Direcția abstracționismului în pictură a apărut chiar la începutul secolului al XX-lea, în pragul primului război mondial, ca una dintre numeroasele mișcări ale modernismului. Pentru o nouă perioadă, o nouă viziune, abstracționismul a devenit punctul de eliberare a picturii din cătușele artei figurative. Nu existau restricții pentru artiști și au putut să treacă peste linia realității obiective în creativitatea lor. Până în acest moment, arta era legată de subiect. Da, artiștii au transmis realitatea prin prisma viziunii și înțelegerii lor; expresioniştii prin emoţii, impresioniştii prin impresii, dar totuşi se bazau pe realitate şi, prin urmare, erau limitaţi de aceasta.
Dar cum să transmiteți sunetul prin desen? Sau un fluier? Durere? Infinitul Universului? Însăși conceptele de prietenie și iubire? Nu prieteni sau iubiți, ci acele forțe mari care schimbă cursul istoriei. Timp de secole, aceste materiale au fost inaccesibile picturii, dar apariția artei abstracte a devenit un punct de eliberare.
Noile vremuri au permis picturii să pășească mai departe în lumea filozofiei, să devină liberă ca muzica. Și dacă sunteți familiarizat cu lucrările „pionierilor” artei abstracte - V.V. Kandinsky, P.K. Mondriana, K.S. Malevich, atunci cu siguranță vei fi de acord cu asta arta abstracta in pictura- aceasta este, în primul rând, libertatea de a crea o nouă realitate, libertatea nelimitată de exprimare. Acesta este în mare parte motivul pentru care abstracționismul a fost interzis în ultimii ani ai puterii sovietice. Căci etapa rupturii în politică a trecut, iar societatea a trecut de la o figură monolitică a conștiinței la alta. De la monarhie la puterea Partidului Comunist. Abstracționismul a înflorit în momentul pauzei. Când oamenii și mintea lor erau libere, când societatea era plină de un spirit rebel...
"Primul Razboi mondial„V.V. Kandinsky
„Copacul gri” de P.K. Modrian
„Torcitorul” K.S. Malevici
Aceste vremuri au trecut pentru totdeauna. Dar pe lângă erele marilor puncte de cotitură care schimbă ireversibil destinele unor națiuni întregi, în fiecare zi apar fracturi de scară mai mică. Iar abstractionismul se scurge prin inerția oricărei structuri sociale și prin molozul cotidianului.
Abstracționismul sincretic în pictura lui Charlene von Heyl
Din 2 mai până pe 7 iunie 2014, la Chicago Corbett vs. Dempsey a găzduit o expoziție Charline von Heil- Artist american de origine germană, activând în genul abstracționismului sincretic. De ce sincretic? Sincretismul înseamnă fuziune, amestecare, unitate, indivizibilitate.
Acesta este exact stilul lui Charlene von Heyl. Nu este o exagerare să spunem că ea este una dintre cele mai indefinibile și mai evazive artiste de astăzi. Abordarea ei asupra picturii și a genului este întotdeauna la nesfârșit schimbătoare; ea nu aderă la niciun stil sau mișcare anume. Folosind forma ca o rangă hermeneutică, ea caută să rupă legăturile dintre viziune și interpretare. Galaxia creativității a lui Charlene von Heyl este condusă de dorința de a depăși obstacolele și provocările, de a identifica și elimina dihotomiile de grație și stângăcie, agresivitate și frumusețe, configurație și abstracție. „Dacă peste ceva și apoi îl explorez”, spune von Heyl.
Pentru debutul ei în Corbett vs Dempsey, artista a creat o pânză emblematică uriașă și o mulțime de picturi mici impecabile. Lucrarea mare, lată de aproximativ 50 de metri, a venit ca o surpriză și un șoc chiar și pentru artista însăși. Acest tablou a început ca un fel de pictură de text, constând din fragmente de fraze, cum ar fi autocolante pentru bara de protecție. Dar aceste bannere de text sunt oarecum ascunse, fontul este înclinat și nu este lizibil, acest lucru adaugă la misterul său, de parcă ar fi decis să se ascundă de el însuși. Patruzeci de lucrări minore servesc drept contrapunct la această afirmație. Rapid, strălucitor, vopsit alb-negru
Și Mihail Larionov, care a fondat „Luchismul” în 1912, creatorul Suprematismului ca nou tip de creativitate, Kazimir Malevich, autorul „Păța Neagră” și Evgeniy Mikhnov-Voitenko, a cărui operă se remarcă, printre altele, printr-un gamă nemaiîntâlnită de domenii ale metodei abstracte aplicate în lucrările sale (artista a fost primul dintre maeștrii autohtoni, dar și străini care a folosit o serie de ele, inclusiv „stilul graffiti”).
O mișcare legată de abstractionism este cubismul, care urmărește să înfățișeze obiecte reale cu o multitudine de planuri care se intersectează, creând imaginea anumitor figuri rectilinii care reproduc natura vie. Una dintre cele mai exemple strălucitoare existau cubism lucrări timpurii Pablo Picasso.
YouTube enciclopedic
-
1 / 5
În 1910-1915, pictorii din Rusia, Europa de Vest și Statele Unite au început să creeze opere de artă abstracte; Printre primii abstracționiști, cercetătorii îi numesc pe Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich și Piet Mondrian. Anul nașterii artei non-obiective este considerat a fi 1910, când Kandinsky a scris prima sa compoziție abstractă la Murnau, Germania. Conceptele estetice ale primilor abstractionisti presupuneau ca creativitatea artistică reflectă legile universului ascunse în spatele fenomenelor externe, superficiale ale realității. Aceste modele, înțelese intuitiv de artist, au fost exprimate prin relația de forme abstracte (pete de culoare, linii, volume, figuri geometrice) într-o lucrare abstractă. În 1911, la München, Kandinsky a publicat acum celebra sa carte „Despre spiritualul în artă”, în care reflecta asupra posibilității de a întruchipa necesarul intern, spiritualul, spre deosebire de exteriorul, accidentalul. „Baza logică” pentru abstracțiile lui Kandinsky s-a bazat pe studiul lucrărilor teosofice și antroposofice ale Helenei Blavatsky și Rudolf Steiner. În conceptul estetic al lui Piet Mondrian, elementele primare ale formei au fost opozițiile primare: orizontală - verticală, linie - plan, culoare - non-culoare. În teoria lui Robert Delaunay, spre deosebire de conceptele lui Kandinsky și Mondrian, metafizica idealistă a fost respinsă; Sarcina principală a abstractionismului i s-a părut artistului să studieze calitățile dinamice ale culorii și alte proprietăți limbaj artistic(direcția fondată de Delaunay s-a numit orfism). Creatorul „raionismului”, Mihail Larionov, a descris „emisia de lumină reflectată; praf de culoare.”
Originară la începutul anilor 1910, arta abstractă s-a dezvoltat rapid, apărând în multe domenii ale artei de avangardă în prima jumătate a secolului al XX-lea. Ideile de abstractionism se reflectă în lucrările expresioniştilor (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), cubiştilor (Fernand Léger), dadaiştilor (Jean Arp), suprarealiştilor (Joan Miró), futuriştilor italieni (Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico P. Rampolini), orfiști (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), suprematisti ruși (Kazimir Malevich), „radianți” (Mikhail Larionov și Natalya Goncharova) și constructiviști (Lyubov Popova, Lazar Lisitsky, Alexander Rodcenko, Varvara Stepanova), neoplaziști olandezi (Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Bart van der Lek), o serie de sculptori europeni (Alexander Archipenko, Constantin Brancusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevzner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Nagy, Vladimir Tatlin). La scurt timp după apariția artei abstracte, au apărut două direcții principale în dezvoltarea acestei arte: abstracție geometrică gravitând spre forme geometrice regulate și stări stabile, „substanțiale” (Mondrian, Malevich), și preferând forme mai libere, procese dinamice abstracție lirică(Kandinsky, Kupka). Primele asociații internaționale de artiști abstracti („Cercul și pătratul”, „Abstracția-creativitate”) s-au format la începutul anilor 1920 - începutul anilor 1930 la Paris.
Programele estetice ale abstractioniştilor au fost caracterizate de universalism; arta abstractă a fost prezentată în ele ca un model universal al ordinii mondiale, incluzând atât structura mediului, cât și structura societății. Lucrând cu elementele primare ale limbajului pictural, abstracționiștii s-au orientat către principiile generale de compoziție și legile formării formei. Nu este surprinzător faptul că abstracționiștii și-au găsit folosirea formelor nereprezentative în arta industrială, designul artistic și arhitectura (activitățile grupului „Stil” din Țările de Jos și ale școlii Bauhaus din Germania; munca lui Kandinsky la VKHUTEMAS; arhitecții și designul lui Malevich. proiecte; „mobilele” lui Alexander Calder; desenele lui Vladimir Tatlin, lucrări de Naum Gabo și Antoine Pevzner). Activitățile abstractioniștilor au contribuit la dezvoltarea arhitecturii moderne, a artelor decorative și aplicate și a designului.
La sfârșitul anilor 1940, în Statele Unite s-a dezvoltat expresionismul abstract, format pe baza abstracționismului liric. Reprezentanții expresionismului abstract (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Franz Kline) au proclamat ca metodă „inconștiența” și automatitatea creativității, efectele neprevăzute („pictura de acțiune”). Conceptele lor estetice nu mai conțineau metafizică idealistă, iar o compoziție neobiectivă a devenit uneori un obiect autosuficient care exclude asocierile cu realitatea. Analogul european al expresionismului abstract a fost Tachisme, ai cărui reprezentanți proeminenti au fost Hans Hartung, Pierre Soulages, Volsa, Georges Mathieu. Artiștii au căutat să folosească combinații neașteptate, nestandardizate de culori și texturi, sculptorii (Eduardo Chillida, Seymour Lipton și alții) au creat compoziții bizare și au folosit moduri neobișnuite prelucrarea materialelor.
În anii 1960, odată cu declinul expresionismului abstract, op art, care a dezvoltat principiile abstracției geometrice și a folosit iluzii optice de percepție a obiectelor plate și spațiale, a devenit o mișcare vizibilă în abstracționism. O altă direcție în dezvoltarea abstracției geometrice a fost arta cinetică, care joacă pe efectele mișcării reale ale întregii opere sau ale componentelor sale individuale (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taxis). În paralel, în Statele Unite a apărut abstracția postpictrică, ale cărei principii erau reducerea și simplificarea extremă a formelor picturale; După ce a moștenit forme geometrice obișnuite din abstracția geometrică, abstracția post-pictură le rotunjește și le „înmoaie”. Reprezentanți de seamă ai acestei tendințe sunt Frank Stella, Ellsworth Kelly și Kenneth Noland. Expresia supremă a abstractizării geometrice în sculptură a fost minimalismul, care a apărut în anii 1960 și 1970.
Istoria artei abstracte în Rusia și URSS
1900-1949
Artiștii Kandinsky și Malevich la începutul secolului al XX-lea au adus o contribuție semnificativă la dezvoltarea teoriei și practicii artei abstracte.
În anii 1920, în timpul dezvoltării rapide a tuturor mișcărilor de avangardă, arta abstractă a inclus în orbita sa pe cubo-futuriști, non-obiectiviști, constructiviști și suprematisti: Alexandra Ekster și Lyubov Popova, Alexander Rodcenko și Varvara Stepanova, Georgy Stenberg și Mihail Matyushin, Nikolai Suetin și Ilya Chashnik. Limbajul artei non-figurative a stat la baza culturii unei forme plastice noi, moderne, de șevalet, decorativ și aplicat sau monumental, și a avut toate oportunitățile pentru o dezvoltare ulterioară fructuoasă și promițătoare. Dar contradicțiile interne ale mișcării de avangardă, întărite de presiunea oficialității ideologice, la începutul anilor ’30 i-au forțat pe liderii acesteia să caute alte moduri creative. Arta abstractă antinațională, idealistă, de acum înainte, nu avea dreptul să existe.
Odată cu venirea la putere a fasciștilor, centrele abstracționismului din Germania și Italia s-au mutat în America, deoarece conceptul de abstractionism nu a găsit sprijin printre ideologii fascismului. În 1937, la New York a fost creat un muzeu de pictură nonfigurativă, fondat de familia milionarului Guggenheim, iar în 1939, Muzeul de Artă Modernă, creat cu fonduri de la Rockefeller. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial și după încheierea acestuia, toate forțele de ultra-stânga ale lumii artistice s-au adunat în America.
În America de după război, „Școala din New York” câștiga putere, ai cărei membri includeu creatorii expresionismului abstract Jackson Pollock, Mark Rothko, Barnett Neumann și Adolph Gottlieb. În vara anului 1959, lucrările lor au fost văzute de tineri artiști la Moscova la expoziția de artă națională a SUA din parcul Sokolniki. Cu doi ani înainte de acest eveniment, modern arta mondiala a fost prezentat la o expoziție de artă în cadrul Festivalului Mondial al Tineretului și Studenților. Revoluția informațională a devenit un fel de simbol al libertății spirituale și sociale [ ] . Arta abstractă era acum asociată cu eliberarea internă de opresiunea totalitară a regimului sângeros, cu o viziune diferită asupra lumii. ] . Problemele limbajului artistic contemporan și noile forme plastice s-au dovedit a fi indisolubil legate de procesele socio-politice. Epoca „dezghețului” a implicat un sistem special de relații între arta abstractă și putere. A început o nouă etapă în dezvoltarea artei abstracte sovietice - anii 1950-1970.
Pentru tinerii artiști sovietici, crescuți în tradițiile sistemului academic și o viziune materialistă asupra lumii, descoperirea abstracției a însemnat posibilitatea de a reproduce experiența subiectivă personală. Cercetătorii americani au caracterizat expresionismul abstract drept „un gest de eliberare de valorile politice, estetice, morale” [ ] . Sentimente similare au trăit tinerii pictori din URSS, care înțelegeau arta contemporană necunoscută lor și, în același timp, își construiau propriile forme de conviețuire cu autoritățile sau de opoziție față de acestea. S-a născut underground-ul, iar printre artiștii informali trecerea către arta abstractă a fost în general acceptată și răspândită.
În acești ani, mulți pictori au simțit nevoia de limbajul artei neobiective. Nevoia de a stăpâni un vocabular formal a fost adesea asociată nu numai cu imersiunea în creativitatea spontană, ci și cu alcătuirea unor tratate teoretice gânditoare. Ca la începutul secolului, pentru aceşti pictori abstracţia nu însemna negaţie diferite niveluri sens. Arta abstractă contemporană europeană și americană s-a bazat pe straturi fundamentale precum studiul conștiinței mitologice primitive, freudianismul, principiile existențialismului și filozofiile orientale - Zen. ] . Dar, în condițiile realității sovietice, artiștii abstracti nu au fost întotdeauna capabili să cunoască suficient de complet și profund sursele primare; au găsit intuitiv răspunsuri la problemele care i-au îngrijorat [ ] și, respingând acuzațiile de a copia pur și simplu modele occidentale, și-au luat în serios propria reputație profesională [ ] .
1950-1970
Revenirea artei abstracte la spatiu cultural Rusia nu a fost doar o consecință a unei schimbări a climatului politic sau o imitație a fenomenelor artistice din Occident. Legile „autodezvoltării artei” au construit forme care erau „vitale pentru arta însăși”. A existat un „proces de repersonalizare a artei. Acum este posibil să creați imagini individuale ale lumii.” [ ] Acesta din urmă a provocat o puternică reacție negativă la nivel de stat, ani lungi care ne-a învățat să vedem abstractionismul ca „o direcție extrem de formalistă, străină de veridicitate, ideologie și naționalitate” [ ] și lucrări create de abstracționiști, cum ar fi: „O combinație fără sens de forme geometrice abstracte, puncte și linii haotice”. [ ]
Timp de aproape treizeci de ani (de la sfârșitul anilor 1950 până în 1988), Evgeniy Mikhnov-Voitenko, un maestru unic în gama de metode utilizate, și-a dezvoltat propriul stil de artă abstractă. Diferitele perioade ale operei sale sunt marcate de numeroase experimente în domeniul picturii și artelor decorative; Moștenirea artistului include grafică, picturi realizate în tehnici mixte, nitro email, pastel, sos, ulei, guașă, tempera, precum și lucrări din lemn, metal, sticlă și spumă.
Mai întâi [ ] studioul „New Reality”, care s-a adunat în jurul lui E. M. Belyutin, a devenit o asociație artistică informală a perioadei „Thaw” care a dezvoltat principiile artei abstracte. Inițial, studioul a funcționat ca cursuri de perfecționare la Comitetul Orășenesc al Artiștilor Grafici. Cursul spre liberalizarea generală stabilit de cel de-al XX-lea Congres a deschis perspective pentru libertatea creativității și explorare artistică. Cu toate acestea, expoziția din 1962 de la Manege, criticile dure din partea partidului New Reality a artiștilor și o campanie împotriva artei abstracte i-au forțat pe artiști să intre în subteran. În următorii 30 de ani, studioul a lucrat continuu în atelierele din Abramtsevo, într-o casă deținută de Belyutin.
Dezvoltând principiile reprezentării non-figurative, artiștii studioului s-au bazat atât pe experiența artiștilor de avangardă ruși de la începutul secolului, cât și pe artiștii occidentali moderni. O caracteristică a „Noii Realități” a fost concentrarea pe munca colectivă, pentru care s-au străduit futuriștii de la începutul secolului al XX-lea. „Noua realitate” a unit artiștii moscoviți care au avut opinii diferite asupra metodologiei de construire a abstracției. Artiștii Lucian Gribkov și Tamara Ter-Ghevondyan au lucrat într-un stil cel mai apropiat de expresionismul abstract. Reținând în lucrările lor elemente de forme reale, au dezvoltat categorii de expresie stări emoționale prin mișcări vizuale și plastice. Vera Preobrazhenskaya, care a fost pentru o lungă perioadă de timp șefa studioului și a fixat teoria și metodologia școlii, a parcurs un drum lung de la expresionism prin estetica artei operaționale la abstracția geometrică. Împreună cu Eliy Belyutin, Preobrazhenskaya a lucrat la dezvoltarea modulelor „psihogranule”, simboluri care ar exprima stări concrete și concepte abstracte folosind soluții clare de culoare-plastic. Vera Preobrazhenskaya a spus: „În picturile mele, Dumnezeu este aproape întotdeauna un pătrat negru” [ ] . În procesul de lucru cu studenții studioului, Eli Belyutin a format teoria „contactului universal”, în care a exprimat principiile dezvoltării potențialului creativ al artistului.
Artiștii „Noii Realități” se considerau moștenitori, în primul rând, ai artei lui Wassily Kandinsky. Fondatorul abstracției ruse s-a concentrat pe înfățișarea lumii spirituale prin arta plastică. Căutările lor artistice au fost îmbogățite și de realizările abstracționiștilor europeni de la mijlocul secolului, care au returnat parțial imagini figurative lucrărilor lor într-o calitate nouă. iluzie optica sau un fetiș.
Kandinsky spunea că: „Conștient sau inconștient, artiștii se întorc din ce în ce mai mult la materialul lor, îl testează, cântărind pe o scară spirituală valoarea interioară a elementelor din care trebuie creată arta” [ ] . Ceea ce s-a spus la începutul secolului a devenit din nou relevant pentru generațiile următoare de pictori. În a doua jumătate a anilor 1950, a apărut o sculptură abstractă echipată cu un „creier electronic” - „Cysp I” de Nicolas Schöffer. Alexander Kalder își creează propriile „grajduri”. Apare una dintre zonele izolate ale abstractionismului - op art. În același timp, aproape simultan în Anglia și SUA, au apărut primele colaje, folosind etichete de produse produse în masă, fotografii, reproduceri și obiecte similare ale noului stil pop art.
Abstracția Moscovei la începutul anilor 1960, adâncind în căutarea unei noi forme, corespunzătoare starea interioara„creative insight”, un fel de meditație, a oferit exemple convingătoare ale propriei ei înțelegeri a culturii non-obiectivului. De exemplu, în lucrările lui Vladimir Nemukhin, Lydia Masterkova, Mihail Kulakov, care erau cu siguranță pasionați de expresionismul abstract, pe care l-au putut umple cu o tensiune spirituală ridicată. Un alt tip de gândire abstractă a fost demonstrat de cel mai consistent în lucrarea sa analitică și practică, Yuri Zlotnikov, autorul seriei extinse „Semnale”, creată la sfârșitul anilor 1950. Potrivit artistului: „Dinamismul, ritmul, exprimat clar în abstracția geometrică”, l-a condus la analiza: „Conceptele dinamice inerente în artă” și mai departe: „La studiul reacțiilor motorii umane” [ ] . În „Semnale”, artista a explorat „feedback-ul” reacțiilor psihologice spontane la simbolurile de culoare.
Următoarea etapă în dezvoltarea abstracției rusești începe în anii 1970. Este momentul în care artiștii moderni au făcut cunoștință cu opera lui Malevich, cu suprematismul și constructivismul, cu tradițiile avangardei ruse, cu teoria și practica ei. „Elementele primare” ale lui Malevich au trezit un interes stabil pentru formele geometrice, semnele liniare și structurile plastice. Abstracția „geometrică” a făcut posibilă apropierea de problemele care i-au îngrijorat pe maeștrii anilor 1920, de a simți continuitatea și legătura spirituală cu avangarda clasică. Autorii moderni au descoperit operele filozofilor și teologilor ruși, teologilor și misticii și s-au familiarizat cu surse intelectuale inepuizabile, care, la rândul lor, au umplut lucrările lui Mihail Shvartsman, Valery Yurlov și Eduard Steinberg cu un nou sens.
Abstracția geometrică a stat la baza metodelor de lucru ale artiștilor care s-au unit la începutul anilor 1960 în grupul „Mișcarea”. Printre membrii săi s-au numărat Lev Nusberg, Vyacheslav Koleichuk, Francisco Infante. Acesta din urmă era deosebit de pasionat de suprematism. În „Spirale dinamice”, Infante a studiat modelul unei spirale infinite în spațiu și a analizat cu atenție: „Situația plastică inexistentă”.
Pictura americană a anilor 1970. revine la figurativitate. Se crede că anii 1970 este: „Momentul adevărului pentru pictura americană, care este eliberată de tradiția europeană care a hrănit-o și devine pur americană”. [ ]
Mijlocul anilor 1980 poate fi considerat ca finalizarea etapei următoare în dezvoltarea abstracției în Rusia, care până la acest moment a acumulat nu numai o experiență enormă în eforturile creative, semnificative. probleme filozofice, dar și convins de cererea de gândire abstractă.
Anii 1990 au confirmat „calea rusească” specială a artei neobiective. Din punctul de vedere al dezvoltării culturii mondiale, abstractionismul ca mișcare de stil a luat sfârșit în 1958. Cu toate acestea, în: „Societatea rusă post-reconstrucție a apărut abia acum nevoia unei comunicări egale cu arta abstractă, a existat dorința de a vedea nu pete fără sens, ci frumusețea jocului plastic, ritmurile sale, pentru a pătrunde în sensul lor. Pentru a auzi în sfârșit sunetul simfoniilor pitorești.” [ ] Artiștilor li s-a oferit ocazia să se exprime nu numai în forme clasice - Suprematism sau expresionism abstract, ci și abstracție lirică și geometrică, minimalism, sculptură, un obiect, o carte de autor realizată manual, în pastă de hârtie turnată chiar de maestru.
Abstracționismul modern în pictură
Un termen important limbaj modern abstractizarea a devenit culoare alba. Pentru Marina Kastalskaya, Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh, spațiul alb - cea mai mare tensiune a culorii - este în general plin de posibilități variabile nesfârșite, permițând folosirea atât a ideilor metafizice despre legile spirituale, cât și cele optice ale reflexiei luminii.
Spațiul ca categorie conceptuală are artă contemporanăîncărcare semantică diferită. De exemplu, există un spațiu al unui semn, un simbol care a apărut din adâncurile conștiinței arhaice, uneori transformat într-o structură care amintește de o hieroglică. Există un spațiu de manuscrise antice, a căror imagine a devenit un fel de palimpsest în compozițiile lui Valentin Gerasimenko.
(din lat. abstractio - distragere), artă neobiectivă, una dintre cele mai influente mișcări artistice ale secolului XX, apărută la început. anii 1910 Metoda creativă a abstractionismului se bazează pe o respingere completă a „asemănării vieții”, a descrierii formelor realității.
O pictură abstractă se bazează pe relațiile dintre pete colorate, linii și linii; sculptura - pe combinatii de forme geometrice volumetrice si plate. Cu ajutorul construcțiilor abstracte, artiștii doreau să exprime modele interne și esențe înțelese intuitiv ale lumii, Universului, ascunse în spatele formelor vizibile.
Malevici Kazimir. Suprematism
Elementele geometrice pictate în culori primare par să plutească, suspendate pe pânză. Malevich a creat o compoziție complexă de forme suprapuse pentru a transmite un sentiment de profunzime și perspectivă. Munca suprematistă alungă orice urmă a obiectului, bazându-se exclusiv pe interacțiunea formei și a culorii. Malevici a fost fondatorul Suprematismului - un sistem care a căutat să atingă puritatea absolută a acestor două principii. Pentru Malevici, suprematismul a însemnat întruchiparea sentimentului artistic pur, ceea ce el a numit „sentimentul non-obiectivului”. În 1918, a dus dezvoltarea artei nonfigurative la concluzia sa logică într-o serie de compoziții numite „Alb pe alb”, formate din forme geometrice albe pe fond alb – un fel de abstracție a abstracțiunilor. Dându-și seama că nu există unde să dezvolte în continuare conceptul, Malevich a revenit la pictura figurativă.
K. S. Malevici. „Suprematism”. 1915 Statul Galeria Tretiakov. Moscova
Malevici „Suprematismul dinamic” "
K.S. Malevici. Suprematism (Supremus nr. 56). 1916. Ulei pe pânză, 80,5x71. Muzeul de Stat al Rusiei. Saint Petersburg
Data nașterii abstracționismului este considerată a fi 1910, când V.V. Kandinsky a expus prima lucrare abstractă din istoria artei (acuarela) la München și a scris un tratat „Despre spiritualul în artă”, în care și-a fundamentat metoda creativă cu descoperirile științei.
