnosima.
“Uzimanje odnosa svjetla i sjene” znači očuvanje razlike između boja u svjetlini, zasićenosti i nijansama, prema tome kako se javlja u prirodi.
Kontrast (i u svjetlu i u boji) posebno je uočljiv na rubovima susjednih mrlja u boji. Zamagljivanje granica između kontrastnih boja pojačava efekat kontrasta boja, a jasnoća granica mrlja ga smanjuje. Poznavanje ovih zakona proširuje tehničke mogućnosti u slikarstvu, omogućava umjetniku da uz pomoć kontrasta poveća intenzitet boje boja, poveća njihovu zasićenost, poveća ili smanji njihovu lakoću, što obogaćuje slikarsku paletu. Dakle, bez korištenja mješavina, već samo kontrastnih kombinacija toplih i hladnih boja, možete postići posebnu kolorističku zvučnost slike.

Slikarstvo je jedna od drevnih umjetnosti, koja je tokom mnogih stoljeća prolazila kroz evoluciju od paleolitskih slika na stijenama do najnovijih trendova 20. pa čak i 21. stoljeća. Ova umjetnost je rođena gotovo s pojavom čovječanstva. Drevni ljudi, a da nisu ni u potpunosti shvatili sebe kao ljudi, osjećali su potrebu da svijet oko sebe prikažu na površini. Slikali su sve što su vidjeli: životinje, prirodu, scene lova. Za slikanje su koristili nešto slično bojama od prirodnih materijala. To su bile zemljane boje, ugalj, crna čađ. Četke su se pravile od životinjske dlake, ili su se jednostavno slikale prstima.

Kao rezultat promjena, pojavile su se nove vrste i žanrovi slikarstva. Nakon antičkog perioda uslijedio je period antike. Postojala je želja među slikarima i umjetnicima da reproduciraju stvarni život oko nas, kakav se čini ljudima. Želja za preciznošću prijenosa izazvala je nastanak temelja perspektive, temelja svjetlosnih i sjenčanih konstrukcija različitih slika i proučavanja toga od strane umjetnika. I oni su, prije svega, proučavali kako prikazati volumetrijski prostor na ravni zida, u fresko slikarstvu. Neka umjetnička djela, poput volumetrijskog prostora, chiaroscuro, počela su se koristiti za ukrašavanje prostorija, vjerskih centara i ukopa.

Sljedeći važan period u prošlosti slikarstva je srednji vijek. U to vrijeme slikarstvo je bilo više religiozne prirode, a pogled na svijet počeo se odražavati u umjetnosti. Kreativnost umjetnika bila je usmjerena na ikonopis i druge melodije religije. Main važne tačke, što je umjetnik morao naglasiti, nije bio toliko tačan odraz stvarnosti, već prije prijenos duhovnosti čak i na najrazličitijim slikama. Platna tadašnjih majstora oduševljavala su svojom ekspresivnošću kontura, koloritom i šarenilom. Srednjovjekovno slikarstvo nam se čini ravno. Svi likovi umjetnika tog vremena su na istoj liniji. I zato nam se mnoga djela čine pomalo stiliziranima.

Razdoblje sivog srednjeg vijeka zamijenjeno je svjetlijim periodom renesanse. Renesansa je ponovo donela prekretnicu u istorijskom razvoju ove umetnosti. Nova raspoloženja u društvu, novi pogled na svijet počeli su diktirati umjetniku: koje aspekte slikarstva potpunije i jasnije otkriti. Žanrovi slikanja kao što su portret i pejzaž postat će samostalni stilovi. Umjetnici izražavaju ljudske emocije i njihov unutrašnji svijet kroz nove načine slikanja. U 17. i 18. vijeku slikarstvo je doživjelo još značajniji razvoj. U ovom periodu katolička crkva gubi na značaju, a umjetnici u svojim djelima sve više odražavaju istinske poglede na ljude, prirodu, svakodnevnicu i svakodnevicu. U tom periodu formiraju se i žanrovi kao što su barok, rokoko, klasicizam i manirizam. Pojavljuje se romantizam, koji je kasnije zamijenjen spektakularnijim stilom - impresionizmom.

Početkom dvadesetog veka slikarstvo se dramatično promenilo i pojavio se novi pravac moderne umetnosti - apstraktno slikarstvo. Ideja ovog smjera je prenijeti slaganje između čovjeka i umjetnosti, stvoriti harmoniju u kombinacijama linija i boja. Ovo je umjetnost bez objektivnosti. Ona ne teži tačnom donošenju stvarne slike, već naprotiv, ona prenosi ono što je u umetnikovoj duši, njegove emocije. Oblici i boje igraju važnu ulogu u ovoj umjetničkoj formi. Njegova je suština prenijeti ranije poznate objekte na nov način. Ovdje se umjetnicima daje potpuna sloboda mašte. To je dalo poticaj nastanku i razvoju modernih trendova kao što su avangarda, underground, apstraktna umjetnost. Od kraja dvadesetog veka do danas slikarstvo se neprestano menja. No, unatoč svim novim dostignućima i modernim tehnologijama, umjetnici i dalje ostaju vjerni klasičnoj umjetnosti - ulje i akvarel slikarstvo, stvaraju svoja remek-djela koristeći boje i platna.

Natalia Martynenko

Istorija likovne umjetnosti

Istorija slikarstva je beskrajni lanac koji je započeo prvim slikama. Svaki stil izrasta iz stilova koji su bili prije njega. Svaki veliki umjetnik dodaje nešto dostignućima ranijih umjetnika i utječe na kasnije umjetnike.

Možemo uživati ​​u slikanju zbog njegove ljepote. Njegove linije, oblici, boje i kompozicija (raspored dijelova) mogu privući naša osjetila i ostati u našim sjećanjima. Ali uživanje u umjetnosti raste kada saznamo kada, zašto i kako je nastala.

Na istoriju slikarstva uticali su mnogi faktori. Geografija, religija, nacionalne karakteristike, istorijski događaji, razvoj novih materijala - sve to pomaže u oblikovanju vizije umjetnika. Slikarstvo je kroz istoriju odražavalo promjenjivi svijet i naše ideje o njemu. Zauzvrat, umjetnici su pružili neke od najboljih zapisa o razvoju civilizacije, ponekad otkrivajući više od pisane riječi.

Praistorijsko slikarstvo

Stanovnici pećina bili su najraniji umjetnici. Crteži u boji životinja koji datiraju od 30.000 do 10.000 godina prije Krista pronađeni su na zidovima pećina u južnoj Francuskoj i Španiji. Mnoge od ovih slika su izuzetno dobro očuvane jer su pećine bile zapečaćene vekovima. Rani ljudi su crtali slike divljih životinja koje su vidjeli oko sebe. Vrlo grube ljudske figure napravljene u životnim položajima pronađene su u Africi i istočnoj Španiji.

Pećinski umjetnici ispunili su zidove pećine crtežima u bogatim, živim bojama. Neke od najlepših slika nalaze se u pećini Altamira, u Španiji. Jedan detalj prikazuje ranjenog bivola, koji više ne može da stoji - vjerovatno žrtvu lovca. Oslikana je crvenkasto smeđom bojom i ocrtana jednostavno, ali vješto, crnom bojom. Pigmenti koje koriste pećinski umjetnici su oker (oksidi željeza u rasponu boja od svijetlo žute do tamno narandžaste) i mangan (tamni metal). Usitnjene su u fini prah, pomiješane sa lubrikantom (moguće masnim uljem) i nanesene na površinu nekom vrstom četke. Ponekad su pigmenti bili u obliku štapića, sličnih bojicama. Masnoća pomešana sa pigmentima u prahu napravila je tečnost boje, a čestice pigmenta su se zalepile. Stanovnici pećina su pravili četke od životinjskih dlaka ili biljaka, a oštre alate od silikona (za crtanje i grebanje).

Još prije 30.000 godina ljudi su izmislili osnovne alate i materijale za slikanje. Metode i materijali su se usavršavali i usavršavali tokom narednih vekova. Ali otkrića stanovnika pećine ostaju fundamentalna za slikarstvo.

egipatsko i mezopotamsko slikarstvo (3400-332 pne)

Jedna od prvih civilizacija pojavila se u Egiptu. Mnogo se zna o njihovim životima iz pisanih zapisa i umjetnosti koje su ostavili Egipćani. Vjerovali su da tijelo treba sačuvati kako bi duša mogla živjeti nakon smrti. Velike piramide bile su složene grobnice za bogate i moćne egipatske vladare. Mnogo egipatske umjetnosti stvoreno je za piramide i grobnice kraljeva i drugih važnih ljudi. Da bi bili potpuno sigurni da će duša nastaviti postojati, umjetnici su kreirali slike mrtve osobe u kamenu. Reproducirali su i scene iz ljudskog života na zidnim slikama u grobnim komorama.

Egipatske umjetničke tehnike ostale su nepromijenjene vekovima. U jednoj metodi, akvarel boja je nanesena na glinene ili krečnjačke površine. U drugom procesu, obrisi su urezani u kamene zidove i obojeni akvarelima. Za prianjanje boje na površinu vjerovatno je korišten materijal nazvan arapska guma. Srećom, suha klima i zapečaćene grobnice spriječili su da neke od ovih akvarelnih slika budu uništene vlagom. Mnogi prizori lova sa zidova grobnica u Tebi, koji datiraju iz oko 1450. godine prije Krista, dobro su očuvani. Pokazuju kako lovci jure ptice ili ribe. Ovi predmeti se i danas mogu prepoznati jer su pažljivo i pažljivo oslikani.

