Plan:
1. Poziția generală pictura la începutul secolului al XVII-lea
2. Portret.Frans Hals
3. Peisaje. Jan van Goyen
4. Natura moartă. Peter Claes și Willem Heda
5. Pictura de gen
1. Situația generală a picturii la începutul secolului al XVII-lea
Privat de clienți atât de puternici precum curtea, nobilimea și biserica, pictori olandezi lucrau în principal pentru vânzare - își vindeau adesea tablourile la târguri, iar lucrările lor erau achiziționate de negustori și proprietari de manufacturi, artizani și țărani înstăriți.
Picturile au fost pictate într-un format mic, ținând cont de interioarele de dimensiuni modeste ale caselor olandeze. Pictura de șevalet a devenit arta preferată a olandezilor, deoarece era capabilă să reflecte realitatea cu mare fiabilitate și diversitate. Olandezii au vrut să vadă în picturile lor ceea ce le era familiar - natura țării lor, marea și navele, viața și casa lor, lucrurile care îi înconjoară. Dorința de a înțelege lumea s-a manifestat în pictura olandeză în forme atât de directe și cu atâta consistență ca nicăieri în altă parte. arta europeana această epocă. Lărgimea gamei sale este, de asemenea, legată de aceasta: portret și peisaj, natură moartă și genuri de zi cu zi dezvoltate aici. Unele dintre ele (natura moartă, pictura de zi cu zi) s-au conturat pentru prima dată în Olanda în formele lor mature și au atins un astfel de vârf încât au devenit un fel de standard pentru acest gen.
Deja în primele două decenii, a fost dezvăluită în mod clar direcția principală a căutării maeștrilor olandezi avansați, opuse tendințelor artistice conservatoare - dorința pentru o reflectare veridică a realității, pentru concretitatea întruchipării acesteia. Nu întâmplător pictorii olandezi au fost atrași de arta Caravaggio. Opera așa-numiților caravaggiști din Utrecht - G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen - a influențat cultura artistică olandeză.
2. Portret.Frans Hals
Anii 1920 au devenit un punct de cotitură în evoluția picturii olandeze: noile tendințe democratice și realiste au obținut victoria finală; se determină gama principală de motive ale picturii olandeze, se finalizează procesul de diferențiere a genurilor, se aprobă principiile și specificul acestora. Rol decisiv în plus arta nationala Etapa timpurie de dezvoltare a școlii de artă olandeză a fost influențată de opera lui Frans Hals (circa 1580-1666), primul său mare maestru.
Hals a fost aproape exclusiv portretist, dar arta sa a însemnat mult nu numai pentru asta pictură portret Olanda, dar și pentru formarea altor genuri. În opera lui Hals, pot fi distinse trei tipuri de compoziții portretistice: un portret de grup, un portret individual la comandă și un tip special de imagini portret, asemănătoare în natură cu pictura de gen, pe care a cultivat-o mai ales în anii 20-30.
Portretele de grup ale breslelor de tir - asociații burghere pentru apărarea și protecția orașelor - aparțin creațiilor centrale ale Khalsei de la sfârșitul anilor 10 - începutul anilor 30 și cele mai lucrări semnificative Pictura olandeză a stadiului incipient al dezvoltării sale, când idealurile erei revoluționare erau încă vii. Portretul de grup a putut exprima sentimentul de libertate și egalitate, camaraderie și solidaritate civilă care era drag reprezentanților tinerei republici. Astfel, mândri de independența lor, orășeni veseli și activi, în care amintirea luptei comune este încă proaspătă, apar în portretele ofițerilor companiei de pușcași St. Hadrian (1627 și 1633) și Sf. George (1627) (Muzeul Frans Hals din Haarlem)
Hals realizează o naturalețe izbitoare a compoziției - pare neintenționat, întâmplător, dar în spatele acestui lucru se află un calcul artistic subtil. Schița intrigii - o întâlnire sau sărbătoare a membrilor breslei care au servit un mandat de trei ani - îi transformă pe cei portretizați în participanți la scenă, în ea. personaje. În personajele lui Hals nu există rigiditate sau pozare deliberată; se pare că tocmai aici, în această societate familiară și apropiată, își exprimă pe deplin și cu toată sinceritatea caracterul și caracterul. Portretele lui Hals dau naștere unui sentiment de legătură reciprocă între oamenii care îi apreciază și îi cunosc puterea.
Scriere cuprinzătoare, îndrăzneață, bogată și o gamă colorată, în care predomină culorile intense - albastru, indigo, galben auriu, roșu - dezvăluie tonul optimist, care afirmă viața, al portretelor, iar dimensiunea mare a compozițiilor le conferă. caracter monumental.
Hals depășește cu brio dificultățile unui portret de grup. Principiul genului, care contribuie la impresia de vitalitate a imaginii, nu privează compoziția de caracterul ei reprezentativ. Hals recreează cu măiestrie individualitatea personajelor - fiecare este prezentat cu temperament, a închide, și totodată aici se păstrează unitatea artistică.
Opera lui Hals, formată în atmosfera anilor post-revoluționari, a devenit una dintre cele mai clare expresii ale spiritului democratic al culturii burgheze olandeze în timpul formării ei.
Caracteristicile artei timpurii Khalsa - natura percepției modelului și tehnicile specifice caracteristicile portretului, - sunt dezvăluite cel mai clar în așa-numitele portrete de gen. Hals a portretizat de obicei modelul în așa fel încât privitorul s-a trezit față în față cu ea, într-o comunicare strânsă și directă. Personajele lui stau în mod natural și liber în portret, postura și gesturile lor par instabile, iar expresia fețelor lor este pe cale să se schimbe; cea mai remarcabilă caracteristică manieră creativă Khalsa este abilitatea de a transmite caracterul prin expresii și gesturi faciale individuale, ca și cum ar fi prins din mers („The Cheerful Drinking Companion”, Amsterdam, Rijksmuseum; „Mulatto”, Leipzig; „The Smiling Officer”, Londra, col. Wallace) . Artistul a iubit stări emoționale, pline de dinamică, conţineau pentru el, parcă, un cheag de tot ce este mai caracteristic, expresiv individual în model şi un sentiment de viaţă surprins. Dar în acest moment în care Hals a surprins, cel mai esențial, miezul imaginii este întotdeauna surprins („Gypsy”, 1628 – 1630, Paris, Luvru; „Malle Babe”, începutul anilor 30, Berlin-Dahlem, Galerie de artă).
Hals știe cu măiestrie cum să conecteze persoana înfățișată cu un mediu și o situație specifică. Astfel, când se uită la portretul lui Malle Babe, privitorul are impresia că vede interiorul unei taverne plin de vizitatori zgomotoși, fără ceremonii, aude râsete răgușite și cuvintele grosolane ale unei bătrâne ușor în stare de ebrietate adresate obișnuiților săi. Portretele primului Khalsa primesc caracteristici pictura de gen.
Concentrarea internă și autoabsorbția sunt străine personajelor lui Khalsa - ele sunt arătate în reacții la mediu, în interacțiunea cu acesta. Forma picturală a lui Hals în sine nu este, de asemenea, închisă, dinamică: învârtirile figurilor în spațiul pânzei sunt tipice pentru el; linie dinamică de siluetă; volume care nu sunt izolate de fundal, ci se îmbină ușor și natural cu acesta; în sfârșit, o pensulă liberă care nu ascunde mișcările mâinii artistului.
Specificul stilului portretistic al lui Khalsa constă, pe de o parte, într-o individualitate extrem de clar surprinsă, pe de altă parte – activă. vitalitate imaginea și în sentimentul imediatității percepției sale, creat de stilul improvizațional al scrisului.
Hals a fost primul maestru al picturii libere „schițe” în arta europeană. Mișcarea pensulei îi oferă atât design, cât și culoare, recreează forma, volumul și caracterul suprafeței. Pensiile trec unele peste altele, se ciocnesc, diverg în direcții diferite, uneori acoperând gros pânza, alteori lăsând subvopsirea să se vadă. Așezate rapid și cu măiestrie, ele recreează expresiile faciale și mișcarea, transformându-se în forme plastice variate, surprinse și reproduse cu acuratețe. Fiecare formă din Khals primește mobilitate, iar imaginea în ansamblu primește dinamică internă și acuitate emoțională.
Stilul de pictură în sine a primit o semnificație deosebită. Accentul pus pe un detaliu sau „subestimarea” altuia, natura accidentului vascular cerebral și suprafața colorată au contribuit la crearea unei expresii. imagine artistică dintr-un model uneori neremarcabil. Acestea sunt portretele lui Claes Van Vorhout, îngust la minte, simplist, puțin amuzant și absurd în pretenția sa de a părea impunător și semnificativ (c. 1635, New York, Metropolitan Museum of Art), Nicholas van der Meer (1631). , Haarlem, muzeu) și Pieter van den Brooke (1633, Londra, Kenwood House) - naturi simple, sincere și ușor nepoliticoase, dar active și cu spiritul limpede, sau un portret al lui Jasper Schade, zadarnic, arogant, narcisist (c. 1645). , Praga, Galeria Națională). Galeria de portrete a lui Hals din anii 20 până în anii 40 este diversă, dar în același timp unificată în interior: este, parcă, un fel de imagine colectivă a olandezului din acea epocă. Poate fi mulțumit, încrezător în sine și limitat, dar are aproape invariabil energie, o stăpânire puternică asupra vieții, pricepere și dragoste de viață. Hals transmite aceste calități ale naturii cu atâta bogăție și admirație, încât toate trăsăturile neatractive din caracterul modelelor sale par să dispară în fundal.
Totuși, în imaginile lui Hals de la sfârșitul anilor 30 și 40 apar gândire și tristețe, anterior complet străine de personajele sale (portretul lui Willem Heythuisen de la Muzeul din Bruxelles), iar uneori o ușoară ironie se strecoară în atitudinea artistului. catre ei. Acceptarea jubiloasă a vieții și a omului, care a fost laitmotivul operei sale în anii precedenți, dispare treptat din arta lui Khalsa. Anii 40 au devenit un punct de cotitură în pictura Khalsa. Perioada târzie a operei artistului a constituit o pagină specială în arta sa și în arta portretului olandez.
În portretele lui Hals, pictate în anii 50 și 60, măiestria profundă a caracterizării este combinată cu un nou sens interior. Omul necunoscut, înfățișat într-un tablou din legendarul Schit (anii 50), își simte încă puterea, capacitățile, dar nu mai există bucurie sau credință în el. În ciuda întoarcerii impresionante a figurii, în ciuda aspectului batjocoritor, ușor disprețuitor, în ciuda dinamicii formei picturale, oboseala și scepticismul sunt clar vizibile în întreaga apariție. În imaginea omului din portretul de la Galeria Kassel (1660-1666), vedem nu autoafirmarea și bravada obișnuite, ci tristețe și apatie, de parcă i s-ar fi secat energia interioară și urmărește pasiv fluxul de viaţă.
Religia principală este protestantismul. Olandezii au început să creeze un portret al Olandei. Acestea sunt portrete ale învingătorilor lor de război, peisaje, naturi moarte, gen sau pictura de uz casnic. Acestea sunt tablouri cu o compoziție clarobscur din epoca barocului. Pentru prima dată apare aici specializarea artiștilor. Au apărut doar maeștri ai naturii moarte sau ai peisajului. 12 tipuri de peisaj: oraș, mare, dună, cascade, peisaj forestier. La începutul artei olandeze, portretul a devenit direcția principală. În prima jumătate a secolului al XVII-lea, cel mai mare portretist al Olandei a fost Frans Hals.
Opera lui Frans Hals.
Născut în 1574 în Antwarpan. Apoi familia lui s-a mutat la Haarlem. Acolo studiază cu artistul Van Mander. Van Mander a creat biografii ale principalilor artiști olandezi. Frans Hals a reușit să facă o întreagă revoluție în portrete. Hals aduce dinamică portretelor. „Banchet ofițerilor companiei Sf. Gheorghe” - prima lucrare care i-a adus popularitate. Hals înfățișează ofițeri în timpul unei sărbători, fiecare ofițer fiind reprezentat la rândul său. Imaginea produce o diagonală activă. Totul este construit pe principiul asimetriei. Este activ la culoare.
Hals își pictează portretele foarte repede, folosind pensule deschise și dinamice. "țigan". Numele este foarte condiționat. " Mali Baba"- o lovitură deschisă, puternic aruncată. În acest moment, în aproape toate lucrările lui Hals, toți eroii săi zâmbesc. „Cavalier zâmbitor”
Dinamica din portret are un efect deosebit de activ William Van Heysen. Nici un singur desen al lui Hals nu a supraviețuit. Cel mai probabil, și-a pictat portretele fără desen și a pictat foarte repede.
Hals l-a pictat pe Van Dyck în două ore. Van Dyck l-a invitat să meargă cu el în Anglia.
Băiat de viaţă. Scris în același stil rapid și dinamic în care lui Hals îi plăcea să scrie.
Hals a pictat și portrete serioase: „Portretul lui Pieter Van Den Broecke” portretul a fost comandat, așa că Hals pictează în detaliu, un portret foarte reținut și laconic Rene Descartes. Portret de familie, peisajul a fost pictat pentru el de Peter Moleyn. Portret feminin - un portret foarte expresiv al lui Hals. Portret Isaac Mas și soția sa - portretul prietenului său.
La 30 de ani a pictat un tablou portretul Ofiţerilor companiei Sf. Andrian. Fiecare figură are propria sa tură și propria sa mișcare. În anii 40, pictura Khalsa s-a schimbat dramatic. În acest moment, portretul lui Van Dyck a intrat în modă. Portretele anilor 40-50 sunt portrete cu predominanța negrului. Dintre ei portretul regentului unui azil de bătrâni. Există 27 de nuanțe de negru în acest portret. Unul dintre ultimele lucrări Khalsa - Regenții unui azil de bătrâni. Apare imaginea bătrâneții. Degradarea cărnii este transmisă în portret. El pictează un portret complet diferit Regenții Spitalului Sf. Elisabeta.În portret, triunghiul figurilor este clar vizibil, fiecare față este clar vizibilă. În timpul vieții sale, Hals a creat peste 200 de picturi. Există un muzeu în Haarlem. Aproape toate lucrările lor sunt adunate acolo.
Lucrările lui Rembrandt Van Rijn.
Acesta este unul dintre marii artiști ai secolului al XVII-lea. Născut în 1606 în familia unui morar din orașul Leiden. Băiatul a fost inițial foarte talentat. Rembrandt studiază de ceva timp la universitate. Avea aproximativ 14 ani când și-a simțit chemarea către pictură și a părăsit universitatea. Închiriază un hambar pe malul râului și își creează propria școală la vârsta de 16 ani. Artiști precum Dou studiază la școala lui. Primele lucrări pe care le-au scris au fost Expulzarea comercianților din templu.În primele sale lucrări vorbește despre apartenența la baroc. Lucrarea are o compoziție diagonală, o compoziție de lumină-umbră. Autoportretul său a fost pictat la Leiden. Lucru neobișnuit cu textura. În acest moment, sosește ministrul olandez și cumpără mai multe lucrări de Rembrandt. Rembrandt părăsește Leidan și pleacă la Amsterdam, unde intră în atelierul artistului Lastman. O lumină suprarealistă apare în lucrări. Acest lucru este vizibil mai ales în imagine neîncrederea lui Thomas . La Amsterdam primește prima sa comisie pentru un portret de grup – Anatomia Dr. Tulp . Aici a pictat un tablou jertfa lui Avraam. Profetul Ieremia pe ruinele Ierusalimului. În pictură, capul sfântului emite lumină. Succesul său în pictură a dus la căsătoria sa cu Saski Van Elenburg. Rembrandt cumpără un palat în Amsterdam. Autoportret cu Sasuke în poală. Sassy cu o floare.În anul în care Saski era bolnav, Rembrandt a primit o comandă pentru un portret de grup al companiei căpitanului Kok - Veghea de noapte. Înfățișează pușcași care ies la exerciții. Pictura este capodopera lui Rembrandt din anii '40. Imaginea este construită pe subordonare. A început un lung proces pentru datoriile lui Rembrandt. La revedere lui David lui Jonathan, scrisă în același an Veghe de noapte. Tabloul a fost cumpărat de Petru 1 și a devenit unul dintre primele picturi din Schit.
Danae.
Servitoarea lui Hendrik a devenit asistenta de încredere a lui Rembrandt. Ea avea să devină a doua soție a lui Rembrandt. În imaginea Sfânta Familie cu îngeriiîn această imagine sunt două diagonale luminoase, imaginea este pătrunsă de lumină caldă. Hendrik apare în portret - Hendrik la fereastră, Femeie care face baie, Versheba,În istoria imaginii se află povestea lui David și a lui Verșeba.
David și Urie - Lumina joacă un rol important în imagine.
Portretul lui Jan Six. Toată atenția este concentrată pe față.
Conspirația lui Claudius Civilis. Acesta este singurul tablou din istoria olandezilor de Rembrandt .
Portretul unui bătrân în roșu. Biografie portret. Portret în timp.
Portretul unui evreu bătrân.În acest portret sunt evidențiate doar principalele lucruri: fața și mâinile.
Portretul unei femei în vârstă. Acest portret are cele mai fine tranziții de la lumină la umbră.
Portretul lui Titus citind.
Portretul poetului Decker.
Asur, Haman, Isther. Munca acasă de la ultimele tablouri Rembrandt. Imaginea se bazează pe o soluție de iluminare foarte complexă.
Rembrandt pictează repetiția este un tablou Haman i-a cerut iertare lui Isther.
Rembrandt primește o comandă pentru un portret de grup - Sindicilor.
mireasă evreiască. Tema iubirii este principala din această imagine. Acesta este tabloul preferat al lui Van Gogh și Soutine.
Portret de familie. Portret de grup. Un portret imaginar al familiei sale.
Două autoportrete.
În 66-68, Rembrandt a pictat Întoarcerea Fiului Risipitor care îi încheie opera.
Seimon în templu. Ultima lui poză.
Rembrandt moare în 1669. A avut mulți elevi: Gerard Dou, Fabricius, Gelder unul dintre ultimii studenți ai lui Rembrandt. Școala sa a existat până la sfârșitul secolului al XVII-lea.
Subiecte pentru testare:
Renașterea germană.
baroc italian. Arhitectura baroc. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini și Carlo Moderno. Sculptură de Bernini. Doi pictori Caravaggio și Anibali Karachi. Rubens. Van Dyck. Jordanens. Snyders. Browwer.
Peisajul olandez al secolului al XVII-lea.
Jan Fan Goyen.
Se caracterizează prin peisaje fluviale.
Moara pe malul raului - peisaj tipic olandez.
Peisaj fluvial.
Aproape întotdeauna în lucrările sale lumina cerului se reflectă pe pământ.
Salomon Reisdahl
A pictat peisaje de dimineață devreme.
Peisaj cu caruta - un peisaj tipic pentru acest pictor.
Traversare cu feribotul. dimineață cu vânt
L-a pregătit pe unul dintre principalii artiști ai secolului al XVII-lea, Jakob Reyzad.
Jacob Reisdahl.
Vedere a lui Edmond. Lumină pe cer, peisaj ritmat, clopotniță verticală se potrivește exact cu formatul vertical.
Jacob a pictat toate cele 12 tipuri de peisaj și a creat el însuși mai multe tipuri.
Reisadl a fost un mare maestru al peisajelor forestiere.
Contemporanii au remarcat deja că Reisdael este un psiholog forestier. Fiecare copac are propriul portret.El scrie o biografie a copacului.
Peisaj forestier.
Lacul printre copaci. Pe prim plan un copac căzut, un copac uscat lângă el și mesteacăni tineri în adâncuri. Există mai multe vârste ale copacilor aici. El transferă această tehnică într-un număr de picturi:
Râu în pădure
Mlaştină
Peisaj forestier
drum
Peisaj panoramic: Beintheir Castle, peisaj cu ruine de castel și biserică.
