Englantilaiset näytelmäkirjailijat, William Shakespearen edeltäjät ja aikalaiset. William Shakespeare - Loistava näytelmäkirjailija William Shakespearen teokset

Uusi dramaturgia, joka korvasi keskiajan teatterin - mysteereitä, allegorista moraalia ja primitiivisiä kansanfarsseja, kehittyi vähitellen.

1500-luvun 30-luvulla piispa Bayle, kiihkeä protestantti, kirjoitti näytelmän, joka oli suunnattu katolilaisuutta vastaan. Hän havainnollisti ajatuksiaan esimerkillä Englannin historiasta - kuningas Johannes Maattoman taistelusta (hallitsi vuosina 1199-1216) paavia vastaan. Todellisuudessa tämä kuningas oli merkityksetön henkilö, mutta hän oli protestanttisen piispan sydämelle rakas, koska hän oli vihamielinen paavin kanssa. Bayle kirjoitti moraalin, jossa personoidut hyveet ja paheet toimivat. Näytelmän keskeinen hahmo oli nimeltään Hyve. Mutta samaan aikaan sitä kutsuttiin King Johniksi. Synkistä paheita henkilöllistyneistä hahmoista yhden nimi oli Laittomasti kaapattu valta, hän on myös paavi; toisen nimi on Intiment to Revolt, hän on myös paavin legaatti. Baylen "King John" on eräänlainen näytelmä, jossa vanhan keskiaikaisen moraalin allegorioita yhdistettiin uuteen historialliseen genreen, joka kukoisti myöhemmin Shakespearen historiallisissa näytelmissä. Kirjallisuuden historioitsijat vertasivat Baylen "King Johnia" koteloon: se ei ole enää toukka, mutta ei vielä perhonen.

Samaan aikaan 1500-luvun 30-luvulla Englannissa alkoi kehittyä niin kutsuttu "kouludraama". Sitä kutsutaan nimellä, koska se luotiin yliopistojen ja koulujen seinien sisällä: näytelmät ovat professorien ja opettajien kirjoittamia, opiskelijoiden ja koululaisten esittämiä. Mutta voit kutsua sitä "kouludraamaksi" siinä mielessä, että näytelmäkirjailijat, jotka loivat sen itse, oppivat silti kirjoittamaan näytelmiä opiskelemalla. muinaiset kirjailijat ja jäljitellä niitä. 1500-luvun 30-luvulla kirjoitettiin ensimmäinen englanninkielinen komedia, Ralph Royster-Deuster; sen kirjoittaja oli tuolloin tunnettu opettaja Nicholas Youdl, Eton Schoolin johtaja. Viisikymmentäluvulla oppineet asianajajat Sackville ja Norton kirjoittivat ensimmäisen tragedian englanniksi - Gorboduk.

Mutta kaikki tämä oli vain "koulua". Todelliset, täynnä elämää dramaattiset teokset ilmestyivät vasta, kun yliopistojen ihmiset - "yliopistomielit" - alkoivat antaa näytelmänsä ammattinäyttelijöille. Tämä tapahtui XVI vuosisadan 80-luvulla.

Vuonna 1586 ilmestyy kaksi näytelmää, jotka ansaitsevat erityistä huomiota. Ensimmäisen kirjoittaja on Thomas Kidd (joka kirjoitti myös ensimmäisen näytelmän Hamletista, joka ei valitettavasti ole tullut meille).

Lastenleikki on tyypillinen "ukkonen ja veren tragedia", kuten silloin sanottiin. Otsikko itsessään on kaunopuheinen - "Espanjalainen tragedia". Tämä on yritys, vielä alkeellinen, kuvata inhimillisten tunteiden voimaa. Näyttämölle ilmestyy kauhea Revengen hahmo, joka muistuttaa vanhan moraalin kuvia. Välittömästi tulee esiin murhatun Andrean henki, joka valittaen ilkeistä murhaajista huutaa kauheaa toveriaan. Toiminta alkaa. Nuori mies Horatio rakastaa kaunis tyttö Belimperia, ja hän rakastaa häntä. Mutta Belimperiaa rakastaa myös Portugalin kuninkaan poika Balthazar. Balthasar viedään auttamaan Belimperian veljeä, rikollista Lorenzoa. Kuutamoisena yönä, kun puutarhassa istuvat nuoret julistavat rakkauttaan toisilleen, naamioituneet tappajat tulevat lavalle ja tappavat Horation tikareilla. Silloisella englantilaisella näyttämöllä he tykkäsivät kuvata murhia ja muita "kauhuja": näyttelijälle laitettiin pullo punaista etikkaa valkoisen viitan alle; tikari lävisti kuplan, ja valkoiseen viitaan ilmestyi punaisia täpliä. Puukotettuaan Horatiota tikareilla tappajat ripustivat hänen ruumiinsa puuhun - ilmeisesti näyttääkseen yleisölle selkeämmin veren tahratun ruumiin. Sen jälkeen salamurhaajat ottavat Belimperian väkisin pois. Horation isä, vanha Jeronimo, juoksee ulos hänen huutoilleen - yhdessä paidassa, miekka käsissään. Nähdessään poikansa ruumiin roikkumassa puussa, hän lausuu jylisevän monologin, joka vaatii kostoa ... Kaikkea lavalla tapahtuvaa tarkkailee Revenge ja murhatun Andrean henki, joka iloiten odottaa kostoa, koska Horation tappajat ovat myös hänen tappajiaan. Mutta vanha Jeronimo epäröi: ei ole helppoa kostaa kuninkaan pojalle. Onneton vanha mies ajattelee elämää kaipaavasti. "Oi maailma! hän huudahtaa. "Ei, ei maailma, vaan kokoelma rikoksia!" Hän vertaa itseään yksinäiseen matkailijaan, joka eksyi lumisena yönä... Andrean sielu on ahdistuksen vallassa. Hän kääntyy Vengeancen puoleen, mutta näkee tämän nukkuvan. "Herää, Revenge!" hän huudahtaa epätoivoisena. Kosto on heräämässä. Ja sitten vanhaan Jeronimoon tulee ajatus. Tavoitteensa saavuttamiseksi hän suunnittelee näytelmän näyttämistä hovissa (lukija on jo huomannut joitakin yhtäläisyyksiä tämän tragedian ja Shakespearen Hamletin välillä; muistamme jälleen kerran, että Kidd oli kirjoittanut ensimmäisen Hamletista kertovan näytelmän). Jeronimon lavastamaan esitykseen osallistuvat hänen suunnitelmaansa aloittanut Belimperia sekä Balthazar ja Lorenzo. Näytelmän aikana hahmojen täytyy tappaa toisensa. Vanha Jeronimo tekee niin, että "teatterimurhien" sijaan tapahtuu oikeita murhia. Esitys päättyy, mutta näyttelijät eivät nouse maasta. Espanjan kuningas vaatii selitystä Jeronimolta. Hieronimo kieltäytyy vastaamasta ja kieltäytymisensä vahvistukseksi puree omaa kieltään ja sylkee sen ulos. Sitten kuningas käskee antaa hänelle kynän, jotta hän kirjoittaa selityksen. Hieronimo pyytää merkkejä antamaan hänelle veitsen kynän teroittamiseksi ja puukottaa itseään tällä veitsellä. Veristen ruumiiden kasaan ilmestyy riemukas Revenge, mikä viittaa siihen, että todellinen kosto on vielä edessä: se alkaa helvetistä.

Kaikki tässä näytelmässä on teatraalista, ehdollista, melodramaattista läpi ja läpi. Thomas Kiddin "Espanjalainen tragedia" on Shakespearen aikakauden dramaturgian "romanttisen" suuntauksen esi-isä, joka synnytti sellaisia tragedioita kuin Shakespearen nykyajan "Valkoinen paholainen" tai "Malfin herttuatar" - Webster.

Samana vuonna 1586 kirjoitettiin täysin toisenlainen näytelmä. Sen nimi on "Arden from the city of Feversham" (sen kirjoittaja on meille tuntematon). Tämä on draama perhe-elämä. Se kertoo kuinka nuori nainen Alice Arden ja hänen rakastajansa Moseby tappoivat Alicen miehen. KANSSA suurta voimaa itse murha on kuvattu, kun Alice yrittää turhaan pestä pois veritahroja (tämän motiivin kehitti suurella voimalla Shakespeare siinä kuuluisassa kohtauksessa, jossa Lady Macbeth vaeltelee puoliunessa muistojen vallassa). Kaikki tässä näytelmässä on elintärkeää, realistista. Ja itse juonen kirjailija lainasi tosielämästä. Epilogissa kirjoittaja pyytää yleisöä antamaan hänelle anteeksi sen tosiasian, että näytelmässä ei ole "koristeita". Tekijän mukaan "yksinkertainen totuus" riittää taiteeseen. Tätä näytelmää voidaan kutsua sen Shakespearen aikakauden dramaturgian suuntauksen esi-isäksi, joka pyrki kuvaamaan Jokapäiväinen elämä, kuten esimerkiksi Thomas Heywoodin upea draama "A Woman Killed by Kindness". Shakespearen teoksessa yhdistyvät molemmat virtaukset - romanttinen ja realistinen.

Se oli prologi. Todelliset tapahtumat alkavat Christopher Marlowen näytelmien esiintymisestä Lontoon lavalla. Marlowe syntyi Shakespearen tavoin vuonna 1564 ja oli vain kaksi kuukautta häntä vanhempi. Marlon kotimaa oli Canterburyn muinainen kaupunki. Christopher Marlon isä omisti kenkäkaupan. Vanhemmat lähettivät poikansa Cambridgen yliopistoon toivoen saavansa hänet papiksi. Yliopistosta valmistuttuaan Marlo päätyi kuitenkin kirkon alttarin sijaan Lontoon näyttämölle. Mutta hänen ei ollut tarkoitus tulla näyttelijäksi. Legendan mukaan hän mursi jalkansa ja joutui lopettamaan näyttelemisen. Sitten hän ryhtyi kirjoittamaan näytelmiä. Hänen suurenmoinen kahdessa osassa ja kymmennäytöksinen eepos "Tamerlane Suuri" ilmestyi vuosina 1587-1588. Tässä eeppisessä Marlo kertoo XIV-luvun kuuluisan komentajan elämästä, sodista ja kuolemasta.

Idän kuninkaat kutsuvat Marlon näytelmässä "Skythian paimenta", "Volgan ryöstöä" Tamerlaneksi, jonka hän kaataa valtaistuimelta valloittamalla heidän valtakuntansa. Tamerlanen armeija koostuu Marlon mukaan "yksinkertaisista maalaispojista". Marlo esittää Tamerlanea lihaksikkaana jättiläisenä. Tämä on mies, jolla on ilmiömäinen fyysinen voima, tuhoutumaton tahto ja alkeellinen temperamentti. Se muistuttaa Michelangelon taltan luomia mahtavia hahmoja. Renessanssille niin tyypillinen maallisen elämän ylistyksen motiivi kaikuu äänekkäästi tässä suurenmoisessa dramaattisessa eeppisessä; näyttämöltä kuuluu sanoja: "Mielestäni taivaallisia nautintoja ei voi verrata kuninkaalliseen iloon maan päällä!"

Tamerlane, kuten Marlo itse, on intohimoinen vapaa-ajattelija. Yhdessä myrskyisissä myrskyisissä monologeissaan hän sanoo, että ihmisen tavoitteena on "ikuisesti nousta äärettömään tietoon ja olla ikuisesti liikkeessä, kuten taivaanpallot, jotka eivät tiedä lepoa". Tämä upea sankari on täynnä ylimääräistä voimaa. Hän ajaa lavalle vaunuissa, joihin valjastetaan hevosten sijaan vangiksi ottamansa kuninkaat. "Hei sinä hemmoteltu aasialainen nalkku!" hän huutaa ja kannustaa heitä piiskallaan.

