Moskovan osavaltion alueyliopisto

Taidehistorian essee

1600-luvun italialaista taidetta.

Esitetty:

kirjeenvaihto-opiskelija

Kuvataidetieteellisen tiedekunnan ja HP:n 33 ryhmää

Minakova Evgenia Jurievna.

Tarkistettu:

Moskova 2009

Italia 1600-luvulla

· Arkkitehtuuri. Barokkityyli arkkitehtuurissa.

· Arkkitehtuuri. varhainen barokki.

· Arkkitehtuuri. Korkea tai kypsä barokki.

· Arkkitehtuuri. Barokkiarkkitehtuuri Rooman ulkopuolella.

· Art. Yleispiirteet, yleiset piirteet.

· Art. varhainen barokki.

· Art. Realistinen virtaus.

· Art. Bolognan koulukunnan toinen taiteilijoiden sukupolvi.

· Art. Korkea tai kypsä barokki.

· Art. Myöhäinen barokki.

Hallitseva asema Italian julkisessa elämässä oli aristokratialla ja korkeammalla katolisella papistolla. Maan syvän taloudellisen taantuman olosuhteissa vain suurilla maallisilla ja kirkon feodaaliherroilla oli vielä merkittävää aineellista vaurautta. Italian kansa - talonpojat ja kaupunkilaiset - olivat äärimmäisen vaikeassa tilanteessa, tuomittiin köyhyyteen ja jopa sukupuuttoon. Protesti feodaalista ja ulkomaista sortoa vastaan ilmaantuu lukuisissa kansannousuissa, jotka puhkesivat 1600-luvun aikana ja saivat joskus valtavat mittasuhteet, kuten Masaniellon kapina Napolissa.

Italian kulttuurin ja taiteen yleinen luonne 1600-luvulla johtui sen kaikista piirteistä historiallinen kehitys. Italiassa barokin taide saa alkunsa ja kehittyy eniten. Tämä suuntaus ei kuitenkaan ollut ainoa 1600-luvun italialaisessa taiteessa hallitseva suunta. Sen lisäksi ja rinnakkain sen kanssa kehittyy realistisia liikkeitä, jotka liittyvät italialaisen yhteiskunnan demokraattisten kerrosten ideologiaan ja saavat merkittävää kehitystä monissa Italian taidekeskuksissa.

Italian monumentaalinen arkkitehtuuri 1600-luvulla täytti lähes yksinomaan katolisen kirkon ja korkeimman maallisen aristokratian tarpeet. Tänä aikana rakennettiin pääasiassa kirkkorakennuksia, palatseja ja huviloita.

Italian vaikea taloudellinen tilanne teki mahdottomaksi rakentaa erittäin suuria rakenteita. Samaan aikaan kirkon ja korkeimman aristokratian oli vahvistettava arvovaltaansa, vaikutusvaltaansa. Tästä syystä - halu epätavallisiin, ekstravaganttisiin, seremoniallisiin ja teräviin arkkitehtonisiin ratkaisuihin, halu lisätä muotojen koristeellisuutta ja soiniteettia.

Vaikuttavien, vaikkakaan ei niin suurten rakenteiden rakentaminen auttoi luomaan illuusion valtion sosiaalisesta ja poliittisesta hyvinvoinnista.

Barokki saavuttaa suurimman jännityksensä ja ilmaisunsa uskonnollisissa, kirkkorakennuksissa; sen arkkitehtoniset muodot vastasivat täydellisesti militantin katolilaisuuden uskonnollisia periaatteita ja rituaalista puolta. Lukuisia kirkkoja rakentamalla katolinen kirkko pyrki vahvistamaan ja vahvistamaan arvovaltaansa ja vaikutusvaltaansa maassa.

Tuon ajan arkkitehtuurissa kehittyneelle barokkityylille on ominaista toisaalta halu monumentaalisuuteen ja toisaalta koristeellisen ja kuvallisen alun dominointi tektoniseen nähden.

Kuten kuvataideteokset, barokkiarkkitehtoniset monumentit (erityisesti kirkkorakennukset) on suunniteltu lisäämään emotionaalista vaikutusta katsojaan. Renessanssin taiteen ja arkkitehtuurin taustalla ollut rationaalinen periaate väistyi irrationaaliselle periaatteelle, staattinen, rauhallinen - dynamiikalle, jännitykselle.

Barokki on kontrastien ja sävellysten elementtien epätasaisen jakautumisen tyyli. Erityisen tärkeitä siinä ovat suuret ja mehukkaat kaarevat, kaarevat muodot. Barokkirakenteille on ominaista frontaalisuus, julkisivurakenne. Rakennukset havaitaan monissa tapauksissa yhdeltä puolelta - pääjulkisivun puolelta, mikä usein peittää rakenteen tilavuuden.

Barokissa kiinnitetään suurta huomiota arkkitehtonisiin kokonaisuuksiin - kaupunki- ja puistokokonaisuuksiin, mutta tämän ajan kokonaisuudet perustuvat muihin periaatteisiin kuin renessanssin kokoonpanoihin. Italian barokkikokoonpanot on rakennettu koristeellisilla periaatteilla. Niille on ominaista eristyneisyys, suhteellinen riippumattomuus kaupunkialueen yleisestä suunnittelujärjestelmästä. Esimerkki on Rooman suurin kokonaisuus - aukio Pyhän katedraalin edessä. Peter.

Pylväikköt ja koristeelliset seinät, jotka sulkivat tilan katedraalin sisäänkäynnin edessä, peittivät takanaan järjettömät, satunnaiset rakennukset. Aukion ja sen vieressä olevien monimutkaisten kaistaverkostojen ja satunnaisten talojen välillä ei ole yhteyttä. Barokkikokonaisuuksiin kuuluvat erilliset rakennukset menettävät itsenäisyytensä ja alistuvat kokonaan yleiseen kompositsioonisuunnitteluun.

Barokki esitti taiteen synteesin ongelman uudella tavalla. Veistos ja maalaus, joilla oli erittäin tärkeä rooli tuon ajan rakennuksissa, kietoutuneena toisiinsa ja usein hämärtyneitä tai illusorisesti vääristyneitä arkkitehtonisia muotoja, vaikuttivat osaltaan luomaan vaikutelman rikkaudesta, loistosta ja loistosta, jonka barokkimonumentit poikkeuksetta tuottavat.

Michelangelon työllä oli suuri merkitys uuden tyylin muodostumiselle. Teoksissaan hän kehitti useita muotoja ja tekniikoita, joita myöhemmin käytettiin barokkiarkkitehtuurissa. Arkkitehti Vignolaa voidaan myös kuvata yhdeksi barokin välittömistä edelläkävijöistä; hänen töissään on havaittavissa useita tämän tyylin varhaisia merkkejä.

Uusi tyyli - barokkityyli italialaisessa arkkitehtuurissa - korvaa renessanssin 1500-luvun 80-luvulla ja kehittyy 1600-luvun ja 1700-luvun ensimmäisen puoliskon aikana.

Perinteisesti tämän ajan arkkitehtuurissa voidaan erottaa kolme vaihetta: varhainen barokki - 1580-luvulta 1620-luvun loppuun, korkea eli kypsä barokki - 1600-luvun loppuun ja myöhemmin - 1600-luvun alkupuolisko. 1700-luvulla.

Arkkitehtejä Giacomo della Porta ja Domenico Fontana pidetään ensimmäisinä barokin mestareina. He kuuluivat seuraavaan sukupolveen Vignolan, Alessin, Ammanatin, Vasarin suhteen ja lopettivat toimintansa 1600-luvun alussa. Samaan aikaan, kuten aiemmin todettiin, myöhäisen renessanssin perinteet säilyivät näiden mestareiden työssä.

Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541-1608) oli Vignolan opiskelija. Sen varhaisin rakennus - Site Katarinan kirkko Funarissa (1564) - kuuluu tyyliltään renessanssiin. Kuitenkin del Gesun kirkon julkisivu, jonka tämä arkkitehti valmistui Vignolan kuoleman jälkeen (vuodesta 1573), on paljon barokkityylisempi kuin hänen opettajansa alkuperäinen projekti. Tämän kirkon julkisivu, jossa on tyypillinen jako kahteen kerrokseen ja sivuvoluutit, rakennussuunnitelma oli mallina useille katolisille kirkoille Italiassa ja muissa maissa. Giacomo della Porta sai Michelangelon kuoleman jälkeen päätökseen Pyhän Pyhän katedraalin suuren kupolin rakentamisen. Peter. Tämä mestari oli myös Rooman lähellä sijaitsevan Frascatissa sijaitsevan kuuluisan huvilan Aldobrandinin kirjoittaja (1598-1603). Kuten tavallista, huvilan päärakennus sijaitsee vuoren puolella; kaksipuolinen pyöristysramppi johtaa pääsisäänkäynnille. Rakennuksen vastakkaisella puolella puutarhan vieressä. Vuoren juurella on puoliympyrän muotoinen kaariluola, jonka yläpuolella on portaiden kehystetty vesiputous. Itse rakennus on muodoltaan hyvin yksinkertainen prisma, jota täydentää valtava repeytynyt päällystys.

Huvilan koostumuksessa, sen muodostavissa puistorakenteissa ja muovisten yksityiskohtien luonteessa näkyy selvästi italialaisen barokin tyypillinen halu harkittuun kauneuteen, arkkitehtuurin hienostuneisuus.

Tarkastelun aikana Italian puiston järjestelmä on vihdoin muotoutumassa. Sille on ominaista puiston yhden akselin läsnäolo, joka sijaitsee vuoren rinteessä lukuisine rinteineen ja terasseineen. Päärakennus sijaitsee samalla akselilla. Tyypillinen esimerkki tällaisesta kompleksista on Villa Aldobrandini.

Domenico Fontana. Toinen merkittävä varhaisen barokin arkkitehti oli Domenico Fontana (1543-1607), joka oli yksi Michelangelon ja Vignolan roomalaisista seuraajista. Hänen tärkein työnsä on Lateraanipalatsi Roomassa. Palatsi Fontanan antamassa muodossa on lähes säännöllinen aukio, jonka sisällä on neliönmuotoinen sisäpiha. Palatsin julkisivuratkaisu perustuu täysin Palazzo Farnesen - Antonio Sangallo nuoremman - arkkitehtuuriin. Yleisesti ottaen Italian palatsin rakentaminen 1600-luvulla perustuu palatsi-palatso-kokoonpanotyypin edelleen kehittämiseen, jonka renessanssin arkkitehtuuri kehitti.

Yhdessä veljensä Giovanni Fontanan kanssa Domenico rakensi Roomaan vuosina 1585-1590 Aqua Paolo -suihkulähteen (ilman ullakkoa, myöhemmin Carlo Maderna). Sen arkkitehtuuri perustuu antiikkisten riemukaarien uudelleenkäsittelyyn.

Carlo Maderna. Domenico Fontanan opiskelija ja veljenpoika Carlo Maderna (1556-1629) vahvistui vihdoin uusi tyyli. Hänen työnsä on siirtymävaihetta kehittyneen barokin aikakauteen.

Madernon varhainen työ on Susannan varhaiskristillisen basilikan julkisivu Roomassa (n. 1601). Gesùn kirkon julkisivukaavan pohjalta luotu Susannan kirkon julkisivu on selkeästi jaettu tilauksiin, joita koristavat patsaat ja lukuisat koristekoristeet.

Vuonna 1604 Maderna nimitettiin Pyhän katedraalin pääarkkitehdiksi. Peter. Paavi Paavali V:n käskystä Maderna laati hankkeen katedraalin laajentamiseksi lisäämällä siihen etuosan sisäänkäynti. Papit vaativat kreikkalaisen ristin pidentämistä latinalaiseen muotoon, mikä oli kirkkoarkkitehtuurin perinteen mukaista. Lisäksi Michelangelon katedraalin mitat eivät täysin peittäneet paikkaa, jossa muinainen basilika sijaitsi, mikä oli mahdotonta hyväksyä kirkon ministerien näkökulmasta.

Tämän seurauksena Maderna muutti Michelangelon alkuperäistä suunnitelmaa kokonaan rakennettaessa katedraalin uutta julkisivua. Jälkimmäinen piti katedraalia suuren aukion keskellä, jolloin rakennuksen ympärillä voi kävellä ja nähdä sen joka puolelta. Maderna sulki laajennuksellaan katedraalin sivut katsojalta: julkisivun leveys ylittää temppelin pitkittäisen osan leveyden. Rakennuksen pidentäminen johti siihen, että Pyhän Pyhän katedraalin kupoli. Petra havaitaan täysin vain hyvin kaukaa, kun hän lähestyy rakennusta, hän katoaa vähitellen julkisivun seinän taakse.

Barokkiarkkitehtuurin toinen kausi - tyylin kypsymisen ja kukoistamisen aika - liittyy suurten mestareiden työhön: L. Bernini, F. Borromini, C. Rainaldi - Roomassa, B. Longhena - Venetsiassa, F. Ricchini - Milanossa, Guarino Guarini - Torinossa.

Lorenzo Bernini. Kypsän barokin keskeinen hahmo on Lorenzo Bernini (1598-1680). Hän ei ollut vain arkkitehti, vaan myös Italian suurin kuvanveistäjä 1600-luvulla.

Vuodesta 1629 lähtien Bernini jatkoi Madernan kuoleman jälkeen Pyhän katedraalin rakentamista. Peter. Vuonna 1633 hän rakensi katedraaliin suuren pronssisen katoksen pääkupolin yläpuolelle, jota tuki neljä kierrettyä, olennaisesti hajottavaa pylvästä. Perinteen mukaan tätä katosta pidetään perinteisesti ensimmäisenä kypsän barokin teoksena. Berninin katedraalin sisustusta ehdotti hänelle Michelangelon projekti. Tämä koristelu on upea esimerkki barokkikirkon sisustuksesta.

suurin arkkitehtoninen työ Bernini oli Pyhän katedraalin edessä olevan aukion suunnittelu. Pietari (1655-1667). Arkkitehti loi kaksi neliötä - suuren elliptisen, pylväiden kehystävän ja suoraan sen vieressä olevan puolisuunnikkaan muotoisen neliön, jota rajaa vastakkaisella puolella katedraalin pääjulkisivu. Soikean neliön sisään asennettiin obeliski ja kaksi symmetrisesti sijoitettua suihkulähdettä.

Bernini jatkoi ja kehitti Madernan ideaa: pylväikköjen ansiosta katedraalia on mahdotonta lähestyä sivuilta. Vain pääjulkisivu jää katsojan ulottuville.

Piazza Berninin majesteettinen arkkitehtuuri oli arvokas tausta aateliston kongressin seremonialle katedraalissa pidetylle juhlalliselle jumalanpalvelukselle. 1600- ja 1700-luvuilla tämä kongressi oli upea ja juhlallinen spektaakkeli. Pyhän katedraalin aukio. Petra on suurin italialais-barokkiyhtye.

Vatikaanissa Bernini loi edessä olevat kuninkaalliset portaat - "Scala Reggia" ("Sivuston kallio"), jossa hän käytti tekniikkaa keinotekoisesti vahvistaa perspektiivin pienennystä. Marssin asteittaisen kapenemisen ja pylväiden pienenemisen vuoksi syntyy vaikutelma huoneen suuremmasta syvyydestä ja itse portaiden koon kasvusta.

Kaikkein eniten tunnusomaisia teoksia Bernini viittaa pieneen San Andrea in Quirinalen kirkkoon (1678), jonka pääjulkisivu näyttää portaalilta, jossa on pilasterit ja kolmion muotoinen päällystys. Tämä portaali on ikään kuin mekaanisesti kiinnitetty rakennuksen päätilavuuteen, joka on muodoltaan soikea.

Berninin pääteos siviiliarkkitehtuurin alalla on Palazzo Odescalchi Roomassa (1665), joka on päätetty tavanomaisen renessanssisuunnitelman mukaan. Rakennuksen kompositsioonikeskus on tuttuun tapaan sisäpiha, jonka ensimmäisessä kerroksessa rajaavat pelihallit. Myös julkisivujen ikkunoiden jako ja koristeellinen sisustus muistuttaa 1500-luvun palatsia. Vain pääjulkisivun keskiosa suunniteltiin uudelleen: kaksi ylemmät kerrokset Korintin pilasterien muodossa olevan suuren tilauksen peittämä ensimmäinen kerros tähän järjestykseen nähden toimii jalustana. Tällainen julkisivun seinämän rikkoutuminen tulee myöhemmin, klassismin arkkitehtuurissa, yleistymään.

Bernini jatkoi myös Madernan aloittamaa Palazzo Barberinin rakentamista. Rakenteessa ei ole suljettua sisäpihaa, joka on yleinen italialaisille palatseille. Päärakennusta rajaavat molemmilta puolilta eteenpäin työntyvät ulkorakennukset. Pääjulkisivun keskiosa nähdään applikointina, joka on koristeellisessa tarkoituksessa seinän pinnalla. Keskirisaliitissa on erittäin leveät ja korkeat kaarevat ikkunat, joiden väliin on sijoitettu puolipylväitä; ensimmäisessä kerroksessa on syvä loggia. Kaikki tämä erottaa julkisivun keskiosan jyrkästi massiivisista sivuosista, jotka on sisustettu 1500-luvun arkkitehtuurin perinteiden mukaisesti. Samanlainen tekniikka oli laajalle levinnyt myös italialaisessa barokkiarkkitehtuurissa.

Mielenkiintoinen on Palazzo Barberinin soikea portaikko, jossa on kierremarsseja, joita tukevat kaksinkertaiset Toscanan pylväät.

Francesca Borromsh. Italialaisen barokin kannalta yhtä tärkeä on Berninin työntekijän ja myöhemmin hänen kilpailijansa ja vihollisen Francesco Borrominin (1599-1667) työ. Borrominin teokset ovat erityisen mahtavia ja "dynaamisia" muotoja. Borromini toi barokkityylin maksimivoimakkuuteensa.

Borrominin pääteos temppeliarkkitehtuurin alalla on San Carlon kirkko "neljän suihkulähteen luona" (1638-1667). Sen julkisivu nähdään itsenäisenä, rakennuksesta riippumattomana arkkitehtonisena kokonaisuutena. Sille annetaan kaarevia, aaltoilevia muotoja. Tämän julkisivun sisällä näkyy koko barokkimuotojen arsenaali - repeytyneet kaarevat reunalistat, soikeat kartussit ja muut koristeelliset yksityiskohdat. Itse kirkko on muodoltaan monimutkainen, ja se muistuttaa kahta kelloa, jotka on pinottu yhteen jalustoineen. Katto on soikea kupoli. Kuten monissa muissakin tuon aikaisissa rakennuksissa, kirkon kokoonpano perustuu ulkoisten ja sisäisten arkkitehtonisten volyymien kontrastiin, rakennukseen tulleen vaikutuksen odottamattomuuteen.

Yksi arkkitehdin merkittävimmistä teoksista on roomalainen San Ivon kirkko, joka sisältyy Sapiencian (yliopisto, 1642-1660) rakennukseen. On syytä huomata kirkon suunnitelman monimutkaiset ääriviivat ja täydellinen ristiriita kupolin ulko- ja sisäkuoren välillä. Ulkopuolelta saa vaikutelman korkeasta rumusta ja litteästä kupusta, joka peittää tämän rummun. Sisään astuessasi olet vakuuttunut siitä, että kupolin kannen viides osa sijaitsee suoraan rummun pohjassa.

Borromini suunnitteli Villa Falconierin Frascatiin. Lisäksi hän rakensi uudelleen Palazzo Spadan ja työskenteli ennen Berniniä Palazzo Barberinilla (katso yllä).

Carlo Reinaldi. Carlo Rainaldi (1611-1691) on yksi barokin kukoistusajan tärkeimmistä rakentajista. Rainaldin tärkeimmät teokset ovat San Agnesen ja Site Marian kirkot Campitellissa.

San Agnesen kirkko (aloitettu vuonna 1651) sijaitsee Piazza Navonan akselilla, joka on säilyttänyt täällä aiemmin sijainneen muinaisen Domitianuksen sirkuksen ääriviivat. Aukiota koristavat Berninin tälle ajalle tyypilliset barokkisuihkulähteet. Kirkko on rakenteeltaan keskeinen ja sitä täydentää suuri kupoli; sen kaarevaa, koveraa julkisivua rajaavat molemmin puolin kellotornit. Toisin kuin useimmat tuon ajan roomalaiset kirkot, kupoli ei ole julkisivun tason piilossa, vaan se toimii koko aukion pääsommittelukeskuksena.

Site Marian kirkko Campitellissä rakennettiin myöhemmin, vuosina 1665-1675. Sen kaksikerroksinen julkisivu, joka on suunniteltu kirkon del Gesun järjestelmän mukaan, ja sisustus ovat tyypillinen esimerkki kypsästä barokkiarkkitehtuurista.

Rainaldi omistaa myös roomalaisen Santa Maria Maggioren kirkon (1673) takajulkisivun.

1600-luvulla roomalaista arkkitehtuuria rikastuivat useat uudet huvilat, jotka sijaitsevat kaupungin läheisyydessä. Arkkitehtien Algardin ja Grimaldin (n. 1620) rakentaman Villa Doria Pamphilin (n. 1620) lisäksi perustettiin Frascatiin molemmat Villa Mandragone ja Villa Torlonia, sekä Villa d "Este Tivolissa. Nämä komeat kartanot ovat kauniita uima-altaita, sypressiriviä, ikivihreitä pensaita, monipuolisesti koristeltuja terasseja kaiteineen, luolia, lukuisia veistoksia... Koristeellisen koristelun hienostuneisuus ja loisto yhdistettiin usein keinotekoisesti luotuun maisemaan tuotuihin villieläinten elementteihin.

Barokki Rooman ulkopuolella toi esiin useita merkittäviä arkkitehteja. Bartolomeo Bianco työskenteli Genovassa 1600-luvulla. Hänen pääteoksensa on Genovan yliopiston rakennus (vuodesta 1623), jossa on upea sisäpiha, jota rajoittavat kaksikerroksiset pelihallit ja kauniit portaat niiden vieressä. Koska Genova sijaitsee vuoren rinteellä, kuten merelle laskeutuva amfiteatteri, ja jotkut rakennukset on rakennettu tonteille, joilla on suuri kaltevuus, jälkimmäisiä hallitsevat rakennusten ja pihojen sijoittelu eri tasoilla. Yliopiston rakennuksessa eteisaula, keskuspiha ja lopuksi puutarhaan johtavat portaat, jotka sijaitsevat harjakattoisen kaksikerroksisen pelihallin takana, on koottu nousevassa järjestyksessä yhdelle kompositsioonilliselle vaakasuoralle akselille.

Arkkitehti Baltassare Longena (1598-1682) työskenteli Venetsiassa. Hänen pääteoksensa on suurin Pyhän katedraalin ohella. Mark, Venetsian kirkko Santa Maria delle Salute (1631-1682); se on Giudecca-kanavan ja Grande-kanavan välisessä nuolessa. Tässä kirkossa on kaksi kupolia. Oktaedrisen pääosan takana, jonka päällä on kupoli, on toinen osa, joka sisältää alttarin; se on myös varustettu kupulla, mutta kooltaan jo pienempi. Temppelin sisäänkäynti on koristeltu voittokaaren muodossa. Pääkupolin rumpu on yhdistetty kirkon pääseiniin 16 spiraalivoluutin avulla, joihin on asennettu veistoksia. Ne rikastuttavat rakennuksen siluettia, antavat sille erityisen luonteen. Koristelun loistosta huolimatta kirkon ulkonäössä näkyy tiettyä arkkitehtuurin pirstoutumista ja yksityiskohtien kuivuutta. Sisältä vaaleanharmaalla marmorilla vuorattu kirkko on tilava, mutta kylmä ja muodollinen.

Venetsian Canal Grande -kanavalla sijaitsevat molemmat Longenan rakentamat merkittävimmät palatsit - Palazzo Pesaro (n. 1650) ja Palazzo Rezzonico (1680). Julkisivujen rakenteeltaan jälkimmäiset ovat monella tapaa samanlaisia kuin Venetsian renessanssiaikaiset palatsit, erityisesti Palazzo Corner Sanso Vino, mutta samalla ne eroavat niistä verrattoman täyteläisemmiltä ja koristeellisilta muodoltaan.

Torinossa työskenteli arkkitehti Gvarino Guarini (1624-1683), joka oli Theatiinien veljeskunnan munkki. Guarino Guarini - "barokkin barokkiarkkitehdit" - voidaan verrata hänen luovalta luonteeltaan vain Francesco Borrominiin. Teoksissaan hän käytti usein koristetarkoituksiin tavanomaisten muotojen lisäksi maurilaisen ja goottilaisen arkkitehtuurin muokattuja aiheita. Hän pystytti Torinoon monia rakennuksia, mukaan lukien Palazzo Carignanon (1680), suurenmoisen ja majesteettisen, mutta suunnittelultaan puhtaasti koristeellisen. Palazzon päärakennuksen päätös on tyypillinen. Pääosassa suorakaiteen muotoiseen tilavuuteensa keskiosa on sijoitettu niin, että etuportaikko on suunniteltu monimutkaisesti. Sitä rajoittavat seinät ja marssit ovat suunnitelmaltaan kaarevia. Kaikki tämä heijastuu vastaavasti julkisivuun. Jos sen sivuosat säilyttävät suorakaiteen muotoiset ääriviivat, keskus on vastakkaisiin suuntiin taipuva taso, jonka keskellä on rako, johon on lisätty applikoinnin muodossa täysin erilainen aihe - kaksikerroksinen loggia, joka on myös kaareva. Julkisivujen ikkunoiden koteloissa on rikkoutunut rustomainen rakenne. Pilasterit on pilkuttu pienillä graafisilla muodoilla.

Guarinin rakentamista kirkoista kannattaa nostaa esiin soikea nave Madonna della Consolata -kirkko, jonka takana on kuusikulmainen alttari. Gvarinin rakentamat kirkot ovat muodoltaan jopa ovelampia ja monimutkaisempia kuin hänen siviilirakennuksensa.

Kuvataiteissa, kuten Italian arkkitehtuurissa, 1600-luvulla barokkityyli tulee hallitsevaksi. Se syntyy reaktiona "tapoja" vastaan, jonka kaukaa haetut ja monimutkaiset muodot vastustavat ennen kaikkea kuvien suuri yksinkertaisuus, jotka ovat peräisin mestareiden luomuksista. Korkea renessanssi ja riippumattoman luonnontutkimuksen vuoksi. Klassiseen perintöön valppaasti kurkistaen, siitä usein yksittäisiä elementtejä lainaten, uusi suuntaus pyrkii myrskyisässä dynamiikassa muotojen mahdollisimman suureen ilmaisukykyyn. Uudet kuvatekniikat vastaavat myös uusia taiteenhakuja: sommittelun rauhallisuus ja selkeys korvataan niiden vapaudella ja ikään kuin sattumalla. Figuurit on siirretty keskiasennostaan ja ne on rakennettu ryhmiin pääasiassa vinoviivoja pitkin. Tällä rakenteella on suuri merkitys barokin kannalta. Se vahvistaa liikkeen vaikutelmaa ja edistää tilan uutta siirtoa. Sen sijaan, että se olisi jaettu erillisiin kerroksiin, mikä on tavallista renessanssin taiteessa, se peittyy yhdellä silmäyksellä, mikä luo vaikutelman valtavan kokonaisuuden satunnaisesta fragmentista. Tämä uusi käsitys tilasta kuuluu barokin arvokkaimpiin saavutuksiin, joilla oli tietty rooli realistisen taiteen jatkokehityksessä. Halu ilmaisuun ja muotojen dynamiikkaan synnyttää toisen piirteen, joka ei ole vähemmän tyypillinen barokkiin - kaikenlaisten kontrastien käyttö: kuvien, liikkeiden, valaistujen ja varjosuunnitelmien kontrastit, värien kontrastit. Kaikkea tätä täydentää selvä koristeellisuuden himo. Samalla myös kuvallinen tekstuuri muuttuu siirtyen lineaariplastisesta muotojen tulkinnasta yhä laajempaan maalaukselliseen visioon.

Uuden tyylin huomattavat piirteet saivat ajan myötä yhä selvempiä piirteitä. Tämä oikeuttaa 1600-luvun italialaisen taiteen jakamisen kolmeen epätasaisesti kestävään vaiheeseen: "varhainen", "kypsä" tai "korkea" ja "myöhäinen" barokki, jonka dominanssi kestää paljon pidempään kuin muut. Nämä ominaisuudet sekä kronologiset rajat huomioidaan myöhemmin.

Italian barokkitaide palvelee pääasiassa Trenton kirkolliskokouksen jälkeen vakiinnutettua katolista kirkkoa, ruhtinaallisia tuomioistuimia ja lukuisia aatelisia. Taiteilijoille asetetut tehtävät olivat yhtä paljon ideologisia kuin koristeellisia. Kirkkojen koristelu sekä aatelisten palatsit, monumentaaliset kupolimaalaukset, plafonit, seinät freskotekniikalla kehittyvät ennennäkemättömällä tavalla. Tämän tyyppisestä maalauksesta tulee erikoisuus italialaisille taiteilijoille, jotka työskentelivät sekä kotimaassaan että Saksassa, Espanjassa, Ranskassa ja Englannissa. Heillä on kiistaton prioriteetti tällä luovuuden alueella 1700-luvun loppuun asti. Kirkkomaalausten teemat ovat upeita kohtauksia uskonnon, sen dogmien tai pyhimysten ja heidän tekojensa ylistämisestä. Palatsien plafoneilla hallitsevat allegoriset ja mytologiset juonet, jotka toimivat suvereenien perheiden ja heidän edustajiensa ylistyksenä.

Suuret alttarimaalaukset ovat edelleen erittäin yleisiä. Niissä, juhlallisesti majesteettisten Kristuksen ja Madonnan kuvien ohella, ovat erityisen yleisiä kuvat, joilla oli voimakkain vaikutus katsojaan. Nämä ovat kohtauksia pyhien teloituksista ja piinasta sekä heidän hurmioituneista tiloistaan.

maallinen maalausteline maalaus useimmat ottivat mielellään aiheita Raamatusta, mytologiasta ja antiikista. Sen itsenäisinä tyypeinä kehittyvät maisema, taistelugenre ja asetelma.

1500- ja 1600-luvun partaalla reaktiona manierismia vastaan nousi kaksi suuntausta, joista kaikki myöhempi italialainen maalaus kehittyi: bolognalainen akateemisuus ja karavaggismi.

Tasapainokoulu. Carraccin veljekset. Bolognan akateemisuus muodostui yhtenäiseksi taiteelliseksi järjestelmäksi jo 1580-luvun puolivälissä. Kolme bolognalaista taiteilijaa - Ludovico Carracci (1555-1609) ja hänen serkkunsa Agostino (1557-1602) ja Annibale (1560-1609), joka on veljien joukossa ensimmäisellä sijalla - kehittävät uuden tyylin perustaa, joka perustuu pääasiassa 1500 - luvun klassisen perinnön tutkimisesta . Venetsialaisen koulukunnan, Correggion työn ja myöhemmän 1500-luvun roomalaisen taiteen vaikutus aiheuttaa ratkaisevan käännöksen manierismista kohti yksinkertaisuutta ja samalla kuvien majesteettisuutta.

Carraccin veljesten ensimmäiset teokset Bolognan palatsien maalauksesta (Palazzo Fava, Palazzo Magnani) eivät vielä anna meille mahdollisuutta erottaa selvästi niiden tyylisiä piirteitä. Mutta Annibale Carraccin maalaustelinemaalaukset, joissa Parman koulun muistot ovat alun perin vahvoja, osoittavat nousevan kirkkaan taiteellisen yksilöllisyyden. Vuosina 1587 ja 1588 hän luo kaksi alttaritaulua, jotka ovat ikään kuin ensimmäiset uuden tyylin teokset: Madonnan taivaaseenastuminen ja Madonna St. Matthew" (molemmat Dresdenin galleriassa). Jos ensimmäisessä hahmojen liikkeessä ja niiden ilmaisussa on vielä paljon manierisuutta, niin "Madonna St. Matthew" on ominaista kuvien rauhallinen majesteettisuus, joka osoittaa uuden vaiheen alkamista italialaisessa maalauksessa.

1580-luvulla Carraccin veljekset avasivat Akatemian Bolognassa, jota he kutsuivat Accademia dei Incominatiksi (Akatemia uudella polulla). Tulevien taiteilijoiden entisen koulutuksen sijaan, johon sisältyy hankinta tarvittavat taidot maalareiden työpajoissa suoritetussa aputyössä Carracci puhui taiteilijan työssä tarvittavien aineiden systemaattisen opetuksen puolesta. Piirustuksen ja maalauksen opetuksen ohella edellä mainitussa Akatemiassa opetettiin anatomiaa, perspektiiviä sekä sellaisia tieteenaloja kuin historiaa, mytologiaa ja kirjallisuutta. Uuden menetelmän oli määrä olla merkittävä rooli eurooppalaisen taiteen historiassa, ja Bolognan akatemia oli prototyyppi kaikille myöhemmille 1600-luvulta lähtien avatuille akatemioille.

Vuonna 1595 kardinaali Farnese kutsui jo suuren maineen saavuttaneet Carraccin veljekset Roomaan maalaamaan palatsiaan. Vain Annibale vastasi kutsuun jättäen Bolognan ikuisesti. Roomassa läheinen kosketus paikallisen koulun perinteisiin ja antiikin vaikutuksiin avasi uuden vaiheen mestarin taiteessa. Suhteellisen merkityksettömän maalauksen jälkeen yhdestä Palazzo Farnesen salista ("Camerino", 1590-luvun puoliväli) Annibale Carracci luo kuuluisan gallerian kattoon, joka oli ikään kuin hänen teoksensa kruunu ja lähtökohta. 1600-luvun koristeellisimmat maalaukset. Annibale-galleriatila (noin 20 × 6 m), jonka peittää matala kanavaholvi, jakautuu useisiin itsenäisiin osiin. Plafonin kompositsioonillinen rakenne muistuttaa Michelangelon maalausta Sikstuksen kappelista, josta tason asettelun lisäksi se lainaa myös veistoksen, elävien ihmishahmojen ja maalausten tulkinnan illusionistisuutta. Yleisenä teemana ovat Olympuksen jumalien rakkaustarinat. Katon keskellä on tungosta ja meluisa "Bacchuksen ja Ariadnen voittokulkue". Sivuilla on kaksi muuta mytologista sävellystä, ja alla on marmoroitujen hermien ja atlantilaisten leikkaama kaistale, joiden jaloissa istuvat ikään kuin eläviä nuoria miehiä. Nämä hahmot on kehystetty joko pyöreillä, pronssia jäljittelevillä medaljoneilla, antiikkikohtauksilla tai puhtaasti kuvallisilla kerronnallisilla kokoonpanoilla. Kulmissa tätä friisiä näyttää repeytyvän kaiteiden kuvasta, joiden yläpuolelle on maalattu taivaan taustaa vasten kupidot. Tämä yksityiskohta on tärkeä varhaisena, vielä arka yrityksenä murtaa todellista tilaa, josta tuli myöhemmin erityisen tyypillinen barokkiplafoneille. Figuurien plastinen voima, koristeellisten muotojen monimuotoisuus ja värikäs rikkaus loivat kokonaisuuden poikkeuksellisen loiston.

Annibale Carraccin roomalaisella luovuuden aikakaudella tekemät maalausteline maalaukset on omistettu pääasiassa uskonnollisille aiheille. Muotoilun kylmä täydellisyys jättää niissä vähän tilaa tunteelle. Kristuksen valitus (1599, Napoli, National Gallery), jossa molemmat ovat yhtä korkealla, kuuluu poikkeuksiin. Useimpien maalausten maalaustavassa vallitsee halu selkeästä lineaariplastisesta hahmojen tunnistamisesta. Mirhaa kantavat naiset Kristuksen haudalla (n. 1605, Eremitaaši) ovat tämän tyyppisen taiteilijan tyypillisimpiä esimerkkejä.

Usein maisemagenreen kääntyvästä Annibale Carraccista tulee niin sanotun "klassisen" maiseman esi-isä, joka oli tulevaisuudessa laajalle levinnyt. Jälkimmäisen olemus on siinä, että sen edustajat pyrkivät joskus hyvin hienovaraisesti havaittuja luonnon motiiveja käyttäen ensisijaisesti "jalostamaan" sen muotoja. Maisemat rakennetaan taiteilijan ateljeessa taidokkain suunnitelmin, joissa massojen tasapainottaminen, tasaiset ääriviivat ja puuryhmien tai raunioiden käyttö kohtauksina ovat tärkeintä. Annibale Carraccin "Maisema tietäjien palvonnan kanssa" Doria-galleriassa Roomassa voidaan kutsua yhdeksi ensimmäisistä tyylillisesti viimeistellyistä tämän tyyppisistä esimerkeistä.

Karavaggismi. Muutama vuosi Bolognan akatemismin muodostumisen jälkeen esitetään toinen, vieläkin enemmän manierismia vastustava. taiteellista liikettä, jolle on tunnusomaista voimakas kuvien realismin etsintä ja joka on luonteeltaan suurelta osin demokraattinen. Tämä suuntaus, joka on äärimmäisen tärkeä realismin yleisessä kehityshistoriassa, on yleensä merkitty termillä "karavagismi", joka on johdettu sen pään nimestä Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Laajalti kotimaansa nimellä tunnettu Caravaggio kehittyi taidemaalarina Pohjois-Italian taiteen vaikutuksesta. Nuorena miehenä hän päätyy Roomaan, jossa hän herättää huomion useilla genremaalauksilla. Kuvatut puolihahmot tytöistä ja pojista, mustalaisista ja huijareista on varustettu tähän asti tuntemattomalla aineellisella tavalla. Sävellysten yksityiskohdat on kuvattu samalla aineellisella tavalla: kukka- ja hedelmäkorit, Soittimet. Tämän piirin parhaisiin teoksiin kuuluva maalaus Luuttisoittaja (1594-1595, Eremitaaši) antaa käsityksen tällaisten teosten tyypistä. Se on ominainen varhaiselle Caravaggiolle ja selkeä lineaarinen maalaustapa.

Caravaggio antaa Bacchuksessaan (1596-1597, Firenze, Uffizi) yksinkertaisen kuvan, joka on vailla idealisaatiota ja joka eroaa ratkaisevasti Carraccin jalostetuista kuvista.

1590-luvun lopulla Caravaggio sai ensimmäisen suuren toimeksiannon luoda kolme maalausta San Luigi dei Francesin kirkkoon Roomassa. Alttarimaalauksessa "Apostoli Matteus kirjoittava, jonka kättä enkeli ohjaa" (1597-1598, maalaus katosi toisen maailmansodan aikana) Caravaggio luopui kaikesta apostolin idealisoinnista ja kuvasi häntä lakkaamattoman totuudenmukaisesti. miehen muoto kansasta. Tämä kuva aiheutti jyrkän tuomitsemisen asiakkaissa, jotka vaativat maalauksen korvaamista toisella, heille hyväksyttävämmällä vaihtoehdolla. Yhdessä seuraavista saman järjestyksen sävellyksistä, joka edustaa "Apostoli Matteuksen kutsumista" (1598-1599), Caravaggio antoi ensimmäisen esimerkin niin kutsutusta "kellari" maalauksesta. Tässä kuvassa vallitsee tumma sävy, vastakohtana terävästi valaistuille yksityiskohdille, jotka ovat erityisen tärkeitä sommittelulle: päät, hahmojen ääriviivat, käsieleet. Tällä tekniikalla oli erityisen selvä vaikutus eurooppalaiseen maalaukseen 1600-luvun ensimmäisellä kolmanneksella.

1600-luvun ensimmäiset vuodet (1601-1603) juontavat juurensa yhdelle Caravaggion maalauksen kuuluisimmista mestariteoksista - "The Tombment" (Rooma, Vatikaani Pinacoteca). Tämä kokoonpano on rakennettu vinottain korkeuteen, ja se erottuu kuvien äärimmäisestä ilmeikkyydestä ja elinvoimaisuudesta; varsinkin kuolleen Kristuksen jalkoja tukevan nojatun opetuslapsen hahmo on välitetty äärimmäisen realistisesti. Sama realismi, joka ei salli minkäänlaista idealisointia, erottaa muutamaa vuotta myöhemmin toteutetun Marian taivaaseenastumisen (1605-1606, Louvre). Madonnan makaavan ruumiin yläpuolella, rappiosta hieman koskettamana, Kristuksen opetuslapset seisovat syvässä surussa. Maalauksen genre ja arkiluonteisuus, jossa taiteilija päättäväisesti poikkesi perinteisestä teeman välittämisestä, aiheutti jälleen kirkon kritiikkiä.

Caravaggion kapinallinen temperamentti johti hänet jatkuvasti yhteenotoihin ympäristöön. Kävi niin, että riidan aikana hän tappoi vastustajansa pallopelissä ja joutui pakenemaan Roomasta. Mestarin elämäkerrassa avattiin uusi vaihe, jota leimaa jatkuva paikanvaihto. Lyhyen Napoli-vierailun jälkeen hän joutuu Maltan saarelle, missä hän menestyy erinomaisesti Maltan ritarikunnan suurmestarin palveluksessa, nostetaan aateliston arvoon, mutta pian uuden riidan jälkeen hän päätyy vankilaan. Sitten hän ilmestyy uudelleen Napoliin, minkä jälkeen hän saa luvan palata Roomaan, mutta viranomaisten virheen vuoksi, pitäen hänet toisella, häneltä viedään omaisuutensa, hän putoaa autiolle merenrannalle ja kuolee kuumeeseen.

Tämän myöhäisen luovuuden aikana mestari loi useita upeita teoksia. Erinomaisimpia ovat kuva "Maltan ritarikunnan suurmestarin Alof de Wignacourin muotokuva" (1608), joka iskee realismin voimalla, sekä "Paimenten palvonta" (1609, Messina), poikkeuksellinen tarinan yksinkertaisuudessaan ja syvällä inhimillisyydessään.

Mestarin työ, joka erottui elämän heijastuksen uutuudesta ja maalaustekniikoiden omaperäisyydestä, vaikutti voimakkaasti moniin Roomassa työskennellyt italialaiset ja ulkomaalaiset taiteilijat. Siten se oli tärkein sysäys realismin kehitykselle 1600-luvun yleiseurooppalaisessa maalauksessa. Italialaisista Orazio Dsentileschi (1565 - ennen vuotta 1647) kuuluu Caravaggion merkittävimpiin seuraajiin.

Domenichino. Mitä tulee Carraccin lähimpiin opiskelijoihin ja taiteen seuraajiin, heidän joukossaan Domenichino on erityisen erinomainen. Domenico Zampieri, lempinimeltään Domenichino (1582-1641), tunnetaan 1600-luvun monumentaalisen kerrottavan freskomaalauksen suurimpana esiintyjänä. Hän yhdistää siinä idealisoitujen, mutta luonnollisten muotojen majesteettisuuden ja sisällön välittämisen vakavuuden. Nämä piirteet ilmenevät parhaiten roomalaisen Sant'Andrea della Vallen kirkon (1624-1628) maalauksessa, jossa Domenichino kuvasi apsiksen lopussa stukko-, valko- ja kultakoristeen seassa evankeliumin kerronnan kohtauksia. apostolien Andreaksen ja Pietarin elämä ja kupolin purjeissa neljä evankelistaa enkelien ympäröimänä. Mestarin maalaustelineistä tunnetuin on Pyhän Hieromuksen viimeinen ehtoollinen (1614, Rooma, Vatikaani). Kasvojen tulkinnassa yhdistyy muotojen klassismi, joka johtuu osittain intohimosta Rafaeliin. Domenichinon työtä leimaa usein kuvien lyyrisyys. Ohjeellinen tässä suhteessa on hänen varhainen "Girl with a Unicorn", joka on kirjoitettu Palazzo Farnese -gallerian etuoven yläpuolelle, ja erityisesti maalaus, jota perinteisesti kutsutaan nimellä "Dianan metsästys" (1620, Rooma, Galleria Borghese). Kuvassa on Dianan kumppaneiden kilpailu jousiammunnassa ja jakso Actaeonin ilmestymisestä heidän joukkoon. Lavauksen luonnollisuutta lisää kuvien tulkinnan raikkaus.

Francesca Albany. Francesco Albani (1578-1660) oli pääasiassa maalaustelinemaalari ja on mielenkiintoinen muun muassa uuden tyyppisen kankaan käyttöönoton kannalta - pienet, niin sanotut "kabinetti"-maalaukset, jotka on suunniteltu koristelemaan tilavuudeltaan rajoitettuja huoneita. Niissä Albani kuvasi tavallisesti idyllisiä maisemia, joita vastaan amorihahmot leikkivät ja tanssivat.

Guado Reni. Guido Reni (1575-1642), joka esiintyi Carraccin jälkeen Bolognese-koulun johtajana, sai työnsä alkuvaiheessa vaikutteita Caravaggion taiteesta. Se ilmenee kuvien idealisoinnin puuttuessa ja chiaroscuron terävänä kontrastina ("Apostoli Pietarin ristiinnaulitseminen", n. 1605, Rooma, Vatikaani). Pian Reni kuitenkin kehittää oman tyylinsä, joka on silmiinpistävin ilmaus yhdestä 1600-luvun Italian taiteen suuntauksesta. Tälle varhaisen barokin niin sanotulle "klassiselle" suunnalle on ominaista taiteellisen kielen pidättyvyys sekä idealisoitujen muotojen ankaruus. Guido Renin tyyli paljastuu täysin ensimmäistä kertaa kuuluisassa "Aurorassa" (1613-1614, Palazzo Rospigliosi), joka on maalattu freskotekniikalla roomalaisen Palazzo Rospigliosin kattoon. Kullankeltaisen taivaan taustalla, armotanssin ympäröimänä, Apollo ryntää vaunuissa. Hänen edessään lentävä Aurora pirskottaa kukkia maahan ja lyijymerelle, jota auringonsäteet eivät ole vielä koskettaneet. Lineaariplastinen muotojen tulkinta, maalaustelinemaalauksen tapaan rakennettu tasapainoinen sommittelu sekä erilaisten, mutta vaimeiden värien vastakohta tekevät tästä fresosta poikkeuksellisen osoituksen barokin koristemaalauksen kehityksen alkuvaiheesta. Samat piirteet, mutta kekseliäisemmillä asennoilla, ilmenevät myös myöhemmässä maalaustelineessä - Atalanta ja Hippomenes (n. 1625, Napoli). Reni tuo usein uskonnollisiin maalauksiinsa sentimentaalismin ja sokerin piirteitä. Eremitaasi-maalaus Madonnan nuoriso (1610-luku) vetää puoleensa ompelemalla kiireisten kauniiden tyttöjen lähetyksen läheisyydellä. Useissa muissa teoksissa kuvien idealisointi ei sulje pois niiden luonnollisuutta ja tunteen syvyyttä (“Lamentation”, Bologna, Pinacoteca, 1613-1614; “Madonna ja lapsi”, New York, yksityiskokoelma, 1620-luvun loppu).

1600-luvun kolmas vuosikymmen avaa barokkitaiteen uuden vaiheen, jota kattaa "korkean tai kypsän barokin" käsite. Sen olennaisia piirteitä ovat muotojen lisääntynyt dynaamisuus ja ilmaisukyky, niiden välityksen maalauksellisuus ja koristeellisuuden poikkeuksellinen korostuminen. Maalauksessa intensiivinen värikkyys liittyy merkittyihin piirteisiin.

Giovanni Lanfranco. Yksi uuden tyylin valtaa väittäneistä mestareista, pääasiassa Correggion monumentaaliseen taiteeseen tukeutunut Giovanni Lanfranco (1580-1641), loi jo vuoteen 1625 mennessä maalauksensa Sant'Andrea della Vallen kupolista, joka kuvaa "Paratiisia". . Järjestäen lukemattomia hahmoja samankeskisiin ympyröihin - madonnat, pyhät, enkelit, hän johdattaa katsojan silmän äärettömään tilaan, jonka keskellä on valoisa Kristus-hahmo. Tälle taiteilijalle on ominaista myös hahmojen yhdistäminen laajoiksi massoiksi, jotka muodostavat maalauksellisia valon ja varjon virtoja. Samat maalaustekniikat toistuvat Lanfrancon maalaustelinemaalauksissa, joista yksi viitteellisimmistä on "Vision of St. Margaret of Corton" (Firenze, Palazzo Pitti). Ekstaasin tila ja ryhmien rakentaminen diagonaaliin ovat äärimmäisen tunnusomaisia barokkitaiteelle.

Gverchino. Barokkin monumentaalitaiteen kehittyneelle vaiheelle yhteistä illuusiota katsojien pään yläpuolelle tunkeutuvasta tilasta ilmaistaan vielä selvemmin kuin Lanfrancossa hänen aikalaisensa Francesco Barbieri, lempinimeltään Guercino (1591-1666). Rooman Palazzo Ludovisin (1621-1623) katossa sekä edellä mainitun Guido Renin katossa on kuvattu Aurora, joka tällä kertaa ryntää vaunuissa pilvisen taivaan halki. Seinien huiput ja kohoavat sypressit, jotka on kuvattu koostumuksen reunalla, luovat tietystä näkökulmasta katsottuna illuusion huoneen todellisen arkkitehtuurin jatkamisesta. Guercino, joka on ikään kuin linkki Carraccin ja Caravaggion taiteellisten tapojen välillä, lainaa hahmojensa ensimmäisestä hahmosta, toisesta - chiaroscuro-maalauksensa tekniikat. "The Burial of St. Petronilla" (1621, Rooma, Capitol Gallery) on yksi selkeitä esimerkkejä varhaisesta Guercinon maalauksesta, jossa kuvien luonnollisuus yhdistyy kuvallisen esityksen leveyteen ja energiaan. Kirjassa "Execution of St. Catherine" (1653, Eremitaaši), kuten muissakin mestarin myöhemmissä teoksissa, kuvien todenmukaisuus korvataan sävellyksen eleganssilla.

Domenico Fetti. Muista tämän ajan taiteilijoista mainittakoon myös Domenico Fetti (1589-1624). Hänen sävellyksissään realistisen arkigenren elementit elävät rinnakkain rikkaan värikkään paletin kanssa, joka on saanut vaikutteita Rubensin taiteesta. Hänen maalauksensa "Madonna" ja "Tobitin paraneminen" (1620-luku, Eremitaaši). erottuu värien soinnisuudesta ja pehmeydestä, joten voit saada tietyn käsityksen taiteilijan koloristisesta pyrkimyksestä.

Lorenzo Bernini. Korkeabarokkitaiteen keskeinen hahmo on loistava arkkitehti ja kuvanveistäjä Lorenzo Bernini (1599-1680). Mestarin veistos edustaa ainutlaatuista yhdistelmää kaikkia barokkityylin tyypillisimpiä piirteitä. Se yhdisti orgaanisesti realistisen kuvan äärimmäisen terävyyden valtavaan koristeelliseen näkemykseen. Tähän lisätään marmorin, pronssin ja terrakotan käsittelytekniikan ylivoimainen hallinta.

Kuvanveistäjän poika Lorenzo Bernini kuuluu mestareihin, jotka löytävät taiteellisen kielensä hyvin varhain ja saavuttavat kypsyyden melkein ensimmäisistä askelista lähtien. Jo vuoden 1620 tienoilla Bernini luo useita marmoriveistoksia, jotka kuuluvat kiistattomiin mestariteoksiin. Hänen patsas "David" juontaa juurensa 1623 (Rooma, Galleria Borghese). Hänet erottuu hänen poikkeuksellisesta kyvystään välittää realistisesti raamatullisen sankarin henkisten ja fyysisten voimien jännitystä, joka on kuvattu kiven heittämisen hetkellä hihnalla. Kaksi vuotta myöhemmin esitetään Apollo Pursuing Daphne -ryhmä (1620-luku, Rooma, Galleria Borghese). Juoksuhahmojen maalauksellisia muotoja ja pintakäsittelyn poikkeuksellista täydellisyyttä täydentävät harvinainen ilmaisun hienovaraisuus Daphnen kasvoilla, joka ei vieläkään tunne meneillään olevaa muodonmuutosta (muuttaa hänet laakeripuuksi), ja Apollon, joka ymmärtää, että ohittamansa uhri on peruuttamattomasti eksyksissä.

1600-luvun 20- ja 30-luvut - Urbanus VIII:n paavikunnan aika - vahvistivat Berninin asemaa Rooman johtavana maalarina. Lukuisten arkkitehtonisten teosten lisäksi hän luo samalla ajanjaksolla useita monumentaalisia veistoksia, muotokuvia sekä puhtaasti koristeellisia teoksia. Jälkimmäisistä yksi Rooman aukioista kohoava "Triton Fountain" (1637) kuuluu täydellisimpään. Valtavan delfiinien tukeman kuoren ja sen yläpuolella kohoavan tritonin omituiset ääriviivat ovat sopusoinnussa putoavien vesisuihkujen kanssa.

Useimpien mestarin teosten vahvasti korostunut koristeellisuus voidaan verrata Constance Buonarellin (Firenze, Kansallismuseo) ja kardinaali Scipione Borghesen (Rooma, Borghesen galleria) muotokuviin, jotka liittyvät Berninin samaan toiminnan vaiheeseen, realistisesti hämmästyttäviksi. 1630-luvulta peräisin olevien ominaisuuksien terävyyttä.

Vuonna 1640 liittyminen Innocentius X:n paavin valtaistuimelle merkitsi Berninin väliaikaista poistamista johtavasta roolista Rooman rakentamisessa ja koristelussa. Lyhyen jakson aikana, joka erottaa hänet silloisesta tulevasta virallisesta tunnustuksesta, Bernini esittää useita uusia upeita teoksia. Ottaen huomioon hänen taiteellisten ansioidensa väliaikaisen tunnustamatta jättämisen, hän luo allegorisen ryhmän "Ajan paljastama totuus". Aikahahmo jäi toteutumatta, mutta istuva allegorinen naishahmo tekee vaikutuksen realististen muotojen äärimmäisellä ilmeisyydellä.

Monumentaalisen barokkiveistoksen mestariteos oli kuuluisa bändi"Ecstasy of St. Teresa, joka koristaa roomalaisen Santa Maria della Vittorian kirkon Cornaro-kappelia (1645-1652), enkeli nuolella kädessään ilmestyy pyhän yläpuolelle kumartuen hurmioituneessa tilassa. Teresan tunteet ilmaistaan realistisen lähetyksen väistämättömyydellä. Hänen leveän asunsa ja enkelihahmon tulkinta sisältää koristeellisia piirteitä. Kultaisten säteiden taustaa vasten asetettu marmoriryhmän valkoinen väri sulautuu arkkitehtonisen ympäristön värillisen marmorin värikkäisiin sävyihin tyylikkääksi väriyhdistelmäksi. Teema ja esitys ovat hyvin tyypillisiä italialaiselle barokkityylille.

1628-1647 juontaa juurensa yhdelle Berninin tärkeimmistä luomuksista - paavi Urbanus VIII:n hautakivestä Pyhän Nikolauksen katedraalissa. Pietari Roomassa. Ajatuksen majesteettisella ilmeisyydellä ja plastisen ratkaisun hallinnassa tämä monumentti kuuluu hautaveistosten merkittävimpiin teoksiin. Värillisellä marmorilla vuoratun kapean taustaa vasten kohoaa valkoinen jalusta, jossa on ilmeikäs pronssinen paavin hahmo. Hänen siunauksena kohotettu kätensä välittää hahmolle valtavan majesteettisuuden. Vihreän marmorisarkofagin sivuilla alla on valkoisia hahmoja, jotka persoonallistavat Urban VIII:n hyveitä - viisasta oikeudenmukaisuutta ja armoa. Sarkofagin takaa nouseva pronssinen puolihahmo siivekkäästä luurangosta kiinnittää jalustaan taulun, johon on kaiverrettu vainajan nimi.

Berninin tilapäisen tunnustamatta jättämisen aika korvataan pian samalla Innocentius X:llä hänen tunnustamisellaan roomalaisen koulun viralliseksi johtajaksi, ja miltei suuremmalla kunnialla kuin ennen. Berninin toiminnan toisen puoliskon veistoksellisista teoksista voidaan mainita Pyhän katedraalin suurenmoinen pronssisaarnatuoli. Pietari Roomassa, hevosen selässä laukkaavan keisari Konstantinuksen hahmo (ibid.), ja erityisesti uudentyyppisen muotokuvan luominen, jonka paras kuva on Ludvig XIV:n marmorinen rintakuva, jonka mestari teloitti oleskelunsa aikana. vuonna 1665 (ranskalaisen hovin kutsusta) Pariisissa. Säilyttäen kasvonpiirteiden ilmeisyyttä, päähuomio on nyt keskittynyt kokonaisuuden koristeellisuuteen, joka saavutetaan maalauksellisella tulkinnalla valtavan peruukin kiharoista ja ikään kuin tuulen vangituista, lepattavista verhoista.

Poikkeuksellisen ilmaisukyvyn, visuaalisen tyylin omaperäisyyden ja teknisten taitojen täydellisyyden saanut Berninin taide löysi lukemattomia ihailijoita ja jäljittelijöitä, jotka vaikuttivat Italian ja muiden maiden plastiseen taiteeseen.

Pietro da Norton. Taiteilijoista korkeinta barokkityyliä parhaiten kuvaa Pietro Berrettini da Norton (1596-1669). Hän nousi ensin esille monihahmoisilla maalaustelineillä ("Aleksanteri Suuren voitto Dariuksesta", "Sabiininaisten raiskaus" - 1620-luku, molemmat - Capitoline Museum, Rooma), joissa hän löysi syvän aineellisen kulttuurin tuntemus antiikin Rooma hankittu antiikin muistomerkkien tutkimisen tuloksena. Mutta Nortonin tärkeimmät saavutukset kuuluvat monumentaalisten ja koristeellisten maalausten alaan. Vuosina 1633–1639 hän toteutti suurenmoisen plafonin Palazzo Barberinissa (Rooma), joka on silmiinpistävä esimerkki barokin koristemaalauksesta. Plafoni ylistää Barberinin talon päätä, paavi Urbanus VIII:aa. Raskaan suorakaiteen muotoisen kehyksen peittämässä tilassa on kuvattu jumalallisen viisauden hahmo monien allegoristen hahmojen ympäröimänä. Vasemmalla hänen yläpuolellaan lentää taivaisiin hoikka tyttö, jolla on tähdistä koostuva kruunu kohotetussa käsissä ja joka esittää kuolemattomuutta. Vielä korkeammalla, Urban VIII:n runollisesta toiminnasta muistuttavat Musien voimakkaat hahmot kantavat valtavaa seppelettä, jonka keskellä lentää kolme Barberinin vaakunan mehiläistä. Kehyksen sivuilla seiniin siirtymisen pyöristyksessä on kuvattu mytologisia kohtauksia, jotka kertovat allegorisessa muodossa paavin toiminnasta. Kuvamotiivien rikkaus, kuvien monimuotoisuus ja elinvoimaisuus vastaa kokonaisuuden sointuvaa loistoa.

Nortonan monumentaaliselle tyylille tyypillinen orgaaninen fuusio yhdeksi koristeelliseksi arkkitehtonisen sävellyksen, maalauksen ja plastisen ornamentin järjestelmäksi sai täydellisimmän ilmaisunsa Firenzen Palazzo Pittin useiden hallien maalauksessa (1640-luku), joka on nimetty. Olympuksen jumalien nimillä. Tällä kertaa Medici-talon ylistys erottuu poikkeuksellisen monista sävellyksistä. Mielenkiintoisin on plafoni, joka koristaa "Mars-hallia" ja puhuu Palazzon omistajien sotilaallisista hyveistä. Tälle kuvalle luontainen dynamiikka, rakenteen epäsymmetria sekä koostumuksen irrationaalisuus, joka ilmaistaan siinä tosiasiassa, että kupidoiden vaaleat hahmot tukevat Medicien massiivista kivivaakunaa, kuuluvat barokkityylin äärimmäisiin ilmaisuihin. , joka on saavuttanut täyden kehityksensä.

Samanaikaisesti realistiset suuntaukset kehittyvät useiden italialaisten mestareiden töissä, jotka työskentelivät pääasiassa Rooman ulkopuolella.

Salvator Rosa. 1600-luvun puolivälin omaperäisimpiä taiteilijoita on Salvator Rosa (1615-1673), joka ei ollut vain taidemaalari, vaan myös runoilija, pamflettaja ja näyttelijä. Napolista kotoisin oleva Rosa, jossa Caravaggion koulukunnan vaikutus oli erityisen pitkäkestoinen, on kuvien todellisuudessa ja tummilla varjoilla maalaustavalla lähellä jälkimmäistä. Taiteilijan töiden teemat ovat äärimmäisen monipuolisia, mutta taiteen historian kannalta tärkeimpiä ovat hänen lukuisat taistelukohtaukset ja maisemat. Taistelukoostumuksissa taiteilijan myrskyinen temperamentti ilmeni täysillä. Tällainen taistelulaji, jonka jäljittelijät ovat ottaneet käyttöön, tulee leviämään kaikkialla eurooppalaista taidetta. Mestarin kallioisia merenrantaa kuvaavia maisemia voidaan kuvatun luonnon motiivien, sommittelun dynamiikan, valaistuksen terävän kontrastin ja kokonaisratkaisun emotionaalisuuden vuoksi kutsua romanttiseksi. Siten ne voidaan verrata Carrachin koulukunnan klassisiin maisemiin ja pohjoisten koulujen erittäin realistisiin maisemiin. Eremitaasissa säilytetään suurihahmoisia maalauksia Rosa, Odysseus ja Nausicaa (1650-luku) ja Demokraattinen yllätys Protagoraan ketteryydestä (samaan aikaan). Ne ovat erinomaisia esimerkkejä mestarin kerrontatyylistä ja kuvatekniikasta.

1600-luvun 60-luvulta alkaen Italian barokkitaiteen kehityksen viimeinen, pisin vaihe, niin kutsuttu "myöhäisbarokki", alkaa. Sille on ominaista pienempi kurinalaisuus sävellysten rakentamisessa, suurempi hahmojen keveys, joka on erityisen havaittavissa naiskuvissa, lisääntyvät värin hienovaraisuudet ja lopuksi koristeellisuuden lisääntyminen.

Giovanni Battista Gauli. Giovanni Battista Gauli (1639-1709), joka tunnetaan sekä maalaustelineenä että freskoja luoneena taiteilijana, on maalauksen uusien suuntausten päätekijä. Hänen taiteensa liittyy läheisesti edesmenneen Berninin taiteeseen. Vastaanottaja parhaat teokset Gauli omistaa varhaisen vaaleanvärisen maalauksensa Sant'Agnesen kirkon purjeista Piazza Navona Roomassa (n. 1665). Näissä paikoissa yleisimmän kirkkoarkkitehtuurin evankelistien sijaan Gauli kuvasi allegorisia kohtauksia kristillisistä hyveistä, jotka erottuivat muodon keveydestä. Erityisen houkutteleva on se, jossa on kaksi nuorta tyttöä, joista toinen laskee seppeleen toiselle. Rooman jesuiittaritarikunnan pääkirkon Il Gesu (1670-1680-luvun alku) plafonin, kupolin ja apsidin maalaukset ovat Gaulin kypsän tyylin teoksia. Tämä plafoni, joka tunnetaan nimellä Jeesuksen nimen palvonta, on hyvin osoitus myöhäisbarokkityylistä. Kirkon todellisia muotoja jatkavan kirjoitetun arkkitehtuurin joukossa on syvyyksiin menevä taivaallinen tila, joka on täynnä lukemattomia hahmoja, kuten aaltoja, jotka hohtavat tummista vaaleampiin ryhmiin. erilainen maalaukset mestarit ovat hänen vailla koristeellisia koristeita, psykologisesti erinomaisesti luonnehdittuja muotokuvia aikalaisistaan ("Paavi Klemens IX", Rooma, Pyhän Luukkaan galleria; "Berninin muotokuva", Rooma, Corsini-galleria).

Andrea Pozzo. Arkkitehtonisten rakenteiden illusorisuuden etsintä saavuttaa korkeimman kehityksensä Andrea Pozzon (1642-1709) teoksissa. Hänen tärkein teoksensa - Rooman Pyhän Ignazion kirkon plafondifresko, joka on näkyvissä keskilaivasta, joka on kuvattu siinä terassien, pelihallien, aaltoilevien seinien pylväikköinä, joiden yläpuolella Ignatius Loyola erottuu monien hahmojen joukosta - luo. arkkitehtonisen tilan illuusio. Kuten muutkin vastaavat plafonit, rakenteen harmonia ja oikeellisuus rikkoutuvat välittömästi, kun katsoja siirtyy pois kohdasta, johon se on suunniteltu.

Napolilainen Luca Giordano (1632-1705) kuuluu myös koristemaalauksen tunnetuimpiin mestareihin. Lahjakas ja äärimmäisen tuottelias mestari, hän oli kuitenkin riistetty sisäinen voima ja omaperäisyys ja usein matkivat muita taiteilijoita. Hänen parhaisiin teoksiinsa kuuluu Firenzen Palazzo Riccardin plafoni, joka ylistää Medicin perhettä.

Telinemaalauksen alalla 1600-luvun lopun roomalaiseen koulukuntaan kuuluva Carlo Maratta (1625-1713) erottuu nimettyjen taiteilijoiden aikalaisista. Hän otti myöhäisen barokin suurimman edustajan paikan. Hänen alttarimaalauksensa erottuvat sileistä linjoista ja sävellysten majesteettisesta rauhallisuudesta. Vahvana taiteilijana hän löysi itsensä muotokuva-alalta. Hänen teoksistaan erottuu Eremitaasin muotokuva paavi Klemens IX:stä (1669), luonnehdinnaltaan terävä ja maalauksellisesti upea. Napolissa työskennellyt Francesco Solimena (1657-1749) muistelee raamatullisissa ja allegorisissa maalauksissaan Caravaggion tekniikoita terävin valon ja varjon kontrastein, mutta käyttää niitä puhtaasti koristeellisissa koostumuksissa. Edesmennyt bolognalainen Giuseppe Maria Crespi (1664-1747), joka on yksi tarkastelujakson lahjakkaimmista taiteilijoista, vahva vaikutus 1700-luvun maalaukseen. Mestarille on ominaista vahvasti korostunut realistinen suuntautuminen. Se ilmenee sekä uskonnollisissa sävellyksessä että vielä selvemmin hänen jokapäiväisissä maalauksissaan ("Pyhän Joosefin kuolema", n. 1712, Eremitaaši; "Sakramenttien sarja", 1710-luku, Dresdenin galleria).

JOHDANTO

Seitsemästoista vuosisata oli erityisen tärkeä nykyajan kansallisten kulttuurien muodostumiselle. Tällä aikakaudella saatiin päätökseen suurten kansallisten taidekoulujen lokalisointiprosessi, jonka omaperäisyyden määrittivät sekä historiallisen kehityksen olosuhteet että kussakin maassa - Italiassa, Flanderissa, Hollannissa, Espanjassa ja Ranskassa - kehittynyt taiteellinen perinne. . Tämä antaa meille mahdollisuuden tarkastella 1600-lukua. uutena vaiheena taiteen historiassa.

Verrattuna 1600-luvun renessanssitaiteeseen. monimutkaisempi, sisällöltään ristiriitainen ja taiteen muodot. Renessanssille tyypillinen kokonaisvaltainen runollinen maailmankuva tuhoutuu, harmonian, harmonian ja selkeyden ihanne on saavuttamaton.

1600-luvun taiteellinen kulttuuri. kuvastaa sen aikakauden monimutkaisuutta, joka valmisteli tietä kapitalistisen järjestelmän voitolle Euroopan kehittyneissä maissa. Taiteilijoiden työssä vahvistetaan kokonaisvaltaisempi ja syvempi todellisuudenkäsitys. Saa uuden tulkinnan taiteen synteesin käsitteestä. Tietyt taiteen lajit yksittäisiä töitä menettävät erillisyytensä ja pyrkivät yhdistymään uudelleen. Rakennukset kuuluvat orgaanisesti kadun, aukion, puiston tilaan. Veistos muuttuu dynaamiseksi, tunkeutuu arkkitehtuuriin ja puutarhatilaan. Koristemaalaus tila- ja perspektiiviefekteillä täydentää arkkitehtoniselle sisustukselle ominaista.

Äärimmäisissä ilmenemismuodoissa barokkitaide tulee irrationaalisuuteen, mystiikkaan, vaikuttaa katsojan mielikuvitukseen ja tunteisiin dramaattisella jännityksellä, muotojen ilmaisulla. Tapahtumia tulkitaan suurenmoisesti, taiteilijat kuvaavat mieluummin piina-, hurmiokohtauksia tai hyväksikäytön, voiton panegyriikkaa.

Klassismin taiteen perusta on rationaalinen periaate. Kaunista klassismin näkökulmasta on vain se, mikä on järjestettyä, järkevää, harmonista. Klassismin sankarit alistavat tunteensa mielen hallintaan, he ovat hillittyjä ja majesteettisia.

Näiden kahden suuren tyylin piirteet kietoutuvat yhteen yhden maan taiteessa ja jopa yhden taiteilijan teoksissa, mikä synnyttää siinä ristiriitoja. Barokin ja klassismin rinnalla kuvataiteessa syntyy suorempi voimakas realistinen, tyylillisistä elementeistä vapaa elämänheijastus. kuuluvat XVII vuosisadalle suurimmat mestarit realismi - Velasquez, Rembrandt, Hals, Caravaggio ja muut. . .

ITALIAN TAIDE

Arkkitehtuuri

Barromini. Barokin irrationaalisuus, ilmaisullisuus ja maalauksellisuus ilmenevät äärimmäisenä Francesco Barrominin (1599 - 1667) teoksissa. Jättäen huomioimatta rakenteiden logiikan ja materiaalien mahdollisuudet, hän korvaa suorat viivat ja tasot kaarevilla, pyöristetyillä, kiemurtelevilla.

Vuorotellen koveria ja kuperia viivoja, jotka on järjestetty rombin muotoon, hän rakentaa suunnitelman pienestä San Carlon kirkosta neljään Rooman suihkulähteeseen (1634 - 1667). Sen monimutkainen aaltomainen julkisivu, jonka kaksikerroksinen pylväikkö leikataan, on koristeltu koristeellisilla veistoksilla, syvillä syvyyksillä ja soikealla kuvapaneelilla, joka rikkoo karnisin ja tuhoaa tasapainon.

Bernini. Kuten renessanssin mestarit, myös kypsän barokkityylin perustaja Lorenzo Bernini (1598 - 1680) oli monilahjakas henkilö. Arkkitehti, kuvanveistäjä, taidemaalari ja loistava sisustaja, hän enimmäkseen toteutti roomalaisten paavien tilauksia ja johti Italian taiteen virallista suuntaa. Yksi hänen ominaisimmista rakennuksistaan on Sant'Andrea al Quirinalen kirkko Roomassa (1653 - 1658).

Berninin suurin arkkitehtoninen työ - Pyhän katedraalin monivuotisen rakentamisen loppu. Pietari Roomassa ja hänen edessään olevan aukion koristelu. Hänen hankkeensa mukaan rakennetun monumentaalisen pylväikön kaksi mahtavaa siipeä sulkivat aukion laajan laajuuden. Katedraalin päälänsisestä julkisivusta poikkeavat pylväiköt muodostavat ensin puolisuunnikkaan muodon ja muuttuvat sitten valtavaksi soikeaksi, mikä korostaa koostumuksen erityistä liikkuvuutta, joka on suunniteltu järjestämään massalaman liikettä. Tämä nelirivinen katettu pylväikkö muodostaa 284 pylvästä ja 80 19 metriä korkeaa pilaria, jonka ullakolla on 96 suurta patsasta.

Veistos

Bernini. Pyhän katedraalissa. Pietarin veistokset ovat myös Berninin - St. Pietari kirkon isien, pyhimysten ja enkelien hahmoilla, kultauksella kimalteleva, myrskyisellä dynamiikalla houkutteleva.

Barokkin koristemuovin ohella Bernini luo useita patsaita ja muotokuvia, jotka joskus ylittävät barokkitaiteen rajat. Hänen innovatiivisen pyrkimyksensä luonne ilmenee "David"-patsaassa (1623, Rooma, Borgheso-galleria).

Elämäntarkkailun hienovaraisuus läpäisee Berninin myöhemmän työn - alttariryhmän "The Ecstasy of St. Teresa" (1644 - 1652, Rooma, Santa Maria della Vittorian kirkko), joka toimi mallina monille barokin kuvanveistäjille ei vain Italiassa, vaan myös muissa maissa.

Maalaus.

Carvaggio. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610). Ensimmäisten maalausten joukossa on "Tyttö luutulla" (1595, Leningrad, Eremitaaši). Muusikko tyttö. Pöydän edessä on viulu, nuotit, hedelmät. Kaikki nämä esineet on maalattu täydellisellä taidolla niiden tiheässä pyöreässä, aineellisessa ja käsin kosketeltavassa. Tytön kasvot ja vartalo on veistetty chiaroscurolla, tumma tausta korostaa eteenpäin työntyvien vaaleiden sävyjen kylläisyyttä, kaiken esitelmän objektiivisuutta.

Genrekohtauksena ratkaistaan sävellys "Matteuksen kutsuminen" (1597 - 1601, Rooma, Contarelli-kappeli San Luigi dei Francesin kirkossa), joka kuvaa kahta nuorta miestä tuolloin muodikkaissa pukuissa, jotka katsovat uteliaana tuleva Kristus. Matteus käänsi katseensa Kristukseen, kun taas kolmas nuori mies jatkaa rahojen laskemista nostamatta päätään.

Kuvasta kuvaan Caravaggion kuvien traaginen voima kasvaa. Teoksessa The Tombment (1604, Rooma, Vatican Pinakothek) syvän tummaa taustaa vasten tiiviisti toisiinsa sitoutunut ryhmä Kristusta lähellä olevia ihmisiä, jotka laskevat ruumiinsa hautaan, erottuu kirkkaalla valolla.

Bolognan akatemia. Annibale Carracci. Lahjakkain Carraccin veljistä oli Annibale (1560 - 1609), joka on kirjoittanut suuren määrän alttarikuvia ja maalauksia mytologisista aiheista. Yhdessä veljiensä kanssa hän maalasi Palazzo Farnesen Roomassa (1597 - 1604).

Koristeellinen barokkimaalaus.

Pietro da Cortonan (1596 - 1669) seinämaalaukset Palazzo Barberinissa erottuvat epätavallisesta loistosta, elegantista värien juhlallisuudesta. Monimutkaisinta perspektiiviä ja illusorisia tehosteita on käytetty Andrea Pozzon (1642 - 1709) Sant Ignazion Roomassa maalauksissa.

Yhdessä virallisen barokin suunnan kanssa, joka hallitsi suuria keskuksia koko 1600-luvun. monet taiteilijat jatkoivat työskentelyä maakunnissa säilyttäen töissään realismin perinteitä. Heidän joukossaan bolognilainen Giuseppe Maria Cresi (1665 - 1747), joka tasoitti tietä myöhemmän ajanjakson realismin kehitykselle, erottui taiteen erityisestä tunnerikkaudesta.

Taide Italia XVII vuosisadalla. Yleisiä ongelmia.

Rooma oli uuden barokkitaiteen kehityksen keskus 1500-1600-luvun vaihteessa. Tämän kaupungin arkkitehtuuri XVII vuosisadalla. näyttää tyypilliseltä barokin aikakaudelle.

Barokkimestarit rikkovat monia renessanssin taiteellisia perinteitä harmonisten, tasapainoisten volyymiensä ansiosta. Barokkiarkkitehdit eivät sisällä vain yksittäisiä rakennuksia ja aukioita, vaan myös katuja yhtenäisenä arkkitehtonisena kokonaisuutena. Katujen alkua ja loppua leimaavat varmasti joitain arkkitehtonisia (neliöt) tai veistoksellisia (monumentit) aksentteja. Ensimmäistä kertaa kaupunkisuunnittelun historiassa Domenico Fontana käyttää Piazza del Popololta säteilevää kolmipalkista katujärjestelmää, joka varmistaa kaupungin pääsisäänkäynnin yhteyden Rooman pääryhmiin. Sädekatujen katoamiskohtiin ja niiden päihin sijoitetut obeliskit ja suihkulähteet luovat lähes teatraalisen vaikutelman kaukaisuuteen vetäytyvästä perspektiivistä. Fontana-periaate oli erittäin tärkeä kaikelle myöhemmälle eurooppalaiselle kaupunkisuunnittelulle.

Kypsän barokin aikana, 1600-luvun toisesta kolmanneksesta lähtien, arkkitehtoninen sisustus muuttuu upeammaksi. Ei vain pääjulkisivu on koristeltu, vaan myös seinät puutarhan puolelta; pääeeiltään pääsee suoraan puutarhaan, joka on upea puistokokonaisuus; pääjulkisivun sivulta rakennuksen sivusiivet ulottuvat ja muodostavat kunniatuomioistuimen.

XVII vuosisadan viimeisellä kolmanneksella. Italian barokin taiteessa on hahmoteltu tiettyjä muutoksia: koristeellinen vaikutus voimistuu, hahmojen kulmat monimutkaistuvat, ikään kuin "liikkeet nopeutuvat". Arkkitehtuuri ja kuvanveisto syntetisoivat kuvaillusionismin tekniikalla luotujen teosten kanssa. Perspektiivi illusionismi tuhoaa seinän, joka on aina ollut klassisen taiteen sääntöjen vastainen. Sävellyksissä sekä monumentaaliset että koristeelliset ja maalausteline, kylmyys, retoriikka ja väärä paatos voittaa yhä useammin. Parhaat taiteilijat tiesivät kuitenkin edelleen kuinka voittaa myöhäisbarokin tuhoisat piirteet. Tällaisia ovat Alessandro Magnascon romanttiset maisemat, Giuseppe Crespin – uuden vuosisadan vaihteessa seisovien taiteilijoiden – monumentaalinen (plafonit, alttaritaulut) ja maalausteline (muotokuvat).

Italian taide noin 1600: tärkeimmät kehityssuuntaukset

Italian maalauksessa XVI-XVII vuosisatojen vaihteessa. on kaksi pääasiallista taiteellisia suuntauksia: yksi liittyy Carraccin veljien työhön ja sai nimen "Bologna akatemismi", toinen - yhden Italian suurimman taiteilijan taiteeseen 1600-luvulla. Caravaggio.

Annibale ja Agostino Carracci sekä heidän serkkunsa Lodovico perustivat vuonna 1585 Bolognaan "Oikealle polulle ohjattujen akatemian", jossa taiteilijoita koulutettiin tietyn ohjelman mukaisesti. Siitä nimi - "Bolognan akademismi".

Kaikkien tulevaisuuden eurooppalaisten akatemioiden prototyyppinä toimineen Bolognan Akatemian periaatteet voidaan jäljittää lahjakkaimman veljen Annibale Carraccin (1560–1609) työhön. Carracci tutki ja tutki luontoa huolellisesti. Hän uskoi, että luonto on epätäydellinen ja sitä on muutettava, jalostettava, jotta siitä tulisi klassisten normien mukainen kuvauskohde. Tästä johtuu Carraccin kuvien väistämätön abstraktio, retoriikka, paatos aidon sankaruuden ja kauneuden sijaan. Carraccin taide osoittautui erittäin ajankohtaiseksi, virallisen ideologian henkeä vastaavaksi, ja se tunnistettiin ja levisi nopeasti. Carraccin veljekset ovat monumentaalisen ja koristemaalauksen mestareita.

Heidän kuuluisin työnsä - Rooman Palazzo Farnesen gallerian maalaus Ovidiuksen "Metamorfoosien" (1597-1604) aiheista - on tyypillinen barokkimaalaukseen. Annibale Carracci oli myös ns. sankarimaiseman eli idealisoidun, kuvitteellisen maiseman luoja, koska luonto, kuten ihminen (bolognesalaisen mukaan), on epätäydellinen, töykeä ja vaatii hienostuneisuutta ollakseen esillä taiteessa.

Ludovico Carracci - Marian häät. Illallinen Emmauksessa, 1599-1602 -

Michelangelo Merisi de Caravaggio

Michelangelo Merisi, lempinimeltään Caravaggio (1573 - 1610), on taiteilija, joka antoi nimensä voimakkaalle taiteen realistiselle liikkeelle, joka sai seuraajia kaikkialla Länsi-Euroopassa. Ainoa lähde, josta Caravaggio pitää arvokkaana ammentaa taiteen teemoja, on ympäröivä todellisuus. Caravaggion realistiset periaatteet tekevät hänestä renessanssin perillisen, vaikka hän kukisti klassiset perinteet. Caravaggion menetelmä oli akateemisuuden vastakohta, ja taiteilija itse kapinoi häntä vastaan puolustaen omia periaatteitaan. Tästä syystä vetoomus (ei ilman haastetta hyväksyttyjä normeja vastaan) epätavallisiin hahmoihin, kuten pelaajiin, huijaajiin, ennustajiin, kaikenlaisiin seikkailijoihin, joiden kuvilla Caravaggio loi perustan kodin maalaus syvästi realistinen henki, jossa yhdistyvät hollantilaisen genren havainnointi italialaisen koulukunnan muodon selkeyteen ja tarkkuuteen (Luutosoittaja, noin 1595; Players, 1594-1595).

3. Caravaggio. Aikainen työ

Heidän varhaisia töitä Caravaggio tuo italialaiseen maalaukseen "genren" käsitteen, joka oli aiemmin vain Alankomaiden taiteilijoille ominaista. Mutta toisin kuin hollantilaiset, Caravaggio ei ole juurikaan kiinnostunut siitä, mitä tapahtuu tai mitä pitäisi tapahtua, häntä kiinnostavat enemmän itse katutyypit - ennustaja valkoisessa turbaanissa, näppärä nuori mies hatussa höyhenillä ja vastaavat.

Taiteilijan elämän ensimmäiset vuodet Roomassa, jonne hän saapui noin 1590, olivat ankarat. Ansaitakseen rahaa hän maalasi kukkia ja hedelmiä muiden taiteilijoiden maalauksiin ja alkoi sitten itsenäisesti luoda alkuperäisiä genrekohtauksia ja asetelmia. Hän kuvasi katupoikia, pubien vierailijoita, hedelmäkoreja, ja hän oli yksi ensimmäisistä, joka vaati näiden genrejen olemassaoloa. Caravaggion teoksissa tärkein asia ei ole kertomus, vaan tyypillinen tyyppi.

Näihin maalauksiin kuuluu "Nuori mies luutulla" (noin 1595, Pietari, Eremitaaši).

Hänen edessään pöydällä on viulu, nuotit, hedelmät. Kaikki nämä esineet on maalattu täydellisellä taidolla niiden tiheässä pyöreässä, aineellisessa ja käsin kosketeltavassa. Kasvot ja vartalo on veistetty chiaroscurolla, tumma tausta korostaa eteenpäin työntyvien vaaleiden sävyjen kylläisyyttä, kaiken esitelmän objektiivisuutta. Caravaggio väittää elämän suoran lisääntymisen paremmuudesta. Edelleen laajalle levinneen manierismin sairaalloisen eleganssin ja kehittyvän barokin patoksen kanssa hän asettaa vastakkain arjen yksinkertaisuuden ja luonnollisuuden. Yhteenveto muodot, paljastaen oleellisen, hän antaa yksinkertaisimmille esineille merkitystä ja monumentaalisuutta. Caravaggion sävellykset vyötärölle leikatuilla hahmoilla ovat tarkasti rakennettuja, niissä on tiukka säännöllisyys, eheys, eristyneisyys, mikä tuo Caravaggion lähemmäksi renessanssin mestareita. Tämä antaa monumentaalisuuden ja merkityksen paitsi hänen jokapäiväiseen elämäänsä, myös uskonnollisiin kohtauksiin, kuten esimerkiksi "Tuomaan epäuskoon" (noin 1603, Firenze, Uffizi; vaihtoehto - Potsdam, Sanssoucin taidegalleria).

Moskovan osavaltion alueyliopisto

Taidehistorian essee

1600-luvun italialaista taidetta.

Esitetty:

kirjeenvaihto-opiskelija

Kuvataidetieteellisen tiedekunnan ja HP:n 33 ryhmää

Minakova Evgenia Jurievna.

Tarkistettu:

Moskova 2009

Italia 1600-luvulla
Arkkitehtuuri. Barokkityyli arkkitehtuurissa.
Arkkitehtuuri. varhainen barokki.
Arkkitehtuuri. Korkea tai kypsä barokki.
Arkkitehtuuri. Barokkiarkkitehtuuri Rooman ulkopuolella.
Taide. Yleispiirteet, yleiset piirteet.
Taide. varhainen barokki.
Taide. Realistinen virtaus.
Taide. Bolognan koulukunnan toinen taiteilijoiden sukupolvi.
Taide. Korkea tai kypsä barokki.
Taide. Myöhäinen barokki.

Italian kulttuurin ja taiteen yleinen luonne 1600-luvulla johtui kaikista sen historiallisen kehityksen piirteistä. Italiassa barokin taide saa alkunsa ja kehittyy eniten. Tämä suuntaus ei kuitenkaan ollut ainoa 1600-luvun italialaisessa taiteessa hallitseva suunta. Sen lisäksi ja rinnakkain sen kanssa kehittyy realistisia liikkeitä, jotka liittyvät italialaisen yhteiskunnan demokraattisten kerrosten ideologiaan ja saavat merkittävää kehitystä monissa Italian taidekeskuksissa.

Vaikuttavien, vaikkakaan ei niin suurten rakenteiden rakentaminen auttoi luomaan illuusion valtion sosiaalisesta ja poliittisesta hyvinvoinnista.

Tuon ajan arkkitehtuurissa kehittyneelle barokkityylille on ominaista toisaalta halu monumentaalisuuteen ja toisaalta koristeellisen ja kuvallisen alun dominointi tektoniseen nähden.

Uusi tyyli - barokkityyli italialaisessa arkkitehtuurissa - korvaa renessanssin 1500-luvun 80-luvulla ja kehittyy 1600-luvun ja 1700-luvun ensimmäisen puoliskon aikana.

Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541-1608) oli Vignolan opiskelija. Sen varhainen rakennus - Site Katarinan kirkko Funarissa (1564) - kuuluu tyyliltään renessanssiin. Kuitenkin del Gesun kirkon julkisivu, jonka tämä arkkitehti valmistui Vignolan kuoleman jälkeen (vuodesta 1573), on paljon barokkityylisempi kuin hänen opettajansa alkuperäinen projekti. Tämän kirkon julkisivu, jossa on tyypillinen jako kahteen kerrokseen ja sivuvoluutit, rakennussuunnitelma oli mallina useille katolisille kirkoille Italiassa ja muissa maissa. Giacomo della Porta sai Michelangelon kuoleman jälkeen päätökseen Pyhän Pyhän katedraalin suuren kupolin rakentamisen. Peter. Tämä mestari oli myös Rooman lähellä sijaitsevan Frascatissa sijaitsevan kuuluisan huvilan Aldobrandinin kirjoittaja (1598-1603). Kuten tavallista, huvilan päärakennus sijaitsee vuoren puolella; kaksipuolinen pyöristysramppi johtaa pääsisäänkäynnille. Rakennuksen vastakkaisella puolella puutarhan vieressä. Vuoren juurella on puoliympyrän muotoinen kaariluola, jonka yläpuolella on portaiden kehystetty vesiputous. Itse rakennus on muodoltaan hyvin yksinkertainen prisma, jota täydentää valtava repeytynyt päällystys.

Domenico Fontana. Toinen merkittävä varhaisen barokin arkkitehti oli Domenico Fontana (1543-1607), joka kuului Michelangelon ja Vignolan roomalaisten seuraajien joukkoon. Hänen tärkein työnsä on Lateraanipalatsi Roomassa. Palatsi Fontanan antamassa muodossa on lähes säännöllinen aukio, jonka sisällä on neliönmuotoinen sisäpiha. Palatsin julkisivuratkaisu perustuu täysin Antonio Sangallo nuoremman Palazzo Farnesen arkkitehtuuriin. Yleisesti ottaen Italian palatsin rakentaminen 1600-luvulla perustuu palatsi-palatso-kokoonpanotyypin edelleen kehittämiseen, jonka renessanssin arkkitehtuuri kehitti.

Carlo Maderna. Domenico Fontanan opiskelija ja veljenpoika Carlo Maderna (1556-1629) vahvisti vihdoin uutta tyyliä. Hänen työnsä on siirtymävaihetta kehittyneen barokin aikakauteen.

Madernon varhainen työ on Rooman Susannan varhaiskristillisen basilikan julkisivu (n. 1601). Gesùn kirkon julkisivukaavan pohjalta luotu Susannan kirkon julkisivu on selkeästi jaettu tilauksiin, joita koristavat patsaat ja lukuisat koristekoristeet.

Lorenzo Bernini. Kypsän barokin keskeinen hahmo on Lorenzo Bernini (1598-1680). Hän ei ollut vain arkkitehti, vaan myös Italian suurin kuvanveistäjä 1600-luvulla.

Berninin suurin arkkitehtoninen työ oli Pyhän katedraalin edessä olevan aukion suunnittelu. Pietari (1655-1667). Arkkitehti loi kaksi neliötä - suuren elliptisen, pylväiden kehystävän ja suoraan sen vieressä olevan puolisuunnikkaan muotoisen neliön, jota rajaa vastakkaisella puolella katedraalin pääjulkisivu. Soikean neliön sisään asennettiin obeliski ja kaksi symmetrisesti sijoitettua suihkulähdettä.

Bernini jatkoi ja kehitti Madernan ideaa: pylväikköjen ansiosta katedraalia on mahdotonta lähestyä sivuilta. Vain pääjulkisivu jää katsojan ulottuville.

Vatikaanissa Bernini loi kuninkaallisen pääportaat - "Scala Reggian" ("Sivuston kallio"), jossa hän käytti tekniikkaa keinotekoisesti vahvistaa perspektiivin pienennystä. Marssin asteittaisen kapenemisen ja pylväiden pienenemisen vuoksi syntyy vaikutelma huoneen suuremmasta syvyydestä ja itse portaiden koon kasvusta.

Berninin tyypillisimpiä töitä on pieni San Andrea in Quirinale -kirkko (1678), jonka pääjulkisivu on muodoltaan portaali pilareineen ja kolmionmuotoinen päätykolmio. Tämä portaali on ikään kuin mekaanisesti kiinnitetty rakennuksen päätilavuuteen, joka on muodoltaan soikea.

Berninin pääteos siviiliarkkitehtuurin alalla on Palazzo Odescalchi Roomassa (1665), joka on päätetty tavanomaisen renessanssisuunnitelman mukaan. Rakennuksen kompositsioonikeskus on tuttuun tapaan sisäpiha, jonka ensimmäisessä kerroksessa rajaavat pelihallit. Myös julkisivujen ikkunoiden jako ja koristeellinen sisustus muistuttaa 1500-luvun palatsia. Ainoastaan pääjulkisivun keskiosa suunniteltiin uudella tavalla: kaksi ylempää kerrosta on peitetty suurella korinttilaisilla pilastereilla, ensimmäinen kerros tähän järjestykseen nähden toimii jalustana. Tällainen julkisivun seinämän rikkoutuminen tulee myöhemmin, klassismin arkkitehtuurissa, yleistymään.

Mielenkiintoinen on Palazzo Barberinin soikea portaikko, jossa on kierremarsseja, joita tukevat kaksinkertaiset Toscanan pylväät.

Borromini suunnitteli Villa Falconierin Frascatiin. Lisäksi hän rakensi uudelleen Palazzo Spadan ja työskenteli ennen Berniniä Palazzo Barberinilla (katso yllä).

Carlo Reinaldi. Carlo Rainaldi (1611-1691) on yksi barokin kukoistusajan tärkeimmistä rakentajista. Rainaldin tärkeimmät teokset ovat San Agnesen ja Site Marian kirkot Campitellissa.

Site Marian kirkko Campitellissä rakennettiin myöhemmin, vuosina 1665-1675. Sen kaksikerroksinen julkisivu, joka on suunniteltu Gesùn kirkon järjestelmän mukaan, ja sisustus ovat tyypillinen esimerkki kypsästä barokkiarkkitehtuurista.

Rainaldi omistaa myös roomalaisen Santa Maria Maggioren kirkon (1673) takajulkisivun.

1600-luvulla roomalaista arkkitehtuuria rikastuivat useat uudet huvilat, jotka sijaitsevat kaupungin läheisyydessä. Arkkitehtien Algardin ja Grimaldin (n. 1620) rakentaman Villa Doria Pamphilin (n. 1620) lisäksi luotiin muun muassa Villa Mandragone ja Villa Torlonia - molemmat sijaitsevat Frascatissa sekä Villa d "Este Tivolissa. Nämä seremonialliset kartanot ovat kauniita uima-altaita, sypressiriviä, ikivihreitä pensaita, monipuolisesti koristeltuja terasseja kaiteineen, luolia, lukuisia veistoksia... Koristeellisen koristelun hienostuneisuus ja loisto yhdistettiin usein keinotekoisesti luotuun maisemaan tuotuihin villieläinten elementteihin.

Venetsian suurella kanavalla ovat molemmat Longenan rakentamat merkittävimmät palatsit - Palazzo Pesaro (n. 1650) ja Palazzo Rezzonico (1680). Julkisivujen rakenteeltaan jälkimmäiset ovat monella tapaa samanlaisia kuin Venetsian renessanssiaikaiset palatsit, erityisesti Palazzo Corner Sanso Vino, mutta samalla ne eroavat niistä verrattoman täyteläisemmiltä ja koristeellisilta muodoltaan.

Torinossa työskenteli arkkitehti Gvarino Guarini (1624-1683), joka oli Theatiinien veljeskunnan munkki. Guarino Guarini - "barokkin barokkiarkkitehdit" - voidaan verrata hänen luovaan temperamenttiinsa vain Francesco Borrominiin. Teoksissaan hän käytti usein koristetarkoituksiin tavanomaisten muotojen lisäksi maurilaisen ja goottilaisen arkkitehtuurin muokattuja aiheita. Hän pystytti Torinoon monia rakennuksia, mukaan lukien Palazzo Carignanon (1680), suurenmoisen ja majesteettisen, mutta suunnittelultaan puhtaasti koristeellisen. Palazzon päärakennuksen päätös on tyypillinen. Pääosassa suorakaiteen muotoiseen tilavuuteensa keskiosa on sijoitettu niin, että etuportaikko on suunniteltu monimutkaisesti. Sitä rajoittavat seinät ja marssit ovat suunnitelmaltaan kaarevia. Kaikki tämä heijastuu vastaavasti julkisivuun. Jos sen sivuosat säilyttävät suorakaiteen muotoiset ääriviivat, keskus on vastakkaisiin suuntiin taipuva taso, jonka keskellä on rako, johon on lisätty applikoinnin muodossa täysin erilainen aihe - kaksikerroksinen loggia, joka on myös kaareva. Julkisivujen ikkunoiden koteloissa on rikkoutunut rustomainen rakenne. Pilasterit on pilkuttu pienillä graafisilla muodoilla.

Kuvataiteissa, kuten Italian arkkitehtuurissa, 1600-luvulla barokkityyli tulee hallitsevaksi. Se syntyy reaktiona "tapoja" vastaan, jonka kaukaa haetut ja monimutkaiset muodot vastustavat ennen kaikkea kuvien suuri yksinkertaisuus, joka on peräisin sekä korkean renessanssin mestareiden luomuksista että johtuen itsenäinen luonnontutkimus. Klassiseen perintöön valppaasti kurkistaen, siitä usein yksittäisiä elementtejä lainaten, uusi suuntaus pyrkii myrskyisässä dynamiikassa muotojen mahdollisimman suureen ilmaisukykyyn. Uudet kuvatekniikat vastaavat myös uusia taiteenhakuja: sommittelun rauhallisuus ja selkeys korvataan niiden vapaudella ja ikään kuin sattumalla. Figuurit on siirretty keskiasennostaan ja ne on rakennettu ryhmiin pääasiassa vinoviivoja pitkin. Tällä rakenteella on suuri merkitys barokin kannalta. Se vahvistaa liikkeen vaikutelmaa ja edistää tilan uutta siirtoa. Sen sijaan, että se olisi jaettu erillisiin kerroksiin, mikä on tavallista renessanssin taiteessa, se peittyy yhdellä silmäyksellä, mikä luo vaikutelman valtavan kokonaisuuden satunnaisesta fragmentista. Tämä uusi käsitys tilasta kuuluu barokin arvokkaimpiin saavutuksiin, joilla oli tietty rooli realistisen taiteen jatkokehityksessä. Halu ilmaisuun ja muotojen dynamiikkaan synnyttää toisen barokin tyypillisen piirteen - kaikenlaisten kontrastien käytön: kuvien, liikkeiden, valaistujen ja varjosuunnitelmien kontrastit, värien kontrastit. Kaikkea tätä täydentää selvä koristeellisuuden himo. Samalla myös kuvallinen tekstuuri muuttuu siirtyen lineaariplastisesta muotojen tulkinnasta yhä laajempaan maalaukselliseen visioon.

Maallinen maalausteline maalasi mielellään Raamatun, mytologian ja antiikin teemoja. Sen itsenäisinä tyypeinä kehittyvät maisema, taistelugenre ja asetelma.

1500- ja 1600-luvun partaalla reaktiona manierismia vastaan nousi kaksi suuntausta, joista kaikki myöhempi italialainen maalaus kehittyi: bolognalainen akateemisuus ja karavaggismi.

1580-luvulla Carraccin veljekset avasivat Akatemian Bolognassa, jota he kutsuivat Accademia dei Incominatiksi (Akatemia uudella polulla). Aiemman tulevaisuuden taiteilijoiden koulutuksen sijaan, joka edellytti tarvittavien taitojen hankkimista maalarien työpajoissa tehtävässä aputyössä, Carraccit puolsivat taiteilijan käytännössä vaadittavien aineiden systemaattista opetusta. Piirustuksen ja maalauksen opetuksen ohella edellä mainitussa Akatemiassa opetettiin anatomiaa, perspektiiviä sekä sellaisia tieteenaloja kuin historiaa, mytologiaa ja kirjallisuutta. Uuden menetelmän oli määrä olla merkittävä rooli eurooppalaisen taiteen historiassa, ja Bolognan akatemia oli prototyyppi kaikille myöhemmille 1600-luvulta lähtien avatuille akatemioille.

Karavaggismi. Muutamaa vuotta myöhemmin, Bologna-akatemismin muodostumisen jälkeen, esitettiin toinen taiteellinen liike, joka vastusti vielä enemmän manierismia, ja joka erottui voimakkaasta realismin etsinnästä kuvissa ja jolla oli pitkälti demokraattinen luonne. Tämä realismin yleisessä kehityshistoriassa poikkeuksellisen tärkeä suuntaus on yleensä merkitty termillä "karavaggismi", joka on johdettu sen pään nimestä Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Laajalti kotimaansa nimellä tunnettu Caravaggio kehittyi taidemaalarina Pohjois-Italian taiteen vaikutuksesta. Nuorena miehenä hän päätyy Roomaan, jossa hän herättää huomion useilla genremaalauksilla. Kuvatut puolihahmot tytöistä ja pojista, mustalaisista ja huijareista on varustettu tähän asti tuntemattomalla aineellisella tavalla. Sävellysten yksityiskohdat on kuvattu samalla aineellisella tavalla: kukka- ja hedelmäkorit, soittimet. Tämän piirin parhaisiin teoksiin kuuluva maalaus Luuttisoittaja (1594-1595, Eremitaaši) antaa käsityksen tällaisten teosten tyypistä. Se on ominainen varhaiselle Caravaggiolle ja selkeä lineaarinen maalaustapa.

Caravaggio antaa Bacchuksessaan (1596-1597, Firenze, Uffizi) yksinkertaisen kuvan, joka on vailla idealisaatiota ja joka eroaa ratkaisevasti Carraccin jalostetuista kuvista.

1590-luvun lopulla Caravaggio sai ensimmäisen suuren toimeksiannon luoda kolme maalausta San Luigi dei Francesin kirkkoon Roomassa. Alttarimaalauksessa "Kirjoittava apostoli Matteus, jonka kättä ohjaa enkeli" (1597-1598, maalaus katosi toisen maailmansodan aikana) Caravaggio luopui kaikesta apostolin idealisoinnista ja kuvasi häntä muodoltaan lakkaamattoman totuudenmukaisesti. miehestä kansasta. Tämä kuva aiheutti jyrkän tuomitsemisen asiakkaissa, jotka vaativat maalauksen korvaamista toisella, heille hyväksyttävämmällä vaihtoehdolla. Yhdessä seuraavista saman järjestyksen sävellyksistä, joka edustaa "Apostoli Matteuksen kutsumista" (1598-1599), Caravaggio antoi ensimmäisen esimerkin niin kutsutusta "kellari" maalauksesta. Tässä kuvassa vallitsee tumma sävy, vastakohtana terävästi valaistuille yksityiskohdille, jotka ovat erityisen tärkeitä sommittelulle: päät, hahmojen ääriviivat, käsieleet. Tällä tekniikalla oli erityisen selvä vaikutus eurooppalaiseen maalaukseen 1600-luvun ensimmäisellä kolmanneksella.

Caravaggion kapinallinen luonne toi hänet jatkuvasti törmäykseen ympäristön kanssa. Kävi niin, että riidan aikana hän tappoi vastustajansa pallopelissä ja joutui pakenemaan Roomasta. Mestarin elämäkerrassa avattiin uusi vaihe, jota leimaa jatkuva paikanvaihto. Lyhyen Napoli-vierailun jälkeen hän joutuu Maltan saarelle, missä hän menestyy erinomaisesti Maltan ritarikunnan suurmestarin palveluksessa, nostetaan aateliston arvoon, mutta pian uuden riidan jälkeen hän päätyy vankilaan. Sitten hän ilmestyy uudelleen Napoliin, minkä jälkeen hän saa luvan palata Roomaan, mutta viranomaisten virheen vuoksi, pitäen hänet toisella, häneltä viedään omaisuutensa, hän putoaa autiolle merenrannalle ja kuolee kuumeeseen.

Guado Reni. Guido Reni (1575-1642), joka esiintyi Carraccin jälkeen Bolognese-koulun johtajana, sai työnsä alkuvaiheessa vaikutteita Caravaggion taiteesta. Se ilmenee kuvien idealisoinnin puuttuessa ja chiaroscuron terävänä kontrastina ("Apostoli Pietarin ristiinnaulitseminen", n. 1605, Rooma, Vatikaani). Pian Reni kuitenkin kehittää oman tyylinsä, joka on silmiinpistävin ilmaus yhdestä 1600-luvun Italian taiteen suuntauksesta. Tälle varhaisen barokin niin sanotulle "klassiselle" suunnalle on ominaista taiteellisen kielen pidättyvyys sekä idealisoitujen muotojen ankaruus. Guido Renin tyyli paljastuu täysin ensimmäisen kerran kuuluisassa Aurorassa (1613-1614, Palazzo Rospigliosi), joka on maalattu freskotekniikalla roomalaisen Palazzo Rospigliosin kattoon. Kullankeltaisen taivaan taustalla, armotanssin ympäröimänä, Apollo ryntää vaunuissa. Hänen edessään lentävä Aurora pirskottaa kukkia maahan ja lyijymerelle, jota auringonsäteet eivät ole vielä koskettaneet. Lineaariplastinen muotojen tulkinta, maalaustelinemaalauksen tapaan rakennettu tasapainoinen sommittelu sekä erilaisten, mutta vaimeiden värien vastakohta tekevät tästä fresosta poikkeuksellisen osoituksen barokin koristemaalauksen kehityksen alkuvaiheesta. Samat piirteet, mutta keinotekoisemmilla asennoilla, ilmenevät myös myöhemmässä maalaustelineessä "Atalanta ja Hippomene" (n. 1625, Napoli). Reni tuo usein uskonnollisiin maalauksiinsa sentimentaalismin ja sokerin piirteitä. Eremitaasi-maalaus Madonnan nuoriso (1610-luku) vetää puoleensa ompelemalla kiireisten kauniiden tyttöjen lähetyksen läheisyydellä. Useissa muissa teoksissa kuvien idealisointi ei sulje pois niiden luonnollisuutta ja tunteiden syvyyttä (Kristuksen valitus, Bologna, Pinacoteca, 1613-1614; Madonna and Child, New York, yksityinen kokoelma, 1620-luvun loppu).

Giovanni Lanfranco. Yksi uuden tyylin valtaa väittäneistä mestareista, pääasiassa Correggion monumentaaliseen taiteeseen tukeutunut Giovanni Lanfranco (1580-1641), loi jo vuoteen 1625 mennessä maalauksensa Sant'Andrea della Vallen kupolista, joka kuvaa "Paratiisia". . Järjestäen lukemattomia hahmoja samankeskisiin ympyröihin - Madonna, pyhät, enkelit, hän johdattaa katsojan silmän loputtomaan tilaan, jonka keskellä on valoisa Kristus-hahmo. Tälle taiteilijalle on ominaista myös hahmojen yhdistäminen laajoiksi massoiksi, jotka muodostavat maalauksellisia valon ja varjon virtoja. Samat maalaustekniikat toistuvat Lanfrancon maalaustelinemaalauksissa, joista yksi viitteellisimmistä on "Vision of St. Margaret of Corton" (Firenze, Palazzo Pitti). Ekstaasin tila ja ryhmien rakentaminen diagonaaliin ovat äärimmäisen tunnusomaisia barokkitaiteelle.

Gverchino. Barokkin monumentaalisen taiteen kehittyneelle vaiheelle yhteinen illuusio katsojien pään yläpuolelle räjähtävästä tilasta on vieläkin selkeämpi kuin Lanfrancon, jonka ilmaisi hänen aikalaisensa Francesco Barbieri, lempinimeltään Guercino (1591-1666). Rooman Palazzo Ludovisin (1621-1623) katossa sekä edellä mainitun Guido Renin katossa on kuvattu Aurora, joka tällä kertaa ryntää vaunuissa pilvisen taivaan halki. Seinien huiput ja kohoavat sypressit, jotka on kuvattu koostumuksen reunalla, luovat tietystä näkökulmasta katsottuna illuusion huoneen todellisen arkkitehtuurin jatkamisesta. Guercino, joka on ikään kuin linkki Carraccin ja Caravaggion taiteellisten tapojen välillä, lainaa hahmojensa luonteen edellisestä ja chiaroscuro-maalauksensa tekniikat jälkimmäisestä. "The Burial of St. Petronilla" (1621, Rooma, Capitol Gallery) on yksi selkeitä esimerkkejä varhaisesta Guercinon maalauksesta, jossa kuvien luonnollisuus yhdistyy kuvallisen esityksen leveyteen ja energiaan. Kirjassa "Execution of St. Catherine" (1653, Eremitaaši), kuten muissakin mestarin myöhemmissä teoksissa, kuvien todenmukaisuus korvataan sävellyksen eleganssilla.

Kuuluisa ryhmä "The Extasy of St. Teresa, joka koristaa roomalaisen Santa Maria della Vittorian kirkon Cornaro-kappelia (1645-1652), enkeli nuolella kädessään ilmestyy pyhän yläpuolelle, nojaten hurmioituneessa tilassa. Teresan tunteet ilmaistaan realistisen lähetyksen väistämättömyydellä. Hänen leveän asunsa ja enkelihahmon tulkinta sisältää koristeellisia piirteitä. Kultaisten säteiden taustaa vasten asetettu marmoriryhmän valkoinen väri sulautuu arkkitehtonisen ympäristön värillisen marmorin värikkäisiin sävyihin tyylikkääksi väriyhdistelmäksi. Teema ja esitys ovat hyvin tyypillisiä italialaiselle barokkityylille.

1628-1647 juontaa juurensa yhdelle Berninin tärkeimmistä luomuksista - paavi Urbanus VIII:n hautakivestä Pyhän Nikolauksen katedraalissa. Pietari Roomassa. Ajatuksen majesteettisella ilmeisyydellä ja plastisen ratkaisun hallinnassa tämä monumentti kuuluu hautaveistosten merkittävimpiin teoksiin. Värillisellä marmorilla vuoratun kapean taustaa vasten kohoaa valkoinen jalusta, jossa on ilmeikäs pronssinen paavin hahmo. Hänen siunauksena kohotettu kätensä välittää hahmolle valtavan majesteettisuuden. Alla vihreän marmorisarkofagin sivuilla on valkoisia hahmoja, jotka personoivat Urban VIII:n hyveitä - viisasta oikeudenmukaisuutta ja armoa. Sarkofagin takaa nouseva pronssinen puolihahmo siivekkäästä luurangosta kiinnittää jalustaan taulun, johon on kaiverrettu vainajan nimi.

Pietro da Norton. Taiteilijoista korkeinta barokkityyliä parhaiten kuvaa Pietro Berrettini da Norton (1596-1669). Aluksi hän nousi etualalle monihahmoisilla maalaustelineillä ("Aleksanteri Suuren voitto Dareiuksesta", "Sabiininaisten raiskaus" - 1620-luku, molemmat - Capitoline Museum, Rooma), joissa hän löysi syvän antiikin Rooman aineellisen kulttuurin tuntemus, joka on hankittu tutkimalla antiikin monumentteja. Mutta Nortonin tärkeimmät saavutukset kuuluvat monumentaalisten ja koristeellisten maalausten alaan. Vuosina 1633–1639 hän toteutti suurenmoisen plafonin Palazzo Barberinissa (Rooma), joka on silmiinpistävä esimerkki barokin koristemaalauksesta. Plafoni ylistää Barberinin talon päätä, paavi Urbanus VIII:aa. Raskaan suorakaiteen muotoisen kehyksen peittämässä tilassa on kuvattu jumalallisen viisauden hahmo monien allegoristen hahmojen ympäröimänä. Vasemmalla hänen yläpuolellaan lentää taivaisiin hoikka tyttö, jolla on tähdistä koostuva kruunu kohotetussa käsissä ja joka esittää kuolemattomuutta. Vielä korkeammalla, Urban VIII:n runollisesta toiminnasta muistuttavat Musien voimakkaat hahmot kantavat valtavaa seppelettä, jonka keskellä lentää kolme Barberinin vaakunan mehiläistä. Kehyksen sivuilla seiniin siirtymisen pyöristyksessä on kuvattu mytologisia kohtauksia, jotka kertovat allegorisessa muodossa paavin toiminnasta. Kuvamotiivien rikkaus, kuvien monimuotoisuus ja elinvoimaisuus vastaa kokonaisuuden sointuvaa loistoa.

Samanaikaisesti realistiset suuntaukset kehittyvät useiden italialaisten mestareiden töissä, jotka työskentelivät pääasiassa Rooman ulkopuolella.

Salvator Rosa. 1600-luvun puolivälin omaperäisimpiä taiteilijoita on Salvator Rosa (1615-1673), joka ei ollut vain taidemaalari, vaan myös runoilija, pamflettaja ja näyttelijä. Napolista kotoisin oleva Rosa, jossa Caravaggion koulukunnan vaikutus oli erityisen pitkäkestoinen, on kuvien todellisuudessa ja tummilla varjoilla maalaustavalla lähellä jälkimmäistä. Taiteilijan töiden teemat ovat äärimmäisen monipuolisia, mutta taiteen historian kannalta tärkeimpiä ovat hänen lukuisat taistelukohtaukset ja maisemat. Taistelukoostumuksissa taiteilijan myrskyinen temperamentti ilmeni täysillä. Tällainen taistelulaji, jonka jäljittelijät ovat omaksuneet, tulee leviämään koko eurooppalaisessa taiteessa. Mestarin kallioisia merenrantaa kuvaavia maisemia voidaan kuvatun luonnon motiivien, sommittelun dynamiikan, valaistuksen terävän kontrastin ja kokonaisratkaisun emotionaalisuuden vuoksi kutsua romanttiseksi. Siten ne voidaan verrata Carrachin koulukunnan klassisiin maisemiin ja pohjoisten koulujen erittäin realistisiin maisemiin. Eremitaasissa säilytetään suurihahmoisia maalauksia Rosa, Odysseus ja Nausicaa (1650-luku) ja Demokraattinen yllätys Protagoraan ketteryydestä (samaan aikaan). Ne ovat erinomaisia esimerkkejä mestarin kerrontatyylistä ja kuvatekniikasta.

Giovanni Battista Gauli. Maalauksen uusien suuntausten pääedustaja on Giovanni Battista Gauli (1639-1709), joka tunnetaan sekä maalaustelineenä että freskoja luoneena taiteilijana. Hänen taiteensa liittyy läheisesti edesmenneen Berninin taiteeseen. Gaulin parhaita töitä ovat hänen varhaiset vaaleat maalauksensa Rooman Piazza Navonan Sant'Agnesen kirkon purjeisiin (n. 1665). Näissä paikoissa yleisimmän kirkkoarkkitehtuurin evankelistien sijaan Gauli kuvasi allegorisia kohtauksia kristillisistä hyveistä, jotka erottuivat muodon keveydestä. Erityisen houkutteleva on se, jossa on kaksi nuorta tyttöä, joista toinen laskee seppeleen toiselle. Gaulin kypsän tyylin teoksia ovat jesuiittaritarikunnan pääkirkon Il Gesun (1670-1680-luvun alku) maalaukset jesuiittaritarikunnan pääkirkon plafonista, kupolista ja kotilosta. Tämä plafoni, joka tunnetaan nimellä Jeesuksen nimen palvonta, on hyvin osoitus myöhäisbarokkityylistä. Kirkon todellisia muotoja jatkavan kirjoitetun arkkitehtuurin joukossa on syvyyksiin menevä taivaallinen tila, joka on täynnä lukemattomia hahmoja, kuten aaltoja, jotka hohtavat tummista vaaleampiin ryhmiin. Toinen mestarin maalaustyyppi on hänen koristelemattomat, psykologisesti erinomaisesti luonnehditut muotokuvat hänen aikalaisistaan (paavi Klemens IX, Rooma, Pyhän Luukkaan galleria; Berninin muotokuva, Rooma, Galleria Corsini).

Andrea Pozzo. Arkkitehtonisten rakenteiden illusorisuuden etsintä saavuttaa korkeimman kehityksensä Andrea Pozzon (1642-1709) teoksissa. Hänen tärkein teoksensa - keskilaivasta katsottuna Rooman Pyhän Ignazion kirkon plafondifresko, joka on kuvattu siinä terassien, pelihallien, aaltoilevien seinien pylväikköinä, joiden yläpuolella Ignatius Loyola erottuu monien hahmojen joukosta - luo. arkkitehtonisen tilan illuusio. Kuten muutkin vastaavat plafonit, rakenteen harmonia ja oikeellisuus rikkoutuvat välittömästi, kun katsoja siirtyy pois kohdasta, johon se on suunniteltu.

Napolilainen Luca Giordano (1632-1705) kuuluu myös koristemaalauksen tunnetuimpiin mestareihin. Lahjakas ja erittäin tuottelias mestari, hän oli kuitenkin vailla sisäistä voimaa ja omaperäisyyttä ja matki usein muita taiteilijoita. Hänen parhaisiin teoksiinsa kuuluu Firenzen Palazzo Riccardin plafoni, joka ylistää Medicin perhettä.

Telinemaalauksen alalla 1600-luvun lopun roomalaiseen koulukuntaan kuuluva Carlo Maratta (1625-1713) erottuu nimettyjen taiteilijoiden aikalaisista. Hän otti myöhäisen barokin suurimman edustajan paikan. Hänen alttarimaalauksensa erottuvat sileistä linjoista ja sävellysten majesteettisesta rauhallisuudesta. Vahvana taiteilijana hän löysi itsensä muotokuva-alalta. Hänen teoksistaan erottuu Eremitaasin muotokuva paavi Klemens IX:stä (1669), luonnehdinnaltaan terävä ja maalauksellisesti upea. Napolissa työskennellyt Francesco Solimena (1657-1749) muistelee raamatullisissa ja allegorisissa maalauksissaan Caravaggion tekniikoita terävin valon ja varjon kontrastein, mutta käyttää niitä puhtaasti koristeellisissa koostumuksissa. Edesmennyt bolognalainen Giuseppe Maria Crespi (1664-1747), joka on yksi tarkastelujakson lahjakkaimmista taiteilijoista, vaikutti voimakkaasti 1700-luvun maalaukseen. Mestarille on ominaista vahvasti korostunut realistinen suuntautuminen. Se ilmenee sekä uskonnollisissa sävellyksessä että vielä selvemmin hänen jokapäiväisissä maalauksissaan ("Pyhän Joosefin kuolema", n. 1712, Eremitaaši; "Sakramenttien sarja", 1710-luku, Dresdenin galleria).

Italian historiallista kehitystä leimasi jo 1500-luvun puolivälistä lähtien feodaalisen katolisen reaktion eteneminen ja voitto. Taloudellisesti heikko, erillisiksi itsenäisiksi valtioiksi pirstoutunut Italia ei pysty kestämään voimakkaampien maiden - Ranskan ja Espanjan - hyökkäystä. Näiden valtioiden pitkä taistelu valta-asemasta Italiassa päättyi Espanjan voittoon, jonka varmisti rauhansopimus Cato Cambresissa (1559). Siitä lähtien Italian kohtalo on liittynyt läheisesti Espanjaan. Venetsiaa, Genovaa, Piemontetta ja paavinvaltioita lukuun ottamatta Italia oli lähes kahden vuosisadan ajan itse asiassa Espanjan maakunta. Espanja osallistui Italian tuhoisiin sotiin, joita usein käytiin Italian valtioiden alueella, ja se edesauttoi feodaalisen reaktion leviämistä ja vahvistumista Italiassa sekä taloudessa että kulttuurielämässä.
Hallitseva asema Italchin yhteiskunnallisessa elämässä oli aristokratialla ja korkeimmalla katolisella papistolla. Maan syvän taloudellisen taantuman olosuhteissa vain suurilla maallisilla ja kirkon feodaaliherroilla oli vielä merkittävää aineellista vaurautta. Italian kansa - talonpojat ja kaupunkilaiset - olivat äärimmäisen vaikeassa tilanteessa, tuomittiin köyhyyteen ja jopa sukupuuttoon. Protesti feodaalista ja ulkomaista sortoa vastaan ilmaantuu lukuisissa kansannousuissa, jotka puhkesivat 1600-luvun aikana ja saivat joskus valtavat mittasuhteet, kuten Masaniellon kapina Napolissa.
Italian kulttuurin ja taiteen yleinen luonne 1600-luvulla johtui kaikista sen historiallisen kehityksen piirteistä. Italiassa barokin taide saa alkunsa ja kehittyy eniten. Tämä suuntaus ei kuitenkaan ollut ainoa 1600-luvun italialaisessa taiteessa hallitseva suunta. Sen lisäksi ja rinnakkain sen kanssa kehittyy realistisia liikkeitä, jotka liittyvät italialaisen yhteiskunnan demokraattisten kerrosten ideologiaan ja saavat merkittävää kehitystä monissa Italian taidekeskuksissa.

Italialaista taidetta 1600-luvulla

Uuden barokkitaiteen kehittämiskeskus XVI-XVII vuosisadan vaihteessa. oli Rooma. "Roomalainen barokki" on voimakkain taiteellinen tyyli Italian taiteessa 1500-1600-luvun jälkipuoliskolla. syntynyt ensisijaisesti arkkitehtuurissa ja ideologisesti kytketty katolilaisuuteen, Vatikaaniin. Tämän kaupungin arkkitehtuuri XVII vuosisadalla. näyttää olevan kaikessa vastakohtana renessanssin klassismille ja samalla kiinteästi siihen yhteydessä. Ei ole sattumaa, että Michelangelo, kuten jo mainittiin, on hänen edeltäjänsä.

Barokkimestarit rikkovat monia renessanssin taiteellisia perinteitä harmonisten, tasapainoisten volyymiensä ansiosta. Barokkiarkkitehdit yhdistävät kokonaisvaltaiseen arkkitehtoniseen kokonaisuuteen yksittäisten rakennusten ja aukioiden lisäksi myös katuja. Katujen alkua ja loppua leimaavat varmasti joitain arkkitehtonisia (neliöt) tai veistoksellisia (monumentit) aksentteja. Varhaisen barokin edustaja, arkkitehti Domenico Fontana (1543-1607) käyttää ensimmäistä kertaa kaupunkisuunnittelun historiassa Piazza del Popololta ("Kansaaukiolta") säteilevää kolmipalkista katujärjestelmää, joka varmistaa kaupungin pääsisäänkäynnin yhteys Rooman pääryhmiin. Sädekatujen katoamiskohtiin ja niiden päihin sijoitetut obeliskit ja suihkulähteet luovat lähes teatraalisen vaikutelman kaukaisuuteen vetäytyvästä perspektiivistä. Fontana-periaatteella oli suuri merkitys kaikessa myöhemmässä eurooppalaisessa kaupunkisuunnittelussa (muistakaa esimerkiksi Pietarin kolmipalkkijärjestelmä).

Patsaasta aukiota järjestävänä periaatteena korvataan dynaamisella ylöspäin suuntautuvalla obeliskillä ja vielä useammin veistoksella koristeltu suihkulähde. Loistava esimerkki barokkisuihkulähteistä olivat Berninin suihkulähteet: "Triton" (1643) Piazza Barberinilla ja suihkulähde "Four Rivers" (1648-1651) Piazza Navonalla.

Samaan aikaan varhaisen barokin aikakaudella uudentyyppisiä palatseja, huviloita ja kirkkoja ei niinkään luotu, vaan koristeellinen elementti vahvistui: monien renessanssipalatsojen sisätilat muuttuivat rehevien kammioiden enfiladiksi, portaalit muuttuivat monimutkaisemmiksi, barokkimestarit alkoivat kiinnittää paljon huomiota pihaan, palatsin puutarhaan. Huviloiden arkkitehtuuri rikkaine puutarha- ja puistokokouksineen saavutti erityisen mittakaavan. Täällä kehitettiin pääsääntöisesti samoja aksiaalirakentamisen periaatteita kuin kaupunkisuunnittelussa: samaa akselia pitkin kulkevat keskeinen tie, huvilan pääsali ja puiston pääkuja julkisivun toisella puolella. Luolat, kaiteet, veistokset, suihkulähteet koristavat puistoa runsaasti, ja koristeellista vaikutusta lisää entisestään koko kokonaisuuden sijainti terasseilla jyrkässä maastossa.

Lorenzo Bernini. Neljän joen suihkulähde Piazza Navonalla. Rooma

Arkkitehtoninen sisustus tulee entistä upeammaksi kypsällä barokkikaudella, 1600-luvun toisesta kolmanneksesta lähtien. Ei vain pääjulkisivu on koristeltu, vaan myös seinät puutarhan puolelta; pääeeiltään pääsee suoraan puutarhaan, joka on upea puistokokonaisuus; pääjulkisivun sivulta rakennuksen sivusiivet ulottuvat ja muodostavat etupihan - ns. court-doner (ranska cour d "honneur, lit. - Court of honor).

Kypsän barokin kulttiarkkitehtuurissa korostuu plastinen ilmaisu ja dynaamisuus. Lukuisat aukot ja tankojen murtumat, reunalistat, päädyt terävässä valossa ja sävykontrastissa luovat julkisivun poikkeuksellisen viehättävän. Suorat tasot korvataan koverilla, kuperoiden ja koveroiden tasojen vuorottelu lisää myös plastista vaikutusta. Barokkikirkon sisustus katolisen jumalanpalveluksen upean teatterirituaalin paikkana on synteesi kaikenlaisista kuvataiteista (ja urkujen ja musiikin myötä). Erilaiset materiaalit (värilliset marmorit, kivi- ja puuveistot, stukko, kultaus), maalaus illusionistisilla vaikutteineen - kaikki tämä yhdessä hassujen volyymien kanssa loi epätodellisen tunteen, laajentaen temppelin tilan äärettömyyteen. Renessanssimestarien rakastama koristeellinen kylläisyys, tasojen leikin hienostuneisuus, soikioiden ja suorakulmioiden tunkeutuminen ympyröiden ja neliöiden sijasta voimistuvat arkkitehtonisesta luomuksesta toiseen. Riittää, kun verrataan Giacomo della Portan (n. 1540-1602) Il Gesun (1575) kirkkoa Francesco Borrominin (1599-1667) Sant Ivon (1642-1660) kirkkoon: tässä on terävät kolmion muotoiset ulkonemat. seinät, kupoli, tähtimäiset, luovat äärettömän vaihtelevan vaikutelman, riistävät muodon objektiivisuuden; tai oman San Carlo alle cuatro Fontanen kirkon (1634-1667) kanssa.

Francesco Borromini. Sant Ivo alla Sanienzan kirkko. Rooma

Francesco Boromini. San Carlo alle cuatro Fontanen kirkon kupoli Roomassa

Veistos liittyy läheisesti arkkitehtuuriin. Se koristaa kirkkojen, huviloiden, kaupunkien palatsien, puutarhojen ja puistojen julkisivuja ja sisätiloja, alttareita, hautakiviä ja suihkulähteitä. Barokissa on joskus mahdotonta erottaa arkkitehdin ja kuvanveistäjän työtä. Taiteilija, joka yhdisti molemmat kyvyt itsessään Giovanni Lorenzo Bernini(1598-1680). Roomalaisten paavien hoviarkkitehtina ja kuvanveistäjänä Bernini täytti tilaukset ja johti kaikkia pääkaupungin sisustamiseksi tehtyjä arkkitehtonisia, veistoksellisia ja koristeellisia töitä. Hänen hankkeensa mukaan rakennettujen kirkkojen ansiosta katolinen pääkaupunki sai suurelta osin barokkiluonteisen luonteen (Sant'Andrea al Quirinalen kirkko, 1658-1678). Vatikaanin palatsissa Bernini suunnitteli "kuninkaalliset portaat" (Scala regia), joka yhdisti paavinpalatsin katedraaliin. Hän omistaa tyypillisimmän barokkiteoksen - Pietarin katedraalin (1657-1666) katoksen (ciborium), joka häikäisee erilaisten materiaalien koristeellisella rikkaudella, hillittömällä taiteellisella mielikuvituksella, sekä lukuisia katedraalin patsaita, reliefejä ja hautakiviä. Mutta Berninin tärkein luomus on Pyhän Pietarin katedraalin mahtava pylväikkö ja tämän katedraalin lähellä sijaitsevan jättimäisen aukion suunnittelu (1656-1667). Alueen syvyys - 280 m; sen keskellä seisoo obeliski; sivuilla olevat suihkulähteet korostavat poikittaista akselia, ja itse aukion muodostaa voimakas pylväikkö, jossa on neljä Toscanan luokan 19 metriä korkeaa pylväriviä, jotka muodostavat tiukan, avoimen ympyrän, "kuin avosylin", kuten Bernini itse sanoi. .

Pylväikkö kruunasi seppeleen tavoin katedraalin, jota kosketti kaikkien renessanssin suurten arkkitehtien käsi Bramantesta Rafaeliin, Michelangeloon, Baldassare Peruzziin (1481-1536), Antonio da Sangalla nuorempaan (1483-1546). . Viimeisenä pääportikon koristelu oli Bramanten oppilas Carlo Maderna (1556-1629).

Lorenzo Bernini. Pyhän Pietarinkirkon edessä olevan aukion pylväikkö. Rooma

Bernini ei ollut vähemmän kuuluisa kuvanveistäjä. Kuten renessanssin mestarit, hän kääntyi aiheiden, sekä antiikin että kristittyjen, puoleen. Mutta hänen kuvansa esimerkiksi "Davidista" (1623) kuulostaa erilaiselta kuin Donatello, Verrocchio tai Michelangelo. Berninin "David" on "militantti plebeiji", kapinallinen, hänellä ei ole Quattrocenton kuvien selkeyttä ja yksinkertaisuutta, korkean renessanssin klassista harmoniaa. Hänen ohuet huulensa ovat itsepintaisesti puristuneet, pienet silmät kaventuivat vihaisesti, hahmo on erittäin dynaaminen, vartalo on melkein kääntynyt akselinsa ympäri.

Bernini loi monia veistoksellisia alttaritauluja roomalaisiin kirkkoihin, hautakiviä kuuluisat ihmiset aikansa, Rooman pääaukioiden suihkulähteet (jo mainitut suihkulähteet Piazza Barberinilla, Piazza Navonalla jne.), ja kaikissa näissä teoksissa ilmenee niiden orgaaninen yhteys arkkitehtoniseen ympäristöön. Bernini oli tyypillinen katolisen kirkon tilaama taiteilija, joten sadassa alttaritaulussa, jotka on luotu samalla koristeellisella loistolla kuin muutkin veistokselliset teokset, barokkiplastisuuden kieli (esineiden tekstuurin illusorinen siirto, rakkaus erilaisten materiaalien yhdistämiseen ei vain tekstuurissa, mutta väreissä, toiminnan teatralisaatio, veistoksen yleinen "maalarillisuus" ilmaistaan aina selkeästi tietty uskonnollinen ajatus ("Pyhän Teresan Avilalaisen ekstaasi" Santa Maria della Vittorian kirkossa v. Rooma).

Bernini oli barokkimuotokuvan luoja, jossa kaikki barokin piirteet paljastuvat täysin: tämä kuva on seremoniallinen, teatraalinen, koristeellinen, mutta kuvan yleinen loisto ei peitä mallin todellista ulkonäköä siinä (muotokuvat herttua d "Ests, Ludvig XIV).

Italian maalauksessa XVI-XVII vuosisatojen vaihteessa. voidaan erottaa kaksi päätaiteellista suuntaa: toinen liittyy Carraccin veljien työhön ja sai nimen "Bologna academicism", toinen - yhden Italian suurimman taiteilijan taiteeseen 1600-luvulla. Caravaggio.

Annibale ja Agostino Carracci sekä heidän serkkunsa Lodovico perustivat vuonna 1585 Bolognaan todelliselle polulle tulleiden Akatemian (Accademia degli incamminati), jossa taiteilijat opiskelivat tietyn ohjelman mukaisesti. Tästä johtuu nimi - "Bologna-akatemismi" (tai "Bolognan koulukunta"). Bolognan Akatemian periaatteet, joka oli prototyyppi kaikille tulevaisuuden eurooppalaisille akatemioille, voidaan jäljittää lahjakkaimpien veljien työssä - Annibale Carracci (1560-1609).

Carracci tutki ja tutki luontoa huolellisesti. Hän uskoi, että luonto on epätäydellinen ja sitä on muutettava, jalostettava, jotta siitä tulisi klassisten normien mukainen kuvauskohde. Tästä johtuu Carraccin kuvien väistämätön abstraktio, retoriikka, paatos aidon sankaruuden ja kauneuden sijaan. Carraccin taide osoittautui erittäin ajankohtaiseksi, virallisen ideologian henkeä vastaavaksi, ja se tunnistettiin ja levisi nopeasti.

Annibale Carracci. Venus ja Adonis. Wien, Kunsthistorisches Museum

Carraccin veljekset ovat monumentaalisen ja koristemaalauksen mestareita. Heidän tunnetuin teoksensa on Rooman Palazzo Farnesen gallerian maalaus Ovidiuksen barokkimaalaukselle tyypillisten "Metamorfoosien" (1597-1604) aiheista. Lisäksi Annibale Carracci loi niin sanotun sankarimaiseman - idealisoidun, kuvitteellisen maiseman, koska luonto, kuten ihminen (bolognesalaisen mukaan), on epätäydellinen, töykeä ja vaatii hienostuneisuutta ollakseen esillä taiteessa. Tämä on verhojen avulla syvälle levitetty maisema, jossa on tasapainoisia puuryhmöjä ja melkein pakollinen raunio, jossa pienet ihmishahmot toimivat vain henkilöstönä korostamassa luonnon suuruutta. Bolognesen väri on aivan yhtä ehdollinen: tummat varjot, paikalliset värit selkeästi kaavion mukaan järjestettyinä, volyymien läpi liukuva valo. Carraccin ajatuksia kehittivät useat hänen opiskelijansa (Guido Reni, Domenichino ja muut), joiden työssä akateemisuuden periaatteet melkein kanonisoitiin ja levisivät kaikkialle Eurooppaan.

Michelangelo Merisi(1573-1610), lempinimeltään Caravaggio (syntymäpaikkansa mukaan), on taiteilija, joka antoi nimensä voimakkaalle realistiselle naturalismiin rajautuvalle taiteen suuntaukselle - karavagismille, joka sai seuraajia kaikkialla Länsi-Euroopassa. Ainoa lähde, josta Caravaggio pitää arvokkaana ammentaa taiteen teemoja, on ympäröivä todellisuus. Caravaggion realistiset periaatteet tekevät hänestä renessanssin perillisen, vaikka hän kukisti klassiset perinteet. Caravaggion menetelmä oli akateemisuuden vastakohta, ja taiteilija itse kapinoi häntä vastaan puolustaen omia periaatteitaan. Tästä syystä vetoomus (ei ilman haastetta hyväksytyille normeille) epätavallisiin hahmoihin, kuten pelaajiin, huijaajiin, ennustajiin ja erilaisiin seikkailijoihin, joiden kuvilla Caravaggio loi pohjan syvän realistisen hengen arkimaalaukselle yhdistäen alankomaalaisen genren havainnointi italialaisen koulukunnan selkeydellä ja taltioidulla muodolla ("Luutonsoittaja", noin 1595; "Soittimet", 1594-1595).

Mutta mestarin pääteemoja ovat uskonnolliset teemat (alttarikuvat), joita Caravaggio pyrkii aidosti innovatiivisella rohkeudella ilmentämään todentuntuiseksi. "Evankelista Matteus enkelin kanssa" (1599-1602) apostoli näyttää talonpojalta, hänellä on töykeä, tuttu kovaa työtä kädet, ryppyiset kasvot jännittyneet epätavallisesta ammatista - lukemisesta.

Caravaggio. Apostoli Matteuksen kutsu. San Luigi dei Francesin kirkko Roomassa

Caravaggiolla on vahva muodon plastinen mallinnus, hän maalaa maalia suurissa, leveissä tasoissa, siepaten sävellyksen tärkeimmät osat pimeydestä valolla. Tämä terävä chiaroscuro, väripisteiden kontrasti, lähikuvat, dynaaminen sommittelu luovat sisäisen jännityksen, draaman, jännityksen ja suuren vilpittömän tunnelman. Caravaggio pukee sankarinsa moderneihin vaatteisiin, sijoittaa heidät yksinkertaiseen, yleisölle tuttuun ympäristöön, mikä saavuttaa vieläkin enemmän vakuuttavuutta. Caravaggion teokset saavuttivat toisinaan niin realistisen ilmaisuvoiman, valitettavasti, joskus jopa naturalismin, että asiakkaat kieltäytyivät niistä näkemättä kuvissa oikeaa hurskausta ja ihanuutta (ei turhaan jotkut tutkijat käyttävät termiä "julma realismi"). suhteessa Caravaggioon). Näin oli alttarikuvan "Jumalan äidin taivaaseen ottaminen" kanssa: asiakas hylkäsi sen väittäen, että mestari ei kuvannut Marian taivaaseenastumisen suuruutta, vaan kuolemaa kaikessa rumuudessaan.

Suhtautuminen naturalistisiin yksityiskohtiin, tilanteen aitous ei peitä pääasiaa Caravaggion teoksissa, joista parhaat ovat emotionaalisesti ilmeikkäitä, syvän dramaattisia ja yleviä ("The Tombment", 1602). Monumentaalisuus, sävellysten majesteettisuus, veistoksellinen muoto, klassinen piirustuksen selkeys ovat ominaisia mestarin kypsälle luovuudelle. Samalla valon ja varjon sävyt pehmenevät, värisävyt ohenevat, tila ilmava (jo mainittu Marian taivaaseenasto, 1606).

Caravaggion taide synnytti sekä hänen taiteellisen menetelmänsä todellisia seuraajia että pinnallisia jäljittelijöitä, jotka oppivat vain ulkoisia tekniikoita. Hänen vakavimpia seuraajiaan Italiassa ovat Crespi, Gentileschi, kaikki venetsialaiset "tenebristit"; Hollannissa - Terbruggen ja yleensä koko niin sanottu "Utrechtin kavaradzhistikoulu". Caravaggion vaikutuksen koki nuori Rembrandt Espanjassa - Ribera, Zurbaran, Velasquez.

Varhaisimmista ajoista lähtien italialainen barokki tyylinä muodostui pitkälti yhteisillä periaatteilla bolognesalaisen akateemisen järjestelmän kanssa. Idealisaatio ja paatos olivat erityisen lähellä Italian yhteiskunnan virallisia piirejä ja kirkkoa - taideteosten pääasiakasta. Mutta tämä tyyli otti jotain Caravaggiolta: muodon aineellisuutta, energiaa ja draamaa, innovaatioita valo- ja sävymallinnuksen ymmärtämisessä. Kahden erilaisen sulautumisen seurauksena taidejärjestelmät ja italialaisen barokin taide syntyi: monumentaalinen ja koristeellinen maalaus Guercinosta (Francesco Barbieri, 1591 - 1666) hänen realistisine hahmoineen ja caravaggistinen chiaroscuro, Pietro da Cortona (Berrettini, 1596-1669), Luca Giordano (1652-1732) ); maalausteline maalaus lähimmästä Caravaggio Bernardo Strozzista (1581-1644), erinomaisesta koloristista Domenico Fettistä (1588 / 89-1623), johon Rubens (kuten myös Strozzi) vaikutti voimakkaasti. Hieman myöhemmin, vuosisadan puolivälissä, ilmestyivät Salvator Rosan (1615-1673) synkän romanttiset sävellykset, jotka olivat loistavia värikkäissä ansioissaan.

Caravaggio. Asento arkussa. Vatikaani, Pinacoteca

XVII vuosisadan viimeisellä kolmanneksella. Italian barokin taiteessa on hahmoteltu tiettyjä muutoksia. Koristeellinen vaikutus lisääntyy hallitsemattomasti, sommittelut ja kulmat monimutkaistuvat, näyttää siltä, että hahmot ryntäävät nopeassa ja arvaamattomassa liikkeessä. Maalaus perspektiiviillusionismillaan itse asiassa tuhoaa seinän, "rikkoo" katon tai kupolin, mikä on aina ollut klassisen taiteen sääntöjen vastaista. Roomalaisen Sant'Ignazion kirkon plafoni "Pyhän Ignatiuksen apoteoosi", esittäjä Andrea del Pozzo (1642-1709), arkkitehti, taidemaalari, taideteoreetikko, jota ei turhaan kutsuttu "jesuiittatyylin" päämieheksi. - selkein esimerkki sellainen plafonimaalaus "silmäpetoksellaan", ilmeisyydellä ilmaisukeinoja, mystiikkaa ja hurmioitunutta tunnelmaa (Rooma, 1684).

Vuosisadan loppuun mennessä sekä monumentaalisissa että koristeellisissa sävellyksissä sekä maalaustelineessa kylmyys, retoriikka ja väärä paatos voittaa yhä enemmän. Parhaat taiteilijat kuitenkin pystyivät voittamaan nämä myöhäisen barokin piirteet. Tällaisia ovat Alessandro Magnascon (1667-1749) romanttiset maisemat, uuden vuosisadan vaihteessa seisovien taiteilijoiden Giuseppe Crespin (1665-1747) monumentaalinen (plafonit, alttarikuvat) ja maalausteline (muotokuvat).

Salvator Rosa.

Maalit, kasvot, manikyyri, shampoot. Ihonhoito

Italialainen maalaus 1600-luvulta. Italia XVII-XVIII vuosisadalla

JOHDANTO

ITALIAN TAIDE

JOHDANTO

ITALIAN TAIDE

Asiaan liittyvä sisältö: