1900-luvun tultua ja tähän aikakauteen liittyvän edistyksen myötä myös maalauksessa on hahmoteltu vakavia muutoksia. Taiteilijoiden prioriteetti oli konstruktivismi, symboliikka, selkeä yksityiskohtien näyttäminen. Maalarit luopuivat figuratiivisuudesta, allegorioista ja sumeudesta. Heidän maalauksistaan ​​tuli teknisiä, suunnitelman oikealla asetuksella ja ääriviivojen selkeydellä.

Modernismin aikakauden maalaukselle tunnusomaisia ​​pareja olivat ”litteät” kuvat, sileät viivat, ”matto”-ornamentti ja tasainen tausta. Usein käytettyjä "kasvillisia" motiiveja, jotka kudottiin oudoksi kuvioksi, virtaamalla ihmisten ja eläinten hahmoihin.

D olet tahitilainen. Paul Gauguin

Käsitteen "modernistiset suuntaukset" alla maalauksen alan asiantuntijat yhdistävät useita suuntauksia.
Symbolismi on tyyli, joka ammentaa inspiraatiota aikakauden kuvista. Tämän suunnan taiteilijat kääntyvät mystiikan, fantasia, henkisyyden teemoihin. Heidän tehtävänsä on leikkiä symbolilla, allegorisella ajatusten ja tunteiden ilmaisulla fantastisten ja esoteeristen symbolien kautta. Symbolismin edustajia olivat P. Gauguin, E. Munch.

Fauvismi - käännetty ranskasta fauve - villi. Aikalaiset kutsuivat tämän tyylin kannattajia - villit taiteilijat. Tämän suuntauksen maalaukselle oli ominaista kirkkaat väripisteet, värien kontrasti, korotetut muodot. Matisse oli tämän suuntauksen näkyvä edustaja. Kun häneltä kysyttiin naisen ruumiinosien epärealistisista väreistä, hän sanoi: "En piirrä naisia, vaan kuvia."

fauvismi

Futurismi. Nimi tulee sanasta "futurum", joka tarkoittaa "tulevaisuutta". Tämän suunnan taiteilijat kääntyvät teollisen aikakauden kuviin ja suurkaupunkien dynamiikkaan. Heidän sävellyksensä ovat kaoottisia, niiden teemat ovat teknisen kehityksen ylivoima ihmiseen nähden.

Futurismi

Modernin aikakausi on moniselitteinen aika. Tämä on taidetta, joka ei ole massoille kovin selkeää, joskus liian korkeaa ja kaukana elämästä. Heidän hakunsa julkisesti ja sosiaalinen elämä, näytti usein kuumeelta. Kuitenkin tänä aikana monia nimiä todella ilmestyi horisontissa. lahjakkaita taiteilijoita, jonka teoksista nykytaiteilijat oppivat.

1900-luvun alun yhteiskunnassa modernisteja pidettiin vallankumouksellisina. He kapinoivat taiteen vuosien varrella kehittyneitä perinteitä ja yleisesti hyväksyttyjä kanoneja vastaan.

Kuuluisia modernistisia taiteilijoita: Mikhail Vrubel, Henri Matisse, Alphonse Mucha, Henri Rousseau, Amedeo Modigliani, Gustav Klimt.

KAKSOISET KUVAT (OSA 4 - VENÄJÄN MODERNITAITEILIJA)

VENÄLÄISET MODERNITAITEILIJAT.

Hieman taidehistoriaa:

Ajallisesti lyhytaikainen venäläisen jugend on jättänyt meille upeita esimerkkejä kansallisesta arkkitehtuurista, monumentaalisesta, koristeellisesta ja sovellettu taide, maalaus, veistos, grafiikka, skenografia, printit, puvut, astiat, hämmästyttävän kauniita koruja.

Uusi moderni tyyli alkoi muotoutua 90-luvulla. 1800-luvulla Euroopassa.
Sen ideologi A. Van de Velde kirjoitti vuonna 1894: "...taiteilijoista, jotka tunnettiin tähän asti "dekadentteina", on tullut taistelijoita, jotka ryntäsivät uuden, lupaavan uskonnon virtaan."

Art Nouveau syntyi syvän tyytymättömyyden ilmapiirissä olemassa olevaan taiteeseen. Romantiikka, joka aikoinaan lupasi paljon, on jäänyt vain kauniiksi esteettiseksi utopiaksi.
Vakiintuneen perinteen mukaan jugendta pidetään usein joko liian muodollisesti ornamenttijärjestelmänä tai liian "filosofisesti" A. Bergsonin, 3. Freudin, F. Nietzschen, T. Lippin ajatusten projektiona taiteeseen.
Molemmat ovat vääriä. Art nouveau ei rajoitu dekoratiivisuuteen, sen omaperäisyys piilee siinä, että hän itse oli "taidefilosofia", ilmaistuna hieman monimutkaisella symbolismin kielellä.