Mesopotamska civilizacija, koja je trajala od 3200. do 332. godine prije Krista, nalazila se u dolini između rijeka Tigris i Eufrat na Bliskom istoku. Kuće u Mesopotamiji građene su uglavnom od gline. Kako je glina omekšana od kiše, njihove zgrade su se srušile u prašinu, uništavajući sve zidne slike koje su mogle biti vrlo zanimljive. Ono što je preživjelo je ukrašena keramika (oslikana i pečena) i šareni mozaici. Iako se mozaici ne mogu smatrati slikarstvom, oni često utiču na to.

Egejska civilizacija (3000-1100 pne)

Treći sjajan ranoj kulturi postojala je egejska civilizacija. Egejci su živjeli na ostrvima u blizini obale Grčke i na poluostrvu Male Azije otprilike u isto vreme kada i stari Egipćani i Mezopotamci.

1900. godine, arheolozi su započeli iskopavanje palate kralja Minosa u Knososu na ostrvu Krit. Iskopavanja su otkrila umjetnička djela naslikana oko 1500. godine prije Krista. u neobično slobodnom i gracioznom stilu tog vremena. Očigledno su Krićani bili bezbrižan narod koji voli prirodu. Među njihovim omiljenim predmetima u umjetnosti bili su morski život, životinje, cvijeće, sportske igre, masovne povorke. U Knososu i drugim egejskim palatama, slike su rađene na zidovima od mokrog maltera pomoću boja napravljenih od mineralnih materija, peska i zemljanog okera. Boja se upijala u mokru žbuku i postala stalni dio zida. Ove slike su kasnije nazvane freskama (od italijanske riječi za "svježe" ili "nove"). Krećani su voljeli jarko žute, crvene, plave i zelene boje.

Grčko i rimsko klasično slikarstvo (1100 pne – 400 n.e.)

Stari Grci su ukrašavali zidove hramova i palata freskama. Od drevnih književni izvori a iz rimskih kopija grčke umjetnosti može se reći da su Grci slikali male slike i pravili mozaike. Imena grčkih majstora i malo o njihovim životima i djelima poznato je, iako je vrlo malo grčkog slikarstva preživjelo vijekove i posljedice ratova. Grci nisu mnogo pisali u grobnicama, pa njihova djela nisu bila zaštićena.

Oslikane vaze su sve što je danas ostalo od grčkog slikarstva. Proizvodnja grnčarije bila je velika industrija u Grčkoj, posebno u Atini. Kontejneri su bili veoma traženi, izvozili su se, kao i ulje i med, i za domaće potrebe. Najranije slikanje u vazi nastalo je u geometrijski oblici i ukrasi (1100-700 pne). Vaze su također bile ukrašene ljudskim figurama u smeđoj glazuri na svijetloj glini. Do 6. stoljeća umjetnici vaza često su slikali crne ljudske figure na prirodnoj crvenoj glini. Detalji su oštrim alatom urezani u glinu. To je omogućilo da se crvena boja pojavi u dubini reljefa.

Crvenofiguralni stil je na kraju zamijenio crni. Odnosno, obrnuto: figure su crvene, a pozadina crna. Prednost ovog stila bila je u tome što je umjetnik mogao koristiti kist za kreiranje obrisa. Četkica daje labaviju liniju od metalnog alata koji se koristi na crnim vazama sa figurama.

Rimske zidne slike pronađene su uglavnom u vilama (seoskim kućama) u Pompejima i Herkulaneumu. 79. godine nove ere ova dva grada su potpuno zatrpana erupcijom Vezuva. Arheolozi koji su iskopali ovo područje mogli su mnogo naučiti o životu starog Rima iz ovih gradova. Gotovo svaka kuća i vila u Pompejima imale su slike na zidovima. Rimski slikari su pažljivo pripremili površinu zida nanošenjem mješavine mramorne prašine i žbuke. Polirali su površine do mermerne završnice. Mnoge od slika su kopije grčkih slika iz 4. veka pre nove ere. Graciozne poze figura oslikanih na zidovima Vile Misterija u Pompejima inspirisale su umetnike u 18. veku kada je grad otkopan.

Grci i Rimljani su takođe slikali portrete. Ne veliki broj Od ovih, uglavnom portreti mumija koje su u grčkom stilu radili egipatski umjetnici, sačuvani su u okolini Aleksandrije, u sjevernom Egiptu. Osnovana u 4. veku pre nove ere od strane Aleksandra Velikog iz Grčke, Aleksandrija je postala vodeći centar grčke i rimske kulture. Portreti su naslikani tehnikom enkaustike na drvetu i postavljeni u obliku mumije nakon smrti prikazane osobe. Enkaustičke slike napravljene bojom pomešanom sa otopljenim pčelinjim voskom traju veoma dugo. Zaista, ovi portreti još uvijek izgledaju svježe, iako su snimljeni u drugom vijeku prije nove ere.

Ranokršćansko i vizantijsko slikarstvo (300-1300)

Rimsko carstvo je opadalo u 4. veku nove ere. U isto vrijeme, kršćanstvo je jačalo. Rimski car Konstantin je 313. godine zvanično priznao religiju i sam se preobratio na hrišćanstvo.

Pojava kršćanstva uvelike je utjecala na umjetnost. Umjetnici su dobili zadatak da zidove crkava ukrašavaju freskama i mozaicima. Izrađivali su panoe u crkvenim kapelama, ilustrovali i ukrašavali crkvene knjige. Pod uticajem Crkve, od umetnika se očekivalo da što jasnije prenose učenje hrišćanstva.

Rani kršćani i bizantski umjetnici nastavili su tehniku ​​mozaika koju su naučili od Grka. Mali ravni komadi obojenog stakla ili kamena postavljani su na mokri cement ili gips. Ponekad su korišteni i drugi tvrdi materijali, poput komada pečene gline ili školjki. Kod italijanskog mozaika boje su posebno duboke i pune. Italijanski umjetnici napravili su pozadinu komadima pozlaćenog stakla. Prikazivali su ljudske figure u bogatim bojama na pozadini blistavog zlata. Ukupni efekat je bio ravan, dekorativan i nerealan.

Mozaici vizantijskih umjetnika često su bili čak manje realistični i još više dekorativni od motiva ranih kršćana. "Vizantijski" je naziv za stil umjetnosti koji se razvio oko drevnog grada Vizantije (danas Istanbul, Turska). Tehnika mozaika bila je idealno prilagođena vizantijskom ukusu za veličanstveno ukrašene crkve. Čuveni mozaici Teodore i Justinijana, napravljeni oko 547. godine nove ere, pokazuju ukus za bogatstvo. Nakit na figurama blista, a šarene dvorske haljine blistaju na pozadini blistavog zlata. Bizantski umjetnici su također koristili zlato na freskama i panelima. Zlato i drugi dragocjeni materijali korišteni su u srednjem vijeku za odvajanje duhovnih predmeta od svakodnevnog svijeta.

Srednjovjekovno slikarstvo (500-1400)

Prvi dio srednjeg vijeka, otprilike od 6. do 11. stoljeća nove ere, obično se naziva mračnim vijekom. U ovo doba nemira, umjetnost se čuvala uglavnom u manastirima. U 5. veku nove ere Varanska plemena iz sjeverne i srednje Evrope lutala su kontinentom. Stotinama godina oni su dominirali zapadnom Evropom. Ovi ljudi su stvarali umjetnost u kojoj je glavni element uzorak. Posebno su bili fascinirani strukturama isprepletenih zmajeva i ptica.

Najbolje od keltske i saksonske umjetnosti može se pronaći u rukopisima iz 7. i 8. stoljeća. Ilustracije knjiga, iluminacija i minijaturno slikarstvo, prakticirani od kasnog rimskog doba, postali su široko rasprostranjeni u srednjem vijeku. Rasvjeta je ukras teksta, velikih slova i margina. Korištene su zlatne, srebrne i svijetle boje. Minijatura je mala slika, često portret. Termin je prvobitno korišten za opisivanje ukrasnog bloka oko početnih slova u rukopisu.

Karlo Veliki, koji je krunisan za cara Svetog rimskog carstva početkom 9. veka, pokušao je da oživi klasičnu umetnost kasnog rimskog i ranokršćanskog perioda. Tokom njegove vladavine slikari minijature su imitirali klasičnu umjetnost, ali su kroz svoje subjekte prenosili i lična osjećanja.

Iz srednjeg vijeka sačuvano je vrlo malo zidnog slikarstva. Crkve izgrađene u romaničkom periodu (11.-13. vek) imale su sjajne freske, ali većina njih je nestala. U crkvama gotičkog perioda (XII-XVI stoljeće) nije bilo dovoljno prostora za zidne slike. Ilustracija knjige bila je glavno djelo gotičkog slikara.

Među najbolje ilustrovanim rukopisima bili su časovnici – zbirke kalendara, molitava i psalama. Stranica iz italijanskog rukopisa prikazuje razrađene inicijale i fino detaljnu marginalnu scenu Svetog Đorđa kako ubija zmaja. Boje su briljantne i poput dragulja, poput vitraža, a zlato svjetluca sa stranice. Graciozno suptilni listovi i cvjetni dizajni graniče s tekstom. Umjetnici su vjerovatno koristili lupe da bi napravili tako zamršen, detaljan rad.

