Abstracţionism, care este din lat. abstractio înseamnă abstracție, îndepărtarea este artă non-figurativă, neobiectivă. Forma particulară Arte vizuale, care nu urmărește să imite sau să afișeze realitatea percepută vizual. Sculptura abstractă, pictura și grafica exclud asocierea cu un obiect de recunoscut.

Ora apariției primului pictura abstracta, iar originile picturii abstracte nu au fost stabilite. Putem spune doar cu certitudine că între 1910 și 1915. Mulți artiști europeni au încercat compoziții non-figurative și non-figurative (în sculptură, desen și pictură).

Aceștia sunt: ​​M.F Larionov, F. Kupka, R. Delaunay, P. Klee, F. Picabia, U. Bocioni, F. Mark, F. Marinetti, A. G. Yavlensky și mulți alții.

Cei mai celebri și originali sunt P. Mondrian, V. V. Kandinsky și K. S. Malevich.

Compoziție în gri, roz, P. Modrian Compoziție nr. 217 Oval gri, V. V. Kandinsky Mă duc în spațiu, K. S. Malevich

Kandinsky este de obicei numit „inventatorul” abstractizării, referindu-se astfel la acuarelele sale din 1910–1912, precum și la lucrări teoretice, mărturisind în mod obiectiv autosuficiența artei și indicând capacitatea acesteia de a crea o realitate nouă cu mijloace proprii. Kandinsky, atât în ​​teorie, cât și în practică, a fost cel mai consecvent și mai hotărâtor dintre cei care la vremea aceea abordau linia care separă figurativitatea de abstractizare. Întrebarea cine a trecut primul această linie a rămas neclară. Cu toate acestea, nu are important, deoarece în primii ani ai secolului al XX-lea ultima moda Artele Europei s-au apropiat de această graniță și totul a demonstrat că va fi răsturnată.

Artiști abstracti

În ciuda convingerilor predominante, abstractizare nu era o categorie stilistică. Această formă deosebită Arte vizuale se împarte în mai mulți curenți. Abstracția lirică, abstracția geometrică, abstracția analitică, abstracția gestuală și mișcările mai particulare, de exemplu, aranformel, suprematismul, nuageismul și așa mai departe.

Stiluri de artă abstractă sunt dezvoltate din aceleași particule care formează stiluri ca și stilurile figurative. Aceasta confirmă faptul că pictură monocromă- aceasta este o pânză care este pictată într-un singur ton - rămâne în aceeași relație intermediară cu stilul ca o imagine figurativă complet naturalistă. Pictura abstractă - un tip special Arte Frumoase, ale căror funcții sunt comparate cu cele ale muzicii din spațiul audio.

Schimbarea crescândă a atitudinilor estetice în artă începe cu reformele revoluționare în știință, cultură și tehnologie ale secolului XX. Deja în prima jumătate a secolului al XIX-lea, noi tendințe în artă au început să fie vizibile. În acea perioadă, în pictura europeană se poate observa simultan o tendință crescândă spre convenționalitate (F. Goya, E. Delacroix, C. Corot) și îmbunătățirea tehnicii naturaliste (T. Chasserio, J.-L. David, J. Ingres). ). Primul este accentuat mai ales în pictura engleză - în R. O. Bonington, precum și W. Turner. Picturile sale - „Soarele răsărit în ceață...” (1806), „Seara muzicală” (1829–1839) și alte câteva lucrări transmit cele mai îndrăznețe generalizări care se limitează la abstractizare.

Să ne concentrăm pe formă, precum și pe intriga, una dintre ele ultimele lucrări – „Ploaie, abur, viteză”, înfățișând o locomotivă cu abur care se repezi prin ceață și un văl de ploaie. Această imagine scris în 1848 - pedeapsa capitală convenţii în arta primului jumătate a secolului al XIX-lea V.

Începând de la mijlocul secolului al XIX-lea, sculptura și grafica s-au orientat spre ceea ce este de neînțeles către imaginile direcționate. Cele mai intense cercetări se desfășoară pe noi mijloace vizuale, metode de tipificare, simboluri universale, expresie sporită și formule plastice comprimate. Pe de o parte, acesta vizează înfățișarea lumii interioare a unei persoane, stările sale psihologice emoționale, pe de altă parte, dezvoltarea viziunii. lume obiectivă.

Cât de des oamenii care sunt departe de artă nu înțeleg pictura abstractă, considerând-o niște mâzgăliri de neînțeles și o provocare care aduce discordie în minte. Ei batjocoresc creațiile autorilor care nu se străduiesc să descrie cu acuratețe lumea.

Ce este arta abstractă?

Deschizând noi oportunități de exprimare a propriilor gânduri și sentimente, au abandonat tehnicile obișnuite, încetând să copieze realitatea. Ei credeau că această artă obișnuiește o persoană cu un mod de viață filozofic. Pictorii căutau un nou limbaj pentru a exprima emoțiile care i-au copleșit și l-au găsit în pete colorate și linii curate care afectează nu mintea, ci sufletul.

Devenită un simbol al unei noi ere, aceasta este o direcție care a abandonat formele cât mai apropiate de realitate. Neînțeles de toată lumea, a dat impuls dezvoltării cubismului și expresionismului. Principala caracteristică a artei abstracte este non-obiectivitatea, adică nu există obiecte recognoscibile pe pânză, iar privitorii văd ceva de neînțeles și care nu este supus logicii, dincolo de limitele percepției obișnuite.

Cei mai cunoscuți artiști abstracti și picturile lor sunt comoară neprețuită pentru umanitate. Pânzele pictate în acest stil exprimă armonia formelor, liniilor și petelor de culoare. Combinațiile luminoase au propria lor idee și semnificație, în ciuda faptului că privitorului i se pare că nu există nimic în lucrări, cu excepția unor pete fanteziste. Cu toate acestea, în abstractizare totul este supus anumite reguli expresii.

„Tatăl” noului stil

Wassily Kandinsky este recunoscut drept fondatorul stilului unic - personalitate legendarăîn arta secolului al XX-lea. Pictorul rus cu opera sa a vrut să facă privitorul să se simtă la fel ca el. Acest lucru pare surprinzător, dar un eveniment important din lumea fizicii l-a determinat pe viitorul artist la o nouă viziune asupra lumii. Descoperirea descompunerii atomului a influențat serios dezvoltarea celui mai faimos artist abstract.

„Se pare că totul poate fi descompus în componente separate, iar această senzație a rezonat în mine ca distrugerea întregii lumi”, a spus Kandinsky, care a fost un cântăreț remarcabil al unei perioade de schimbare. Așa cum fizica a descoperit microlumea, tot așa pictura a pătruns în sufletul uman.