Marlon seuraava näytelmä oli Tohtori Faustin traaginen historia. Se oli kuuluisan legendan ensimmäinen dramaattinen sovitus. Marlon näytelmä heijasteli renessanssille niin ominaista ihmisen halua valloittaa luonnonvoimat. Faust myy sielunsa Mefistofelelle saadakseen "tiedon kultaiset lahjat" ja "tunkeutuakseen luonnon aarrekammioon". Hän haaveilee ottavansa omansa kotikaupunki kupariseinä ja tehdä se vihollisen ulottumattomissa, muuttaa jokien kulkua, heittää sillan yli Atlantin valtameri, täyttää Gibraltar ja yhdistää Euroopan ja Afrikan yhdeksi mantereeksi... "Kuinka mahtipontista se kaikki on!" - huomautti Goethe, joka käytti joitain Marlon tragedian piirteitä hänen Faustissaan.

Puritaanit, jotka loivat uuden porvarillisen moraalin koodin, olivat närkästyneitä intohimoiseen vapaa-ajattelijaan, joka saarnasi avoimesti näkemyksiään. Queen's Privy Councilille tuli yksi toisensa jälkeen irtisanomisia. Ja jopa tavalliset ihmiset, vaikka Marlowen näytelmät olivat heidän keskuudessaan valtava menestys, katsoivat joskus lavalla tapahtuvaa ilman taikauskoista pelkoa. Tällainen huhu oli jopa Lontoossa. Kerran Faustin esityksen jälkeen kävi ilmi, että Mefistofelen roolia näyttelevä näyttelijä oli sairas eikä mennyt teatteriin. Kuka sitten pelasi Mefistofeles sinä päivänä? Näyttelijät ryntäsivät pukuhuoneeseen, ja vasta sitten he arvelivat rikin hajun perusteella, että paholainen itse esiintyi Lontoon lavalla sinä päivänä.

Marlo kirjoitti useita muita näytelmiä (hänen paras näytelmänsä hänen luomiensa ihmismuotokuvien elävyyden kannalta on historiallinen kronikka "Kuningas Edward II"). Mutta hänen hämmästyttävän kykynsä ei ollut tarkoitus avautua täydellä voimalla. 30. toukokuuta 1593 Christopher Marlowe, joka oli kolmekymmentä vuotta, tapettiin tavernassa. Puritaanit iloitsivat. "Herra istutti tämän haukuvan koiran koston koukkuun", kirjoitti yksi heistä.

Näin kuoli, paljastamatta täysin luovia voimiaan, "englannin draaman isä" Christopher Marlowe. Ja juuri sinä vuonna, kun hänen kirkkaalla, intohimoisella ja epätasaisella loistollaan palava tähtensä asettui, William Shakespearen tähti alkoi nousta Lontoon teatteritaivaalla. Toisin kuin hänen edeltäjänsä, jotka olivat korkeakoulututkinnon suorittaneita, "yliopistomieliä", tämä uusi näytelmäkirjailija oli pelkkä näyttelijä.

Olemme maininneet vain muutaman Shakespearen edeltäjistä. Todellisuudessa Shakespeare käytti laajasti kotimaansa kirjallista menneisyyttä. Hän lainasi paljon Chaucerilta (esim. Shakespearen runo "Lucretia" juonenjuurineen vie meidät Chaucerin "Legendoihin hyvistä naisista"; Theuksen ja Hippolytan kuvat komediassa "Kesäyön uni" ovat todennäköisesti saaneet inspiraationsa " The Knight's Tale" Chaucerin kuuluisista Canterbury Talesista, Chaucerin runosta Troilus ja Cressida vaikuttivat Shakespearen samannimiseen komediaan jne.). Shakespeare oli paljon velkaa Faerie Queenen kirjoittajalle Edmund Spenserille ja muille koulunsa runoilijoille. Philip Sidneyn "Arcadiasta" Shakespeare lainasi juonen, jonka hän ilmensi Gloucesterin kuvassa, jonka hänen poikansa Edmund ("Kuningas Lear") petti - Shakespeare kunnioitti myös eufuismia. Lopuksi Shakespearen edeltäjistä mainittakoon nimettömät englantilaisten kansanballadien kertojat. Englannin kansanballadissa syntyy traaginen toimintadraama, joka on niin tyypillistä Shakespearen ja hänen aikalaistensa teoksille. Monet kansan keskuudessa pitkään olleet ajatukset ja tunteet, jotka ovat heijastuneet kansanballadeissa ja lauluissa, ovat löytäneet loistavan taiteellista ilmaisua Shakespearen teoksessa. Tämän luovuuden juuret ulottuvat syvälle kansanmaaperään.

Ulkomaisen kirjallisuuden teoksista Shakespeare sai vaikutteita pääasiassa italialaisista novelleista Boccaccio ja Bandello, joista Shakespeare lainasi näytelmiensä juoneja. Kokoelma italialaisia ja ranskalaisia novelleja, jotka on käännetty englanniksi, nimeltään The Hall of Delights, oli Shakespearen käsikirja. "Roomalaisiin tragedioihinsa" ("Julius Caesar", "Coriolanus", "Antony ja Kleopatra") Shakespeare otti juoninsa Plutarkhin kuuluisien ihmisten elämästä, jonka hän luki vuonna englanninkielinen käännös Norta. Hänen suosikkikirjojaan olivat myös Ovidin Metamorphoses Goldingin englanninkielisenä käännöksenä.

Shakespearen teoksia ovat valmistaneet monet runoilijat, kirjailijat ja kääntäjät.

Marlo Christopher

(Marlow) - tunnetuin englantilaisista näytelmäkirjoittajista, jotka edelsivät Shakespearea (1564-1593). Köyhä mies, suutarin poika, sai varhaiskoulutuksensa Canterburyssa ja tuli 16-vuotiaana Cambridgen yliopistoon. Vuonna 1583 hän valmistui yliopistosta kandidaatin tutkinnolla ja meni Lontooseen etsimään onneaan. On uutisia, että ennen näyttelijänä näyttelemistä hän oli näyttelijä, mutta mursi jalkansa ja joutui luopumaan näyttämöurastaan lopullisesti. Lontoossa asuessaan M. tutustui runoilijoihin ja näytelmäkirjoittajiin ja oli enemmän tai vähemmän ystävällisissä suhteissa Greenen, Chapmanin, Sir Walter Rayleighin ja Thomas Nashin kanssa, joiden kanssa he kirjoittivat yhdessä tragedian "Dido". Vuonna 1587 Marlowe sai Master of Arts -tutkinnon Cambridgesta ja järjesti ensimmäisen tragediansa, Tamerlanen. Aikaansa hallitseneesta dramaattisen taiteen kahdesta suunnasta, klassisesta ja folkista, Marlo valitsi jälkimmäisen muuttaakseen sitä. Ennen M.:tä kansandraama oli vuorottelu verisistä tapahtumista ja hölmöistä jaksoista, joissa klovnit saivat jopa improvisoida. Jo "Tamerlanen" prologissa havaitaan kirjailijan tietoinen aikomus tasoittaa uusia polkuja dramaattiselle taiteelle, kiinnostaa yleisöä kuvaamaan maailmanhistoriallisia tapahtumia, kuvissa valtakuntien ja kansojen tuhosta. Lisäksi Marlo oli ensimmäinen, joka yritti laittaa toiminnan psykologiselle pohjalle, ymmärtää sen sisäisillä motiiveilla. Tamerlanen edessä hän toi esiin kunnianhimoisen miehen tyypin, joka poltti kyltymätöntä vallanjanoa; Tragedian yhtenäisyys piilee siinä, että kaikki ihmiset tuodaan yhteyteen tämän idän valloittajan traagisen luonteenpiirteen kanssa, nousevat ja hukkuvat sen kautta. M. säilytti saman psykologisen tavan muissa teoksissaan. Toisen näytelmän sankari M., Faust, (1588), joka ei ole tyytyväinen keskiaikaiseen tieteeseen, haluaa taikuuden avulla tunkeutua luonnon salaisuuksiin; Tyytymättömänä keskiaikaisen asketismin ohjeisiin hän kuivuu renessanssin ihmiselle ominaisen elämän janon ja sen nautintojen kanssa - ja näiden kahden toiveen tyydyttämiseksi hän on auliisti valmis antamaan sielunsa paholaiselle. - Marlon, Maltan juutalainen (1589-1590) kolmannen draaman taustalla oleva psykologinen motiivi on juutalaisten kostonhimo kristityille kaikesta siitä epäoikeudenmukaisuudesta ja sorrosta, jolle kristityt joutuivat hänen maanmiestensä vuosisatojen ajan. M:n tehtävänä oli kuvata häntä kohdanneen vainon ja epäoikeudenmukaisuuden vaikutuksen alaisena olevan henkilön asteittaista katkeruutta ja moraalista julmuutta. Englantilaisen näytelmäkirjailijan virhe on, että näytelmän sankari ei kestä kansansa väistämättömän kostajan roolia loppuun asti ja antaa viimeisessä näytöksessä oman edun viedä itsensä pois. Marlowen kypsin teos on hänen dramaattinen kronikka Edward II:sta, joka toimi mallina Shakespearen Richard II:lle. Ja tällaisissa töissä hän oli sama uudistaja kuin muissakin. Ennen Edward II:ta kansallisen historian näytelmät olivat harvoja poikkeuksia lukuun ottamatta vain kronikoita, jotka on siirretty dialogiseen muotoon. Toisin kuin näiden teosten kirjoittajat, M. kohteli materiaaliaan todellisena taiteilijana: hän otti mitä tarvitsi dramaattisiin tarkoituksiinsa, hylkäsi tarpeettoman, selvitti hahmojen toiminnan sisäiset motiivit, loi kokonaisia hahmoja hämäristä vihjeistä . Tällaisten tekniikoiden ansiosta, jotka paljastavat todellisen taiteilijan Marlowessa, dramaattinen kroniikka muuttui hänen kätensä alla todelliseksi historialliseksi draamaksi, jolla oli oikeat, merkitykselliset sisäiset motiivit toiminnan kehittämiseen, kiitollisia dramaattisia tilanteita ja mestarillisesti hahmoteltuja hahmoja. M.:n suunnittelemaa englanninkielisen draaman uudistusta helpotti suuresti hänen käyttöönsä mittari, joka muutti dramaattisen sanan täysin. Riimin korvaaminen tyhjällä säkeellä oli hyvin merkitys Englannin draaman kehityksessä. Pakollinen riimi, kuten ranskan ns. pseudoklassinen tragedia, hankaloitti runoilijan mielikuvitusta, pakotti hänet uhraamaan ajatusmuodon joka askeleella, kun taas M.:n esittelemä joustava ja sileä pentametrinen valkoinen jambikko antoi heti englannin kielen. kansandraama luonnollisuutta, yksinkertaisuutta ja vapautta. M.:n loistava dramaattinen ura keskeytti eniten traagisesti. Oleskellessaan Depfordissa, pienessä Thamesin kylässä, hän riiteli tavernassa illallisella juomakumppaninsa Archerin kanssa. Kuumaluonteinen M. veti tikarinsa ja ryntäsi Archeriin, joka torjui iskun ja suuntasi M:n tikarin omaan silmään. Runoilija kuoli muutamaa tuntia myöhemmin kauheassa tuskassa. Jos otamme huomioon, että Marlowe kuoli ennen kuin hän oli täyttänyt kolmekymmentä, iässä, jolloin Shakespeare ei ollut vielä kirjoittanut yhtä suurista teoksistaan, ei voi olla yllättynyt hänen nerokkuutensa voimasta ja siitä, että lyhyt aika hän onnistui tekemään niin paljon englannin draaman kehittämiseksi. Voidaan liioittelematta sanoa, että hän raivasi tien Shakespearelle itselleen.

