• Desene ale artiștilor clasici Dragi utilizatori, puteți descărca grafica unor artiști în arhivele rar. Imagini mari. Actualizare în secțiunea Istoricul graficelor.
• vk.com/site. Reprezentarea site-ului „Graph” în contact. Comunitatea are o mulțime de videoclipuri tutoriale pentru artiști. Sunt adăugate în mod constant albume noi ale artiștilor grafici clasici.

Lucrări ale artiștilor site-ului „Graph”.

Arte grafice- pe de o parte - un fel de artă, pe de altă parte - o ocupație care este la îndemâna tuturor și toți oamenii sunt angajați în ea încă de la o vârstă fragedă. Pentru a crea un desen grafic, aveți nevoie doar de o foaie de hârtie și material de desen - un creion sau vopsea. Adică, pe de o parte, grafica este disponibilă publicului.

Dar, pe de altă parte, este o formă de artă complexă care trebuie predată în același mod ca pictura sau sculptura. Aceasta este dificultatea și simplitatea graficii. Toată lumea poate desena, dar doar câțiva pot deveni stăpâni.
Graficele sunt împărțite în două tipuri: tipărit (tipărit) destinat reproducerii; și unic, implicând realizarea de lucrări într-un singur exemplar.

Cea mai comună trăsătură distinctivă a graficii este relația specială a obiectului reprezentat cu spațiul, al cărui rol este în mare parte jucat de fundalul hârtiei, „aerul unei foi albe”, în cuvintele maestrului sovietic al graficii. V. A. Favorsky. O senzație spațială este creată nu numai de zonele foii care nu sunt ocupate de imagine, ci adesea (de exemplu, în desenele cu acuarelă) și de fundalul hârtiei care apare sub stratul colorat.

Vă aducem în atenție secțiunea: Biblioteca pentru artiști.
În „Bibliotecă” puteți descărca cărți despre artă, anatomie, istoria artei, lecții de desen și pictură pentru studiu acasă.

Precum și 100 de numere ale revistei Art Gallery în format djvu.

Grafica este un tip de artă plastică.

Termenul „grafică” provine din cuvântul grecesc „grapho” – scriu eu. Principalele mijloace vizuale ale graficii sunt linia, cursa, spotul și punctul. Culoarea principală este negru, deși alte culori pot fi folosite ca auxiliare.

M. Vrubel. Ilustrație pentru tragedie de A.S. Pușkin „Mozart și Salieri”
Fundalul hârtiei în grafică joacă rolul spațiului, care este important pentru desenul grafic.
Grafica, în ciuda limbajului mai zgârcit în comparație cu pictura, se distinge prin posibilități mai mari de a descrie și de a transmite emoții. Trebuie doar să ne amintim de desenele tinerei artiste Nadia Rusheva. Ei fascinează cu ușurința, acuratețea și profunzimea imaginilor. Puteți citi despre acest artist.

N. Rusheva „Pușkin și Pușchin”
Mulți artiști celebri au folosit posibilitățile graficii: Bilibin, Brueghel, Van Gogh, Watteau, Vrubel, Goya, Quarengga, Leonardo da Vinci, Alphonse Mucha, Rembrandt, Titian, Somov, Hokusai și alții.

F. Tolstoi „Sub jocul lui Cupidon” Hârtie colorată, creion, sepia, văruire

Genurile de grafică sunt practic aceleași cu genurile de pictură. Dar aici genul portretului și peisajul sunt mai frecvente, într-o măsură mai mică - genuri istorice, cotidiene și alte genuri.

M. Demidov „Portretul lui S. Rahmaninov”

V. Favorsky „Mikhail Kutuzov” (1945). Din seria „Marii generali ruși”

V. Favorsky „Student la liceul Pușkin” (1935)

Peisajul dintr-un desen grafic „nu se joacă” cu culorile, dar surprinde prin subtilitatea sentimentelor și încurajează imaginația.

S. Nikireev „Păpădie”

Lucrări grafice ale unor artiști de renume mondial

Arta grafică este diversă și atrage artiștii cu capacitatea de a transmite sentimente și gânduri doar cu un creion sau un creion. Această posibilitate captivează nu numai graficianul care creează opera de artă, ci și privitorul.

A. Durer „Autoportret” (1500). Alte Pinakothek (München)
Artist european major Albrecht Dürer(1471-1528), a lăsat o mare moștenire de desene - aproximativ o mie: peisaje, portrete, schițe de oameni, animale și plante. Acest artist a fost dezvăluit cel mai pe deplin tocmai în desenul grafic, deoarece. în picturi, nu a fost întotdeauna liber de arbitrariul clienților.
Dürer a practicat constant în amenajarea, generalizarea, construcția spațiului. Desenele sale animale și botanice se disting prin înaltă măiestrie și observație. Majoritatea desenelor sale sunt realizate cu atenție. În gravurile și picturile sale, a repetat în mod repetat motivele lucrărilor grafice.

A. Dürer „Mâinile care se roagă” (circa 1508)

Katsushika Hokusai „Autoportret”
Katsushika Hokusai(1760-1849) - marele artist japonez ukiyo-e (imagini ale lumii în schimbare), ilustrator, gravor. Este autorul multor desene grafice și gravuri.

Katsushika Hokusai „Marele Val de lângă Kanagawa” (1823-1831)

Vladimir Andreevici Favorsky(1886-1964) - Artist grafician rus și sovietic, maestru în portrete, gravuri în lemn și grafică de carte, critic de artă, scenograf, muralist, profesor și teoretician al artelor plastice, profesor.

Cunoscut pentru ciclurile sale de grafică și gravură, precum și pentru ilustrațiile pentru lucrările lui A.S. Pușkin, la „Povestea campaniei lui Igor”, traducerile lui Marshak, poveștile lui Prișvin și Tolstoi etc.
În viziunea sa plastică, Favorsky este aproape de mozaiciştii bizantini, de Michelangelo, de Vrubel.

V. Favorsky. Ilustrație pentru „Micile tragedii” de A.S. Pușkin
Leonardo da Vinci(1452-1519). „Omul universal”: artist și om de știință italian, inventator, scriitor, muzician, unul dintre cei mai mari reprezentanți ai artei Înaltei Renașteri.

Presupus autoportret al lui Leonardo da Vinci
Artistul a înregistrat constant rezultatele observațiilor sale asupra lumii din jurul său în schițe, schițe realizate în diferite tehnici (creion italian, creion argintiu, sangvin, stilou etc.), a obținut claritate în transferul expresiilor faciale, trăsăturilor fizice și mișcărilor. a corpului uman, aducând totul la perfecțiune.conform atmosferei spirituale a compoziției sale.

Leonardo da Vinci. Schiță a capului unei fete tinere (capul unui înger pentru tabloul „Madona în stânci”)

Leonardo da Vinci „Omul Vitruvian” (1490). Galeria Academiei din Veneția (Italia)
Acest desen a fost creat pentru a determina proporțiile corpului uman (masculin), așa cum este descris în tratatul vechiului arhitect roman Vitruvius „Despre arhitectură”.
Omul Vitruvian- figura unui bărbat gol în două poziții suprapuse: cu brațele și picioarele depărtate, înscrise într-un cerc; cu brațele și picioarele desfăcute reunite, înscrise într-un pătrat. Figura și explicațiile ei sunt uneori numite „proporții canonice”.
Desenul este realizat in stilou, cerneala si acuarela cu un creion metalic, dimensiunile desenului sunt de 34,3 × 24,5 centimetri.
Desenul este atât o lucrare științifică, cât și o operă de artă, exemplifică interesul lui Leonardo pentru proporții.

Caricatură

Un gen grafic specific este caricatura (desen satiric, desen animat).
Caricatura este unul dintre cele mai vechi tipuri de desen. Ea reflectă problemele societății și din timpuri timpurii a servit ca o anumită metodă de autoafirmare asupra infractorului. Așa că și-au batjocorit dușmanii, așa și poporul și-a batjocorit conducătorii sau sclavii. De obicei, era un desen cu distorsiuni grosolane ale trăsăturilor infractorilor sau coarne adăugate, o coadă etc. Originea caricaturii în Rusia a avut loc în secolul al XVII-lea. din tipărituri populare.
O caricatură într-o formă satirică sau umoristică și înfățișează în prezent orice fenomene sociale, socio-politice, cotidiene, chipuri reale sau tipuri caracteristice de oameni.
O caricatură modernă este un desen satiric sau umoristic, o izo-anecdotă. După subiect, se disting desene animate politice, sociale, cotidiene etc.. Genul caricaturii se dezvoltă în întreaga lume.

Capitalismul prin ochii lui Hörluf Bidstrup, caricaturist danez ((1912-1988)
Caricaturi interni celebri: Cheremnykh, Rotov, Semyonov, Brodat, Denis, Kukryniksy, Efimov.

Kukryniksy (de la stânga la dreapta: Porfiry Krylov, Mikhail Kupriyanov, Nikolai Sokolov)

Caricatura Kukryniksy
Caricatură(fr. charge) - un fel de caricatură; o imagine satirică sau bun-umoristică (de obicei un portret), în care se observă asemănarea exterioară, dar se evidențiază trăsăturile cele mai caracteristice ale modelului. Desene animate pot înfățișa oameni, animale și diverse obiecte. Spre deosebire de caricaturi, desenele animate nu ridiculizează neajunsurile eroului, sunt binevoitoare, fac oamenii să zâmbească, dar nu râd de personajele înfățișate.

Caricatura lui Maxim Galkin
Un alt tip de caricatură este grotesc.
Grotesc(Grotesc francez, la propriu - „bizar”, „comic” - un tip de activitate artistică care generalizează și ascutește comic sau tragicomic o poveste de viață printr-o combinație de real și fantastic. Grotescul este inerent și altor tipuri de artă: literatură, pictura, muzica. De fapt, grotescul este inerent unei anumite gândiri artistice, este un fel de dar. Aristofan, F. Rabelais, E. T. A. Hoffmann, N. V. Gogol, M. Twain, F. Kafka, M. A. Bulgakov, M. E. Saltykov-Shchedrin au scris în genul grotesc.Dar în acest articol considerăm doar grotescul în artele vizuale.

Grotesc liric

Grafica este cel mai vechi tip de artă plastică. Primele lucrări grafice sunt picturi rupestre ale omului primitiv, care reflectă viziunea sa asupra lumii din jurul său. Cărțile de papirus ale egiptenilor antici conțineau simboluri grafice (hieroglife) și ilustrații. Din cele mai vechi timpuri, exemple frumoase de grafică au ajuns până la noi sub formă de picturi pe vase și vase ceramice.

Multă vreme, doar scrisul și caligrafia au fost clasificate ca grafică. În Evul Mediu, grafica cărților s-a răspândit: cărțile scrise de mână erau decorate cu desene și miniaturi magnifice, iar crearea fonturilor s-a transformat într-o zonă separată de artă.

Artiști grafici remarcabili și lucrările lor remarcabile

Cel mai mare maestru al Renașterii Europei de Vest, Albrecht Dürer, este unul dintre fondatorii gravurii. Cele mai faimoase lucrări ale sale despre cupru sunt Knight, Death and the Devil (1513), St. Ieronim în chilie” și „Melancolie” (1514).

Marele artist și om de știință italian al Renașterii Leonardo da Vinci a fost un desenator inimitabil. Vasta sa moștenire grafică include: desene pregătitoare pentru picturi, imagini cu animale și plante, ilustrații pentru dezvoltări tehnice, desene pentru tratate.

Tehnica și tipurile de grafică

Baza tuturor tipurilor de artă grafică este desenul. De obicei, o imagine grafică este executată pe o coală de hârtie, care joacă rolul spațiului. Pentru a-și crea opera, artistul poate folosi un întreg arsenal de instrumente: creion, pix, cărbune, cerneală, cerneală, sanguin (creioane roșu-brun din caolin și oxizi de fier), cretă colorată, sos (unul dintre tipurile de pasteluri), acuarelă, guașă.

Principalul instrument al desenului european în goticul târziu și în Renaștere a fost stiloul. La sfârșitul secolului al XVII-lea, creioanele din grafit au început să fie folosite pentru a crea desene, desene și schițe. În grafică, pânza practic nu este folosită, deoarece acuarelele și guașa nu se potrivesc bine pe ea. Culoarea în imaginile grafice este folosită mult mai puțin decât în ​​picturi. Principalele mijloace vizuale ale graficii sunt linia, spotul, clarobscurul, stroke și punctul.

Grafica are aceeași varietate mare de genuri ca și pictura. Dar aici genurile portret și peisaj sunt mai frecvente, într-o măsură mai mică - natura moartă, istorică, domestică și altele. Grafica este împărțită în mod tradițional în grafică monumentală (afiș, grafică de perete), șevalet (desene și printuri), grafică de carte (ilustrări, cărți poștale), precum și grafică pe computer, care, totuși, stă deoparte deoarece nu folosește materiale tradiționale.

Arta graficii se distinge printr-o mare varietate de tehnici pe care artistul le foloseste in forma sa pura sau in diverse combinatii. După tehnica graficii, există două tipuri: desen și grafică tipărită (print). Desenul este creat doar într-o singură copie. În antichitate, artiștii foloseau papirusul, pergamentul, iar din secolul al XIV-lea au început să deseneze pe hârtie.

Grafica tipărită, dimpotrivă, există în multe exemplare. Pentru reproducere, se folosește o gravură - un desen pe un material solid, care este acoperit cu vopsea și apoi imprimat pe o foaie de hârtie. În funcție de material, se disting diferite tipuri și tehnici de gravură: gravură în lemn (gravură pe lemn), linogravură (gravură pe linoleum), gravură (gravură pe metal), litografie (gravură pe piatră). Odată cu apariția gravurii, cartea tipărită a apărut și grafica cărții a început să se dezvolte. Astăzi, dezvoltarea graficii nu se oprește, apar noi genuri și tehnici, dar, ca și în cele mai vechi timpuri, grafica rămâne o componentă importantă a artei plastice în viața noastră.

Colecția de grafică domestică de la sfârșitul secolelor XIX-XX din Rezervația Muzeu Sergiev Posad este mică ca volum, mai puțin sistematică și completă decât colecția sa picturală din această perioadă. Dar are o semnificație artistică proprie în complexul muzeal general.
Specificul colecției grafice a muzeului (precum și cea picturală) este predominarea lucrărilor artiștilor locali și o anumită focalizare tematică asociată iconografiei Lavrei Treimii-Sergiu și a orașului. O parte specială a acestuia este alcătuită din foi individuale (mai rar - cicluri de lucrări) ale unor celebri maeștri ai artelor plastice autohtone - I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. Favorsky, T.A. Mavrina și alții (aproximativ 80 de lucrări).

Primii pași spre formarea colecției au fost făcuți chiar de la începutul activității muzeului - în 1920-1921: peste 30 de lucrări grafice ale artiștilor locali au fost achiziționate de la „Expoziția de motive arhitecturale” a TSL.
Cea mai valoroasă parte a colecției este achiziția cadou și achiziționarea de lucrări grafice de la persoane fizice. În acest fel, lucrările lui I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, V.A. Favorsky, L.S. Bakst. „Numele” (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin etc.) sunt „numite”, dar reprezentate prin lucrări unice. „Personalitatea” artei grafice rusești din colecția muzeului este în esență aceeași - T.A. Mavrina (colecția SPMZ ne permite să-și arătăm opera în dezvoltare, din anii 1940 până în anii 1970, folosind exemplul celor mai bune lucrări). Cu toate acestea, pentru colecția de artă „provincială” de la sfârșitul secolelor XIX-XX, lucrările individuale ale artiștilor clasici sunt extrem de valoroase.

Cele mai vechi exemple de grafică tipărită din complexul de lucrări pe care îl luăm în considerare datează din anii '80 ai secolului al XIX-lea. Ele sunt asociate cu o singură „personalitate” - un reper și semnificativ în istoria gravurii rusești din această perioadă - I.I. Şişkin (1832 1898).
Amintiți-vă că anii 1870 au fost o perioadă de tranziție și „tranziție” pentru grafica tipărită rusească, vremea dominației gravurii de ton. Dar chiar și în această perioadă nu cea mai creativă au existat virtuozi autentici ai gravurilor în lemn (V.V. Mate) și ai gravurii (I.I. Shishkin). Colecția noastră conține patru gravuri ale artistului, create de acesta în anii 1880 (o perioadă care a fost deosebit de fructuoasă în opera lui Shișkin). Acestea sunt foile „Gurzuf” (1885), „Pădurea Neagră” (1885), „Aprilie” (1885), „Mlaștină pe calea ferată din Varșovia” (1886), strălucitoare prin măiestria lor și subtilitatea de a transmite starea naturii. Colecția muzeului conține și desene ale unor pictori ruși celebri, precum artistul itinerant Vladimir Yegorovici Makovsky (1846-1920) și Valentin Alexandrovici Serov (1865-1911). Portrete ale lui V.E. Makovski, realizat în desen, sunt la fel de impecabile în compoziție și completitudine ca picturile sale în ulei. Fiind maestru de portrete, V.E. Makovsky a avut talentul de a transmite cu acuratețe nu numai asemănarea exterioară a persoanei înfățișate, ci și trăsăturile mișcărilor sale spirituale, evidențiind acele trăsături principale de caracter care determină acțiunile unei persoane, gândurile și sentimentele sale. Valentin Serov, ca orice artist adevărat, a lucrat remarcabil de bine nu numai în pictura în ulei, dar a stăpânit cu măiestrie tehnica desenului. Numeroasele sale lucrări în creion și cărbune au aceeași vivacitate și acuratețe în a transmite caracterul oamenilor reprezentați, aceeași perfecțiune a execuției ca și picturile sale în ulei.

Colecția muzeului conține mai multe lucrări ale artiștilor ruși celebri de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. Acesta este, în primul rând, un desen al lui Mihail Vrubel (1856–1910), cel mai mare reprezentant al simbolismului și modernității în arta plastică rusă. Alături de foile lui L.S. Bakst și M.A. Vrubel, perioada de glorie a graficii rusești la cumpăna dintre secolele XIX-XX și anii 1910 este reprezentată de opera lui K.A. Korovin (1861-1939) - o schiță a decorului în 1917 pentru opera de N.A. Rimsky Korsakov „Sadko”. Această schiță este singurul exemplu „supraviețuitor” de grafică a decorului de teatru. Stilistic, foaia noastră se apropie de o serie de lucrări de teatru ale lui K. Korovin de la sfârșitul anilor 1900-1910. Schițele lui K. Korovin pentru „Sadko” în 1906, 1914 se disting printr-o construcție compozițională mai complexă, ele includ nu numai imaginea „Corului”, ci și o terasă deschisă, prin ale căreia este vizibil un peisaj - „marea”. albastru". Foaia noastră are un sunet de cameră: reprezintă interiorul camerei cu o boltă înaltă, ferestre mici, o sobă de teracotă și bănci.
Colecția de grafică a muzeului are și un mic desen al lui Ilya Efimovici Repin „Portretul scriitorului Leontiev-Șceglov”. I.L. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - un scriitor și dramaturg rus talentat

Fișe grafice B.M. Kustodiev în colecția Muzeului-Rezervație Sergiev Posad sunt trei linogravuri din 1926 (semnate, datate de autor), primite în 1928 dintr-o colecție privată. În opera artistului, grafica a ocupat un loc mare, deși el a fost, în cea mai mare parte, pictor. În anii 1920, Kustodiev a realizat o mulțime de ilustrații de cărți, postere și gravuri de șevalet (gravuri în lemn, litografii, linogravuri). În 1926 B.M. Kustodiev a creat mai multe compoziții cu „Bathers” în tehnicile de linogravare, gravură în lemn și acuarelă. În înregistrările din jurnal pentru 1926 ale primului biograf Kustodiev V.V. Voinov (artist grafic, istoric de artă, critic de artă) aude în mod constant tema lucrării lui Boris Mihailovici pe linogravuri „Bather” și „Bather”. Un model constant în ultimii ani ai B.M. Kustodiev „pentru portrete, personaje din tablouri, coperți, gravuri, ilustrații” a fost fiica sa Irina. Ea a pozat pentru tatăl ei și pentru gravura „Bather”.
Peste o serie de „Bathers” B.M. Kustodiev a lucrat, în sensul literal al cuvântului, până în ultimele zile ale vieții sale: ultima gravură a acestui ciclu a fost realizată de el pe 4 mai 1927 (și pe 26 mai artistul a murit).

Opera uneia dintre figurile marcante ale artei ruse ale secolului XX, un clasic al gravurii în lemn V.A. Favorsky (1886-1964) este reprezentat în colecția muzeului de șaisprezece foi grafice din perioade diferite: acestea sunt lucrări de șevalet, ilustrații de cărți și mostre din „grafica tip” a acestuia.
Alegerea foilor este în mare parte aleatorie, nu toate sunt lucrări de primă clasă sau iconice ale maestrului. În 1919-1939 membrii acestei familii (inclusiv Vladimir Andreevich Favorsky) au trăit în Sergiev Zagorsk, și-au înrădăcinat viața spirituală și culturală, au creat multe dintre lucrările lor aici, iar socrul V.A. Favorsky a fost unul dintre organizatorii muzeului nostru.
Printre acestea se numără una dintre cele mai faimoase și semnificative lucrări din această perioadă a operei maestrului - gravura de șevalet „Octombrie 1917” 1928. Această gravură în lemn a fost creată prin primul ordin de stat al Consiliului Comisarilor Poporului pentru cea de-a 10-a aniversare a Revoluției din octombrie. . Apoi Favorsky a conceput seria „Anii de revoluție”, în care „desenele aranjate în ordine cronologică trebuiau să recreeze întreaga istorie a statului sovietic în primii 10 ani an de an”. Gravura în lemn „Octombrie 1917” este o compunere intriga-narativă detaliată și, în același timp, simbolică, metaforică, cu multe personaje și mai multe episoade, îmbinate destul de organic într-unul singur.

Perioada târzie a V.A. Favorsky în colecția noastră sunt gravuri din cele mai bune și mai faimoase cicluri ale lui din anii 1950, pentru care artistul a fost distins cu Premiul Lenin în 1962 - ilustrații din 1950 pentru „Povestea campaniei lui Igor” și pentru „Boris Godunov” în 1955., donat muzeului în 1965.
Ele demonstrează perfect „stilul târziu” al gravurilor în lemn ale lui Favorsky, unde se acordă mai multă atenție aspectului personajelor, decorului, costumului, unde mijloacele picturale se schimbă în mod firesc: o anumită „pictorialitate” vine să înlocuiască asceza soluțiilor grafice cu contururi și umbrire deschisă. Solemnitatea epică, natura epică a „Cuvântului” sună pe deplin în compoziția cu mai multe cifre („Înainte de luptă”), în care Favorsky include imagini cu soldații ruși sub steagul de luptă și Guslyar. Din varietatea ciclurilor grafice V.A. Favorsky în anii 50 la dramaturgia lui A.S. Pușkin ("Boris Godunov", "Micile tragedii") în colecția muzeului există o singură ilustrație pentru tragedia "Boris Godunov" - "Pimen și Grigory" 1955.

Colecția de lucrări ale artistului grafic și pictorului remarcabil Tatyana Alekseevna Mavrina din Rezervația Muzeului Sergiev Posad în ceea ce privește volumul, nivelul lucrărilor, diversitatea lor de gen poate fi comparată doar cu cele mai mari colecții muzeale din țară care au colecții de grafica secolului al XX-lea. (GMIII, Galeria de Stat Tretiakov, Muzeul de Stat al Rusiei). Sunt şaizeci şi două de foi care ne-au venit în 1977-1978 după expoziţia personală a autorului la muzeu. Patruzeci și cinci de lucrări au fost date lui T.A. Mavrina ca un cadou.
Cronologic, colecția de lucrări mavriniene acoperă o mare perioadă a operei artistului (ultimele date sunt 1944 și 1976; mai mult, un număr aproximativ egal de foi se referă la perioadele anilor 40, 50, 60 și 70). Reprezintă o varietate suficientă de tehnici grafice în care Mavrina a lucrat fructuos: este vorba de acuarele, guașe, foi realizate în tehnici mixte (tempera, guașă sau tempera, guașă, acuarelă), desene în creion, desene cu cerneală.

„Ciclul Zagorsk” T.A. Mavrina, exprimându-și clar viziunea asupra lumii, prioritățile în artă, stilul ei unic, adesea și pe bună dreptate numit „Mavrinsky”, a început să prindă contur în anii 1940. "Linia intriga" a lucrărilor mavriniene din anii '50 este ansamblul "fabulos văzut" al Lavrei, Mănăstirii Pyatnitsky, orașul vechi și viața locuitorilor săi - cotidian și festiv, întruchipat în cheia sa specială, metaforică și poetică. , asociat cu figurativitatea artei populare, folclor. La fel de expresive și libere, îndrăznețe în desen, compoziție și culoare sunt foile din anii 1960 și 1970. Compoziția lor tematică este încă dominată de peisaje de gen, în chiar titlurile cărora se subliniază aspectul activ-domestic. Exemplul clasic al „portretului mavrinian” din colecția noastră este „Demidova” 1973. „Demidova” este un exemplu minunat al combinației organice a două genuri - „portret în peisaj”: o imagine mare, frontală, pe jumătate de lungime a unui „Bătrână rusă” într-o eșarfă albă pe fundalul unui peisaj de sat de vară, unde, conform tradiției străvechi a picturilor populare și a imprimeurilor populare, pe imagini sunt date inscripții.

Dacă crezi că toți marii artiști sunt în trecut, atunci nu ai idee cât de greșit ai. În acest articol, veți afla despre cei mai faimoși și talentați artiști ai timpului nostru. Și, crede-mă, lucrările lor vor sta în memoria ta nu mai puțin profund decât lucrările maestrului din epoci trecute.

Wojciech Babski

Wojciech Babski este un artist polonez contemporan. A absolvit Institutul Politehnic din Silezia, dar s-a legat de el. În ultima vreme pictează mai ales femei. Se concentrează pe manifestarea emoțiilor, caută să obțină cel mai mare efect posibil prin mijloace simple.

Iubește culoarea, dar folosește adesea nuanțe de negru și gri pentru a obține cea mai bună impresie. Nu-ți este frică să experimentezi cu noi tehnici. Recent, a câștigat din ce în ce mai multă popularitate în străinătate, în special în Marea Britanie, unde își vinde cu succes lucrările, care se găsesc deja în multe colecții private. Pe lângă artă, el este interesat de cosmologie și filozofie. Ascultă jazz. În prezent locuiește și lucrează în Katowice.

Warren Chang

Warren Chang este un artist american contemporan. Născut în 1957 și crescut în Monterey, California, a absolvit magna cum laude la Art Center College of Design din Pasadena în 1981, cu o diplomă de licență în arte plastice în arte plastice. În următoarele două decenii, a lucrat ca ilustrator pentru diverse companii din California și New York înainte de a-și începe cariera ca artist profesionist în 2009.

Picturile sale realiste pot fi împărțite în două categorii principale: picturi interioare biografice și picturi care înfățișează oameni muncitori. Interesul său pentru acest stil de pictură își are rădăcinile în opera pictorului din secolul al XVI-lea Jan Vermeer și se extinde la obiecte, autoportrete, portrete ale membrilor familiei, prieteni, studenți, studio, clasă și interioare de casă. Scopul său este de a crea starea de spirit și emoția în picturile sale realiste prin manipularea luminii și utilizarea culorilor dezactivate.

Chang a devenit faimos după trecerea la artele vizuale tradiționale. În ultimii 12 ani, el a câștigat numeroase premii și onoruri, cea mai prestigioasă fiind Master Signature de la Oil Painters Association of America, cea mai mare comunitate de pictură în ulei din Statele Unite. Doar o persoană din 50 este onorată cu ocazia de a primi acest premiu. În prezent, Warren locuiește în Monterey și lucrează în studioul său, el predă și (cunoscut ca un profesor talentat) la Academia de Arte din San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni este un artist italian. Născut în Blair, 15 octombrie 1955. A absolvit cu o diplomă în scenografie la Institutul de Artă din Spoleto. Ca artist, el este autodidact, deoarece a „construit în mod independent casa cunoașterii” pe fundația așezată în școală. A început să picteze în ulei la vârsta de 19 ani. În prezent locuiește și lucrează în Umbria.

Pictura timpurie a lui Bruni își are rădăcinile în suprarealism, dar de-a lungul timpului începe să se concentreze pe apropierea romantismului liric și a simbolismului, întărind această combinație cu rafinamentul rafinat și puritatea personajelor sale. Obiectele animate și neînsuflețite capătă demnitate egală și arată aproape hiper-realiste, dar, în același timp, nu se ascund în spatele unei perdele, ci îți permit să vezi esența sufletului tău. Versatilitatea și rafinamentul, senzualitatea și singurătatea, chibzuința și rodnicia sunt spiritul lui Aurelio Bruni, hrănit de splendoarea artei și armonia muzicii.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos este un artist polonez contemporan specializat în pictura în ulei. Născut în 1970 în Gliwice, Polonia, dar din 1989 locuiește și lucrează în SUA, în orașul Shasta, California.

În copilărie, a studiat arta sub îndrumarea tatălui său Jan, artist și sculptor autodidact, așa că de la o vârstă fragedă, activitatea artistică a primit sprijin deplin din partea ambilor părinți. În 1989, la vârsta de optsprezece ani, Balos a părăsit Polonia în Statele Unite, unde profesoara sa și artista cu fracțiune de normă Cathy Gaggliardi l-a încurajat pe Alcasander să se înscrie la școala de artă. Balos a primit apoi o bursă completă la Universitatea din Milwaukee Wisconsin, unde a studiat pictura cu profesorul de filozofie Harry Rosin.

După ce și-a terminat studiile în 1995 cu o diplomă de licență, Balos s-a mutat la Chicago pentru a studia la Școala de Arte Frumoase, ale cărei metode se bazează pe opera lui Jacques-Louis David. Realismul figurativ și portretele au constituit cea mai mare parte a operei lui Balos în anii 90 și începutul anilor 2000. Astăzi, Balos folosește figura umană pentru a evidenția trăsăturile și neajunsurile existenței umane, fără a oferi soluții.

Compozițiile intriga ale picturilor sale sunt destinate să fie interpretate independent de către privitor, abia atunci pânzele își vor dobândi adevăratul sens temporal și subiectiv. În 2005, artistul s-a mutat în California de Nord, de atunci sfera lucrării sale s-a extins semnificativ și acum include metode mai libere de pictură, inclusiv abstracția și diverse stiluri multimedia care ajută la exprimarea ideilor și idealurilor de a fi prin pictură.

Alyssa Monks

Alyssa Monks este o artistă americană contemporană. S-a născut în 1977 în Ridgewood, New Jersey. A devenit interesată de pictură când era încă copil. A urmat cursurile New School din New York și Montclair State University și a absolvit Boston College în 1999 cu o diplomă de licență. În același timp, a studiat pictura la Academia Lorenzo Medici din Florența.

Apoi și-a continuat studiile în cadrul programului de master la New York Academy of Art, în cadrul Departamentului de Artă Figurativă, absolvind în 2001. A absolvit Fullerton College în 2006. Ea a ținut scurt prelegeri la universități și instituții de învățământ din întreaga țară și a predat pictura la Academia de Artă din New York, precum și la Universitatea de Stat Montclair și la Colegiul de Artă a Academiei Lyme.

„Folosind filtre precum sticlă, vinil, apă și abur, deformez corpul uman. Aceste filtre vă permit să creați zone mari de design abstract, cu insule de culoare care ies cu ochiul prin ele - părți ale corpului uman.

Picturile mele schimbă aspectul modern asupra ipostazei și gesturilor tradiționale deja consacrate ale femeilor care fac baie. Ei ar putea spune spectatorului atent multe despre lucruri aparent evidente de la sine, cum ar fi beneficiile înotului, dansului și așa mai departe. Personajele mele sunt lipite de geamul ferestrei cabinei de duș, deformându-și propriul corp, realizând că influențează astfel aspectul notoriu masculin al unei femei goale. Straturile groase de vopsea sunt amestecate împreună pentru a imita sticla, aburul, apa și carnea de la distanță. De aproape, însă, proprietățile fizice uimitoare ale vopselei în ulei devin evidente. Experimentând cu straturi de vopsea și culoare, găsesc momentul în care liniile abstracte devin altceva.

Când am început să pictez corpul uman, am fost imediat fascinat și chiar obsedat de el și am simțit că trebuie să-mi fac picturile cât mai realiste posibil. Am „profesit” realismul până când a început să se dezlege și să se deconstruiască. Acum explorez posibilitățile și potențialul unui stil de pictură în care pictura reprezentativă și abstractizarea se întâlnesc – dacă ambele stiluri pot coexista în același moment în timp, o voi face.”

Antonio Finelli

artist italian - observator al timpului” – Antonio Finelli s-a născut pe 23 februarie 1985. În prezent trăiește și lucrează în Italia, între Roma și Campobasso. Lucrările sale au fost expuse în mai multe galerii din Italia și din străinătate: Roma, Florența, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York și pot fi găsite și în colecții private și publice.

Desene in creion " Observatorul timpului” Antonio Finelli ne trimite într-o călătorie eternă prin lumea interioară a temporalității umane și analiza riguroasă a acestei lumi asociată acesteia, al cărei element principal este trecerea prin timp și urmele pe care le provoacă pe piele.

Finelli pictează portrete ale oamenilor de orice vârstă, sex și naționalitate, ale căror expresii faciale indică trecerea în timp, iar artistul speră să găsească și dovezi ale necruțării timpului asupra trupurilor personajelor sale. Antonio își definește lucrările cu un singur titlu general: „Autoportret”, deoarece în desenele sale în creion el nu numai că înfățișează o persoană, dar îi permite privitorului să contemple rezultatele reale ale trecerii timpului în interiorul unei persoane.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni este o artistă italiană în vârstă de 37 de ani, fiica unui diplomat. Ea are trei copii. Doisprezece ani a trăit la Roma, trei ani în Anglia și Franța. A primit o diplomă în istoria artei la BD School of Art. Apoi a primit o diplomă în specialitatea restaurator de opere de artă. Înainte de a-și găsi chemarea și de a se dedica în totalitate picturii, a lucrat ca jurnalist, colorist, designer și actriță.

Pasiunea Flaminiei pentru pictură a apărut în copilărie. Mediul ei principal este uleiul pentru că iubește „coiffer la pate” și, de asemenea, se joacă cu materialul. Ea a învățat o tehnică similară în lucrările artistului Pascal Torua. Flaminia este inspirată de marii maeștri ai picturii precum Balthus, Hopper și François Legrand, precum și din diverse mișcări artistice: arta stradală, realismul chinezesc, suprarealismul și realismul renascentist. Artistul ei preferat este Caravaggio. Visul ei este să descopere puterea terapeutică a artei.

Denis Chernov

Denis Chernov este un artist ucrainean talentat, născut în 1978 în Sambir, regiunea Lviv, Ucraina. După ce a absolvit Colegiul de Artă din Harkov în 1998, a rămas la Harkov, unde locuiește și lucrează în prezent. De asemenea, a studiat la Academia de Stat de Design și Arte din Harkov, Departamentul de Grafică, a absolvit în 2004.

El participă în mod regulat la expoziții de artă, în prezent fiind mai mult de șaizeci, atât în ​​Ucraina, cât și în străinătate. Majoritatea lucrărilor lui Denis Chernov sunt păstrate în colecții private din Ucraina, Rusia, Italia, Anglia, Spania, Grecia, Franța, SUA, Canada și Japonia. Unele dintre lucrări au fost vândute la Christie's.

Denis lucrează într-o gamă largă de tehnici de grafică și pictură. Desenele în creion sunt una dintre metodele sale preferate de pictură, lista de subiecte a desenelor sale în creion este de asemenea foarte diversă, pictează peisaje, portrete, nuduri, compoziții de gen, ilustrații de carte, reconstituiri literare și istorice și fantezii.