În secolul al XVII-lea, a fost introdusă împărțirea genurilor de pictură în „înalt” și „jos”. Primul a inclus genuri istorice, de luptă și mitologice. Al doilea includea genuri mondene de pictură din Viata de zi cu zi, De exemplu, gen casnic, natura statica, animalistica, portret, nud, peisaj.

genul istoric

Genul istoric în pictură descrie nu un obiect sau o persoană anume, ci un anumit moment sau eveniment care a avut loc în istoria erelor trecute. Este inclus în principal genuri picturaleîn art. Portretul, bătălia, genurile cotidiene și mitologice sunt adesea strâns împletite cu istoricul.

„Cucerirea Siberiei de către Yermak” (1891-1895)
Vasili Surikov

Artiștii Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovici Kustodiev și mulți alții și-au pictat picturile în genul istoric.

gen mitologic

Legende, legende antice și mituri, folclor- imaginea acestor intrigi, eroi și evenimente și-a găsit locul în genul mitologic al picturii. Poate că se poate distinge în pictura oricărei națiuni, deoarece istoria fiecărui grup etnic este plină de legende și tradiții. De exemplu, un astfel de complot din mitologia greacă ca o poveste de dragoste secretă a zeului războiului Ares și a zeiței frumuseții Afrodita înfățișează pictura „Parnassus” a unui artist italian pe nume Andrea Mantegna.

„Parnasul” (1497)
Andrea Mantegna

Mitologia în pictură s-a format în cele din urmă în Renaștere. Reprezentanții acestui gen, pe lângă Andrea Mantegna, sunt Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovici Vasnetsov și alții.

Gen de luptă

Pictura de luptă descrie scene din viața militară. Cel mai adesea sunt ilustrate diverse campanii militare, precum și bătălii pe mare și pe uscat. Și din moment ce aceste lupte sunt adesea luate din istorie reală, atunci genurile de luptă și istorice își găsesc aici punctul de intersecție.

Fragment din panoramă „Bătălia de la Borodino” (1912)
Franz Roubaud

Pictura de luptă a prins contur în vremuri Renașterea italianăîn opera artiștilor Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci și apoi Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov și mulți alți pictori.

gen casnic

Scene din cotidian, social sau intimitate oameni normali, fie că este viața urbană sau țărănească, înfățișează genul cotidian în pictură. Ca mulți alții genuri picturale, picturile de zi cu zi se găsesc rar în propria lor formă, devenind parte a genului portret sau peisaj.

„Vânzător de instrumente muzicale” (1652)
Karel Fabricius

Originea picturii cotidiene a avut loc în secolul al X-lea în Orient și a trecut în Europa și Rusia doar în secolele XVII-XVIII. Jan Vermeer, Karel Fabricius și Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov și Ivan Alekseevich Ermenev sunt cei mai cunoscuți artiști ai picturilor de zi cu zi din acea perioadă.

Genul animal

Principalele obiecte ale genului animalistic sunt animalele și păsările, atât sălbatice, cât și domestice, și în general toți reprezentanții lumii animale. Inițial, animalele au fost incluse în genuri Pictura chineză, de când a apărut pentru prima dată în China în secolul al VIII-lea. În Europa, animalismul s-a format abia în Renaștere - animalele la acea vreme erau descrise ca întruchiparea viciilor și virtuților omului.

„Caii în luncă” (1649)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp sunt principalii reprezentanți ai animalisticii în artele vizuale.

Natură moartă

În genul natură moartă, sunt descrise obiecte care înconjoară o persoană în viață. Acestea sunt obiecte neînsuflețite grupate împreună. Astfel de obiecte pot aparține aceluiași gen (de exemplu, numai fructele sunt reprezentate în imagine) sau pot fi eterogene (fructe, feluri de mâncare, instrumente muzicale, flori etc.).

„Flori într-un coș, fluture și libelulă” (1614)
Ambrosius Bosschaert cel Bătrân

Natura moartă ca gen independent a luat forma în secolul al XVII-lea. Deosebit de distinse sunt școlile flamande și olandeze de natură moartă. Reprezentanții unei varietăți de stiluri și-au pictat picturile în acest gen, de la realism la cubism. Unele dintre cele mai cunoscute naturi moarte au fost pictate de pictorii Ambrosius Bosschaert cel Bătrân, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Portret

Portret - un gen de pictură, care este unul dintre cele mai comune în artele vizuale. Scopul unui portret în pictură este de a înfățișa o persoană, dar nu doar aspectul său, ci și de a transmite sentimentele interioare și starea de spirit a persoanei care este portretizată.

Portretele sunt singure, perechi, de grup, precum și un autoportret, care se distinge uneori ca un gen separat. Și majoritatea portret celebru din toate timpurile, poate, este un tablou de Leonardo da Vinci numit „Portretul doamnei Lisa del Giocondo”, cunoscut de toată lumea drept „Mona Lisa”.

„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Primele portrete au apărut în urmă cu milenii în Egiptul antic - erau imagini ale faraonilor. De atunci, majoritatea artiștilor din toate timpurile s-au interesat de acest gen într-un fel sau altul. Portretul și genurile istorice ale picturii se pot intersecta și ele: imaginea marelui figură istorică va fi considerată o lucrare genul istoric, deși în același timp va transmite aspectul și caracterul acestei persoane ca portret.

nud

Scopul genului nud este de a descrie corpul gol al unei persoane. Perioada Renașterii este considerată momentul apariției și dezvoltării acestui tip de pictură, iar obiectul principal al picturii a devenit apoi cel mai adesea corpul feminin, care întruchipa frumusețea epocii.

„Concert la țară” (1510)
Titian

Titian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso sunt cei mai cunoscuți artiști care au pictat în genul nud.

Decor

Tema principală a genului peisajului este natura, mediul înconjurător este orașul, rural sau sălbăticia. Primele peisaje au apărut în antichitate când pictau palate și temple, creând miniaturi și icoane. Ca gen independent, peisajul prinde contur încă din secolul al XVI-lea și de atunci a devenit unul dintre cele mai populare. genuri picturale.

Este prezentă în opera multor pictori, începând cu Peter Rubens, Alexei Kondratievich Savrasov, Edouard Manet, continuând cu Isaac Ilici Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque și terminând cu mulți artiști contemporani ai secolului XXI.

„Toamna de aur” (1895)
Isaac Levitan

Printre peisagistică se pot distinge genuri precum peisajele maritime și urbane.

Veduta

Veduta este un peisaj, al cărui scop este să înfățișeze aspectul unei zone urbane și să transmită frumusețea și culoarea acesteia. Mai târziu, odată cu dezvoltarea industriei, peisajul urban se transformă într-un peisaj industrial.

„Piața Sfântul Marcu” (1730)
Canaletto

Puteți aprecia peisajele urbane făcând cunoștință cu lucrările lui Canaletto, Pieter Brueghel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin.

Marina

Peisajul marin sau portul de agrement descrie natura elementului marin, măreția sa. Poate cel mai faimos pictor marin din lume este Ivan Konstantinovich Aivazovsky, a cărui pictură Al nouălea val poate fi numită o capodopera a picturii ruse. Perioada de glorie a portului de agrement a avut loc concomitent cu dezvoltarea peisajului ca atare.

„Barca cu pânze într-o furtună” (1886)
James Buttersworth

Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexei Petrovici Bogolyubov, Lev Feliksovich Lagorio și Rafael Montleon Torres sunt, de asemenea, cunoscuți pentru peisajele lor marine.

Dacă doriți să aflați și mai multe despre cum au apărut și s-au dezvoltat genurile picturii în artă, urmăriți următorul videoclip:

Ia-o, spune-le prietenilor tăi!

Citiți și pe site-ul nostru:

Afișați mai multe

Stiluri de pictură - subiectul este foarte extins, s-ar putea spune etern. Oamenii folosesc adesea termeni pe care nu îi înțeleg tocmai corect, din această cauză există confuzie și confuzie. De aceea, vreau să spun pe scurt și clar tot ce știu despre tendințele în pictură. Pentru a nu transforma articolul într-o lecție de istorie plictisitoare, voi vorbi pe scurt despre cele mai populare și relevante domenii de astăzi. Stiluri de pictură cu ilustrații - confortabile și drumul rapid familiarizează-te cu cele mai importante tendințe în artele vizuale.

gotic

„Altarul familiei Merode”. Robert Campin. anii 1430.

gotic- aceasta este o tendință în artă care a acoperit toate țările Europei de Vest și Centrale. Atunci goticul era în toate - în sculptură, pictură, vitralii etc. a fost folosit oriunde a fost posibil, a existat un „boom cultural”. O astfel de popularitate se datorează ultimului pas în evoluția artei medievale. Centru și figurant principal stil gotic era arhitectură – arcade înalte, vitralii colorate, multe detalii. Epoca romanică nu a putut rezista unui asemenea atac și a rămas pe marginea istoriei.

Anii: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.

Renaștere (Renaștere)

„Pocăită Maria Magdalena”. Titian. anii 1560.

Renaştere a apărut din cădere Imperiul Bizantinși frământările culturale care au avut loc în această privință în Europa. Bizantinii care au fost nevoiți să fugă, împreună cu legături culturale, a adus opere de artă și biblioteci pe meleagurile Europei. Astfel, a avut loc un fel de renaștere a vederilor antice, dar într-un mod modern. De-a lungul anilor, multe puncte au fost revizuite și puse sub semnul întrebării. În general, domnea umanismul secular și ideile de prosperitate.

Ani: 1400 - 1600.
Hieronymus Bosch, Leonardo da Vinci, Titian.

Stil baroc

„Judith și Holofernes”. Caravaggio. 1599.

Stil baroc– European mostenire culturala originar din Italia. Caracterizează frumusețea vicioasă ironică, elitismul nefiresc și pretenția. Trăsăturile caracteristice ale unor astfel de picturi sunt contrastul ridicat, tensiunea intrigii, dinamica personajelor întinsă la limită. Chintesența barocului este considerată a fi biserica Santa Maria della Vittoria, este situată în Roma.

Anii: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.

Clasicism

„Milostivirea lui Scipio Africanus”. Pompeo Batoni. 1772.

Clasicism a jucat un rol uriaș în artă, ca tendință fundamentală în pictura secolului al XVIII-lea. Din numele în sine, totul devine clar (latina classicus înseamnă exemplar, exemplar).
Artiștii și-au propus obiectivul de a atașa privitorul de înalt, iar picturile lor au fost o stea călăuzitoare. Morala înaltă, cultura restrânsă și valorile străvechi tradiționale au devenit baza clasicismului. În epoca clasicismului în Europa a avut loc o creștere culturală și o reevaluare a valorilor, arta a ajuns la un cu totul alt nivel.

Anii: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Nicolas Poussin.

Realism

„Acrobați rătăcitori”. Gustave Dore. 1874

Realismîncearcă cu cea mai mare certitudine să transmită pe pânză starea de spirit a momentului, un moment al realității. Dar, la rândul său, el nu este limitat de granițe clare, singurele reguli sunt că nu ar trebui să existe loc în imagine pentru lucruri care exclud realismul. În cursul experimentelor, la sfârșitul secolului al XVIII-lea, acest stil a fost împărțit în naturalism și impresionism. Dar, realismul a reușit să supraviețuiască și este popular chiar și în pictura modernă.

Anii: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-Francois Millet.

Impresionism

"Impresie. Soarele răsare". Claude Monet. 1872

Impresionism originar din Franța, acest concept a fost introdus de Louis Leroy. Impresionistii care au lucrat in acest stil au vrut sa prinda o a doua impresie din fiecare obiect sau moment, au pictat chiar aici si acum, indiferent de forma si sens. Imaginile au arătat momente și momente excepțional de pozitive și luminoase. Dar mai târziu, pe această bază, au început dezacorduri în rândul impresioniștilor și, de-a lungul timpului, au apărut maeștri care puteau fi impresionați de problemele sociale, foamete și boli. Cu toate acestea, impresionismul este un stil de pictură amabil și pozitiv care arată momente bune și luminoase.

Anii: 1860 - 1920.
Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas.

Post impresionism

„Autoportret într-o pălărie gri III”. Vincent Van Gogh. 1887

Post impresionism a absorbit multe diverse stiluri si tehnician. Maeștrii europeni cu opinii proaspete asupra picturii au dat naștere la noi tendințe și au încercat activ să se îndepărteze de impresionism și realism care erau plictisitori atunci.

