Schimbări în viața de zi cu zi și impactul lor asupra artelor și meșteșugurilor. Caracteristici ale ornamentului și decorului stilurilor artistice de baroc, rococo, clasicism.

Afaceri cu argint și aur: școala din Petersburg, meșteșugari și fabrici din Moscova, argint negru al lui Veliky Ustyug. Noi tipuri de veselă din metale prețioase și neferoase: ceainice, cafetiere, buillotte, samovar. articole de uz casnic și ustensile bisericesti. Regale de stat. Ordine și medalii. Emailuri. Artiștii email A.G. Ovsov, G.S. Musikisky.

Apariția porțelanului rusesc. D.I. Vinogradov. Fabrici imperiale și private de porțelan. Maiolica, faianta. Sticla de arta. Tesaturi decorative si tapiserii. Nou în haine. Dulapuri și mobilier de tipar. Marquetarie. Sculptură în lemn în interioare civile și bisericești. Echipaje. Stâncă decorativă. Cameuri.

Meșteșuguri populare artistice. Donetele sculptate și încrustate de Gorodets. Sculptură în os Kholmogor. Broderie de aur a provinciei Tver. Dantela lui Galich si Vologda. ceramica Gzhel.

Muzică și teatru în secolul al XVIII-lea

Cânt coral cu mai multe voci. Kants. Muzică instrumentală și orchestre. arta operei. Balet. Muzica în curte, viața urbană și țărănească. Apariția școlii naționale de compozitori. E.I. Fomin. I.E.Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S. Berezovski. A.O. Kozlovsky.

Încercările de a crea un teatru public public sub Petru cel Mare. Spectacole de amatori la curte. Teatre școlare în spiritual și laic institutii de invatamant. Trupe profesionale de actori străini.

Dramaturgia clasicismului rus: tragedii și comedii. Influența sentimentalismului asupra repertoriului de teatru. Apariția dramei și a operei comice pe scena rusă. A.P. Sumarokov - dramaturg și figură de teatru. Fondator al teatrului profesionist rus, actor și regizor F. G. Volkov. Prietenul și urmașul său I.A. Dmitrevsky. Spectacole de teatru de masă.

Teatrul de cetate. Trupa contelui P.B. Sheremetev. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova și alți artiști. Teatrul-palat din Ostankino. Teatrul Poporului.

ABREVIERI ALE NUMELE PRINCIPALELOR COLECȚII MUZEALE MENȚIONATE ÎN LISTA MONUMENTELOR CULTURALE

BAN - Biblioteca Academiei Ruse de Științe (Sankt Petersburg)

VMDPNI - Muzeul integral rusesc arte și meșteșuguri și artă populară (Moscova)

GIM - Stat Muzeul de Istorie(orașul Moscova)

GMGS - Muzeul de Stat al Sculpturii Urbane (Sankt Petersburg)

GMMK - muzeele de stat Kremlinul din Moscova (Moscova)

GNIMA - Muzeul de Stat de Cercetare de Arhitectură (Moscova)

GOP - Camera Armeria de Stat (Moscova)

Muzeul Rus de Stat - Muzeul Rus de Stat (Sankt Petersburg)

Galeria de stat Tretiakov - Galeria de stat Tretiakov (Moscova)

GE - Schitul de Stat(St.Petersburg)

ZIKhMZ - fosta rezervație de muzeu istoric și de artă Zagorsk (acum Sergiev-Posad) (Sergiev Posad, regiunea Moscova)

MIDU - Muzeul Comorilor Istorice ale Ucrainei (Kiev)

MPIB - Muzeul de Arte Aplicate și de Viață al secolului al XVII-lea „Catedrala celor Doisprezece Apostoli și Camerele Patriarhale din Kremlinul din Moscova” (Moscova)

NGM - Rezervația Muzeului Statelor Unite din Novgorod (Novgorod)

NGP - Camera Fațetelor din Novgorod (Novgorod)

SHM - Muzeul de Artă Samara (Samara)

MONUMENTELE CULTURII RUSE

SECȚIUNEA I. ISTORIA CULTURII RUSE A EVULUI ANTIC ȘI MEDIU

(ÎNAINTE DE sfârșitul secolului al XVII-lea)

ARHITECTURA POPULARĂ DIN LEMN

CLĂDIRI RELIGIOASE

1. Bisericile Klet: Biserica lui Lazăr de la Mănăstirea Murom (secolele XIV-XVI) - Rezervația Naturală Kizhi; Biserica Depunerea Robului din satul Borodava (sec. XV) - Muzeul-Rezervație Kirillo-Belozersky; Biserica Schimbarea la Față din satul Spas-Vezhi (sec. XVII) - Muzeul-Rezervație Kostroma; Biserica Sf. Nicolae din satul Tukholya (secolul al XVII-lea) - Muzeul-Rezervație Novgorod „Vitoslavlitsy”; capela Arhanghelului Mihail din satul Lelikozero (secolul al XVIII-lea) - Muzeul-Rezervație Kizhi; Biserica Sf. Nicolae din satul Glotova (sec. XVIII) - Muzeul-Rezervatie Suzdal.

2. Bisericile de cort: Biserica Sf. Nicolae din satul Lyavlya (secolul al XVI-lea); Biserica Sf. Gheorghe din satul Vershina (secolul al XVII-lea) - Muzeul-Rezervație Arhangelsk „Small Korely”; Biserica Învierii din satul Patakino (sec. XVIII) - Muzeul-Rezervație Suzdal; Biserica Adormirea Maicii Domnului (secolul al XVIII-lea) din orașul Kondopoga.

Dezvoltarea artelor decorative și aplicate a contribuit la perfecţionarea tehnicilor de producţie artizanală şi manufacturieră, apariţia industriei artistice (fabricarea de tapiserii, sticlă de artă, faianţă, tăierea pietrei, producţia de mătase şi pânză), producţia manufacturieră de lucruri la modă, bunuri de lux, descoperirea şi dezvoltarea zăcămintelor. din cupru, cositor, argint, piatra colorata, argile de calitate superioara.

Rolul Academiei de Științe în „prosperitatea artelor și manufacturiilor libere”, reflectând noile interese de științe naturale și tehnice în artele decorative și aplicate, este semnificativ. În prima jumătate a secolului al XVIII-lea au apărut noi forme de educație și formare a maeștrilor la fabricile de artă; există organizații de bresle ale artizanilor în Rusia, ceea ce nu neagă distribuția largă a maeștrilor străini în diferite domenii ale artelor decorative și aplicate.

În arte și meșteșuguri (articole de interior, mobilier, decor) stilul este dictat activ de modă. Ca urmare, apar noi tipuri de obiecte, ideile estetice în artă și meșteșuguri sunt actualizate. În artele decorative și aplicate de la mijlocul secolului al XVIII-lea, există o tendință de sinteză a artelor, unde arhitectura, sculptura, pictura și meșteșugurile aplicate sunt îmbinate într-un ansamblu decorativ.

Drept urmare, arta designului interior devine un tip special activitate artisticăîn lucrările arhitecților din secolul al XVIII-lea. Acest tip de activitate artistică determină apariția unor noi tipuri de spații (studii, camere frontale, dormitoare, sufragerie, „holuri de tablouri”) și conținutul acestora (Palatul de vară, Palatul lui A.D. Menshikov, Palatul Marelui Peterhof, Monplaisir).

Toate acestea contribuie la dezvoltarea afacerii cu mobila, apar noi tipuri si forme de mobilier, materiale si modalitati de decorare a acestuia. Influența mobilierului englez și olandez este foarte puternică aici. Sub influența Europei, chiar și stilul baroc și rococo din mobilier prinde contur în Rusia.

Mobilierul clasicismului are un caracter și o formă caracteristică. În mare măsură, motivele antice pot fi urmărite în formele și decorarea mobilierului. La mijlocul secolului al XVIII-lea, arhitecții au fost implicați în dezvoltarea de noi tipuri de mobilier, arta mobilierului a apărut în Rusia și mobilierul de autor (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea au apărut primele ateliere de mobilă (atelierul lui G. Gambs și I. Ott). Pentru această perioadă în arta mobilierului se caracterizează prin stilul lui „Jacob”. În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, materialele din arta mobilierului se schimbau: aici au apărut mahonul, lemnul aurit, plopul, mesteacănul de Karelian; Din ce în ce mai mult, textilele și broderia sunt folosite la fabricarea mobilei.

Ceramica și faianța ocupă un loc aparte în artele decorative și aplicate. Acest lucru se întâmplă la început din cauza extinderii importurilor de produse de faianță din Anglia și Olanda. Cu toate acestea, în curând a apărut prima fabrică privată a lui A. Grebenshchikov la Moscova, producând faianță fină rusească. Mai târziu, s-a format stilul felurilor de mâncare de palat ceremonial cu gravură mată și s-a răspândit moda cristalului ca obiect de interior. Aceasta implică deschiderea primei fabrici private de sticlă și cristal a lui Maltsov din districtul Mozhaisk.

În secolul al XVIII-lea, datorită popularității tot mai mari a artelor și meșteșugurilor, a decorului interior, a crescut consumul de sticlă, care a fost folosită pentru a crea o varietate de oglinzi și corpuri de iluminat.

Sculptură și pictură din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea.