Italija: Cimabue i Giotto

Italijanski umjetnici krajem 13. stoljeća još uvijek rade u vizantijskom stilu. Ljudske figure su bile ravne i ukrasne. Lica su retko imala izraz. Tijela su bila bestežinska i činilo se da lebde umjesto da čvrsto stoje na zemlji. U Firenci je umjetnik Cimabue (1240-1302) pokušao modernizirati neke od starih vizantijskih tehnika. Anđeli u Madonni Enthroned aktivniji su nego inače na slikama tog vremena. Njihovi gestovi i lica pokazuju malo više ljudskih osjećaja. Cimabue je svojim slikama dodao novi osjećaj monumentalnosti ili sjaja. Međutim, nastavio je slijediti mnoge vizantijske tradicije, kao što su zlatna pozadina i šareni raspored predmeta i figura.

Bio je to veliki firentinski umjetnik Giotto (1267-1337) koji je zapravo raskinuo s vizantijskom tradicijom. Njegova serija fresaka u kapeli Arene u Padovi ostavlja daleko iza sebe vizantijsku umjetnost. Ima prave emocije, napetosti i naturalizma u ovim scenama iz života Marije i Krista. Prisutni su svi kvaliteti ljudske topline i simpatije. Ljudi ne izgledaju potpuno nestvarni ili nebeski. Giotto je zasjenio obrise figura, a stavio je duboke sjene u nabore odjeće kako bi dao osjećaj zaobljenosti i čvrstoće.

Za svoje male ploče, Giotto je koristio čistu temperu od jaja, medij koji su usavršili Firentinci u 14. vijeku. Jasnoća i svjetlina njegovih boja sigurno su uvelike utjecale na ljude koji su navikli na tamne boje vizantijskih ploča. Slike tempere ostavljaju utisak da na scenu pada meka dnevna svetlost. Imaju skoro ravan izgled, za razliku od sjaja ulje na platnu. Jajčana tempera je ostala glavna boja sve dok je ulje nije gotovo u potpunosti zamijenilo u 16. stoljeću.

Slikarstvo kasnog srednjeg vijeka sjeverno od Alpa

Početkom 15. stoljeća umjetnici u sjevernoj Evropi radili su u stilu potpuno drugačijem od italijanskog slikarstva. Sjevernjački umjetnici postigli su realizam dodavanjem bezbroj detalja svojim slikama. Sva kosa je bila graciozno definisana, a svaki detalj draperije ili poda bio je precizno pozicioniran. Izum uljanog slikarstva olakšao je izradu detalja.

Flamanski umjetnik Jan van Eyck (1370-1414) dao je veliki doprinos razvoju uljanog slikarstva. Kada se koristi tempera, boje se moraju nanositi odvojeno. Ne mogu se dobro zasjeniti jer se boja brzo suši. Uljem koje se sporo suši umjetnik može postići složenije efekte. Njegovi portreti iz 1466-1530. izvedeni su u tehnici flamanskog ulja. Svi detalji, pa čak i refleksije u ogledalu su jasni i tačni. Boja je postojana i ima tvrdu površinu nalik na emajl. Grudirani drveni panel pripremljen je na isti način na koji je Giotto pripremao svoje ploče za temperu. Van Eyck je stvorio sliku sa slojevima fine boje zvane glazura. Tempera je vjerovatno korištena u izvornom podrastu i za naglaske.

Italijanska renesansa

U vrijeme kada je van Eyck radio na sjeveru, Italijani su ulazili u zlatno doba umjetnosti i književnosti. Ovaj period se naziva renesansa, što znači ponovno rođenje. Italijanski umjetnici bili su inspirirani skulpturama starih Grka i Rimljana. Italijani su željeli oživjeti duh klasične umjetnosti, koja veliča ljudsku nezavisnost i plemenitost. Renesansni umjetnici nastavili su slikati vjerske scene. Ali oni su takođe naglašavali zemaljski život i ljudska dostignuća.

Firenca

Giottova dostignuća u ranom 14. vijeku označila su početak renesanse. Italijanski umjetnici 17. vijeka su ga nastavili. Masaccio (1401-1428) bio je jedan od predvodnika prve generacije renesansnih umjetnika. Živio je u Firenci, bogatom trgovačkom gradu u kojem je počela renesansna umjetnost. Do svoje smrti, kasnih dvadesetih godina, napravio je revoluciju u slikarstvu. U svom čuvenom muralu "The Tribute Money" postavlja impozantne skulpturalne figure u pejzaž koji kao da se proteže daleko u daljinu. Masaccio je možda proučavao perspektivu od firentinskog arhitekte i vajara Bruneleskija (1377-1414).

Tehnika fresaka bila je veoma popularna tokom renesanse. Posebno je bio pogodan za velike murale jer su boje na fresci suhe i savršeno ravne. Slika se može posmatrati iz bilo kog ugla bez odsjaja ili refleksije. Freske su također dostupne. Obično su umjetnici imali nekoliko asistenata. Radovi su izvedeni u dijelovima jer je trebalo završiti dok je malter još bio mokar.

Masacciov puni "trodimenzionalni" stil bio je tipičan za novi progresivni pokret 15. stoljeća. Stil Fra Angelica (1400-1455) predstavlja tradicionalniji pristup, koji su koristili mnogi umjetnici rane renesanse. Manje ga je zanimala perspektiva, a više ga je zanimao dekorativni dizajn. Njegovo “Krunisanje Bogorodice” primjer je tempere u njenom najljepšem obliku. Zabavne, bogate boje postavljene na zlato i naglašene zlatom. Slika izgleda kao uvećana minijatura. Duge, uske figure imaju malo zajedničkog s Masacciom. Kompozicija je organizirana u širokim linijama kretanja koje kruže oko središnjih figura Krista i Marije.

Drugi Firentinac koji je radio u tradicionalnom stilu bio je Sandro Botticelli (1444-1515). Tečne ritmičke linije povezuju dijelove Botticellijevog proljeća. Lik proljeća, nošen zapadnim vjetrom, promiče s desne strane. Tri Gracije plešu u krugu, lepršavi nabori njihovih haljina i graciozni pokreti njihovih ruku izražavaju ritmove plesa.

Leonardo da Vinci (1452-1519) studirao je slikarstvo u Firenci. Poznat je po svojim naučnim istraživanjima i izumima, kao i po slikama. Vrlo malo njegovih slika je preživjelo, dijelom zbog toga što je često eksperimentirao s različitim načinima stvaranja i nanošenja boje umjesto da koristi isprobane i istinite metode. " Posljednja večera" (slikan između 1495. i 1498.) rađen je u ulju, ali ga je, nažalost, Leonardo naslikao na vlažnom zidu, zbog čega je boja popucala. Ali čak iu lošem stanju (prije restauracije), slika je imala sposobnost da probudi emocije kod svakoga ko je vidi.

Jedna od karakterističnih osobina Leonardovog stila bila je njegova metoda prikazivanja svjetla i tame. Talijani su njegovo prigušeno osvetljenje nazvali "sfumato", što znači zadimljeno ili maglovito. Likovi u Bogorodici od Škrpjela prekriveni su atmosferom sfumato. Njihovi oblici i karakteristike su blago zasjenjene. Leonardo je postigao ove efekte koristeći vrlo suptilne gradacije svijetlih i tamnih tonova.

Rim

Kulminacija renesansnog slikarstva dogodila se u 16. veku. Istovremeno, centar umjetnosti i kulture preselio se iz Firence u Rim. Pod papom Sikstom IV i njegovim nasljednikom Julijem II, grad Rim je bio slavno i bogato ukrašen renesansnim umjetnicima. Neki od najambicioznijih projekata ovog perioda započeti su za vrijeme papstva Julija II. Julije je naručio velikog vajara i slikara Michelangela (1475-1564) da oslika plafon Sikstinske kapele i izrezuje skulpturu za papin grob. Julije je pozvao i slikara Rafaela (1483-1520) da pomogne u ukrašavanju Vatikana. Rafael je sa svojim pomoćnicima oslikao četiri sobe papinih stanova u Vatikanskoj palači.

Michelangelo, Firentinac po rođenju, razvio je monumentalni stil slikarstva. Likovi na njegovoj slici su toliko jaki i obimni da izgledaju kao skulpture. Sikstinski plafon, za koji je Mikelanđelu trebalo 4 godine da ga završi, sastoji se od stotina ljudskih figura iz Starog zaveta. Da bi završio ovu grandioznu fresku, Mikelanđelo je morao da leži na leđima na skeli. Zamišljeno Jeremijevo lice među prorocima koji okružuju plafon neki stručnjaci smatraju Mikelanđelovim autoportretom.

Rafael je u Firencu došao iz Urbina dok je još bio veoma mlad. U Firenci je upijao ideje Leonarda i Mikelanđela. Do trenutka kada je Raphael otišao u Rim da radi u Vatikanu, njegov stil je postao jedan od najvećih u ljepoti izvedbe. Posebno su mu bili dragi njegovi prekrasni portreti Bogorodice s Djetetom. Reproducirane su u hiljadama i mogu se vidjeti posvuda. Njegova Madonna del Granduca uspješna je zbog svoje jednostavnosti. Bezvremenski u svom miru i čistoći, nama je privlačan kao što je bio i Italijanima iz Rafaelovog doba.

Venecija

Venecija je bila glavni grad na sjeveru Italije u doba renesanse. Posjetili su ga umjetnici iz Flandrije i drugih regija koji su znali za flamanske eksperimente s uljanim bojama. To je podstaklo ranu upotrebu naftne tehnologije u italijanskom gradu. Mlečani su naučili da slikaju na čvrsto zategnutom platnu, a ne na drvenim pločama koje se obično koriste u Firenci.

Giovanni Bellini (1430-1515) bio je najveći venecijanski umjetnik 15. stoljeća. Bio je i jedan od prvih italijanskih umjetnika koji je koristio ulje na platnu. Giorgione (1478-1151) i Tizian (1488-1515), koji je najpoznatiji od svih venecijanskih umjetnika, bili su šegrti u Bellinijevom ateljeu.

Majstor uljanog slikarstva, Tizian je slikao ogromna platna u toplim, bogatim bojama. U svojim zrelim slikama žrtvovao je detalje kako bi stvorio zapanjujuće efekte, kao na primjer u Madoni iz Pezara. Koristio je velike četke za velike poteze. Njegove boje su posebno bogate jer je strpljivo stvarao glazure kontrastnih boja. Obično su se glazure nanosile na smeđu kaljenu površinu, što je slici dalo ujednačen ton.

Drugi veliki venecijanski umjetnik 16. stoljeća bio je Tintoretto (1518-1594). Za razliku od Tiziana, on je obično radio direktno na platnu bez preliminarnih skica ili obrisa. Često je izobličavao svoje forme (izvrtao ih) radi kompozicije i dramatičnosti radnje. Njegova tehnika, koja uključuje široke poteze kistom i dramatične kontraste svjetla i tame, djeluje vrlo moderno.

Umjetnik Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) bio je poznat kao El Greco ("Grk"). Rođen na ostrvu Krit, koje je okupirala venecijanska vojska, El Greka su obučavali italijanski umetnici. Kao mladić otišao je na studije u Veneciju. Kombinovani uticaj vizantijske umetnosti, koju je video oko sebe na Kritu, i italijanske renesansne umetnosti, učinio je El Grekovo delo izuzetnim.

Na svojim slikama izobličavao je prirodne forme i koristio još čudnije, nezemaljske boje od Tintoreta, kojem se divio. Kasnije se El Greco preselio u Španiju, gde je tama španske umetnosti uticala na njegov rad. U njegovoj dramatičnoj viziji Toleda, oluja bjesni nad smrtonosnom tišinom grada. Hladne plave, zelene i plavo-bijele nijanse šire hladnoću po krajoliku.

Renesansa u Flandriji i Njemačkoj

Zlatno doba slikarstva u Flandriji (danas dio Belgije i sjeverne Francuske) bilo je 15. vijek, vrijeme Van Eycka. U 16. veku, mnogi flamanski umetnici oponašali su italijanske renesansne umetnike. Međutim, neki Flamanci su nastavili flamansku tradiciju realizma. Zatim se širi žanrovsko slikarstvo – prizori iz svakodnevnog života, koji su ponekad bili šarmantni, a nekad fantastični. Hijeronim Boš (1450-1515), koji je prethodio žanrovskim slikarima, imao je neobično živu maštu. Smislio je sve vrste čudnih, grotesknih stvorenja za Iskušenje sv. Anthony." Pieter Bruegel Stariji (1525-1569) također je radio u flamanskoj tradiciji, ali je svojim žanrovskim scenama dodao perspektivu i druge renesansne karakteristike.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein Mlađi (1497-1543) i Lucas Cranach Stariji (1472-1553) bili su tri od najznačajnijih njemačkih umjetnika 16. stoljeća. Učinili su mnogo da ublaže sumorni realizam ranog njemačkog slikarstva. Dürer je barem jednom posjetio Italiju, gdje je bio impresioniran slikama Giovannija Belinija i drugih sjevernih Italijana. Kroz ovo iskustvo on je njemačkom slikarstvu usadio znanje o perspektivi, osjećaj za boju i svjetlost i novo razumijevanje kompozicije. Holbein je upijao još više italijanskih dostignuća. Njegov osjetljivi obrazac i sposobnost odabira samo najviše važne detalje učinio ga majstorskim slikarom portreta.

Barokno slikarstvo

17. vijek je u umjetnosti poznat kao barokni period. U Italiji su umjetnici Caravaggio (1571-1610) i Annibale Carracci (1560-1609) zastupali dvije suprotne tačke gledišta. Caravaggio (pravo ime Michelangelo Merisi) je uvijek crpio inspiraciju direktno iz stvarnosti života. Jedna od njegovih glavnih briga bila je da kopira prirodu što je bliže moguće, a da je na bilo koji način ne veliča. Carracci je, s druge strane, slijedio renesansni ideal ljepote. Proučavao je antičku skulpturu i djela Mikelanđela, Rafaela i Ticijana. Caravaggiov stil divio se mnogim umjetnicima, posebno Špancu Riberi i mladom Velazquezu. Carracci je inspirisao Nicolasa Poussin (1594-1665), poznatog francuskog slikara iz 17. vijeka.

Španija

Diego Velaskez (1599-1660), dvorski slikar španskog kralja Filipa IV, bio je jedan od najvećih španskih umetnika. Obožavalac Ticijanovog djela, bio je majstor u korištenju bogatih, harmoničnih boja. Nijedan umjetnik ne bi mogao bolje stvoriti iluziju bogatog tkiva ili ljudske kože. Prosperov Portret malog princa Filipa pokazuje tu vještinu.

Flandrija

Slike flamanskog umjetnika Petera Paula Rubensa (1577-1640) predstavljaju oličenje punog baroknog stila. Prštaju energijom, bojom i svjetlošću. Rubens je prekinuo flamansku tradiciju slikanja malih slika. Njegova platna su ogromna, ispunjena ljudskim figurama. Dobio je više narudžbi za velike slike nego što je mogao podnijeti. Stoga je često crtao samo malu skicu u boji. Njegovi pomoćnici su zatim prenijeli skicu na veliko platno i dovršili sliku pod Rubensovim vodstvom.

Holland

Dostignuća holandskog slikara Rembranta (1606-1669) su među najistaknutijim u istoriji. Imao je divan dar preciznog hvatanja i prenošenja ljudskih emocija. Kao i Tizian, dugo je radio na stvaranju višeslojnih slika. Zemljane boje - žuti oker, smeđa i smeđe-crvena - bile su mu omiljene. Njegove slike su rađene uglavnom u tamnim bojama. Važnost tamni višeslojni dijelovi čine njegovu tehniku ​​neobičnom. Naglasak se prenosi jakim osvjetljenjem u relativno svijetlim područjima.

John Vermeer (1632-1675) bio je u jednoj od grupa Holandski umjetnici, koji je slikao skromne prizore svakodnevnog života. Bio je majstor u slikanju bilo koje teksture - satena, perzijskih tepiha, kora kruha, metala. Opšti utisak iz Vermeerovog interijera, ovo je sunčana, vesela soba ispunjena kultnim svakodnevnim predmetima.

Slikarstvo 18. veka

U 18. veku Venecija je dala nekoliko likovnih umetnika. Najpoznatiji je bio Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Ukrasio je enterijere palata i drugih zgrada veličanstvenim, šarenim freskama koje su prikazivale prizore bogatstva. Francesco Guardi (1712-1793) bio je vrlo vješt s kistom i sa samo nekoliko mrlja boje mogao je dočarati ideju male figure u čamcu. Spektakularni pogledi na Antonio Canaletto (1697-1768) slavili su prošlu slavu Venecije.

Francuska: rokoko stil

U Francuskoj je ukus za pastelne boje i zamršene dekoracije doveo do razvoja rokoko stila početkom 18. stoljeća. Jean Antoine Watteau (1684-1721), dvorski slikar kralja Luja XV, a kasnije François Boucher (1703-1770) i ​​Jean Honoré Fragonard (1732-1806) bili su povezani sa trendovima rokokoa. Watteau je napisao sanjive vizije, život u kojem je sve zabavno. Stil je baziran na piknicima u parkovima i šumskim zabavama, na kojima se vesela gospoda i elegantne dame zabavljaju u prirodi.

Drugi umjetnici iz 18. stoljeća su prikazivali scene običan život srednja klasa. Poput holandskog Vermeera, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) je cijenio jednostavne domaće teme i mrtve prirode. Njegove boje su trezvene i mirne u poređenju sa Watteauom.

Engleska

U 18. veku, Britanci su prvi razvili posebnu školu slikarstva. Jezgro su uglavnom činili portretisti, pod uticajem venecijanskih renesansnih umetnika. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) i Thomas Gainsborough (1727-1788) su najpoznatiji. Reynolds, koji je putovao u Italiju, slijedio je ideale renesansnog slikarstva. Njegovi portreti, iako šarmantni i dirljivi, nisu posebno zanimljivi ni po boji ni po teksturi. Gainsborough je, s druge strane, imao talenat za briljantnost. Površine njegovih slika blistaju blistavom bojom.

Slikarstvo 19. veka

19. vijek se ponekad smatra periodom tokom kojeg je moderna umjetnost počela da se oblikuje. Jedan od važnih razloga za takozvanu revoluciju u umjetnosti u to vrijeme bio je izum kamere, koja je natjerala umjetnike da preispitaju svrhu slikarstva.

Važniji razvoj bio je široka upotreba gotovih boja. Sve do 19. stoljeća većina umjetnika ili njihovih asistenata izrađivala je svoje boje mljevenjem pigmenta. Rane komercijalne boje bile su inferiornije od ručnih boja. Umjetnici su krajem 19. stoljeća otkrili da su tamnoplave i smeđe boje ranijih slika izblijedjele u crne ili sive u roku od nekoliko godina. Ponovo su počeli da koriste čiste boje kako bi sačuvali svoj rad, a ponekad i zato što su pokušavali da preciznije reflektuju sunčevu svetlost u uličnim scenama.

Španija: Goya

Francisco Goya (1746-1828) bio je prvi veliki španski umetnik koji se pojavio od 17. veka. Kao omiljeni umetnik španskog dvora, napravio je mnoge portrete kraljevske porodice. Kraljevski likovi su opremljeni elegantnom odjećom i finim nakitom, ali na nekim licima se ogleda samo sujeta i pohlepa. Osim portreta, Goya je slikao dramatične scene poput Trećeg maja 1808. Ova slika prikazuje pogubljenje grupe španskih pobunjenika od strane francuskih vojnika. Odvažni kontrasti svijetlih i tamnih i tmurnih boja, prošarani mrljama crvene, izazivaju tmurni užas spektakla.

Iako je Francuska bila veliki centar umjetnosti 1800-ih, engleski umjetnici pejzaža John Constable (1776-1837) i Joseph Mallord William Turner (1775-1851) dali su vrijedan doprinos slikarstvu 19. stoljeća. Oboje su bili zainteresovani za slikanje svetlosti i vazduha, dva aspekta prirode koja su umetnici 19. veka u potpunosti istražili. Pozornik je koristio metodu poznatu kao podjela ili razbijena boja. Koristio je kontrastne boje preko glavne boje pozadine. Često je koristio palet nož za čvrsto nanošenje boje. Slika "Hay Wain" proslavila ga je nakon što je prikazana u Parizu 1824. godine. Ovo je jednostavna seoska scena košenja sijena. Oblaci lebde nad livadama prekrivenim mrljama sunčeve svjetlosti. Turnerove slike su dramatičnije od onih Constablea, koji je slikao veličanstvene prirodne znamenitosti - oluje, morske pejzaže, blistave zalaske sunca, visoke planine. Često zlatna izmaglica djelomično zaklanja objekte na njegovim slikama, čineći ih kao da lebde u beskrajnom prostoru.

Francuska

Period Napoleonove vladavine i Francuska revolucija označilo je pojavu dvaju suprotstavljenih trendova u francuskoj umjetnosti - klasicizma i romantizma. Jacques Louis David (1748-1825) i Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) inspirirani su antičkom grčkom i rimskom umjetnošću i renesansom. Naglasili su detalje i koristili boju za stvaranje čvrstih oblika. Kao omiljeni umetnik revolucionarne vlade, David je često slikao istorijske događaje iz tog perioda. U svojim portretima, poput Madame Recamier, nastojao je postići klasičnu jednostavnost.

Théodore Guéricault (1791-1824) i romantični Eugene Delacroix (1798-1863) pobunili su se protiv Davidovog stila. Za Delacroixa je boja bila najvažniji element u slikarstvu i nije imao strpljenja za imitiranje klasičnih statua. Umjesto toga, divio se Rubenu i Mlečanima. Za svoje slike odabrao je šarene, egzotične teme, koje blistaju svjetlošću i pune su pokreta.

Umjetnici Barbizona također su bili dio općeg romantičarskog pokreta, koji je trajao od 1820. do 1850. godine. Radili su u blizini sela Barbizon na rubu šume Fontainebleau. Inspiraciju su pronašli u prirodi i dovršili slike u svojim ateljeima.

Drugi umjetnici eksperimentirali su sa svakodnevnim, običnim predmetima. Pejzaži Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) odražavaju njegovu ljubav prema prirodi, a njegova proučavanja ljudskog tijela pokazuju neku vrstu uravnotežene smirenosti. Gustave Courbet (1819-1877) sebe je nazvao realistom jer je prikazao svijet onakvim kakvim ga je vidio - čak i njegovu oštru, neugodnu stranu. Ograničio je svoju paletu na samo nekoliko tamnih boja. Edouard Manet (1832-1883) je također uzeo osnovu za svoje subjekte iz okolnog svijeta. Ljudi su bili šokirani njegovim šarenim kontrastima i neobičnim tehnikama. Površine njegovih slika često imaju ravnu, šarenu teksturu poteza kistom. Maneove metode primjene efekata svjetlosti na formu utjecale su na mlade umjetnike, posebno na impresioniste.

Radeći 1870-ih i 1880-ih, grupa umjetnika poznatih kao impresionisti željela je prikazati prirodu upravo onakvom kakva je bila. Otišli su mnogo dalje od Constablea, Turnera i Maneta u proučavanju efekata svjetlosti u boji. Neki od njih su se razvili naučne teorije boje. Claude Monet (1840-1926) često je slikao isti pogled u različito doba dana kako bi pokazao kako se mijenja pod različitim svjetlosnim uvjetima. Bez obzira na temu, njegove slike se sastoje od stotina sitnih poteza kistom postavljenih jedan pored drugog, često u kontrastnim bojama. Na daljinu se potezi stapaju kako bi stvorili utisak čvrstih oblika. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) koristio je impresionističke tehnike za snimanje praznika Pariski život. U njegovom Plesu u Moulin de la Galette, ljudi u odeći jarkih boja zbili su se i veselo plesali. Renoir je naslikao cijelu sliku malim potezima. Tačke i potezi boje stvaraju teksturu na površini slike koja joj daje poseban izgled. Gomile ljudi kao da se rastvaraju sunčeva svetlost i svjetlucave boje.

Slikarstvo 20. veka

Brojni umjetnici su ubrzo postali nezadovoljni impresionizmom. Umjetnici kao što je Paul Cézanne (1839-1906) smatrali su da impresionizam ne opisuje čvrstoću oblika u prirodi. Cézanne je volio slikati mrtve prirode jer su mu omogućavale da se fokusira na oblik voća ili drugih predmeta i njihov raspored. Teme njegovih mrtvih priroda izgledaju solidno jer ih je sveo na jednostavne geometrijske oblike. Njegova tehnika postavljanja prskanja boje i kratkih poteza bogate boje jedan pored drugog pokazuje da je mnogo naučio od impresionista.

Vincent Van Gogh (1853-90) i Paul Gauguin (1848-1903) odgovorili su na realizam impresionista. Za razliku od impresionista, koji su rekli da prirodu posmatraju objektivno, Van Gogh je malo mario za tačnost. Često je izobličavao predmete kako bi kreativnije izrazio svoje misli. Koristio je impresionističke principe da postavi kontrastne boje jednu pored druge. Ponekad je istiskivao boju iz tubica direktno na platno, kao u "Žutom polju kukuruza".

Gauguin nije mario za šarene boje impresionista. Tečno je nanosio boju na velike, ravne površine, koje je odvajao jedno od drugog linijama ili tamnim rubovima. Raznobojni tropski narodi pružili su veliki dio njegove teme.

Sezanovu metodu stvaranja prostora pomoću jednostavnih geometrijskih oblika razvili su Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) i drugi. Njihov stil postao je poznat kao kubizam. Kubisti su slikali predmete kao da se mogu vidjeti iz više uglova odjednom, ili kao da su rastavljeni i ponovo sastavljeni na ravnom platnu. Često se pokazalo da predmeti nisu slični ničemu što postoji u prirodi. Ponekad kubisti izrezuju figure od tkanine, kartona, tapeta ili drugih materijala i lijepe ih na platno kako bi napravili kolaž. Teksture su također varirale dodavanjem pijeska ili drugih supstanci u boju.

Noviji trendovi su bili da se manje naglaska na ovu temu. Kompozicija i tehnika slike su počele da dobijaju veći naglasak.

• Slikanje akrilom: istorijat, tehnika, prednosti akrila

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja je jednostavno. Koristite obrazac ispod

Studenti, postdiplomci, mladi naučnici koji koriste bazu znanja u svom studiranju i radu biće vam veoma zahvalni.

Hostirano na http://www.allbest.ru/

1. Slikarstvo

2. Vrste slikanja

3. Nauka o bojama

Zaključak

Bibliografija

1. Slikarstvo

Reč "slikanje" je izvedena od reči "živo" i "pisati". „Naslikati“, objašnjava Dahl, „verno i živopisno prikazati kistom ili rečima, olovkom“. Za slikara pravilno prikazati znači tačno preneti spoljašnji izgled onoga što je video i njegove najvažnije karakteristike. Bilo ih je moguće ispravno prenijeti koristeći grafička sredstva - liniju i ton. Ali nemoguće je ovim ograničenim sredstvima živopisno prenijeti višebojnost okolnog svijeta, pulsiranje života u svakom centimetru obojene površine predmeta, čar ovog života i stalno kretanje i promjenu. Slikarstvo, jedna od vrsta likovne umjetnosti, pomaže da se istinito odražavaju boje stvarnog svijeta.

Boja - glavno vizuelno i izražajno sredstvo u slikarstvu - ima ton, zasićenost i lakoću; čini se da spaja u cjelinu sve što je karakteristično za predmet: i ono što se može prikazati linijom i ono što mu je nedostupno.

Slikarstvo, kao i grafika, koristi svijetle i tamne linije, poteze i mrlje, ali za razliku od njega, ove linije, potezi i mrlje su obojeni. Oni prenose boju izvora svjetlosti kroz blještavilo i jarko osvijetljene površine, oblikuju trodimenzionalnu formu s predmetnom (lokalnom) bojom i bojom reflektovanom u okolini, uspostavljaju prostorne odnose i dubinu, te oslikavaju teksturu i materijalnost objekata.

Zadatak slikarstva nije samo da nešto prikaže, već i da otkrije unutrašnju suštinu prikazanog, da reproducira „tipične likove u tipičnim okolnostima“. Stoga je istinito likovno uopštavanje životnih pojava u osnovi osnova realističkog slikarstva.

slikanje boja nauka crtanje akvarel

2. Vrste slikanja

Monumentalno slikarstvo je posebna vrsta slika velikih razmera koje ukrašavaju zidove i plafone arhitektonskih objekata. Otkriva sadržaj glavnih društvenih pojava koje su imale pozitivan uticaj na razvoj društva, veliča ih i ovjekovječuje, pomažući u odgoju ljudi u duhu patriotizma, napretka i humanosti. Uzvišenost sadržaja monumentalnog slikarstva, značajna veličina njegovih djela i povezanost sa arhitekturom zahtijevaju velike kolorističke mase, strogu jednostavnost i lakonizam kompozicije, jasnoću kontura i općenitost plastične forme.

Dekorativno slikarstvo se koristi za ukrašavanje zgrada i interijera u obliku šarenih panela, koji s realističnim slikama stvaraju iluziju probijanja kroz zid, vizualno povećavajući veličinu prostorije, ili, naprotiv, koristeći namjerno spljoštene forme, tvrde ravnost zida i zatvorenost prostora. Uzorci, vijenci, vijenci i druge vrste dekora koje krase djela monumentalnog slikarstva i skulpture povezuju sve elemente interijera, naglašavajući njihovu ljepotu i usklađenost s arhitekturom.

Pozorišno i scensko slikanje (scenografija, kostimi, šminka, rekviziti, rađeni prema skici umjetnika) pomaže da se dodatno otkrije sadržaj predstave. Posebni pozorišni uslovi za sagledavanje kulisa zahtevaju uzimanje u obzir višestrukih tačaka gledišta publike, njihove velike udaljenosti, uticaja veštačkog osvetljenja i pozadinskog osvetljenja u boji. Scenografija daje predstavu o mjestu i vremenu radnje i aktivira gledaočevu percepciju onoga što se dešava na sceni. Pozorišni umjetnik nastoji u skicama kostima i šminke akutno izraziti individualni karakter likova, njihov društveni status, stil ere i još mnogo toga.

Minijaturno slikarstvo se jako razvilo u srednjem vijeku, prije pronalaska tiska. Rukopisne knjige bile su ukrašene najfinijim zaglavljem, završecima i detaljnim minijaturnim ilustracijama. Ruski umjetnici prve polovine 19. stoljeća vješto su koristili tehniku ​​minijaturnog slikarstva za izradu malih (uglavnom akvarela) portreta. Čiste duboke akvarelne boje, njihove izuzetne kombinacije i izuzetna finoća pisanja izdvajaju ove portrete, pune gracioznosti i plemenitosti.

Štafelajno slikarstvo, izvedeno na mašini - štafelaju, kao materijalnu osnovu koristi drvo, karton, papir, ali najčešće platno razvučeno na nosilima. Štafelajna slika, kao samostalno djelo, može prikazati apsolutno sve: činjenično i izmišljeno umjetnika, nežive predmete i ljude, modernost i povijest - jednom riječju, život u svim njegovim manifestacijama. Za razliku od grafike, štafelajno slikarstvo ima bogatstvo boja, koje pomaže emocionalno, psihološki, višestruko i suptilno prenijeti ljepotu svijeta oko nas.

Prema tehnici i načinu izvođenja, slikarstvo se dijeli na ulje, temperu, fresku, vosak, mozaik, vitraž, akvarel, gvaš, pastel. Ovi nazivi su nastali od veziva ili od načina upotrebe materijalno-tehničkih sredstava.

Slikanje uljanim bojama se radi bojom natrpanom biljnim uljima. Gusta boja se razrjeđuje kada joj se doda ulje ili posebni razrjeđivači i lakovi. Uljana boja se može koristiti na platnu, drvetu, kartonu, papiru i metalu.

Slikanje temperama se radi bojom od žumanca ili kazeina. Tempera boja se rastvara vodom i nanosi pasta ili tečnost na zid, platno, papir, drvo. U Rusiji se tempera koristila za izradu zidnih slika, ikona i šara na svakodnevnim predmetima. U današnje vrijeme tempera se koristi u slikarstvu i grafici, u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti te u umjetničkom dizajnu.

Fresko slikarstvo ukrašava interijere u obliku monumentalnih i dekorativnih kompozicija nanesenih na vlažnu žbuku bojama na bazi vode. Freska ima prijatnu mat površinu i izdržljiva je u zatvorenim uslovima.

Slikarstvo voskom (enkaustikom) koristili su umjetnici starog Egipta, o čemu svjedoče čuveni „Fajumski portreti“ (1. vek nove ere). Vezivo u enkaustičkom slikarstvu je izbijeljeni vosak. Voštane boje nanose se u rastopljenom stanju na zagrijanu podlogu, nakon čega se spaljuju.

Mozaik slika, ili mozaik, sastavlja se od pojedinačnih komada smalte ili obojenog kamena i fiksira na poseban cementni prajmer. Prozirna smalta, umetnuta u zemlju pod različitim uglovima, reflektuje ili prelama svetlost, uzrokujući da boja blista i svetluca. Mozaik ploče se mogu naći u podzemnoj željeznici, u interijerima pozorišta i muzeja itd. Slikarstvo vitraža je djelo dekorativne umjetnosti namijenjeno ukrašavanju prozorskih otvora u bilo kojem arhitektonskom objektu. Vitraji su napravljeni od komada obojenog stakla koji se drže zajedno čvrstim metalnim okvirom. Svjetlosni tok, probijajući se kroz obojenu površinu vitraža, iscrtava dekorativno spektakularne, višebojne šare na podu i zidovima unutrašnjosti.

3. Nauka o bojama

Nauka o bojama je nauka o boji, uključujući znanje o prirodi boje, primarnim, kompozitnim i komplementarnim bojama, osnovnim karakteristikama boja, kontrastima boja, mešanju boja, boji, harmoniji boja, jeziku boja i kulturi boja.

Boja je jedno od "svojstava predmeta u materijalnom svijetu, percipira se kao svjesni vizualni osjećaj. Ovu ili onu boju osoba "dodjeljuje" objektima u "procesu svoje" vizualne percepcije. Percepcija boje može djelomično promjene „ovisno o” psihofiziološkom stanju posmatrača, na primjer, pojačavaju se u „opasnim situacijama, smanjuju se s umorom.

U „ogromnoj većini slučajeva, osjećaj boje nastaje kao rezultat utjecaja tokova na oko elektromagnetno zračenje iz "oblast talasnih dužina" u kojoj ovo zračenje percipira oko (vidljivi opseg "- talasne dužine od "380 do "760" nm). Ponekad se osjećaj boje javlja bez utjecaja blistavog toka na „oko“ – pritiskom na „očnu jabučicu, udarcem, električnom stimulacijom, itd., i „također kroz „mentalnu povezanost sa „drugim osjećajima“ – zvukom, toplinom, itd. D. i „kao rezultat rada mašte. Različite senzacije boja izazivaju različito obojeni predmeti, njihova različito osvijetljena područja, kao i izvori svjetlosti i osvjetljenje koje stvaraju. U ovom slučaju, percepcije boja mogu se razlikovati (čak i uz isti relativni spektralni sastav tokova zračenja) ovisno o tome da li zračenje ulazi u oko iz izvora svjetlosti ili od ne-samosvjetlećih objekata. U ljudskom jeziku, međutim, isti termini se koriste za označavanje boja ova dva različita tipa objekata.. Najveći dio objekata koji izazivaju senzacije boja su ne-samosvjetleća tijela koja samo reflektiraju ili prenose svjetlost koju emituju izvori. U "općem slučaju, boja objekta je određena sljedećim faktorima: njegovom bojom i "svojstvima njegove površine; optičkim svojstvima izvora svjetlosti i "medija kroz koji se svjetlost širi; svojstva vizuelnog analizatora i „osobine još uvek nedovoljno proučenog psihofiziološkog procesa obrade vizuelnih utisaka u” moždanim centrima.

Osnovni pojmovi u nauci o bojama.

Akromatske boje se razlikuju jedna od druge samo na jedan način - svjetlost (svijetlo siva ili tamno siva). Hromatske boje, osim razlike u svjetlini, karakteriziraju još dvije glavne karakteristike - ton boje i zasićenje.

Nijansa je ona koja je definirana riječima "crvena", "žuta" itd. i koja najviše razlikuje jednu boju od druge. Ali crvena može biti čisto crvena ili s primjesom akromatskog, na primjer, sive. U isto vrijeme, i dalje će ostati crvena - primjesa sive neće promijeniti ton boje. Ako uzmete sivu iste svjetline, onda se svjetlina nove "mješane" crvene neće promijeniti. Međutim, boja će i dalje postati drugačija: promijenit će se njena treća karakteristika - zasićenost. Zbog primjesa ahromatske, hromatska boja je postala manje zasićena.

Dakle, sve kromatske boje karakteriziraju tri parametra - svjetlina, nijansa i zasićenost.

Hromatske boje se konvencionalno dijele na tople i hladne. Topli dio spektra je žuto-crveni dio spektra, a hladni dio je plavo-plavi dio. Ove grupe boja dobile su nazive toplih i hladnih: neke - po asocijaciji na boju sunca i vatre, druge - po asocijaciji na boju neba, vode i leda. Ljubičasta i zelene boje zauzimaju srednji položaj iu različitim specifičnim slučajevima, u zavisnosti od kombinacije, mogu se klasifikovati ili kao topli ili hladni.

Ako se spektralni pojas, gdje se sve susjedne boje, postepeno mijenjajući, pretvaraju jedna u drugu, uzme i savije u prsten, tada se ovaj prsten neće zatvoriti, jer, kao što je već napomenuto, između ekstremnih boja - crvene i ljubičaste - postoji nedostatak prelaznih - crveno-ljubičaste (ljubičaste).

Ako ih dodate, krug će se zatvoriti. Ovaj krug boja će nam pomoći da razumijemo mnogo o bojama.

4. Gvaš tehnika. Tehnika akvarela

Tehnika slikanja akvarelom

Nekada su se akvareli slikali na pergamentu izbijeljene kože, na tankim pločama od slonovače, koje se i danas koriste za minijature, na izbijeljenim platnenim tkaninama, a mnogo kasnije i na papiru. Danas se akvareli slikaju uglavnom samo na papiru.

Antički papir se izrađivao od lanenih vlakana iz 14. stoljeća i bio je vrlo dobra kvaliteta. Počevši od 17. stoljeća za njegovu proizvodnju se počeo koristiti pamuk, koji je bio znatno inferiorniji od lana, a kvalitet papira je od tog vremena počeo opadati.

Danas se proizvodi veliki broj vrsta papira. Izrađuje se ne samo od pamuka i lana, već i od materijala koji se ranije nisu koristili u ove svrhe: crnogorično drvo, slama. Ali najvredniji materijali i dalje ostaju lan i pamuk. Pored biljnih vlakana, mnoge vrste papira uključuju: gips, špart, kredu, kaolin, hidrogen glinicu, belo olovo, a takođe i za maskiranje. žuta boja plave boje: ultramarin i pruska plava.

Papirna pulpa se dimenzionira sa brašnom, škrobom, životinjskim ljepilom, želatinom (posljednja 2 su uvijek u kombinaciji sa stipsom) i kolofonijom. U stara vremena koristili su isključivo pastu od brašna, najpogodniji materijal za te svrhe. Danas se sve više koristi želatina. Papir zalijepljen želatinom brzo cvjeta i postaje mrlja pod utjecajem vlage. U proizvodnji papira koriste se mnoge hemikalije, čiji tragovi često ostaju u gotovom papiru i ne utiču najbolje na mastilo koje ga prekriva.

Za akvarel je potreban jako dobar papir. Papir od drveta i slame brzo postaje smeđi i crn na svjetlu, te je stoga potpuno neprikladan za slikanje akvarelom. Pamučni papir nema ovo negativno svojstvo, ali se teško pere i struže, a boja se na njega ne nanosi ravnomjerno.

Jedini prikladan papir za slikanje akvarelom je laneni papir koji ima besprijekornu bjelinu. Ne bi trebalo brzo da apsorbuje vodu, ne bi trebalo da sadrži nečistoće hemijske supstance, koji se koristi u njegovoj proizvodnji. Na takvom papiru boja leži glatko i postaje sjajna, može se isprati i strugati.

Na površini papira često postoje tragovi masnoće, što onemogućuje ravnomjerno širenje boje. Stoga prije upotrebe papir treba oprati destilovanom vodom i nekoliko kapi amonijaka. Požutjeli dobar laneni papir može se lako izbijeliti ako se pere vodikovim peroksidom.

Složenost akvarelnog slikarstva približava se temperi, pa čak i freskama. Tokom dugog perioda postojanja ove tehnologije, spontano su se pojavile tehnike i metode koje olakšavaju rad. Budući da se svaki papir, kada se navlaži, savija i prekriva valovima, što ometa slikanje, kako bi se to izbjeglo, uobičajeno je da se papir razvuče na karton, dasku, a također se koristi i „gumica“.

Slikanje čistim akvarelom

Čistim akvarelom se može smatrati samo onaj u kojem se koriste svi resursi ove tehnike: prozirnost boja, proziran bijeli ton papira, lakoća i istovremeno jačina i svjetlina boja. U čistoj tehnici akvarela bijela je potpuno neprihvatljiva, a sam papir igra svoju ulogu. Zbog toga je potrebno pažljivo čuvati njegovu bjelinu na mjestima koja su dodijeljena istaknutim dijelovima itd., budući da se snimljena područja papira ne mogu obnoviti bijelom bojom, koja se uvijek razlikuje od tona papira. Postoji niz tehnika za ublažavanje ove teškoće. Jedan od njih je struganje snimljenih područja papira posebnim strugačem (“grattoire”) ili nožem. Ova operacija se može izvesti samo na suhom papiru dobrog kvaliteta.

Druga metoda je nanošenje tečnog rastvora gume u benzinu na područja koja treba sačuvati. Kada se osuši, guma se lako može ukloniti sa površine papira gumicom.

Akvarelne boje, nanesene u tankim slojevima, nakon sušenja mijenjaju se na otprilike jednu trećinu svoje prvobitne čvrstoće i to se mora uzeti u obzir. Tokom rada, kako bi se lakše spojile susedne boje, korisno je navlažiti papir odozdo. Francuzi ovu metodu rada nazivaju “travailler dans l"eau” (rad u vodi).

Da biste usporili sušenje boja, možete koristiti aqualent ili akvarel. U iste svrhe vodi se za razrjeđivanje boja dodaje med ili glicerin. Međutim, velike količine ovih supstanci mogu imati štetan učinak na akvarele. U idealnom slučaju, bolje je napraviti crtež akvarelom odvojeno, a zatim ga prenijeti kako ne biste pokvarili površinu papira. Masni papir otežava nanošenje boje.

Akvarelne boje mogu imati i uslužnu ulogu, na primjer u podslikavanju uljanih boja. Na adhezivne i emulzione prajmere akvarel boja se nanosi glatko i dobro, i to u tako tankom sloju da nimalo ne mijenja teksturu prajmera i ne ometa naknadno slikanje uljanim bojama.

Gouache painting.

Ova drevna metoda slikanja, koja predstavlja jednu od varijanti akvarela, prvi put je razvijena u djelima umjetnika Paola Pina (1548). Slikanje gvašom po izgledu je slično slikarstvu rađenom gumiarabik temperom, ali je sloj boje labaviji. Gvašu nedostaje prozirnost, jer se njegove boje nanose u debljem sloju nego u čistom akvarelu, a osim toga, miješaju se s bijelom. Slikanje gvašom se radi ili posebnim bojama, ili se rad izvodi metodom gvaša pomoću običnih akvarelnih boja s dodatkom bijele boje. U oba slučaja, impasto pisanje nije prihvatljivo, jer debeli sloj gvaša lako puca kada se osuši.

Materijali za akvarelne tehnike slikanja

Palete i četke.

Palete za akvarel boje izrađuju se od bijelog porculana ili zemljanog posuđa i imaju glatku, sjajnu površinu. U tu svrhu služi i metal presvučen bijelim emajlom. Plastične palete su takođe uobičajene. Kako biste spriječili da masna površina plastične palete skuplja boju u lokve, možete je lagano utrljati sokom od bijelog luka kako biste je odmastili.

Četke za akvarelno slikanje pogodne su samo za meku i elastičnu kosu. Četkica treba da bude mekana i elastična u isto vreme. To su kistovi kolinski, vjeverica i tvorovi. Četkica treba da ima okrugli oblik, a kada se navlaži, poprimi oblik konusa sa potpuno oštrim krajem.

Ploče i gumice.

Prilikom lijepljenja papira na dasku treba saviti rubove lista 2-3 cm u smjeru suprotnom od njegove prednje strane tako da izgleda kao korito za papir. Zatim prednju stranu na kojoj će slika biti oslikana treba navlažiti vodom, a presavijene ivice ostaviti suhe. Ne biste trebali navlažiti vodom stranu koja će biti uz ploču, jer ljepilo može iscuriti kroz vodu na suprotnu stranu i zalijepiti list za tabletu, što će otežati skidanje gotovog rada sa ploče. Savijene ivice se iznutra namažu pšeničnom pastom, češće PVA ljepilom, a papir se stavlja na dasku, a rubovi se lijepe na njene strane. Ne treba dozvoliti da vazduh uđe ispod papira, inače će se iskriviti prilikom sušenja. Takođe, mokri papir ne treba previše rastezati, jer kada se osuši on se sam od sebe rasteže, a talasi nestaju sami; Ali previše rastegnuti mokri papir može popucati. Potrebno je pažljivo zalijepiti rubove na tabletu bez pravljenja praznina. U suprotnom će se na tim mjestima formirati talas. Za mali radovi Koriste gumice za brisanje, koje dolaze u dvije vrste. Jedna od njih je obična daska koja je umetnuta u drveni okvir. Papir se postavlja na dasku i savija na rubovima, nakon čega se ploča ubacuje u okvir. Ne morate koristiti bilo kakvo ljepilo.

Drugi tip se sastoji od dva drvena okvira koji se uklapaju u jedan, poput obruča za vez. Papir se stavlja na manji okvir i pritiska veći.

Očuvanje akvarelnih radova.

Tanki slojevi akvarel boje lako obezboje, a vezivo ih ne štiti dobro. Većina prozirnih boja nije postojana sama po sebi.

Međutim, privlače svojom ljepotom, pa je umjetnicima teško odvojiti se od njih. Akvarel se boji svetlosti. Na svjetlu boje blijede, a papir gubi bjelinu. Vodene boje treba čuvati u prostorijama sa umjerenim svjetlom i suvim zrakom. Čuvanje vodenih boja u jako osvijetljenim prostorijama je čisto varvarstvo. Čuvaju se ispod stakla (slika ne smije dodirivati ​​staklo), pri čemu su s prednje strane u određenoj mjeri zaštićene od vanjskih utjecaja, a iznutra ostaju nezaštićene.

Za bolje očuvanje akvarela predložene su metode koje je teško implementirati u praksi.

Jedan od njih je postavljanje akvarela između dvije zatvorene čaše.

Ovo zaista štiti boje koje brzo blede, ali boje koje crne će pocrniti još brže.

Također se predlaže ispumpavanje zraka iz prostora između dvije zatvorene čaše, naravno, ova metoda će dati najbolji rezultat, ali je teško implementirati u praksi.

Ponekad se akvareli premazuju bijelim šelak lakom pomoću alkohola ili vode. Lak zapravo štiti akvarele od vlage i daje bojama svjetlinu, ali akvareli premazani lakom poprimaju neobičan izgled.

5. Crtanje grupe predmeta iz života. Mrtva priroda u boji

Crtanje iz života razvija vještine zapažanja i razvija vještine crtanja kod djeteta. Uostalom, crtajući predmete različitih veličina, boja i oblika iz života, dijete vježba građenje kompozicija.

Možete crtati iz života olovkom, flomasterom i bojama.

Prva faza crtanja iz života je postavljanje subjekta za crtanje.

Da bi bilo zgodnije crtati, objekt mora biti postavljen ispred vas na udaljenosti od tri njegove veličine.

Druga faza je skiciranje ovih opštih oblika predmeta na listu papira, odnosno njihovo pravilno postavljanje.

Treća faza je senčenje prikazanog objekta. Za umjetnike se ova faza naziva razrada. Kada prekrivate pozadinu i predmet bojom, ne zaboravite na sjenu.

Crtanje iz života treba započeti jednostavnim predmetima. Pokušajmo nacrtati kutiju iz života. Uzmimo pravougaonu kutiju i stavimo je na sto direktno ispred nas.

Da vidimo koliko strana vidimo - jednu stranu ili i poklopac? Nacrtajmo kutiju onako kako je vidimo odakle se nalazimo.

Sada završimo crtanje tako što ćemo kutiju "vezati" trakom.

Prilikom crtanja iz života, s vremena na vrijeme potrebno je provjeriti tačnost slike, udaljavajući se od crteža za 2-3 metra.

Mrtva priroda u boji.

Mrtva priroda se smatra jednim od najtežih žanrova. Međutim, isto se može čuti i za sve druge žanrove, ali nema sumnje da je mrtva priroda najkreativniji žanr. Da biste snimali ili slikali mrtve prirode, potrebna vam je inspiracija. Jer, za razliku od drugih, u mrtvoj prirodi u početku nema predmeta za fotografisanje. Jednostavno rečeno, nema se šta snimati ili crtati dok sami ne smislite zaplet u svojoj mašti, a zatim ga stvorite u stvarnosti. Potrebno je odabrati "učesnike", napraviti kompoziciju od njih, razmisliti o opcijama osvjetljenja i postaviti svjetlo, uzimajući u obzir takve nijanse kao što su okruženje u kojem se kompozicija nalazi, interakcija objekata jedni s drugima i okruženje , njihovu kompatibilnost u boji, teksturi, veličini i, pa, puno više. One. Proces stvaranja mrtve prirode uključuje ne samo fotografiju kao takvu, već i stvaranje radnje. Stoga se žanr mrtve prirode može sa sigurnošću nazvati kreativnošću na kvadrat.

Zaključak

U zaključku, rezimiramo gore navedeno:

Slikarstvo se dijeli na monumentalno, dekorativno, pozorišno i dekorativno, minijaturno i štafelajno.

Prema tehnici i načinu izvođenja, slikarstvo se dijeli na ulje, temperu, fresku, vosak, mozaik, vitraž, akvarel, gvaš, pastel.

U modernom slikarstvu postoje sljedeći žanrovi: portret, historijski, mitološki, borbeni, svakodnevni, pejzažni, mrtva priroda, animalistički žanr.

Istorijsko slikarstvo je slika određenih istorijskih trenutaka, kao i javnih ličnosti prošlosti.

Battle painting ima za cilj snimanje bitaka, bitaka i ratova. Mitološko slikarstvo prikazuje događaje opisane u mitovima, epovima i legendama.

Svakodnevno (žanrovsko) slikarstvo je prikaz prizora stvarnog života, njegovih stvarnosti i atributa.

Pejzažno (pejzažno) slikarstvo je slika prirodne prirode ili bilo kojeg područja.

Portret je umjetnički prikaz osobe. Posebna vrsta portreta je autoportret.

Mrtva priroda je slika raznih neživih predmeta, na primjer, voća, cvijeća, kućnih potrepština, posuđa, smještenih u stvarnom svakodnevnom okruženju i kompozicijski organiziranih u jednu grupu.

Bibliografija

1. Batrakova SP Umetnik 20. veka. i jezik slikarstva. M., 1996.

2. Whipper B.R. Uvod u historijski studij umjetnosti. M., Likovna umjetnost, 1985

3. Zapadna umjetnost 20. stoljeća. Klasično naslijeđe i modernost. M, 1992.

4. Istorija strane umetnosti. M., Likovna umjetnost, 1984

5. Istorija svjetske umjetnosti. 3. izdanje, Izdavačka kuća "Akademija", M., 1998.

6. Od konstruktivizma do nadrealizma. M., 1996.

7. Polyakov V.V. Istorija svjetske umjetnosti. Likovna umjetnost i arhitektura 20. stoljeća. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Kulturologija: teorija i istorija kulture: Tutorial. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Savremena zapadnjačka umjetnost. XX vijek: problemi i trendovi. M., 1982.

10. Suzdalev P. O žanrovima slikarstva. // Kreativnost, 2004, br. 2, 3. str. 45-49.

Hostirano na Allbest.ru

...

Slični dokumenti

Kratak pregled istorije enkaustičkog slikarstva. Razmatranje karakteristika ove slikarske tehnike u egipatskoj, grčkoj i rimskoj antičkoj umjetnosti. Enkaustička umjetnost u modernom svijetu. Upotreba električne energije za razvoj monumentalnog i štafelajnog voštanog slikarstva.

sažetak, dodan 22.01.2015


Proučavanje karakteristika Khokhloma, dekorativno slikanje na drvenim proizvodima. Palekh je vrsta ruske narodne minijaturne slike na papir-maše lakiranom posuđu. Dekorativno ulje na metalnim tacnama. Izvođenje bojenja Gorodets.

prezentacija, dodano 29.11.2016


Studija predstavnika italijanske slikarske škole. Karakteristike karakteristika glavnih vrsta likovne umjetnosti: štafelajne i primijenjene grafike, skulpture, arhitekture i fotografije. Proučavanje tehnika i tehnika rada sa uljanim bojama.

kurs, dodan 15.02.2012


Analiza istorijskih aspekata nastanka i razvoja minijaturnog slikarstva laka u Rusiji. Glavne teme lovačkog žanra. Faze rada na stvaranju kompozicije na temu "Lov na patke". Izrada tehnološke sekvence za farbanje kutije.

disertacije, dodato 29.07.2012


Istorija razvoja akvarela u Evropi i Rusiji. Materijali, oprema i alati akvarelnog slikarstva, karakteristike njegovih glavnih tehnika: rad „mokro“, tehnika „A La Prima“, jednoslojni akvarel „suvi“, višeslojni akvarel (glazura).

sažetak, dodan 06.09.2014


Proučavanje istorijskog razvoja i formiranja graviranja. Osobine dizajnerskih tehnika i metoda tiska sredinom 18. stoljeća. Opisi monumentalnih, štafelajnih i dekorativnih gravura. Analiza kreativnosti ruskih gravera M. Makhaeva, I. Sokolova.

kontrolni rad, dodano 09.11.2014


Formiranje vještina životnog crtanja. Učenje tehnike slikanja javorovog jesenjeg lista „mokrim“ akvarelima. Faze rada u boji. Opšte pretraživanje i doradu kompozicije. Razrada glavnih volumena oblika objekta. Rad na detaljima.

izrada lekcija, dodano 11.06.2016


Proučavanje karakteristika razvoja kineskog slikarstva dinastije Song. Karakteristike slikarstva perioda sjeverne i južne pjesme. Odraz ideoloških principa Chan budizma na pejzažno slikarstvo ovog perioda. Uticaj konfucijanskog učenja na slikarstvo pjesama.

kurs, dodato 27.05.2015


Određivanje obilježja renesanse. Razmatranje karakteristika slikarstva, arhitekture i skulpture date epohe, glavni autori. Proučavanje novog pogleda na muškarca, ženu u umjetnosti, razvijanje moći misli i interesovanja za ljudsko tijelo.

sažetak, dodan 04.02.2015


Rafael Santi i njegovi kreativni poduhvati. Koncept monumentalnog slikarstva kao žanra likovne umjetnosti. Komparativna analiza djela monumentalnog slikarstva Raphaela Santija. Metode slikanja na primjeru fresaka „Spor oko pričešća“ i „Atinska škola“.