Anii: 1880 - 1920.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O'Conor.

Pointilism

Rio San Trovaso. Veneția”. Henri Edmond Cross. 1904

Pointilism(punct - punct) - O direcție stilistică în pictură, care este același impresionism, doar într-o cochilie diferită. În loc de linii zimțate, s-au folosit forme punctate sau dreptunghiulare. De asemenea, artiștii au refuzat să amestece culorile pe paletă, în schimb, culorile pure erau suprapuse pe pânză și amestecate direct pe pânza în sine, fără a se atinge între ele.

Anii: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.

Modernism

„Fluturi aproape”. Odilon Redon. 1910

Modernismul este o caracteristică comună tuturor genurilor și stilurilor din pictura anilor 1850-1950. Include tendințe în pictură precum impresionismul, expresionismul, neo- și post-impresionismul, fauvismul, cubismul, futurismul, arta abstractă, dadaismul, suprarealismul și multe altele. Existența acestor stiluri marchează îndepărtarea completă a artelor plastice de academicism. După părăsirea academismului, a devenit aproape imposibil să urmărești toate tendințele și stilurile care s-au format și sunt încă în curs de formare.

Anii: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kazimir Malevich, Auguste Renoir și mulți alții.

Academism

Academism- o direcție în artă care urmează regulile și obiceiurile din antichitate și Renaștere. Academismul caută să impună baze și limite clare, exclude fantezia și zborul creativ. În schimb, se pune accent pe îmbunătățirea neajunsurilor, a „asperității” naturii – a ascunde sau a elimina. Îmbunătățirea realității în direcția percepției frumoase este esența academicismului. Comploturile sunt adesea preluate din mitologia antică, sunt folosite și motive biblice și istorice.

Ani: 1500 - astăzi.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fedor Bruni.

Primitivismul

„În bucătărie” Epiphanius Drovnyak. 1940~ an.

Primitivismul- simplificarea deliberată a imaginii în așa măsură încât să pară că este opera unui copil. Diverse desene și ilustrații populare pot fi atribuite primitivismului. Doar la prima vedere, imaginile par simple și ridicole. Dar dacă te uiți cu atenție, poți vedea proporțiile corecte și respectarea regulilor orizontului și compoziției. Majoritatea maeștrilor celebri ai primitivismului și ai artei naive au fost mari fani ai istoriei poporului și culturii lor. De aceea toate picturile lor sunt saturate de culoarea zonei în care au locuit. Astăzi, acest gen a fost transformat în artă naivă, adesea cu un amestec de simbolism. Acest lucru se datorează faptului că privitorul modern nu este pregătit să perceapă primitivismul în forma sa cea mai pură.

Ani: 1900 - astăzi.
Epifanie Drovnyak, Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili.

Cubism

„Femeie așezată într-o rochie albastră”. Pablo Picasso. 1939

Cubism este o direcție a modernismului, folosită adesea în relație cu pictura și artele plastice. Maeștrii și-au împărțit parcelele în forme geometrice, dând fiecărui element unic propriul său sector dens.

Anii: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Léger, Robert Delaunay.

Suprarealism

"Persistența memoriei". Salvador Dali. 1931

Suprarealism - amestecarea visului cu realitatea. În acest stil, artiștii și-au eliberat visele în exterior, amestecând imagini din viața reală între ele, combinând incompatibilul. De asemenea, au fost atinse subiecte personale ale viselor - frici, dorințe secrete, fantezii inconștiente, complexe. Tot ceea ce o persoană poate vedea în visele sale. Astăzi, suprarealiştii copiază învelişul exterior, folosind doar forme frumoase, fără a le insufla sensul care era caracteristic maeştrilor trecutului.

Ani: 1920 - astăzi.
Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritte.

Abstracţionism

„Galben Roșu Albastru” Vasili Kandinsky. 1925

Abstracţionism- o direcție în artă în care a existat o respingere a imaginii realității și corectitudinea formelor. Scopul principal este de a descrie multe forme colorate care împreună pot spune povestea imaginii. Patria artei abstracte este considerată a fi Rusia și America.

Ani: 1910 - astăzi.
Vasili Kandinsky, Kazimir Malevici, Piet Mondrian.

Expresionism

"Ţipăt". Edvard Munch. 1893

Expresionismîși propune o singură sarcină, să transmită ceea ce a simțit autorul imaginii la momentul scrierii ei. Artiștii din acest stil doresc să se exprime pe ei înșiși și sentimentele lor, motiv pentru care expresionismul este opusul impresionismului, în care accentul se pune pe exprimarea unei învelișuri pur externă. Expresionistii se caracterizeaza printr-o tendinta spre misticism, pesimism si descurajare.

Ani: 1890 - astăzi.
Egon Schiele, Karl Eugen Kael, Jerzy Hulewicz.

Arta pop

„Sticle verzi de Coca-Cola”. Andy Warhole. 1962

Arta pop — Stil modernîn artă, folosind simboluri ale culturii de masă și produse de consum. Tehnologiile moderne au ajutat la manipularea și combinarea obiectelor, din această cauză, arta pop a fost adesea criticată de gardienii școlii vechi. De-a lungul timpului, arta pop a absorbit multe tendințe în pictură.

Anii: 1950 - 1980.
Andy Warhol, David Hockney, Robert Rauschenberg.

Minimalism

Gran Cairo. Frank Stella. 1962

Minimalism ar trebui să minimizeze interferența autorului în mediu inconjurator. Minimalismul denotă doar cele mai importante puncte. Originile se află în constructivism, suprematism, dadaism. Este un gen de pictură foarte controversat, datorită vederilor exagerat de minimaliste ale unor autori ai acestui stil. Astăzi, tendințele minimaliste în pictură se transformă extrem de rapid.

Ani: 1960 - astăzi.
Frank Stella, Carl Andre, Saul LeWitt.

hiperrealism

„Fructe”. Jacques Boden. 2016

hiperrealism apărut în legătură cu popularizarea fotografiei, era interesant pentru artiști să concureze cu fotografi. Hiperrealiştii creează o realitate alternativă, o iluzie realistă.

Ani: 1970 - astăzi.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.

Acestea sunt toate direcțiile în pictură

Atât am putut și am vrut să spun pe această temă 😉 De fapt, există mult mai multe tendințe în pictură și sunt dezvoltate neintentionat literalmente în fiecare zi. În acest articol am vrut să vorbesc despre cele mai populare și influente. Dacă ți-a plăcut materialul, distribuie-l pe rețelele de socializare, să dezvoltăm arta împreună. Vă mulțumim tuturor pentru susținere!

Ce este pictura?

Pictura este un tip de artă plastică, ale cărei lucrări sunt create folosind vopsele aplicate pe o suprafață.
"Pictura nu este doar o fantezie. Este o muncă, o muncă care trebuie făcută cu conștiință, așa cum o face orice muncitor conștiincios", a argumentat Renoir.

Pictura este un miracol uimitor al transformării la îndemâna tuturor materiale de artăîntr-o varietate de imagini vizibile ale realității. Stăpânirea artei picturii înseamnă a putea reprezenta obiecte reale de orice formă, culoare diferitași material în orice spațiu.
Pictura, ca toate celelalte forme de artă, are un limbaj artistic aparte prin care artistul reflectă lumea. Dar, exprimându-și înțelegerea despre lume, artistul își întruchipează simultan gândurile și sentimentele, aspirațiile, idealurile estetice în lucrările sale, evaluează fenomenele vieții, explicându-și esența și sensul în felul său.
ÎN opere de artă sunt folosite diferite genuri de arte plastice create de pictori, desen, culoare, clarobscur, expresivitate a liniilor, textura și compoziția. Acest lucru vă permite să reproduceți în plan bogăția colorată a lumii, volumul obiectelor, originalitatea lor materială calitativă, adâncimea spațială și mediul de lumină-aer.
Lumea picturii este bogată și complexă, comorile ei au fost acumulate de omenire de-a lungul multor milenii. Cele mai vechi lucrări de pictură au fost descoperite de oamenii de știință pe pereții peșterilor în care trăiau oamenii primitivi. Cu o acuratețe și o claritate uimitoare, primii artiști au descris scene de vânătoare și obiceiuri animale. Așa a apărut arta înfățișării vopselelor pe perete, care avea trăsături caracteristice picturii monumentale.
Există două soiuri principale de pictură monumentală - frescă și mozaic.
Fresca este o tehnică de vopsire cu vopsele diluate cu apă pură sau var pe tencuială proaspătă, umedă.
Mozaic - o imagine realizată din particule de materiale omogene sau diferite de piatră, smalt, plăci ceramice, care sunt fixate într-un strat de sol - var sau ciment.
Fresca și mozaicul sunt principalele tipuri de artă monumentală, care, datorită durabilității și rezistenței culorilor, sunt folosite pentru decorarea volumelor și planurilor arhitecturale (pictură murală, plafoane, panouri).
Pictura de șevalet (poza) are un caracter și un sens independent. Amploarea și caracterul complet al acoperirii vieții reale se reflectă în varietatea de tipuri și genuri inerente picturii de șevalet: portret, peisaj, natură moartă, gospodărie, istoric, genuri de luptă.
Spre deosebire de monumental pictura de șevalet nu este conectat la planul peretelui și poate fi expus liber.
Semnificația ideologică și artistică a operelor de artă de șevalet nu se modifică în funcție de locul în care sunt amplasate, deși sunetul lor artistic depinde de condițiile de expunere.
Pe lângă tipurile de pictură numite, există una decorativă - schițe de decor teatral, decoruri și costume pentru cinema, precum și miniaturi și iconografie.
Pentru a crea o operă de artă în miniatură sau monumentală (de exemplu, o pictură pe un perete), artistul trebuie să cunoască nu numai esența constructivă a obiectelor, volumul, materialitatea acestora, ci și regulile și legile reprezentării picturale a naturii, armonia culorii, a culorii.

Într-o reprezentare picturală din natură, este necesar să se țină cont nu numai de diversitatea culorilor, ci și de unitatea lor, determinată de puterea și culoarea sursei de lumină. Nicio pată de culoare nu trebuie introdusă în imagine fără a o armoniza cu condiția generală de culoare. Culoarea fiecărui obiect, atât la lumină, cât și la umbră, ar trebui să fie legată de culoarea întreg. Dacă culorile imaginii nu transmit influența culorii luminii, acestea nu vor fi supuse unei singure game de culori. Într-o astfel de imagine, fiecare culoare va ieși în evidență ca ceva străin și străin unei anumite stări de iluminare; va apărea aleatoriu și va distruge integritatea culorii imaginii.
Astfel, unitatea naturală a culorilor prin culoarea generală a luminii este baza pentru crearea unei scheme de culori armonice a imaginii.
Culoarea este unul dintre cele mai expresive mijloace folosite în pictură. Artistul transmite în avion bogăția colorată a ceea ce vede, cu ajutorul unei forme de culoare pe care o cunoaște și o reflectă. lumea. În procesul de reprezentare a naturii, se dezvoltă un sentiment de culoare și numeroasele sale nuanțe, ceea ce face posibilă utilizarea vopselelor ca principal mijloc expresiv de pictură.
Percepția culorii, iar ochiul artistului este capabil să distingă peste 200 de nuanțe, poate fi una dintre cele mai fericite calități cu care natura le-a înzestrat o persoană.
Cunoscând legile contrastului, artistul se ghidează după acele modificări ale culorii naturii reprezentate, care în unele cazuri sunt cu greu surprinse de ochi. Percepția culorii depinde de mediul în care se află obiectul. Prin urmare, artistul, în timp ce transmite culoarea naturii, compară culorile între ele, realizează ca acestea să fie percepute în interconexiune sau relații reciproce.
„A lua proporții de lumină și umbră” înseamnă a păstra diferența dintre culori în luminozitate, saturație și nuanță, în conformitate cu modul în care se desfășoară în natură.
Contrastul (atât în ​​lumină, cât și în culoare) este vizibil în special pe marginile petelor de culoare alăturate. Încețoșarea granițelor dintre culorile contrastante sporește efectul de contrast al culorilor, iar claritatea marginilor petelor îl reduce. Cunoașterea acestor legi extinde posibilitățile tehnice în pictură, permite artistului să folosească contrastul pentru a crește intensitatea culorii vopselelor, a le crește saturația, a le crește sau a diminua luminozitatea, ceea ce îmbogățește paleta pictorului. Deci, fără a folosi amestecuri, ci doar combinații contrastante de culori calde și reci, puteți obține o sonoritate coloristică deosebită a unui tablou.

Pictura este una dintre artele antice, care de-a lungul multor secole a evoluat de la picturile rupestre paleolitice la cele mai recente tendințe ale secolelor XX și chiar ale secolelor XXI. Această artă s-a născut aproape odată cu apariția omenirii. Oamenii antici, nici măcar nu realizându-și pe deplin ca persoană, au simțit nevoia să înfățișeze lumea din jurul lor la suprafață. Au desenat tot ce au văzut: animale, natură, scene de vânătoare. Pentru pictură, au folosit ceva asemănător cu vopselele din materiale naturale. Acestea erau culorile pământului, cărbunele, funinginea neagră. Periile au fost făcute din păr de animale sau pur și simplu pictate cu degetele.

Ca urmare a schimbărilor, au apărut noi tipuri și genuri de pictură. Perioada antică a fost urmată de perioada Antichității. A existat o dorință a pictorilor și artiștilor de a reproduce viața reală din jur, așa cum este văzută de o persoană. Dorința de acuratețe a transmisiei a provocat apariția fundamentelor perspectivei, fundamentele construcțiilor de lumină și umbră ale diferitelor imagini și studiul acestora de către artiști. Și ei, în primul rând, au studiat cum să înfățișeze spațiul tridimensional pe planul peretelui, în pictură în frescă. Unele opere de artă, precum spațiul tridimensional, clarobscurul, au început să fie folosite pentru a decora încăperi, centre religioase și înmormântări.

Următoarea perioadă importantă din trecutul picturii este Evul Mediu. În acest moment, pictura era de natură mai religioasă, iar viziunea asupra lumii a început să se reflecte în artă. Creativitatea artiștilor a fost îndreptată către iconografie și alte melodii ale religiei. Principal Puncte importante pe care artistul a trebuit să le sublinieze nu a fost atât o reflectare fidelă a realității, cât un transfer de spiritualitate chiar și în cele mai diverse picturi. Pânzele maeștrilor din acea vreme erau izbitoare prin expresivitatea contururilor, a colorării și a culorii. Pictura medievală ni se pare plată. Toate personajele artiștilor de atunci sunt pe aceeași linie. Și atât de multe lucrări ni se par oarecum stilizate.

Perioada Evului Mediu gri a fost înlocuită cu perioada mai strălucitoare a Renașterii. Renașterea a făcut din nou un punct de cotitură în dezvoltarea istorică a acestei arte. Noi dispoziții în societate, o nouă viziune asupra lumii au început să dicteze artistului: ce aspecte în pictură ar trebui să fie dezvăluite mai complet și mai clar. Genurile de pictură precum portretul și peisajul ar deveni stiluri independente. Artiștii exprimă emoțiile unei persoane și ale lumii sale interioare prin noi moduri de a picta. Secolele al XVII-lea și al XVIII-lea au fost martorii unei creșteri și mai serioase în pictură. In aceasta perioada Biserica Catolicaîși pierde semnificația, iar artiștii în lucrările lor reflectă din ce în ce mai mult părerile adevărate despre oameni, natură, viața domestică și de zi cu zi. În această perioadă, se formează și genuri precum baroc, rococo, clasicism, manierism. Apare romantismul, care mai târziu este înlocuit de un stil mai spectaculos - impresionismul.

La începutul secolului XX, pictura se schimbă dramatic și apare o direcție mai nouă a artei contemporane - pictura abstractă. Ideea acestei direcții este de a transmite armonie între om și artă, de a crea armonie în combinații de linii și evidențieri de culoare. Această artă nu are obiectivitate. Nu urmărește transferul exact al imaginii reale, ci, dimpotrivă, transmite ceea ce este în sufletul artistului, emoțiile sale. Un rol important pentru acest tip de artă îl reprezintă formele și culorile. Esența sa este de a transmite obiecte familiare anterior într-un mod nou. Aici artiștilor li se oferă libertate deplină a fanteziei lor. Acest lucru a dat impuls apariției și dezvoltării tendințelor moderne, precum arta avangardă, underground, abstractă. De la sfârșitul secolului al XX-lea și până în prezent, pictura a fost în continuă schimbare. Dar, în ciuda tuturor noilor realizări și tehnologii moderne, artiștii rămân în continuare fideli artei clasice - ulei și pictura acuarela, își creează capodoperele cu ajutorul vopselelor și pânzelor.

Natalia Martynenko

Istoria artei plastice

Istoria picturii este un lanț nesfârșit care a început cu primele picturi realizate. Fiecare stil crește din stilurile care au apărut înaintea lui. Fiecare mare artist adaugă ceva la realizările artiștilor anteriori și îi influențează pe artiștii de mai târziu.

Ne putem bucura de pictură pentru frumusețea ei. Liniile, formele, culorile și compoziția (aranjarea pieselor) ne pot mulțumi simțurilor și pot rămâne în amintirile noastre. Dar plăcerea artei crește atunci când aflăm când și de ce și cum a fost creată.

Mulți factori au influențat istoria picturii. Geografie, religie, caracteristici nationale, evenimente istorice, dezvoltarea de noi materiale - toate acestea ajută la modelarea viziunii artistului. De-a lungul istoriei, pictura a reflectat lumea în schimbare și înțelegerea noastră despre ea. În schimb, artiștii au oferit unele dintre cele mai bune înregistrări ale dezvoltării civilizației, uneori dezvăluind mai mult decât cuvântul scris.

pictura preistorica

Locuitorii peșterilor au fost cei mai timpurii artiști. Pe pereții peșterilor din sudul Franței și Spania au fost găsite desene colorate cu animale datând între 30.000 și 10.000 î.Hr. Multe dintre aceste desene sunt surprinzător de bine conservate, deoarece peșterile au fost închise timp de multe secole. Primii oameni au desenat imagini cu animalele sălbatice pe care le-au văzut în jurul lor. În Africa și în estul Spaniei au fost găsite figuri umane foarte brute realizate în poziții vitale.

Artiștii peșterilor au umplut pereții peșterii cu desene în culori bogate și vibrante. Unele dintre cele mai frumoase picturi se găsesc în peștera Altamira din Spania. Un detaliu arată un bivol rănit, care nu mai poate sta în picioare - probabil o victimă a unui vânător. Este vopsit maro-roșcat și conturat simplu, dar cu pricepere, în negru. Pigmenții folosiți de artiștii peșterilor sunt ocru (oxizi de fier care variază în culoare de la galben deschis la portocaliu închis) și mangan (metal închis). Au fost măcinate într-o pulbere fină, amestecată cu un lubrifiant (eventual ulei gras) și aplicate pe suprafață cu un fel de perie. Uneori, pigmenții luau forma unor bețișoare, asemănătoare cu creioanele. Grăsimea, amestecată cu pigmenți sub formă de pudră, a făcut un lichid de vopsea și lac, iar particulele de pigment s-au lipit împreună. Locuitorii peșterii făceau perii din fire de păr de animale sau plante și unelte ascuțite din silex (pentru desen și zgâriere).

Încă de acum 30.000 de ani, oamenii au inventat instrumentele și materialele de bază pentru pictură. Metodele și materialele au fost rafinate și îmbunătățite în secolele următoare. Dar descoperirile locuitorului peșterii rămân principalele pentru pictură.

Pictura egipteană și mesopotamiană (3400–332 î.Hr.)

Una dintre primele civilizații a apărut în Egipt. Din documentele scrise și arta lăsate în urmă de egipteni, se cunosc multe despre viața lor. Ei credeau că trupul trebuie păstrat pentru ca sufletul să poată trăi după moarte. Marile Piramide au fost morminte elaborate pentru conducătorii egipteni bogați și puternici. Multă artă egipteană a fost creată pentru piramidele și mormintele regilor și ale altor oameni importanți. Pentru a fi absolut siguri că sufletul va continua să existe, artiștii au creat imagini ale unui mort în piatră. De asemenea, au reprodus scene din viața unei persoane în picturi murale din camerele funerare.

Tehnicile egiptene de artă plastică au rămas neschimbate de secole. Într-o metodă, vopsea acuarelă a fost aplicată pe suprafețe de lut sau calcar. Într-un alt proces, contururile au fost sculptate în pereții de piatră și pictate cu acuarele. Un material numit gumă arabică a fost probabil folosit pentru a lipi vopseaua de suprafață. Din fericire, climatul uscat și mormintele sigilate au împiedicat unele dintre aceste picturi în acuarelă să se erodeze din cauza umezelii. Multe scene de vânătoare de pe zidurile mormintelor din Teba datând din aproximativ 1450 î.Hr. sunt bine conservate. Ele arată cum vânătorii urmăresc păsări sau pești și pești. Aceste subiecte pot fi identificate și astăzi pentru că au fost pictate cu atenție și grijă.

Civilizația mesopotamiană, care a durat între 3200 și 332 î.Hr., a fost situată într-o vale între râurile Tigru și Eufrat din Orientul Mijlociu. Casele din Mesopotamia au fost construite în principal din lut. Pe măsură ce lutul este înmuiat de ploaie, clădirile lor se dă praf, distrugând orice picturi murale care ar fi putut fi foarte interesante. Ceea ce a rămas sunt ceramica decorată (pictată și arsă) și mozaicuri colorate. Deși mozaicurile nu pot fi considerate ca pictură, ele au adesea o influență asupra acesteia.

Civilizația din Marea Egee (3000–1100 î.Hr.)

a treia mare cultura timpurie a fost civilizația din Marea Egee. Egeii trăiau pe insulele de pe coasta Greciei și pe peninsula Asiei Mici cam în același timp cu vechii egipteni și mesopotamieni.

În 1900, arheologii au început să sapă palatul regelui Minos la Knossos, pe insula Creta. Săpăturile au scos la iveală lucrări de artă scrise în jurul anului 1500 î.Hr. într-un stil neobișnuit de liber și grațios al vremii. Evident, cretanii erau un popor lipsit de griji, iubitor de natură. Printre temele lor preferate în artă au fost viata de mare, animale, flori, jocuri sportive, procesiuni în masă. La Knossos și alte palate din Marea Egee, picturile au fost pictate pe pereții de ipsos umezi cu vopsele minerale, nisip și ocru de pământ. Vopseaua s-a înmuiat în tencuiala udă și a devenit o parte permanentă a peretelui. Aceste picturi au fost numite mai târziu fresce (de la cuvântul italian pentru „proaspăt” sau „nou”). Cretanilor le plăceau galbenul strălucitor, roșul, albastrul și verdele.

Pictura clasică grecească și romană (1100 î.Hr. - 400 d.Hr.)

Grecii antici au decorat pereții templelor și palatelor cu fresce. De la antici izvoare literare iar din copiile romane ale artei grecești, se poate spune că grecii au pictat picturi mici și au făcut mozaicuri. Numele maeștrilor greci și puțin din viețile și lucrările lor sunt cunoscute, deși foarte puțină pictură greacă a supraviețuit secolelor și după războaie. Grecii nu au scris mult în morminte, așa că munca lor nu era protejată.

Vazele pictate sunt tot ce rămâne din pictura greacă de astăzi. Fabricarea ceramicii a fost o mare industrie în Grecia, în special în Atena. Containerele erau la mare căutare, erau exportate, precum și uleiul și mierea și pentru uz casnic. Cea mai veche pictură în vază a fost realizată în forme geometriceși ornamente (1100-700 î.Hr.). De asemenea, vazele erau decorate cu figuri umane în glazură maro pe lut deschis. Până în secolul al VI-lea, pictorii de vaze pictau adesea figuri umane negre pe lut roșu natural. Detaliile au fost sculptate în lut cu un instrument ascuțit. Acest lucru a permis roșului să apară în adâncurile reliefului.

Stilul cu figuri roșii a înlocuit în cele din urmă negrul. Adică, dimpotrivă: figurile sunt roșii, iar fundalul a devenit negru. Avantajul acestui stil era că artistul putea folosi o pensulă pentru a crea contururi. Peria oferă o linie mai liberă decât instrumentul metalic folosit în vazele cu figuri negre.

Picturile murale romane au fost găsite în principal în vile (case de la țară) din Pompeii și Herculaneum. În anul 79 d.Hr., aceste două orașe au fost complet îngropate de erupția Muntelui Vezuviu. Arheologii care au excavat zona au putut afla multe despre viața romană antică din aceste orașe. Aproape fiecare casă și vilă din Pompei aveau picturi pe pereți. Pictorii romani au pregătit cu grijă suprafața peretelui aplicând un amestec de praf de marmură și tencuială. Au lustruit suprafețele la calitatea unui finisaj de marmură. Multe dintre picturi sunt copii ale picturilor grecești din secolul al IV-lea î.Hr. Pozele grațioase ale figurilor pictate pe pereții Vilei Misterelor din Pompei i-au inspirat pe artiștii secolului al XVIII-lea când orașul a fost săpat.

Grecii și romanii au pictat și portrete. Nu un numar mare de dintre acestea, cele mai multe portrete de mumie în stil grecesc ale artiștilor egipteni supraviețuiesc în jurul Alexandriei, în nordul Egiptului. Fondată în secolul al IV-lea î.Hr. de Alexandru cel Mare al Greciei, Alexandria a devenit un centru important al culturii grecești și romane. Portretele au fost pictate folosind tehnica encaustică pe lemn și instalate sub formă de mumie după moartea persoanei înfățișate. Picturile encaustice realizate în vopsea amestecată cu ceară de albine topită au un termen de valabilitate foarte lung. Într-adevăr, aceste portrete arată încă proaspete, deși au fost realizate încă din secolul II î.Hr.

Pictura creștină timpurie și bizantină (300–1300)

Imperiul Roman a intrat în declin în secolul al IV-lea d.Hr. În același timp, creștinismul câștiga putere. În 313, împăratul roman Constantin a recunoscut oficial religia și s-a convertit însuși la creștinism.

Apariția creștinismului a influențat foarte mult arta. Artiștii au fost însărcinați să decoreze pereții bisericilor cu fresce și mozaicuri. Au realizat panouri în capele bisericești, au ilustrat și decorat cărți bisericești. Influențați de Biserică, artiștii trebuiau să comunice cât mai clar învățăturile creștinismului.

Primii creștini și artiștii bizantini au continuat tehnica mozaicului pe care o învățaseră de la greci. Bucăți mici plate de sticlă colorată sau piatră au fost așezate pe ciment sau ipsos umed. Au fost folosite uneori și alte materiale dure, cum ar fi bucăți de lut copt sau scoici. În mozaicurile italiene, culorile sunt deosebit de profunde și pline. Artiștii italieni au realizat fundalul cu bucăți de sticlă aurita. Ei au înfățișat figuri umane în culori bogate pe un fundal de aur strălucitor. Efectul general a fost plat, decorativ și nerealist.

Mozaicurile artiștilor bizantini erau adesea chiar mai puțin realiste și chiar mai decorative decât cele ale primilor creștini. „Bizantin” este numele dat unui stil de artă care s-a dezvoltat în jurul orașului antic Bizanț (acum Istanbul, Turcia). Tehnica mozaicului se potrivea perfect cu gustul bizantin pentru bisericile magnific decorate. Celebrele mozaicuri ale Teodorei și Iustinian, realizate în jurul anului 547 d.Hr., arată un gust pentru bogăție. Bijuteriile de pe figurile strălucesc, iar rochiile colorate de curte strălucesc pe aurul strălucitor. Artiștii bizantini au folosit și ei pe fresce și panouri. Aurul și alte materiale prețioase au fost folosite în Evul Mediu pentru a separa obiectele spirituale de lumea cotidiană.

Pictura medievală (500–1400)

Prima parte a Evului Mediu, din secolul al VI-lea până în secolul al XI-lea d.Hr., este de obicei denumită Evul Întunecat. În această perioadă de tulburări, arta era depozitată în principal în mănăstiri. În secolul al V-lea d.Hr Triburi Varran din nordul și centrul Europei au cutreierat continentul. Timp de sute de ani au dominat Europa de Vest. Acești oameni au produs artă în care elementul principal este modelul. Erau îndrăgostiți în special de structurile de dragoni și păsări care se întrepătrund.

Cele mai bune din arta celtică și săsească se găsesc în manuscrise din secolele al VII-lea și al VIII-lea. Ilustrațiile de carte, iluminatul și pictura în miniatură, practicate încă din epoca romană târzie, s-au răspândit în Evul Mediu. Iluminarea este decorarea textului, a majusculelor și a marginilor. S-au folosit auriu, argint și culori strălucitoare. O miniatură este o imagine mică, adesea un portret. Termenul a fost folosit inițial pentru a descrie un bloc decorativ în jurul literelor inițiale dintr-un manuscris.

Carol cel Mare, care a fost încoronat Sfântul Împărat Roman la începutul secolului al IX-lea, a încercat să reînvie arta clasică a perioadei romane târzii și a perioadei creștine timpurii. În timpul domniei sale, pictorii în miniatură au imitat arta clasică, dar au transmis și sentimente personale prin obiectele lor.

Din Evul Mediu a supraviețuit foarte puțină pictură murală. Bisericile construite în perioada romanică (secolele XI-XIII) aveau câteva fresce grozave, dar cele mai multe dintre ele au dispărut. În bisericile din perioada gotică (secolele XII-XVI) nu era suficient spațiu pentru picturile murale. Ilustrația de carte a fost opera principală a pictorului gotic.

Printre cele mai bine ilustrate manuscrise au fost cărțile de ore - culegeri de calendare, rugăciuni și psalmi. O pagină dintr-un manuscris italian prezintă inițiale elaborate și o scenă marginală fin detaliată a Sfântului Gheorghe ucigând un dragon. Culorile sunt strălucitoare și asemănătoare pietre prețioase, ca în vitralii, iar aurul strălucește deasupra paginii. Textul chenar cu desene cu frunze și florale deosebit de delicate. Artiștii au folosit probabil lupe pentru a finaliza lucrări atât de complicate.

Italia: Cimabue și Giotto

Artiștii italieni de la sfârșitul secolului al XIII-lea încă lucrau în stil bizantin. Figurile umane au fost făcute plate și decorative. Chipurile au arătat rareori expresie. Corpurile erau lipsite de greutate și păreau să plutească mai degrabă decât să stea ferm pe pământ. La Florența pictorul Cimabue (1240-1302) a încercat să modernizeze unele dintre vechile tehnici bizantine. Îngerii din Madonna Întronată sunt mai activi decât de obicei în picturile vremii. Gesturile și fețele lor arată un sentiment puțin mai uman. Cimabue a adăugat picturilor sale un nou sentiment de monumentalitate sau măreție. Cu toate acestea, el a continuat să urmeze multe tradiții bizantine, cum ar fi fundalurile aurii și aranjarea cu modele a obiectelor și figurilor.

Marele artist florentin Giotto (1267-1337) a fost cel care a rupt de fapt tradiția bizantină. Seria sa de fresce din Capela Arenei din Padova lasă arta bizantină mult în urmă. Există o adevărată emoție, tensiune și naturalism în aceste scene din viața Mariei și a lui Hristos. Toate calitățile căldurii și simpatiei umane sunt prezente. Oamenii nu par complet ireali sau cerești. Giotto a umbrit contururile figurilor și a plasat umbre adânci în faldurile robelor pentru a da un sentiment de rotunjime și soliditate.

Pentru panourile sale mici, Giotto a folosit tempera pură de ou, un mediu care a fost perfecționat de florentini în secolul al XIV-lea. Claritatea și strălucirea culorilor sale trebuie să fi avut un efect puternic asupra oamenilor obișnuiți cu culorile întunecate ale panourilor bizantine. Picturile cu tempera dau impresia că pe scenă cade lumina blândă a zilei. Au un aspect aproape plat, spre deosebire de luciu. pictura in ulei. Tempera de ou a rămas culoarea principală până când uleiul a înlocuit-o aproape complet în secolul al XVI-lea.

Pictura medievală târzie la nord de Alpi

La începutul secolului al XV-lea, artiștii din Europa de Nord lucrau într-un stil complet diferit de pictura italiană. Artiștii nordici au obținut realism adăugând nenumărate detalii picturilor lor. Tot părul a fost definit cu delicatețe și fiecare detaliu al draperiilor sau al podelei a fost fixat cu precizie. Invenția picturii în ulei a făcut mai ușor detalierea detaliilor.

Pictorul flamand Jan van Eyck (1370-1414) a adus o contribuție majoră la dezvoltarea picturii în ulei. Când se folosește tempera, culorile trebuie aplicate separat. Nu se pot umbri bine unul pe celălalt, deoarece vopseaua se usucă rapid. Cu ulei care se usucă lent, artistul poate obține efecte mai complexe. Portretele sale din 1466-1530 au fost executate în tehnica uleiului flamand. Toate detaliile și chiar și reflexia în oglindă sunt clare și precise. Culoarea este durabilă și are o suprafață dură, asemănătoare smalțului. Panoul din lemn amorsat a fost pregătit în același mod în care Giotto și-a pregătit panourile pentru tempera. Van Eyck a creat pictura în straturi de culoare subtilă numită glazură. Tempera a fost probabil folosită în tufășul original și pentru accentele.

Renașterea italiană

În timp ce van Eyck lucra în nord, italienii se mutau într-o epocă de aur a artei și literaturii. Această perioadă se numește Renaștere, ceea ce înseamnă renaștere. Artiștii italieni s-au inspirat din sculptura grecilor și romanilor antici. Italienii au vrut să reînvie spiritul artei clasice, care gloriifică independența umană și noblețea. Artiștii Renașterii au continuat să picteze scene religioase. Dar ei au subliniat și viața pământească și realizările umane.

Florenţa

Realizările lui Giotto la începutul secolului al XIV-lea au marcat începutul Renașterii. Artiștii italieni din secolul al XVII-lea au continuat-o. Masaccio (1401-1428) a fost unul dintre liderii primei generații de artiști renascentiste. A locuit în Florența, un oraș bogat de comerț unde a început arta renascentist. Până la moartea sa, la sfârșitul anilor douăzeci, el revoluționa pictura. În celebra sa murală „The Tribute Money”, el plasează figuri sculpturale solide într-un peisaj care pare să se întindă mult în depărtare. Este posibil ca Masaccio să fi studiat perspectiva cu arhitectul și sculptorul florentin Brunelleschi (1377-1414).

Tehnica frescei a fost foarte populară în timpul Renașterii. Era potrivită mai ales pentru picturile mari, deoarece culorile din frescă sunt uscate și perfect plate. Imaginea poate fi vizualizată din orice unghi fără strălucire sau reflexii. Sunt disponibile și fresce. De obicei, artiștii aveau mai mulți asistenți. Lucrarea a fost făcută pe bucată pentru că trebuia terminată cât tencuiala era încă udă.

Stilul complet „tridimensional” al lui Masaccio a fost tipic pentru noua mișcare progresivă a secolului al XV-lea. Stilul lui Fra Angelico (1400-1455) este o abordare mai tradițională folosită de mulți artiști ai Renașterii timpurii. Era mai puțin preocupat de perspectivă și mai interesat de designul decorativ. „Încoronarea Fecioarei” sa este un exemplu de tempera în cea mai frumoasă reprezentație. Culori vesele, bogate, așezate pe aur și accentuate cu aur. Imaginea arată ca o miniatură mărită. Siluetele lungi și înguste au puțin în comun cu Masaccio. Compoziția este organizată în linii largi de mișcare care se rotesc în jurul figurilor centrale ale lui Hristos și Mariei.

Un alt florentin care a lucrat în stil tradițional a fost Sandro Botticelli (1444-1515). Liniile ritmice curgătoare leagă secțiuni din „Primăvara” lui Botticelli. Figura Primăverii, purtată de vântul de vest, trece din dreapta. Cele trei grații dansează în cerc, pliurile fluturate ale rochiilor lor și mișcările grațioase ale mâinilor exprimă ritmurile dansului.

Leonardo da Vinci (1452-1519) a studiat pictura la Florența. Este cunoscut pentru cercetările și invențiile sale științifice, precum și pentru picturile sale. Foarte puține dintre picturile sale au supraviețuit, în parte pentru că a experimentat adesea cu diferite moduri de a crea și de a aplica vopsea, mai degrabă decât să folosească metode încercate și adevărate. " Ultima cina” (pictat între 1495 și 1498) a fost realizat în ulei, dar, din păcate, Leonardo a pictat-o ​​pe un perete umed, ceea ce a făcut ca vopseaua să se spargă. Dar chiar și în stare proastă (înainte de restaurare), imaginea a avut capacitatea de a excita emoții în toți cei care o văd.

Una dintre trăsăturile distinctive ale stilului lui Leonardo a fost metoda sa de a descrie luminile și întunericul. Italienii i-au numit iluminarea semiîntunecată „sfumato”, ceea ce înseamnă fum sau ceață. Figurile din Madona Stâncilor sunt acoperite într-o atmosferă de sfumato. Formele și trăsăturile lor sunt ușor umbrite. Leonardo a obținut aceste efecte folosind gradații foarte subtile de tonuri deschise și întunecate.

Roma

Punctul culminant al picturii renascentiste a avut loc în secolul al XVI-lea. În același timp, centrul artei și culturii s-a mutat de la Florența la Roma. Sub Papa Sixtus al IV-lea și succesorul său, Iulius al II-lea, orașul Roma a fost decorat glorios și bogat de artiștii renascentiste. Unele dintre cele mai ambițioase proiecte ale acestei perioade au fost începute în timpul papalității lui Iulius al II-lea. Iulius i-a însărcinat marelui sculptor și pictor Michelangelo (1475-1564) să picteze tavanul Capelei Sixtine și să sculpteze sculptura pentru mormântul Papei. Iulius l-a invitat și pe pictorul Rafael (1483-1520) să ajute la decorarea Vaticanului. Cu asistenți, Rafael a pictat patru camere din apartamentele Papei din Palatul Vatican.

Michelangelo, un florentin prin naștere, a dezvoltat un stil monumental de pictură. Figurile din pictura lui sunt atât de solide și voluminoase încât par sculpturi. Tavanul Sixtin, care a durat 4 ani pentru finalizarea lui Michelangelo, este alcătuit din sute de figuri umane din Vechiul Testament. Pentru a finaliza această frescă grandioasă, Michelangelo a trebuit să se întindă pe spate pe schelă. Chipul gânditor al lui Ieremia printre profeții care înconjoară tavanul este considerat de unii experți a fi autoportretul lui Michelangelo.

Raphael a venit la Florența din Urbino de foarte tânăr. La Florența, el a absorbit ideile lui Leonardo și Michelangelo. Până când Rafael a plecat la Roma pentru a lucra la Vatican, stilul său a devenit unul dintre cele mai mari în frumusețe. Îi plăcea în special portretele sale frumoase ale Madonei cu Pruncul. Au fost reproduse cu mii și pot fi văzute peste tot. „Madonna del Granduca” sa are succes datorită simplității sale. Atemporal prin liniștea și puritatea sa, este la fel de atractiv pentru noi precum a fost pentru italienii din epoca lui Rafael.

Veneția

Veneția a fost principalul oraș al Renașterii din nordul Italiei. A fost vizitat de artiști din Flandra și din alte părți care cunoșteau experimentele flamande cu vopsea în ulei. Acest lucru a stimulat utilizarea timpurie a tehnicii uleiului în orașul italian. Venețienii au învățat să picteze mai degrabă pe pânze întinse strâns decât pe panourile de lemn folosite în mod obișnuit în Florența.

Giovanni Bellini (1430-1515) a fost cel mai mare pictor venețian al secolului al XV-lea. De asemenea, a fost unul dintre primii pictori italieni care au folosit ulei pe pânză. Giorgione (1478-1151) și Titian (1488-1515), care este cel mai faimos dintre toți pictorii venețieni, au fost ucenici în atelierul lui Bellini.

Maestrul în ulei Tizian a pictat pânze uriașe în culori calde și bogate. În picturile sale mature, el a sacrificat detaliile pentru a crea efecte uluitoare, cum ar fi în Madona din Pesaro. A folosit pensule mari pentru a face lovituri mari. Culorile sale sunt deosebit de bogate pentru că a creat cu răbdare glazuri în culori contrastante. În mod obișnuit, glazurile erau aplicate pe o suprafață temperată maro, ceea ce conferea picturii un ton uniform.

Un alt mare pictor venețian al secolului al XVI-lea a fost Tintoretto (1518-1594). Spre deosebire de Tițian, el a lucrat de obicei direct pe pânză, fără schițe sau contururi preliminare. El și-a deformat adesea formele (le-a răsucit) de dragul compoziției și dramatismului intrigii. Tehnica lui, care include linii mari și contraste dramatice de lumină și întuneric, pare foarte modernă.

Artistul Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) era cunoscut sub numele de El Greco („Grecul”). Născut pe insula Creta, care a fost ocupată de armata venețiană, El Greco a fost antrenat de artiști italieni. De tânăr, a plecat să studieze la Veneția. Influența combinată a artei bizantine, pe care a văzut-o în jurul său în Creta, și a artei renascentiste italiene, a făcut ca opera lui El Greco să iasă în evidență.

În picturile sale, a distorsionat forme naturale și a folosit culori și mai ciudate, mai eterice decât Tintoretto, pe care îl admira. Mai târziu, El Greco s-a mutat în Spania, unde sumbruarea artei spaniole i-a influențat opera. În viziunea sa dramatică despre Toledo, o furtună năvăli asupra tăcerii de moarte a orașului. Albastrul rece, verdele și albastrul-alb poartă frigul peste peisaj.

Renașterea în Flandra și Germania

Epoca de aur a picturii din Flandra (acum parte din Belgia și nordul Franței) a fost secolul al XV-lea, vremea lui van Eyck. În secolul al XVI-lea, mulți artiști flamanzi i-au imitat pe artiștii italieni ai Renașterii. Cu toate acestea, unii flamandi au continuat tradiția flamandă a realismului. Apoi s-a răspândit pictura de gen - scene din viața de zi cu zi care uneori erau fermecătoare și alteori fantastice. Hieronymus Bosch (1450-1515), care a precedat pictorii de gen, avea o imaginație neobișnuit de vie. A venit cu tot felul de creaturi ciudate, grotești pentru The Temptation of St. Antonie”. Pieter Brueghel cel Bătrân (1525-1569) a lucrat și el în tradiția flamandă, dar a adăugat perspectivă și alte caracteristici renascentiste scenelor sale de gen.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein cel Tânăr (1497-1543) și Lucas Cranach cel Bătrân (1472-1553) au fost cei mai importanți trei pictori germani ai secolului al XVI-lea. Ei au făcut mult pentru a atenua realismul sumbru al picturii germane timpurii. Dürer a făcut cel puțin o vizită în Italia, unde a fost impresionat de picturile lui Giovanni Bellini și ale altor italieni din nord. Prin această experiență, el a insuflat picturii germane cunoașterea perspectivei, simțul culorii și al luminii și o nouă înțelegere a compoziției. Holbein a învățat și mai multe realizări italiene. Desenul său sensibil și capacitatea de a alege doar cel mai mult detalii importante l-a făcut maestru portretist.

pictura baroc

Secolul al XVII-lea este cunoscut în artă ca perioada barocului. În Italia, pictorii Caravaggio (1571-1610) și Annibale Carracci (1560-1609) au reprezentat două puncte de vedere contrastante. Caravaggio (numele real Michelangelo Merisi) s-a inspirat întotdeauna direct din realitățile vieții. Una dintre principalele sale probleme a fost să copieze natura cât mai de aproape fără a o glorifica în vreun fel. Carracci, pe de altă parte, a urmat idealul renascentist al frumuseții. A studiat sculptura antică și opera lui Michelangelo, Rafael și Titian. Stilul lui Caravaggio a fost admirat de mulți artiști, în special de spaniolul Ribera și de tânărul Velázquez. Carracci l-a inspirat pe Nicolas Poussin (1594-1665), un celebru pictor francez al secolului al XVII-lea.

Spania

Diego Velázquez (1599-1660), pictor de curte al regelui spaniol Filip al IV-lea, a fost unul dintre cei mai mari pictori spanioli. Admirator al operei lui Tizian, a fost un maestru în folosirea culorii bogate, armonioase. Niciun artist nu ar fi putut face o treabă mai bună creând iluzia țesăturilor bogate sau a pielii umane. Portretul micului prinț Philip Prosper arată această îndemânare.

Flandra

Picturile pictorului flamand Pieter Paul Rubens (1577-1640) sunt simbolul stilului baroc plin de culoare. Sunt pline de energie, culoare și lumină. Rubens a rupt tradiția flamandă de a picta picturi mici. Pânzele lui sunt uriașe, pline de figuri umane. A primit mai multe comenzi pentru tablouri mai mari decât putea să suporte. Prin urmare, a desenat adesea doar o mică schiță de culoare. Apoi asistenții săi au transferat schița pe o pânză mare și au terminat pictura sub conducerea lui Rubens.

Olanda

Realizările pictorului olandez Rembrandt (1606-1669) sunt printre cele mai remarcabile din istorie. Avea un dar minunat - să surprindă și să transmită cu acuratețe emoțiile umane. Asemenea lui Tițian, a lucrat mult timp la crearea de picturi cu mai multe straturi. Culorile pământului - galben ocru, maro și maro-roșu - erau preferatele lui. Picturile sale sunt realizate în mare parte în culori închise. Importanţă părți întunecate cu mai multe straturi, fac tehnica lui neobișnuită. Accentul este transmis prin iluminare puternică în raport cu zonele luminoase.

Jan Vermeer (1632-1675) a fost într-unul dintre grupuri artiști olandezi care a pictat scene modeste din viața de zi cu zi. A fost un maestru în pictura de tot felul de texturi - satin, covoare persane, pesmet, metal. Impresie generala din interiorul lui Vermeer este o cameră însorită și veselă, plină cu obiecte de uz casnic emblematice.

pictura secolului al XVIII-lea

În secolul al XVIII-lea, Veneția a produs câțiva artiști excelenți. Cel mai faimos a fost Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). El a decorat interioarele palatelor și altor clădiri cu fresce grandioase, colorate, reprezentând scene de bogăție. Francesco Guardi (1712-1793) era foarte priceput cu pensula, cu doar câteva pete de culoare putea evoca ideea unei figuri minuscule într-o barcă. Priveliștile spectaculoase ale lui Antonio Canaletto (1697-1768) au cântat gloria trecută a Veneției.

Franța: stil rococo

În Franța, gustul pentru culori pastelate și decorarea complicată la începutul secolului al XVIII-lea a dus la dezvoltarea stilului rococo. Jean Antoine Watteau (1684-1721), pictor de curte al regelui Ludovic al XV-lea, iar mai târziu François Boucher (1703-1770) și Jean Honoré Fragonard (1732-1806) au fost asociați cu tendințele rococo. Watteau a scris viziuni de vis, o viață în care totul este distractiv. Stilul se bazează pe picnicuri în parcuri, petreceri în pădure unde domnii veseli și doamnele elegante se distrează în natură.

Alți artiști din secolul al XVIII-lea au descris scene viață obișnuită clasă de mijloc. La fel ca olandezul Vermeer, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) a apreciat scenele domestice simple și naturile moarte. Culorile lui sunt sobre și calme în comparație cu Watteau.

Anglia

În secolul al XVIII-lea, britanicii au dezvoltat pentru prima dată o școală separată de pictură. Nucleul a constat în principal din pictori de portrete care au fost influențați de pictorii venețieni renascentist. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) și Thomas Gainsborough (1727-1788) sunt cei mai cunoscuți. Reynolds, care a călătorit în Italia, a urmat idealurile picturii renascentiste. Portretele sale, fermecătoare și înduioșătoare, nu sunt deosebit de interesante ca culoare sau textură. Gainsborough, pe de altă parte, avea un talent pentru strălucire. Suprafețele picturilor sale strălucesc cu o culoare strălucitoare.

pictura secolului al XIX-lea

Secolul al XIX-lea este uneori văzut ca perioada în care arta modernă a început să prindă contur. Un motiv important pentru așa-numita revoluție în artă în acest moment a fost inventarea camerei, care i-a determinat pe artiști să reconsidere scopul picturii.

O dezvoltare mai importantă a fost utilizarea pe scară largă a vopselelor prefabricate. Până în secolul al XIX-lea, majoritatea artiștilor sau asistenții lor își făceau propriile vopsele prin măcinarea pigmentului. Vopselele comerciale timpurii erau inferioare vopselelor de mână. Artiștii de la sfârșitul secolului al XIX-lea au descoperit că albastrul închis și maro din picturile anterioare au devenit negru sau gri în decursul mai multor ani. Au început să folosească din nou culori pure pentru a-și salva munca și, uneori, pentru că încercau să reflecte mai precis lumina soarelui în scenele de stradă.

Spania: Goya

Francisco Goya (1746-1828) a fost primul mare pictor spaniol care a apărut din secolul al XVII-lea. Ca pictor preferat al curții spaniole, a realizat multe portrete ale familiei regale. Personajele regale sunt îmbrăcate cu haine elegante și bijuterii fine, dar pe unele dintre fețele lor, tot ceea ce se reflectă este vanitatea și lăcomia. Pe lângă portrete, Goya a pictat scene dramatice precum Treilea Mai 1808. Acest tablou înfățișează un grup de rebeli spanioli executați de soldații francezi. Contrastele îndrăznețe de culori deschise și întunecate și sumbre, împușcate cu stropi roșii, evocă o groază sumbră a spectacolului.

Deși Franța a fost un mare centru de artă în anii 1800, pictorii englezi de peisaj John Constable (1776-1837) și Joseph Mallord William Turner (1775-1851) au adus contribuții valoroase la pictura secolului al XIX-lea. Ambii erau interesați de pictura luminii și aerului, două aspecte ale naturii pe care artiștii din secolul al XIX-lea le-au explorat pe deplin. Agentul a folosit o metodă cunoscută sub numele de diviziune sau culoare ruptă. A folosit culori contrastante peste culoarea principală de fundal. A folosit adesea un cuțit de paletă pentru a aplica culoarea strâns. Tabloul „Hay Wain” l-a făcut celebru după ce a fost expus la Paris în 1824. Aceasta este o scenă simplă de fânare din sat. Norii plutesc peste pajiști acoperite cu pete de lumină solară. Picturile lui Turner sunt mai dramatice decât cele ale lui Constable, care a pictat priveliștile maiestuoase ale naturii - furtuni, peisaje marine, apusuri în flăcări, munți înalți. Adesea, ceața aurie ascunde parțial obiectele din picturile sale, făcându-le să pară că plutesc într-un spațiu infinit.

Franţa

Domnia lui Napoleon și Revolutia Franceza a marcat apariția a două tendințe opuse în arta franceză - clasicismul și romantismul. Jacques Louis David (1748-1825) și Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) s-au inspirat din arta antică grecească și romană și din Renaștere. Au subliniat detaliile și au folosit culoarea pentru a crea forme solide. Fiind un artist preferat al guvernului revoluționar, David a pictat adesea evenimente istorice din acea perioadă. În portretele sale, precum Madame Recamier, el s-a străduit să atingă simplitatea clasică.

Théodore Guéricault (1791-1824) și romanticul Eugène Delacroix (1798-1863) s-au răzvrătit împotriva stilului lui David. Pentru Delacroix, culoarea a fost cel mai important element în pictură și nu a avut răbdarea să imite statuile clasice. În schimb, îi admira pe Ruben și pe venețieni. A ales pentru tablourile sale teme colorate, exotice, care strălucesc de lumină și sunt pline de mișcare.

Pictorii Barbizon au făcut parte, de asemenea, din mișcarea romantică generală care a durat între 1820 și 1850. Au lucrat lângă satul Barbizon, la marginea Pădurii Fontainebleau. S-au inspirat din natură și au finalizat picturile în studiourile lor.

Alți artiști au experimentat cu subiecte comune de zi cu zi. Peisajele lui Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) reflectă dragostea lui pentru natură, iar studiile sale asupra corpului uman arată un fel de calm echilibrat. Gustave Courbet (1819-1877) s-a autointitulat realist pentru că a înfățișat lumea așa cum o vedea - chiar și latura ei aspră, neplăcută. Și-a limitat paleta la doar câteva culori sumbre. Edouard Manet (1832-1883) a luat bazele supușilor săi din lumea exterioară. Oamenii au fost șocați de contrastele sale colorate și de tehnicile neobișnuite. Suprafețele picturilor sale au adesea o textură de pensulă plată, modelată. Metodele lui Manet de a aplica efecte de lumină pentru a forma i-au influențat pe tinerii artiști, în special pe impresioniști.

Lucrând în anii 1870 și 1880, un grup de artiști cunoscuți sub numele de impresioniști au vrut să înfățișeze natura exact așa cum era. Au mers mult mai departe decât Constable, Turner și Manet în studierea efectelor luminii în culoare. Unii dintre ei s-au dezvoltat teorii științifice culorile. Claude Monet (1840-1926) a pictat adesea aceeași vedere în diferite momente ale zilei pentru a arăta cum se schimbă în condiții diferite de iluminare. Oricare ar fi subiectul, picturile sale sunt alcătuite din sute de mișcări mici așezate una lângă alta, adesea în culori contrastante. La distanță, liniile se amestecă pentru a da impresia unor forme solide. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) a folosit tehnici impresioniste pentru a surprinde sărbătoarea Viața pariziană. În „Dansul său la Moulin de la Galette”, oamenii îmbrăcați în haine viu colorate s-au înghesuit și au dansat veseli. Renoir a pictat întreaga imagine cu mici linii. Punctele și loviturile de vopsea creează o textură pe suprafața picturii, care îi conferă un aspect deosebit. Mulțimile de oameni par să se dizolve în raza de soareși culori strălucitoare.

pictura secolului XX

O serie de artiști au devenit curând nemulțumiți de impresionism. Artiști precum Paul Cezanne (1839-1906) au considerat că impresionismul nu descrie soliditatea formelor din natură. Lui Cezanne îi plăcea să picteze naturi moarte pentru că îi permiteau să se concentreze asupra formei fructelor sau a altor obiecte și aranjamentul acestora. Subiectele naturilor lui moarte par solide pentru că le-a redus la forme geometrice simple. Tehnica sa de a pune una lângă alta stropi de vopsea și traze scurte de culoare bogată arată că a învățat multe de la impresioniști.

Vincent van Gogh (1853-90) și Paul Gauguin (1848-1903) au răspuns realismului impresioniștilor. Spre deosebire de impresioniști, care spuneau că privesc natura în mod obiectiv, lui Van Gogh îi păsa puțin de acuratețe. El a distorsionat adesea obiectele pentru a-și exprima gândurile mai creativ. A folosit principiile impresioniste pentru a plasa culori contrastante una lângă alta. Uneori strângea vopseaua din tuburi direct pe pânză, ca în „Câmpul de porumb galben”.

Lui Gauguin nu-i păsa de culoarea pestriță a impresioniștilor. A aplicat fără probleme culoarea în zone mari plate, pe care le-a despărțit unele de altele cu linii sau margini întunecate. Popoarele tropicale colorate au oferit o mare parte din subiectul său.

Metoda lui Cezanne de a crea spațiu cu forme geometrice simple a fost dezvoltată de Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) și alții. Stilul lor a devenit cunoscut sub numele de cubism. Cubiștii au pictat obiecte ca și cum ar putea fi văzute din mai multe unghiuri simultan sau ca și cum ar fi fost desfăcute și puse la loc pe o pânză plată. Adesea, obiectele s-au dovedit a fi diferite de orice există în natură. Uneori, cubiștii decupau figuri din țesătură, carton, tapet sau alte materiale și le lipeau pe pânză pentru a face un colaj. Texturile au fost, de asemenea, variate prin adăugarea de nisip sau alte substanțe la vopsea.

Tendințele mai recente au fost de a pune mai puțin accent pe subiect. Compoziția și tehnica imaginii au început să primească un accent mai mare.

• Pictura acrilică: istorie, tehnică, avantaje ale acrilicului

Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplu. Utilizați formularul de mai jos

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

Găzduit la http://www.allbest.ru/

1. Pictura

2. Tipuri de pictură

3. Știința culorii

Concluzie

Bibliografie

1. Pictura

Cuvântul „pictură” este format din cuvintele „vii” și „scrie”. „Pictură”, explică Dahl, „pentru a reprezenta corect și viu cu o pensulă sau cu cuvinte, cu un stilou.” Pentru pictor, a descrie corect înseamnă transferul exact al aspectului exterior a ceea ce a văzut, trăsăturile sale cele mai importante. A fost posibil să le transmită corect prin mijloace grafice - linie și ton. Dar este imposibil să transmitem viu cu aceste mijloace limitate multicolorul lumii înconjurătoare, pulsația vieții în fiecare centimetru al suprafeței colorate a unui obiect, farmecul acestei vieți și mișcarea și schimbarea constantă. Pictura, unul dintre tipurile de arte plastice, ajută la reflectarea cu adevărat a culorii lumii reale.

Culoarea - principalul mijloc pictural și expresiv în pictură - are ton, saturație și lejeritate; pare să fuzioneze într-un întreg tot ceea ce este caracteristic subiectului: atât ceea ce poate fi descris printr-o linie, cât și ceea ce îi este inaccesibil.

Pictura, ca și grafica, folosește linii deschise și întunecate, linii și pete, dar spre deosebire de aceasta, aceste linii, linii și pete sunt colorate. Ele transmit culoarea sursei de lumină prin strălucire și suprafețe puternic luminate, sculptează o formă tridimensională cu culoarea obiectului (locală) și culoarea reflectată de mediu, stabilesc relații spațiale și profunzime, descriu textura și materialitatea obiectelor.

Sarcina picturii nu este doar de a arăta ceva, ci și de a dezvălui esența interioară a celui reprezentat, de a reproduce „personaje tipice în circumstanțe tipice”. Prin urmare, o adevărată generalizare artistică a fenomenelor vieții stă la baza fundamentelor picturii realiste.

pictură florărie desen acuarelă

2. Tipuri de pictură

Pictura monumentală este un tip special de picturi la scară largă, care decorează pereții și tavanele structurilor arhitecturale. Ea dezvăluie conținutul unor fenomene sociale majore care au avut un impact pozitiv asupra dezvoltării societății, le proslăvește și le perpetuează, ajutând la educarea oamenilor în spiritul patriotismului, progresului și umanității. Înălțimea conținutului picturii monumentale, dimensiunea semnificativă a lucrărilor sale, legătura cu arhitectura necesită mase mari de culoare, simplitate strictă și laconism al compoziției, claritatea contururilor și generalizarea formei plastice.

Pictura decorativă este folosită pentru a decora clădiri și interioare sub formă de panouri colorate, care, cu o imagine realistă, creează iluzia unei străpungeri de perete, o creștere vizuală a dimensiunii unei camere sau, dimpotrivă, forme aplatizate în mod deliberat. confirma planeitatea peretelui și izolarea spațiului. Modele, coroane, ghirlande și alte tipuri de decor care împodobesc lucrările de pictură și sculptură monumentală leagă între ele toate elementele interiorului, subliniind frumusețea acestora, coerența cu arhitectura.

Pictura de decor teatral (decor, costume, machiaj, recuzită, realizate după schițele artistului) ajută la dezvăluirea mai profundă a conținutului spectacolului. Condițiile teatrale deosebite pentru perceperea peisajului impun luarea în considerare a numeroaselor puncte de vedere ale publicului, distanța mare a acestora, impactul luminii artificiale și a luminii colorate. Peisajul oferă o idee despre locul și timpul acțiunii, activează percepția privitorului asupra a ceea ce se întâmplă pe scenă. Artistul de teatru caută să exprime cu claritate caracterul individual al personajelor în schițe de costume și machiaj. statut social, stilul epocii și multe altele.

Pictura în miniatură a fost foarte dezvoltată în Evul Mediu, înainte de inventarea tiparului. Cărțile scrise de mână au fost decorate cu cele mai bune cascuri, terminații și ilustrații detaliate în miniatură. Artiștii ruși din prima jumătate a secolului al XIX-lea au folosit cu pricepere tehnica picturală a miniaturii pentru a crea portrete mici (în principal acuarele). Culorile profunde pure ale acuarelelor, combinațiile lor rafinate, finețea picturii disting aceste portrete, pline de grație și noblețe.

Pictura de șevalet, realizată pe șevalet, folosește ca bază materială lemnul, cartonul, hârtia, dar cel mai adesea o pânză întinsă pe targă. Un tablou de șevalet, fiind o operă independentă, poate înfățișa absolut totul: faptic și fictiv de către artist, obiecte și oameni neînsuflețiți, modernitate și istorie - într-un cuvânt, viața în toate manifestările ei. Spre deosebire de grafică, pictura de șevalet are o bogăție de culoare, care ajută la emoțional, psihologic multifațet și transmite subtil frumusețea lumii înconjurătoare.

După tehnică și mijloace de execuție, pictura se împarte în ulei, tempera, frescă, ceară, mozaic, vitraliu, acuarelă, guașă, pastel. Aceste denumiri au fost derivate din liant sau din metoda de utilizare a mijloacelor materiale și tehnice.

Pictura in ulei se face cu vopsea stersa pe uleiuri vegetale. Vopseaua groasă, atunci când i se adaugă ulei sau diluanți speciali și lacuri, se lichefiază. Vopseaua în ulei poate fi folosită pe pânză, lemn, carton, hârtie, metal.

Vopsirea cu tempera se face cu vopsea preparata pe galbenus de ou sau cazeina. Vopseaua tempera se dizolva cu apa si se aplica pastoasa sau lichida pe perete, panza, hartie, lemn. Tempera in Rus a creat picturi murale, icoane și modele pe articole de uz casnic. În timpul nostru, tempera este folosită în pictură și grafică, în arte și meșteșuguri și în artă și design.

Pictura în frescă decorează interioarele sub formă de compoziții monumentale și decorative aplicate pe tencuială udă cu vopsele pe bază de apă. Fresca are o suprafață mată plăcută și este rezistentă în condiții de interior.

Pictura pe ceară (encaustică) a fost folosită de artiștii Egiptului Antic, dovadă fiind celebrele „Portrete Fayum” (secolul I d.Hr.). Liantul din encaustic este ceară albită. Vopselele de ceară se aplică în stare topită pe o bază încălzită, după care sunt cauterizate.

Pictura în mozaic, sau mozaic, este asamblată din bucăți individuale de smalt sau pietre colorate și fixată pe un teren special de ciment. Smaltul transparent, introdus în pământ în diferite unghiuri, reflectă sau refractă lumina, determinând culoarea să clipească și să strălucească. Panourile mozaice pot fi găsite în metrou, în interioarele de teatru și muzee etc. Pictura cu vitralii este o operă de artă decorativă concepută pentru a decora deschiderile ferestrelor în orice structură arhitecturală. Vitraliul este alcătuit din bucăți de sticlă colorată prinse cu un cadru metalic puternic. Fluxul luminos, străpungând suprafața colorată a vitraliului, desenează modele decorative spectaculoase, multicolore, pe podea și pereții interiorului.

3. Știința culorii

Știința culorii este știința „culorii”, inclusiv cunoașterea „naturii culorii, culorilor primare, compuse și complementare, caracteristicile de bază ale culorii, contrastele culorilor, amestecarea culorilor, colorarea, armonia culorilor, limbajul culorilor și „cultura culorii”.

Culoarea este una dintre „proprietățile obiectelor lumii materiale, percepută ca o senzație vizuală conștientă. Una sau alta culoare este „atribuită” de către o persoană obiectelor în „procesul” percepției lor vizuale. „situații periculoase, scădere cu oboseala.

În „majoritatea covârșitoare a cazurilor, o senzație de culoare apare ca urmare a expunerii la” ochiul fluxurilor. radiatie electromagnetica din „gama lungimii de undă” în care această radiație este percepută de ochi (gamă vizibilă „- lungimi de undă de la” 380 la „760” nm). Uneori apare o senzație de culoare fără efectul unui flux radiant asupra „ochiului” - cu presiune pe „globul ocular”, șoc, stimulare electrică etc., și „de asemenea prin” asociere mentală cu „alte senzații” - sunet, căldură , etc. D., și „ca urmare a muncii imaginației. Diferite senzații de culoare sunt cauzate de obiectele colorate diferit, zonele lor” diferit iluminate, precum și „sursele de lumină și” iluminarea pe care o creează. În același timp, percepțiile culorilor pot diferi (chiar și cu aceeași compoziție spectrală relativă a fluxurilor de radiații) în funcție de dacă radiația intră în ochi din surse de lumină sau de la obiecte neluminoase. În „limbajul uman, totuși, aceiași" termeni sunt folosiți pentru a desemna culoarea acestor două tipuri diferite de obiecte. Proporția principală a obiectelor care provoacă senzații de culoare sunt corpuri neluminoase care reflectă sau transmit doar lumina emisă de surse. În „cazul general culoarea unui obiect se datorează următorilor factori: culoarea acestuia și „proprietățile suprafeței sale; proprietățile optice ale surselor de lumină și” mediul prin care se propagă lumina; proprietățile analizorului vizual și „trăsăturile procesului psihofiziologic încă insuficient studiat de procesare a impresiilor vizuale în” centrii creierului.

Concepte de bază în știința culorilor.

Culorile acromatice diferă între ele doar într-un singur fel - prin luminozitate (gri deschis sau gri închis). Culorile cromatice, pe lângă diferențele de luminozitate, sunt caracterizate de încă două caracteristici principale - nuanta de culoareși saturație.

Nuanța este ceea ce este definit de cuvintele „roșu”, „galben” etc. și ceea ce distinge cel mai mult o culoare de alta. Dar roșul poate fi roșu pur sau amestecat cu acromatic, cum ar fi gri. În același timp, va rămâne în continuare roșu - un amestec de gri nu își va schimba tonul de culoare. Dacă luăm un gri de aceeași luminozitate, atunci nici luminozitatea noului roșu „mixt” nu se va schimba. Cu toate acestea, culoarea va deveni în continuare diferită: a treia caracteristică se va schimba în ea - saturația. Din amestecul de acromatic, culoarea cromatică a devenit mai puțin saturată.

Deci, toate culorile cromatice sunt caracterizate de trei parametri - luminozitate, nuanță și saturație.

Culorile cromatice sunt împărțite în mod convențional în calde și reci. Caldul este partea galben-roșie a spectrului, iar rece este albastru-albastru. Aceste grupuri de culori și-au primit numele de cald și rece: unele - prin asociere cu culoarea soarelui și a focului, altele - prin asociere cu culoarea cerului, a apei și a gheții. violet şi culori verzi ocupă o poziție intermediară și în diverse cazuri specifice, în funcție de combinație, pot fi atribuite fie căldurii, fie frigului.

Dacă banda spectrală, în care toate culorile învecinate, schimbându-se treptat, trec una în alta, este luată și îndoită într-un inel, atunci acest inel nu se va închide, deoarece, așa cum sa menționat deja, între culorile extreme - roșu și violet - există o lipsă de tranziție - roșu-violet (magenta).

Dacă le adaugi, cercul se va închide. O astfel de roată de culoare ne va ajuta să înțelegem multe despre culori.

4. Tehnica guașă. tehnica acuarelei

Tehnica de pictură în acuarelă

Pe vremuri, acuarele erau scrise pe pergament din piele albită, pe plăci subțiri de fildeș, care se mai folosesc la miniaturi, pe țesături de in albite, iar mult mai târziu - pe hârtie. Acum acuarelele sunt scrise în mare parte doar pe hârtie.

Hârtia antică a fost făcută din fibre de in încă din secolul al XIV-lea și a fost foarte calitate bună. Începând cu secolul al XVII-lea, la fabricarea sa a început să fie folosit bumbacul, care este în mare măsură inferioară inului, iar calitatea hârtiei de atunci a început să scadă.

În prezent, se produc un număr mare de tipuri de hârtie. Este realizat nu numai din bumbac și in, ci și din materiale care nu au fost folosite anterior în aceste scopuri: lemn de conifere, paie. Dar cele mai valoroase materiale rămân încă inul și bumbacul. Pe lângă fibrele vegetale, multe tipuri de hârtie includ: gips, spatar, cretă, caolin, alumină apoasă, plumb alb și, de asemenea, pentru a o masca Culoarea galbena vopsea albastră: ultramarin și albastru prusian.

Masa de hârtie se lipește cu pastă de făină, amidon, lipici animal, gelatină (ultimele 2 sunt întotdeauna combinate cu alaun), colofoniu. Pe vremuri se folosea doar pasta de faina, cel mai potrivit material pentru aceste scopuri. Acum din ce în ce mai des folosiți gelatină. Hârtia lipită cu gelatină, sub influența umezelii, înflorește rapid și se pătă. La fabricarea hârtiei sunt folosite multe substanțe chimice, ale căror urme rămân adesea în hârtia finită și afectează în mod negativ cerneala care o acoperă.

Acuarela are nevoie de hârtie foarte bună. Hârtiile din lemn și din paie devin rapid maronii și se înnegrează la lumină, așa că sunt complet nepotrivite pentru pictura în acuarelă. Hârtia de bumbac nu are această proprietate negativă, dar este prost spălată și răzuită, iar vopseaua nu se află pe ea uniform.

Singura hartie potrivita pentru tehnica picturii in acuarela este hartia de in, care are o alb impecabil. Nu trebuie să absoarbă rapid apa, nu trebuie să conțină impurități substanțe chimice folosit la fabricarea sa. Pe o astfel de hârtie, vopseaua se așează uniform și capătă luminozitate, poate fi spălată și răzuită.

Pe suprafața hârtiei sunt foarte des urme de grăsime, care împiedică distribuirea uniformă a cernelii. Prin urmare, înainte de utilizare, hârtia trebuie spălată cu apă distilată cu câteva picături de amoniac. Hârtia de in îngălbenită poate fi ușor de albită dacă este spălată cu peroxid de hidrogen.

Tehnica picturii în acuarelă în complexitatea ei se apropie de tempera și chiar de frescă. De multă vreme existența acestei tehnici, tehnici și metode au apărut de la sine care facilitează munca. Deoarece orice hârtie, atunci când este umezită, se deformează, devine acoperită cu valuri, ceea ce interferează cu pictura, pentru a evita acest lucru, se obișnuiește să se întindă hârtia pe carton, o placă și, de asemenea, să se folosească o „ștermă”.

Pictură în acuarelă pură

Acuarela pură nu poate fi considerată decât aceea în care se folosesc toate resursele acestei tehnici: transparența culorilor, tonul alb translucid al hârtiei, ușurința și în același timp puterea și strălucirea culorilor. În tehnica acuarelei pure, albul este complet inacceptabil, rolul lor este jucat de hârtia în sine. Acest lucru face necesar să se păstreze cu grijă albul în locurile alocate evidențierilor etc., deoarece locurile înregistrate pe hârtie nu pot fi restaurate folosind alb, care se distinge întotdeauna de tonul hârtiei. Există o serie de abordări pentru a atenua această dificultate. Una dintre ele constă în răzuirea locurilor înregistrate pe hârtie cu o racletă specială („grattoire”) sau cu un cuțit. O astfel de operațiune poate fi efectuată numai pe hârtie uscată de bună calitate.

O altă metodă este aplicarea unei soluții lichide de cauciuc în benzină în zonele de salvat. După uscare, cauciucul este ușor îndepărtat de pe suprafața hârtiei cu o gumă de șters.

Vopselele de acuarelă aplicate subțire se schimbă la aproximativ o treime din rezistența lor inițială după uscare și acest lucru trebuie luat în considerare. În timpul funcționării, pentru umbrirea mai ușoară a culorilor învecinate, este util să umeziți hârtia de jos. Francezii numesc această metodă de lucru „travailler dans l'eau” (lucru în apă).

Pentru a încetini uscarea vopselelor, puteți folosi acuarela sau acuarela. În aceleași scopuri, în apa cu care se diluează vopselele se adaugă miere sau glicerină. Cu toate acestea, o cantitate mare din aceste substanțe poate afecta negativ acuarele. În mod ideal, un desen în acuarelă este cel mai bine făcut separat și apoi transferat pentru a nu strica suprafața hârtiei. Hârtia grasă face dificilă aplicarea vopselei.

Vopselele cu acuarelă pot juca, de asemenea, un rol de serviciu, de exemplu, în vopseaua de bază pentru pictura în ulei. Pe grunduri adezivi și emulsii, vopseaua acuarelă se așează uniform și bine și într-un strat atât de subțire încât nu schimbă deloc textura grundului și nu interferează cu pictura ulterioară în ulei.

Pictura guașă.

Această metodă străveche de pictură, reprezentând una dintre varietățile de acuarelă, a fost dezvoltată pentru prima dată în lucrările artistului Paolo Pino (1548). Pictura cu guașă este aproape ca aspect de pictura realizată cu tempera de gumă arabică, dar stratul său de vopsea este mai liber. Guașa este lipsită de transparență, deoarece vopselele sale sunt aplicate într-un strat mai gros decât în ​​acuarelă pură și, în plus, sunt amestecate cu alb. Pictura cu guașă se realizează fie cu vopsele speciale, fie lucrarea se efectuează după metoda guașă cu acuarele obișnuite cu alb adăugat. În ambele cazuri, scrierea pastă nu este permisă, deoarece un strat gros de guașă se crăpă ușor când se usucă.

Materiale pentru tehnica picturii în acuarelă

Palete și pensule.

Paletele pentru acuarele sunt realizate din porțelan alb sau faianță și au o suprafață netedă, strălucitoare. Servește în acest scop și metal, acoperit cu email alb. Adesea există și palete de plastic. Pentru a preveni ca suprafața uleioasă a paletei de plastic să adune vopsea în bălți, o puteți freca ușor cu suc de usturoi pentru a o degresa.

Pensulele pentru pictura în acuarelă sunt aplicabile numai din păr moale și elastic. Peria trebuie să fie moale și elastică în același timp. Acestea sunt perii kolinsky, veveriță, dihor. Peria trebuie să aibă o formă rotundă, iar atunci când este umezită, să ia forma unui con cu capătul perfect ascuțit.

Planșe și radiere.

Când lipiți hârtie pe tablă, ar trebui să îndoiți foaia 2-3 cm de-a lungul marginilor în direcția opusă față de față, astfel încât să arate ca un jgheab de hârtie. Apoi partea din față, pe care va fi pictura, trebuie umezită cu apă, iar marginile pliate trebuie lăsate uscate. Nu udați cu apă partea care va fi adiacentă plăcii, deoarece adezivul poate curge prin apă în partea opusă și lipiți foaia de tabletă, ceea ce va îngreuna îndepărtarea lucrării finite de pe tablă. Marginile îndoite sunt unse pe interior cu pastă de grâu, mai des cu lipici PVA, iar hârtia este așezată pe placă, iar marginile sunt lipite de părțile laterale ale acesteia. Aerul nu trebuie lăsat să pătrundă sub hârtie, altfel se va deforma când se usucă. De asemenea, nu trebuie să întindeți prea mult hârtia umedă, deoarece atunci când se usucă se întinde singură, iar valurile dispar de la sine; dar hârtia umedă supraîntinsă se poate crăpa. Este necesar să lipiți cu atenție marginile de tabletă, fără a face goluri. Altfel, va fi val în aceste locuri. Pentru lucrări mici folosiți radiere, care sunt de două tipuri. Una dintre ele este o placă obișnuită, care este introdusă într-un cadru de lemn. Hârtia este suprapusă pe tablă și pliată în jurul marginilor, după care placa este introdusă în cadru. Nu trebuie să folosiți niciun fel de lipici.

Al doilea tip este două rame din lemn care se potrivesc unul într-unul, ca un cerc de broderie. Hârtia este suprapusă pe un cadru mai mic și presată pe unul mai mare.

Salvarea acuarelelor.

Straturile subțiri de vopsea acuarelă sunt ușor de decolorat, iar liantul nu le protejează bine. Majoritatea vopselelor translucide nu sunt durabile de la sine.

Cu toate acestea, ei atrag prin frumusețea lor și, prin urmare, artiștilor le este dificil să se despartă de ei. Acuarela se teme de lumină. În lumină, culorile se estompează, iar hârtia își pierde din albul. Acuarelele trebuie păstrate în încăperi cu lumină moderată și aer uscat. Păstrarea acuarelelor în camere intens luminate este o barbarie naturală. Sunt păstrate sub sticlă (pictura nu trebuie să atingă sticla), unde sunt într-o anumită măsură protejate de influențele externe din partea din față, dar rămân neprotejate din interior.

Pentru o mai bună conservare a acuarelelor, au fost propuse metode greu de implementat în practică.

Una dintre ele este să așezi acuarela între două pahare sigilate.

Acest lucru protejează cernelurile care se estompează rapid, dar cernelurile care se înnegrează se înnegrează și mai repede.

De asemenea, se propune pomparea aerului din spațiul dintre două pahare sigilate, desigur, această metodă va da cel mai bun rezultat, dar este dificil de implementat în practică.

Uneori, acuarelele sunt lacuite cu șelac alb în alcool sau apă. Lacul protejează cu adevărat acuarela de umezeală, dă luminozitate vopselelor, totuși, acuarela acoperită cu lac capătă un aspect neobișnuit.

5. Desenarea din natura a unui grup de obiecte. Natura moartă în culoare

Desenarea din viață dezvoltă abilitățile de observare și dezvoltă abilitățile de desen la un copil. La urma urmei, desenând din viață obiecte de diferite dimensiuni, culori și forme, copilul exersează în compoziții de construcție.

Puteți desena din natură cu un creion, un creion și vopsele.

Prima etapă a desenului din viață este stabilirea subiectului pentru desen.

Pentru a facilita desenul, obiectul trebuie plasat în fața ta la o distanță de trei dintre dimensiunile sale.

Al doilea pas este schițarea acestor forme generale ale subiectului pe o bucată de hârtie, adică plasarea lor corectă.

A treia etapă este hașurarea umbrei obiectului reprezentat. Pentru artiști, această etapă se numește elaborare. Când acoperiți fundalul și subiectul cu culoare, nu uitați de umbră.

Desenul din viață ar trebui să înceapă cu obiecte simple. Să încercăm să desenăm o cutie din viață. Luați o cutie dreptunghiulară și puneți-o pe masă în fața dvs.

Să vedem câte dintre laturile sale vedem - o față sau și o husă? Să desenăm cutia așa cum o vedem de la noi.

Acum să terminăm desenul „legând” cutia cu panglică.

Când desenați din viață, din când în când este necesar să verificați corectitudinea imaginii, îndepărtându-vă de desen cu 2-3 metri.

Natura moartă în culoare.

Natura moartă este considerată unul dintre cele mai dificile genuri. Totuși, același lucru se poate auzi despre toate celelalte genuri, dar faptul că natura moartă este genul cel mai creativ este de netăgăduit. Pentru a fotografia sau picta naturi moarte, ai nevoie de inspirație. Pentru că, spre deosebire de altele, într-o natură moartă nu există inițial niciun obiect pentru fotografiere. Mai simplu spus, nu ai nimic de împușcat sau de desenat până când tu însuți nu vii cu un complot în imaginația ta și apoi îl creezi în realitate. Este necesar să selectați „participanți”, să construiți o compoziție din ei, să vă gândiți la opțiunile de iluminare și să setați lumina, ținând cont de nuanțe precum mediul în care se află compoziția, interacțiunea obiectelor între ele și mediu, compatibilitatea lor în culoare, textură, dimensiune și, ei bine, multe altele. Acestea. procesul de creare a unei naturi statice include nu numai fotografia ca atare, ci și crearea unui complot. Prin urmare, genul naturii moarte poate fi numit în siguranță creativitate în pătrat.

Concluzie

În concluzie, să rezumam cele de mai sus:

Pictura este împărțită în monumentală, decorativă, teatrală și decorativă, miniatură și șevalet.

După tehnică și mijloace de execuție, pictura se împarte în ulei, tempera, frescă, ceară, mozaic, vitraliu, acuarelă, guașă, pastel.

În pictura modernă, există următoarele genuri: portret, istoric, mitologic, luptă, viața de zi cu zi, peisaj, natură moartă, gen animal.

Pictura istorică este o imagine a anumitor momente istorice, precum și a unor figuri ale vieții publice din trecut.

Pictura de luptă își propune să surprindă bătălii, bătălii și războaie. Pictura mitologică înfățișează evenimente descrise în mituri, epopee și legende.

Pictura de zi cu zi (de gen) este o imagine a scenelor din viața reală, realitățile și atributele sale.

Pictura de peisaj (peisaj) este o imagine a naturii naturale sau a oricărei zone.

Pictura portret este o reprezentare artistică a unei persoane. Un tip specific de portret este autoportretul.

O natură moartă este o imagine a diferitelor obiecte neînsuflețite, de exemplu, fructe, flori, obiecte de uz casnic, ustensile, plasate într-un mediu gospodăresc real și organizate compozițional într-un singur grup.

Bibliografie

1. Batrakova SP Artista secolului XX. și limbajul picturii. M., 1996.

2. Vipper B.R. Introducere în studiul istoric al artei. M., Arte vizuale, 1985

3. Arta occidentală a secolului XX. Moștenire clasică și modernitate. M, 1992.

4. Istoria artei străine. M., Arte vizuale, 1984

5. Istoria artei mondiale. Ediția a III-a, Editura Academiei, M., 1998.

6. De la constructivism la suprarealism. M., 1996.

7. Polyakov V.V. Istoria artei mondiale. Artele vizuale și arhitectura secolului XX. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Culturologia: teoria și istoria culturii: Tutorial. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Arta occidentală contemporană. Secolul XX: probleme și tendințe. M., 1982.

10. Suzdalev P. Despre genurile picturii. // Creativitate, 2004, Nr. 2, 3. P. 45-49.

Găzduit pe Allbest.ru

...

Documente similare

O scurtă trecere în revistă a istoriei encausticii. Luarea în considerare a caracteristicilor acestei tehnici de pictură în arta antică egipteană, greacă și romană. Encaustica în lumea modernă. Utilizarea energiei electrice pentru dezvoltarea picturii în ceară monumentală și de șevalet.

rezumat, adăugat 22.01.2015


Studiul caracteristicilor lui Khokhloma, pictură decorativă pe produse din lemn. Palekh este un tip de pictură populară rusă în miniatură pe lac din hârtie pe bază de hârtie. Pictură decorativă în ulei pe tăvi metalice. Executarea tabloului Gorodets.

prezentare, adaugat 29.11.2016


Studiu al reprezentanților școlii italiene de pictură. Caracterizarea trăsăturilor principalelor tipuri de arte plastice: șevalet și grafică aplicată, sculptură, arhitectură și fotografie. Studiul tehnicilor și metodelor de lucru cu vopsele în ulei.

lucrare de termen, adăugată 15.02.2012


Analiza aspectelor istorice ale apariției și dezvoltării picturii în miniatură lac în Rusia. Principalele teme ale genului de vânătoare. Etapele lucrării la realizarea unei compoziții pe tema „Vânătoarea de rațe”. Dezvoltarea unei secvențe tehnologice pentru pictarea unei cutii.

teză, adăugată 29.07.2012


Istoria dezvoltării acuarelei în Europa și Rusia. Materiale, echipamente și instrumente de pictură în acuarelă, caracteristici principalelor sale tehnici: lucru „umed”, tehnica „A La Prima”, acuarelă „uscata” într-un singur strat, acuarelă multistrat (glazură).

rezumat, adăugat 06.09.2014


Studiul evoluției istorice și al formării gravurii. Caracteristicile tehnicilor de proiectare și metodelor de imprimare la mijlocul secolului al XVIII-lea. Descrieri ale gravurilor monumentale, de șevalet și decorative. Analiza lucrării gravorilor ruși M. Makhaev, I. Sokolov.

lucrare de control, adaugat 11.09.2014


Formarea abilităților de desen din natură. Învățarea tehnicii de desen a unei frunze de toamnă de arțar în acuarelă „umedă”. Etapele desfășurării lucrărilor în culoare. Căutarea generală și rafinarea compoziției. Elaborarea principalelor volume ale formelor subiectului. Se lucrează la detalii.

desfasurarea lectiei, adaugat 06.11.2016


Studiul caracteristicilor dezvoltării picturii chineze a dinastiei Song. Caracteristicile picturii perioadelor Song nordic și sudic. Reflectarea principiilor ideologice ale budismului Chan în pictura de peisaj din această perioadă. Influența învățăturilor confucianiste asupra picturii Sung.

lucrare de termen, adăugată 27.05.2015


Determinarea trăsăturilor Renașterii. Luarea în considerare a caracteristicilor picturii, arhitecturii și sculpturii acestei epoci, principalii autori. Studiul unei noi priviri asupra unui bărbat, a unei femei în artă, dezvoltarea puterii de gândire și a interesului pentru corpul uman.

rezumat, adăugat la 02.04.2015


Rafael Santi și eforturile sale creative. Conceptul de pictură monumentală ca gen de arte plastice. Analiza comparativă a lucrărilor de pictură monumentală de Raphael Santi. Metode de pictură pe exemplul frescelor „Disputa despre comuniune” și „Școala din Atena”.