Moara din Wecca. Peisajul principal din Ruysdael. Reisdael mărește în mod deliberat moara. Acest peisaj este unul dintre simbolurile Olandei.
Cele trei lucrări principale ale Olandei: Veghe de noapte, Moara din Vekka, vedere asupra orașului Delta.
Două tablouri cu același titlu: cimitirul evreiesc. Desen imaginar. Transmite starea în timpul unei furtuni. În prim plan este un copac uscat, dar încă viu. Un curent care curge este un simbol al vieții care curge rapid. Copacul este reprezentat pe fundalul unui copac viu și luxuriant. În prim plan este o piatră funerară cu un portret al artistului însuși și semnătura lui Reisdahl. În adâncuri vedem un templu care este aproape distrus și în același timp vedem un curcubeu apărând după o furtună – simbol al speranței. Greva centrală a luminii este un monument. Pictura are repetiție, creează un sens și mai acut al vieții și al morții. A doua imagine poartă întuneric mare; contrastul copacilor uscați și verzi este foarte clar reprezentat. Lespedea cu portretul lui Ruisdael apare din nou și templul își schimbă aspectul, ca o creatură cu orbite uriașe - imaginea unei lumi pe moarte. Reisdael este considerat creatorul peisaj filosofic.
Reisdael a pictat peisaje de iarnă precum: Peisaj de iarnă, iarnă care explorează tema singurătăţii. Reisdael este autorul cărții peisaj-dispoziție.
A fost, de asemenea, un maestru al picturii maritime: Furtună pe mare, pe malul mării.
A fost un maestru al peisajului urban: Vedere la Amsterdam cu râul Amstel, vedere la Haarlem ( vedere asupra orașului natal).
Anul trecut Reisdal a pictat o mulțime de peisaje înfățișând cascade: Peisaj stâncos cu cascadă, cascadă în Norvegia, cascadă.
Două mori– peisaj neobișnuit, o moară este clar vizibilă, iar a doua este situată în adâncuri.
Peisaj montan cu barca cu pânze – una dintre ultimele lucrări ale lui Reisdael. În această lucrare el își rezumă viața. Acesta este un peisaj poetic, liric.
Opera lui Mendet Hobeme.
A fost un elev al lui Reisdael.
Aleea la mijlocul navei din Harls. A fost primul care a pictat peisaje din viață. Uneori picta peisaje din desene de peisaje.
A fost popular în Anglia și a contribuit la apariția peisajului englez. Thomas Gainsbrat, Turner, John Constable s-au bazat pe opera lui Hobeme și Reisdael.
Cel mai mare maestru al peisajului realist. Pe lângă peisajul englezesc, începuturile peisajului național francez s-au manifestat în multe feluri.
Întrebări despre bilete:
operele lui Rembrandt.
Epoca de aur a picturii olandeze este una dintre cele mai multe epoci remarcabileîn istoria picturii lumii întregi. Este considerată Epoca de Aur a picturii olandeze secolul al 17-lea. În acest moment și-au creat lucrări nemuritoare cel mai artiști talentațiși pictori. Picturile lor sunt încă considerate capodopere de neegalat, care sunt păstrate înăuntru muzee celebre lume și sunt considerate un bun neprețuit pentru umanitate.
La început secolul al 17-leaÎn Olanda încă a înflorit o artă destul de primitivă, care era justificată de gusturile și preferințele banale ale oamenilor bogați și puternici. Ca urmare a schimbărilor politice, geopolitice și religioase, arta olandeză s-a schimbat dramatic. Dacă înainte de aceasta, artiștii au încercat să se plimbe la burghezii olandezi, înfățișându-și viața și modul de viață, lipsiți de orice limbaj înalt și poetic, și au lucrat, de asemenea, pentru biserică, care a însărcinat artiști să lucreze într-un gen destul de primitiv cu vechime îndelungate. subiecte, atunci începutul secolului al XVII-lea a fost o adevărată descoperire. În Olanda a domnit dominația protestanților, care practic au încetat să mai comandă de la artiști picturi pe teme religioase. Olanda a devenit independentă de Spania și s-a afirmat pe podiumul istoric. Artiștii au trecut de la teme familiare anterior la înfățișarea scenelor de zi cu zi, portrete, peisaje, naturi moarte și așa mai departe. Aici, într-un domeniu nou, artiștii epocii de aur păreau să aibă un suflu nou și au început să apară adevărate genii ale artei în lume.
Artiștii olandezi din secolul al XVII-lea au introdus realismul în pictură în modă. Uimitoare în compoziție, în realism, în profunzime și neobișnuit, picturile au început să se bucure de un succes enorm. Cererea de picturi a crescut brusc. Ca urmare, au început să apară tot mai mulți artiști noi, care au dezvoltat într-un ritm uimitor de rapid bazele picturii, au dezvoltat noi tehnici, stiluri și genuri. Una dintre cele mai artiști celebri Epoca de aur a oțelului: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel cel Bătrân, Esaias van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck și mulți alții.
Picturi ale pictorilor olandezi
Cornelis de Man - Fabrica de ulei de balenă
Cornelis Trost - Distracție în parc
Ludolf Backhuizen - East India Campaign Dock din Amsterdam
Pieter Bruegel cel Bătrân - Catastrofa Alchimistului
Secolul al XVII-lea a fost „epoca de aur a picturii” în Europa. S-au dezvoltat școli de artă semnificative în Italia, Olanda, Flandra, Spania și Franța. Printre acestea, arta olandeză ocupă un loc aparte. Cele șapte provincii din nordul Olandei, unite în jurul celei mai mari dintre ele, Olanda, i-au învins pe spanioli. Destinele istorice ale acestor ținuturi au fost determinate după încheierea Unirii de la Utrecht în 1579, care a dat putere legislativă Statelor Generale, a declarat toleranță religioasă și a oferit condiții politice și economice deosebite provinciilor bogate Olandei și Zeelandei. Aceasta a pus bazele viitoarei republici, care a primit statutul de statîn 1609 după încheierea unui armistițiu cu Spania.
Provinciile Unite au devenit primul stat burghez din lume, puterea statholderului aici era nominală, iar reprezentanții Casei de Orange erau în primul rând comandanți. Curtea lor de la Haga nu a fost deosebit de splendidă și nu a avut o influență notabilă asupra dezvoltării culturii în țară. Regula în Olanda este că burgerii sunt întreprinzători, prudenți și practici. A investit capital în comerț și construcții navale, a pavat rute către țări îndepărtate din Asia și America și a fondat acolo colonii. „Această mână de oameni”, a scris șeful consiliului regal al Franței, cardinalul Richelieu, „deținând o bucată de pământ constând din apă și pășuni, furnizează popoarelor europene majoritatea bunurilor de care au nevoie”.
Calvinismul a devenit religia dominantă în țară, cea mai radicală mișcare din mișcarea de reformă secolele XVI-XVII. Biserica Calvină era „republicană” în natură. Principalele sale trăsături erau doctrina predestinației absolute, o apologia antreprenoriatului și a succesului profesional și o cerere de asceză lumească - prudentă frugalitate burgheză. Toleranța religioasă relativă în perioada inițială a vieții republicii a creat o atmosferă favorabilă creativității științifice și filozofice. Țara a devenit faimoasă pentru naturaliștii săi și a produs avocați și istorici celebri. Celebrul filozof Rene Descartes a emigrat aici din Franța, iar concepțiile materialiste ale lui Spinoza s-au conturat aici. Contribuția Olandei la literatura europeana, nu au fost aici arhitecți sau sculptori majori. Principalele succese au căzut în lotul pictorilor din mica țară nordică. Ea a creat o școală națională vibrantă de pictură, care, cu temele, stilul picturii și aspirațiile ideologice, a reprezentat un capitol special în art XVII secolului, a lăsat o amprentă de neșters asupra culturii artistice mondiale.
Biserica olandeză a alungat magnificul cult din templele sale, care nu aveau imagini sacre, - biserici catolice erau putini la numar. Operele de artă erau destinate în principal clădirilor publice seculare și caselor private; temele lor, deși reflectau moralitatea protestantă, erau de natură seculară. Picturile cu subiecte biblice și antice au fost percepute ca fiind istorice. Adevărata chemare a artiştilor olandezi a fost pictura de șevalet. Au fost mulți artiști. Rareori pictau la comandă; majoritatea picturilor au fost vândute în piețe. „Târgul din Rotterdam”, scria un călător englez din secolul al XVII-lea, „era supraîncărcat cu picturi (în special peisaje și scene de gen)... Toate casele sunt pline cu tablouri, iar olandezii le vând cu un profit mare.”
Până în anii 20 ai secolului al XVII-lea, formarea genurilor picturii olandeze a fost practic finalizată. Specializarea artiștilor după gen este tipică pentru Olanda. La începutul secolului al XVII-lea, genul portretistic a devenit cel mai popular în Olanda. tema nationala a fost auzit pe scară largă în peisajul olandez; în anii 1630, genul țărănesc a luat contur și el. Unul dintre cele mai caracteristice genuri ale picturii olandeze a fost natura moartă. Până la mijlocul secolului al XVII-lea, genul domestic a ocupat o poziție dominantă în pictura olandeză.
Formarea artei olandeze a avut loc în mai multe centre, care, concurând între ele, în momente diferite fie s-au repezit înainte, fie s-au retras.La început a fost Haarlem, din anii treizeci, după ce Rembrandt s-a mutat acolo, Amsterdam a început să-și câștige poziția de lider, au urmat apoi universitatea Leiden și calmul aristocratic Delft. Haga stătea deoparte, unde se afla curtea statholderului.
Afișează textul complet
Olanda. secolul al 17-lea Țara se confruntă cu o prosperitate fără precedent. Așa-numita „Epoca de Aur”. La sfârșitul secolului al XVI-lea, mai multe provincii ale țării și-au obținut independența față de Spania.
Acum, Țările de Jos protestante au urmat propriul lor drum. Și Flandra catolică (Belgia de astăzi) sub aripa Spaniei este a ei.
În Olanda independentă, aproape nimeni nu avea nevoie de pictură religioasă. Biserica protestantă nu a fost de acord cu decorațiunile de lux. Dar această circumstanță „a jucat în mâinile” picturii seculare.
Literal, fiecare locuitor al noii țări s-a trezit să iubească acest tip de artă. Olandezii au vrut să vadă în tablouri propria viata. Iar artiștii i-au întâlnit de bunăvoie la jumătatea drumului.
Niciodată până acum realitatea înconjurătoare nu a fost descrisă atât de mult. Oameni normali, camere obișnuite și cel mai obișnuit mic dejun al unui oraș.
Realismul a înflorit. Până în secolul al XX-lea, va fi un concurent demn al academicismului cu nimfele și zeițe grecești.
Acești artiști sunt numiți „mici” olandezi. De ce? Picturile erau de dimensiuni mici, deoarece erau create pentru case mici. Astfel, aproape toate picturile lui Jan Vermeer nu au mai mult de jumătate de metru înălțime.
Dar cealaltă versiune îmi place mai mult. A trăit și a lucrat în Țările de Jos în secolul al XVII-lea Mare maestru, „marele” olandez. Și toți ceilalți erau „mici” în comparație cu el.
Vorbim, desigur, despre Rembrandt. Să începem cu el.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Autoportret la 63 de ani. 1669 National Gallery Londra
Rembrandt a experimentat o gamă largă de emoții în timpul vieții sale. Prin urmare în a lui lucrări timpurii atât de multă distracție și bravada. Și există atât de multe sentimente complexe - în cele de mai târziu.
Iată-l tânăr și fără griji în tabloul „Fiul risipitor în cârciuma”. În genunchi este iubita lui soție Saskia. Este un artist popular. Comenzile curg.
Rembrandt. Fiul risipitor într-o tavernă. 1635 Galeria Vechilor Maeștri, Dresda
Dar toate acestea vor dispărea în aproximativ 10 ani. Saskia va muri de consum. Popularitatea va dispărea ca fumul. Casa mare cu o colectie unica va fi luata pentru datorii.
Dar va apărea același Rembrandt care va rămâne timp de secole. Sentimentele goale ale eroilor. Gândurile lor cele mai profunde.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Auto portret. 1650 Muzeul Metropolitan de Artă, New York
Frans Hals este unul dintre cei mai mari portretisti ai tuturor timpurilor. Prin urmare, l-aș clasifica și drept un „mare” olandez.
În Olanda la acea vreme se obișnuia să se comande portrete de grup. Așa au apărut multe lucrări similare care înfățișează oameni care lucrează împreună: trăgători ai unei bresle, medici ai unui oraș, directori ai unui azil de bătrâni.
În acest gen, Hals iese cel mai mult în evidență. La urma urmei, cele mai multe dintre aceste portrete arătau ca un pachet de cărți. Oamenii stau la masă cu aceeași expresie facială și doar privesc. Cu Hals a fost diferit.
Privește portretul său de grup „Săgețile Breaslei St. George."
Frans Hals. Săgețile Breslei Sf. George. 1627 Muzeul Frans Hals, Haarlem, Țările de Jos
Aici nu veți găsi o singură repetare în poziție sau expresie facială. În același timp, aici nu este haos. Sunt multe personaje, dar nimeni nu pare de prisos. Datorită aranjamentului uimitor de corect al figurilor.
Și chiar și într-un singur portret, Hals a fost superior multor artiști. Tiparele lui sunt naturale. Oamenii din înalta societate din picturile sale sunt lipsiți de măreție artificială, iar modelele din clasele de jos nu arată umilite.
Și personajele lui sunt, de asemenea, foarte emoționante: zâmbesc, râd și gesticulează. Ca, de exemplu, acest „țigan” cu o privire vicleană.
Frans Hals. ţigan. 1625-1630
Hals, ca și Rembrandt, și-a încheiat viața în sărăcie. Pentru același motiv. Realismul lui era contrar gusturilor clienților săi. Care a vrut ca aspectul lor să fie înfrumusețat. Hals nu a acceptat lingușirea de-a dreptul și, prin urmare, și-a semnat propria propoziție - „Oblivion”.
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Auto portret. 1668 Galeria Regală Mauritshuis, Haga, Țările de Jos
Terborch a fost un maestru gen de zi cu zi. Burgerii bogați și nu atât de bogați vorbesc pe îndelete, doamnele citesc scrisori, iar o procură urmărește curtarea. Două sau trei figuri strâns distanțate.
Acest maestru a fost cel care a dezvoltat canoanele genului de zi cu zi. Care avea să fie împrumutat mai târziu de Jan Vermeer, Pieter de Hooch și mulți alți „mici” olandezi.
Gerard Terborch. Un pahar de limonada. anii 1660. Muzeul Ermitaj de Stat, Saint Petersburg
„Un pahar de limonadă” este unul dintre lucrări celebre Terborha. Arată un alt avantaj al artistului. Imagine incredibil de realistă a țesăturii rochiei.
Terborch are și lucrări neobișnuite. Ceea ce spune multe despre dorința lui de a depăși cerințele clienților.
„The Grinder” al său arată viața celor mai săraci oameni din Olanda. Suntem obișnuiți să vedem curți confortabile și camere curate în picturile „micilor” olandezi. Dar Terborch a îndrăznit să arate Olanda inestetică.
Gerard Terborch. Polizor. 1653-1655 Muzeele de stat din Berlin
După cum înțelegeți, o astfel de muncă nu a fost solicitată. Și sunt o întâmplare rară chiar și printre Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jan Vermeer. Atelier de artist. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Viena
Nu se știe cu siguranță cum arăta Jan Vermeer. Este doar evident că în tabloul „Atelierul artistului” s-a înfățișat pe sine. Adevărul din spate.
Prin urmare, este surprinzător că a devenit recent cunoscut fapt nou din viața unui maestru. Este legat de capodopera sa „Delft Street”.
Jan Vermeer. strada Delft. 1657 Muzeul de Statîn Amsterdam
S-a dovedit că Vermeer și-a petrecut copilăria pe această stradă. Casa din imagine a aparținut mătușii sale. Acolo și-a crescut cei cinci copii. Poate că stă pe pragul ușii și coase în timp ce cei doi copii ai săi se joacă pe trotuar. Vermeer însuși locuia în casa de vizavi.
Dar mai des a descris interiorul acestor case și locuitorii lor. S-ar părea că intrările picturilor sunt foarte simple. Iată o doamnă drăguță, o locuitoare bogată a orașului, care își verifică funcționarea cântarului.
Jan Vermeer. Femeie cu solzi. 1662-1663 Galeria Națională de Artă, Washington
De ce s-a remarcat Vermeer printre mii de alți „mici” olandezi?
A fost un maestru neîntrecut al luminii. În tabloul „Femeie cu solzi”, lumina învăluie blând chipul, țesăturile și pereții eroinei. Dând imaginii o spiritualitate necunoscută.
Și compozițiile picturilor lui Vermeer sunt verificate cu atenție. Nu vei găsi niciun detaliu inutil. Este suficient să eliminați unul dintre ele, imaginea se va „destrama”, iar magia va dispărea.
Toate acestea nu au fost ușor pentru Vermeer. O astfel de calitate uimitoare a necesitat o muncă minuțioasă. Doar 2-3 tablouri pe an. Ca urmare, incapacitatea de a hrăni familia. Vermeer a lucrat și ca dealer de artă, vânzând lucrări ale altor artiști.
5. Pieter de Hooch (1629-1684)
Pieter de Hooch. Auto portret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam
Hoch este adesea comparat cu Vermeer. Au lucrat în același timp, a fost chiar o perioadă în același oraș. Și într-un singur gen - de zi cu zi. În Hoch, vedem și una sau două figuri în curți sau camere olandeze confortabile.
Ușile și ferestrele deschise fac spațiul picturilor sale stratificat și distractiv. Iar figurile se încadrează în acest spațiu foarte armonios. Ca, de exemplu, în pictura sa „Domniera cu o fată în curte”.
Pieter de Hooch. O servitoare cu o fată în curte. 1658 Galeria Națională din Londra
Până în secolul al XX-lea, Hoch a fost foarte apreciat. Dar puțini oameni au observat micile lucrări ale concurentului său Vermeer.
Dar în secolul al XX-lea totul s-a schimbat. Gloria lui Hoch a dispărut. Cu toate acestea, este dificil să nu-i recunoști realizările în pictură. Puțini oameni ar putea combina atât de competent mediul și oamenii.
Pieter de Hooch. Jucători de cărți într-o cameră însorită. 1658 Regală colecție de artă, Londra
Vă rugăm să rețineți că într-o casă modestă pe pânza „Jucători de cărți” există un tablou atârnat într-un cadru scump.
Acest lucru arată încă o dată cât de populară a fost pictura printre olandezii obișnuiți. Tablourile au decorat fiecare casă: casa unui burghez bogat, a unui oraș modest și chiar a unui țăran.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jan Steen. Autoportret cu lăută. anii 1670 Muzeul Thyssen-Bornemisza, Madrid
Jan Steen este poate cel mai vesel „mic” olandez. Dar iubitor de învățătură morală. Adesea a descris taverne sau case sărace în care exista viciul.
Personajele sale principale sunt petrecărele și doamnele de virtute ușoară. El a vrut să distreze privitorul, dar latent îl avertizează împotriva unei vieți vicioase.
Jan Steen. E dezordine. 1663 Kunsthistorisches Museum, Viena
Sten are și lucrări mai liniștite. Cum ar fi, de exemplu, „Toaleta de dimineață”. Dar și aici artista surprinde privitorul cu detalii prea revelatoare. Există urme de elastic de ciorapi, și nu o oală de cameră goală. Și cumva nu este deloc potrivit ca câinele să stea întins chiar pe pernă.
Jan Steen. Toaletă de dimineață. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam
Dar, în ciuda tuturor frivolității, schemele de culori ale lui Sten sunt foarte profesionale. În acest sens, el a fost superior multor „mici olandezi”. Uite cât de perfect se potrivește ciorapul roșu cu jacheta albastră și covorul bej strălucitor.
7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1682)
Portretul lui Ruisdael. Litografia dintr-o carte din secolul al XIX-lea.