Art Nouveau tarjosi suurenmoisen "perestroikan" - taiteen. Paljon kuitenkin osoittautui toteutumatta, ja merkittävintä on, että tämä tyyli ei kestänyt kauan, vain noin 10-15 vuotta. Siksi jugend on säilynyt taiteen historiassa ainutlaatuisten esimerkkien sarjana, jolla on pääsääntöisesti paradoksaalinen luonne.

Moderni alkoi vuonna erilaisia ​​tyyppejä taidetta ja alkoi epäjärjestelmällisesti; hänen ensimmäiset askeleensa näkyvät P. Gauguinin keramiikassa ja J. Seuratin maalauksissa ja
O. Rodinin "Danaide" ja A. Gaudin arkkitehtuurissa ja J.
Whistler, ja M. Vrubelin luonnoksissa - 80-luvun teoksia. 1800-luvulla
Jo 90-luvulla. Art Nouveau keskittyy tietoisesti kaiken taiteen tasa-arvoon. Art Nouveau oli pohjimmiltaan suuntautunut taiteilijan universaaliin lahjakkuuteen; hänen työnsä sisällä eri tyyppejä taide oli erittäin tervetullutta.
Siksi arkkitehti toimi maalarina ja koristekäsityön mestarina; taidemaalari harjoitti kuvanveistoa (muistakaamme van de Velden, C. R. Mackintoshin, Nabi-ryhmän taiteilijoiden M. Vrubelin, S. Wyspianskyn, A. Maillolin, G. Guimardin yleismaailmallista toimintaa). Nämä mestarit ajattelivat luovasti synteettisesti, ja tämä oli heidän menestyksensä avain.

Venäjällä jugendia edusti taiteellinen yhdistys "World of Art", joka perustettiin 1890-luvun lopulla.

B. M. Kustodiev. Ryhmäkuva World of Art -yhdistyksen jäsenistä. 1916-1920. Venäjän museo, Pietari

"Taiteiden maailman" perustajat olivat taiteilija A. N. Benois ja teatterihahmo S. P. Diaghilev. Yhdistyksen ytimen muodostivat lukion K.I.Mayan valmistuneet. Tämä yhdistys ilmaisi itsensä äänekkäästi järjestämällä "Venäläisten ja suomalaisten taiteilijoiden näyttelyn" vuonna 1898 Baron A.L.:n Piirustustekniikan keskuskoulun museossa. Stieglitz.
Yhdistykseen kuuluivat taiteilijat L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva ja K. A. Somov.
Sellaiset mestarit kuin I. Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov, M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov.
Klassinen ajanjakso yhdistyksen elämässä osui vuosille 1900-1904 - tähän aikaan ryhmälle oli ominaista esteettisten ja ideologisten periaatteiden erityinen yhtenäisyys. Taiteilijat järjestivät näyttelyitä World of Art -lehden suojeluksessa. Vuoden 1904 jälkeen yhdistys menetti ideologisen yhtenäisyytensä ja vuonna 1924 se hajosi.
Tein valikoiman maalauksia-kaksosia "taidemaailmasta" erityisesti La belle epoquelle, jonka jugendaika vei mukanaan.

Konstantin Somov
italialainen komedia
Molemmat maalaukset on maalattu vuonna 1914. Ensimmäinen maalaus on yksityisessä kokoelmassa. ja toinen kirjoitettiin World of Art -huutokauppaa varten ensimmäisen maailmansodan haavoittuneiden hyväksi ja on nyt tallennettu kansalliseen taidegalleria Armenia Jerevanissa.

Konstantin Somov
Harlekiini ja nainen
Ensimmäinen kuva vuodelta 1912 (Tretjakovka), toinen - 1921 (Venäjän museo, Pietari)

Valentin Serov
Odysseus ja Nausicaa
Molemmat maalaukset on maalattu vuonna 1910, ensimmäinen on Tretjakovin galleriassa, toinen Venäjän museossa. Koon lisäksi ne eroavat yksityiskohdista.

Konstantin Somov
Rakastajat (posliini)
Molemmat hahmot on valmistettu vuonna 1905, toinen säilytetään Posliinitehtaan museossa. Lomonosov Pietarissa, toisen sijaintia ei tiedetä (todennäköisimmin yksityisessä kokoelmassa).

Konstantin Somov
Suudella
Ensimmäinen versio kirjoitettiin vuonna 1914 ( yksityinen kokoelma), toinen - vuonna 1918 "Marquise Book" -kirjan kuvituksena.

MUITA KUVIA KOMMENTTEISSA...