Yhteenveto tiedoista Malosta löytyy N. Storozhenkon kirjasta Shakespearen edeltäjät sekä Korshin ja Kirpichnikovin 20. painoksesta Universal Literaturen historia. Katso myös Ward, "English Dramatic Literature" ( T . I, 1875); Saintsbury, "Elizabeth Literature" ( L ., 1887); Symonds, "Shakspeares Predecessors" (1884); Ulrici, "Shakspeare's Dramatische Kunst" (1- th t .); Fiscker, "Zur Charakteristik der Dramen Marlowe" ( Lpc ., 1889); Heinemann, "Essee kohti Marlowen Fausluksen bibliografiaa" ( L ., 1884); Faligan, "De Marlowianis Fabulis" ( P ., 1888); Kellner, "Zur Sprache Christopher Marlowe" ( Wien, 1888). Teoksia M. julkaistu monta kertaa; niiden paras painos kuuluu Daysille ("Marlowe's Works", L., 1850). Venäjän kielellä on Minaevin tekemä Faustin käännös - liian vapaa ("Case", 1876, toukokuu) ja erittäin tyydyttävä käännös Edward II, omisti Ms. Radislavskaya (taiteen aikakauslehti, 1885). Venäjän sana", 1859, nro 2 ja 3).

Pääartikkeli:Elisabetin draama

Shakespearen aikakaudella Lontoon silloisen menestyneen Globe-teatterin ohella oli useita muita merkittäviä teattereita, jotka kilpailivat keskenään. Teatteri "Rose" (The Rose, 1587-1605), jonka rakensi liikemies Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). Joutsenteatteri (The Swan, 1595-1632), jonka rakensi kultaseppä ja kauppias Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), Fortune Theater, jonka rakentaminen aloitettiin vuonna 1600, ja muut. Yksi Shakespearen tunnetuimmista näytelmäkirjoittajista oli lahjakas runoilija Christopher Marlowe (1564-1593), jonka vaikutukseen Shakespeare epäilemättä joutui työnsä alussa ja jonka kaikki näytelmät esitettiin sitten Rose-teatterissa. Hän oli yksi näytelmäkirjoittajista - "akateemikoista", joilla oli Oxfordin tai Cambridgen diplomit, joihin kuuluivat myös Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567-). 1601), George Peele (1556-1596) ja Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558-1625). Heidän rinnallaan työskenteli muitakin kirjailijoita, joilla ei ollut korkeakoulututkintoa, joiden kirjoitukset vaikuttivat tavalla tai toisella Shakespearen työhön. Tämä on Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), joka kirjoitti aikaisemman näytelmän Hamletista, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, k. 1599), näytelmän "Kaksi" kirjoittaja komedia Abingdonista" (The Two Angry Women of Abingdon), jonka pohjalta syntyi Shakespearen komedia "The Merry Wives of Windsor" (The Merry Wives of Windsor, 1597-1602).

[muokata] Teatteritekniikka William Shakespearen aikakaudella

Pääartikkeli:Teatteritekniikka Shakespearen aikakaudella

Teatteritekniikka Shakespearen aikakaudella - Shakespearen teatteri vastaa epäilemättä näytelmän järjestelmää, jonka alun perin esittivät kiertokoomikkoryhmät majataloissa ja hotellipihoissa; nämä hotellipihat koostuivat yleensä rakennuksesta, jota ympäröi toisessa kerroksessa avoin kerrosparveke, jota pitkin huoneet ja sisäänkäynnit niihin sijaitsivat. Vaeltava seurue, joka tuli sellaiselle pihalle, järjesti kohtauksen lähelle yhtä sen seinän suorakulmioista; katsojat istuivat sisäpihalla ja parvekkeella. Lava oli järjestetty puisen lavan muotoon vuohien päälle, joista osa meni avoimelle pihalle ja toinen, takaosa, jäi parvekkeen alle. Parvekkeelta putosi verho. Siten muodostui välittömästi kolme tasoa: etu - parvekkeen edessä, taka - parvekkeen alla verhon takana ja ylempi - aivan lavan yläpuolella oleva parveke. Sama periaate on 1500- ja 1600-luvun alun englantilaisen teatterin siirtymämuodon taustalla. Ensimmäinen julkinen kiinteä teatteri rakensi Lontooseen (tai pikemminkin Lontoon ulkopuolelle, kaupungin rajojen ulkopuolelle, koska teatterit eivät olleet sallittuja kaupungin sisällä) vuonna 1576 Burbagen näyttelijäperheen toimesta. Vuonna 1599 perustettiin Globe-teatteri, johon suurin osa Shakespearen teoksista liittyy. Shakespearen teatteri ei vielä tunne auditoriota, mutta tuntee pihan hotellipihojen muistona. Sellaista avointa, kattotonta auditoriota ympäröi galleria tai kaksi galleriaa. Lava oli peitetty katolla ja edusti samoja kolmea lavaa hotellin pihalla. Lavan etuosa kiilautui lähes kolmanneksen katsomoon - seisovaan parteriin (täten kirjaimellisesti kantaen nimeään "par terre" - maassa). Parterin täyttänyt demokraattinen yleisöosa ympäröi myös näyttämöä tiheässä kehässä. Yleisön etuoikeutetumpi, aristokraattinen osa asettui - makuulle ja jakkaroille - itse lavalle sen reunoja pitkin. Tämän ajan teatterin historiassa on havaittavissa jatkuva vihamielisyys ja riitely, joskus jopa tappeluksi muuttuva näiden kahden katsojaryhmän välillä. Käsityöläisten ja työläisten luokkaviho aristokratiaa vastaan vaikutti täällä melko äänekkäästi. Yleisesti ottaen se hiljaisuus, jonka auditoriomme tietää, ei ollut Shakespearen teatterissa. Lavan takaosa erotettiin liukuverholla. Intiimejä kohtauksia esitettiin yleensä siellä (esimerkiksi Desdemonan makuuhuoneessa), siellä myös pelattiin, kun oli tarpeen siirtää toiminta nopeasti toiseen paikkaan ja näyttää hahmo uudessa asennossa (esim. Marlon draamassa "Tamerlane" siellä on huomautus: "verho on vedetty taaksepäin ja Zenokrate makaa sängyssä, Tamerlane istuu hänen vieressään", tai Shakespearen "Talvitarina": "Pauline vetää verhon taakse ja paljastaa Hermionen, joka seisoo patsaan muodossa" ). Etulava oli päälava, sitä käytettiin myös kulkueisiin, silloin teatterin suosikki, miekkailujen esittämiseen, joka oli tuolloin erittäin suosittu (kohtaus Hamletin viimeisessä näytöksessä). Klovnit, jonglöörit, akrobaatit esiintyivät myös täällä viihdyttäen yleisöä päänäytelmän kohtausten välillä (Shakespeare-teatterissa ei ollut väliaikaa). Myöhemmin Shakespearen draaman myöhemmän kirjallisen käsittelyn aikana osa näistä klovnaavista välikappaleista ja klovnimaisista huomautuksista sisällytettiin painettuun tekstiin. Jokainen esitys päättyi välttämättä "jigaan" - erityiseen lauluun, jossa klovnin esittämä tanssi; Hamletin haudankaivajien kohtaus Shakespearen aikana oli klovneeri, se täyttyi myöhemmin paatosta. Shakespeare-teatterissa ei vieläkään ole jyrkkää eroa dramaattisen näyttelijän ja akrobaatin, narrin välillä. Totta, tämä ero on jo kehitteillä, se tuntuu, se on tekeillä. Mutta reunoja ei ole vielä pyyhitty. Linkki, joka yhdistää shakespearelaisen näyttelijän puhki, histrioni, jonglööri, keskiaikaisen mysteerin klovnimainen "paholainen" farssiseen puhkiin, ei ole vielä katkennut. On aivan ymmärrettävää, miksi "The Taming of the Shrew" -elokuvan kattilantekijä sanalla "komedia" muistaa ennen kaikkea jonglöörin temput. Ylempää kohtausta käytettiin, kun toimintaa piti kuvata yllä olevien tapahtumien logiikan mukaan, esimerkiksi linnoituksen seinillä ("Coriolanus"), Julian parvekkeella ("Romeo ja Julia"). Tällaisissa tapauksissa käsikirjoituksessa on huomautus "yllä". Esimerkiksi tällaista asettelua harjoiteltiin - yläosassa kuvattiin linnoituksen muuria, ja alareunassa taaksepäin vedetty takalavan verho tarkoitti samalla voittajan edessä avautuvaa kaupungin porttia. Sellainen teatterijärjestelmä selittää myös Shakespearen draaman rakenteen, jossa ei vieläkään tunneta mitään jakoa näytöksiin (tämä jako tehtiin Shakespearen kuoleman jälkeen, painoksessa 1623), ei tarkkaa historismia eivätkä kuvarealismia. Elisabetaikaisille näytelmäkirjailijoille niin tyypillistä juonen rinnakkaisuutta yhdessä ja samassa näytelmässä on viime aikoina selitetty näyttämön omalaatuisella rakenteella, joka on katsojille avoin kolmelta puolelta. Niin kutsuttu "ajallisen jatkuvuuden" laki hallitsee tätä kohtausta. Yhden juonen kehitys mahdollisti toisen jatkamisen ikään kuin "kulissien takana", mikä täytti vastaavan "teatteriajan" intervallin tämän juonen osien välillä. Lyhyille aktiivisen pelin jaksoille rakennettu toiminta siirtyy paikasta toiseen suhteellisen nopeasti. Tämä heijastuu myös mysteerikohtausten perinteeseen. Eli saman henkilön uusi poistuminen tai edes muutama askel lavalla vastaavalla tekstiselityksellä osoitti jo uuden paikan. Esimerkiksi teoksessa Much Ado About Nothing Benedict kertoo pojalle: "Minulla on kirja huoneeni ikkunassa, tuo se tänne puutarhaan" - tämä tarkoittaa, että toiminta tapahtuu puutarhassa. Joskus Shakespearen teoksissa paikka tai aika ei osoiteta niin yksinkertaisesti, vaan sen runollinen kuvaus. Tämä on yksi hänen suosikkitemppuistaan. Esimerkiksi elokuvassa "Romeo ja Julia" kuutamoisen yön kohtausta seuraavassa kuvassa sisään astuva Lorenzo sanoo: "Sarastavan harmaasilmäisen Gloomyn selkeä hymy ajaa jo yötä ja kultaa idän pilven raidoilla valosta..." Tai "Henry V:n" ensimmäisen näytöksen esipuheen sanat: " ... Kuvittele, että täällä leveät kahden valtakunnan tasangot, joiden rannat Nojaten niin lähelle toisiaan, erottavat toisistaan kapea mutta vaarallinen mahtava valtameri. Muutaman askeleen Romeo ystäviensä kanssa tarkoitti, että hän muutti kadulta taloon. Paikan osoittamiseen käytettiin myös "otsikoita" - tabletteja, joissa oli merkintä. Joskus kohtaus kuvasi useita kaupunkeja kerralla, ja niiden nimien kirjoitukset riittivät ohjaamaan katsojan toimintaan. Kohtauksen loputtua hahmot poistuivat lavalta, joskus jopa jäivät - esimerkiksi naamioituneet vieraat, jotka kävelivät kadulla Capuletin taloon ("Romeo ja Julia") eivät poistuneet lavalta, ja lakeijat lautasliinoineen tarkoitti, että he olivat jo saapuneet ja ovat Capulettien kammioissa. Draamaa ei tuolloin pidetty "kirjallisuutena". Näytelmäkirjailija ei tavoitellut tekijää, eikä se aina ollut mahdollista. Anonyymin draaman perinne tuli keskiajalta kiertävien seurueiden kautta ja jatkoi toimintaansa. Niinpä Shakespearen nimi esiintyy hänen näytelmiensä nimissä vasta vuonna 1593. Teatterin näytelmäkirjailijan kirjoittamaa ei ollut tarkoitus julkaista, vaan hän piti mielessään yksinomaan teatteria. Merkittävä osa Elisabetin aikakauden näytelmäkirjoittajista liittyi tiettyyn teatteriin ja sitoutui toimittamaan ohjelmiston tälle teatterille. Seurueiden kilpailu vaati valtavan määrän näytelmiä. Vuosina 1558–1643 heidän lukumääränsä Englannissa on arvioitu yli 2 000 nimeksi. Hyvin usein samaa näytelmää käyttävät useat seurueet, työstäen kutakin omalla tavallaan, mukauttaen sitä ryhmälle. Anonyymi kirjoittaja sulki pois kirjallisen plagioinnin, ja voisimme puhua vain "merirosvoisista" kilpailumenetelmistä, kun näytelmä varastetaan korvalla, likimääräisen tallenteen mukaan jne. Ja Shakespearen teoksista tunnemme useita näytelmiä, joista oli hyötyä juoneista jo olemassa olevista draamoista. Tällaisia ovat esimerkiksi Hamlet, kuningas Lear ja muut. Yleisö ei vaatinut näytelmän kirjoittajan nimeä. Tämä puolestaan johti siihen, että kirjoitettu näytelmä oli vain esityksen "perusta", tekijän tekstiä muutettiin harjoitusten aikana millä tahansa tavalla. Naurujen esityksiä merkitään usein huomautuksella "humori sanoo", joka antaa teatterille naaraskohtauksen sisällön tai narrin itsensä improvisaatiot. Kirjoittaja myi käsikirjoituksensa teatterille eikä vaatinut sen jälkeen mitään tekijänoikeusvaatimuksia tai oikeuksia siihen. Useiden kirjoittajien yhteinen ja siten erittäin nopea työskentely yhdessä näytelmässä oli hyvin yleistä, esimerkiksi toiset kehittivät dramaattisen juonittelun, toiset - koomisen osan, jettereiden temppuja, toiset kuvasivat kaikenlaisia "hirveitä" efektejä, jotka olivat erittäin silloin suosittu jne. e. Aikakauden lopulla, 1600-luvun alussa, kirjallinen draama alkoi jo nousta lavalle. Vieraantuminen "oppineiden" kirjailijoiden, maallisten "amatöörien" ja ammattinäytelmäkirjailijoiden välillä vähenee koko ajan. Kirjalliset kirjailijat (esim. Ben Jonson) alkavat työskennellä teatterissa, teatterin näytelmäkirjailijoita puolestaan aletaan julkaista yhä enemmän.