Un rol important în dezvoltarea picturii secolului al XVIII-lea l-a jucat creare Vladimir Lukici Borovikovski. În ciuda faptului că artistul nu a fost catalogat oficial ca student al Academiei, el a folosit, fără îndoială, sfaturile profesorilor acesteia și, mai ales, Levitsky. Talentul natural și perseverența de fier a tânărului artist au dus curând la faptul că Borovikovsky a fost promovat în rândurile primilor maeștri ai sfârșitului secolului al XVIII-lea. A creat o serie de portrete excelente ale contemporanilor săi, printre care G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova și mulți alții. Un interes constant pentru experiențele spirituale ale unei persoane, subliniat lirismul și contemplația, avântat de o ceață de sentimentalism, atât de caracteristică epocii, sunt caracteristice pentru majoritatea lucrărilor lui Borovikovsky. Artistul nu a urmat niciodată calea caracteristicilor externe, superficiale ale imaginii, străduindu-se constant să transmită cele mai subtile mișcări spirituale ale fețelor portretizate.

Opera lui este dominată de portret de cameră. Borovikovsky încearcă să afirme valoarea de sine și puritatea morală a unei persoane (portretul lui Lizynka și Dashinka, portretul lui E.N. Arsenyeva etc.). La începutul secolelor XVIII-XIX, Borovikovsky a fost atras de personalități puternice și energice, se concentrează pe cetățenie, noblețe și demnitatea celor portretizați. Aspectul modelelor sale devine mai restrâns, fundalul peisajului este înlocuit de imaginea interiorului (portrete ale lui A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka etc.).

Borovikovsky este, de asemenea, un maestru recunoscut al miniaturii portretelor. Colecția Muzeului Rus conține lucrări aparținând pensulei sale - portrete ale lui A.A. Menelas, V.V. Kapnist, N.I. Lvova și alții. Artistul a folosit adesea cositor ca bază pentru miniaturile sale.

Fidel portretului său rusesc de vârf pictura XVIII secolul ajunge în creativitate D.G. Levitsky . Deja într-una dintre lucrările sale timpurii - un portret al arhitectului A. Kokorinov - Levitsky a arătat abilități remarcabile ca pictor. Portretul marelui filozof materialist francez D. Diderot, pictat de Levitsky la Sankt Petersburg în 1773, și seria de portrete ale elevilor Institutului Smolny creată de artist sunt de mare merit artistic. Imaginile acestor fete sunt marcate cu sinceritate și căldură, originalitatea fiecăreia dintre ele este transmisă cu măiestrie.

Portretele anilor următori - Lvova, tatăl artistului, Bakuninii, Anna Davia și multe alte capodopere ale lui Levitsky - sunt o dovadă clară a talentului său genial.

Levitsky a creat o galerie extinsă de portrete ale contemporanilor săi, surprinzând imaginile vii ale oamenilor epocii la fel de larg și complet ca oricine altcineva. Arta lui Levitsky completează istoria dezvoltării portretului rusesc în secolul al XVIII-lea. Cu toate acestea, ar trebui să remarcăm și unele limitări determinate istoric ale operei sale: ca și alți artiști remarcabili ai timpului său, Levitsky nu a putut reflecta contradicțiile sociale ale realității. Oamenii înfățișați de artist, în conformitate cu ideile estetice predominante, pozează întotdeauna oarecum, de parcă ar încerca să se arate privitorului în cea mai „plăcută” lumină. Cu toate acestea, într-un număr de lucrări, artistul atinge o simplitate și o vitalitate uimitoare.

Moștenirea lui Levitsky este enormă și încă evocă în public un sentiment de plăcere estetică directă. Excelența profesională a lucrărilor sale și orientarea lor realistă îl plasează pe artist într-unul dintre cele mai onorabile locuri din întreaga istorie a artei rusești.

Printre cele mai multe lucrări celebre D.G. Levitsky următoarele: „Portretul lui E.A. Vorontsova”, „Portretul arhitectului A.F. Kokorinov”, „Portretul lui N.A. Lvov”, „Portretul lui M.A. Dyakova”, „Portretul lui Ursula Mnishek”, „Portretul fiicei lui Agashi în costum rusesc. ", etc.

În zona pictură portret Artiștii ruși din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea și-au spus noul cuvânt. claritate caracteristici psihologice, care marchează multe portrete ale acestui timp, este izbitoare - pensula celor mai buni maeștri ruși gravitează din ce în ce mai mult spre transmiterea veridică a imaginii unei persoane. Este semnificativ faptul că în acest moment erau deja create portrete nu numai ale nobilimii și „puternicilor acestei lumi”, ci și ale unui număr de personalități publice progresiste. În aceste portrete, elementele de splendoare și luciu extern sunt complet absente; artiștii își îndreaptă atenția către transferul conținutului interior al unei persoane, spre dezvăluirea forței minții sale, a nobleței gândurilor și aspirațiilor sale.

Dezvoltarea portretului rusesc a găsit expresie în opera lui F. Rokotov.

Fedor Stepanovici Rokotov- unul dintre cei mai buni portretisti ruși. După ce a primit o educație artistică sub îndrumarea lui L.-J. Le Lorraine și contele Pietro Rotary, au lucrat în felul acestuia din urmă, dar a pătruns în natură mai mult decât el și a fost sârguincios în execuție. În 1762 a fost admis ca adjunct al noului înființat Sankt Petersburg. Academia de Arte pentru tabloul „Venus” care i-a fost prezentat și pentru portretul împăratului Petru al III-lea.

Îndemânarea picturală delicată distinge portretele acestui artist. Spiritualitatea intimă a imaginii, în special în portretele feminine, Rokotov aduce o mare expresivitate și putere. Perfecțiunea extrem de tehnică a lucrărilor artistului - în ceea ce privește natura desenului și priceperea picturală, doar Levitsky poate fi comparat cu el. Portretele create de Rokotov se remarcă prin rafinamentul desenului și eleganța culorii.

Cele mai faimoase lucrări ale lui Rokotov includ: „Portretul unei femei necunoscute în rochie roz”, „Portretul lui A.I. Vorontsov”, „Portretul lui G.G. Orlov în armură”, „Portretul încoronării Ecaterinei a II-a”, „Portretul lui A.P. Struyskaya”, „Portretul poetului V.I. Maikov”, „Portretul Surovtseva etc.

În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. în pictura rusă a început să se dezvolte gen casnic. Cu toate acestea, pictura de gen a fost considerată de conducerea Academiei de Arte și de păturile privilegiate ale societății drept ceva ticălos, nedemn de pensula artistului. În ciuda acestui fapt, după războiul țărănesc condus de E. Pugaciov, atât în ​​literatură, teatru și muzică, cât și în pictură din anii 1770-1780. a început să manifeste interes pentru țărănime, modul ei de viață, modul de viață. Adesea acestea erau imagini sentimentale ale păstorilor și ciobanilor idilici care nu aveau nimic de-a face cu adevărata viață țărănească. Cu toate acestea, au existat și excepții.

Una dintre primele din pictura rusă, tema țărănească a fost dezvoltată de prințul iobag G. A. Potemkin. Mihail Şibanov . A pictat picturile „Cina țărănească”, „Sărbătoarea Pactului de nuntă”, etc. În picturile lui Shibanov nu există nicio denunțare a iobăgiei, cu toate acestea, în aceste pânze nu există nicio idealizare. viata taraneasca. Artistul se distinge prin cunoașterea și înțelegerea vieții și caracterului țăranului rus.

Tema țărănească a fost reflectată în opera artistului I. M. Tankov (1739 - 1799), autorul tabloului „Sărbătoarea în sat” și I. A. Ermenev (1746 - după 1792), care a pictat acuarele „Prânzul țărănesc”, „ Cerșetori Cântăreți” și etc.). Pentru prima dată în istoria artei rusești, artistul a transmis latura sumbră a vieții populare, mizeria sărăciei.

În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. începe adevărata înflorire a sculpturii ruseşti. S-a dezvoltat încet, dar gândirea iluminismului rus și clasicismul rus au fost cei mai mari stimuli pentru dezvoltarea artei marilor idei civice, probleme de amploare, ceea ce a dus la interesul pentru sculptură în această perioadă. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - fiecare în sine era cea mai strălucită individualitate, și-a pus amprenta asupra artei. Dar toți erau uniți de principii creative comune, pe care le-au învățat de la profesorul Nicolas Gillet, care a condus clasa de sculptură a Academiei între 1758 și 1777, idei comune de cetățenie și patriotism și idealuri înalte ale antichității.

Căutarea frumosului generalizat nu exclude întreaga profunzime de înțelegere a caracterului uman, dorința de a-i transmite versatilitatea. Acest efort este palpabil în sculptura monumentală și decorativă și sculptura de șevalet din a doua jumătate a secolului, dar mai ales în genul portretului.

Cele mai mari realizări ale sale sunt legate, în primul rând, de creativitate. Fedot Ivanovici Shubin (1740-1805), compatriotul Lomonosov, care a ajuns la Sankt Petersburg deja ca artist, care a înțeles complexitățile sculpturii în oase. Prima lucrare a lui Shubin în patria sa este un bust al lui A.M. Golitsyn mărturisește deja maturitatea deplină a maestrului. Toată versatilitatea caracteristicilor modelului este dezvăluită în timpul inspecției sale circulare, deși există, fără îndoială, punctul de vedere principal al sculpturii.

Shubin a lucrat nu numai ca portretist, ci și ca decorator. A executat 58 de marmură ovală portrete istorice pentru Palatul Chesme (situat în Armurerie), sculpturi pentru Palatul de Marmură și pentru Peterhof, o statuie a Ecaterinei a II-a - legiuitorul (1789-1790). Nu există nicio îndoială că Shubin este cel mai mare fenomen din arta rusă. cultura XVIII secole. Împreună cu maeștrii domestici, a lucrat în Rusia sculptorul francez Etienne-Maurice Falcone, care în monumentul lui Petru I pe Piața Senatului Petersburg și-a exprimat înțelegerea personalității lui Peter, ea rol istoricîn soarta Rusiei.

Fiodor Fiodorovich Şcedrin(1751-1825). A trecut prin aceleași etape de pregătire la Academie și de pensionare în Italia și Franța ca și Shubin. Executat de el în 1776, „Marsyas” este plin de mișcări turbulente și de o viziune tragică asupra lumii. La fel ca toți sculptorii din epoca clasică, Shchedrin este fascinat de imaginile antice („Endimion adormit”; „Venus”), arătând în același timp o pătrundere deosebit de poetică în lumea lor.

Reflectarea punctului de cotitură al erei petrine în arte și meșteșuguri. Influențe artistice vest-europene (Olanda, Anglia, Franța, Italia). Procesele de formare a sistemului imobiliar și de întărire a culturii laice și influența lor asupra dezvoltării artelor și meșteșugurilor. Arte și meșteșuguri cu mai multe straturi, dezvoltarea neuniformă a zonelor sale individuale. Conservarea și dezvoltarea zonelor tradiționale (provinciale și cultura populara, arta bisericeasca).

Îmbunătățirea tehnologiei de producție artizanală și manufacturieră. Nașterea industriei de artă (producția de tapiserii, sticlă de artă, faianță, tăierea pietrei, producția de mătase și pânză). Fabrica de produse la modă, articole de lux. Descoperirea și dezvoltarea zăcămintelor de cupru, staniu, argint, piatră colorată, argile de înaltă calitate.

Rolul Academiei de Științe în „prosperitatea artelor și manufacturiilor libere”, o reflectare a noilor științe naturale și a intereselor tehnice în arte și meșteșuguri. Noi forme de educație și formare a maeștrilor la fabricile de artă. Închiderea atelierelor Armeriei. Pensionarea și rolul ei în dezvoltarea anumitor tipuri de arte și meșteșuguri. Apariția organizațiilor breslelor de artizani în Rusia. Munca maeștrilor străini în diverse domenii ale artelor și meșteșugurilor.

Stilul artistic în arte și meșteșuguri. Moda, impactul ei asupra schimbării gusturilor, schimbarea mediului subiectului. Apariția de noi tipuri de obiecte, reînnoirea ideilor estetice în arte și meșteșuguri. Tendințe în sinteza artelor. Rolul arhitecturii, artei monumentale, graficii și edițiilor ilustrate în dezvoltarea artelor și meșteșugurilor. Tendințele decorative ale culturii baroc în designul festivităților, complexelor de porți triumfale, arta grădinii și a parcurilor.

Arta amenajării interioare ca tip special de activitate artistică în opera arhitecților din primul sfert al secolului al XVIII-lea. Primele lucrări de interior și principalele tendințe de stil (baroc, rococo, clasicism). Noi tipuri de spații (studii, dormitoare din față, sufragerie, „turnărie”, „sale de tablouri”) și conținutul acestora (Palatul de vară, Palatul lui A.D. Menshikov, Palatul Grand Peterhof, Monplaisir). Lucrări ale maeștrilor francezi. „Chinoiserie” în interioarele epocii petrine.

Soluție de ansamblu a mediului subiect. aparitie activitati ale proiectuluiîn domeniul culturii materiale şi al artelor şi meşteşugurilor.

Dezvoltarea afacerii cu mobila. Noi tipuri și forme de mobilier, materiale și metode de decorare. Influența mobilierului englez și olandez. Mobilier baroc si rococo.

Sculptura în lemn, rolul său în interior. Reliefuri sculptate. Iconostaza Catedralei Petru și Pavel. Sculptură de nave și afaceri de transport.

Afaceri cu argint. Păstrarea tradițiilor secolului al XVII-lea. Înființarea de magazine de aur și argintărie. Bijuterii Art. Portret în miniatură pe email. Semne de comandă și persoane „reclamate”. Primii maeștri ai miniaturii picturale au fost Grigory Musikisky și Andrey Ovsov.

Ceramica și faianța epocii petrine. Placi olandeze în interior. Extinderea importurilor de produse de faianta din Anglia si Olanda. Prima fabrică privată a lui A. Grebenshchikov din Moscova, apariția faianței fine interne.

Creșterea consumului de sticlă, înființarea fabricilor de sticlă în Yamburg și Zhabino lângă Sankt Petersburg. Oglinzi si corpuri de iluminat. Formarea stilului de ustensile de palat ceremonial cu gravare mată. Prima fabrică privată de sticlă și cristal a lui Maltsov din districtul Mozhaisk.

Sculptură în piatră și tăiere de pietre prețioase. Înființarea primelor fabrici de tăiere în Peterhof și Ekaterinburg. Sculptură în oase. Tehnici de sculptură de bază, dispozitive stilistice. Tradiții Kholmogory. Apariția strungurilor, o schimbare a formei produselor. Turneria Petrovsky și A. Nartov. Influența gravurii și a cărții ilustrate asupra sculpturii în oase. Întemeierea Uzinei de arme Tula, dezvoltarea artei prelucrării artistice a oțelului în obiecte decorative.

Tipologia costumelor. Schimbarea unei rochii medievale cu un costum din eșantionul european. Stabilirea de către Petru a regulilor de purtare și a tipurilor de îmbrăcăminte nobilă. Introducerea îmbrăcămintei și uniformelor statutare pentru armată și marine, pentru funcționari. Apariția de noi fabrici din cauza schimbărilor în costum. Înlocuirea țesăturilor orientale cu cele din Europa de Vest. Mostre de costum pentru bărbați din garderoba lui Petru I.

Întemeierea fabricii de spaliere din Sankt Petersburg. Formarea maeștrilor ruși.

Artă decorativă și aplicată a epocii Annei Ioannovna. Argint artistic. Înființarea unei fabrici de sticlă deținută de stat pe Fontanka din Sankt Petersburg. Activitățile fabricii de tapiserii. Stilul de tapiserie și aplicarea în interior. L.Karavak și proiectele sale în domeniul artei decorative.

Reînvierea culturii artistice în timpul domniei Elisabetei Petrovna. Predominanța influențelor franceze. baroc și rococo în arta rusă. Rococo în interior, costum, bijuterii, artă în grădinărit. Sinteza arhitecturii și a artelor și meșteșugurilor în interioarele baroc și rococo. Lucrări de VV Rastrelli și A. Rinaldi în domeniul designului interior. Materiale și tehnici decorative pentru decorarea interioară. Tipuri de mobilier baroc și rococo. Țesături în interior. Iluminat. Ansamblu în diverse tipuri de arte și meșteșuguri din mijlocul și a doua jumătate a sec.

Afaceri cu argint. confirmarea stilului baroc. Lucrări monumentale și decorative. Mari slujbe ceremoniale. Schimbarea formei obiectelor, noi tipuri de vase pentru produse noi. Bijuterii Art. Activitățile maeștrilor de curte. Stilul rococo în arta bijuteriilor. Tipuri de bijuterii pentru femei. Piatra colorata in bijuterii.

Costumul, imaginea lui, tipul croielii, materialele, accesoriile, natura finisajului. Influența modei franceze. Baroc și rococo în costum de femei și bărbați.

Invenția porțelanului casnic. Întemeierea unei fabrici de porțelan din Sankt Petersburg. Activitățile lui D.I. Vinogradov și perioada „Vinogradov” de dezvoltare a porțelanului rusesc. Primele servicii de palat, vaze, plastic mic. Crearea unei fabrici de faianta detinuta de stat in Sankt Petersburg.

Sticlă gravată din epoca elisabetană. Activitățile fabricii de sticlă de stat din Sankt Petersburg și ale fabricii de pe râu. Nazie. Baroc și rococo în sticlă de artă. Sticla în decorarea interioarelor palatului VV Rastrelli. Fabricile private ale soților Nemchinovi și Malțovilor. Experimentele lui M. V. Lomonosov în domeniul sticlei colorate, începutul producției sale la fabrica Ust-Ruditskaya.

Sculptură în oase. Stilul rococo, opera cioplitorului Osip Dudin.

Arta decorativa si aplicata a doua jumatate a secolului al XVIII-lea.

Clasicismul în artele decorative 1760–1790 Combinația de stil rococo cu motive antice. Rolul arhitecților în artele și meșteșugurile epocii clasice. Formarea maeștrilor de arte și meserii la Academia de Arte.

Interiorul clasicismului timpuriu. Materiale si forme, colorare, decor sculptural, ieftinirea finisajelor decorative. Lucrări de interior de C. Cameron. O gamă de tehnici decorative, materiale noi, imaginea sediului și a ansamblului. Interioare de V. Brenna.

Clasicism mobila, caracter, forme, influente. prototipuri antice. Noi tipuri de mobilier. Participarea arhitecților la dezvoltarea artei mobilierului în Rusia (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Mobilier D. Roentgen în Rusia. Atelierul lui G. Gambs și I. Ott. Stilul Jacob în mobilierul rusesc. Schimbarea materialelor în arta mobilierului (mahon, lemn aurit, plop, mesteacăn de Karelia). Tesaturi si broderii in mobilier.

Atelierul lui Spol la Moscova. Decor sculptat în interioarele lui M. Kazakov. Mobilier sculptat al Palatului Ostankino. Perioada de glorie a tehnicii decorului în mobilierul rusesc în a doua jumătate a secolului, metode de execuție și materiale. Producția de mobilă pe Okhta din Sankt Petersburg. Hârtia machéă ca material pentru mobilier și arte decorative.

Bronz artistic rusesc și francez. Principalele tipuri de produse și tehnici decorative. Bronz și sticlă în corpuri de iluminat. Bronz în decorarea vaselor și a mobilierului din piatră și porțelan. Activitatile Casei de Turnatorie. Maeștri străini de bronz la Sankt Petersburg (P. Azhi, I. Tsekh și alții).

Costum. Schimbarea tipurilor și siluetele de îmbrăcăminte în anii 1770-1780. Introducerea rochiei nobile uniforme. Rochie de ceremonie de curte, folosirea formelor naționale stilizate. „Stilul grecesc” al anilor 1790 în costum și coafuri. O schimbare radicală în designul costumului. Moda pentru șaluri, eșarfe, pelerine, mantile, șaluri.

Bijuterii Art. Activitățile lui I.Pozier, Dubulon, J.Ador, I.G. Scharf, I.V. Bukh, frații Duval. Coroană imperială mare. Atelier de diamante de curte. Argint artistic. Influența argintului francez în stil Ludovic al XVI-lea. Arta negrului pe argint. Rolul în creștere al centrelor de bijuterii din nord - Vologda, Veliky Ustyug. Fabrica de produse niello și email ale fraților Popov din Veliky Ustyug. Email cu căptușeală argintie.

Tehnici de porțelan, fabricație și decorare. Fabrica Imperială de Porțelan. Clasicismul timpuriu în formele și decorarea produselor. Influența porțelanului și faianței europene. Activitati J.-D. Rashetta. Contactele IPE cu Academia de Arte. Vaze decorative și servicii de palat în interiorul epocii clasicismului. Serviciile ceremoniale mari, compoziția lor, natura designului. Căutarea unor forme adecvate de obiecte și tehnici de decorare a produselor. Sculptură din porțelan (serie de figuri „Poporul Rusiei”, „Comercianți și vânzători ambulanți”). Desen și gravură de gen în sculptură de porțelan și pictură pe porțelan. Produse de biscuiți. Porțelan „Pavlovsky” de la sfârșitul anilor 1790.

Fabrica lui F. Gardner din Verbilki. Comanda servicii.

Sticla de arta. Uzina lui G. Potemkin din Ozerki. Sticla colorata si cristal. Sticla în interioarele lui C. Cameron. Fabrica imperială de sticlă în anii 1790. Comunicarea produselor fabricilor imperiale de porțelan și sticlă. Uzina lui Bakhmetev din provincia Penza. Ascensiunea picturii pe sticlă în anii 1780 și 1790. Motive gotice în sticlă de artă.

Activitățile fabricii de tapiserii. Legătura dintre tapiserii cu tendința generală în pictura rusă ( tema istorica, alegorie, portret în tapiserie). Trecerea de la rococo la clasicism. Tapiserie în design interior.

Sculptura in piatra. Rolul lui C. Cameron în dezvoltarea culturii pietrei colorate și utilizarea acesteia în interior. Noi metode de utilizare a pietrei, „mozaic rusesc”. Activitățile Fabricii Lapidare Peterhof. Descoperirea de noi depozite de piatră colorată în Urali și Altai. Fabrica din Ekaterinburg și fabrica Kolyvan. Invenția mașinilor pentru prelucrarea pietrei. Vaze proiectate de A. Voronikhin și D. Quarenghi.

Perioada de glorie a oțelului Tula (mobilier și obiecte decorative). Fabrici nobiliare și comerciale. Fabrica de miniaturi lacuite P.I. Korobov. Apariția meșteșugurilor la fabricile de artă. Dezvoltarea meșteșugurilor de artă în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea: pictura Khokhloma, țesut dantelă, țesut cu modele, țesut covoare, metal artistic etc.

Cufă de nuntă. Italia. secolul al 17-lea

Grup sculptural „Iarna”. Din seria „Cele patru anotimpuri”. Germania. Meissen

Articole de serviciu. Franţa. Sevr. 1780-1784. Porțelan moale, pictură. Congelator

Sala de Artă Franceză din secolele XVIII-XIX

Cabinet. Augsburg. Secolul XVII. Lemn, sculptură, metal alb, aurire, 196x135x61

Birou-cilindru. Rusia. Sfârșitul secolului al XVIII-lea.

Vază. Rusia. Primul sfert al secolului al XIX-lea. Sticla, pictura cu aur. Înălțime 35,5

Congelator. Rusia. Fabrica Imperială de Porțelan. Primul sfert al secolului al XIX-lea. Porțelan, pictură. Inaltime 40

Colecțiile de arte decorative și aplicate sunt, de asemenea, asociate cu numele lui A.P.Bogolyubov, care a donat 40 de obiecte de porțelan vechi, în mare parte săsesc, la deschiderea muzeului. Diverse ustensile și mobilier au totalizat apoi 92 de articole. În 1897, după moartea lui Bogolyubov, conform testamentului său, a fost primit un alt grup de lucruri, inclusiv mobilier, sticlă, bronz și argintărie.

Colecțiile Bogolyubov, în special porțelan, au fost reînnoite în mod semnificativ în primii ani post-revoluționari din Fondul Muzeului de Stat, unde s-au adunat toate operele de artă naționalizate. În 1970, muzeul a primit mostre de porțelan rusesc și vest-european (mai mult de 300 de articole), lăsate moștenire lui O. A. Gordeeva, un cunoscut oftalmolog din Saratov.

Istoria acestei arte subtile și rafinate datează de secole în urmă. Porțelanul a apărut la începutul secolelor VII-VIII în China. În Europa, au aflat despre asta în secolul al XIII-lea. Celebrul călător venețian Marco Polo a adus mai multe vase de porțelan din Orient. Europa a fost cuprinsă de „febra porțelanului”, toată lumea dorea să aibă produse din acest material alb strălucitor, vopsite cu culori strălucitoare, care nu se estompează. S-au păstrat informații că, atunci când lucrurile din porțelan au fost sparte, acestea au continuat să fie depozitate, de multe ori cioburi au fost trimise la metale pretioaseși purtate ca bijuterii. Porțelanul a fost apreciat nu numai pentru frumusețe, ci și pentru proprietăți care nu au mai fost văzute până acum. Suprafața din porțelan glazurat nu a fost expusă unui atac chimic și era impenetrabilă. Au existat legende despre porțelan. Secretul producerii sale nu a putut fi dezvăluit decât la începutul secolului al XVIII-lea. Dar pe parcurs, au fost descoperite multe materiale noi, asemănătoare ca aspect cu produsele maeștrilor chinezi. Așa a apărut sticla cu lapte la Veneția, ceramica spanio-maură, faianța în Anglia și Olanda.

Primul din Europa care a primit porțelan a fost I.F. Betger, care a găsit zăcăminte de argilă albă (caolin) lângă Meissen, în Saxonia. A fost descoperit secretul producției de porțelan, pentru care se luptase în Europa de secole. În curând, porțelanul de la fabrica Meissen a devenit cunoscut în toată Europa. Și acum produsele acestei plante sunt populare printre iubitorii de artă.

În colecția muzeului nostru, porțelanul Meissen este prezentat foarte bine și complet. Acestea includ articolele lăsate moștenire de Bogolyubov și obiectele de porțelan din colecția lui O. A. Gordeeva, precum și alte exponate.

De cel mai mare interes este porțelanul Meissen din secolul al XVIII-lea. Această epocă este considerată perioada clasicaîn dezvoltarea porțelanului european. În acest moment, maestrul caută să sublinieze albul și subtilitatea porțelanului, prezintă materialul, ținând cont de proprietățile sale naturale.

Gloria specială a Meissen - prima producție europeană de porțelan - este plasticul mic. În imaginile doamnelor, domnișoarelor, compozițiilor alegorice și pastorale, una dintre calitățile stilului rococo s-a manifestat cu o forță deosebită - iluzia unui flux continuu lin al liniei. Numele lui Johann Joachim Kaendler și Peter Reinicke sunt asociate cu formarea sculpturii Meissen. Lucrările lor combinau elemente de sculptură și arte și meșteșuguri propriu-zis. Contururi capricioase și frumusețea culorii - asta caracterizează sculpturile realizate după modelele lor.

Două figuri alegorice din seria „Patru anotimpuri” – „Iarna” și „Primăvara”, realizate după modelele lui Johann Joachim Kaendler, dezvăluie trăsăturile caracteristice stilului rococo din porțelan. Anotimpurile sunt reprezentate în imaginile zeilor antici așezați pe nori. Iarna este reprezentată de Saturn și Hebe, primăvara de Marte și Floră. Grupurile sculpturale sunt decorate cu lucrări fine de stuc, pictate culori deschise flori pentru care fabrica Meissen era renumită în secolul al XVIII-lea.

Înalte calități artistice disting o mică colecție de produse din fabrica din Berlin. Acestea sunt în principal articole de masă și de decorațiuni interioare. Cel mai delicat violet, care a fost gloria acestei producții, este pictat pe baza motivelor lui A. Watteau „cupa antrenor”. Corpurile de ceainice, cafetiere, vaze decorative sunt decorate cu pastorale, preferate în secolul al XVIII-lea, cu ornamente florale.

Grupul de articole din fabrica din Viena este reprezentat de secolele XVIII - începutul XIX-lea, când trăsăturile unui stil nou, stilul Imperiu, au luat contur în porțelanul european. Având grijă de decorativitatea sporită, maeștrii vienezi au oferit propria lor versiune a tabloului. În oglinda plăcilor într-un cadru bogat de aur al ornamentului, cel mai adesea au fost plasate copii din picturile maeștrilor Renașterii.

Fiecare țară a mers pe drumul său către porțelan, dezvoltând atât o tehnologie specială, cât și un caracter deosebit al ornamentației, uneori în cadrul aceluiași stil. Mâncărurile franțuzești cu fundal colorat erau renumite în toată Europa: turcoaz, roz, albastru, pictate în medalioane încadrate cu ornamente aurite. Un astfel de porțelan a fost fabricat la fabrica din Sevres - principala producție de porțelan din Franța.

Așa sunt pictate aparatul de înghețată, tava și condimentele albastre, care făceau parte din serviciul care i-a aparținut prințului Yusupov. Acest serviciu a fost realizat de mulți ani și decorat de cei mai mari pictori de porțelan. Fabricatorul de înghețată a fost pictat de Vincent Jr., autorul picturii despre faimosul serviciu cameo comandat de Sevres de către Ecaterina a II-a și păstrat acum în Ermitau. Serviciul Yusupov a fost realizat din „porțelan moale”. Și proprietățile specifice ale acestui material corespundeau perfect stilului rococo, cu contururile sale obișnuite moi și liniile ondulate. Caracteristicile masei Sevres au determinat și natura picturii: niciun material ceramic nu oferă tonuri profunde atât de sonore, cu multe nuanțe.

În Rusia, porțelanul a fost obținut pentru prima dată la mijlocul secolului al XVIII-lea de către D. I. Vinogradov la Fabrica Imperială de Porțelan (IPM) din Sankt Petersburg. În colecția muzeului, porțelanul rusesc este reprezentat de produse ale numeroaselor întreprinderi private. Muzeul se poate mândri cu mostrele magnifice ale IPM, fabricile Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, care au propriul lor farmec unic.

Realizările maeștrilor ruși în stilul clasicismului de la începutul secolului al XIX-lea sau Imperiul sunt binecunoscute. Porțelanul rusesc din acest stil, precum și alte ramuri ale artei aplicate, oferă exemple excelente.

Imperiul a fost inspirat din antichitate. Motivele de decor sunt dominate de coroane de lauri, lei, grifoni, atribute militare etc. În forme s-a relevat soliditatea maselor, caracterul lor static. Conform legilor acestui stil, o vază pentru decorarea mesei în formă de două figuri clasice care susțin un vas oval a fost realizată de meșterii IPM. Culoarea albă a figurilor din biscuiți (portelan neglazut) este contrastată ton albastru si aurirea bazei. Dragostea Imperiului pentru strălucirea și contrastul culorilor afectează. O altă vază este tot un grup sculptural: Venus îi pune o tolbă cu săgeți pe Cupidon. Astfel de vaze erau făcute pentru mari slujbe ceremoniale sau aniversare și erau așezate în centrul mesei ceremoniale.

Trăsăturile aceluiași stil sunt distincte la aparatul de înghețată pe trei labe de leu de culoare închisă, sub bronzul vechi. Culoarea sa era frumos combinată cu strălucirea auririi.

Produsele fabricilor private sunt mai distinctive. Se poate vorbi despre portelanul preotesc, Gardner sau Safronov. Aceste fabrici nu sunt reprezentate de articole unice, spre deosebire de IPM, ci de așa-numitele ustensile obișnuite asociate cu viața unei anumite clase. Este ușor de ghicit apartenența socială a așa-numitelor ceainice luminoase și elegante „tavernă”, decorate cu pictură florală nepretențioasă, create la fabrica Popov în anii 1830-1850.

Sursa din care meșterii au desenat formele de bucate și motivele picturii este arta populară tradițională rusă. Această cale va fi cea mai fructuoasă în momentul interstilului iminent, va salva în mare măsură fabricile private rusești în această perioadă dificilă de pierderea „ceramicității” inevitabilă în epoca eclectismului. În vasul de cafea a fabricii Kornilov, pictat pe un fond alb cu mici frunze de aur și trandafiri, în cupe de un verde aprins, realizate de meșterii fabricii preotului, principalul lucru nu s-a pierdut: echilibrul formei și al scopului funcțional al obiectului.

Colecția de porțelan sovietic este relativ mică. Este reprezentată de China de propagandă, care în anii 1920 era unul dintre mijloacele de propagandă revoluționară.

Vasă și căni pictate după desene de S. Cekhonin și N. Altman, sculpturi de N. Danko, farfurii de A. Shchekatikhina-Pototskaya cu lozinci revoluționare și embleme ale tânărului stat sovietic - acest prim porțelan al Țării Sovietelor vorbea limba. a timpului său. A fost expus în vitrine speciale la Moscova pe podul Kuznetsk și la Petrograd pe Nevski. „Acest porțelan a fost o veste dintr-un viitor minunat, pentru care țara sovietică a luptat în lupte teribile cu foamea, devastarea și intervenția”, a scris E.Ya Danko, artist și istoriograf al fabricii Lomonosov (fosta Fabrică Imperială de Porțelan) în ea. memoriile.

Sticlăria depozitată în Muzeul A.N.Radișciov a venit în același mod ca și porțelanul: în 1897, conform voinței lui A.P.Bogolyubov, prin Fondul Muzeului de Stat, din colecții private.

O mică, dar interesantă colecție de sticlă rusească de la sfârșitul secolului al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea a fost lăsată moștenită Muzeului E.P. Razumova în 1973.

Fabricile rusești de sticlă, de stat și private, au apărut la începutul secolului al XVIII-lea la Moscova și Sankt Petersburg, lângă Smolensk și Kaluga. Cererea de sticlărie este în creștere. Numărul fabricilor este, de asemenea, în creștere. Celebra fabrică Maltsev apare pe râul Gus, lângă Vladimir, iar fabrica Bakhmetiev, lângă Penza, în satul Nikolsky.

Cele mai vechi lucrări ale industriei sticlei din secolul al XVIII-lea din colecția noastră sunt produse ale fabricilor private. În primul rând, acesta este un damasc de sticlă verde cu un ornament floral fără pretenții și inscripția: „Faceți acest vas în fabrica lui Gavrilov în 726...”. Acesta este un exemplu timpuriu de feluri de mâncare obișnuite rusești, care au fost făcute în cantități mari, nu l-au cruțat și nu au avut grijă de el. În loc de cei pierduți și rupti, au cumpărat unul nou. Prin urmare, puține astfel de feluri de mâncare s-au păstrat. Shtof este de asemenea interesant pentru că este semnat. Arata data si locul fabricatiei. Se știe că în 1724 a fost fondată uzina Gavrilov și Loginov în districtul Moscova. Nu există alte informații despre această producție. Damascul nostru oferă o idee despre natura produselor unei întreprinderi puțin cunoscute.

Sticla în Rusia practic nu era marcată. Abia începând cu anii 20 ai secolului al XIX-lea (din epoca lui Nicolae I) fabrica imperială de sticlă a început să pună ștampile pe produsele sale. Prezența unei ștampile, desigur, nu este singura modalitate de a determina locul și momentul fabricării unui articol. Monumentele remarcabile de sticlă sunt paharele înalte, conice, adesea cu capace, ornamentate cu steme sculptate ale domnitorilor sau monograme. Benzelurile erau încadrate cu lăstari și bucle de plante, care se numeau „rocaille”. Pe vârful calicelor, lângă margine, există un model de „gropi” gravate și lustruite cu arcade. Rafturile de picioare erau făcute sub formă de balustradă cu „mere”, care erau înșirate pe un suport, uneori până la cinci bucăți. Gravura în aceste produse a fost superficială și amplă. Aceste calități deosebesc cupele rusești de cupele Boemiei și Germaniei păstrate în muzeu.

Evident, numeroase pahare colorate, decantoare, sticle au fost realizate la fabrici private. Sticla colorată a fost foarte populară în Rusia. Spre deosebire de Europa de Vest, aici au făcut feluri de mâncare din sticlă solidă colorată, care în în număr mare apărut la mijlocul secolului al XVIII-lea. Acest lucru se datorează experimentelor de succes ale lui M. Lomonosov.

La sfârșitul secolului al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea au apărut decantoare înalte fațetate cu dop. forme diferite, pahare înălțate pe picioare subțiri, pahare elegante scânteietoare de margini - preparate elegante care au împodobit mesele și rechizitele festive. Vasele fațetate sunt realizate din sticlă incoloră cu adaos de plumb, care conferă o strălucire deosebită. Se numește cristal și se taie cu așa-numita „față de diamant”. Această tehnică este folosită și astăzi în fabricarea sticlei.

A doua jumătate a secolului al XIX-lea a fost o perioadă de interes sporit pentru arte și meșteșuguri, în special în istoria sa. Colecția de antichități este larg răspândită. Nu întâmplător a fost determinat și un interes sporit pentru mobilierul de epocă. Colectionarii colecteaza mobilier aurit sculptat din secolul al XVIII-lea, comode, dulapuri, cufere de nunta italiene si germane, dulapuri din stejar masiv si nuc din Germania secolului al XVII-lea. Articole similare se aflau în colecția lui Bogolyubov.

Fascinația pentru mobilierul de epocă dă naștere unor falsuri care au inundat magazinele de antichități. Unul după altul, la Paris, Veneția, Sankt Petersburg, se creează ateliere care produc mobilier antic, uneori nedistins de original - lemnul este atât de fin lustruit, proporțiile părților sale structurale sunt atât de corect respectate.

Cel mai vechi mobilier din colecția muzeului datează din secolele XVI-XVII. Este vorba de mobilier din Germania, Franța, Italia, Olanda, asamblat de A.P. Bogolyubov. Desigur, colecția noastră de mobilier din acea vreme nu oferă motive să vorbim despre interiorul predominant, dar ne permite să prezentăm caracteristicile naționale ale operelor de artă a mobilierului. tari diferiteîntr-un cadru cronologic destul de larg.

Mobilierul este de scurtă durată, materialul pentru fabricarea sa este lemnul, care este ușor expus la o varietate de influențe. Multe dintre ei au murit atât din cauza dezastrelor naturale sau ca urmare a războaielor, cât și din motive legate de influența modei. Mobilierul este marfă. Aceasta înseamnă că în timp se uzează și trebuie înlocuit cu unul nou. S-a păstrat puțin mobilier din locuințele oamenilor obișnuiți. Cu toate acestea, principalele etape din istoria artei mobilierului unora tari europene pot fi urmărite pe obiectele colecției noastre.

În Italia secolului al XVI-lea, un scaun era realizat din lemn masiv cu spătar sculptat, un cufăr de nuntă, un set de lucrări venețiane, un altar. Pentru fabricarea acestui mobilier s-a folosit nucul maro, un material caracteristic Italiei, care permite maestrului sa realizeze un mare efect artistic. Motivele de sculptură au fost extrase din moștenirea artei antice. În cufa de nuntă, evident de opera florentină, se surprinde rară unitate de formă și ornament, care i-a distins pe producatorii de mobilier italieni din secolele XVI - începutul secolului XVII.

Mobilierul acestei epoci în logica sa constructivă este similar cu structurile arhitecturale. Altarul este realizat sub forma unui portal cu coloane împletite cu viță de vie, cu podium într-o nișă pentru figura Maicii Domnului - aceste elemente arhitecturale sunt extrem de caracteristice mobilierului secolelor XVI-XVII. Acest lucru este resimțit în special în mobilierul de cabinet fabricat în sudul Germaniei. Dulapul se transformă într-un fel de clădire cu două etaje, fiecare etaj fiind separat printr-o cornișă. Nivelurile sunt decorate cu coloane sau pilaștri. Ușile batante seamănă cu portaluri sau ferestre acoperite cu arhitrave sau frontoane. Toate aceste detalii arhitecturale sunt intarite cu lipici si sunt, de fapt, un decor care ascunde designul unui dulap format din doua cufere. Această impresie este întărită de mânerele de piept pliabile pe fațadele sale laterale. Așa este proiectat șifonierul, decorat cu un burl (o creștere pe un copac, un defect al lemnului care conferă o textură bogată, frumoasă). Dulapurile erau în mod necesar furnizate cu rafturi, iar hainele erau depozitate în ele pliate. Ele ar putea servi și la depozitarea diverselor ustensile.

Forma unui scaun pliabil, așa-numitul curule, poate fi considerată tradițională și pentru Germania din secolele XVI-XVII. Pentru antici, a fost un simbol al puterii. Doar stând pe un astfel de fotoliu, era posibil să se administreze judecată și represalii. Un astfel de scaun era purtat de obicei în spatele consulilor, conducătorilor militari de rang înalt, dictatorilor. Suporturile pentru picioare, ușor curbate, realizate din mai multe scânduri înguste, sunt încrucișate și conectate prin bare transversale pentru rezistență, iar o placă detașabilă introdusă în partea superioară a scaunului ca distanțier alcătuiește spătarul.

Începând cu secolul al XVI-lea, în Germania a apărut o formă ciudată de scaun, care a devenit larg răspândită în arta mobilierului din această țară în secolul al XVII-lea - așa-numitul scaun țărănesc. Muzeul nostru are și o serie întreagă de obiecte similare cu diferite variante ale aceluiași ornament. Prototipul unui astfel de scaun a fost la început pur și simplu un ciot de copac, curățat de ramuri și consolidat pentru stabilitate pe trei picioare. Și pentru locuințe urbane confortabile au fost realizate scaune cu patru picioare - exemple de măiestrie înaltă. Sunt decorate doar cu o scândură care servește drept spate. Poate fi nu numai nuc, ci și stejar și pin. Depinde de locul în care a fost făcut articolul. În sculptură, de regulă, sunt folosite motive ale unui ornament grotesc, care adesea se transformă într-un model fabulos prin imaginația maestrului.

Secolul al XVII-lea aduce o mulțime de lucruri noi în arta mobilierului. Acest lucru se datorează în primul rând transformărilor sociale din Europa, care au dus la o schimbare a poziției celei de-a treia state. Ajuns la putere, cultivă modestia, simplitatea, sfințenia vetrei familiei. Mobilierul olandez este la mare căutare, exportat în toate țările. La cealaltă extremă se află Franța, în a cărei artă triumfă un stil magnific, solemn.

În colecția noastră de mobilier există un singur articol care este tipic pentru mobilierul ceremonial al palatului din secolul al XVII-lea. Acesta este așa-numitul dulap - un dulap cu multe sertare, compartimente, cu o placă glisantă. A fost realizată de meșterii orașului Augsburg, decorată pe fațadă cu plăci metalice înfățișând animale, coloane aurite răsucite. Placa este realizata din lemn pretios.

Astfel de dulapuri au apărut în secolul al XVI-lea. Patria lor este Spania. Primele dulapuri erau sicrie pe cadru. În secolul al XVII-lea, acestea erau deja dulapuri mari care au devenit parte a decorațiunii camerei, care a fost numită birou. Medaliile, scrisorile, bijuteriile erau păstrate în dulapuri.

Majoritatea colecției de mobilier rusesc, care include lucrări XVIII-XIX secole, realizate fie în mici ateliere private, fie în mobilierul moșiilor nobiliare. Maeștrii au adus în lucrările lor o varietate de gusturi artistice, toate cunoștințele și abilitățile acumulate, metode de prelucrare a lemnului, decorare și decorare. Ele s-au reflectat în primul rând în formele de mobilier de uz casnic din acea vreme, care au fost foarte influențate de arta populară. Acest lucru s-a manifestat nu numai în forme și decor, ci și în alegerea și prelucrarea lemnului. La sfârșitul secolului al XVIII-lea, mesteacănul și plopul de Karelian au devenit materialul preferat. Se aplică numai în Rusia.

Fiecare țară în arta mobilierului a fost fie strămoșul unui stil, cum ar fi Italia în Renaștere, fie locul de naștere al unui ilustru producător de mobilă, precum T. Chippendale în Anglia sau J. Jacob în Franța.

Mobilierul rusesc este reprezentat în principal de obiecte de decorare a interiorului nobil al primei treimi a secolului al XIX-lea. A fost una dintre cele mai strălucitoare epoci din istoria artelor și meșteșugurilor rusești, în special a mobilierului. Arta primelor decenii ale secolului al XIX-lea este dominată de stilul Empire, care a luat naștere în Franța și a devenit proprietatea întregii Europe. Rusia oferă propria sa versiune specială, originală a acestui stil, în care a devenit purtătorul de cuvânt al ideilor înalte și progresiste. Decorativitatea caracteristică stilului Imperiu, dorința de monumentalitate și generalizarea formelor au determinat în mobilier însăși alegerea materialului și natura interacțiunii acestuia cu forma și decorul. Principalul material al producătorilor de mobilier ruși va fi mahonul și mesteacănul de Karelian, pe care îi iubesc pentru textura frumoasă a lemnului.

Mobilierul depozitat în muzeul nostru este realizat în principal de mâinile meșterilor iobagi și reprezintă acea versiune a stilului Imperiului, care a fost inclusă pe scară largă în viața nobilimii ruse. Este mai simplu decât mobilierul de palat. Acest mobilier a ajuns la muzeu după Marea Revoluție Socialistă din Octombrie din moșiile din jur, casele orașului și are valoare nu numai artistică, ci și istorică.

Mobilier de scaune deosebit de variat. Două fotolii gemene cu spătar sculptat ajurat, decorate cu lire aurite, sunt un exemplu de mobilier de uz casnic rusesc din primul sfert al secolului al XIX-lea. Sunt forme care sunt aproape lipsite de decoratiuni, furniruite cu mesteacan de Karelian de culoare aurie cu ochi negri.

În acest moment, în interiorul moșiei nobiliare a apărut o altă cameră, așa-numita cameră de canapele, iar accesoriul ei indispensabil este canapeaua. De obicei, aceste canapele sunt moi, de formă dreptunghiulară, vârfurile spătarelor și coatelor sunt furniruite cu mesteacăn karelian sau mahon, care era larg răspândit în acei ani. La interior, canapeaua a fost combinată cu fotolii și o masă în fața canapelei. Astfel de variații se găsesc și în expunerea noastră și mărturisesc interiorul deja stabilit în epoca Imperiului. Acest mobilier diferă de cel din față: există mai puțină aurire, în loc de bronz, lemnul aurit după ce se folosește gesso, se păstrează una dintre metodele tradiționale de prelucrare a lemnului, atât de îndrăgite de maeștrii ruși - sculptura.

Activitatea de colectare a muzeului continuă. LA anul trecut colecțiile de arte și meșteșuguri au fost completate cu exponate interesante, dintre care cele mai bune și-au găsit locul în expoziție.

Expoziția este situată la etajul doi al clădirii de sud a complexului istoric și arhitectural din secolele XVIII-XIX. „Curtea cailor”. Prezintă vizitatorii muzeului o gamă largă de exponate care reprezintă meșteșugurile și producțiile de artă tradiționale din Rusia. Acestea sunt lucrările centrelor de renume mondial pentru prelucrarea lemnului și oaselor, pictura cu lac pe hârtie pe hârtie și metal, meșteșugurile de frunte ale jucăriilor din lut, precum și eșarfele imprimate și brodate cu aur realizate de maeștri ruși, sticlărie, porțelan, faianță.

Aceste centre sunt concentrate în Moscova, Vladimir, Vologda, Ivanovo, Nijni Novgorod și alte regiuni. Începutul colecției a fost pus în anii 1920, când puținele lucrări ale meșterilor populari, care se numărau printre comorile naționalizate ale Lavrei Treimii-Sergiu, au fost completate cu exponatele Muzeului. regiune localăși Muzeul Optina Pustyn. În 1941, o colecție extinsă a Muzeului Meșteșugurilor de Artă Populară (MNHR) a fost transferată la Muzeul Sergiev Posad (la acea vreme Zagorsk). A numărat aproximativ patruzeci de mii de exponate, a cuprins o serie de lucrări unice de meșteșuguri populare și lucrări cu caracter experimental, realizate de maeștri ai diferitelor centre de artă în ateliere create în cadrul MNHR. Începând cu anii 1950, muzeul a început să achiziționeze în mod intenționat, sistematic o colecție de arte și meșteșuguri tradiționale rusești, iar această lucrare a devenit una dintre domeniile prioritare ale activității sale.

Un loc semnificativ în sălile de expoziție este acordat lucrărilor meșterilor populari și artiștilor din regiunea Sergiev Posad. Jucăriile au adus o faimă deosebită orașului. Erau din lemn - cioplit, strunjire, tâmplărie; din papier-mache și mastic - cu mișcare și sunet. Muzeul expune sculptate din triedri și păpuși pictate - doamne, husari, asistente, faimoase păpuși cuibărătoare, populare în a doua jumătate a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. jucării arhitecturale de tipar, inclusiv Lavra Trinity-Sergius.

Producția de jucării în satul Sergiev Posad este indisolubil legată de industria jucăriilor. Bogorodskoye. Colecția muzeală de materiale plastice sculptate din Bogorodsk include jucării, sculpturi, compoziții sculpturale și are aproximativ patru mii de exponate. De mare interes sunt lucrările secolului al XIX-lea: „Generalul Skobelev călare” - P.F. Bardenkova, „Un ghid cu un urs” - D.I. Pucikov; compoziții distractive cu mai multe figuri pe temele basmelor populare rusești și noua realitate sovietică, realizate în anii 30 ai secolului XX. (lucrări de A.F. Balaev, N.E. Eroșkin, V.T. Polinov, A.G. Șișkin).

Muzeul are o colecție largă de lucrări sfârşitul XIX-lea- au inceput. Secolului 20 jucării educaționale și ateliere de tâmplărie de artă în Sergiev Posad și Abramtsev. Acestea sunt sicrie, sicrie, piese de mobilier realizate după mostre elaborate de artiști celebri S.V. Malyutin, E.D. Polenova, Ap. M. Vasnetsov, N.D. Bartram, Vl.I. Sokolov și alții. Lucrările atelierului Abramtsevo, care a fost condus de E.D. Polenov, a avut o influență directă asupra formării și dezvoltării meșteșugului de sculptură în lemn Abramtsevo-Kudrin, cu modelul său caracteristic de plante în relief plat. Unul dintre fondatorii meșteșugului a fost V.P. Vornoskov. Muzeul adăpostește mai multe lucrări ale maestrului, inclusiv vase decorative de la începutul secolului al XX-lea, portalul Grăniceri din 1937.

Odată cu prelucrarea lemnului, ceramica era răspândită în Rusia, de obicei jucăriile erau sculptate lângă vase. Această artă își are rădăcinile în păgânism, când figurile mici din lut, participând la rituri magice, jucau rolul unui fel de obiecte de cult. Muzeul prezintă colecții de jucării din Kargopol (regiunea Arkhangelsk), Filimonovo (regiunea Tula), Abashevskaya (regiunea Penza), Skopinskaya (regiunea Ryazan). De mare interes este jucăria Dymkovo (regiunea Kirov) de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. Acestea sunt lucrările unor autori necunoscuți și A.A. Mezrina: asistente, domni, cupluri de dans etc. O parte valoroasă a colecției Dymkovo este opera anilor 1930. Printre lucrările celei de-a doua jumătate a secolului al XX-lea. Compoziția cu mai multe figuri „Nunta”, realizată de un grup de meștere Dymkovo conduse de E.I. Koss-Denshina.

Lemnul a fost unul dintre cele mai populare materiale din Rusia, iar meșteșugurile pentru prelucrarea sa artistică au existat în diferite regiuni. Alături de Sergiev Posad, muzeul prezintă cel mai pe deplin meșteșugurile din regiunea Nijni Novgorod - Khokhloma și Gorodets. Bolurile din lemn de culoare deschisă Khokhloma, bratinele, solonitsa, pictate cu un model floral strălucitor și care amintesc de vase prețioase de aur, erau cunoscute pe scară largă deja în secolul al XIX-lea. Producția lor a fost realizată în mod tradițional de țăranii dintr-un număr de sate și sate situate pe teritoriul districtului modern Koverninsky din regiunea Nijni Novgorod. Printre exponate colecția muzeului- mostre de preparate țărănești din secolul al XIX-lea. și mobilier din anii 1930 cu pictură pe fundal alb și argintiu, neobișnuit pentru Khokhloma.

Meșteșugul Gorodetsky a început să prindă contur la sfârșitul secolului al XVIII-lea, când țăranii dintr-un număr de sate mici situate nu departe de marele sat comercial Gorodets au început să facă un fund pentru roțile de învârtire. Femeile stăteau pe ele în timpul lucrului, fixând un pieptene înalt cu un cârlig de in sau lână într-o gaură specială. Cu toate acestea, au încercat să facă fundul frumos: era mândria gazdei, era prețuit și prețuit, iar după muncă a fost așezat pe perete ca decor al casei. În decorarea Donețului, ei au folosit o tehnică foarte rară în arta populară rusă de încrustare cu bucăți de stejar întunecat. În anii 1870, ei au trecut de la sculptura cu incrustație la pictură, cu lovituri picturale rapide înfățișând „rozani” luxurianți, călăreți, scene de băut de ceai și festivități. În anii 1920, nevoia de dotare a dispărut, iar maeștrii Gorodets au început să-și folosească pe scară largă abilitățile de pictură în decorarea altor articole: cutii, sicrie, panouri decorative, jucării.

Colecția Gorodets a muzeului nu numai că ne permite să urmărim principalele etape ale dezvoltării acestui centru de la sfârșitul secolului al XVIII-lea până la sfârșitul secolului al XX-lea, dar oferă și o idee despre munca aproape tuturor maeștrilor. care a lăsat o amprentă notabilă asupra istoriei sale. Colecția cuprinde lucrări recunoscute drept exemple „clasice” de artă Gorodeț: Doneț A.V. și L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panel I.K. Mazin, ecranul lui I.K. Lebedev și D.I. Kryukov și alții.
Lacurile artistice rusești sunt celebre în lume. Colecția muzeului vă permite să reflectați istoria lor și vă prezintă toate centrele majore de pictură cu lac. Muzeul expune tăvi de metal pictate de la Nijni Tagil și Zhostovo (regiunea Moscova), produse „lac” realizate din papier-mâché din secolele XIX - XX. lângă Moscova cu. Fedoskino, precum și centrele regiunilor Ivanovo și Vladimir: Palekh, Kholuy și Mstera, unde arta miniaturii lacului a fost dezvoltată numai în epoca sovietică și s-a bazat pe tradițiile stabilite ale picturii icoanelor. Din anii 1830, în atelierul lui O.F. Vishnyakova, situată în satul Zhostovo, împreună cu produse din papier-mâché, a început să producă tăvi metalice. Treptat, pescuitul a dobândit sens independent. În decorarea tăvilor, a început să se acorde preferință aranjamentelor florale pictate cu lovituri picturale suculente.

De o valoare deosebită este colecția de miniaturi lac Palekh din anii 1920-1930, care include lucrări de un nivel artistic foarte înalt. Printre acestea se numără lucrările artiștilor care au făcut parte din artelul Palekh format în 1924 pictura antica»: A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkov și alții, inclusiv virtuos în execuția lucrării fondatorului picturii cu lac din Palekh I.I. Golikov.

Istoria centrelor din apropierea Moscovei (satul Fedoskino și satul Zhostovo) datează de la sfârșitul secolului al XVIII-lea, când negustorul P.I. Korobov a organizat în sat o întreprindere pentru fabricarea articolelor de lac din papier-mâché. Danilkove, situat în apropierea satului. Fedoskino. Industria sa răspândit curând în toată zona. Colecția muzeului prezintă lucrările fabricii Lukutin (succesorii lui P.I. Korobov) și micile întreprinderi țărănești din satele Ostashkovo, Zhostovo, Sorokino și altele situate în volost Troitskaya din districtul Moscovei. Cele mai vechi piese din colecție datează de la mijlocul secolului al XIX-lea. Produsele acestor ateliere sunt omogene din punct de vedere stilistic: cutii, sicrie, cutii de țigări, portofele, tabaturi din hârtie machéă sunt decorate cu miniaturi pitorești, interpretate realist, cu o pronunțată temă națională. Reprezentările tradiționale ale „troicilor”, „petrecerilor de ceai”, scene din viața țărănească, de regulă, sunt copii gratuite ale picturilor de șevalet și lucrări grafice ale artiștilor ruși.
Un loc proeminent în expoziție este acordat colecției de eșarfe și șaluri rusești. Acestea sunt șaluri și alte produse ale meșterilor din Tver și Nijni Novgorod, brodate cu fire „aurie”, și șaluri umplute elegante ale întreprinderilor de top din Moscova și regiunea Moscovei din secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Cel mai mare și, în prezent, singurul producător din Rusia de eșarfe și șaluri imprimate de lână este Pavlovsky Posad lângă Moscova, unde producția lor a fost stăpânită la începutul anilor 1860 la o fabrică deținută de comercianții Ya.I. Labzin și V.I. Gryaznov. Producția de șaluri a fost aproape în întregime manuală. Modelele au fost aplicate pe țesătură folosind scânduri din lemn sculptate, „floare” și „maniere”. Motivul preferat al desenelor șalurilor Pavlovsk, precum și tăvi Zhostovo, imagini de oțel ale florilor. Printre exponatele muzeului se numără șalurile Pavlovsky Posad din diferite vremuri. Acestea sunt eșarfe ale legendarului desenator al secolului al XIX-lea. S.V. Postigov „Pocoava” și „Ajustabil” și lucrările contemporanilor noștri E.P. Regunova, K.S. Zinoveva, I.P. Dadonova și alții.

Meșteșugurile artistice sunt o parte semnificativă cultură națională Rusia. Lucrările prezentate în muzeu mărturisesc marele talent al maeștrilor ruși, gustul artistic fin și originalitatea talentului lor.

Un material foarte atractiv și divers pentru meșterii ruși în ceea ce privește calitățile sale decorative și capacitățile tehnice este osul. Deja în secolul al XVII-lea. tradițiile artei sculptării în oase au început să se dezvolte în zona așezării Kholmogory, provincia Arhangelsk. Meșterii din Kholmogory, împreună cu tarsul (osul de animal comun), foloseau osul unei morse, mai rar un mamut, produse din care erau deosebit de apreciate. Cele mai populare bunuri au fost piepteni, cutii, sicrie și sicrie, decorate cu cele mai fine modele florale, imagini cu animale și păsări, realizate cu sculptură și gravură ajurata. În a doua jumătate a secolului XIX - începutul secolului XX. Sculptura în oase a fost realizată în Mănăstirea Treime-Serghie și Serghiev Posad, dovadă fiind icoana semnăturii „Trinitatea” din 1869, prezentată în expoziție, realizată de Ivan Ilyin (călugărul Iona), și o mică icoană de fildeș care îl înfățișează pe Serghie de Radonezh. , opera maestrului local I .DIN. Hrustaciov.

Tradițiile de sculptură în oase și lemn în miniatură care s-au dezvoltat aici au influențat formarea sculpturii în oase în a doua jumătate a anilor 40 ai secolului trecut în orașul Khotkovo, situat nu departe de Sergiev Posad. Originalitatea acestui centru s-a manifestat prin folosirea diferitelor tehnici de prelucrare a oaselor, combinarea osului cu lemnul și utilizarea pe scară largă a tarsului. Aceste trăsături au fost concretizate în mod deosebit în lucrările anilor 1950, în special în cutia lui V.E. Loginov „Michurin”, ale cărui inserții osoase sunt executate cu măiestrie în tehnica originală a reliefului cu mai multe fațete. Expoziția muzeului oferă, de asemenea, ocazia de a face cunoștință cu lucrările meșteșugurilor tradiționale de prelucrare artistică a oaselor care s-au dezvoltat în estul Rusiei: Tyumen (Tobolsk), Yakutia, Chukotka. Identitatea fiecăruia dintre ei se bazează pe tradițiile etnice și artistice ale populației locale.

De-a lungul anilor de existență a muzeului, a fost adunată cea mai bogată colecție de sticlă și porțelan rusești. Aceste tipuri de arte aplicate au fost dezvoltate rapid în Rusia în secolele XVIII-XIX. În holurile muzeului, se pot vedea produsele fabricilor de atunci, diverse ca scop, formă, tehnică de execuție și stil: fabricile imperiale de porțelan și sticlă din Sf. exemple de sticlă și ceramică rusească, precum sticla gravată. pahare din secolul al XVIII-lea. sau produse din majolic realizate la una dintre primele fabrici de ceramică din Rusia, deschisă în 1724 la Moscova de către comerciantul A.K. Grebenshcikov. Muzeul are o colecție minunată de sculpturi din porțelan, inclusiv o varietate de sculpturi de gen și o serie întreagă - „Poporul Rusiei”, care în secolul al XIX-lea. reînnoit în mod repetat la fabricile de lângă Moscova Gardner și Kuznetsov.
Colecția de sticlă și porțelan din perioada sovietică și post-sovietică este reprezentată în principal de lucrări din anii 1960-1980, realizate de maeștri și artiști de seamă ai celor mai mari fabrici din Rusia. În istoria porțelanului autohton, Fabrica de Porțelan din Leningrad, numită după M.V. Lomonosov (fostul Imperial) și două fabrici de lângă Moscova: Fabrica de Porțelan Dmitrov (fostul Gardner) și Fabrica de Porțelan Dulevo, numită după ziarul Pravda (fostul Kuznetsovsky). Aceste întreprinderi sunt două școli distincte și vibrante, cu stil propriu, cultură înaltă a lucrului cu materiale și tradiții bogate. Diferența dintre cele două școli de porțelan este că au moștenit diferite straturi istorice ale culturii ruse: cea de la Moscova a fost ghidată de tradiția populară, cea de la Leningrad a fost ghidată de arta extrem de profesionistă a secolelor XVIII-XIX, care era în linie. cu dezvoltarea paneuropeană.

În colecția muzeului se află lucrări rafinate și solemne ale artiștilor din Sankt Petersburg (Leningrad), remarcate printr-un gust artistic delicat și un simț clasic al proporției: A.V. Vorobyevsky, A.A. Yatskevici, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. Olevski; în consonanță în formă și pictură cu înțelegerea oamenilor despre frumusețe, lucrări strălucitoare, de afirmare a vieții ale artiștilor din regiunea Moscovei: P.V. Leonova. VC. Yasnetsova, N.N. Ropova și alții.În expoziție puteți face cunoștință și cu colecția de sticlă și cristal din a doua jumătate a secolului XX. Formele de veselă, vaze și seturi decorative, compoziții tridimensionale, materiale plastice din sticlă sunt realizate folosind o varietate de tehnici și tehnologii de artiști de frunte ai celor mai vechi fabrici de sticlă din Rusia. Aceasta este o fabrică din orașul Guș-Khrustalny, Regiunea Vladimir (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); fabrica de sticlă Krasny May din districtul Vyshnevolotsky din regiunea Tver (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Fabrica de cristal Dyatkovo (M.V. Grabar, V.V. Soiver, V.Ya. Shevchenko).

Mândria colecției muzeului este o colecție destul de semnificativă a Fabricii de sticlă de artă din Leningrad, ale cărei activități sunt asociate cu opera unor astfel de maeștri ai artei aplicate precum L.O. Jurgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, B.A. Eremin, Yu.M. Byakov. Majoritatea lucrărilor din sticlă și porțelan sunt mostre unice create pentru cele mai mari expoziții internaționale sau rusești. Astfel, în ceea ce privește diversitatea sa, caracterul complet al prezentării centrelor individuale, nivelul artistic ridicat al lucrărilor incluse în acesta, colecția muzeală de arte și meșteșuguri tradiționale rusești poate fi clasificată drept una dintre cele mai bune din țară. Lucrările care o compun mărturisesc marele talent al maeștrilor ruși, gustul artistic subtil și originalitatea talentului lor.