AT myöhään XIX sisään. näkyy taiteessa uusi tyyli, jonka kannattajat yrittävät etääntyä historismista ja eklektiikasta nykytaide. Tätä tyyliä kutsuttiin moderniksi (latinalaisesta modernuksesta - uusin, moderni).

Art nouveau ilmeni selkeimmin arkkitehtuurissa, kirjasuunnittelussa ja julistetaiteessa. Hän kosketti myös kuvanveistoa ja maalausta.

Ensimmäistä kertaa uusi tyyli julisti itsensä Englannissa. Muissa Länsi-Euroopan maissa jugend muotoutui 1880-luvulla. Ranskassa sitä kutsuttiin nimellä "Art Nouveau", Saksassa - "Jugendstil", Itävallassa - "Secession", Italiassa - "Liberty", Espanjassa - "Modernismo", Puolassa - "Secession".

Tällaisen taiteen esiintyminen määräsi suurelta osin W. Morrisin, J. Ruskinin, prerafaeliitin ja englantilaisten graafikkojen W. Blaken ja W. Cranen työn.

Art nouveau -maalausta leimaa ulkoinen koristeellisuus, tyylitelty, tasomainen ornamentiteetti. Usein taiteilijat töissään käyttivät kasvimotiivit. Näennäisesti kuihtuneet eksoottisten kasvien varret, lehdet ja kukat punottiin oudoksi kuvioksi, jossa toisinaan esiintyi naisten tai fantastisten olentojen hahmoja. Tasaiset ääriviivat, pitkänomaiset hahmot, yhdistävät väritasot (usein yksiväriset) tekivät kuvasta erittäin tehokkaan. Tällaisten ominaisuuksien ansiosta symbolistit käyttivät usein jugendista kuvakieltä ideoidensa ja kuviensa ilmentämiseen.

Sellaisten nimet kuuluisia taiteilijoita kuten P. Gauguin, P. Bonnard, M. Denis, E. Vuillard, P. Serusier Ranskassa, E. Munch Norjassa, F. Hodler Sveitsissä, G. Klimt Itävallassa, F. von Stuck Saksassa.
Art nouveaun näkyvä edustaja kirjagrafiikassa oli O. Beardsley.

Aubrey Beardsley

Aubrey Vincent Beardsley syntyi vuonna 1872 varakkaaseen englantilaiseen perheeseen. Vuonna 1891 hän tuli F. Brown Westminster Art Schooliin. Vapaa-ajallaan nuori taiteilija kävi Lontoon museoissa ja gallerioissa. Hän teki suuren vaikutuksen A. Durerin, Michelangelon, S. Botticellin taiteesta. Beardsleyä ihailivat erityisesti A. Mantegnan kaiverrukset, joista hän teki kopioita.

Merkittävä vaikutus muodostumiseen taiteellinen tyyli Beardsley sai vaikutteita japanilaisesta kaiverruksesta, 1700-luvun ranskalaisten maalareiden työstä. ja esirafaeliitin E. Burne-Jonesin teoksia. Hieman myöhemmin hänen huomionsa kiinnittivät C. Lorrainin, A. Watteaun, P. Prudhonin, J. Callotin ja G. Moreaun työt.

Vuoden 1891 lopulla Beardsley sai todellista mainetta. Tämän ajanjakson suurin teos oli kuvitussarja John Dentin The Tales of King Arthuriin. Samana vuonna taiteilija tapasi E. Burne-Jonesin, jonka taidetta hän aina ihaili.

Vuodesta 1893 Beardsley on työskennellyt kuvien parissa aikakauslehtiin, joista osa julkaistaan ​​hänen johdolla (The Yellow Book, 1894-1895, yhdessä H. Harlandin kanssa; The Savoy, 1896, yhdessä A. Simonsin kanssa), ja myös luo piirustuksia kirjoihin (kuvitukset T. Maloryn "Arthurin kuolemaan" 1893-1894; O. Wilden "Salomeen", 1894; E. Poen tarinoihin; A:n "The Rape of the Lukon" . Puop, 1896; sketsi romaanin "Skenes" kannelle ja aloitusnäytölle pariisilaista elämää» O. Balzac, 1897; kuvitukset B. Johnsonin "Volponelle", 1897). Näissä hieman kevytmielisissä ja eleganteissa teoksissa on havaittavissa 1700-luvun ranskalaisen kaiverruksen vaikutus.

Suosion mukana Beardsley tulee aineellista hyvinvointia. Mutta tämä ei pelasta häntä vakavalta sairaudelta - tuberkuloosilta, joka on kiusannut taiteilijaa lapsuudesta lähtien. Tästä johtuu syvä tragedia, joka vallitsee Beardsleyn kuvituksissa Poen teokseen The Fall of the House of Escher.

Beardsleyn eroottiset piirustukset " tositarina Lucian" aiheuttaa kaunaa virallisissa piireissä. Nämä kuvitukset vuonna 1895 olivat syynä taiteilijan poistumiseen Keltaisesta kirjasta.

Vuonna 1896 Beardsley meni hoitoon Ipsomissa sijaitsevaan lomakeskukseen. Samana vuonna hän luo erittäin nokkelat ja eroottiset kuvitukset Aristophanesin Lysistrataan sekä Juvenalin satiiriin. Kaksi vuotta myöhemmin kuoleva taiteilija anoo kustantajaa tuhoamaan kevyet piirustukset, mutta onneksi jälkimmäinen ei noudattanut pyyntöä ja pelasti meille englantilaisen graafikon upeat luomukset.

O. Beardsley. Savoy-lehden kansi. 1896
O. Beardsley. WC. Kuvitus A. Puopin runoon "Kiharan sieppaus". 1896

Useissa Beardsleyn teoksissa on havaittavissa kiinnostusta uskonnollisiin ja mystisiin aiheisiin. Intohimo okkulttisia tieteitä kohtaan heijastui piirroksessa, jota kirjoittaja kutsui "About the Neophyte, eli kuinka hänet vihittiin mustaan ​​magiaan demoni Asomuelin toimesta" (1893). Demonin nimen, joka persoonallisti unettomuutta, keksi Beardsley itse.

Yhtä salaperäinen on piirustus "Kiss of Judas" (1893), joka todistaa taiteilijan kiinnostuksesta ihmisen henkiseen, sisäiseen maailmaan. Samat aiheet ovat läsnä muissa Beardsleyn teoksissa.

Aubrey Beardsley, joka eli hyvin lyhyt elämä(hän kuoli vuonna 1898), jätti syvän jäljen eurooppalaista taidetta. Hienostuneet ja hauraat, mutta samalla ironiset ja eloisat englantilaisen grafiikan piirustukset vaikuttivat suuresti seuraavien sukupolvien mestareihin.

Gustav Klimt

Gustav Klimt, itävaltalainen taidemaalari, graafikko ja sisustaja, wieniläisen jugendtyylin merkittävä edustaja, syntyi vuonna 1862 Wienissä.

Vuosina 1876-1883. Klimt opiskeli Wienin taidekäsityökoulussa taidemaalari F. Laufbergerin johdolla. Hänen ensimmäiset maalauksensa ovat historiallisia sävellyksiä, jotka heijastelevat akateemisen taiteen vaikutusta.

Yhdessä H. Makartin kanssa Klimt harjoitti monumentaalista maisemaa. Tällaisten teosten joukossa on maalauksellinen paneeli Wienin taidehistorian museon portaista (1891). Tämä teos, kuten 1890-luvun allegoriset sävellykset. ("Rakkaus", 1895), muistuttaa symbolististen taiteilijoiden J. Tooropin ja F. Knopfin maalausta.

Secession, taiteilijoiden ja arkkitehtien yhdistys, joka hylkäsi akateemisen taiteen perinteet, oli tärkeässä roolissa wieniläisen jugendin (jugend) kehityksessä. Vuonna 1897 Klimtistä tuli Secessionin presidentti. 1900-luvun alussa taiteilija toteutti kulttuuriministeriön tilauksen, ja loi kolme monumentaalista paneelia Wienin yliopiston kokoussaliin ("Filosofia", 1900; "Lääketiede", 1901; "Jurisprudence", 1903). Valitettavasti kaikki kolme paneelia tuhoutuivat toisen maailmansodan aikana. Näissä teoksissa jugendiset piirteet ilmenivät selvästi: epäsymmetrisyys sävellysrakenne, hassu, muistuttaa monimutkaista koristetta, jossa alastomia ihmiskehoja on kudottu yhteen. Klimtin teosten pelkkä eroottisuus ja niihin vallitseva pessimistinen henki saivat syyn yliopiston professorien hylkäämiseen.

Klimt esiintyy kypsänä taiteilijana, jolla on vakiintunut kirjoitustyyli teoksessa The Beethoven Frieze (1902), joka sisältyi Secession-rakennuksen monumentaaliseen kokonaisuuteen. Tämä teos ilmaisi mestarin yritystä tulkita Beethovenin yhdeksättä sinfoniaa kuvallisten ja allegoristen kuvien avulla. "Beethoven Friezen" pitkänomaisten hahmojen rytmi muistuttaa muuttuvaa tempoa pala musiikkia. Maalauksissa kuvattujen ihmisten vaatteet sekä tausta on peitetty omituisilla koristelinjoilla ja kullalla ja hopealla kimaltelevilla väreillä. Brysselin Stocletin palatsin ruokasalin mosaiikki, jonka Klimt loi vuonna 1911, on tehty samalla tyylillä.

Klimtin 1900-luvulla maalaamille maalauksille on ominaista yhdistelmä ihmishahmojen kolmiulotteista mallinnusta tasomaiseen ornamentiikkaan. Taiteilija peittää alaston ihmiskehon osia kirkkailla mosaiikeilla ja kultaisilla kuvioilla. Kasvot ja vartalot näyttävät näkyvän spiraalien läpi, geometrisia kuvioita, hassuja kukkia ja eksoottisten kasvien varsia. Maalaukset "Judith" (1901), "The Kiss" (1907-1908), "Three Ages" (1908), "Salome" (1909) toteutettiin tällä tavalla.

G. Klimt. Judith. 1901
G. Klimt. Kolme ikää. 1908

1910-luvulla Klimtin maalaus muuttuu jonkin verran: kullan runsaus katoaa, ilmaisu ilmaantuu kuviin. Tällaisia ​​ovat symboliset sävellykset "Girl" (1913), "Bride" (1917-1918).

Klimtin maisemat toteutettiin myös jugendtyyliin (Unikkopelto, 1907; Palatsi veden äärellä, 1908; Puistokuja, 1912).
Gustav Klimt kuoli vuonna 1918 Wienissä.

Myös saksalainen taiteilija M. Klinger työskenteli art nouveau -tyyliin.

Max Klinger

Saksalainen taidemaalari, graafikko, kuvanveistäjä Max Klinger syntyi Leipzigissä vuonna 1857. Hän opiskeli Leipzigin taidekoulussa kuuluisan mestari F. Brouwerin johdolla. Vuosina 1874-1875. hän jatkoi opintojaan Karlsruhessa Taideakatemiassa K. Gussovin johdolla, ja vuonna 1876 hän alkoi opiskella Berliinin akatemiassa. Asui ja työskenteli Leipzigissä Berliinissä. Vuonna 1879 hän vieraili Karlsbadissa, Münchenissä, Brysselissä, missä hän opiskeli E. H. Woutersin työpajassa.

Vuodesta 1881 lähtien taiteilija asui Berliinissä ja vuodesta 1883 - Saksan pääkaupungin läheisyydessä Villa Albersissa. Vuonna 1867 Klinger vieraili yhdessä A. Böcklinin kanssa Pariisissa ja vuosina 1886-1889. - Italia. Vuonna 1892 hänestä tuli yksi Berliinin taiteilijayhdistyksen perustajista, ja myöhemmin hän liittyi Münchenin Secessioniin. Vuodesta 1897 Klinger on toiminut grafiikan professorina Leipzigin taideakatemiassa.

Taiteilijan varhaisia ​​töitä leimaa akateemisen maalauksen vaikutus. Näinä vuosina (1870-luvun lopulla) hän maalasi maalauksia antiikki- ja historiallisista aiheista ("Putoaminen seinällä", 1878; "Keisarin kuolema", 1879).

1880-luvulla Klinger alkoi luoda teoksia, joilla oli symbolinen sisältö. Siitä lähtien allegoriset tai fantastiset kuvat ovat vallinneet hänen maalauksessaan ("Meren jumala surffauksen aallossa", 1884-1885). Hänen maalauksensa muistuttavat G. von Maren, A. Böcklinin, A. Feuerbachin kankaita. Feuerbachin taiteen läheisyydestä kertoo mm. Klingerin vuonna 1880 tehty "Missio". Taiteilija kuvasi kankaalleen naturalistisesti ja hieman teatraalisesti meren rannalla istuvan alaston naisen, jonka vieressä seisovat korppi ja haikara.

Klingerin maisemat "Ilta" (1882), "Mountain Gorge" (1884), "Summer Landscape" (1884-1885) on tehty pitkänomaisen paneelin muodossa (mikä on hyvin tyypillistä symbolistiselle maalaukselle).

Taiteilijaa on aina kiinnostanut teema maallisen elämän ohimenevyydestä ja kuoleman väistämättömyydestä. Tällaiset aiheet kiehtoivat usein paitsi nykytaiteilijoita myös menneiden aikakausien mestareita. Renessanssitaiteen hengessä maalattiin maalaukset "Tombstone Lament" (1890), "Ristiinnaulitseminen" (1890). Legenda kultakaudesta - ajasta, jolloin kaikki ihmiset olivat onnellisia ja elivät sopusoinnussa luonnon kanssa - heijastui Klingerin teoksiin kuten "Sininen tunti" (1890), "Kevät" (1891-1892), triptyykki. "Muistoja Pariisista" (1908). Nämä kankaat näyttävät katsojalle kauniiden nuorten miesten ja naisten hahmoja, jotka persoonallistivat menneitä aikoja. Triptyykin "Muistoja Pariisista" alaosan taiteilija koristeli veistoksellisilla koristeilla, mikä ilmaisi ajatusta erilaisten taiteiden yhdistämisestä, mikä on luontaista symbolismin estetiikassa.

Erittäin kiinnostava on toinen Klinger-triptyykki - "Kristus Olympuksella" (1897). Taiteilija puuttuu antiikin aikakauden kristillisen historian sankareihin ja asettaa jumalallisen periaatteen etusijalle. Tämä teos todistaa tekijän maalaustekniikoiden muutoksesta: nyt pääosa kuvan luomisessa leikkivät ääriviivat ja väripisteet, joiden avulla Klinger mallintaa tilavuuksia.

Etsii uusia taiteellisia keinoja heijastuu Klingerin veistoksellisiin teoksiin, joissa mestari yhdistää erilaisia ​​marmorityyppejä kultaan, norsunluun; peittää veistokset maalilla (Salome, 1893; Beethoven, 1902).

Merkittävä paikka Klingerin työssä on graafisia töitä: julisteita "Secession" -näyttelyihin ja kauniisiin kaiverruksiin (sarja "Glove", 1881).

Taiteilija kuoli vuonna 1920. Hänen työllään oli suuri rooli jugendtyylin kehityksessä.

Kuten edellä mainittiin, moderni elämä liittyy läheisesti symboliikkaan. Monet art nouveau -tyylillä työskennelleet taiteilijat työnsä eri vaiheissa pitivät symbolismista.

Jokaisessa taidemuodossa on mahdollista, vaikkakin ehdollisesti, soveltaa yhteisiä piirteitä, tiettyjä yhteisiä juonia ja motiiveja. Joten nykyaikaisuudessa, jokaiselle kansalliskoululle omat ominaispiirteensä, ilmenee kuitenkin vallitseva vetovoima omaan juoni-, motiivi- tai teemapiiriinsä, vaikka tämä ympyrä tuleekin varmasti olemaan lähellä toista.

Art nouveau -taiteilijat eivät tienneet mitään itämaisen taiteen syvällisestä olemuksesta. Heillä ei ollut tarkkoja käsityksiä itämaisesta filosofiasta, mutta jollain intuitiivisella, sisäisellä tavalla he tunsivat itämaisen taiteen olemuksen. Art nouveau -taiteilijoiden ansio on siinä, että he näkivät itämaista kauneutta ja onnistuivat välittämään tämän syvän tunteen teoksissaan omituisella tavalla.

Modernin tyylin pääpiirteet voidaan tunnistaa "elämän filosofiaan": "kasvun idea, ilmentyminen elinvoimaa, impulssi, suora, tiedostamaton tunne, sielun tilan suora ilmaus, herääminen, muodostuminen, kehitys, nuoriso, kevät. Esimerkiksi saksalaisessa maalauksessa löydämme lukemattomia "pyörteitä", "tansseja", "bacchanalia", joissa tämä biologismin ajatus voidaan paljastaa melko riittävästi, ja tähän ajatukseen lisätään myös mytologinen periaate. Erityisen usein kaikkia näitä motiiveja käsittelivät jugendstil-mestarit, muun muassa F. von Stuck (1863-1928), L. von Hoffmann (1852-1932), G. von Habermann (1849-1929). Ja muut kansallisia kouluja löydämme monia tällaisia ​​motiiveja. Muista "Whirlwind" F.A. Malyavin (1869-1940), tanssiaiheet S.V. Maljutina (1859-1937), A.N. Benois (1870-1960) ja muut".

Art nouveaun pääpiirteet maalauksessa ovat inhimillisten intohimojen näyttäminen: esimerkiksi suudelma-aihe oli suosittu. Kuuluisa P. Behrensin "Kiss" oli yksi ensimmäisistä ratkaisuista tähän aiheeseen. Asetettuaan keskelle kaksi yhteen sulautunutta päätä, taiteilija kietoi ne hiuksiin, muuttaen ne kuvioiksi, koristeeksi. Klimt pyrki samannimisessä maalauksessa tasapainottamaan impulssia ja abstraktia dekoratiivisuutta. Naisen kasvot, jotka on käännetty suoraan katsojaan, ilmaisevat intohimoa suoraan ja suoraan.

Hyvin usein taiteilijat kuvaavat nuoria sankareita tällä tavalla, F. Hodler (1853-1918) korosti maalauksessa "Kevät" tunteiden heräämisen ja elinvoiman muodostumisen motiivia. "Parafraasi Hodler-teemasta oli yksi K.S. Petrov-Vodkin - "Nuoriso". Kohtaamme jatkuvasti nuoria sankareita Hoffmannin teoksissa.

Erilaisten "elävien" muotojen yhdistelmä ilmenee usein satyyrien, kentaurien, sfinksien kuvauksessa. Tälle tyylille on ominaista kuva villieläinten osista: kukka, lehti, lintu, perhonen, jotka toimivat tiettynä käsitteenä, symbolina. Erityisesti suosikkilintuja olivat joutsen ja fasaani: yksi tuhon symboli, toinen - auringonpaiste. Jugendtyylin vallitsevia aiheita ovat myös unikot, iirikset, liljat ja muut kasvit, käärmeet, liskot, joutsenet, aallot. Näennäisesti kuihtuneiden eksoottisten kasvien varret, lehdet ja kukat on kudottu omituisiksi kuvioiksi, joissa toisinaan esiintyi naisten tai fantastisten olentojen hahmoja.

Jugendmaalauksen ekspressiivisuus saavutettiin toisinaan yhdistämällä suuria väritasoja (Venäjällä L.S. Bakst, Norjassa E. Munch) tai hienosti vivahteista yksiväristä (M.A. Vrubel, A.N. Benois). Paradoksaalinen yhdistelmä koristeellista konventionaalisuutta, koristeellisia mattotaustoja sekä veistoksellisella selkeydellä ja käsin kosketeltavalla muokattuja etualalla olevia hahmoja ja henkilöitä (G. Klimt Itävallassa, F. Knopf Belgiassa, M.A. Vrubel Venäjällä) on tunnusomaista jugendmaalaiselle maalaukselle. Syvyyden tai perspektiivin vaikutus tuohon aikaan taiteilijoille oli toissijainen, koko kuva sankarihahmoja lukuun ottamatta näytti tasaiselta ja muissa tapauksissa se näytti olevan koristeltu "applikaatioilla".

Jugendmaalaus oli täynnä symbolismin poetiikkaa yhdistäen sille ominaisia ​​kuvia monimutkaiseen rytmiin, lineaariseen sommitteluun liittoutuman koristeellisen väripisteen kanssa. Art nouveau -tyylin merkkejä pidetään erityisinä muotojen sileinä, pitkänomaisina hahmoina, korostettuina ääriviivoina ja selkeinä yksivärisinä pinnoina. Nykyaikana ranskalaisten postimpressionistien maalauksessa esiintynyt ja sitten itämaisten vaikutteiden vahvistama kaarevan viivan estetiikka sai rakentavan luonteen.

"Modernin" aikakauden taideteosten nimille on ominaista eksoottiset määritelmät: "riikinkukon silmä", "punaisen brokadin väri", "riininkukon höyhenten sinivihreä satiini", "herkän yön helmen äiti". Näissä hienovaraisissa vivahteissa säilytettiin ja elvytettiin klassisia aiheita ja materiaaleja sekä harvinaisia ​​tekniikoita emalointi, irisenssi ja lasimaalaus emaleilla, crackle - renessanssin venetsialaisen lasinvalmistuksen tekniikoita. Korujen viimeistelyyksityiskohdat, epätavallisten materiaalien käyttö tunkeutuu rohkeasti jugendmaalaukseen.

Sellaista on Gustav Klimtin (1862-1918), itävaltalaisen taidemaalarin, teatterisisustajan ja graafikon taide. Hänen maalaustensa kirkkaan sininen, vihreä, punainen värit, kuvion tasaisuus, koristelu, pienten neliöiden ja suorakulmioiden epätavallinen tekstuuri tuovat mieleen bysanttilaisia ​​mosaiikkeja ja japanilaista grafiikkaa. G. Klimt yhdisti öljymaalauksen applikaatioon ja upotukseen tuoden kuvaan smaltin, majolikaa, kuparia ja messinkiä, puolijalokivet ja korallit. Liittyy hänen maalaukseensa kultainen aika» moderni.

Venäläisessä taiteessa eniten näkyvä edustaja Art Nouveau -kausi oli Mihail Aleksandrovitš Vrubel (1856-1910). Hänen kuvallisen tavan omaperäisyys piilee muodon loputtomassa murskaamisessa reunoiksi, ikään kuin se olisi maalattu sisältä valolla ja värillä, kuten kristalleja tai upeita kivikukkia.

Art nouveau -tyyli on yksi sellaisen globaalin taiteellisen suuntauksen kuin modernismin varhaisista suunnista taiteessa. Modernismin ansiosta taiteilijat ylittivät perinteisen realismin ja löysivät jotain täysin uutta. Useimmilla modernin aikakauden taiteilijoilla oli erilaisia ​​ajatuksia, mutta yksi tavoite - vangita heidän tunteitaan ja kokemuksiaan ainutlaatuisella ja vaikuttavalla tavalla uudessa maalauksessaan. Art Nouveaun pääpiirteet monissa ilmenemismuodoissa monipuolistivat yllättävän 1900-luvun maalausta.

1800-luvun viimeisellä vuosikymmenellä ja 1900-luvun alussa suosittua taiteen suuntaa, jossa yhdistyvät ekspressionismi, abstraktionismi, kubismi, dadaismi, futurismi, surrealismi, kutsutaan modernismiksi. Tämä on kokoelma tyylejä vuosisatojen partaalla.

Mikä on moderni tyyli?

Siksi modernistinen taiteilija saattoi kuulua mihin tahansa näistä toisiaan seuranneista suuntauksista, mikä oli jotain uutta edelliseen verrattuna. FROM Ranskan kieli modernie tarkoittaa "modernia". Art nouveau käsitti kaikki Euroopan ja Amerikan maat. Monissa niistä oli omat nimensä: Jugendstil, Art Nouveau, "End of the Century", Liberty ja muut. Ne kaikki personoivat uuden suunnan, jossa se ei koostunut todellisesta maailman esittelystä, vaan oman subjektiivisen maailmansa siirtämisestä kankaalle.. Jotkut artikkelit osoittavat, että modernistinen taiteilija kieltää kulttuuriperintö, toiset raportoivat hänen luopuneensa suorista viivoista ja kulmista. Mutta entä kubismi sitten? Vuosisadan vaihteessa oli niin monia erilaisia ​​suuntauksia, suuntauksia, piirejä ja yhteiskuntia, jotka kantoivat uutta lahjakasta ja joskus loistavaa sanaa, ja uusi suunta yhdisti heidät kaikki yhteiseen ajatukseen maailman uudelleenrakentamisesta. sen lippu, sillä hopeakausi yhdisti kaikki saman ajan venäläiset runoilijat.

Nuoriso on aina ajan tasalla

Innovaattorit olivat pääsääntöisesti nuoria, lahjakkaita, omaperäisiä ihmisiä, he olivat kiinnostuneita kaikesta, he vihasivat perustaa, he halusivat saavuttaa maksimaalisen itseilmaisun, he loivat maailmansa yhden kuvan puitteissa. Tietenkin modernismi on erityinen taiteellisen ajattelun tyyli. Kuten edellä todettiin, jugendtyyli maalauksessa ja arkkitehtuurissa kantoi tätä nimeä juuri Venäjällä, ja sillä oli tietysti omat kansalliset piirteensä. On olemassa mielipide, että meillä se oli jotenkin epäselvä, selkeää, selkeää luonnetta ei ollut. Ehkä tämä tapahtui siksi, että Venäjällä on paljon asioita - monia loistavia taiteilijoita, monia kouluja ja suuntauksia, ja kaikki ulkopuolelta tulevat ideat saavat kansallisen maun.

Moderni koulu Venäjällä

Venäläisen jugendtaiteilijat, kuten Bilibin ja Borisov-Musatov, Vasnetsov ja Vrubel, Golovin, Maljutin ja Nesterov, naismodernistit Golubkina, Polenova, Yakunchikova toistivat työssään yleiseurooppalaista suuntaa, mutta toivat moderniin kansallisia ja sosiaalisia piirteitä. . Tämä tyyli on jäljitetty erilliset teokset Kandinsky ja Korovin, Levitan ja Petrov-Vodkin, Roerich ja Serov. Vuosisadan vaihteessa Venäjälle ilmestyi jugendtyyliä edistäviä julkaisuja - Kuukausilehti Scales, Art and Art Industry ja World of Art -lehdet, joiden johtohahmot edustivat työllään myös venäläistä jugendia. Heistä kirkkaimmat ovat Bakst ja Benois, Dobuzhinsky ja Somov. Lueteltujen nimien ansiosta voit kuvitella tämän voimakkaan kerroksen eri kykyjä, joita yhdistää yhteinen luovuuden suunta.

Tyylin kirkkaimmat edustajat

Lyhyt, mutta erittäin kirkas suunta

Modernistien parhaat maalaukset, nykyiset klassikot koristavat kaikkia maailman museoita. Kankaat ovat kotimaisten museoiden helmiä. Vrubelin, Vasnetsovin, Roerichin, Kustodievin ja muiden teokset ovat tunnistettavia ja rakastettuja. Kukapa ei tuntisi Vasnetsovin sankareita tai Vrubelin Joutsenprinsessaa, omaa demoniaan tai Pania? Kauniita, salaperäisiä, mystisiä, hienostuneita ja ainutlaatuisia, ne edustavat riittävästi, vaikkakin lyhyessä ajassa, mutta erittäin merkittävää kerrosta venäläisessä taiteessa.

Yhteenvetona voimme sanoa, että eniten tyypillisiä edustajia, 1900-luvun kirkkaimmat modernistit, taiteilijat ovat Edvard Munch, Paul Gauguin ja maanmiehemme - Ivan Bilibin, Mikhail Vrubel ja Nicholas Roerich.