[muokata] Kysymys periodisoinnista

Shakespearen teoksen tutkijat (tanskalainen kirjallisuuskriitikko G. Brandes, Shakespeare S. A. Vengerovin venäläisten kokonaisteosten kustantaja) v. myöhään XIX- 1900-luvun alussa he esittelivät teosten kronologiaan perustuen hänen hengellistä kehitystään "iloisesta tunnelmasta", uskoa oikeudenmukaisuuden voittoon, humanistisia ihanteita pettymysten ja ihmisten tuhoon johtavan polun alussa. kaikki illuusiot lopussa. Viime vuosina on kuitenkin vallinnut mielipide, että hänen teoksiinsa perustuva päätelmä kirjailijan persoonasta on virhe.

Vuonna 1930 Shakespearen tutkija E. K. Chambers ehdotti kronologiaa Shakespearen teokselle genren mukaan, myöhemmin J. McManway korjasi sen. Aikoja oli neljä: ensimmäinen (1590-1594) - varhainen: kronikat, renessanssikomediat, "kauhutragedia" ("Titus Andronicus"), kaksi runoa; toinen (1594-1600) - renessanssikomediat, ensimmäinen kypsä tragedia ("Romeo ja Julia"), kronikot tragedian elementeillä, muinainen tragedia ("Julius Caesar"), sonetit; kolmas (1601-1608) - suuret tragediat, muinaiset tragediat, "pimeät komediat"; neljäs (1609-1613) - satudraamat, joilla on traaginen alku ja onnellinen loppu. Jotkut Shakespearen tutkijoista, mukaan lukien A. A. Smirnov, yhdistivät ensimmäisen ja toisen jakson yhdeksi varhaisjaksoksi.

[muokata] Ensimmäinen ajanjakso (1590-1594)

Ensimmäinen jakso on noin 1590-1594 vuotta.

Kirjallisten menetelmien mukaan Sitä voidaan kutsua jäljittelyjaksoksi: Shakespeare on edelleen täysin edeltäjiensä armoilla. Tunnelman mukaan Shakespearen teosten tutkimiseen tähtäävän biografisen lähestymistavan kannattajat määrittelivät tämän ajanjakson idealistisen uskon ajanjaksoksi. parhaat puolet elämä: "Nuori Shakespeare rankaisee innokkaasti pahetta historiallisissa tragedioissaan ja laulaa innostuneesti korkeista ja runollisista tunteista - ystävyydestä, uhrautumisesta ja erityisesti rakkaudesta" (Vengerov).

Tragediassa Titus Andronicus» Shakespeare kunnioitti täysin nykyaikaisten näytelmäkirjailijoidensa perinnettä pitää yleisön huomio pakottamalla intohimoja, julmuutta ja naturalismia. "Titus Andronicuksen" kauhut ovat suora ja välitön heijastus Kidin ja Marlowen näytelmien kauhuista.

Todennäköisesti Shakespearen ensimmäiset näytelmät olivat Henry VI:n kolme osaa. Holinshedin aikakirjat toimivat tämän ja myöhempien historiallisten kronikoiden lähteenä. Kaikkia Shakespearen kronikoita yhdistävä teema on joukko heikkoja ja kykenemättömiä hallitsijoita, jotka johtivat maan sisällisriitaan ja sisällissotaan sekä järjestyksen palauttamiseen Tudor-dynastian liittymisen myötä. Kuten Marlowe Edward II:ssa, Shakespeare ei pelkästään kuvaa historiallisia tapahtumia, vaan tutkii hahmojen tekojen taustalla olevia motiiveja.

« Virheiden komedia"- varhainen "opiskelijakomedia", asemien komedia. Tuon ajan tavan mukaan muunnelma modernin englantilaisen kirjailijan näytelmästä, jonka lähteenä oli kaksoisveljien seikkailuja kuvaava Plautuksen komedia Menechmas. Toiminta tapahtuu Efesoksessa, joka ei juurikaan muistuta muinaista kreikkalaista kaupunkia: kirjailija siirtää nykyajan Englannin merkit antiikkiseen ympäristöön. Shakespeare lisää kaksinkertaisen palvelijatarinan, mikä hämmentää toimintaa entisestään. On ominaista, että jo tässä teoksessa on sekoitus koomista ja traagista, mikä on tavallista Shakespearelle: Efesolaista lakia tahattomasti rikkonut vanha mies Egeon on uhattuna teloituksella, ja vain uskomattomien yhteensattumien ketjun kautta. , absurdeja virheitä, finaalissa pelastus tulee hänelle. Traagisen juonen keskeyttäminen koomisella kohtauksella, jopa Shakespearen synkimmässä teoksessa, on keskiaikaiseen perinteeseen juurtunut muistutus kuoleman läheisyydestä ja samalla elämän jatkuvasta virtauksesta ja sen jatkuvasta uudistumisesta.

Näytelmä " Särän kesyttäminen”, joka on luotu farssisen komedian perinteen mukaisesti. Tämä on muunnelma Lontoon teattereissa 1590-luvulla suosittu juonen, joka kertoo vaimon rauhoittamisesta miehensä toimesta. Jännittävässä kaksintaistelussa kaksi erinomaista persoonaa kohtaavat ja nainen voitetaan. Kirjoittaja julistaa vakiintuneen järjestyksen loukkaamattomuutta, jossa perheen pää on mies.

Seuraavissa näytelmissä Shakespeare siirtyy pois ulkoisista komedialaitteista. " Rakkauden hedelmättömät ponnistelut"- Lilyn näytelmien vaikutuksesta luotu komedia, jonka hän kirjoitti näytettäväksi kuninkaallisen hovin naamioteatterissa ja aristokraattisissa taloissa. Melko yksinkertaisella juonella näytelmä on jatkuva turnaus, hahmojen kilpailu nokkelissa vuoropuheluissa, monimutkaisissa sanaleikissä, runojen ja sonettien säveltämisessä (tässä vaiheessa Shakespeare hallitsi jo vaikean runomuodon). "Love's Labour's Lost" -kielenä - ylevä, kukkainen, niin kutsuttu eufuismi - on tuon ajan Englannin aristokraattisen eliitin kieli, joka tuli suosituksi Lilyn romaanin "Euphues, or the Anatomy of Wit" julkaisemisen jälkeen.

[muokata] Toinen ajanjakso (1594-1600)

Romeo ja Juulia. F. Dixien maalaus (1884)

Noin 1595 Shakespeare luo yhden kuuluisimmista tragedioistaan - "Romeo ja Juulia", - ihmispersoonallisuuden kehityksen historia taistelussa ulkoisten olosuhteiden kanssa oikeudesta rakkauteen. "Romeo ja Julia -versiossaan Shakespeare on saattanut käyttää "akateemikkojen" (yliopistotutkintojen suorittaneiden näytelmäkirjailijoiden piirin) jättämää vanhan tekstin muokkausta." Romeon ja Julian (1524) surkeasta kohtalosta valittiin. muut italialaiset kirjailijat (Bandello, Bolderi, Groto) ja levisivät edelleen eurooppalaisessa kirjallisuudessa. kuuluisa juoni Arthur Brooke asetti runon "The tragical story of Romeus and Juliet" (Arthur Brooke. The tragicall Historye of Romeus and Juliet, 1562) pohjalta. Todennäköisesti Brooken työ toimi Shakespearen lähteenä. Hän lisäsi toiminnan lyyryyttä ja dramatiikkaa, pohdiskeli ja rikasti hahmojen hahmoja, loi runollisia monologeja, jotka paljastavat päähenkilöiden sisäiset kokemukset ja muuttivat näin tavallisen teoksen renessanssin rakkausrunoksi. Tämä on erikoistyyppinen tragedia, lyyrinen, optimistinen, huolimatta finaalin päähenkilöiden kuolemasta. Heidän nimistään on tullut yleinen substantiivi intohimon korkeimmalle runoudelle.

