Modern- stilul în arta europeană și americană la începutul secolelor XIX-XX. Modernismul a reinterpretat și stilizat trăsăturile artei din diferite epoci și și-a dezvoltat propriile tehnici artistice bazate pe principiile asimetriei, ornamentalității și decorativității. Formele naturale devin și obiectul stilizării modernității. Acest lucru explică nu numai interesul pentru ornamentele florale în lucrările Art Nouveau, ci și structura lor compozițională și plastică - o abundență de contururi curbilinii, plutitoare, contururi x neuniforme care seamănă cu forme de plante.
Lev Bakst „Portretul lui Andrei Lvovich Bakst, fiul artistului”
Strâns legat de modernitate este simbolismul, care a servit drept bază estetică și filosofică a modernității, bazându-se pe modernitate ca realizare plastică a ideilor sale. Art Nouveau a avut în tari diferite nume diferite, care sunt în esență sinonime: Art Nouveau - în Franța, Secession - în Austria, Art Nouveau - în Germania, Liberty - în Italia.
Alexander Benois „Baia marchizei” 1906
Pictura Art Nouveau se caracterizează prin dorința de a crea un independent sistem artistic. Unul dintre fondatorii acestor idei a fost școala Pont-Aven cu Paul Gauguin. Spre deosebire de alte stiluri, picturile și panourile Art Nouveau au fost considerate elemente ale interiorului, dându-i o nouă colorare emoțională. De aceea Decorativitatea a devenit una dintre principalele calități ale picturii Art Nouveau.
Gustav Klimt „Viață și moarte” (1908-1916)
Pictura se caracterizează printr-o combinație paradoxală de convenții decorative, „fonduri de covor” ornamentale și figuri și chipuri din prim plan „sculptate” cu claritate sculpturală.(G. Klimt, F. Knopf, M. A. Vrubel), precum și planuri mari de culoare (L. S. Bakst, E. Munch) și nuanțe subtile subliniate (Vrubel, Benoit). Toate acestea au conferit picturilor o mai mare expresivitate. Simbolismul a introdus și simbolismul liniei și culorii în pictura Art Nouveau; Temele de durere mondială, moarte și erotism au fost reprezentate pe scară largă; A devenit obișnuit ca artiștii să se îndrepte către lumea misterelor, viselor, legendelor, basmelor etc. Un exemplu izbitor de pictură modernă sunt picturile lui Gustav Klimt. Artiștii moderni au lucrat în toate țările Europei și Americii: Austria, Marea Britanie, Germania, Italia, Olanda, Rusia, SUA etc.
Alphonse Mucha „Zodiacul” 1896
Modernism- (din francezul modern - modern) denumirea generală a unui număr de mișcări artistice din prima jumătate a secolului al XX-lea, care se caracterizează prin negarea formelor tradiționale și a esteticii trecutului. Modernismul este aproape de avangardism și opus academicismului.
În estetica rusă, „modern” înseamnă modernism care precede istoric stil artistic sfârşitul secolului XIX - începutul secolului XX(Art Nouveau rusesc, Art Nouveau, Art Nouveau, Secession etc.), prin urmare este necesar să se facă distincția între aceste două concepte pentru a evita confuzia.
Modernismul - totalitatea direcții artistice al doilea la art jumătate a secolului al XIX-lea- mijlocul secolului XX Cele mai semnificative tendințe moderniste au fost impresionismul, modernismul, expresionismul, neo- și post-impresionismul, fauvismul, cubismul și futurismul. La fel și mișcările ulterioare - artă abstractă, dadaism, suprarealism.ÎN în sens restrâns modernismul este considerat ca o etapă timpurie a avangardismului, începutul unei revizuiri a tradițiilor clasice. Data nașterii modernismului este adesea citată ca 1863, anul deschiderii „Salonului respinsăților” la Paris, unde au fost acceptate lucrări ale artiștilor. Într-un sens larg, modernismul este „o altă artă” scopul principal care este crearea de lucrări originale bazate pe libertatea internă și pe o viziune deosebită asupra lumii de către autor și aducătoare de noi mijloace de exprimare limbaj figurat, adesea însoțit de șocant și de o anumită provocare a canoanelor stabilite.
Avangardă - un concept general care unește toate tipurile de demersuri experimentale, moderniste, în mod evident neobișnuite în artă, căutări în arta secolului XX.
Kazimir Malevich „Atleti” (1930-1931)
Aspecte comune a tuturor tendințelor de avangardă - confruntare constantă cu toate tendințele stabilite și recunoscute și disponibilitatea constantă de a prezenta noi, fără precedent principii artistice, capabilă să uimească mediul artistic și publicul. În acest scop se folosesc tehnici, metode, teme, imagini care anterior erau considerate incompatibile cu arta. Introducerea constantă a unor astfel de inovații „incredibile”, „de neconceput” în artă a creat o atmosferă de tensiune constantă, așteptări revoluționare, scandaluri și ciocniri în jurul avangardei.
Termenul modernism (din franceză - nou) denotă nou, artă Modernă, care își are originea în sfârşitul XIX-lea secolului şi este asociat cu criza globală a culturii europene
Căutarea a ceva nou s-a transformat într-o dorință de a restabili integritatea și natura organică a existenței umane în cadrul unui singur sistem cosmologic prin mijloace artistice, adică în artă am revenit la metoda de creare a miturilor, la formele primitive. artă, la formele creativității copiilor, adică la acele forme în care o persoană se simțea armonioasă în această lume în care nu exista minciună, unde nu exista violență împotriva persoanei umane
Criza artei s-a manifestat cel mai clar în pictură: majoritatea artiștilor secolului al XX-lea s-au îndepărtat de a descrie lumea așa cum o vedem noi. Lumea părea uneori deformată de nerecunoaștere, întrucât artiștii s-au ghidat mai mult de propria imaginație, plecarea de la realism nu a fost un capriciu gol, artiștii au vrut să spună: lumea nu este deloc așa cum o vedem noi: este în mod inerent lipsit de sens și absurd, este ca și noi îl arătăm în picturile noastre (conceptul de modernitate este mai larg decât avangardă, care se referă doar la cultura artistică, iar modernitatea la tot ce este nou). În avangarda secolului XX au existat multe direcții, tendințe care existau cot la cot, în paralel, adesea s-au încrucișat, s-au înlocuit sau s-au anulat. Trei mișcări au dobândit statutul de etern: abstracționismul, cubismul, suprarealismul (superrealismul). Prima impresie la întâlnirea cu avangarda este că totul este greșit. Formula sa principală: dacă acest lucru nu s-a mai făcut niciodată, atunci trebuie făcut, semn constant: o răsturnare conștientă a ideilor tradiționale. Avangarda a căutat să dea naștere nu artei, ci unei metode de cunoaștere și să o pună în locul filosofiei tradiționale; artiștii de avangardă creează în opera lor ceva special, care include problema gândirii abstracte și un idee indirectă de a fi și o lume concentrată a ideilor. Astfel, arta abstractă nu este un stil, este un mod de a gândi. Perioade: de la Art Nouveau (XIX) la Les Demoiselles d'Avignon (prima pictură cubică a lui Picasso). Această perioadă este caracterizată de o restructurare a tipului tradițional de artă; limbajul avangardei nu a fost dezvoltat; artiștii sunt nevoiți să explice ei înșiși postulatele de bază ale poziției lor.
38. Principalele direcții ale modernismului
Cubismul este o mișcare asociată cu numele lui Pablo Picasso (Spania). Picasso nu a ajuns imediat la această tendință.
Perioade:
1. „Perioada albastră” (1901-1904). Toate portretele sunt unite de o gamă rece de albastru, care ne permite să dezvoltăm tema singurătății, durerii, pieirii unei persoane, a unui mediu ostil („Gimnaste rătăcitoare”, „Cerșetori: un bătrân cu un băiat”).
2. „Perioada trandafirilor” (1905-1906). Toate tablourile sunt de culoare roz cenușă. Scopul pe care Picasso dorea să-l atingă a fost să arate că, deși lumea este sălbatică, în ea trăiesc oameni cumsecade; eroii picturilor sunt artiști rătăcitori și acrobați: „Fata pe minge”. Dar adevărul artistic s-a dovedit a fi mai mare decât dorința artistului; libertatea s-a transformat în singurătatea unui exil. Pozele sunt și ele pesimiste.
3. 1906-1907 (1,5 luni). Artistul ajunge la concluzia că rezolvarea problemelor umane prin pictură este imposibilă; pictura nu poate crea decât forme plastice. Interes mare la cultura neagră.
4. Prima fază a începutului cubismului (1907-1908). Motivele organice și naturale sunt expuse informațiilor geometrizate. Sunt executate într-o culoare roșiatică-pământoasă, iar tonurile de albastru-verde servesc la evidențierea reliefului („Les Demoiselles d’Avignon” (1907), „Trei femei”).
5. A doua fază este cubismul analitic, când tabloul se transformă într-un model fracționat de elemente geometrice mici, prin care este vizibil un element pictural (portretul lui Vallard).
6. A treia fază: cubismul sintetic (1912-1913). Acestea sunt compoziții picturale care sunt formate din fragmente plate de obiecte (în principal instrumente muzicale).
7. 1913-1915. Compoziții pe tema instrumentelor muzicale, care reprezentau obiecte tridimensionale din diverse materiale, suspendate dintr-un plan vertical.
Abstracţionism.
Fondator: Wassily Kandinsky. Esența fluxului este că, cu ajutorul unei pensule și al creionului, poți crea o vibrație specială a sufletului și o poți introduce în spiritul muzicii. Medii artistice: pete de lumină, linii, forme geometrice, abstracții. Arta abstractă amintește de muzică, iar Kandinsky și-a creat propriul limbaj abstract al picturii, în care fiecare culoare avea o anumită semnificație simbolică (Schnittke " Galben" - compoziție muzicală). Un alt reprezentant este Kazimir Malevich („Pătrat negru pe fundal alb” 1913). A fost expus ca un fel de nou semn planetar (utopie romantică).
Suprarealism.
Asociat cu Salvador Dali. A apărut la începutul anilor 20 ai secolului XX, stabilizat în 25-26. Baza principală este sentimentul de capriciu, neașteptarea fenomenului lumii; ideea de incognoscibilitate și absența lumii; lumea reală este lumea care se află în subconștientul nostru. Esenta metoda artistica- o combinație de obiecte reale cu cele ireale sau reale, dar duse până la absurd, sau reale, dar într-o combinație irațională (Dali „Dulap antropomorf”). Suprarealismul s-a manifestat nu numai în pictură, ci și în sculptură și cinema.
Postmodernismul.
Postmodernismul este o revoluție estetică care a avut loc în Europa în anii 60-70. Ca termen, a început să fie folosit în 79. Acesta nu este un stil, citează exemple celebre, dar într-o manieră de prostie deliberată, iar principala trăsătură caracteristică este eclectismul (o combinație de diferite elemente - Est, Vest, Africa, cultura europeana). Această cale a plasat de o parte punctul de plecare și punctul de cea mai înaltă dezvoltare (civilizația europeană). Postmodernismul este rezultatul mișcărilor studențești, a fost o reacție la societatea de consum. Au încercat să introducă o nouă super-idee într-o societate fără ideologie. Un adevărat artist în lume este înconjurat de dușmani, astfel postmodernismul este o formă de rebeliune estetică și a fost exprimat de ideea unei noi revoluții sexuale și a unei noi senzualitate. Atât modernismul, cât și postmodernismul nu pot pretinde o mare popularitate, adică au apărut ca elitiste, dar modernitatea și postmodernismul au devenit acea etapă în dezvoltarea culturii secolului XX, care nu numai că și-a conturat toate aspectele. puncte dureroase, dar a devenit și arta care a legat epoca secolului al XX-lea cu Eternul, uitat în forfotă.
În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, mai întâi în Europa și apoi în Rusia, a apărut o mișcare artistică - modern (din francezul moderne - modern). Caracteristicile distinctive ale acestui stil sunt înlocuirea liniilor drepte și a unghiurilor cu linii mai naturale, „naturale”, înfloritoare. Arte Aplicate cu predominanța modelelor florale curbilinie, formând structura compozițională a lucrării.
Pictura Art Nouveau se caracterizează printr-o combinație de fundaluri ornamentale și tangibilitatea naturalistă a figurilor și detaliilor, siluetele, utilizarea unor planuri mari de culoare sau monocrom nuanțat. Sculptura Art Nouveau se distinge prin dinamica și fluiditatea formelor, grafică - prin jocul de linii și siluete fragile rafinate.
În Rusia, la sfârșitul anilor 1890, a fost înființată asociația artistică „World of Art”, care a afirmat prioritatea principiului estetic în artă, spre deosebire de orientarea înalt socială a Rătăcitorilor și a luptat pentru modernitate și simbolism.
Componența asociației în ani diferiti au inclus artiștii A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov și alții. Aproape de „Lumea artei” au fost I. Ya. Bilibin, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, V. A. Serov, M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, K. F. Yuon și alții.
Să aruncăm o privire mai atentă asupra lucrărilor artiștilor individuali, cei mai importanți reprezentanți ai modernismului rus din această perioadă - M. A. Vrubel, V. A. Serov, V. M. Vasnetsov.Vrubel Mihail Alexandrovici (a trăit 1856–1910) - artist rus, un reprezentant proeminent al Art Nouveau și simbolism. Vrubel a atins înălțimi în aproape toate tipurile și genurile de artă plastică: pictură, grafică, sculptură decorativă, artă teatrală. Moștenirea lui Vrubel include numeroase picturi, panouri decorative, fresce și ilustrații de carte.
În timp ce studia încă la Academia de Arte, Vrubel, la invitația lui A. Prakhov, un celebru critic de artă din acea vreme, a participat la lucrările de restaurare a bisericilor din Kiev. Vrubel a finalizat mai multe compoziții pentru Biserica Chiril pentru a le înlocui pe cele pierdute, a pictat icoana „Fecioara cu Pruncul” și a oferit la comandă schițe ale picturilor Catedralei Vladimir. Aceste schițe au fost respinse de comisie din cauza inconsecvenței lor cu tradiția bizantină - Vrubel le-a modernizat, umplându-le cu psihologia tragică caracteristică sfârșitului secolului al XIX-lea. Cu toate acestea, aceste lucrări au avut o mare influență asupra dezvoltării lui Vrubel ca artist. Stilul original al lui Vrubel este caracterizat de un tip special de model cristalin, strălucitor cu margini sumbre albastru-violet.În multe dintre picturile lui Vrubel din perioada timpurie, domnește atmosfera unui basm. „Prițesa lebădă” este o pictură de Vrubel, scrisă pe baza imaginii de scenă a eroinei operei lui N. A. Rimsky-Korsakov „Povestea țarului Saltan”.
Prințesa cu o față tristă din pânza lui Vrubel este misterioasă și enigmatică. Pe fundalul amurgului care coboară peste mare, aripile Prințesei ies în evidență ca un punct luminos, pictat într-o manieră specială „Vrubel”, ca niște pietre prețioase fațetate.
M. A. Vrubel. Demon așezat. 1890
Unul dintre imagini centraleîn opera lui Vrubel se poate numi imaginea Demonului, ca imagine a puterii spiritului uman, a luptei interioare și a îndoielii. La începutul anilor 1890, Vrubel a pictat ilustrații pentru poemul lui M. Yu. Lermontov „Demonul”, apoi a început să lucreze la „Demonul așezat”, iar mai târziu a scris „Demonul zburător” și „Demonul învins”.
În prima poză a acestui ciclu, Vrubel interpretează imaginea unui demon ca pe un spirit care nu este atât de rău, cât suferind și întristat, în același timp un spirit puternic și maiestuos. Împreunându-și în mod tragic mâinile, Demonul stă înconjurat de flori fantastice pe fundalul munților într-un apus stacojiu. Ochii uriași ai Demonului sunt triști, privirea lui este îndreptată spre depărtare. Figura Demonului pare să fie cuprinsă între cadrele superioare și inferioare ale imaginii, ceea ce o aduce vizual mai aproape de privitor și sporește dramatismul imaginii.
Continuând această temă, în „Demonul zburător” Vrubel îl înfățișează pe Demon ca un puternic conducător al lumii, iar în „Demonul învins” Demonul este scris în pragul morții, silueta lui este ruptă, dar expresia feței sale. este izbitor în expresia sa, spiritul Demonului nu este rupt.
În toate aceste picturi, stilul individual al lui Vrubel se manifestă în mod clar; totul este pictat cu efectul unor margini cristaline strălucitoare, ceea ce face ca aceste tablouri să arate ca vitralii sau panouri prețioase. Vrubel a obținut acest efect folosind un cuțit de paletă în loc de o pensulă; în acest caz, loviturile de vopsea s-au dovedit plate și groase.
M. A. Vrubel. Demonul este învins. 1902
În 1902, Vrubel a fost lovit de o boală mintală gravă, una dintre cauzele căreia a fost moartea. fiul mic Vrubel. În perioada târzie a creativității sale, petrecută în principal în clinici private din Moscova și Sankt Petersburg, Vrubel a creat o serie de lucrări care tranzitează de la modernism la avangardă.
Pictura din perioada târzie „Serafim cu șase aripi” (cunoscut și sub alte nume - „Înger cu sabie și cădelniță”, „Azrael” și „Heruvim”), creată în interiorul zidurilor clinicii lui V.P. Sârbă, se referă la cele mai înalte realizări calea creativă Vrubel.În această lucrare, artistul i-a înzestrat pe Serafim cu privirea hipnotizantă a sorții însăși, iar sabia și lampa din mâinile sale par simboluri ale vieții și morții: oțelul emană un rece ca gheața, certându-se cu lumina vie și fierbinte a lămpii. Culoarea uimitor de frumoasă a picturii amintește de mozaicurile și vitraliile bizantine.
Tabloul „Serafinul cu șase aripi” poate fi numit un final cu mai multe valori a întregii călătorii creative a lui Vrubel în căutarea imaginilor cu Demoni și Îngeri.
|
V. A. Serov. Auto portret. |
În perioada timpurie a creativității sale, Serov a fost aproape de impresionismul rus; în lucrările acestei perioade, artistul și-a văzut principala sarcină în percepția imediată a modelului și a naturii și soluția lor plastică veridică. În dezvoltarea însorită a luminii și culorii, în transmiterea armoniei complexe a reflexelor și a aerului, Serov gloriifică tinerețea și frumusețea modelelor sale.
|
V. A. Serov. Fata cu piersici. 1887 |
Pentru pictura „Fata cu piersici”, Serov a primit un premiu de la Societatea Iubitorilor de Artă din Moscova.
V. A. Serov. Răpirea Europei. 1910
De-a lungul timpului, stilul impresionist al lui Serov devine mai restrâns, apropiindu-se de pictura monocromă și dobândind trăsăturile noului stil Art Nouveau, cel mai clar manifestat în lucrări precum „Portretul Idei Rubinstein” și „Răpirea Europei”.
Pictura „Răpirea Europei” a fost creată de Serov în stilul unui panou decorativ monumental. Subiectul artistului a fost mitul grecesc antic despre răpirea Europei, fiica regelui Agenor, de către Zeus care s-a transformat într-un taur.
Compoziția pânzei cu orizont înalt a fost construită de Serov pe mișcarea ritmică diagonală a formelor. Mișcarea activă a unui taur înotător este oprită de întoarcerea capului, echilibrul a două valuri, între care capetele Europei și ale lui Zeus se află în centru. Valurile scrise în mod convențional creează o senzație de mișcare măsurată, figurile delfinilor repetă mișcarea valurilor și a Zeusului înotat, sporind dinamica întregii compoziții.
Schema de culori a imaginii se bazează pe armonia albastrului și culoare portocalie: pata roșie aprinsă a figurii taurului de pe marea albastru-violet arată frumos și expresiv. „Pete” groase împrăștiate pe suprafața apei de culoare albastră, înfățișând valuri de apă, transmit mișcarea valurilor și organizează planul imaginii, precum și contururile clare ale tuturor figurilor.
V. A. Serov. Portretul Idei Rubinstein. 1910
Punctul culminant al stilului Art Nouveau în opera lui Serov a fost portretul Idei Rubinstein, faimoasa dansatoare și actriță din acea vreme. În acest portret, Serov nu a încercat să-și recreeze imaginea reală; sarcina principală a artistului aici a fost să stilizeze natura și să transmită complexitatea caracterului modelului. În timp ce păstrează caracteristicile individuale specifice ale modelului, aspectul, caracterul și plasticitatea acestuia, Serov combină realul și convenționalul în compoziție, care au fost trăsăturile stilistice distinctive ale Art Nouveau.
Serov a descris-o pe Ida Rubinstein într-un portret al unei sfidătoare, magnifică, dar, în același timp, aspectul actriței este subtil și liric. Artistul reproduce figura modelului într-o întorsătură complexă folosind linii îndoite, ascuțindu-i la maximum conturul. Compoziția în sine, care îndeplinește cerințele modernismului, nu dezvăluie spațiul în care este înfățișată actrița; fundalul portretului este plat și convențional, ceea ce creează senzația că Ida Rubinstein nu stă, ci este întinsă, presată. de perete.
La prima prezentare la Expoziția Internațională de Artă de la Roma, în 1911, tabloul a făcut o impresie scandaloasă: publicul a fost șocat atât de faptul că faimosul dansator, care era acceptat în societate, a pozat gol, cât și de faptul că Serov a folosit tehnici complet noi de compoziție și pictură, distingând stilul Art Nouveau.
În portretele ceremoniale ale lui Serov din această perioadă, acuitatea caracteristicilor socio-psihologice profunde s-a intensificat și ea. Când transmite caracteristicile portretului unui model, Serov folosește adesea hiperbolizarea și grotescismul, creând o imagine care este contemporană cu spiritul vremurilor.Un exemplu de astfel de portret ceremonial cu trăsături moderniste poate fi numit „Portretul prințesei O. K. Orlova”, în care tehnica de pictură sofisticată este combinată cu ironie și batjocură ușoară. Serov a pictat acest portret la comanda prințesei însăși, dar mulți contemporani au remarcat viziunea fără compromisuri a artistului asupra clientului și l-au suspectat de sarcasm.
Olga Orlova este înfățișată într-o ipostază pretențioasă: o pălărie uriașă, o stolă de samur aruncată pe spate și care își expune umerii, mâinile strângând un colier de perle, vârful expus al unui pantof din piele lăcuită - toate acestea conferă imaginii prințesei o grație elaborată. În stilul Art Nouveau, Serov folosește contururile nervoase, unghiulare ale siluetei figurii, combinate cu realismul și materialitatea lucrărilor detaliate.
|
V. M. Vasneţov. Auto portret. 1873 |
Direcția principală a creativității lui Vasnețov devine pictura istorică epică, în care artistul transformă limba rusă genul istoric, îmbinând motivele medievale cu atmosfera poetică a basmelor rusești.
Multe dintre lucrările lui Vasnețov în stilul lor sunt apropiate de picturile decorative pe panouri tipice Art Nouveau, transportând privitorul într-o lume a viselor.
V. M. Vasneţov. Cavaler la răscruce. 1882
Impresionat de epopeele rusești la sfârșitul secolului al XIX-lea, Vasnețov a pictat pânze monumentale „Bogatyrs” și „Cavalerul la răscruce”.
Intriga filmului „Cavalerul de la răscruce” se bazează pe motivele epicului „Ilya Muromets și tâlharii”. În schițele inițiale pentru acest tablou, Vasnețov l-a întors pe cavaler în fața privitorului. Dar pentru o mai mare expresivitate și emotivitate a imaginii în versiunea finală, artistul a mărit dimensiunea pânzei, figura cavalerului a devenit mai monumentală, adâncimea compoziției a scăzut și a devenit mai plată, mai aproape de un panou. În ultima variantă a dispărut și drumul, astfel că cavalerul nu a mai avut de ales decât cea indicată pe piatră.
Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Vasnețov, „Alyonushka”, se bazează, de asemenea, pe intriga folclorică a basmului popular rus „Despre sora Alyonushka și fratele Ivanushka”.Impulsul pictării acestui tablou a fost o întâlnire întâmplătoare a artistului cu o țărancă cu părul simplu. În chipul ei dulce, Vasnețov a văzut un suflet rusesc deosebit, cu melancolia, singurătatea și tristețea pur rusească în ochii ei.
Pentru a căuta un motiv peisagistic pentru acest tablou, Vasnețov a finalizat multe schițe de pe malul râului Vor din Abramtsevo, lângă iazul din Akhtyrka.
„Alyonushka” a fost expusă pentru prima dată la expoziția Itineranților în 1881 și, potrivit recenziilor celebrului critic al vremii, I. E. Grabar, a fost numit unul dintre cele mai bune picturi ale școlii ruse.
|
V. M. Vasneţov. Botezul Rus'ului. 1890 |
Apogeul creativității lui Vasnețov poate fi numit picturile Catedralei Sf. Vladimir din Kiev, în care artistul a actualizat într-o oarecare măsură canoanele bizantine, introducând în ele un element liric-personal și un psihologism „rus” special.
Toate temele picturilor catedralei s-au bazat pe o înțelegere a istoriei religioase a Rusiei, ca moștenitor al Bizanțului, și a locului Rusiei în cultura și istoria mondială.
Fresca „Botezul Rusiei” a devenit una dintre compozițiile centrale ale Catedralei Sf. Vladimir de deasupra intrării în cor. Vasnețov a ales ca subiect al frescei în sine momentul botezului locuitorilor Kievului în apele Niprului. În compoziția frescei, artistul combină solemnitatea și oarecare patos, corespunzătoare momentului reprezentat, cu o imagine centrală clar individualizată a prințului Vladimir Svyatoslavovich, introducând început romanticîn complotul canonic.
V. M. Vasneţov. Dumnezeul Oștirilor.
Fresca Catedralei Sf. Vladimir. 1885-1896
Modernismul în arhitectură este reprezentat de diferite tendințe apărute la începutul secolului XX spre deosebire de Modernismul romantic. Rețineți că există multă confuzie în definițiile acestor două stiluri sau mișcări.
Modern sau modernism: cum să-l înțelegi
Modernismul în arhitectura URSS (Constructivism) Constructivismul
A câștigat recunoaștere în Uniunea Sovietică în ultimul secol, în anii 1920 și începutul anilor 1930. El a combinat tehnologii și echipamente avansate cu scopul general recunoscut al statului - construirea comunismului. Dotat cu forme mecaniciste și dinamice.
Stil abstract sau artă abstractă
Această direcție intră în contact cu avangarda și promovează refuzul de a descrie formele reale ale lucrurilor. Astfel de stiluri arhitecturale și trăsăturile lor precum cubismul și suprematismul sunt derivatele sale.
Înlocuiește simetria și statica cu asimetria și echilibrul de masă.
Modernismul în arhitectura URSS (Abstractionism). Da. Cernikhov. Compoziția nr. 28 (1925–1933) Modernismul în arhitectura olandeză: De Stijl
Acest stil a fost format ca o mișcare artistică de către o societate de artiști din orașul olandez Leiden în 1917. Numit si neoplasticism. Mișcarea De Stijl a fost influențată de picturile cubiștilor și de mișcarea DaDa cu ideile sale despre formele geometrice ideale. Iar opera lui De Stijl, la rândul său, a influențat Bauhaus și stilul internațional. Influența acestei mișcări asupra arhitecturii poate fi observată cel mai mult în Casa Rietveld Schröder, care este singura clădire creată exclusiv folosind principiile De Stijl - pereți albi și gri, tocuri negre ale ușilor și multe elemente pictate în culori primare strălucitoare.
stilul De Stijl. Casa Rietveld Schröder, Olanda Modernismul în arhitectura germană: Bauhaus
Clădirea Bauhaus, Dessau, Germania Stilul și-a primit numele datorită asociației artistice cu același nume, fondată în Germania de arhitectul german Walter Gropius. În ciuda vieții sale relativ scurte (din 1919 până în 1933), a avut o influență uriașă asupra designului secolului XX, stilului clasic modern și avangardei.
Unul dintre obiectivele principale ale Bauhaus a fost combinație a unei game largi de arte- arhitectura, sculptura, pictura cu mestesuguri si tehnologie, unde functionalitatea este pe primul loc.
Minimalist aspect clădirile, concentrarea pe forme geometrice simplificate și lipsa decorului sunt un semn al principiilor revoluționare ale Bauhaus - frumusețea și simplitatea.
Minimalism
Originile arhitecturii minimaliste se întorc la Cubism, De Stijl și Bauhaus. În anumite privințe, aceste mișcări erau similare între ele.
Casa Farnsworth, 1951, Mies, Illinois, SUA De exemplu, mișcarea De Stijl a favorizat simplitatea și abstractizarea și a redus decorul la forma și culoarea sa de bază. Și-au bazat filozofia de design pe funcționalism, planuri drepte și eliminarea tratamentelor decorative ale suprafețelor, așa cum se arată în casa lui Schröder Rietveld.
Pe de altă parte, Bauhaus a fost fondat ca școală de artă în Germania, cu scopul de a promova producția de masă și de a combina meșteșugurile cu tehnologia. Bauhaus a împărtășit principiile lui De Stijl de funcționalism, puritate și reducere a formei.
Doar câteva secunde din videoclip arată esența minimalismului:
Pe lângă Bauhaus și De Stijl, arhitectura minimalistă a fost influențată de arhitectura tradițională japoneză, apreciindu-i simplitatea.
Acest stil prezintă anumite caracteristici de formă, lumină, spațiu și material împreună cu tehnici precum
- reducere,
- simplificare şi
- unificare.
Minimaliştii iau în considerare aceste caracteristici esență arhitectură.
Minimalismul elimină detaliile neesențiale, reducând și condensând conținutul proiectului la un minimum de elemente, parametri și mijloace necesare, definindu-i astfel forma.
Functionalism
Un stil arhitectural din secolul XX care a aliniat clădirile și structurile cu funcțiile lor. Este originar din Germania, la școala Bauhaus și Țările de Jos. Deși funcționalismul nu este un concept exclusiv modern, el este strâns legat de stil modern arhitectura, care s-a dezvoltat pe parcursul celui de-al doilea sfert al secolului al XX-lea.
Autor: Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0, Link
Tehnicile progresive de construcție, nevoia de noi tipuri de clădiri și schimbările în idealurile culturale și estetice au influențat popularitatea acestei tendințe. Principalul slogan în arhitectură este de a satisface nevoile practice. Cel mai influență puternică directii au fost observate in Germania, Cehoslovacia, URSS si Olanda.
Brutalism
Modernismul în arhitectura indiană. Brutalism. Clădirea Asociației proprietarilor de morii, Ahmedabad Modernismul în arhitectură Brutalismul reprezintă din anii 1950 până la mijlocul anilor 1970. Clădirile brutaliste au elemente modulare repetate ale zonelor funcționale care sunt clar articulate și grupate într-un întreg coeziv. Suprafețele din beton turnat sunt realizate pentru a evidenția materialul de bază al structurii cu textura cofrajului din lemn folosit pentru turnarea matrițelor. Materiale de construcție Materialele folosite în acest stil includ cărămizi, oțel, sticlă și piatră brută. Acesta este în contrast puternic cu clădirile elaborate și ornamentate construite în stilul de elită Beaux-Arts.
Ca o ilustrare a confuziei din mișcările moderniste și moderniste, puteți viziona un scurt videoclip (realizat cel mai probabil pe baza surselor în limba engleză), în care clădirile moderniste sunt la egalitate cu modernismul.
Aceste stiluri de pictură consoane sunt adesea confundate între ele. Pentru ca un artist începător și orice altă persoană interesată de artă să poată naviga liber în direcții, precum și să le poată distinge unul de celălalt, școala noastră de artă vă invită să citiți acest articol, precum și să participați la fascinanta „Pictură în ulei”. cursuri de master. Împreună vom putea nu numai să luăm în considerare diferite stiluri de pictură cu caracteristicile lor, ci și să ne realizăm în mod independent potențialul în anumite mișcări folosind tehnici artistice speciale.
Victor Vasnețov. După masacrul lui Igor Sviatoslavovici cu polovțienii. 1848-1926.
Deci, să începem cu Art Nouveau, care astăzi rămâne popular și solicitat în lume datorită esteticii sale originale.
MODERN
Modernîn pictură, acestea sunt comploturi pline de imagini caracteristice simbolismului. Ritmul lor complex este combinat într-o compoziție liniară cu elemente decorative originale.
Prima și principala caracteristică a acestui stil este netezimea specifică a formelor. Vedem figuri alungite crescând în înălțime, cu contururi clar definite pe o suprafață cu o singură culoare. Privind lucrările artiști celebri moderne, aruncați o privire mai atentă și veți observa că nu au efectul obișnuit de profunzime. Imaginile arată plate, de parcă ar fi tapetări.
Inițial, când modernismul în pictură tocmai câștiga amploare, reprezentanții săi au folosit exotic motive vegetale, ornamente și modele fanteziste. Nu era neobișnuit ca figuri feminine sau creaturi mistice să apară în împletirea lor pe pânze. Acesta este un simbol, un fel de alegorie subiectul principal imagini precum dragoste, păcat, moarte sau război. Este important de remarcat faptul că s-a format limbajul stilului ani lungi, în mare parte nu fără ideile simboliștilor din Franța și Rusia. În fiecare țară a fost numit diferit. Acesta este Art Nouveau, Art Nouveau și Secession.
Modernismul în pictură este reprezentat de lucrările unor personalități iconice precum P. Gauguin și P. Bonnard, G. Klimt și E. Munch, M. Vrubel și V. Vasnetsov.
Paul Gauguin. Doi tahitieni 
Mihail Vrubel. Serafimi cu șase aripi. 1904. 
Nu confunda pictorii moderniști și artiștii moderniști.
MODERNISM
Modernism- acesta este un anumit agregat stiluri diferite, care se bazează pe individualitatea viziunii autorului, pe libertatea gândurilor și a emoțiilor sale interne. În general, modernismul în pictură se poziționează ca o mișcare majoră separată care a abandonat tradițiile clasice obișnuite. Artiștii și-au tăiat experiența istorică. Au încercat să găsească un nou început în artă, să reînnoiască percepția și înțelegerea picturii în societate.
Pentru cei mai celebri mișcările moderniste stilurile includ: avangardă, primitivism, cubism, suprarealism, futurism, expresionism și abstractionism. Fiecare dintre ele își urmărește propriul scop, bazat pe o idee sau gândire filosofică originală.
Avangardă a apărut din postmodernismul în Europa în anii 1905-1930. Scopul acestei mișcări este de a dobândi libertate în limitele posibilităților proprii. tehnici artistice. Lucrările artiștilor de avangardă se caracterizează prin idei și scene provocatoare, sincere.
Kazimir Malevici. Suprematism. 
Primitivismulîn pictură este o distorsiune deliberată a imaginilor folosind o metodă de simplificare. Într-un fel, acest stil imită etapele primare, primitive, ale dezvoltării picturii. Interpretarea unui copil a esenței umane, conturată în detalii fine, a făcut ca acest stil să fie popular printre artiștii autodidacți. Cu toate acestea, arta naivă, ușoară, fără cadre clare și tehnici clasice, a influențat serios opera creatorilor venerabili. Primitivismul în pictură, în forme și imagini, nu este în niciun caz legat de primitivitatea conținutului tabloului. Unele lucruri mici aruncate aleatoriu în comploturi pot spune despre emoțiile interioare foarte importante ale eroului de pe pânză.
Niko Pirosmani. Actrita Margarita. 1909. 
Cubism se bazează pe o schimbare a formelor imaginilor, deformarea și descompunerea lor în elemente geometrice. Conceptul de pictură a început să domine valoarea artistică. Această mișcare a determinat dezvoltarea artei în următoarele decenii.
L. Popova. Portretul unui filozof. 1915. 
Suprarealismîn pictură a apărut ca urmare a lucrărilor literare dedicate formării conștiinței umane. Ideea existenței minții și sufletului dincolo lumea reala, studiul inconștientului, precum și fenomenul somnului și fenomenele absurde, le-au oferit artiștilor noi teme de lucru. Sensul principal Acest stil este o detașare de creativitatea conștientă obișnuită. Suprarealismul în pictură este imagini și subiecte preluate din adâncurile propriului subconștient. Prin urmare, pozele acestui plan sunt pline de halucinații bizare.
Salvador Dali. Persistența memoriei. 1931. 
La fel ca suprarealismul, futurismîn pictură îşi ia ideile din literatură. Distrugerea stereotipurilor și demonstrarea unui viitor urban - asta este Ideea principală acest stil. Mișcarea rapidă în viitor, dorința de a scăpa de vechile norme, de a ieși din rămășițele secolelor trecute și de a intra într-o lume mai organizată și mai consistentă, este vizibilă în fiecare lucrare a artiștilor acestei mișcări. Futurismul în picturile autorilor ruși este oarecum diferit de picturile adepților europeni ai acestei tendințe. În principal prin contopirea cu principiile cubismului.
Umberto Boccioni. State of Soul II: Cei care au plecat. 1911. 
Expresionismîn pictură este un protest împotriva lumii. Aceasta este o percepție acută internă a mediului, alienarea unei persoane, colapsul său spiritual. Stilul a apărut în ajunul războiului, așa că nu este de mirare că pânzele sunt pline de deformații, colorări deosebite și disonanțe ascuțite. Expresionismul în pictură nu este altceva decât transferul unei emoții specifice, o înțelegere dramatică a experiențelor cuiva.
Edward Moon. Ţipăt. 1893. 
Abstracţionismîn pictură - o respingere completă a transferului propriu-zis de imagini are ca scop crearea de asocieri unice în privitor, prin combinarea diferitelor forme geometrice nuanțe specifice. Abstracționismul în pictură vizează armonia compoziției, deoarece orice obiect dintr-un unghi diferit poate avea forme diferiteși nuanțe. Această mișcare este ultima etapă a manifestării modernismului, așa-numita artă non-figurativă.
Theo van Doesburg. Contracompunerea V. 1924 
POSTMODERNISM
Deja din nume este clar că postmodernismul a înlocuit modernismul, care era de neînțeles pentru cercurile largi și cădea sub mâinile criticilor sceptici. Are caracteristici tipologice unice. În primul rând, postmodernismul în pictură este prezența unei forme gata făcute. Artiștii împrumută imagini din tradițiile clasice, dar le oferă o nouă interpretare, propriul lor context exclusiv. Nu este neobișnuit ca postmoderniștii să combine forme din stiluri diferite, ironizând lumea și justificând astfel natura lor secundară.
Următoarea diferență importantă este absența oricăror reguli. Acest curent nu dictează criteriile autorului pentru auto-exprimare. Creatorul are dreptul de a alege orice formă și mod de execuție a operei sale. Rețineți că această libertate a devenit baza pentru proaspăt idei creativeși tendințe în artă. Postmodernismul în pictură este o condiție prealabilă pentru apariția instalațiilor și spectacolelor artistice. Această mișcare nu are caracteristici tehnice clare, iar astăzi este cea mai mare și cea mai populară pe scena mondială.
Paul Salvator Goldengreen. Prințul Pictor. 
Școala de artă „Pictura în ulei” ajută în mod activ artiștii începători și amatorii să-și găsească propriul stil.