Vasili Kandinsky. Cazaci
În această compoziție semi-abstractă, inexplicabil de atractivă, contururile dealurilor și figurile cazacilor cu sabii sunt incluse în mișcarea formelor abstracte, liniilor și petelor de culoare. Există o frumusețe aparte în simplitatea construcției sale și o uimitoare lejeritate în modul de aplicare a cursei. Kandinsky credea că un adevărat artist se străduiește să exprime exclusiv o viziune internă, esențială. După ce a primit inițial o educație juridică, Kandinsky și-a dat seama curând că adevărata sa vocație este arta și a devenit unul dintre pionierii remarcabili ai picturii abstracte „pure”. După o lungă ședere la München, s-a întors în Rusia, unde în 1914-1922 a studiat activitate pedagogică, a fondat Academia Rusă de Științe ale Artei. Influența culturii ruse s-a reflectat în apelurile sale la pictura de icoane, la motive arta Folk. A predat o vreme la Bauhaus, renumita școală de design modern. Kandinsky și-a dat seama de semnificația artei abstracte când a descoperit în ea „frumusețea extraordinară, care emite o lumină interioară”, fără să-și dea seama încă că este lumina propriei creativități, văzută din interior, în perspectivă inversă. V. Kandinsky și-a creat propriul tip de pictură abstractă, eliberând petele impresioniste și „sălbatice” de orice semne de obiectivitate.
Kandinsky „Compoziția nr. 8”
Curând, abstracționismul devine o mișcare puternică, în cadrul căreia apar diverse direcții: abstracția lirică (picturi de Kandinsky și maeștri ai unificării). „Călărețul albastru” cu formele lor fluide, „muzicale” și expresivitatea emoțională a culorii) și abstracția geometrică (K.S. Malevici, P. Mondrian, parțial de R. Delaunay, ale cărui compoziții se bazează pe combinații de forme geometrice elementare: pătrate, dreptunghiuri, cruci, cercuri). Asociația Blue Rider a fost fondată în decembrie 1911 la München de către Wassily Kandinsky și Franz Marc. Scopul principal a fost eliberarea de tradițiile fosilizate ale picturii academice. Pe lângă ei, grupul a mai inclus și August Macke, Marianna Verevkina, Alexey Javlensky și Paul Klee. În această lucrare grup de artă Au participat și dansatori și compozitori. Ei au fost uniți de interesul pentru arta medievală și primitivă și mișcările din acea vreme - fauvism și cubism.
August Macke și Franz Marc au fost de părere că fiecare persoană are o percepție internă și externă a realității, care ar trebui unită prin artă. Această idee a fost fundamentată teoretic de Kandinsky. Grupul s-a străduit să atingă egalitatea în toate formele de artă.
Ideea principală a unificării a fost respingerea oricărei obiectivități în artă. Kandinsky scria: „Arta nu „ar trebui” nimic, pentru că este eternă, liberă. Arta fuge de „ar trebui” ca ziua din noapte”2. Acum, gândurile artistului au fost exprimate prin imaginea nu a aspectului exterior al obiectelor, ci a conținutului lor intern. Participanții la „Blue Rider” au considerat ca obiectivul principal al artei lor să transmită publicului că tensiune nervoasa pe care ei înșiși l-au experimentat.
Piet Mondrian a ajuns la non-obiectivitatea sa prin stilizarea geometrică a naturii inițiată de Cézanne și cubiști. Mișcări moderniste Secolul XX, axat pe abstractionism, s-a îndepărtat complet de principiile tradiționale, negând realismul, dar rămânând în același timp în cadrul artei. Istoria artei a cunoscut o revoluție odată cu apariția artei abstracte. Dar această revoluție nu a apărut întâmplător, ci destul de natural și a fost prezisă de Platon! În lucrarea sa târzie „Philebus” a scris despre frumusețea liniilor, a suprafețelor și a formelor spațiale în sine, independent de orice imitație a obiectelor vizibile, de orice mimesis. Acest tip de frumusețe geometrică, în contrast cu frumusețea naturală „neregulată” formele, după Platon, nu au un caracter relativ, ci un caracter necondiţionat, absolut.
Mondrian Piet. Compoziţie
În această compoziție geometrică, o rețea neagră disecă viguros fundalul; celulele sale individuale sunt umplute cu culori primare strălucitoare. Mondrian a dezvoltat un sistem de stil care exclude spațiul tridimensional și contururile curbe. Artistul și-a construit picturile din cele mai simple elemente - linii drepte și culori primare, pe care le-a mutat pe suprafața pânzei până a obținut un echilibru compozițional complet. Scopul său a fost să creeze o artă strictă, obiectivă, ale cărei legi reflectă structura universului. Liniile și culorile curate indică faptul că acest tablou aparține mișcării „Stil”, cel mai important reprezentant al căruia a fost Mondrian. Părăsind Olanda natală în 1938, a plecat la Londra, unde atelierul său a fost distrus în curând de atacuri cu bombă. Doi ani mai târziu, Mondrian s-a mutat la New York. Aici compozițiile sale au devenit mai colorate, reflectând ritmurile agitate ale vieții din țara Broadway și boogie-woogie.
Delaunay Robert. Omagiu lui Blériot
În această compoziție, care la prima vedere pare abstractă, spirale răsucitoare și discuri rotative de culoare formează un model liric pe suprafața unei foi de hârtie. La o inspecție mai atentă, observăm Turnul Eiffel în dreapta, iar aripile și elicea unui avion în stânga. Aceste elemente, combinate cu formele plutitoare, sunt menite să sărbătorească primul zbor peste Canal întreprins de Louis Blériot în 1909. Artiștii recurgeau adesea la hârtie pentru a-și schița ideile și pentru a dezvolta compoziții. Această acuarelă este o schiță preliminară pentru un colaj mare cu același nume, care se află în Muzeu de arta la Basel. Delaunay a folosit culoarea pentru a crea picturi pur abstracte: formele și imaginile din ele erau generate de imaginație și nu aveau nimic de-a face cu lumea vizibilă. Acest stil de pictură, strâns asociat cu muzica, a fost numit orfism, termen inventat de poetul Guillaume Apollinaire.
Opera programatică a lui Malevici a fost faimoasa sa „Pătratul Negru” (1915). Artistul și-a numit metoda Suprematism (din latinescul supremus - cel mai înalt). Dorința de a se rupe de realitatea pământească l-a condus la o fascinație pentru spațiu (Malevici a fost unul dintre autorii celebrei piese „Victorie asupra Soarelui”). Artistul și-a numit compozițiile abstracte „planiți” și „arhitectoni”, simbolizând „ideea de dinamism universal”.
F. Mark. „Forme de luptă” 1914 Noua Pinacoteca. Munchen
La început. Secolului 20 arta abstractă s-a răspândit în multe țări occidentale. În 1912 s-a născut neoplasticismul în Olanda. Creatorul neoplasticismului, P. Mondrian, împreună cu T. van Doesburg, au fondat grupul De Stijl (1917) și o revistă cu același nume (apărată până în 1922).
Van Doesburg Theo. Compoziția aritmetică
Un sentiment de mișcare și perspectivă este creat de o serie de pătrate negre pătrunzătoare pe un fundal alb. În realitate, artistul a folosit un calcul matematic simplu - laturile fiecărui pătrat și distanțele dintre ele sunt egale cu jumătate din dimensiunile pătratului anterior. Artistul a creat o metaforă a spațiului care este perfectă în rafinamentul său. Folosirea legilor împrumutate din științele exacte corespundea atracției sale speciale pentru arhitectură. Impresie puternică Van Doesburg a fost influențat de opera artistului Piet Mondrian, cu care în 1917 a creat revista „Style” („De Stijl”), care a introdus ideile și lucrările maeștrilor asociației de creație cu același nume. Printre tehnicile formale de pictură ale grupului „Stil” se numără umplerea locală a formelor geometrice plasate pe un plan neutru cu culori pure, care formează baza spectrului. Conceptul de „Stil” a fost dezvoltat și descris în detaliu de către Van Doesburg în numeroase articole și prelegeri, iar tehnicile stilistice ale acestei arte au fost utilizate pe scară largă în arhitectura secolului al XX-lea.
„Elementul uman” a fost complet alungat din arta lor. Membrii grupului De Stijl au creat pânze în care suprafețele căptușite cu o rețea de linii formau celule dreptunghiulare umplute cu culori pure, uniforme, care, potrivit lui Mondrian, exprimau ideea de frumusețe plastică pură. El a vrut să creeze o pictură „lipită de individualitate” și, prin urmare, să posede „semnificație mondială”.
În 1918-20 în Rusia a apărut pe baza ideilor de suprematism constructivism, care a unit arhitecții (K.S. Melnikov, A. A. Vesnin etc.), sculptori (V. E. Tatlin, N. Gabo, A. Pevzner), grafică ( El Lissitzky, A.M. Rodcenko).
Vladimir Tatlin. Monumentul Internaționalei a Treia
Creată într-o perioadă de fervoare politică, această spirală înclinată a fost proiectată să fie de două ori mai mare decât Empire State Building din New York și să aibă secțiuni centrale rotative alternativ. Spațiul este delimitat în compartimente separate, legate formal între ele, ca părți dintr-o ecuație matematică. Tatlin a fost fondatorul constructivismului, o mișcare din avangarda rusă care a luat naștere din experimente artistice cu abstracția, dar care s-a orientat ulterior către obiective utilitare. A fost un susținător al ideii de „artist-inginer” și a văzut rolul principal al artei în satisfacerea nevoilor sociale. Tatlin a creat, de asemenea, o serie de structuri de relief suspendate, folosind forme exclusiv geometrice și folosind o mare varietate de materiale, precum lemn, metal, sticlă și sârmă. Capodopera lui Tatlin, un simbol al idealurilor constructiviste, combinând sculptura și arhitectura. Monumentul Internaționalei a III-a nu a fost niciodată construit. Reproducerea este realizată dintr-o replică modernă a modelului original.
Gabo Naum. Design liniar în spațiul nr. 2
Snur de nailon este înfășurat în jurul a două foi de plexiglas curbat care se intersectează pentru a crea un model tridimensional complex de pliuri concave și convexe. Aceste părți, curgând una în alta, creează iluzia rotației sale nesfârșite în jurul axei sale, zburând în spațiul absolut, unde timpul a stat pe loc. Lucrarea a fost concepută ca parte a unei structuri de trei metri, niciodată finalizată, comandată de Gabo în 1949 pentru clădirea Esso din New York. Gabo a aparținut mișcării constructiviste și a perceput forma ca o metaforă a spațiului. În 1922, și-a părăsit Rusia natală, a locuit la Berlin și Paris, iar mai târziu a devenit cetățean american. În 1952 a creat un imens compoziție sculpturală Pentru centru comercial la Rotterdam, unde s-a manifestat și talentul său arhitectural.
Lisitsky El. Compoziţie
Rotirea obiectelor geometrice scrise flori delicate, ca și cum ar pluti în aer, creând astfel un sentiment de profunzime și iluzia spațiului. Unele dintre forme sunt date în trei dimensiuni, iar această aluzie la volumele arhitecturale este dezvoltată în lucrările ulterioare ale lui Lissitzky. În această lucrare, concentrarea formei pure și a culorii relevă influența acelei direcții de artă abstractă pe care a inventat-o Kazimir Malevich - Suprematismul, bazat pe pur forme geometrice. Lissitzky a primit studii de inginerie și arhitectură. Marc Chagall l-a invitat să predea arhitectură și grafică la o școală de artă din Vitebsk; aici a intrat sub influența lui Malevici. Sunt binecunoscute seria Proun a lui Lissitzky - cicluri de lucrări abstracte create cu linii drepte. Aceste lucrări se caracterizează prin calități spectaculoase și o planeitate cuprinzătoare, fără nicio urmă de profunzime. Creativitatea lui Lissitzky a fost multifațetă: a lucrat și la afișe, la design de costume și la design de expoziții și cărți.
Rodcenko Alexandru. Compoziție (Victory Red)
Formele triunghiulare echilibrate cu cercuri creează o iluzie tridimensională. care este sporită de umbrirea diagonalei stângi a triunghiurilor. Formele plate sunt separate unele de altele prin culoare. Constând din desene strict geometrice desenate folosind busole și rigle, pictura reflectă dorința artistului de a crea forme elementare în pură. culori primare. În același an cu această lucrare, Rodcenko și-a expus faimoasa lucrare Black on Black - un răspuns la seria Alb pe alb a lui Malevich. Dorința lui Rodcenko de a reduce pictura la esențe geometrice abstracte l-a atras în mișcarea constructivistă. Ulterior, împreună cu alți membri ai grupului, a plecat pictura de șevalet de dragul designului și Arte Aplicate. A lucrat mai ales activ în domeniile designului industrial, designului cărții și fotografiei, folosind adesea perspective și unghiuri de vedere neobișnuite în cea din urmă.
Esența regiei a fost subliniată de Vesnin: „Lucrurile create de artiștii contemporani ar trebui să fie structuri pure, fără balastul reprezentării”. Un rol important în dezvoltarea constructivismului l-a avut Bauhaus, asociație artistică fondată în 1919 în Germania de arhitectul V. Gropius (P. Klee; V.V. Kandinsky, El Lissitzky etc.).
Klee Paul. Senecio
Imagine simplificată chip umanîmpărțit în patrulatere colorate. Formele pătrate plate sunt înscrise într-un cerc reprezentând o mască de față, care amintește de un costum de arlechin multicolor. Ca portret al comediantului Senecio, pictura poate fi interpretată și ca un simbol al relației schimbătoare dintre artă, iluzie și teatru. Pictura demonstrează principiile picturii lui Klee, în care liniile de design, planurile de culoare și spațiu sunt puse în mișcare de energia intelectului artistului. Cu aceste liniuțe și squiggles, inspirat de imaginația sa, Klee, în limba sa, „invită coada la plimbare”. Din 1921 până în 1931, Klee a fost unul dintre cei mai străluciți profesori de la școala de design Bauhaus și a publicat multe lucrări despre teoria artei. Doi ani mai târziu, naziștii l-au expulzat din Germania și mai mult de o sută de lucrări ale lui Klee au fost scoase din muzeele germane ca „degenerate”.
În 1930, criticul francez M. Seyfor a creat grupul Circle and Square la Paris. În 1931, la Paris a luat naștere asociația „Abstracție - Creativitate”, fondată de emigranții din Rusia N. Gabo și A. Pevzner. O mișcare deosebit de radicală a fost tachisme (din francezul tache - pată). Tachiștii (P. Soulages, H. Hartung, J. Mathieu etc.) s-au descurcat fără perii. Au stropit și stropit cu vopsea pe pânză, apoi au mânjit-o sau au călcat-o în picioare. Au amestecat funingine, gudron, cărbune, nisip și sticlă spartă cu vopsele, crezând că culoarea murdăriei nu este mai puțin frumoasă decât cea a cerului.
Pierre Soulages. Pictura 16
Tunuri negre, așezate viguros cu o pensulă largă, se închid în forme dense de relief. Masele negre goale, iluminate de scurte licăriri de alb, conferă picturii o monumentalitate calmă. Originalitatea unică a picturii este determinată de natura sculpturală a formelor clar disecate și de redarea magistrală a efectelor de lumină. Mișcarea intensă a pensulei libere care creează o compoziție abstractă puternică este o caracteristică tipică a mișcării Art Informel. Născut în sud-vestul Franței. Soulages s-a mutat la Paris în 1946, unde a început să lucreze la picturi abstracte pline cu reminiscențe ale dolmenelor preistorice și sculptura romanică a Auvergne-ului natal. Multe dintre compozițiile lui Soulages sunt construite pe intersecții asemănătoare zăbrelelor de dungi largi, în care culoarea neagră pe un fundal strălucitor strălucește și strălucește, ca pielea bine lucrată. În ultimele sale picturi, brazde de vopsea formează o suprafață în relief.
Hartung Hans. T 1956/7
Fundalul moale și pal prezintă linii negre ascuțite și dramatice care se încrucișează și se leagă într-un coc. Această imagine caligrafică expresivă creată de Hartung este un exemplu de artă spontană cunoscută sub numele de „informală”. Esența sa constă în faptul că Hartung începe lucrul cu o pânză goală, fără a avea încă un concept despre lucrarea finită. Născut în Germania, Hartung s-a stabilit la Paris în 1955 și, ulterior, și-a luat cetățenia franceză. A devenit unul dintre cei mai faimoși abstracționiști francezi. Lucrările sale grațioase și distinctive, care încorporează de obicei caligrafia ca în arta chineză, sunt de obicei fără titlu și se disting doar prin numere. La începutul războiului, Hartung a intrat în Legiunea Străină Franceză.
Odată cu începutul celui de-al Doilea Război Mondial, centrul artei abstracte s-a mutat în SUA (J. Pollock, A. Gorky, W. Kuning, Fr. Klein, M. Tobey, M. Rothko). În anii 1960 a început o nouă ascensiune a artei abstracte. Această direcție în artă rămâne actuală și astăzi, dar nu mai ocupă o poziție dominantă, ca la început. Secolului 20
Jackson Pollock. Numărul 1A, 1948
Stilul frenetic al lui Pollock de a stropi și a unge vopsea pe pânză cu lovituri puternice și rapide a fost dezvăluit în această pictură cu dovezi izbitoare. Folosind un cuțit și o spatulă, artistul a presat vopselele și le-a întins pe pânză, întinse de-a lungul peretelui sau pur și simplu pe podea. S-a plimbat în jurul pânzei și el însuși a devenit, parcă, parte a tabloului. Tehnica profund originală a lui Pollock a fost numită pictură de acțiune. Inovații atât de radicale precum refuzul de a monta pânza pe un șevalet și absența perspectivei tradiționale au fost repere importante în arta internațională postbelică. Ceea ce Pollock asociază cu pictura expresionistă abstractă este energia și libertatea de exprimare. Stilul lui Pollock nu este atât de spontan pe cât ar părea la prima vedere. Artistul a spus: „Vreau să-mi exprim sentimentele, nu să vorbesc despre ele... Pot controla fluxul de vopsea: nu există accident în ea, la fel cum nu există început sau sfârșit.” Pollock a murit în 1956 într-un accident de mașină.
Arshile Gorki. Cascadă
În centrul acestui lucru, la prima vedere, pictura abstractă este imaginea unei mici cascade în pădure. Evocă o imagine vie a unui curent de apă care curge prin stânci, înconjurat de ramuri de copaci și vegetație. Culorile vibrante dau impresia de lumina soarelui senin și strălucitoare și sunetul apei în cădere. Frumusețea pânzei constă în capacitatea artistului de a transmite un sentiment de liniște sufletească prin imagini cu pădure și apă. Pictura este plină de motive magice, onirice, caracteristice mișcării suprarealismului, de care artistul era apropiat în acest moment, iar în ea se resimte și influența modului spontan al expresionismului abstract. Născut în Armenia, Gorki a emigrat în Statele Unite în 1920. Un critic l-a descris ca pe un artist în exil, pentru care arta a devenit patria sa. Gorki a apelat adesea la imaginile patriei sale în picturile sale. După ani de sărăcie, a obținut recunoașterea de scurtă durată, dar s-a spânzurat după ce a suferit o traumă psihologică gravă.
De Kooning Willem. Marilyn Monroe
Însăși esența frumuseții izbitoare și amețitoare a unei vedete de la Hollywood - frumusețea afișată - este surprinsă în această imagine. Vopseaua se aplică în mișcări mari, puternice, creând o imagine strat cu strat. Acest tablou din seria „Femei” aparține uneia dintre perioadele non-abstracte, figurative, ale operei lui De Kooning. Marilyn Monroe, ca și alte simboluri sexuale, pare mai degrabă un obiect decât o persoană. Artistul își aseamănă eroina cu un manechin dintr-o fereastră, privând-o complet de atracția erotică. De Kooning a fost asociat cu grupul expresionist abstract din New York. Acești artiști au dat mare importanță pictura spontană - însuși gestul cu care vopsea stropește pe suprafața pânzei. Totuși, spre deosebire de majoritatea celorlalți membri ai grupului, De Kooning nu s-a limitat la pură abstractizare: subiectul său preferat era figura umană, în special cea feminină. În a lui dezvoltare creativă a trecut prin diferite etape, iar în anii 1970 s-a orientat spre sculptura figurativă.
Mark Tobey. Călătoria albă
Un roi haotic de pictograme și liniuțe abstracte minuscule umple suprafața hârtiei. Ritmul tremurător al țesăturilor ca o pânză - trăsătură caracteristică manierele lui Toby. Stăpânirea sa sofisticată a scrisului cursiv rapid i-a câștigat o mare popularitate printre colecționari. Această compoziție este apropiată de pictura expresionismului abstract, în special de Jackson Pollock, dar este evident că Toby a urmat o cale independentă, paralelă. A fost foarte influențat de cultura Orientului Îndepărtat și de caligrafia chineză; A fost unul dintre primii dintre intelectualii americani care s-au interesat de budismul zen. În anii 1950, Toby a atins faima internațională ca unul dintre cei mai inovatori artiști americani. Reputația sa constant ridicată în Europa a fost susținută de dealerul elvețian de succes și influent Ernst Beisler.
Rothko Mark. Fără titlu
Mase dreptunghiulare de culoare bogată par să plutească în spațiul imaginii. Contururile lor neclare creează o vibrație plină de putere magică misterioasă. O lumină nepământeană pătrunde în pânză, dizolvând tensiunea formelor și contrastele de culoare cu strălucirea sa interioară. Discret și plin în același timp ințelesuri ascunse, operele lui Rothko conțin un anumit adevăr, roadele unei gândiri lungi și dificile. Originar din Rusia, Rothko a emigrat în Statele Unite împreună cu părinții săi în 1913. Artist autodidact, a pictat în principal tablouri la scară largă. El a căutat să facă spectatorul un participant la experiența culorii absolute. El a spus: „Plez tablouri mari pentru că vreau să obțin intimitate. Imaginea de ansamblu este comunicarea instantanee; te prinde complet.” Rothko a fost un important exponent al expresionismului abstract. Compozițiile sale fără formă reînvie însuși spiritul acestei mișcări, care a încercat să pătrundă în secretele de neatins ale sufletului uman.
Cât de des oamenii care sunt departe de artă nu înțeleg pictura abstractă, considerând-o niște mâzgăliri de neînțeles și o provocare care aduce discordie în minte. Ei batjocoresc lucrările autorilor care nu se străduiesc să descrie cu acuratețe lumea din jurul lor.
Ce este arta abstractă?
Deschizând noi oportunități de exprimare a propriilor gânduri și sentimente, au abandonat tehnicile obișnuite, încetând să copieze realitatea. Ei credeau că această artă obișnuiește o persoană cu un mod de viață filozofic. Pictorii căutau un nou limbaj pentru a exprima emoțiile care i-au copleșit și l-au găsit în pete colorate și linii curate care afectează nu mintea, ci sufletul.
A devenit un simbol nouă eră, este o direcție care a abandonat formele cât mai apropiate de realitate. Neînțeles de toată lumea, a dat impuls dezvoltării cubismului și expresionismului. Principala caracteristică a artei abstracte este non-obiectivitatea, adică nu există obiecte recognoscibile pe pânză, iar privitorii văd ceva de neînțeles și care nu este supus logicii, dincolo de limitele percepției obișnuite.
Cei mai faimoși artiști abstracti și picturile lor sunt o comoară de neprețuit pentru umanitate. Pânzele pictate în acest stil exprimă armonia formelor, liniilor și petelor de culoare. Combinațiile luminoase au propria lor idee și semnificație, în ciuda faptului că privitorului i se pare că nu există nimic în lucrări, cu excepția unor pete fanteziste. Cu toate acestea, în abstractizare totul este supus anumite reguli expresii.
„Tatăl” noului stil
Wassily Kandinsky, o figură legendară în arta secolului al XX-lea, este recunoscut drept fondatorul stilului unic. Pictorul rus cu opera sa a vrut să facă privitorul să se simtă la fel ca el. Acest lucru pare surprinzător, dar un eveniment important din lumea fizicii l-a determinat pe viitorul artist la o nouă viziune asupra lumii. Descoperirea descompunerii atomului a influențat serios dezvoltarea celui mai faimos artist abstract.
„Se pare că totul poate fi descompus în componente separate, iar această senzație a rezonat în mine ca distrugerea întregii lumi”, a spus Kandinsky, care a fost un cântăreț remarcabil al unei perioade de schimbare. Așa cum fizica a descoperit microlumea, tot așa pictura a pătruns în sufletul uman.
Artist și filozof
Treptat, celebrul artist abstract din opera sa se îndepărtează de detalierea lucrărilor sale și experimentează cu culoarea. Un filozof sensibil trimite lumină chiar în adâncurile inimii umane și creează pânze cu cel mai puternic conținut emoțional, în care culorile sale sunt comparate cu notele unei melodii frumoase. Primul loc în lucrările autorului nu este complotul pânzei, ci sentimentele. Kandinsky însuși credea suflet uman un pian cu mai multe coarde și a comparat artistul cu o mână care, prin apăsarea unei anumite taste (combinație de culori), o face să vibreze.
Un maestru care le oferă oamenilor indicii pentru a le înțelege creativitatea caută armonie în haos. Pictează pânze în care poate fi urmărit un fir subțire, dar clar, care leagă abstractizarea cu realitatea. De exemplu, în lucrarea „Improvizație 31” („ Bătălie pe mare") în petele de culoare puteți ghici imaginile bărcilor: navele cu pânze pe pânză rezistă elementelor și valurilor rostogolitoare. Așa că autorul a încercat să povestească despre eterna bătălie a omului cu lumea exterioară.
student american
Artiști abstracti renumiți ai secolului al XX-lea care au lucrat în America sunt studenți ai lui Kandinsky. Opera sa a avut o influență imensă asupra artei abstracte expresive. Emigrantul armean Arshile Gorky (Vozdanik Adoyan) a creat într-un stil nou. A dezvoltat o tehnică specială: a întins pânze albe pe podea și a turnat vopsea din găleți pe ele. Când a înghețat, maestrul a zgâriat linii în el, făcând ceva ca basoreliefuri.
Creațiile lui Gorka sunt bogate culori deschise. „Aroma de caise în câmp” este o pictură tipică în care schițele de flori, fructe și insecte sunt transformate într-o singură compoziție. Privitorul simte pulsația care emană din lucrare, realizată în portocaliu strălucitor și tonuri bogate de roșu.
Rotkovich și tehnica lui neobișnuită
Când vine vorba de cei mai cunoscuți artiști abstracti, nu se poate să nu-l amintim de Marcus Rothkovich, un emigrant evreu. Un elev talentat al lui Gorka a influențat publicul cu intensitatea și profunzimea membranelor colorate: a suprapus două sau trei spații dreptunghiulare de culoare una peste alta. Și păreau să tragă persoana înăuntru, astfel încât să experimenteze catharsis (purificare). Însuși creatorul picturilor neobișnuite a recomandat să le vizionați la o distanță de cel puțin 45 de centimetri. El a spus că munca lui este o călătorie într-o lume necunoscută, în care spectatorul este puțin probabil să aleagă să meargă pe cont propriu.
Genial Pollock
La sfârșitul anilor 40 ai secolului trecut, unul dintre cei mai cunoscuți artiști abstracti, Jackson Pollock, a inventat o nouă tehnică de pulverizare a vopselei - picurare, care a devenit o adevărată senzație. Ea a împărțit lumea în două tabere: cei care recunoșteau picturile autoarei drept geniale și cei care le numeau bărbați nedemni să fie numiți artă. Creatorul de creații unice nu a întins niciodată pânzele pe pânză, ci le-a așezat pe perete sau pe podea. Se plimba cu un borcan de vopsele amestecate cu nisip, plonjând treptat în transă și dansând. Se pare că a vărsat accidental un lichid multicolor, dar fiecare mișcare a lui a fost gândită și semnificativă: artistul a ținut cont de forța gravitației și de absorbția vopselei de către pânză. Rezultatul a fost o confuzie abstractă constând din pete marimi diferiteși linii. Pollock a fost supranumit „Jack the Sprinkler” pentru stilul său inventat.
Cel mai cunoscut artist abstract și-a oferit lucrărilor nu titluri, ci numere, astfel încât privitorul să aibă libertate de imaginație. „Pânza nr. 5”, situat în colecție privată, a fost ascuns de ochiul public multă vreme. Începe o agitație în jurul capodoperei, învăluită în secret, și în cele din urmă apare la Sotheby’s, devenind instantaneu cea mai scumpă capodopera la acea vreme (costul ei este de 140 de milioane de dolari).
Găsește-ți formula pentru a înțelege arta abstractă
Există o formulă universală care să permită privitorului să perceapă arta abstractă? Poate că în acest caz, fiecare va trebui să-și găsească propriile linii directoare, bazate pe experiența personală, senzațiile interne și o mare dorință de a descoperi necunoscutul. Dacă o persoană dorește să descopere mesajele secrete ale autorilor, cu siguranță le va găsi, pentru că este atât de tentant să privești în spatele învelișului exterior și să vezi ideea, care este o componentă importantă a abstractionismului.
Este greu de supraestimat revoluția în arta tradițională pe care au produs-o artiștii abstracti celebri și picturile lor. Au forțat societatea să privească lumea într-un mod nou, să vadă culori diferite în ea, să aprecieze forme și conținut neobișnuit.
Detalii Categorie: Varietate de stiluri și mișcări în artă și caracteristicile acestora Publicat 16.05.2014 13:36 Vizualizări: 10526„Când unghiul ascuțit al unui triunghi atinge un cerc, efectul nu este mai puțin semnificativ decât cel al lui Michelangelo, când degetul lui Dumnezeu atinge degetul lui Adam”, a spus V. Kandinsky, liderul artei de avangardă al primului unghi. jumătate a secolului al XX-lea.
– o formă de activitate vizuală care nu are ca scop afișarea realității percepute vizual.
Această direcție în artă este numită și „non-obiectivă”, deoarece. reprezentanții săi au respins imaginea, care era aproape de realitate. Tradus din latină, cuvântul „abstracție” înseamnă „înlăturare”, „distragere a atenției”.
V. Kandinsky „Compoziție VIII” (1923)
Artiștii abstracti au creat anumite combinații de culori și forme geometrice pe pânzele lor pentru a evoca diverse asocieri în privitor. Abstracționismul nu are ca scop recunoașterea unui obiect.Istoria artei abstracte
Fondatorii artei abstracte sunt considerați a fi Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova și Mihail Larionov, Piet Mondrian. Kandinsky a fost cel mai hotărâtor și consecvent dintre cei care reprezentau această direcție la acea vreme.
Cercetătorii spun că nu este în întregime corect să considerăm abstractionismul un stil în artă, deoarece aceasta este o formă specifică Arte vizuale. Se împarte în mai multe direcții: abstracție geometrică, abstracție gestuală, abstracție lirică, abstracție analitică, Suprematism, Aranformel, Nuageism etc. Dar, în esență, o generalizare puternică este o abstracție.
V. Kandinsky „Moscova. Pătrat roșu""
Deja de la mijlocul secolului al XIX-lea. pictura, grafica, sculptura se bazează pe ceea ce este inaccesibil reprezentării directe. Începe căutarea unora noi Arte vizuale, metode de tastare, expresie sporită, simboluri universale, formule plastice comprimate. Pe de o parte, acesta vizează afișarea lumii interioare a unei persoane - stările sale psihologice emoționale, pe de altă parte, actualizarea viziunii asupra lumii obiective.Opera lui Kandinsky trece printr-o serie de etape, inclusiv desenul academic și pictura realistă a peisajului, și abia apoi intră în spațiul liber al culorii și al liniilor.
V. Kandinsky „Călărețul albastru” (1911)
Compoziția abstractă este acel ultim nivel molecular la care pictura rămâne încă pictură. Arta abstractă este cea mai accesibilă și nobilă modalitate de a surprinde existența personală și, în același timp, este o realizare directă a libertății.
Murnau „Grădina” (1910)
Primul pictura abstracta a fost scris de Wassily Kandinsky în 1909 în Germania, iar un an mai târziu aici a publicat cartea „Despre spiritul în artă”, care mai târziu a devenit faimoasă. La baza acestei cărți au stat gândurile artistului că exteriorul poate fi accidental, dar necesarul interior, spiritual, care constituie esența omului, poate fi întruchipat într-o imagine. Această viziune asupra lumii este asociată cu lucrările teosofice și antroposofice ale Helenei Blavatsky și Rudolf Steiner, pe care le-a studiat Kandinsky. Artistul descrie culoarea, interacțiunea culorilor și efectul lor asupra oamenilor. „Puterea psihică a vopselei... provoacă vibrații spirituale. De exemplu, culoarea roșie poate provoca vibrații mentale similare cu cele provocate de foc, deoarece roșul este în același timp culoarea focului. Culoarea roșie caldă are un efect stimulant; o astfel de culoare se poate intensifica într-un grad dureros, chinuitor, poate și datorită asemănării sale cu sângele care curge. Culoarea roșie în acest caz trezește amintirea unui alt factor fizic, care, desigur, are un efect dureros asupra sufletului.”
V. Kandinsky „Amurg”
„... culoarea violet este un roșu răcit, atât în sens fizic, cât și psihic. Are deci caracterul de ceva dureros, stins, are ceva trist în sine. Nu degeaba această culoare este considerată potrivită pentru rochiile bătrânilor. Chinezii folosesc această culoare direct pentru hainele de doliu. Sunetul său este similar cu sunetele cornului englezesc, ale flautului și, în profunzimea sa, cu tonurile joase ale instrumentelor de suflat din lemn (de exemplu, fagotul).
V. Kandinsky „Ovalul gri”
„Culoarea neagră în interior sună ca Nimic fără posibilități, ca moartă.”
„Este clar că toate denumirile date pentru aceste culori simple sunt doar foarte temporare și elementare. Aceleași sunt și sentimentele pe care le amintim în legătură cu culorile – bucurie, tristețe etc. Aceste sentimente sunt, de asemenea, doar stări materiale ale sufletului. Tonurile de culori, ca și muzica, au o natură mult mai subtilă; provoacă vibrații mult mai subtile care nu pot fi exprimate în cuvinte.”V.V. Kandinsky (1866-1944)
Un remarcabil pictor rus, grafician și teoretician al artelor plastice, unul dintre fondatorii artei abstracte.
Născut la Moscova în familia unui om de afaceri, a primit educația muzicală și artistică de bază la Odesa, când familia sa mutat acolo în 1871. A absolvit cu brio Facultatea de Drept a Universității de Stat din Moscova.
În 1895, la Moscova a avut loc o expoziție a impresioniștilor francezi. Kandinsky a fost impresionat în special de pictura lui Claude Monet „Haystack” - așa că la vârsta de 30 de ani și-a schimbat complet profesia și a devenit artist.
V. Kandinsky „Viața pestriță”
Prima sa pictură a fost „O viață pestriță” (1907). Prezintă o imagine generală existenţei umane, dar aceasta este deja perspectiva muncii sale viitoare.
În 1896 s-a mutat la München, unde a făcut cunoștință cu opera expresioniștilor germani. După izbucnirea primului război mondial, s-a întors la Moscova, dar după un timp a plecat din nou în Germania, apoi în Franța. A călătorit mult, dar s-a întors periodic la Moscova și Odesa.
La Berlin, Wassily Kandinsky a predat pictura și a devenit un teoretician al școlii Bauhaus ( facultate constructii si design artistic) – instituție educaționalăîn Germania, care a existat din 1919 până în 1933. În acest moment, Kandinsky a primit recunoașterea mondială ca unul dintre liderii artei abstracte.
A murit în 1944 în suburbia pariziană Neuilly-sur-Seine.
Arta abstractă ca direcție artisticăîn pictură nu a fost un fenomen omogen - arta abstractă a unit mai multe mișcări: raionismul, orfismul, suprematismul etc., despre care puteți afla mai detaliat din articolele noastre. Începutul secolului al XX-lea - o perioadă de dezvoltare rapidă a diverselor mișcări de avangardă. Arta abstractă era foarte diversă, includea și cubo-futuriști, constructiviști, artiști non-obiectivi etc. Dar limbajul acestei arte necesita alte forme de expresie, dar nu erau susținute de figuri ale artei oficiale, mai mult decât atât, contradicțiile erau inevitabile. printre însăși mișcarea de avangardă. Arta de avangardă a fost declarată anti-popor, idealistă și practic a fost interzisă.
Abstracționismul nu și-a găsit sprijin în Germania fascistă, așadar, centrele de artă abstractă din Germania și Italia se mută în America. În 1937, la New York a fost creat un muzeu de pictură non-obiectivă, fondat de familia milionarului Guggenheim, iar în 1939, Muzeul de Artă Modernă, creat cu fonduri de la Rockefeller.Artă abstractă postbelică
După al Doilea Război Mondial, „Școala din New York” a fost populară în America, ai cărei membri au fost creatorii expresionismului abstract D. Pollock, M. Rothko, B. Neumann, A. Gottlieb.
D. Pollock „Alchimia”
Privind pictura acestui artist, înțelegeți: arta serioasă nu se pretează la o interpretare ușoară.
M. Rothko „Fără titlu”
În 1959, lucrările lor au fost expuse la Moscova la expoziția de artă națională a SUA din parcul Sokolniki. Începutul „dezghețului” în Rusia (1950) a deschis o nouă etapă în dezvoltarea artei abstracte interne. S-a deschis studioul „New Reality”, al cărui centru era Eli Mihailovici Beliutin.
Studioul era situat în Abramtsevo, lângă Moscova, la casa lui Belutin. S-a pus accent pe munca colectivă, pentru care s-au străduit futuriștii de la începutul secolului al XX-lea. „Noua realitate” a unit artiștii moscoviți care au avut opinii diferite asupra metodologiei de construire a abstracției. Artiștii L. Gribkov, V. Zubarev, V. Preobrazhenskaya, A. Safokhin au ieșit din studioul „Noua realitate”.
E. Belyutin „Maternitatea”
O nouă etapă în dezvoltarea abstracției rusești începe în anii 1970. Este vremea Malevici, Suprematism și Constructivism, tradițiile avangardei ruse. Picturile lui Malevici au trezit interes pentru forme geometrice, semne liniare și structuri plastice. Autorii moderni au descoperit operele filozofilor și teologilor ruși, teologilor și misticii și s-au familiarizat cu surse intelectuale inepuizabile care au umplut lucrările lui M. Shvartsman, V. Yurlov, E. Steinberg cu un nou sens.
Mijlocul anilor 1980 a marcat finalizarea următoarei etape în dezvoltarea abstracției în Rusia. Sfârșitul secolului al XX-lea a conturat o „cale rusească” specială a artei neobiective. Din punctul de vedere al dezvoltării culturii mondiale, abstractionismul ca mișcare de stil s-a încheiat în 1958. Dar numai în societatea rusă post-perestroika arta abstractă a devenit egală cu alte mișcări. Artiștilor li s-a oferit posibilitatea de a se exprima nu numai în forme clasice, ci și în forme de abstractizare geometrică.Artă abstractă modernă
Culoarea albă devine adesea limbajul modern al abstracției. Pentru moscoviți M. Kastalskaya, A. Krasulin, V. Orlov, L. Pelikh, spațiul alb (cea mai mare tensiune de culoare) este plin de posibilități nesfârșite, permițând folosirea atât a ideilor metafizice despre legile spirituale, cât și cele optice ale luminii. reflecţie.
M. Kastalskaya „Sleepy Hollow”
Conceptul de „spațiu” are semnificații diferite în arta modernă. De exemplu, există un spațiu al unui semn, un simbol. Există un spațiu de manuscrise antice, a căror imagine a devenit un fel de palimpsest în compozițiile lui V. Gerasimenko.
A. Krasulin „Scăunel și eternitatea”
Câteva tendințe în arta abstractă
raionismul
S. Romanovich „Coborârea de pe cruce” (1950)
Direcția în pictura de avangardă rusă în arta anilor 1910, bazată pe schimbarea spectrelor luminii și transmisia luminii. Una dintre primele domenii ale abstractionismului.
Baza creativității raymen este ideea „intersecției razelor reflectate ale diferitelor obiecte”, deoarece ceea ce o persoană percepe de fapt nu este obiectul în sine, ci „suma razelor care provin de la sursa de lumină, reflectată de obiect și căzând în câmpul nostru vizual.” Razele de pe pânză sunt transmise folosind linii colorate.
Fondatorul și teoreticianul mișcării a fost artistul Mihail Larionov. Mikhail Le-Dantu și alți artiști ai grupului „Coada măgarului” au lucrat în raionism.
Raionismul a primit o dezvoltare deosebită în opera lui S. M. Romanovich, care a făcut din ideile coloristice ale raionismului baza „spatialității” stratului colorat al unei picturi figurative: „Pictura este irațională. Vine din adâncurile omului, ca un izvor care curge din subteran. Sarcina sa este de a transforma lumea (obiectul) vizibilă prin armonie, care este un semn al adevărului. Munca – scrie în armonie – poate fi făcută de cel în care trăiește – acesta este secretul omului.”
orfism
O mișcare în pictura franceză la începutul secolului al XX-lea, formată din R. Delaunay, F. Kupka, F. Picabia, M. Duchamp. Numele a fost dat în 1912 de poetul francez Apollinaire.
R. Delaunay „Champs of Mars: Red Tower” (1911-1923)
Artiștii orfiști au căutat să exprime dinamica mișcării și muzicalitatea ritmurilor prin întrepătrunderea culorilor primare ale spectrului și intersecția suprafețelor curbe.
Influența orfismului poate fi văzută în lucrările artistului rus Aristarkh Lentulov, precum și ale Alexandrei Ekster, Georgy Yakulov și Alexander Bogomazov.
A. Bogomazov „Compoziția nr. 2”
Neoplasticismul
Acest stil se caracterizează prin forme dreptunghiulare clare în arhitectură („stil internațional” de P. Aud) și pictura abstractaîn dispunerea unor mari planuri dreptunghiulare, vopsite în culorile primare ale spectrului (P. Mondrian).
„Stil Mondrian”
Expresionismul abstract
O școală (mișcare) de artiști care pictează rapid și pe pânze mari, folosind trăsuri non-geometrice, pensule mari, uneori picurând vopsea pe pânză pentru a dezvălui pe deplin emoțiile. Scopul artistului cu această metodă creativă este exprimarea spontană a lumii interioare (subconștientului) în forme haotice neorganizate de gândirea logică.
Mișcarea a câștigat un impuls deosebit în anii 1950, când a fost condusă de D. Pollock, M. Rothko și Willem de Kooning.
D. Pollock „Sub diferite măști”
Una dintre formele expresionismului abstract este Tachisme; ambele mișcări practic coincid în ideologie și metodă creativă, însă compoziția personală a artiștilor care s-au autointitulat Tachistes sau expresioniști abstracti nu coincide în totalitate.Tahism
A. Orlov „Cicatricile din suflet nu se vindecă niciodată”
Este pictură cu pete care nu recreează imagini ale realității, ci exprimă activitatea inconștientă a artistului. Pe pânză sunt aplicate linii, linii și pete în tachisme mișcări rapide mâini fără un plan premeditat. Grupul european „COBRA” și grupul japonez „Gutai” sunt aproape de tachism.
A. Orlov „Anotimpuri” P.I. Ceaikovski