Noin 1596, toinen Shakespearen tunnetuimmista teoksista juontaa juurensa - "Venetsian kauppias". Shylock, aivan kuten toinen kuuluisa Elisabetin-draaman juutalainen - Barabbas (Marlon "Maltan juutalainen"), kaipaa kostoa. Mutta toisin kuin Barabbas, Shylock, joka pysyy negatiivisena hahmona, on paljon vaikeampi. Yhtäältä tämä on ahne, ovela, jopa julma koronnostaja, toisaalta loukkaantunut henkilö, jonka loukkaus aiheuttaa myötätuntoa. Shylockin kuuluisa monologi juutalaisen ja minkä tahansa muun henkilön identiteetistä "Mutta eikö juutalaisella ole silmiä?..."(näytös III, kohtaus 1) on eräät kriitikot tunnustaneet paras puhe puolustaakseen juutalaisten tasa-arvoa kaikessa kirjallisuudessa. Näytelmässä asetetaan vastakkain rahan valta ihmiseen ja ystävyyskultti - olennainen osa elämän harmoniaa.

Huolimatta näytelmän "ongelmasta" ja Antonion ja Shylockin tarinan dramaattisuudesta, "Venetsialainen kauppias" on ilmapiiriltään lähellä satunäytelmiä, kuten " Nuku kesäyönä"(1596). Taikanäytelmä on luultavasti kirjoitettu erään Elisabetin aatelisen hääjuhlia varten. Ensimmäistä kertaa kirjallisuudessa Shakespeare varustaa fantastisia olentoja inhimillisillä heikkouksilla ja ristiriidoilla luoden hahmoja. Kuten aina, hän kerrostelee dramaattisia kohtauksia koomisiin: ateenalaiset käsityöläiset, jotka ovat hyvin samankaltaisia kuin englantilaiset työläiset, valmistavat ahkerasti ja kömpelösti Theseuksen ja Hippolytan häitä varten näytelmää "Pyramus ja Thisbe", joka on tarina onnettomasta rakkaudesta. parodinen muoto. Tutkijat olivat yllättyneitä "häänäytelmän" juonen valinnasta: sen ulkoinen juoni - väärinkäsitykset kahden rakastajaparin välillä, jotka ratkesivat vain Oberonin hyväntahtoisuuden ja taikuuden, naisten oikkujen pilkkaamisen (Titanian äkillinen intohimo säätiötä kohtaan) ansiosta. ) - ilmaisee erittäin skeptisen näkemyksen rakkaudesta. Tällä "yhdellä runollisimmista teoksista" on kuitenkin vakava konnotaatio - vilpittömän tunteen korotus, joka on sen alla. moraalinen perusta.

Falstaff, iso viinikannu ja pikari. E. von Grütznerin maalaus (1896)

S. A. Vengerov näki siirtymisen toiseen jaksoon "in poissaolo lelu nuoruuden runoutta, mikä on niin tyypillistä ensimmäiselle jaksolle. Sankarit ovat vielä nuoria, mutta he ovat jo eläneet kunnollisen elämän ja heille tärkeintä elämässä on ilo. Annos on pikanttinen, eloisa, mutta jo kahden veronilaisen tyttöjen lempeä hurmaa, ja varsinkin Julietta, ei ole siinä ollenkaan.

Samaan aikaan Shakespeare luo kuolemattoman ja mielenkiintoisimman tyypin, jolla ei tähän asti ollut analogia maailmankirjallisuudessa - Sir John Falstaff. Molempien osien menestys Henrik IV”Ei vähiten ansiota tämä kroniikan silmiinpistävimmä hahmo, josta tuli heti suosittu. Hahmo on epäilemättä negatiivinen, mutta luonteeltaan monimutkainen. Materialisti, egoisti, mies ilman ihanteita: kunnia ei ole hänelle mitään, tarkkaavainen ja oivaltava skeptikko. Hän kieltää kunniat, vallan ja vaurauden: hän tarvitsee rahaa vain keinona hankkia ruokaa, viiniä ja naisia. Mutta sarjakuvan ydin, Falstaffin kuvan jyväisyys ei ole vain hänen nokkeluutensa, vaan myös iloinen nauru itselleen ja ympäröivälle maailmalle. Hänen vahvuutensa on ihmisluonnon tuntemisessa, kaikki mikä ihmistä sitoo, on hänelle inhottavaa, hän on hengen vapauden ja häikäilemättömyyden personifikaatio. Kuluvan aikakauden mies, häntä ei tarvita siellä, missä valtio on voimakas. Ymmärtää, että tällainen hahmo on sopimaton draamassa ihanteellisesta hallitsijasta, " Henry V Shakespeare poistaa sen: yleisö saa vain tiedon Falstaffin kuolemasta. Perinteen mukaan uskotaan, että kuningatar Elisabetin pyynnöstä, joka halusi nähdä Falstaffin uudelleen lavalla, Shakespeare herätti hänet kuolleista. Windsorin iloiset vaimot". Mutta tämä on vain vaalea kopio entisestä Falstaffista. Hän menetti tietonsa ympäröivästä maailmasta, ei ole enää terveellistä ironiaa, naurua itselleen. Jäljelle jäi vain itsetyydyttävä roisto.

Paljon onnistuneempi on yritys palata Falstaff-tyyppiin toisen erän viimeisessä pelissä - "Kahdestoista yö". Täällä, Sir Tobyn ja hänen lähipiirinsä persoonassa, meillä on ikään kuin Sir Johnin toinen painos, vaikkakin ilman hänen säkenöivää nokkeluuttaan, mutta samalla tarttuvan hyväntahtoisella ritarillisuudella. Se sopii myös täydellisesti "Falstaffian"-ajan kehykseen, suurimmaksi osaksi, töykeäksi naisten pilkkaamiseksi. "Välimiehen kesyttäminen".

[muokata] Kolmas jakso (1600-1609)

Hamlet ja Horatio hautausmaalla. E. Delacroix'n maalaus (1839)

Kolmas jakso taiteellista toimintaa, peittää suunnilleen 1600-1609 vuotta Shakespearen teosten subjektivistisen biografisen lähestymistavan kannattajat kutsuvat "syvän henkisen pimeyden" ajanjaksoa, pitäen melankolisen Jacquesin esiintymistä komediassa merkkinä muuttuneesta maailmankuvasta. "Kuten pidät" ja kutsui häntä melkein Hamletin edeltäjäksi. Jotkut tutkijat uskovat kuitenkin, että Shakespeare Jacquesin kuvassa vain pilkkasi melankoliaa, ja väitettyjen pettymysten ajanjaksoa elämässä (elämäkerrallisen menetelmän kannattajien mukaan) eivät itse asiassa vahvista Shakespearen elämäkerran tosiasiat. Aika, jolloin näytelmäkirjailija loi suurimmat tragediat, osuu hänen luovien voimiensa kukoistukseen, aineellisten vaikeuksien ratkaisuun ja korkean aseman saavuttamiseen yhteiskunnassa.

Noin 1600 Shakespeare luo "Hamlet", monien kriitikkojen mukaan, on hänen syvin työnsä. Shakespeare piti juonen kuuluisa tragedia kosto, mutta siirsi kaiken huomion henkiseen epäsopuun, päähenkilön sisäiseen draamaan. Perinteiseen kostodraamaan on tuotu uudenlainen sankari. Shakespeare oli aikaansa edellä - Hamlet ei ole tavallinen traaginen sankari, joka kostaa jumalallisen oikeudenmukaisuuden vuoksi. Päätyään siihen johtopäätökseen, että harmoniaa on mahdotonta palauttaa yhdellä iskulla, hän kokee vieraantumisen tragedian ja tuomitsee itsensä yksinäisyyteen. L. E. Pinskyn määritelmän mukaan Hamlet on maailmankirjallisuuden ensimmäinen "heijastava" sankari.

Cordelia. William F. Yemensin maalaus (1888)

Shakespearen "suurten tragedioiden" sankarit ovat erinomaisia ihmisiä, joissa hyvä ja paha sekoittuvat. Ympäröivän maailman epäharmonian edessä he tekevät vaikean valinnan - kuinka olla siinä olemassa, he luovat oman kohtalonsa ja kantavat siitä täyden vastuun.

Samaan aikaan Shakespeare luo draaman " Mitta mittaan". Huolimatta siitä, että vuoden 1623 ensimmäisessä foliossa se on luokiteltu komediaksi, tässä vakavassa teoksessa ei juurikaan ole sarjakuvaa epäoikeudenmukaisesta tuomarista. Sen nimi viittaa Kristuksen opetukseen armosta, toiminnan aikana yksi sankareista on hengenvaarassa, ja loppua voidaan pitää ehdollisena onnellisena. Tämä ongelmallinen teos ei sovi tiettyyn genreen, vaan on genrejen partaalla: palatakseen moraaliin, se on suunnattu tragikomediaan.

Todellinen misantropia ilmenee vasta vuonna "Timon Ateenalainen"- tarinoita antelias ja hyvä mies, tuhosivat ne, joita hän auttoi, ja hänestä tuli ihmisviha. Näytelmä jättää tuskallisen vaikutelman huolimatta siitä, että Timonin kuoleman jälkeinen kiittämätön Ateena kärsii rangaistuksen. Tutkijoiden mukaan Shakespeare kärsi epäonnistumisesta: näytelmä on kirjoitettu epätasaisella kielellä ja siinä on etujensa ohella vielä suurempia haittoja. Ei ole poissuljettua, että useampi kuin yksi Shakespeare työskenteli sen parissa. Itse Timonin hahmo epäonnistui, joskus hän antaa vaikutelman karikatyyristä, muut hahmot ovat yksinkertaisesti kalpeat. Voidaan harkita siirtymistä uuteen Shakespearen luovuuden kaistaleeseen "Antonius ja Kleopatra". "Antoni ja Kleopatra" -elokuvassa lahjakasta, mutta vailla moraalista perustaa "Julius Caesarin" saalistajaa ympäröi todella runollinen sädekehä, ja puolipetturi Kleopatra sovittaa syntinsä suurelta osin sankarillisella kuolemalla.

[muokata] Neljäs jakso (1609-1612)

Prospero ja Ariel. William Hamiltonin maalaus (1797)

Neljäs jakso, lukuun ottamatta näytelmää "Henry VIII" (jotkut tutkijat uskovat, että se on kirjoitettu yhteistyössä John Fletcherin kanssa), sisältää vain kolme tai neljä vuotta ja neljä näytelmää - niin sanotut "romanttiset draamat" tai tragikomediat. Viime kauden näytelmissä kovat koettelemukset korostavat katastrofeista vapautumisen iloa. Panjaus jää kiinni, syyttömyys oikeutetaan, uskollisuus palkitaan, mustasukkaisuuden hulluudella ei ole traagisia seurauksia, rakastajat yhdistyvät onnelliseen avioliittoon. Kriitikot pitävät näiden teosten optimismia merkkinä niiden kirjoittajan sovinnosta. "Perikles", näytelmä, joka eroaa merkittävästi kaikesta aiemmin kirjoitetusta, merkitsee uusien teosten syntymistä. Naiivius, joka rajautuu primitiivisyyteen, monimutkaisten hahmojen ja ongelmien puuttuminen, paluu Englannin varhaisen renessanssin draaman toiminnan rakentamiseen - kaikki osoittavat, että Shakespeare etsi uutta muotoa. "Winter's Tale" on hassu fantasia, tarina "uskomattomasta, jossa kaikki on mahdollista". Tarina mustasukkaisesta miehestä, joka antautuu pahalle, kärsii henkistä tuskaa ja ansaitsee anteeksiannon katumuksensa kautta. Lopulta hyvä voittaa pahan joidenkin tutkijoiden mukaan vahvistaen uskoa humanistisiin ihanteisiin, toisten mukaan kristillisen moraalin voittoon. Myrsky on menestynein viimeisistä näytelmistä ja tietyssä mielessä Shakespearen teoksen finaali. Taistelun sijaan täällä hallitsee ihmisyyden ja anteeksiannon henki. Nyt luodut runolliset tytöt - Marina "Periklesistä", Loss "Talven tarinasta", Miranda "Myrskystä" - ovat kuvia hyveessään kauniista tyttäristä. Tutkijat näkevät Myrskyn viimeisessä kohtauksessa, jossa Prospero luopuu taikuudestaan ja jää eläkkeelle, Shakespearen jäähyväiset teatterimaailmalle.