Artist și filozof

Treptat, celebrul artist abstract din opera sa se îndepărtează de detalierea lucrărilor sale și experimentează cu culoarea. Un filozof sensibil trimite lumină chiar în adâncurile inimii umane și creează pânze cu cel mai puternic conținut emoțional, în care culorile sale sunt comparate cu notele unei melodii frumoase. Primul loc în lucrările autorului nu este complotul pânzei, ci sentimentele. Kandinsky însuși credea suflet uman un pian cu mai multe coarde și a comparat artistul cu o mână care, prin apăsarea unei anumite taste (combinație de culori), o face să vibreze.

Un maestru care le oferă oamenilor indicii pentru a le înțelege creativitatea caută armonie în haos. Pictează pânze în care poate fi urmărit un fir subțire, dar clar, care leagă abstractizarea cu realitatea. De exemplu, în lucrarea „Improvizație 31” („ Bătălie pe mare") în petele de culoare puteți ghici imaginile bărcilor: navele cu pânze pe pânză rezistă elementelor și valurilor rostogolitoare. Așa că autorul a încercat să povestească despre eterna bătălie a omului cu lumea exterioară.

student american

Artiști abstracti renumiți ai secolului al XX-lea care au lucrat în America sunt studenți ai lui Kandinsky. Opera sa a avut o influență imensă asupra artei abstracte expresive. Emigrantul armean Arshile Gorky (Vozdanik Adoyan) a creat într-un stil nou. A dezvoltat o tehnică specială: a întins pânze albe pe podea și a turnat vopsea din găleți pe ele. Când a înghețat, maestrul a zgâriat linii în el, făcând ceva ca basoreliefuri.

Creațiile lui Gorka sunt bogate culori deschise. „Aroma de caise în câmp” este o pictură tipică în care schițele de flori, fructe și insecte sunt transformate într-o singură compoziție. Privitorul simte pulsația care emană din lucrare, realizată în portocaliu strălucitor și tonuri bogate de roșu.

Rotkovich și tehnica lui neobișnuită

Când vine vorba de cei mai cunoscuți artiști abstracti, nu se poate să nu-l amintim de Marcus Rothkovich, un emigrant evreu. Un elev talentat al lui Gorka a influențat publicul cu intensitatea și profunzimea membranelor colorate: a suprapus două sau trei spații dreptunghiulare de culoare una peste alta. Și păreau să tragă persoana înăuntru, astfel încât să experimenteze catharsis (purificare). Însuși creatorul picturilor neobișnuite a recomandat să le vizionați la o distanță de cel puțin 45 de centimetri. El a spus că munca lui este o călătorie într-o lume necunoscută, în care spectatorul este puțin probabil să aleagă să meargă pe cont propriu.

Genial Pollock

La sfârșitul anilor 40 ai secolului trecut, unul dintre cei mai cunoscuți artiști abstracti, Jackson Pollock, a inventat o nouă tehnică de pulverizare a vopselei - picurare, care a devenit o adevărată senzație. Ea a împărțit lumea în două tabere: cei care recunoșteau picturile autoarei drept geniale și cei care le numeau bărbați nedemni să fie numiți artă. Creatorul de creații unice nu a întins niciodată pânzele pe pânză, ci le-a așezat pe perete sau pe podea. Se plimba cu un borcan de vopsele amestecate cu nisip, plonjând treptat în transă și dansând. Se pare că a vărsat accidental un lichid multicolor, dar fiecare mișcare a lui a fost gândită și semnificativă: artistul a ținut cont de forța gravitației și de absorbția vopselei de către pânză. Rezultatul a fost o confuzie abstractă constând din pete marimi diferiteși linii. Pollock a fost supranumit „Jack the Sprinkler” pentru stilul său inventat.

Cel mai cunoscut artist abstract și-a oferit lucrărilor nu titluri, ci numere, astfel încât privitorul să aibă libertate de imaginație. „Pânza nr. 5”, situat în colecție privată, a fost ascuns de ochiul public multă vreme. Începe o agitație în jurul capodoperei, învăluită în secret, și în cele din urmă apare la Sotheby’s, devenind instantaneu cea mai scumpă capodopera la acea vreme (costul ei este de 140 de milioane de dolari).

Găsește-ți formula pentru a înțelege arta abstractă

Există o formulă universală care să permită privitorului să perceapă arta abstractă? Poate că în acest caz fiecare va trebui să-și găsească propriile linii directoare pe baza experienta personala, senzații interne și o mare dorință de a descoperi necunoscutul. Dacă o persoană dorește să descopere mesajele secrete ale autorilor, cu siguranță le va găsi, pentru că este atât de tentant să privești în spatele învelișului exterior și să vezi ideea, care este o componentă importantă a abstractionismului.

Este greu de supraestimat revoluția în arta tradițională pe care au produs-o artiștii abstracti celebri și picturile lor. Au forțat societatea să privească lumea într-un mod nou, să vadă culori diferite în ea, să aprecieze forme și conținut neobișnuit.

(lat. abstractio removal, distraction) artă non-obiectivă, non-figurativă o formă de activitate vizuală care nu urmărește să imite sau să afișeze realitatea percepută vizual. Pictura abstractă, grafica, sculptura exclud asocierile cu obiecte recunoscute.

Originile picturii abstracte și momentul creării primei picturi abstracte nu au fost stabilite. Putem spune doar cu certitudine că între 1910 și 1915, mulți artiști europeni și-au încercat mâna la compoziții neobiective, nefigurative (pictură, desen, sculptură). Printre aceștia: R. Delaunay, M. F. Larionov, F. Picabia, F. Kupka, P. Klee, F. Mark, A. G. Yavlensky, U. Bocioni, F. Marinetti și alții Cei mai originali și celebri V.V.Kandinsky, P.Mondrian , K.S.Malevici. Kandinsky este de obicei numit „inventatorul” abstracției, referindu-se la acuarelele sale din 1910–1912 și la lucrările sale teoretice, care mărturisesc în mod obiectiv autosuficiența artei și indică capacitatea acesteia de a crea o nouă realitate cu propriile mijloace. Atât în ​​practică, cât și în teorie, Kandinsky a fost cel mai hotărâtor și mai consecvent dintre cei care la acea vreme abordau linia care despărțea figurativitatea de abstractizare. Întrebarea neclară a cine a trecut primul această linie nu are o importanță fundamentală, deoarece în primii ani ai secolului XX. Cele mai noi tendințe în arta europeană s-au apropiat foarte mult de această graniță și totul indica că aceasta va fi răsturnată.

Abstracția, contrar credinței populare, nu este o categorie stilistică. Această formă specifică de creativitate vizuală se încadrează în mai multe direcții. Abstracția geometrică, abstracția lirică, abstracția gestuală, abstracția analitică și mișcări mai particulare, precum Suprematismul, Aranformel, Nuageismul etc.

Stilurile de artă abstractă sunt compuse din aceleași elemente de formare a stilului ca și stilurile de artă figurativă. Acest lucru este dovedit, în special, de faptul că pictura monocromă - o pânză pictată într-un singur ton - este în aceeași relație neutră cu stilul ca o imagine figurativă absolut naturalistă. Pictura abstractă este tip special de activitate vizuală, ale căror funcții sunt comparate cu cele ale muzicii din spațiul audio.

Schimbarea accelerată a atitudinilor estetice în artă își are originea în transformările revoluționare ale culturii, științei și tehnologiei din secolul al XX-lea. În artă, noile tendințe au devenit vizibile deja în prima jumătate a secolului al XIX-lea. În acest moment, în pictura europeană se poate observa simultan perfecţionarea tehnicii naturalistice (J. Ingres, J.-L. David, T. Chasserio) şi o tendinţă tot mai mare spre convenţionalitate (C. Corot, E. Delacroix, F. Goya). ); acesta din urmă este accentuat mai ales în pictura engleză de R. O. Bonington și în special de W. Turner, ale cărui picturi Soarele răsare în ceață(1806), Seara muzicala(18291839) și alte câteva lucrări reprezintă cele mai îndrăznețe generalizări care se limitează la abstractizare. Să fim atenți la formă, dar și la intriga uneia dintre cele mai recente lucrări ale sale Ploaie, abur, viteză, care înfățișează o locomotivă cu abur care se repezi prin ceață și un văl de ploaie. Acest tablou, pictat în 1848, este cea mai înaltă măsură de convenție în arta primei jumătate a secolului al XIX-lea.

De la mijlocul secolului al XIX-lea. pictura, grafica, sculptura abordeaza ceea ce este inaccesibil reprezentarii directe. Căutarea de noi mijloace vizuale, metode de tipificare, expresie sporită, simboluri universale și formule plastice comprimate devine din ce în ce mai intensă. Pe de o parte, acesta are ca scop afișarea lumii interioare a unei persoane a stărilor sale psihologice emoționale, pe de altă parte, actualizarea viziunii asupra lumii obiective. În anii 1900, descoperirea, mai întâi în Spania și apoi în Franța, a artei primitive și, puțin mai târziu, a artei tradiționale („primitive”) a schimbat decisiv ideea semnificației formelor convenționale în artele vizuale.

Starea în care se află arta în acest moment poate fi numită o revoluție estetică permanentă; principalele evenimente au loc în Franţa. Expoziția internațională universală din 1900 de la Paris, de pe Avenue Nicholas II, a fost prima expoziție oficială, care cuprindea lucrări ale unor artiști încă „scandalosi” la acea vreme: E. Manet, C. Monet, O. Renoir și alți impresioniști, de asemenea ca P. Gauguin si P. .Cezanne. În 1904, cea mai recentă pictură franceză, prezentată în Germania, a făcut o impresie uimitoare artiști germaniși a servit drept imbold pentru crearea Uniunii Tineretului, care a inclus viitori expresioniști celebri: E. L. Kirchner, K. Schmidt-Rottluff și alții.

Din 1905 până în 1910, în arta vest-europeană a avut loc o „deconstrucție” consistentă a sistemului pictural clasic și o schimbare radicală a atitudinilor estetice. După ce impresionismul a introdus pentru prima dată în istoria artei schimbări structurale (nestilistice) în pictură, fauviștii francezi și expresioniștii germani și-au schimbat atitudinea față de culoare și desen, care în cele din urmă au ieșit din subordonarea naturii. Cubismul eliberează apoi pictura de narativitatea unei intrigi narative.

Dacă pictura, ca și alte arte, nu este atât o demonstrație de îndemânare, crearea unei opere, cât o modalitate de auto-exprimare, atunci arta abstractă trebuie recunoscută ca stadiul cel mai avansat al activității vizuale. Această „ascensiune” este demonstrată de evoluția creativă a pionierului artei abstracte Kandinsky, care parcurge o serie de etape, inclusiv desen academic si realiste peisagistică, înainte de a trece în spațiul liber de culoare și linie. Compoziția abstractă este ultimul nivel molecular la care pictura rămâne încă pictura. Dezintegrare în continuare.

„Dovada existenței mele”, spune unul dintre artiștii contemporani„, nu este numele meu, corpul meu vor dispărea în oceanul timpului, ci o ficțiune, o creație a aparenței” (Francllin C. Jean Le Gac. Citat din: Millet K. . Minsk, 1995, p. 235).

Creativitatea cel mai intim, cel mai autentic mod autoafirmare, de care o persoană are nevoie urgentă. Această nevoie îmbrățișează mase din ce în ce mai mari de oameni (dovada, în special, de metodele tot mai frecvente și crude de afirmare colectivă și individuală a autenticității cuiva).

Arta abstractă este cea mai accesibilă și nobilă modalitate de a surprinde existența personală și într-o formă asemănătoare unei imprimări cu facsimil. În același timp, este o realizare directă a libertății.

În SUA, ascensiunea artei abstracte a început deja la mijlocul anilor 1940. Primele figuri notabile la acest moment, pe lângă studentul lui P. Mondrian, J. Pollock, au fost B. Diller, M. Tobey, B. W. Tomlin, A. Gorky. Printre cei a căror muncă a influențat ulterior pictura europeană, B. Newman, M. Rothko, F. Klin, R. Rauschenberg, W. Kuning, A. Reinhardt.

Unul dintre primii abstracționiști francezi de după război care a luat lecțiile picturii americane, P. Soulages. Nu este cele mai bune lucrări amintind de abstracţiile expresive ale lui F. Klin. Lucrările lui G. Hartung sunt mai aproape de sursa originală a abstractizării europene – Kandinsky. Printre artiștii europeni care au ajuns în mod independent la abstractionism în anii postbelici, J. Fautrier, J. Mathieu, J.-P Riopelle, G. Capogrossi, M. Esteve, A. Lanskoy, S. Polyakov, R. Bissier și J. Bazin. J. Bazin și R. Bissier au avut o influență deosebită în Franța în anii de după război. Pictura lui N. de Stael a supraviețuit tuturor și continuă să crească în preț și popularitate, oscilând, ca pictura lui Bissier și parțial Bazin, pe o linie fină dintre abstractizarea completă și un indiciu de figurativitate.

În 1950, a apărut primul atelier la Paris, în care artiștii J. Devagne și E. Pilet i-au învățat pe tineri să scape de viziunea realistă, să creeze o imagine exclusiv prin mijloace picturale și să nu folosească mai mult de trei tonuri într-o compoziție, deoarece „ culoarea determină forma” (trebuie să ne străduim să găsim culoarea exactă). La începutul anilor '50, A. Matisse a creat compoziții abstracte. Pictură abstractă de Devan Apoteoza lui Marat(1951) a fost întâmpinat cu mare entuziasm. Criticii au scris că acesta nu este doar un portret intelectual al unei tribune de foc, ci, în plus, „o sărbătoare a culorii pure, jocul dinamic al curbelor și liniilor drepte”, „acest lucru este dovada că abstracția exprimă nu numai valori spirituale, dar și arta figurativă poate aborda evenimente istorice și politice.”

La începutul anilor '50, „abstracția lirică” a lui J. Mathieu a devenit populară în Franța. Are o declarație care reflectă noua abordare la artă: „Legile semanticii operează pe principiul inversării: de vreme ce un lucru este dat, se găsește pentru el un semn dacă este dat, el se afirmă, dacă găsește ceea ce este întruchipat”. Adică, mai întâi se creează un semn, apoi se găsește semnificația acestuia. ÎN arta clasica sensul caută întruchipare (în primul rând semnificat).

La începutul anilor '50, la Betty Parson Gallery din New York au apărut nume noi, unde lucrările lui Hans Hofmann și J. Pollock au fost expuse pentru prima dată la sfârșitul anilor '40: Barnett Newman și Robert Rauschenberg.

Stilul de abstractizare americană din anii 50 este diferit geometrie rectilinie: B. Diller, A. Reinhardt, W. Kuning, F. Klin, M. Rothko, B. Newman, R. Rauschenberg (excepție A. Gorki, parțial M. Tobey și A. Gottlieb). Acest stil este asociat cu școala din New York, care câștigă brusc faimă internațională.

Arta a fost întotdeauna, într-o măsură sau alta, un mijloc de auto-exprimare. O personalitate care s-a imprimat indirect în structurile normative Stiluri mari, în timpurile moderne ea își creează astfel de structuri.

Odată cu intrarea în abstractizare, persoana creatoare a câștigat libertate. Necorectate de altcineva, linia, culoarea, textura devin imprimarea facsimilă a autorului. Teoretic, nimic nu împiedică imprimarea personalității în proiecții plastice, grafice, picturale, în care CumȘi joi o îmbină împreună („Desenul meu este întruchiparea directă și cea mai pură a emoțiilor mele”, spune Matisse. L'Aventure du XX siècle. Paris, 1998. P. 511).

Pe de altă parte, măsura înstrăinării pe care o permite abstracția depășește tot ceea ce a existat înainte. Designerul pictural al Suprematismului își asumă o satisfacție fără precedent a nevoilor estetice în capacitățile sale.

Ca factor de formare a stilului, abstracția extinde la nesfârșit posibilitățile de a întruchipa două esențe opuse: unic și universal. Textele și operele de artă din toate timpurile indică faptul că autorul, într-o măsură sau alta, a vorbit întotdeauna despre sine, dar niciodată la fel de conștient, amănunțit și deschis ca în secolul al XX-lea.

În suma factorilor (invenția fotografiei, teoriile științifice și cvasiștiințifice ale culorii și luminii etc.) care au determinat principalul vector al schimbărilor în artă în timpurile moderne - trecerea de la naturalism la abstracție, primul loc este ocupat prin individualizarea creativităţii – transformarea ei într-o proiecţie directă a personalităţii.

Proiecția directă a temperamentului pictura gestuală se naște în America. Victoria artei noi în America poate părea neașteptată dacă ne amintim de indignarea americanilor care au văzut pentru prima dată o mare expoziție a avangardei europene în 1913. În timpul războiului și după război, americanii au putut vedea că investițiile în artă erau de încredere și profitabile. Oricine și-a dat seama de rentabilitatea artei contemporane în timp a avut șansa de a deveni fabulos de bogat (Peggy Guggenheim, Betty Parson etc.). Aproape toți clasicii avangardei europene s-au găsit în postura de emigranți în timpul războiului din Statele Unite. Cel mai faimos dintre artiștii abstracti americani este Pollock, un elev al lui Mondrian, iar succesul său este succesul Galeriei Betty Parson.

La începutul anilor 1960, arta abstractă s-a întors din America în Europa într-o formă actualizată. „Acesta devine o descoperire”, scrie K. Millet, „pentru cei care nu și-au dezvoltat încă pe deplin crezul artistic... În primul rând, arta abstractă (cel mai adesea americană) este studiată din reproduceri”. „Devad notează cu umor că, având acces la pictura americană doar prin fotografiile revistei Artforum, a ales pentru opera sa formatul de timbre poștale, în timp ce Vialla, dimpotrivă, crezând că Jackson Pollock folosește un format mare, mărește tot mai mult formatul. Din lucrările sale, doar câteva, precum Devade sau Buren și Parmentier, au putut să vadă pictura americană cu ochii lor” (Mille K. Arta contemporană a Franței. Minsk, 1995, p. 156).

Primele expoziții de pictură americană la Paris au fost organizate la începutul anilor ’60 cea mai reprezentativă, „Arta realității” (1968), lansată la Grand Palais, a fost dedicată în întregime abstractului; arta americană. Influența americană asupra arta europeana cade pe ani război rece. În aceste decenii, structura democratică organizată pe orizontală s-a opus strict celei comuniste organizate pe verticală. Arta abstractă antinormativă în mare parte datorită respingerii ei în URSS devine un simbol al creativității libere, care se opune normativului figurativ „ realism socialist" În timpul Războiului Rece, o structură centralizată nu neapărat la stânga sau la dreapta pentru intelectual este asociată cu ideea de suprimare a individului. La nivel de stat, întruchiparea unei structuri organizate ideal sunt monștri militari uriași care se opun unul altuia, amenințând cu moartea tuturor viețuitoarelor. Poate aici sunt originile subconștiente ale noilor tendințe în arta abstractă - o tendință spre descompunere și descentralizare. Aceste sentimente sunt întruchipate în pictura americană all-over, care elimină compoziția cadrului tabloului, transformând pictura într-un câmp colorat sau pur și simplu într-o suprafață pictată (Câmp de culoare, Hard Edge, Minimal Art).

Stare policentrică spațiu artistic presupune existență autonomă puternic personalitate creativă, care ea însăși este capabilă să-și stabilească propriul stil, metodă, direcție individuală (să ne amintim că în anii 50 încă mai lucrau cei mai mari maeștri ai primului eșalon al avangardei - A. Matisse, A. Derain, J. Braque , P. Picasso etc.).

În a doua jumătate a anilor '50, a apărut prima sculptură abstractă echipată cu un „creier electronic”, Cysp I Nicola Schöffer. Alexander Kalder, după „mobilele” care au avut succes, își creează propriile „grajduri”. Apare una dintre direcțiile separate ale abstractionismului - op art.

În același timp, aproape simultan în Anglia și SUA, au apărut primele colaje, folosind etichete de produse produse în serie, fotografii, reproduceri și obiecte similare ale noului stil pop art. Pe acest fond, succesul modestului expresionist Bernard Buffet pare neașteptat. Stilul său (definiția formelor, compoziția echilibrată) se corelează cu fenomene precum Căderea lui Icar Picasso în Palatul UNESCO, picturi abstracte de F. Hundertwasser, stilul monumental al lui K. Klapek, desene monocrome de M.E. Viera da Silva.

Una dintre primele încercări de analiză structurală a postclasicului creativitatea artistică aparține lui Umberto Eco. Pictura gestuală a lui J. Pollock, conform lui Eco, lasă privitorului libertate deplină de interpretare. Comparând astfel de pictură cu „mobilele”, jocurile semantice de poezie și compoziții muzicale Sfârșitul anilor '50, Eco încearcă să identifice structura comună a „exploziei libere”, în care, după cum crede el, există o „fuziune de elemente asemănătoare cu cea folosită de poezia tradițională în cea mai bună măsură, când sunet și sens, sens condițional conținutul sonor și emoțional se îmbină. Această fuziune este ceea ce cultura occidentală consideră a fi o trăsătură a artei: un fapt estetic”, scrie Eco U. L'Oeuvre ouverte. Paris, 1965. Citat. De: L"Aventure de l"art au XX-e siecle. Paris, 1988. R. 597).

Arta anilor 60 este o explozie a inovației și recunoașterea finală de către muzee a diferitelor fenomene neconvenționale apărute în anii 50.

Celebra școală de pictură din New York, care a devenit cea mai înaltă autoritate în domeniul său în anii 50, a început cu un apel la abstracție din partea fondatorilor săi: J. Pollock, M. Rothko, W. Kooning. Până în a doua jumătate a anilor '40, pictura americană a rămas neremarcabilă. Provincialismul și conservatorismul său nu conțineau nimic anume, cu excepția unei anumite rețineri, răceală și asceză. Mai târziu, această moștenire a puritanismului și-a găsit drumul în stilul expresionismului abstract.

Pe lângă cele menționate, pictura americană a anilor 50 este reprezentată de numele lui B. Diller, A. Reinhardt, M. Tobey, B. W. Tomlin, K. Steele, F. Klin, A. Gottlieb, B. Newman, G. Hoffman, J. Albers, R. Crawford. Cu o diferență clară în direcții și maniere individuale, pictura americană a anilor 50 demonstrează claritate, certitudine, lipsă de ambiguitate și încredere. Uneori, cu o oarecare redundanță, luând un caracter agresiv. Artiștii acestei generații știu ce își doresc, sunt încrezători în ei înșiși și își afirmă ferm dreptul la auto-exprimare.

În pictura anilor 60, ceea ce rămâne din această perioadă este cea mai puțin agresivă, formă statică - minimalismul. Fondatorul abstracției geometrice americane, Barnett Newman, și într-o formă și mai evidentă, A. Lieberman, A. Held, K. Noland, precum și ceva mai devreme B. Diller, dezvoltă cu succes ideile de neoplasticism și suprematism.

Noua mișcare a picturii americane, numită abstracție „cromatică” sau „post-pictorală”, vine din orizontul fauvismului și al postimpresionismului. Stilul dur, contururile accentuat de ascuțite ale operelor lui E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella lasă treptat locul picturilor de natură melancolică contemplativă.

Stilul lui Helen Frankenthaler și Maurice Louis se distinge prin contururi moi, nuanțe subtile de culoare și contururi vagi. Abstracția geometrică trece și ea în registrul formelor rotunjite (A. Liberman, A. Held).

Pictura americană a anilor 70 revine la figurativitate. Se crede că anii 70 este momentul adevărului pentru pictura americană, care este eliberată de tradiția europeană care a alimentat-o ​​și devine pur american. Ceea ce se întâmplă arată așa, doar dacă ne gândim că abstracția este străină de „spiritul național” american. Este semnificativ că opoziția față de arta abstractă, care este în esență cosmopolită și aparține civilizației mondiale, de regulă, a venit și provine din ideologiile colectiviste care suprimă individul.

Din punctul de vedere al transformării permanente a stilului (de la geometricism rigid la biomorfism), schimbările care au loc trebuie interpretate, dimpotrivă, ca o abatere de la virtuțile puritane fundamentale - asceză, hotărâre, fermitate, certitudine.

Se crede că pictura americană a anilor 70 este mai „sufletă” decât „spirituală”. „Pictura din anii șaptezeci”, scrie Barbara Rose, „este de fapt nu numai mai variată, mai eterogenă și pluralistă decât pictura din anii șaizeci, dar este și mult mai intimă, mai poetică și mai personală. Pictura este din nou plină de conținut unic și subiectiv” (Rose B. La peinture americaine le XX cicl. Paris Zurich, 1992. P. 126).

În pictura anilor 80, ei văd aproape o „întoarcere la estetica artei realiste”. Cu toate acestea, în ciuda revenirii formelor tradiționale, de la portret la istoric și pictura de gen, nimic din ce a apărut în deceniile precedente nu dispare. Nu abstracția a fost depășită, ci canonizarea ei, interdicțiile asupra artei figurative, asupra genurilor „joase”, asupra funcții sociale artă.

În același timp, stilul picturii abstracte și abstract-figurative capătă o moliciune anterior absentă volume aerodinamice, contururi neclare, bogăție de semitonuri, nuanțe subtile de culoare (cf. lucrări de E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. . Morley, L. Chese, A. Byalobroda). Stilul hard nu dispare complet; se estompează în fundal și continuă să existe în opera geometrienilor și artiștilor expresioniști din vechea generație (H. Buchwald, D. Ashbaugh, J. Gareth etc.).

Pictura ca mijloc de auto-exprimare nu este inferioară muzicii în ceea ce privește întruchiparea „inexprimabilului” și, dacă este necesar, poate fi mai specifică decât cuvântul. Deținând în întregime mijloacele de desen și capacitățile plastice ale sculpturii, recreând iluzia spațiului real și fantastic, depășind semnificativ sculptura în capacitatea de a manipula volumele, pictura are propriile sale mijloace unice - culoarea.

Posibilitățile de culoare, dezvăluite de impresioniștii francezi, s-au extins și mai mult odată cu apariția picturii în abstractizare. Părerea că pictura de astăzi este un anacronism există pentru că secolul nostru este secolul muzicii și, de asemenea, pentru că, gândindu-se la pictură, își imaginează o pânză amorsată întinsă pe targă, acoperită cu un strat de vopsea și lac, un fel de muzeu. exponat. Dar pictura este un proces, o lume posibilități deschise momente înghețate, apariția imaginilor năzuite, aventură, confruntare, reflecție, eliberare de redundanță, refacere a insuficienței, acesta este un act de autoafirmare și o proiecție directă a intuiției, o demonstrație de măiestrie și de posibilitate de descoperire. Cei care au avut norocul să realizeze liber această oportunitate la intrarea în lumea picturii abstracte știu acest lucru în mod deosebit.

WASILY KANDINSKY. PORTRETUL SOȚIEI NINEI WILLEM DE KUNING. REZUMAT

Seuphor M. Dictionaire de la peinture abstrite. Paris, 1957
Ponente N. Peinture moderne. Tendinte contemporane. 19401960. Skira, 1960
Vallier D. L"art abstractă. Paris, 1967
Art 1998. Chicago la Navy Pier. Chicago, 1998

Găsiți „ABSTRACȚIONISM” pe

Detalii Categorie: Varietate de stiluri și mișcări în artă și caracteristicile acestora Publicat 16.05.2014 13:36 Vizualizări: 10526

„Când unghiul ascuțit al unui triunghi atinge un cerc, efectul nu este mai puțin semnificativ decât cel al lui Michelangelo, când degetul lui Dumnezeu atinge degetul lui Adam”, a spus V. Kandinsky, liderul artei de avangardă al primului unghi. jumătate a secolului al XX-lea.

– o formă de activitate vizuală care nu are ca scop afișarea realității percepute vizual.
Această direcție în artă este numită și „non-obiectivă”, deoarece. reprezentanții săi au respins imaginea, care era aproape de realitate. Tradus din latină, cuvântul „abstracție” înseamnă „înlăturare”, „distragere a atenției”.

V. Kandinsky „Compoziție VIII” (1923)
Artiștii abstracti au creat anumite combinații de culori și forme geometrice pe pânzele lor pentru a evoca diverse asocieri în privitor. Abstracționismul nu are ca scop recunoașterea unui obiect.

Istoria artei abstracte

Fondatorii artei abstracte sunt considerați a fi Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova și Mihail Larionov, Piet Mondrian. Kandinsky a fost cel mai hotărâtor și consecvent dintre cei care reprezentau această direcție la acea vreme.
Cercetătorii spun că nu este în întregime corect să considerăm abstractionismul un stil în artă, deoarece este o formă specifică de artă plastică. Se împarte în mai multe direcții: abstracție geometrică, abstracție gestuală, abstracție lirică, abstracție analitică, Suprematism, Aranformel, Nuageism etc. Dar, în esență, o generalizare puternică este o abstracție.

V. Kandinsky „Moscova. Pătrat roșu""
Deja de la mijlocul secolului al XIX-lea. pictura, grafica, sculptura se bazează pe ceea ce este inaccesibil reprezentării directe. Începe căutarea de noi mijloace vizuale, metode de tipificare, expresie sporită, simboluri universale și formule plastice comprimate. Pe de o parte, acesta vizează afișarea lumii interioare a unei persoane - stările sale psihologice emoționale, pe de altă parte, actualizarea viziunii asupra lumii obiective.

Opera lui Kandinsky trece printr-o serie de etape, inclusiv desenul academic și pictura realistă a peisajului, și abia apoi intră în spațiul liber al culorii și al liniilor.

V. Kandinsky „Călărețul albastru” (1911)
Compoziția abstractă este acel ultim nivel molecular la care pictura rămâne încă pictură. Arta abstractă este cea mai accesibilă și nobilă modalitate de a surprinde existența personală și, în același timp, este o realizare directă a libertății.

Murnau „Grădina” (1910)
Primul pictura abstracta a fost scris de Wassily Kandinsky în 1909 în Germania, iar un an mai târziu aici a publicat cartea „Despre spiritul în artă”, care mai târziu a devenit faimoasă. La baza acestei cărți au stat gândurile artistului că exteriorul poate fi accidental, dar necesarul interior, spiritual, care constituie esența omului, poate fi întruchipat într-o imagine. Această viziune asupra lumii este asociată cu lucrările teosofice și antroposofice ale Helenei Blavatsky și Rudolf Steiner, pe care le-a studiat Kandinsky. Artistul descrie culoarea, interacțiunea culorilor și efectul lor asupra oamenilor. „Puterea psihică a vopselei... provoacă vibrații spirituale. De exemplu, culoarea roșie poate provoca vibrații mentale similare cu cele provocate de foc, deoarece roșul este în același timp culoarea focului. Culoarea roșie caldă are un efect stimulant; o astfel de culoare se poate intensifica într-un grad dureros, chinuitor, poate și datorită asemănării sale cu sângele care curge. Culoarea roșie în acest caz trezește amintirea unui alt factor fizic, care, desigur, are un efect dureros asupra sufletului.”

V. Kandinsky „Amurg”
«... Violet este un roșu răcit, atât în ​​sens fizic, cât și mental. Are deci caracterul de ceva dureros, stins, are ceva trist în sine. Nu degeaba această culoare este considerată potrivită pentru rochiile bătrânilor. Chinezii folosesc această culoare direct pentru hainele de doliu. Sunetul său este similar cu sunetele cornului englezesc, ale flautului și, în profunzimea sa, cu tonurile joase ale instrumentelor de suflat din lemn (de exemplu, fagotul).

V. Kandinsky „Ovalul gri”
„Culoarea neagră în interior sună ca Nimic fără posibilități, ca moartă.”
„Este clar că toate denumirile date ale acestora culori simple sunt doar foarte temporare și elementare. Aceleași sunt și sentimentele pe care le amintim în legătură cu culorile – bucurie, tristețe etc. Aceste sentimente sunt, de asemenea, doar stări materiale ale sufletului. Tonurile de culori, ca și muzica, au o natură mult mai subtilă; provoacă vibrații mult mai subtile care nu pot fi exprimate în cuvinte.”

V.V. Kandinsky (1866-1944)

Un remarcabil pictor rus, grafician și teoretician al artelor plastice, unul dintre fondatorii artei abstracte.
Născut la Moscova în familia unui om de afaceri, a primit un muzical de bază și educația artistică la Odesa, când familia s-a mutat acolo în 1871. A absolvit cu brio Facultatea de Drept a Universității de Stat din Moscova.
În 1895, la Moscova a avut loc o expoziție a impresioniștilor francezi. Kandinsky a fost impresionat în special de pictura lui Claude Monet „Haystack” - așa că la vârsta de 30 de ani și-a schimbat complet profesia și a devenit artist.

V. Kandinsky „Viața pestriță”
Prima sa pictură a fost „O viață pestriță” (1907). Prezintă o imagine generală existenţei umane, dar aceasta este deja perspectiva muncii sale viitoare.
În 1896 s-a mutat la München, unde a făcut cunoștință cu opera expresioniștilor germani. După izbucnirea primului război mondial, s-a întors la Moscova, dar după un timp a plecat din nou în Germania, apoi în Franța. A călătorit mult, dar s-a întors periodic la Moscova și Odesa.
La Berlin, Wassily Kandinsky a predat pictura și a devenit un teoretician al școlii Bauhaus ( facultate constructii si design artistic) – instituție educaționalăîn Germania, care a existat din 1919 până în 1933. În acest moment, Kandinsky a primit recunoașterea mondială ca unul dintre liderii artei abstracte.
A murit în 1944 în suburbia pariziană Neuilly-sur-Seine.
Arta abstractă ca mișcare artistică în pictură nu a fost un fenomen omogen - arta abstractă a unit mai multe mișcări: raionism, orfism, suprematism etc., despre care puteți afla mai detaliat din articolele noastre. Începutul secolului al XX-lea - o perioadă de dezvoltare rapidă a diverselor mișcări de avangardă. Arta abstractă era foarte diversă, includea și cubo-futuriști, constructiviști, artiști non-obiectivi etc. Dar limbajul acestei arte necesita alte forme de expresie, dar nu erau susținute de figuri ale artei oficiale, mai mult decât atât, contradicțiile erau inevitabile. printre însăși mișcarea de avangardă. Arta de avangardă a fost declarată anti-popor, idealistă și practic a fost interzisă.
Abstracționismul nu și-a găsit sprijin în Germania fascistă, așadar, centrele de artă abstractă din Germania și Italia se mută în America. În 1937, la New York a fost creat un muzeu de pictură non-obiectivă, fondat de familia milionarului Guggenheim, iar în 1939, Muzeul de Artă Modernă, creat cu fonduri de la Rockefeller.

Artă abstractă postbelică

După al Doilea Război Mondial, „Școala din New York” a fost populară în America, ai cărei membri au fost creatorii expresionismului abstract D. Pollock, M. Rothko, B. Neumann, A. Gottlieb.

D. Pollock „Alchimia”
Privind pictura acestui artist, înțelegeți: arta serioasă nu se pretează la o interpretare ușoară.

M. Rothko „Fără titlu”
În 1959, lucrările lor au fost expuse la Moscova la o expoziție arta nationala SUA în parcul Sokolniki. Începutul „dezghețului” în Rusia (1950) a deschis o nouă etapă în dezvoltarea artei abstracte interne. S-a deschis studioul „New Reality”, al cărui centru era Eli Mihailovici Beliutin.

Studioul era situat în Abramtsevo, lângă Moscova, la casa lui Belutin. S-a pus accent pe munca colectivă, pentru care s-au străduit futuriștii de la începutul secolului al XX-lea. „Noua realitate” a unit artiștii moscoviți care au avut opinii diferite asupra metodologiei de construire a abstracției. Artiștii L. Gribkov, V. Zubarev, V. Preobrazhenskaya, A. Safokhin au ieșit din studioul „Noua realitate”.

E. Belyutin „Maternitatea”
O nouă etapă în dezvoltarea abstracției rusești începe în anii 1970. Este vremea Malevici, Suprematism și Constructivism, tradițiile avangardei ruse. Picturile lui Malevici au trezit interes pentru forme geometrice, semne liniare și structuri plastice. Autorii moderni au descoperit operele filozofilor și teologilor ruși, teologilor și misticii și s-au familiarizat cu surse intelectuale inepuizabile care au umplut lucrările lui M. Shvartsman, V. Yurlov, E. Steinberg cu un nou sens.
Mijlocul anilor 1980 a marcat finalizarea următoarei etape în dezvoltarea abstracției în Rusia. Sfârșitul secolului al XX-lea a conturat o „cale rusească” specială a artei neobiective. Din punctul de vedere al dezvoltării culturii mondiale, abstractionismul ca mișcare de stil s-a încheiat în 1958. Dar numai în societatea rusă post-perestroika arta abstractă a devenit egală cu alte mișcări. Artiștilor li s-a oferit posibilitatea de a se exprima nu numai în forme clasice, ci și în forme de abstractizare geometrică.

Artă abstractă modernă

Limbajul modern al abstracției devine adesea culoare alba. Pentru moscoviți M. Kastalskaya, A. Krasulin, V. Orlov, L. Pelikh, spațiul alb (cea mai mare tensiune de culoare) este plin de posibilități nesfârșite, permițând folosirea atât a ideilor metafizice despre legile spirituale, cât și cele optice ale luminii. reflecţie.

M. Kastalskaya „Sleepy Hollow”
Conceptul de „spațiu” are artă contemporană sens diferit. De exemplu, există un spațiu al unui semn, un simbol. Există un spațiu de manuscrise antice, a căror imagine a devenit un fel de palimpsest în compozițiile lui V. Gerasimenko.

A. Krasulin „Scăunel și eternitatea”

Câteva tendințe în arta abstractă

raionismul

S. Romanovich „Coborârea de pe cruce” (1950)
Direcția în pictura de avangardă rusă în arta anilor 1910, bazată pe schimbarea spectrelor luminii și transmisia luminii. Una dintre primele domenii ale abstractionismului.
Baza creativității raymen este ideea „intersecției razelor reflectate ale diferitelor obiecte”, deoarece ceea ce o persoană percepe de fapt nu este obiectul în sine, ci „suma razelor care provin de la sursa de lumină, reflectată de obiect și căzând în câmpul nostru vizual.” Razele de pe pânză sunt transmise folosind linii colorate.
Fondatorul și teoreticianul mișcării a fost artistul Mihail Larionov. Mikhail Le-Dantu și alți artiști ai grupului „Coada măgarului” au lucrat în raionism.

Raionismul a primit o dezvoltare deosebită în opera lui S. M. Romanovich, care a făcut din ideile coloristice ale raionismului baza „spatialității” stratului colorat al unei picturi figurative: „Pictura este irațională. Vine din adâncurile omului, ca un izvor care curge din subteran. Sarcina lui este transformarea lume vizibilă(obiect) prin armonie, care este un semn al adevărului. Munca – scrie în armonie – poate fi făcută de cel în care trăiește – acesta este secretul omului.”

orfism

Direcția către pictura francezaînceputul secolului al XX-lea, format din R. Delaunay, F. Kupka, F. Picabia, M. Duchamp. Numele a fost dat în 1912 de poetul francez Apollinaire.

R. Delaunay „Champs of Mars: Red Tower” (1911-1923)
Artiștii orfiști au căutat să exprime dinamica mișcării și muzicalitatea ritmurilor prin întrepătrunderea culorilor primare ale spectrului și intersecția suprafețelor curbe.
Influența orfismului poate fi văzută în lucrările artistului rus Aristarkh Lentulov, precum și ale Alexandrei Ekster, Georgy Yakulov și Alexander Bogomazov.

A. Bogomazov „Compoziția nr. 2”

Neoplasticismul

Acest stil se caracterizează prin forme dreptunghiulare clare în arhitectură („stil internațional” de P. Aud) și pictura abstractaîn dispunerea unor mari planuri dreptunghiulare, vopsite în culorile primare ale spectrului (P. Mondrian).

„Stil Mondrian”

Expresionismul abstract

O școală (mișcare) de artiști care pictează rapid și pe pânze mari, folosind trăsuri non-geometrice, pensule mari, uneori picurând vopsea pe pânză pentru a dezvălui pe deplin emoțiile. Scopul artistului cu această metodă creativă este exprimarea spontană a lumii interioare (subconștientului) în forme haotice neorganizate de gândirea logică.
Mișcarea a câștigat un impuls deosebit în anii 1950, când a fost condusă de D. Pollock, M. Rothko și Willem de Kooning.

D. Pollock „Sub diferite măști”
Una dintre formele expresionismului abstract este Tachisme, ambele aceste mișcări practic coincid în ideologie și metodă creativă, totuși, compoziția personală a artiștilor care s-au numit Tachistes sau expresioniști abstracti nu coincide în totalitate.

Tahism

A. Orlov „Cicatricile din suflet nu se vindecă niciodată”
Este pictură cu pete care nu recreează imagini ale realității, ci exprimă activitatea inconștientă a artistului. Pe pânză sunt aplicate linii, linii și pete în tachisme mișcări rapide mâini fără un plan premeditat. Grupul european „COBRA” și grupul japonez „Gutai” sunt aproape de tachism.

A. Orlov „Anotimpuri” P.I. Ceaikovski

Abstracționismul este o mișcare artistică relativ tânără. Anul nașterii sale este recunoscut oficial ca 1910, când artistul Wassily Kandinsky a expus prima pânză într-o tehnică nouă, pictată în acuarelă.

Reprezentanții artei abstracte iau forme, linii, planuri simple și complexe ca bază pentru a-și crea propriile capodopere și pentru a se juca cu culoarea. Ceea ce iese până la urmă nu are nicio legătură cu obiectele reale. Aceasta este o lucrare care este accesibilă numai supraconștientului prin lumea senzorială a individului.

De-a lungul deceniilor de după apariția primei lucrări în acest stil, abstractionismul a suferit diverse schimbări și a fost introdus activ în alte mișcări de avangardă.

(Abstracție de Carol Hein)

În cadrul artei abstracte, oamenii de artă au creat numeroase picturi, sculpturi și instalații. Anumite elemente au fost folosite și continuă să fie introduse cu succes, inclusiv în interioarele spațiilor moderne.

Astăzi, mișcarea abstractă în artă este împărțită în abstractizare geometrică și lirică. Direcția geometrică a abstractionismului este caracterizată de linii stricte și clare și stări stabile. Abstracția lirică se caracterizează prin formă liberă și demonstrarea dinamicii stabilite de maestru sau artist.

Arta abstractă în pictură

Cu pictura și-a început dezvoltarea abstracționismul. Pe pânză și hârtie, a fost dezvăluit lumii prin jocul de culori și linii, recreând ceva care nu avea analogi în lumea obiectivă reală.

(...și o abstractizare mai clară de Carol Hein)

Reprezentanții proeminenți ai artei abstracte sunt:

• Kandinsky;
• Malevici;
• Mondrian.

Mai târziu au avut mulți adepți, fiecare dintre ei și-a adus propria contribuție artistică, folosind noi tehnici de aplicare a vopselei și noi principii pentru crearea unei compoziții abstracte.

(Wassily Vasilyevich Kandinsky „Compoziția IV”)

Fondatorii mișcării, creându-și capodoperele pe pânză, s-au bazat pe noi științifice și teorii filozofice. De exemplu, Kandinsky, justificându-și pe ai lui creații artistice, a făcut apel la lucrările teosofice ale lui Blavatsky. Mondrian a fost un reprezentant al neoplasticismului și a folosit în mod activ linii și culori curate în lucrările sale. Picturile sale au fost copiate în mod repetat de mulți reprezentanți ai domeniului picturii și artei. Malevici a fost un susținător înfocat al teoriei suprematismului. Maestrul a dat întâietate în arta picturii culorii.

(Kazimir Malevich „Compoziția figurilor geometrice”)

În general, abstractionismul în pictură s-a dovedit a fi o direcție dublă pentru oamenii obișnuiți. Unii au considerat astfel de lucrări ca fiind o fundătură, în timp ce alții au admirat sincer ideile pe care artiștii le-au pus în creațiile lor.

În ciuda naturii haotice a liniilor, formelor și culorilor, picturile și operele de artă în stilul abstractionismului creează o singură compoziție care este percepută holistic de către public.

Mișcări de artă artă abstractă

Lucrările în stilul artei abstracte sunt dificil de clasificat clar, deoarece această direcție are mulți adepți, fiecare dintre aceștia și-a contribuit cu propria viziune la dezvoltare. În general, poate fi împărțit în funcție de tipul de predominanță al liniilor sau tehnicilor. Astăzi există:

• abstractionismul culorilor. În cadrul acestor lucrări, artiștii se joacă cu culorile și nuanțele, punând accent în lucrările lor pe percepția lor de către mintea privitorului;
• abstractionism geometric. U a acestui curent au propriile lor diferențe caracteristice stricte. Acestea sunt linii și forme clare, iluzia profunzimii și perspective liniare. Reprezentanţii acestei direcţii sunt suprematişti, neoplasticieni;
• abstractionism expresiv și tahism. Accentul în aceste ramuri nu se pune pe culori, forme și linii, ci pe tehnica de aplicare a vopselei, prin care se stabilește dinamica, se transmit emoțiile și se reflectă inconștientul artistului, lucrând fără niciun plan prealabil;
• abstractionism minimalist. Această tendință este mai aproape de avangardă. Esența sa se rezumă la absența referințelor la orice asociații. Liniile, formele și culorile sunt utilizate în mod concis și la minimum.

Apariția abstractionismului ca mișcare în artă a fost rezultatul schimbărilor care au fost în aer la începutul secolului trecut, asociate cu numeroase noi descoperiri care au început să avanseze umanitatea. Tot ce este nou și încă de neînțeles a necesitat aceeași explicație și soluție, inclusiv prin art.