[muokata] Runoja ja runoja

Pääartikkeli:William Shakespearen runoja ja runoja

Sonettien ensimmäinen painos (1609)

Yleensä Shakespearen runoja ei tietenkään voida verrata hänen loistaviin draamaansa. Mutta itsekseen otettuna heillä on huomattavan lahjakkuuden jälki, ja jos he eivät olisi hukkuneet näytelmäkirjailija Shakespearen loistoon, he olisivat voineet antaa ja todellakin tuovat suuren maineen kirjailijalle: tiedämme, että tutkija Mires näki Shakespearessa runoilija toinen Ovidius. Mutta lisäksi on olemassa lukuisia arvosteluja muista aikalaisista, jotka puhuvat "uudesta Catulluksesta" suurimmalla innolla.

[muokata] runoja

Runo "Venus ja Adonis" julkaistiin vuonna 1593, jolloin Shakespeare tunnettiin jo näytelmäkirjailijana, mutta kirjoittaja itse kutsuu sitä kirjalliseksi esikoiseksi, ja siksi on hyvin mahdollista, että se joko syntyi tai jopa osittain kirjoitettu takaisin. Stretfordissa. On myös ehdotusta, että Shakespeare piti runoa (toisin kuin julkisen teatterin näytelmiä) genrenä, joka ansaitsee jalon suojelijan huomion ja korkean taiteen teoksen. Kotimaan kaiut tuntevat selvästi itsensä. Paikallinen keskienglannin maku tuntuu elävästi maisemassa, siinä ei ole mitään eteläistä, kuten juoni vaatii, runoilijan henkisen katseen edessä oli epäilemättä alkuperäisiä kuvia Warwickshiren rauhallisista pelloista pehmeine sävyineen ja tyyneinä. kauneus. Runossa aistii myös erinomainen hevosten tuntija ja erinomainen metsästäjä. Juoni on pitkälti otettu Ovidin Metamorphosesista; lisäksi paljon on lainattu Lodgen Scillaes Metamorphosisista. Runo on kehitetty kaikella renessanssin ylimielisyydellä, mutta silti ilman kevytmielisyyttä. Ja tämä vaikutti ennen kaikkea lahjakkuuteen nuori kirjailija, sen lisäksi, että runo on kirjoitettu soinnillisilla ja maalauksellisilla säkeillä. Jos Venuksen pyrkimykset sytyttää haluja Adonisissa iskevät myöhempään lukijaan heidän rehellisyydellään, niin ne eivät samalla anna vaikutelmaa jostakin kyynisestä ja taiteellisen kuvauksen arvoisesta. Edessämme on intohimo, todellinen, kiihkeä, mieltä pimentävä ja siksi runollisesti oikeutettu, kuten kaikki kirkas ja vahva.

Paljon manierteisempi on toinen runo Lucretia, joka julkaistiin seuraavana vuonna (1594) ja omistettiin, kuten ensimmäinen, Earl of Southamptonille. SISÄÄN uusi runo ei vain ole enää mitään hillitöntä, vaan päinvastoin kaikki, kuten muinaisessa legendassa, pyörii täysin tavanomaisen naisen kunniakäsityksen hienostuneimmassa ymmärryksessä. Sextus Tarquiniusin loukkaamana Lucretia ei pidä mahdottomana elää avioliiton kunniansa sieppauksen jälkeen ja ilmaisee tunteensa pisimmissä monologeissa. Loistavat, mutta melko jännittyneet metaforat, allegoriat ja antiteesit riistävät näistä monologeista todellisia tunteita ja tekevät koko runosta retorisen. Tällainen ylevyys runouden kirjoittamisen aikana oli kuitenkin erittäin suosittu yleisön keskuudessa, ja Lucretia menestyi yhtä hyvin kuin Venus ja Adonis. Kirjakauppiaat, jotka tuolloin yksin hyötyivät kirjallisesta menestyksestä, koska silloin ei ollut kirjallista omaisuutta kirjailijoille, painoivat painosta painoksen jälkeen. Shakespearen elinaikana "Venus ja Adonis" kävi läpi 7 painosta, "Lucretia" - 5.

Shakespearen ansioksi luetaan vielä kaksi runoa, joista toisen, "Rakastajan valitus", Shakespeare on saattanut kirjoittaa nuoruudessaan. Runo "Intohimoinen pyhiinvaeltaja" julkaistiin vuonna 1599, kun Shakespeare oli jo tiedossa. Sen kirjoittaja on kyseenalaistettu: on mahdollista, että kolmetoista yhdeksästätoista runosta ei ole Shakespearen kirjoittama. Vuonna 1601 vähän tunnetun runoilijan Robert Chesterin johdolla valmistetussa kokoelmassa "Rakkauden marttyyri eli Rosalindin valitus" julkaistiin Shakespearen allegorinen runo "Feeniks ja kyyhkynen", joka on osa teossarjaa muita runoilijoita samoilla hahmoilla.

[muokata] Sonetit

Pääartikkeli:William Shakespearen sonetit

Niin kutsuttu "Chandos-muotokuva" tuntemattomasta henkilöstä, jossa Shakespeare on perinteisesti nähty

Sonetti on 14 rivin runo. Shakespearen soneteissa käytetään seuraavaa riimiä: abab cdcd efef gg, eli kolme neliötä ristiriimeille ja yksi pari (runoilija Earl of Surreyn tyyppi, joka teloitettiin Henry VIII:n alaisuudessa).

Yhteensä Shakespeare kirjoitti 154 sonettia, ja suurin osa niistä on luotu vuosina 1592-1599. Ne painettiin ensimmäisen kerran kirjoittajan tietämättä vuonna 1609. Kaksi niistä julkaistiin jo vuonna 1599 kokoelmassa The Passionate Pilgrim. Nämä ovat sonetteja 138 Ja 144 .

Koko sonettien sykli on jaettu erillisiin temaattisiin ryhmiin:

Ystävälle omistetut sonetit: 1 -126

Laulaa ystävää: 1 -26

Ystävyyskokeet: 27 -99

Erottamisen katkeruus: 27 -32

Ensimmäinen pettymys ystävään: 33 -42

Kaipuu ja pelot: 43 -55

Kasvava vieraantuminen ja melankolia: 56 -75

Kilpailu ja mustasukkaisuus muita runoilijoita kohtaan: 76 -96

Erotuksen "talvi": 97 -99

Uudistetun ystävyyden juhliminen: 100 -126

Swarthylle rakastajalle omistetut sonetit: 127 -152

Johtopäätös - rakkauden ilo ja kauneus: 153 -154

Sonetti 126 rikkoo kaanonia - siinä on vain 12 riviä ja erilainen riimikuvio. Joskus sitä pidetään jaksona syklin kahden ehdollisen osan - ystävyydelle omistettujen sonettien (1-126) ja "tummalle naiselle" (127-154) välillä. Sonetti 145 kirjoitettu jambisella tetrametrillä pentametrin sijaan ja eroaa tyyliltään muista; joskus se johtuu alkukaudesta ja sen sankaritar identifioidaan Shakespearen vaimoon Anna Hathawayn (jonka sukunimi, ehkä sanapelinä "viha pois" esitetään sonetissa).

Ensimmäiset julkaisut

On arvioitu, että puolet (18) Shakespearen näytelmistä julkaistiin tavalla tai toisella näytelmäkirjailijan elinaikana. Shakespearen perinnön tärkeimpänä julkaisuna pidetään vuoden 1623 folioa (ns. "First Folio"), jonka Edward Blount ja William Jaggard julkaisivat osana ns. "Chester-kokoelma"; tulostimet Worrall ja Col. Tämä painos sisältää 36 Shakespearen näytelmää - kaikki paitsi "Perikles" ja "Kaksi jalosukulaista". Tämä painos on kaiken Shakespearen alan tutkimuksen taustalla.

Tämä projekti tehtiin mahdolliseksi Shakespearen ystävien ja työtovereiden John Hemingen ja Henry Condellin (1556-1630 ja Henry Condellin, d.1627) ponnistelujen ansiosta. Kirjaa edeltää viesti lukijoille Hemingen ja Condellin puolesta sekä runollinen omistus Shakespearelle - Rakkaani, Kirjailijan muistolle - näytelmäkirjailija Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637), joka oli samalla hänen kirjallinen vastustajansa, kriitikko ja ystävänsä, joka osallistui ensimmäisen folion, tai kuten sitä myös kutsutaan - "The Great Folio" (The Great Folio 1623), julkaisemiseen.

VIII. ESIASTEET

Uusi dramaturgia, joka korvasi keskiajan teatterin - mysteereitä, allegorista moraalia ja primitiivisiä kansanfarsseja, kehittyi vähitellen.

1500-luvun 30-luvulla piispa Bayle, kiihkeä protestantti, kirjoitti näytelmän, joka oli suunnattu katolilaisuutta vastaan. Hän havainnollisti ajatuksiaan esimerkillä Englannin historiasta - kuningas Johannes Maattoman taistelusta (hallitsi vuosina 1199-1216) paavia vastaan. Todellisuudessa tämä kuningas oli merkityksetön henkilö, mutta hän oli protestanttisen piispan sydämelle rakas, koska hän oli vihamielinen paavin kanssa. Bayle kirjoitti moraalin, jossa personoidut hyveet ja paheet toimivat. Näytelmän keskeinen hahmo oli nimeltään Hyve. Mutta samaan aikaan sitä kutsuttiin King Johniksi. Synkistä paheita henkilöllistyneistä hahmoista yhden nimi oli Laittomasti kaapattu valta, hän on myös paavi; toisen nimi on Intiment to Revolt, hän on myös paavin legaatti. Baylen "King John" on erikoinen näytelmä, jossa vanhan keskiaikaisen moraalin allegorioita yhdistettiin uuteen historialliseen genreen, joka kukoisti myöhemmin Shakespearen historiallisissa näytelmissä. Baylen "Kuningas Johnia" ovat kirjallisuuden historioitsijat vertailleet koteloon: se ei ole enää toukka, mutta se ei myöskään ole perhonen.

Sitten, 1500-luvun 30-luvulla, niin kutsuttu "kouludraama" alkoi kehittyä Englannissa. Sitä kutsutaan nimellä, koska se luotiin yliopistojen ja koulujen seinien sisällä: näytelmät ovat professorien ja opettajien kirjoittamia, opiskelijoiden ja koululaisten esittämiä. Mutta sitä voidaan kutsua myös "kouludraamaksi" siinä mielessä, että sen itse luoneet näytelmäkirjailijat opettivat edelleen näytelmien kirjoittamista tutkimalla muinaisia kirjailijoita ja jäljittelemällä heitä. 1500-luvun 30-luvulla kirjoitettiin ensimmäinen englanninkielinen komedia, Ralph Royster-Deuster; sen kirjoittaja oli tuolloin tunnettu opettaja Nicholas Youdl, Eton Schoolin johtaja. Viisikymmentäluvulla oppineet asianajajat Sackville ja Norton kirjoittivat ensimmäisen englanninkielisen tragedian - "Gorboduk".

Lastenleikki on tyypillinen "ukkonen ja veren tragedia", kuten silloin sanottiin. Otsikko itsessään on kaunopuheinen - "Espanjalainen tragedia". Tämä on yritys, vielä alkeellinen, kuvata inhimillisten tunteiden voimaa. Näyttämölle ilmestyy kauhea Revengen hahmo, joka muistuttaa vanhan moraalin kuvia. Välittömästi tulee esiin murhatun Andrean henki, joka valittaen ilkeistä murhaajista huutaa kauheaa toveriaan. Toiminta alkaa. Nuori mies Horatio rakastaa kaunista tyttöä Belimperiaa, ja tämä rakastaa häntä. Mutta Belimperiaa rakastaa myös Portugalin kuninkaan poika Balthazar. Balthasar viedään auttamaan Belimperian veljeä, rikollista Lorenzoa. Kuutamoisena yönä, kun puutarhassa istuvat nuoret julistavat rakkauttaan toisilleen, naamioituneet tappajat tulevat lavalle ja tappavat Horation tikareilla. Tuon ajan Englannin näyttämöllä he halusivat kuvata murhia ja muita "kauhuja": näyttelijä laitettiin valkoisen viitan alle punaviinietikkapullolla; tikari lävisti kuplan, ja valkoiseen viitaan ilmestyi punaisia täpliä. Puukotettuaan Horatiota tikareilla tappajat ripustivat hänen ruumiinsa puuhun - ilmeisesti näyttääkseen yleisölle selkeämmin veren tahratun ruumiin. Sen jälkeen salamurhaajat ottavat Belimperian väkisin pois. Horation isä, vanha Jeronimo, juoksee ulos hänen huutoilleen - yhdessä paidassa, miekka käsissään. Nähdessään poikansa ruumiin roikkumassa puussa, hän lausuu jylisevän monologin, jossa vaaditaan kostoa... Kaikkea lavalla tapahtuvaa tarkkailevat murhatun Andrean Kosto ja Henki, joka iloiten odottaa kostoa, sillä Horation tappajat ovat myös hänen tappajiaan. Mutta vanha Jeronimo epäröi: ei ole helppoa kostaa kuninkaan pojalle. Onneton vanha mies ajattelee elämää kaipaavasti. "Oi maailma!" hän huudahtaa. "Ei, ei maailma, vaan kokoelma rikoksia!" Hän vertaa itseään yksinäiseen matkailijaan, joka eksyi lumisena yönä... Andrean sielu on ahdistuksen vallassa. Hän kääntyy Vengeancen puoleen, mutta näkee tämän nukkuvan. "Herää, Revenge!" hän huudahtaa epätoivoisena. Kosto on heräämässä. Ja sitten vanhaan Jeronimoon tulee ajatus. Tavoitteensa saavuttamiseksi hän aikoo esittää näytelmän hovissa (lukija on jo huomannut joitakin yhtäläisyyksiä tämän tragedian ja Shakespearen Hamletin välillä; muistamme jälleen kerran, että Kidd oli kirjoittanut ensimmäisen Hamletista kertovan näytelmän). Jeronimon lavastamaan esitykseen osallistuvat hänen suunnitelmaansa aloittanut Belimperia sekä Balthazar ja Lorenzo. Näytelmän aikana hahmojen täytyy tappaa toisensa. Vanha Jeronimo tekee niin, että "teatterimurhien" sijaan tapahtuu oikeita murhia. Esitys päättyy, mutta näyttelijät eivät nouse maasta. Espanjan kuningas vaatii selitystä Jeronimolta. Hieronimo kieltäytyy vastaamasta ja kieltäytymisensä vahvistukseksi puree omaa kieltään ja sylkee sen ulos. Sitten kuningas käskee antaa hänelle kynän, jotta hän kirjoittaa selityksen. Hieronimo pyytää merkkejä antamaan hänelle veitsen kynän teroittamiseksi ja puukottaa itseään tällä veitsellä. Veristen ruumiiden kasaan ilmestyy riemukas Revenge, mikä viittaa siihen, että todellinen kosto on vielä edessä: se alkaa helvetistä.

Kaikki tässä näytelmässä on teatraalista, ehdollista, melodramaattista läpi ja läpi. Thomas Kiddin "Espanjalainen tragedia" on Shakespearen aikakauden dramaturgian "romanttisen" suuntauksen esi-isä, joka synnytti sellaisia tragedioita kuin esimerkiksi Shakespearen "Valkoinen paholainen" tai "Malfin herttuatar". nykyaikainen - Webster.

Samana vuonna 1586 kirjoitettiin täysin toisenlainen näytelmä. Sen nimi on "Arden Fevershamin kaupungista" (Tämä näytelmä on aikoinaan laskettu Shakespearen ansioksi, mutta ilman riittävää perustetta.) (sen kirjoittaja on meille tuntematon). Tämä on perhedraama. Se kertoo kuinka nuori nainen Alice Arden ja hänen rakastajansa Moseby tappoivat Alicen miehen. Itse murha on kuvattu suurella voimalla, kun Alice yrittää turhaan pestä pois veritahrat (tämän motiivin kehitti suurella voimalla Shakespeare siinä kuuluisassa kohtauksessa, jossa Lady Macbeth vaeltelee puoliunessa muistojen vallassa). Kaikki tässä näytelmässä on elintärkeää, realistista. Ja itse juonen kirjailija lainasi tosielämästä. Epilogissa kirjoittaja pyytää yleisöä antamaan hänelle anteeksi sen tosiasian, että näytelmässä ei ole "koristeita". Tekijän mukaan "yksinkertainen totuus" riittää taiteeseen. Tätä näytelmää voidaan kutsua tuon Shakespearen aikakauden dramaturgian suuntauksen esi-isäksi, joka pyrki kuvaamaan jokapäiväistä elämää, kuten Thomas Heywoodin upeaa draamaa "A Woman Killed by Kindness". Shakespearen teoksessa yhdistyvät molemmat virtaukset - romanttinen ja realistinen.

Idän kuninkaat kutsuvat Marlon näytelmässä "Skythian paimenta", "Volgan rosvoa" Tamerlaneksi, jonka hän kaataa valtaistuimelta valloittamalla heidän valtakuntansa. Tamerlanen armeija koostuu Marlon mukaan "yksinkertaisista maalaispojista". Marlo esittää Tamerlanea lihaksikkaana jättiläisenä. Tämä on mies, jolla on ilmiömäinen fyysinen voima, tuhoutumaton tahto ja alkeellinen temperamentti. Se muistuttaa Michelangelon taltan luomia mahtavia hahmoja. Renessanssille niin tyypillinen maallisen elämän ylistyksen motiivi kaikuu äänekkäästi tässä suurenmoisessa dramaattisessa eeppisessä; lavalta kuuluu sanoja: "Minusta taivaallisia nautintoja ei voi verrata kuninkaalliseen iloon maan päällä!"

Tamerlane, kuten Marlo itse, on intohimoinen vapaa-ajattelija. Yhdessä myrskyisissä myrskyisissä monologeissaan hän sanoo, että ihmisen tavoitteena on "ikuisesti nousta äärettömään tietoon ja olla ikuisesti liikkeessä, kuten levottomat taivaan pallot". Tämä upea sankari on täynnä ylimääräistä voimaa. Hän ajaa lavalle vaunuissa, joihin valjastetaan hevosten sijaan vangiksi ottamansa kuninkaat. "Hei sinä hemmoteltu aasialainen nalkku!" hän huutaa ja kannustaa heitä piiskallaan.

Marlon seuraava näytelmä oli Tohtori Faustin traaginen historia (Tämä näytelmä on saatavilla venäjäksi: Tohtori Faustin traaginen historia. K. Balmontin käännös. Moskova, 1912). Se oli kuuluisan legendan ensimmäinen dramaattinen sovitus. Marlon näytelmä heijasteli renessanssille niin ominaista ihmisen halua valloittaa luonnonvoimat. Faust myy sielunsa Mefistofelelle "saadakseen tiedon kultaiset lahjat" ja "tunkeutuakseen luonnon aarteeseen". Hän haaveilee kotikaupunkinsa sulkemisesta kuparisella muurilla ja tekemisestä viholliselle saavuttamattomiksi, jokien suunnan muuttamisesta, sillan heittämisestä Atlantin valtameren yli, Gibraltarin täyttämisestä ja Euroopan ja Afrikan yhdistämisestä yhdeksi mantereeksi ... "Kuinka mahtavaa se on kaikki on!" - sanoi Goethe, joka käytti joitain Marlon tragedian piirteitä hänen "Faustissaan".

Fantasian suurenmoinen ulottuvuus, voimien voimakas paine, ikäänkuin vaikein päin, luonnehtii Marlon työtä. "Marlon voimakas säe", kirjoitti Ben Jonson. Shakespeare puhuu myös Marlon "voimakkaasta sanonnasta" (Shakespearen komediassa "As You Like It" paimentar Phoebe sanoo: "Kuollut paimen, nyt ymmärrän voimallisen sanasi – joka rakasti aina rakasti ensisilmäyksellä." Viimeinen lause on lainaus Marlon runosta "Sankari ja Leander" "Dead Shepherd" - Marlo (Shakespeare on nimennyt niin, luultavasti siksi, että Marlo oli runon kirjoittaja rakastunut paimen).

Puritaanit, jotka loivat uuden porvarillisen moraalin koodin, olivat närkästyneitä intohimoiseen vapaa-ajattelijaan, joka saarnasi avoimesti näkemyksiään. Queen's Privy Councilille tuli yksi toisensa jälkeen irtisanomisia. Ja jopa tavalliset ihmiset, vaikka Marlowen näytelmät olivat heidän keskuudessaan valtava menestys, katsoivat joskus lavalla tapahtuvaa ilman taikauskoista pelkoa. Tällainen huhu oli jopa Lontoossa. Kerran "Faustin" esityksen jälkeen kävi ilmi, että Mefistofelen roolia näyttelevä näyttelijä oli sairas eikä mennyt teatteriin. Kuka sitten pelasi Mefistofeles sinä päivänä? Näyttelijät ryntäsivät pukuhuoneeseen, ja vasta sitten he arvelivat rikin hajun perusteella, että paholainen itse esiintyi Lontoon lavalla sinä päivänä.

Marlon kuoleman ympärille on kehittynyt monia legendoja. Jotkut legendat kertoivat, että Marlo kuoli humalassa tappelussa riiteltyään tappajansa kanssa prostituoidusta; toiset, että hän kaatui puolustaessaan viattoman tytön kunniaa. Näitä legendoja kuunneltiin vakavasti viime aikoihin asti. Ja vasta vuonna 1925 amerikkalainen professori Leslie Hotson onnistui löytämään Englannin arkistoista asiakirjoja, jotka valaisevat Marlon kuoleman olosuhteita (Hotsonin löydöt esitetään kirjassa: Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925). Ja kävi ilmi, että Marlon murha oli kuningatar Elisabetin salaneuvoston työ; Marlon murhassa eräs Field oli läsnä - Privy Councilin agentti (Marlon murhasta, katso lisätietoja artikkelistani "Christopher Marlo" (" kirjallisuuskriitikko", 1938, N 5). Marlosta, katso myös artikkeli, jonka on kirjoittanut professori A.K. Englanninkielinen kirjallisuus", julkaissut Neuvostoliiton tiedeakatemia, M.-L., 1944, sekä prof. N. I. Storozhenkon monografiassa "Shakespearen edeltäjät", osa 1, Pietari, 1872.).

Olemme maininneet vain muutaman Shakespearen edeltäjistä. Todellisuudessa Shakespeare käytti laajasti kotimaansa kirjallista menneisyyttä. Hän lainasi paljon Chaucerilta (esim. Shakespearen runo "Lucretia" juonenjuurineen vie meidät Chaucerin "Legendoihin hyvistä naisista"; Theuksen ja Hippolytan kuvat komediassa "Kesäyön uni" ovat todennäköisesti saaneet inspiraationsa " The Knight's Tale" Chaucerin kuuluisista "Canterbury Tales" -kirjoista; Chaucerin runo "Troilus ja Cressida" vaikutti Shakespearen samannimiseen komediaan jne.). Shakespeare oli paljon velkaa Faerie Queenen kirjoittajalle Edmund Spenserille ja muille koulunsa runoilijoille. Philip Sidneyn "Arcadiasta" Shakespeare lainasi juonen, jonka hän ilmensi Gloucesterin kuvassa, jonka hänen poikansa Edmund ("Kuningas Lear") petti - Shakespeare kunnioitti myös eufuismia. Lopuksi Shakespearen edeltäjistä mainittakoon nimettömät englantilaisten kansanballadien kertojat (neuvostoaikana englantilaisia kansanballadeja käänsivät S. Marshak, E. Bagritsky, T. Shchepkina-Kupernik ja muut (ks. kokoelma "Balladit ja laulut The English People" tämän kirjan kirjoittajan kokoama). Detgiz, 1942).). Englannin kansanballadissa syntyy traaginen toimintadraama, joka on niin tyypillistä Shakespearen ja hänen aikalaistensa teoksille. Monet kansan keskuudessa pitkään vallinneet ajatukset ja tunteet, jotka ovat heijastuneet kansanballadeissa ja -lauluissa, ovat löytäneet loistavan taiteellisen ilmentymän Shakespearen teoksessa. Tämän luovuuden juuret ulottuvat syvälle kansanmaaperään.

Ulkomaisen kirjallisuuden teoksista Shakespeare sai vaikutteita pääasiassa italialaisista novelleista Boccaccio ja Bandello, joista Shakespeare lainasi näytelmiensä juoneja. Kokoelma italialaisia ja ranskalaisia novelleja, jotka on käännetty englanniksi otsikolla "The Hall of Delights", oli Shakespearen hakuteos. "Roomalaisiin tragedioihinsa" ("Julius Caesar", "Coriolanus", "Antony ja Kleopatra") Shakespeare otti juonen Plutarkhin kuuluisien ihmisten elämästä, jonka hän luki Northin englanninkielisenä käännöksenä. Hänen suosikkikirjojaan olivat myös Ovidin Metamorphoses Goldingin englanninkielisenä käännöksenä.

Shakespearen teoksia ovat valmistaneet monet runoilijat, kirjailijat ja kääntäjät.

Shakespearen edeltäjät.

Yksi Shakespearen lahjakkaimmista edeltäjistä oli Christopher Marlo(1564 - 1593). Marlowe oli ensimmäinen kirjailija, joka dramatisoi Faust-legendan, joka julkaistiin vähän aiemmin saksaksi kansankirja. soita se "Traaginen tarina tohtori Faustin elämästä ja kuolemasta", kirjoitettu luultavasti noin 1588 - 1589, muuttaa merkittävästi legendan filosofista ja moraalista merkitystä, vaikka se on juoniltaan hyvin lähellä kansankirjaa. Marlon Faust on titaaninen luonto. Hän antaa sielunsa paholaiselle tiedon, maallisen onnen ja voiman vuoksi. Mefistofeleen kanssa tehdyn sopimuksen pitäisi tehdä hänestä "maailman herra", antaa hänelle suunnaton rikkaus ja rajoittamaton valta. Mutta Faust haluaa käyttää kaikkea tätä paitsi kapeisiin henkilökohtaisiin, egoistisiin tarkoituksiin; esimerkiksi hän aikoo perustaa useita yliopistoja, lisätä isänmaansa sotilaallista voimaa ympäröimällä se läpäisemättömällä kupariseinällä, valloittaa naapurimaita: Italian, Afrikan Espanjan kanssa jne. Marlowen tulkinta Mefistofelen kuvasta ei ole yhtä omituinen: hän ei näytä keskiaikaisten legendojen paholaisilta, eikä hänessä ole koomisia piirteitä. Mephistopheles Marlowe on "kärsimyksestä uupunut" henki, joka kantaa helvettiä sydämessään, ja samalla kapina jumalallisia voimia vastaan; hän ei näy Faustille niinkään taikaloitsujen seurauksena, vaan siksi, että Faust, kuten Saatana, pilkkaa Jumalaa ja vihaa Kristusta.

Marlolla oli suuri vaikutus Shakespearen ja muiden tuon ajan näytelmäkirjailijoiden työhön. Shakespeare otti häneltä haltuunsa paitsi tyhjän säkeen (englanninkieliseen draamaan lopulta vakiintuneen Marlowen ansiosta), myös monia ideologisia piirteitä ja tyylilaitteet hänen näytelmänsä, kuten tyyppi traaginen sankari, jonka ympärille toiminta keskittyy, ominaisuuden korkea patos, monien eettisten ja yhteiskuntapoliittisten ongelmien ratkaisu.

William Shakespeare (1564-1616)

Kirjallinen toiminta, luova kehitys, "Shakespearen kysymys".

Shakespeare syvensi työssään poikkeuksellisen kaikkea, mitä hän oli ottanut edeltäjiltään. Hänen elämäkerta on meille vähän tunnettu. Sen tärkeimmät vakaasti vahvistetut tosiasiat tiivistyvät seuraaviin.

William Shakespeare syntyi Stretford-upon-Avonin kaupungissa ja oli varakkaan hanskalaisen poika. Shakespeare opiskeli paikallisessa "kielioppikoulussa", jossa opetettiin latinaa ja kreikan alkua. Sitten hän meni hyvin nuorena naimisiin ja muutti noin 1587 Lontooseen.

Vuonna 1593 hän tuli palvelukseen näyttelijänä ja näytelmäkirjailijana Lontoon parhaassa seurueessa. Tämän ryhmän jäsenet rakensivat vuonna 1599 teatterin nimeltä "Maapallo" jossa Shakespearen näytelmiä lavastettiin säännöllisesti. Tämä ryhmä oli myös kuuluisa sarjakuvanäyttelijöistään, jotka esittivät erittäin vilkasta improvisaatiota. Shakespeare itse ei ilmeisesti ollut erityisen lahjakas näyttelijä. Mutta jo ennen liittymistään tähän seurueeseen hän sai erinomaisen näytelmäkirjailijan mainetta, joka on nyt vihdoin perustettu hänelle. Noin 1593 Shakespearesta tuli läheinen ryhmä nuoria aristokraatteja, teatterin ystäviä, erityisesti Southamptonin jaarlin kanssa, jolle hän omisti kaksi runoaan: "Venus ja Adonis" Ja "Hävitetty Lucretia". Uskotaan, että hänelle on omistettu myös vuonna 1609 julkaistu, mutta paljon aikaisemmin kirjoitettu sonettikokoelma. Nämä runot ja sonetit sekä muutamat muut runot ovat ainoita ei-dramaattisia teoksia, jotka Shakespeare kirjoitti. Noin 1612 hän muutti lopulta Stretfordiin, jättäen teatterin ja lopettaen kokonaan näytelmäkirjailijan työnsä. Shakespeare vietti viimeiset vuotensa melko huomaamatta ja kuoli rauhallisesti perheensä kanssa vuonna 1616, legendan mukaan syntymäpäivänä 23. huhtikuuta.

"Shakespearen kysymys".

Shakespearen elämää koskevien tietojen niukkuus johti syntymiseen 1800-luvun puolivälissä. hypoteesi, jonka mukaan Shakespearen nimeä kantavien näytelmien kirjoittaja ei ollut näyttelijä William Shakespeare, vaan joku muu henkilö, joka tuntemattomista syistä halusi salata nimensä. Tämä henkilö näytti tehneen sopimuksen Shakespearen kanssa, joka tiettyä korvausta vastaan suostui välittämään näytelmänsä omakseen. Tämän hypoteesin kannattajat väittivät, että Shakespearen näytelmien todellinen kirjoittaja oli filosofi Francis Bacon. He tarjosivat myös Earl of Derbyä, Lord Rutlandia jne. Kaikilla näillä olettamuksilla ei ole faktapohjaa, ja vakavat tiedemiehet ovat aina hylänneet ne. Mutta "anti-Shakespearialaiset" eivät vieläkään luovu asemistaan, heille näyttää mahdottomalta, että jotkut heidän sanoin "maakunnan puolikoulutetut", "yksinkertaisen kauppiaan poika" kirjoittivat nerokkaita teoksia, jotka paljastavat tällaisen syvä mieli, henkinen herkkyys ja ymmärrys, niin upeaa taidetta ja tunteiden jaloutta. Heidän mielestään näiden teosten kirjoittaja saattoi olla vain hienostunut kulttuurinen, epätavallisen koulutettu, yhteiskunnan ylempään kerrokseen kuuluva henkilö.

Luovuuden evoluutio.

Shakespearen näytelmien tyyli ja genre, teemat ja luonne ovat muuttuneet kirjoittamisajankohdan mukaan. Erottelemme Shakespearen työstä kolme ajanjaksoa.

1). Ensimmäiselle on ominaista optimismi, kirkkaan elämäntunteen dominointi, iloiset sävyt. Ensinnäkin tähän sisältyy useita Shakespearen iloisia ja maalauksellisia komediaa, usein syvällä lyyrisellä värityksellä mm. "Unelma kesäyössä"(1595), " Venetsian kauppias" (1596), "Paljon melua tyhjästä" (1598), "Kuten pidät" (1599), "Kahdestoista yö"(1600) ja muut. Samaan aikaan Shakespeare luo sarjan "kronikojaan" (näytelmiä, jotka perustuvat juoniin Englannin historia): "RichardIII" (1592), "RichardII"(1595), kaksi osaa "HeinrichIV"(1597), "Henry V" (1599) ym. Vaikka näissä näytelmissä esitetään usein hyvin synkkiä ja julmia kuvia, usko elämään, hyvän alun voittoon niissä kuitenkin vallitsee. Myös tragediat kuuluvat tähän ajanjaksoon. "Romeo ja Juulia" (1595), "Julius Caesar"(1599). Ensimmäinen niistä on traagisesta juonestaan huolimatta kirkkain ja iloisin värein kirjoitettu ja sisältää monia iloisia kohtauksia, jotka muistuttavat Shakespearen samaan aikaan luotuja komediaa. Toinen, vakavampi, on siirtyminen toiseen ajanjaksoon.

2). Tänä aikana, vuosina 1601–1608, Shakespeare poseeraa ja ratkaisee elämän suuria traagisia ongelmia, ja pessimismin virta liittyy hänen uskoonsa elämään. Melkein säännöllisesti, kerran vuodessa, hän kirjoittaa tragedioita: "Hamlet"(1601), "Othello" (1604), "Kuningas Lear" (1605), "Macbeth" (1605), "Antonius ja Kleopatra" (1606), "Coriolanus" (1607), "Timon Ateenalainen"(1608). Hän ei lopeta komedian säveltämistä tällä hetkellä, mutta lukuun ottamatta "Windsorin iloiset vaimot"(1601 - 1602), niissä ei ole enää entisestä huolettoman hauskanpidon luonnetta ja niissä on niin vahva traaginen elementti, että nykyaikaisella terminologialla niitä olisi kätevää kutsua "draamaksi" - sellainen on esimerkiksi näytelmä "Mitta toimenpiteestä" (1604).

Asiaan liittyvä sisältö: