1 Ce este un portret frontal

2 Cum să priviți un portret formal - un exemplu

3 Sarcină independentă

1. Ce este un portret formal

„El [Harry Potter] era foarte somnoros și nici măcar nu era surprins că oamenii înfățișați în portretele atârnate pe coridoare șopteau între ei și arătau cu degetele către boboci.<…>Stăteau la capătul coridorului în fața unui portret al unei femei foarte grase într-o rochie de mătase roz.

- Parola? întrebă femeia cu severitate.

— Kaput Draconis răspunse Percy, iar portretul alunecă deoparte, dezvăluind o gaură circulară în perete.

Probabil, mulți oameni își amintesc acest episod din cartea lui Joanne Rowling „Harry Potter și piatra filosofală”. În Castelul Hogwarts, orice miracole, inclusiv portretele vii, sunt obișnuite. Cu toate acestea, acest motiv a apărut în literatura engleză cu mult înaintea lui JK Rowling, la mijlocul secolului al XVIII-lea: a fost introdus de scriitorul Horace Walpole în romanul The Castle of Otranto (1764). Atmosfera foarte misterioasă a castelelor și palatelor, al căror atribut indispensabil sunt portretele de familie, martorii tăcuți ai trecutului, intrigi, pasiuni și tragedii, invită astfel de fantezii.

Lucrarea, construită ca o conversație de portrete animate, se află și în literatura rusă a secolului al XVIII-lea. Autorul său a fost însăși împărăteasa Ecaterina a II-a. Aceasta este o piesă numită „Palatul Chesme”, în care se joacă o conversație între picturi și medalioane, parcă auzită noaptea de un paznic. Eroii lucrării nu au fost pânze fictive dintr-un castel fictiv, ci portrete existente ale unor personaje istorice, în cea mai mare parte, monarhii Europei - contemporanii Ecaterinei și membrii familiilor lor.

Benjamin West. Portretul lui George, Prinț de Wales și al Prințului Frederick, mai târziu Duce de York. 1778Schitul de Stat

Mariano Salvador Maella. Portretul lui Carlos III. Între 1773 și 1782Schitul de Stat

Mariano Salvador Maella. Portretul lui Carlos de Bourbon, Prințul Asturiei. Între 1773 și 1782Schitul de Stat

Miguel António do Amaral. Portretul Mariei Francisco, Prințesa Braziliei și Beira. Pe la 1773Schitul de Stat

Miguel António do Amaral. Portretul lui José Manuel, regele Portugaliei. Pe la 1773Schitul de Stat

Miguel António do Amaral. Portretul Mariannei Victoria, Regina Portugaliei. Pe la 1773Schitul de Stat

Aceste picturi au împodobit palatul de călătorie de pe drumul de la Sankt Petersburg la Tsarskoye Selo, construit de arhitectul Yuri Felten în anii 1774-1777. Palatul Chesme există și astăzi, în el se află una dintre universitățile din Sankt Petersburg. Dar acum nu există portrete în el: ele sunt păstrate în diferite muzee, majoritatea în Muzeul Ermitaj de Stat din Sankt Petersburg.. Galeria a fost foarte reprezentativă – cuprindea 59 de portrete picturale. Deasupra lor erau așezate medalioane de marmură cu imagini în basorelief ale unor mari duci, țari și împărați ruși, realizate de sculptorul Fedot Shubin - erau aproape același număr, 58. Acum medalioanele sunt depozitate în Armeria Kremlinului din Moscova.. Portretul lui Catherine se afla și în galerie, în prima cameră de pe scara principală - imaginea ei, parcă, îi întâmpina pe oaspeți ca o gazdă. Așezându-și portretul în acest palat, Catherine a căutat să-și demonstreze implicarea în dinastiile conducătoare europene (monarhii Europei erau legați între ei prin legături de familie, deci colecția era un fel de galerie de familie) și în același timp să se înscrie. în seria domnitorilor ruşi. Astfel, Ecaterina a II-a, care a urcat ca urmare pe tron ​​și, mai mult, nu era de origine rusă, a încercat să-și dovedească drepturile la tron.

În piesă, Catherine nu prezintă conducătorii europeni în cea mai bună lumină, batându-și joc de slăbiciunile și deficiențele lor, dar în portretele în sine, conducătorii sunt prezentați într-un mod complet diferit. Privind la ei, este greu de crezut că monarhii reprezentați pot avea astfel de conversații nesemnificative.

Acestea sunt cele mai caracteristice exemple de portret ceremonial - artiștii au fost plini de reverență față de modelele lor. În Rusia, acest tip de portret a apărut abia în secolul al XVIII-lea.

Ce s-a schimbat în arta rusă în secolul al XVIII-lea

Timp de șase secole (din secolul al XI-lea până în secolul al XVII-lea), pictura rusă antică, continuând tradiția bizantină, s-a dezvoltat aproape exclusiv în curentul principal ecleziastic. Care este diferența dintre o icoană și un tablou? Deloc în faptul că parcelele pentru pictarea icoanelor sunt extrase din Sfintele Scripturi și din alte texte bisericești și că Iisus, ucenicii săi și sfinții canonizați sunt înfățișați pe icoane. Același lucru se vede și în imagini - în pictura religioasă. Mai important, o icoană este o imagine destinată rugăciunii; prin ea credinciosul se întoarce la Dumnezeu. Pictorul de icoane pictează nu un chip, ci un chip, o imagine a sfințeniei; icoana este un semn al lumii cerești, ființă spirituală. De aici regulile speciale (canonul) și mijloacele artistice ale picturii icoanelor. Sarcina unui portretist este diferită - aceasta este, în primul rând, o poveste despre o persoană.

În secolul al XVII-lea, în Rusia au început să apară primele portrete seculare - imagini cu țari și anturajul lor. Se numeau „parsuns”, din cuvântul latin personaj- personalitate, chip. Dar scopul parsunei a fost încă nu atât de a captura o anumită persoană (deși trăsăturile faciale din aceste imagini sunt individualizate), ci de a glorifica o persoană ca reprezentant al unei familii nobile. A apărut o nouă tehnică: scrierea în tempera pe lemn a fost înlocuită cu pictura în ulei pe pânză. Însă mijloacele artistice ale Pârsunei se întorc la pictura icoanelor: primele portrete au fost realizate de oameni de la Armurerie (cel mai important centru al vieții artistice din secolul al XVII-lea), mai exact, din atelierul ei de pictură icoană.

Artist necunoscut. Portretul (parsun) al țarului Alexei Mihailovici. Sfârșitul anilor 1670 - începutul anilor 1680 Muzeul Istoric de Stat

Primele decenii ale secolului al XVIII-lea au fost marcate de transformările grandioase ale lui Petru I, care au cuprins toate sferele vieții țării. O mare parte din ceea ce a făcut Petru a avut un început, dar a dat o accelerare decisivă acestor procese, dorind să reformeze Rusia acum, imediat. Soluționarea noilor sarcini de stat a fost însoțită de crearea unei noi culturi. Cele două tendințe principale au fost secularizarea (arta de conducere nu era religioasă, ci seculară, care răspundea unor noi interese și nevoi) și familiarizarea cu tradițiile europene, inclusiv în artele vizuale.

Petru a început să achiziționeze lucrări de artă antică și europeană, iar asociații săi i-au urmat exemplul. A invitat în Rusia maeștri europeni, care trebuiau nu numai să îndeplinească comenzile, ci și să educe studenții ruși. Artiștii ruși au fost trimiși să studieze în străinătate pe cheltuiala statului (aceasta se numea „pensie”, deoarece studenții primeau o „pensie” pentru călătorie). Peter a visat și să creeze Academia de Arte. Acest lucru a fost deja realizat de fiica sa Elizaveta, care a fondat în 1757 la Sankt Petersburg Academia celor mai nobile trei arte (pictură, sculptură și arhitectură). Înființarea Academiei a fost încheierea logică a transformărilor în artă. Aici au fost invitați artiști-profesori străini, tradiția pensionarilor, întreruptă de primii urmași ai lui Petru, a fost reînviată. Dar, cel mai important, a fost adoptat sistemul european de educație artistică, adică o secvență și metode de predare speciale.

Pentru implementarea reformelor, Peter avea nevoie de asociați activi. Acum o persoană a fost evaluată din punctul de vedere al beneficiilor pe care le aduce statului, „în funcție de meritele personale”, și nu în virtutea apartenenței la o familie străveche. O nouă înțelegere a rolului individului s-a reflectat în dezvoltarea genului portretului, și mai ales în forma sa ceremonială, direct legată de sarcinile statului.

Ce este un portret frontal

Sarcina principală a portretului ceremonial este de a arăta publicului poziția socială înaltă a unei persoane. Prin urmare, în astfel de portrete, modelul apare în acel costum, în acel interior și înconjurat de acele „accesorii” care indică statutul ei înalt: întotdeauna în ținute luxoase și pe fundalul sălilor magnifice ale palatului, dacă acesta este un monarh, atunci cu atribute ale puterii, dacă suveranul -stvenny figura sau comandantul - uneori cu ordine și alte însemne care determină locul unei persoane în ierarhia statului.

Cu toate acestea, nu numai atributele permit artistului să indice prestigiul social al unei persoane. Există un întreg set de mijloace artistice pe care maeștrii secolului al XVIII-lea le-au folosit în portretele formale pentru a inspira privitorul cu ideea semnificației eroului. În primul rând, acestea sunt picturi de format mare. Și aceasta determină deja distanța în relațiile cu privitorul: dacă o miniatură poate fi ridicată, adusă mai aproape de sine, atunci un astfel de portret trebuie privit de la distanță. În al doilea rând, în portretul rochiei, modelul este înfățișat în plină creștere. O altă tehnică este un orizont scăzut. Orizont - limita vizibilă a cerului și a suprafeței pământului, care este aproximativ la nivelul ochiului uman; în pictură, o linie de orizont condiționată, imaginară, devine o linie directoare pentru artist atunci când construiește o compoziție: dacă este plasată jos în compoziția tabloului, privitorul are senzația că privește imaginea de jos în sus. Orizontul jos evidențiază silueta, îi dă putere, grandoare.

În sălile palatului erau așezate portrete de ceremonie, încadrate în rame aurite; ar putea exista un baldachin deasupra portretului monarhului. Însuși mediul în care au fost demonstrate a dictat stilul de comportament publicului. Imaginea, parcă, îl înlocuiește pe cel care este reprezentat pe ea, iar privitorul ar trebui să se comporte în fața ei la fel ca și în prezența modelului însuși.

Un portret ceremonial este întotdeauna caracterizat de o intonație panegerică (adică solemnă, elogioasă): un model este în mod necesar un monarh perfect, sau un mare comandant sau un om de stat remarcabil, întruchiparea acelor virtuți care ar trebui să fie caracteristice rangului său și ocupaţie. Prin urmare, s-a format destul de devreme un set de formule stabile - scheme iconografice (posturi, gesturi, atribute) care exprimau anumite idei. S-au transformat într-un fel de mesaje codificate, care se repetau cu mici variații de la un portret la altul. Pe de altă parte, abaterile de la astfel de canoane s-au simțit deosebit de puternic și au fost întotdeauna pline de sens.

Ce este o alegorie

Alegoria a devenit larg răspândită în arta secolelor XVII-XVIII. Alegorie (din greacă. alegorie- „a vorbi altfel”) este o imagine artistică în care concepte abstracte (dreptate, iubire etc.), greu de transmis într-o formă vizibilă, sunt prezentate alegoric, sensul lor este transmis de un obiect sau ființă vie. Metoda alegorică este construită pe principiul analogiei. De exemplu, în lumea alegoriilor, leul este întruchiparea puterii, deoarece această fiară este puternică. Orice imagine alegorică poate fi percepută ca un text tradus în limbajul picturii. Privitorul trebuie să efectueze o traducere inversă, adică să descifreze sensul compoziției alegorice. Ca dispozitiv artistic, alegoria este folosită și astăzi. Și puteți încerca să descrieți alegoric cutare sau cutare concept, pe baza propriilor idei și cunoștințe. Dar va înțelege toată lumea? O caracteristică esențială a artei secolelor XVII-XVIII a fost reglementarea sensului alegoriilor. Imaginii i s-a atribuit un sens specific, iar acest lucru a asigurat înțelegerea reciprocă între artist și privitor.

Jacopo Amiconi. Portretul împăratului Petru I cu Minerva. 1732-1734 ani Schitul de Stat

Mitologia antică a fost cea mai importantă sursă de alegorii. De exemplu, în portretul artistului italian Jacopo Amiconi, Petru I este prezentat alături de Minerva, zeița războiului înțelept (poate fi recunoscută după atributele ei: zale și suliță). Cupidon îl încununează pe Petru cu coroana imperială - în 1721 Rusia a fost proclamată imperiu. Astfel, imaginea îl glorific pe Petru ca un conducător înțelept care i-a învins pe suedezi în Războiul de Nord și, datorită acestui fapt, a ridicat statutul internațional al Rusiei.

Dar același obiect sau creatură poate acționa ca alegorii ale unor concepte diferite în situații diferite, așa că ar trebui interpretate în funcție de context. De exemplu, o bufniță poate acționa ca însoțitoare atât a Minervei, zeița înțelepciunii (bufnița era considerată o pasăre inteligentă), cât și a alegoriei Nopții (bufnița este o pasăre de noapte). Pentru ca spectatorii să poată citi mai ușor sensurile, au fost compilate cărți speciale de referință (sau „lexiconele iconologice”).

Johann Gottfried Tannauer. Petru I în bătălia de la Poltava. 1724 sau 1725

Într-o operă de artă plastică, alegoria ar putea fi prezentă ca un motiv separat. Așadar, în tabloul lui Johann Gottfried Tannauer „Petru I în bătălia de la Poltava”, Petru este înfățișat călare pe fundalul unei bătălii descrise destul de realist. Dar deasupra lui, învingător, se înalță figura înaripată a Gloriei cu o trâmbiță și o coroană.

Cu toate acestea, mai des alegoriile s-au format într-un întreg sistem, în cadrul căruia au intrat în relații complexe între ele. Astfel de sisteme alegorice au fost de obicei inventate nu de artiști înșiși, ci de „inventar”. În diferite momente, în acest rol puteau acționa reprezentanți ai clerului, membri ai Academiei de Științe, profesori ai Academiei de Arte, istorici și scriitori. Ei, ca și scenariștii de astăzi, au compus un „program” pe care artistul ar fi trebuit să îl întruchipeze în lucrare.

În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, artiștii și spectatorii au stăpânit limbajul alegoric într-o asemenea măsură încât a început să fie apreciată o regândire plină de spirit a imaginilor tradiționale, subestimarea, indiciu. Și până la sfârșitul secolului, imaginile alegorice ale virtuților sub formă de zei sau oameni au dispărut treptat și complet din portretul din față. Locul lor a fost luat de un obiect-atribut, care, ca o alegorie, a comunicat ideea compoziției, dar, în același timp, nu a încălcat principiul asemănării cu realitatea - în limbajul secolului al XVIII-lea, se potrivea cu cele prezentate. situatie.

Johann Baptist Lampi cel Bătrân. Portretul Ecaterinei a II-a cu figuri alegorice ale Istoriei și Chronos. Nu mai târziu de 1793 Muzeul de Stat al Rusiei

Johann Baptist Lampi cel Bătrân. Portretul Ecaterinei a II-a cu figuri alegorice ale Adevărului și Puterii (Fortăreață). 1792–1793 Schitul de Stat

Să comparăm, de exemplu, două portrete ale Ecaterinei a II-a de Johann Baptist Lampi - „Portretul Ecaterinei a II-a cu figuri ale istoriei și Chronos” și „Portretul Ecaterinei a II-a cu figuri alegorice ale Adevărului și Puterii (Cetatea)”. Au fost create aproape în același timp. Dar în primul, Istoria și Chronos (Timpul) sunt descrise ca oameni - o femeie și un bătrân cu atributele corespunzătoare: Istoria consemnează faptele Ecaterinei în scrierile ei, iar Chronos cu o coasă la picioarele tronului o privește pe împărăteasa. cu admirație – timpul nu stăpânește asupra ei. Acestea sunt creaturi din carne și oase, pot interacționa cu Ekaterina, pot comunica cu ea. În cel de-al doilea portret, Adevărul și Cetatea sunt arătate și alegoric - sub formă de figuri feminine: una - Adevărul - cu oglindă, a doua - Cetatea - cu o coloană. Dar aici întruchipările animate ale ideilor sunt prezentate nu ca oameni vii, ci ca imaginile lor sculpturale. Tabloul, pe de o parte, devine realist (astfel de sculpturi ar fi putut foarte bine să fie prezente în interior, unde împărăteasa a apărut în ochii supușilor ei), iar pe de altă parte, încă transmite ideea criptată într-o imagine alegorică. . În același timp, imaginea alegorică este acum „ascunsă” ca imagine într-o imagine.

2. Cum să priviți un portret formal - un exemplu

Ce știm despre portret

În fața noastră este „Portretul Ecaterinei Legiuitorul în Templul Zeiței Justiției”, versiunea autorului din 1783. Dmitri Levitsky a creat mai multe versiuni ale acestui portret, iar mai târziu a fost repetat în mod repetat de alți artiști.

Dmitri Levitsky. Portretul Ecaterinei Legiuitorul în Templul Zeiței Justiției. 1783 Muzeul de Stat al Rusiei

Mai multe lucrări scrise de însuși Levitsky și de contemporanii săi ajută la înțelegerea programului alegoric al portretului. În 1783, poeziile poetului Ippolit Bogdanovich au fost publicate în revista Interlocutorul iubitorilor cuvântului rusesc:

Levitsky! desenând o zeitate rusă,
Prin care cele șapte mări se odihnesc în bucurie,
Cu pensula ta ai dezvăluit la Petrovgrad
Frumusețea nemuritoare și triumful muritor.
Dorind să imite uniunea surorilor parnasiene,
Aș suna, ca și tine, să mă ajute să muzez
zeitate rusă de înfățișat cu un stilou;
Dar Apollo este gelos să-l laude însuși.

Fără a dezvălui în detaliu programul portretelor, Bogdanovich a exprimat ideea principală: artistul, într-o alianță creativă cu muza, a înfățișat-o pe Catherine, asemănând-o cu o zeiță, datorită căreia întreaga țară, spălată de șapte mări, prosperă.

Ca răspuns, artistul a scris propria sa explicație mai detaliată a semnificației portretului, care a fost publicată în aceeași publicație:

„Mijlocul tabloului reprezintă interiorul templului zeiței Justiției, în fața căreia, sub forma Legiuitorului, Majestatea Sa Imperială, ardând flori de mac pe altar, își sacrifică prețioasa pace pentru pacea generală. În locul coroanei imperiale obișnuite, ea este încoronată cu o coroană de laur care împodobește coroana civilă așezată pe cap. Însemnele Ordinului Sfântului Vladimir înfățișează excelența faimoasă pentru ostenelile făcute pentru binele Patriei, despre care cărțile aflate la picioarele Legiuitorului mărturisesc adevărul. Vulturul victorios se sprijină pe legi, iar paznicul, înarmat cu un fulger, se plânge de integritatea lor. În depărtare se vede marea deschisă, iar pe steagul rus fluturând, toiagul lui Mercur înfățișat pe scutul militar înseamnă comerț protejat.

Interlocutor al iubitorilor cuvântului rusesc. SPb., 1783. T. 6

Levitsky a mai subliniat că îi datora conceptul portretului „unului iubitor de arte, care i-a cerut să nu-și pună numele”. Ulterior, s-a dovedit că „inventatorul” a fost Nikolai Alexandrovich Lvov - un maestru talentat la scară renascentist: a fost arhitect, desenator, gravor, poet, muzician, teoretician și istoric de artă, sufletul unui cerc literar, care includea poeți de seamă ai vremii.

Un alt text care a apărut în legătură cu acest portret este celebra odă a lui Gabriel Derzhavin „Viziunea lui Murza” Murza- un titlu nobiliar în statele medievale tătare. În „Viziunea lui Murza” și în oda „Felitsa” Derzhavin se numește Murza, iar Catherine a II-a - Felitsa: acesta este numele fictiv „Prițesă a Hoardei Kirghiz-Kaisatsky” dintr-un basm compus de însăși împărăteasa pentru nepotul ei Alexandru.(1783).

Am văzut o viziune minunată:
Soția a coborât din nori,
A coborât - și s-a trezit o preoteasă
Sau o zeiță în fața mea.
Hainele albe curgeau
Pe ea un val de argint;
coroana Gradskaya pe cap,
Brâul de aur strălucea cu perșii;
Din pânză fină neagră-aprinsă,
Ținută asemănătoare curcubeului
De la umărul liniei gingiilor
Atârnat pe coapsa stângă;
Cu mâna întinsă pe altar
La sacrificiu ea încălzește
Arzând maci parfumați,
A slujit cea mai înaltă zeitate.
Vulturul de la miezul nopții, uriaș,
Însoțitor de fulger pentru a triumfa,
Heroic vestitor al gloriei,
Stând în fața ei pe o grămadă de cărți,
Sacrul și-a păstrat legile;
Tunete stinse în ghearele lor
Și un dafin cu ramuri de măslin
O ținea ca și cum ar fi adormit.

Pe cine văd cu atâta îndrăzneală
Și a cui gura mă zdrobește?
Cine eşti tu? Zeita sau preoteasa? —
Vis în picioare am întrebat.
Ea mi-a spus: „Eu sunt Felitsa”...

Ce vedem în portret?

Ce spune Ordinul Sf. Vladimir?

Portretul lui Levitsky este legat de istoria Ordinului Sfântului Egal cu Apostolii Prințul Vladimir. Acest ordin a fost stabilit la 22 septembrie 1782, statutul său (adică un document care descrie procedura de acordare a ordinului și ceremoniile aferente) a fost scris de Alexander Andreevich Bezborodko, șeful de facto al politicii externe a Rusiei. Și aceasta nu este o coincidență: crearea ordinului a fost asociată cu unul dintre cele mai importante planuri de politică externă ale Ecaterinei -. Conform acestui proiect, Rusia urma să-i alunge pe turci din Europa, să ia stăpânirea Constantinopolului și să formeze în Balcani, în primul rând, un Imperiu Grec independent (în fruntea căruia trebuia să stea nepotul împărătesei, Marele Duce Konstantin) , iar în al doilea rând, statul Daciei sub egida Rusiei, care urma să cuprindă principatele dunărene, eliberate de sub puterea turcilor.

Pe lângă scopurile pur practice, ideea avea o mare semnificație ideologică. Imperiul Rus, fiind cel mai puternic stat ortodox, s-a poziționat ca moștenitor al marelui Bizanț, distrus de turci (în 1453 au cucerit Constantinopolul). Rusia a adoptat Ortodoxia din Bizanț sub domnitorul Vladimir în 988. Așa se explică înființarea de către Catherine a ordinului dedicat prințului Vladimir tocmai când era obsedată de gândurile despre proiectul grecesc.

Ekaterina nu a reușit să realizeze proiectul grecesc. Dar monumentele de artă amintesc de el. La începutul anilor 1780, în apropiere de Tsarskoye Selo a fost construit un oraș exemplar al Sofia după proiectul lui Charles Cameron (un arhitect scoțian care a lucrat în Rusia). Centrul acestui oraș a fost monumentala Catedrală Sfânta Sofia (proiectul a fost dezvoltat și de Cameron) - în amintirea principalului altar creștin, care se afla în posesia turcilor, biserica Hagia Sofia din Constantinopol. Lângă templul Țarskoie Selo, urmau să construiască o casă a Dumei Cavalerilor a Ordinului Sf. Vladimir pentru întâlnirile domnilor săi. La începutul anilor 1780, portretele lor au fost comandate de la Levitsky - picturile erau destinate „casa de comandă”, iar portretul Ecaterinei urma să fie în centrul ansamblului. Cu toate acestea, construcția templului a fost finalizată abia în 1788, iar construcția „casei de ordine”, se pare, nici măcar nu a început. După moartea împărătesei în 1796, ideea a fost complet uitată.

Dar în 1783, când a fost creat portretul Ecaterinei, proiectul grecesc a fost în centrul atenției. În acel an, Crimeea a fost anexată Rusiei (înainte ca Hanatul Crimeei să fie vasal al Imperiului Otoman). Acest succes în politica externă se va dovedi a fi unul dintre puținele rezultate reale ale proiectului. Și asta explică de ce Ordinul Sfântului Vladimir este cel care ocupă un loc atât de important în portret.

Cum diferă portretul lui Levitsky de portretul lui Borovikovsky

Vladimir Borovikovski. Portretul Ecaterinei a II-a la o plimbare în parcul Tsarskoye Selo. 1794

„Portretul Ecaterinei Legiuitorul” este adesea comparat cu „Portretul Ecaterinei a II-a la o plimbare în parcul Tsarskoye Selo” de Vladimir Boro-vikovsky. Ambele poze prezintă același model, dar sunt complet diferite. Primul este un exemplu viu de portret imperial ceremonial, în timp ce al doilea este un exemplu elocvent de portret de cameră.

Care este diferența dintre tipurile de portret frontal și camera? Se realizează un portret ceremonial pentru a demonstra statutul înalt al modelului, locul ei în ierarhia socială. Într-un portret de cameră, artistul dezvăluie o altă latură a vieții unei persoane - cea privată. Sarcinile diferite provoacă o diferență în tehnicile artistice. „Portretul Ecaterinei a II-a la plimbare” are dimensiuni reduse (94,5 x 66 cm), iar acest lucru orientează imediat privitorul către percepția camerei. Pentru a vizualiza portretul, trebuie să îl abordați. Se pare că ne invită să ne apropiem fără a fi timid, în timp ce un portret de format mare ne face să înghețăm la o distanță respectuoasă. Catherine în halat și șapcă, cu iubitul ei ogar italian la picioare, fără atributele obișnuite ale puterii imperiale, nu în sălile magnifice ale palatului, ci într-o grădină retrasă - ea apare nu ca un conducător asemănător unui zeu, ci ca dacă un simplu proprietar de pământ. Portretul celebrează frumusețea de a fi uman într-un cadru natural.

Dar ce fel de reflecții se poate răsfăța împărăteasa în sânul naturii? Artistul, parcă, ne oferă să rezolvăm ghicitoarea. Ekaterina este situată în Parcul Tsarskoye Selo. Cu mâna, arată spre Coloana Chesme - un monument al victoriei Rusiei asupra Turciei în bătălia de la Chesme din 1770, care se ridică pe o insulă din mijlocul Iazului Mare. Malul opus este ascuns în spatele copacilor. Dar dacă am ocoli iazul și am continua să ne mișcăm în direcția indicată de Catherine, atunci acolo, deja în afara parcului, am avea o vedere spre Catedrala Sf. Sofia (aceeași care a fost construită de Charles Cameron). El nu este reprezentat în imagine, dar fiecare privitor luminat știa că este și știa despre importanța pe care o avea în programul politic și arhitectural al lui Catherine. Sensul gestului împărătesei din portret devine clar: prin victorii navale (și coloana se ridică în mijlocul suprafeței apei), Rusia ar trebui să deschidă calea spre Sofia, către imperiul ortodox cu capitala la Constantinopol.

Și ce vedem? Portretul de cameră, prin natura sa îndreptat spre sfera privatului, și nu a celui public, servește ca expresie a ambițiilor imperiale ale supremului „moșier” rus, al cărui pământ ar trebui să se extindă până la Constantinopol. Ideea, exprimată în mod tradițional prin intermediul unui portret formal, este îmbrăcată sub forma unui portret de cameră. De ce? Nu există un răspuns ferm la această întrebare. Dar se poate specula. Portretele ceremoniale mari erau create de obicei din ordinul împărătesei însăși, a unuia dintre nobili sau a unei instituții. Se știe că acest portret nu a fost comandat de Catherine. Probabil că a fost scrisă pentru a mărturisi despre priceperea artistului pentru prezentarea la palat. Poate că inventatorul (cel mai probabil, a fost același Nikolai Lvov) a deghizat în mod deliberat conținutul politic într-o formă neobișnuită. Un paradox plin de duh (un proprietar, dar care sunt posesiunile ei!) ar fi trebuit să atragă atenția publicului. În același timp, portretul a răspuns unui nou gust artistic (a fost numit sentimentalism) - dorința de natural, interes pentru viața interioară a unei persoane, sentimentele sale, spre deosebire de raționalitatea plictisitoare. Cu toate acestea, împărătesei nu i-a plăcut portretul. Poate pentru că el a reînviat fără să vrea amintiri despre eșecul ei politic. Lăsați ca monumentul victoriei strălucite asupra Turciei să fie trăsătura dominantă în portret, dar vă face să vă gândiți și la dezvoltarea ulterioară a evenimentelor, la proiectul grecesc - un plan pe care Catherine, în ciuda operațiunilor militare de succes, nu a reușit să-l pună în aplicare. Constantinopolul nu a devenit niciodată capitala noului imperiu ortodox.

3. Sarcina independentă

Acum poți încerca să analizezi singur unul dintre celelalte trei portrete. Întrebările de sprijin vă pot ajuta să alegeți direcția căutărilor.

1. Godfrey Neller. Portretul lui Petru I. 1698. Din colecția regală britanică (Queen's Gallery, Palatul Kensington, Londra)

Godfrey Neller. Portretul lui Petru I. 1698 Royal Collection Trust / Majestatea Sa Regina Elisabeta a II-a

Portretele lui Petru I au fost pictate nu numai de artiști ruși. Acest portret a fost creat pentru regele Angliei William al III-lea (Oran) de Sir Godfrey Neller (1646-1723), un maestru din Lübeck, care a studiat la Amsterdam și Veneția și și-a petrecut cea mai mare parte a vieții în Marea Britanie, unde s-a bucurat foarte mult. succes ca portretist.

Întrebări de sprijin

1. Portretul a fost pictat din viața de la Haga din ordinul regelui englez William III, care era și statholder al Olandei. Este posibil ca portretul să fi fost finalizat la Londra. Când și în ce circumstanțe a vizitat Peter I Haga și Londra?

2. Ce face posibilă caracterizarea acestui portret ca fiind unul formal?

3. Comparați portretul creat de maestrul european cu portretele parsun rusești contemporane. Unde se acordă mai multă atenție începutului personal?

4. Ce mijloace sunt implicate pentru a arăta poziția socială a modelului și ce - pentru caracteristicile sale psihologice?

5. Despre ce acțiuni reformiste ale lui Petru mărturisește portretul? Cum sunt ele legate de Anglia?

2. Alexei Antropov. Portretul împăratului Petru al III-lea. 1762. Din colecția Galeriei de Stat Tretiakov

Alexei Antropov. Portretul împăratului Petru al III-lea. 1762 Galeria Tretiakov de stat / Wikimedia Commons

Întrebări de sprijin

1. Descrieți cadrul în care este prezentat modelul. Cum se raportează imaginea împăratului cu această situație? Ce mijloace artistice folosește artistul pentru a caracteriza modelul?

2. Comparați imaginea lui Petru al III-lea, creată de Antropov, cu ceea ce se știe despre personalitatea și domnia împăratului.

3. Dmitri Levitsky. Ursula Mnishek. 1782. Din colecția Galeriei de Stat Tretiakov

Dmitri Levitsky. Ursula Mnishek. 1782 Galeria Tretiakov de stat / Proiectul de artă Google

Ursula Mnishek (circa 1750 - 1808) - aristocrată poloneză, nepoata lui Stanislaw August Poniatowski, contesa, soția mareșalului coroană lituanian contele Mnishek, doamna de stat a curții imperiale ruse.

Întrebare cheie

Acest tip de portret este de obicei numit intermediar între cameră și față. Ce caracteristici ale acestor soiuri de gen combină?

Dmitri Levitsky
Portretul Ecaterinei Legiuitorul în Templul Zeiței Justiției
1783

Figura maiestuoasă și impunătoare a împărătesei, frumusețea ideală, „pământeană” a feței ei, decorul magnific - precum și dimensiunea semnificativă a portretului în sine (261 x 201 cm), ar fi trebuit să inspire privitorul cu respect pentru model.

Însăși expresia „portret ceremonial” evocă ideea a ceva extraordinar de solemn. Imediat apar bărbați cu ochi de vultur, în costume bogate, atârnați cu însemne, încoronați cu coroane de laur sau coroane regale. Sau domnișoare frumoase în rochii luxoase, cu diamante, cu evantai de pene de struț și cu câini mici, fabulos de scumpi.

De fapt, „ceremonial” - aceasta înseamnă solemn, înainte de a fi o trecere solemnă a trupelor, iar odată cu apariția unui portret - o stare solemnă nemișcată.

Portretul ceremonial a apărut în epoca absolutismului, când monarhii, căutând să se înalțe și să se perpetueze, au ordonat imaginea lor maiestuoasă artiștilor de la curte. Sarcina principală a portretului ceremonial a fost glorificarea persoanelor de rang înalt, a persoanelor regale și a anturajului lor. Atenția s-a concentrat pe meritele și realizările clientului, artistul a căutat exaltare, uneori apropiată de îndumnezeire. Primele portrete ceremoniale se distingeau printr-o oarecare rigiditate și „rigiditate”,

dar mai târziu, când portretele ceremoniale au început să fie comandate nu numai de monarhi și curteni, ci și de oameni pur și simplu bogați, portretul ceremonial a devenit mult mai viu.
Picturile erau în mare parte mari, iar persoana era înfățișată în plină creștere, în picioare sau așezată. Fundalul portretului ceremonial era fie un interior magnific, fie un câmp de luptă, dacă era portretul unui militar. În orice caz, decorul ar trebui să fie solemn, subliniind semnificația personajului. În același scop, eroii picturilor sunt îmbrăcați în costume magnifice, de ceremonie, decorate în mod necesar cu regalii și însemne, simbolizând puterea și puterea.
Inițial, sarcina portretului ceremonial a fost, practic, să nu reflecte individualitatea clientului, ci să-i afirme statutul social și social. Cu toate acestea, artiștii remarcabili din acest gen îngust au reușit să reflecte individualitatea unei persoane, caracterul și modul său de viață.

Un exemplu viu de portret ceremonial, în care artistul a reușit să treacă granița genului, este portretul lui P.A. Demidov, antreprenor și patron al artelor, pictat de Levitsky.

Portretul este incredibil de fermecător datorită combinației contrastante a lui Demidov, îmbrăcat în halat și șapcă, stând în picioare cu o udață în mână, dar într-o ipostază ceremonială și pe fundalul unui interior spectaculos din bronz și draperii grele. Bătrânul zâmbește ironic, parcă recunoscând curiozitatea unei astfel de interpretări a portretului din față. Cu toate acestea, această combinație ciudată conține un indiciu subtil, de înțeles pentru contemporanii lui Demidov. Florile în ghivece, bulbii de plante și o carte de grădinărit nu sunt elemente aleatorii. Acest anturaj conține o alegorie pentru activitățile caritabile ale industriașului Prokopiy Demidov. În adâncul imaginii se află clădirea Orfelinatului din Moscova, la organizarea căreia a luat parte. Copiii care și-au găsit adăpost acolo sunt „florile vieții”, iar Demidov, care are grijă de ei, este grădinar. O asemenea imagine a personajului nu l-a slăbit, ci, dimpotrivă, l-a înălțat. In fata noastra apare un om magistral si excentric, dar in acelasi timp generos si inteligent.

După cum puteți vedea, un portret formal poate fi foarte divers, iar dacă decideți să comandați un portret formal, dar nu aveți idee ce stil de secol ar trebui să alegeți și, în general, cum ar trebui să arate, atunci artistul va selecta un mare varietate de opțiuni pentru tine. Orice portret istoric poate fi folosit ca bază pentru un portret formal, iar detaliile interioare, costume, bijuterii și regalii pot fi selectate în funcție de preferințele dumneavoastră. Stă în puterea ta să fii în orice epocă, să te înconjori cu o gamă elegantă, decorativă de culori, fie că te străduiești pentru luxul epocii baroc, pentru decorul intim rococo înmuiat și plin de semitonuri sau pentru stilul restrâns de clasicism - orice alegere va fi mediul tău. Poți alege un portret pe cal, pe un fundal arhitectural sau peisagistic, într-un costum luxos, sau în felul în care Dmitri Levitsky a reușit să-și înfățișeze clientul - cu un indiciu subtil al lucrării tale. Contactează-ne, iar portretul tău poate deveni un decor nu doar pentru casa ta, ci și pentru galeria noastră.

Instituție de învățământ municipală

Educație suplimentară pentru copii

„Școala de artă pentru copii”

IMAGINI FEMININE ÎN PORTRETE DIN SECOLUL XVIII

(F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Finalizat: elev clasa 4-A.

Școala de artă pentru copii MOU DOD Zelenogorsk

Grigorieva Anastasia Vladlenovna

Consilier științific: profesor

Istoria artei MOU DOD DKhSh

Solomatina Tatyana Leonidovna

Zelenogorsk

Locul unei femei în societatea rusă a secolului al XVIII-lea și arta portretului ……………………………………………………………………………………………… 3

Imaginea unei rusoaice în arta portretului secolului al XVIII-lea…………4

2.1. Portret feminin ceremonial din prima jumătate a secolului al XVIII-lea:

2.1 Caracteristicile portretului frontal;

2.2. ȘI EU. Vișniakov

2.3. D.G. Levitsky

Portret feminin de cameră din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea:

Caracteristicile unui portret de cameră

2.2.2. V.L. Borovikovsky

2.2.3. F.S. Rokotova

Portretul feminin al secolului al XVIII-lea este una dintre cele mai mari realizări ale portretului rusesc…………………………………………………………………………………………… …………………………………………………………………………………………………………………………………… …………………………………………………………………………………………………………………………………… …………………………………………………………………………………

Lista literaturii folosite……………………………………………17

Lista ilustrațiilor…………………………………………………………………18

Aplicații……………………………………………………………….19

Locul unei femei în societatea rusă a secolului al XVIII-lea

Și arta portretului

De la începutul secolului al XVIII-lea, dintr-o reprezentare destul de primitivă a unui chip uman, artiștii și-au adus abilitățile la o perfecțiune extraordinară. Învățând de la pictorii străini, maeștrii autohtoni nu numai că și-au adoptat cunoștințele, dar i-au și depășit și au adăugat o aromă profund rusească artei lor (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

Portretele de la începutul secolului înfățișează în principal apartenența socială a unei persoane, laturile sale cele mai bune, pompozitatea sa, uneori frumusețea fictivă. Dar de-a lungul secolului, starea, starea de spirit a publicului, precum și atitudinea artistului față de persoana reprezentată s-au schimbat foarte mult. Maeștrii nu își mai pun sarcina de a face portretul să arate ca un model. Ei nu erau atât de interesați de solemnitatea prezentării, cât de lumea interioară a unei persoane, de esența sa, de predispoziția sa către spiritualitate. Până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, pictorii transmit sufletul modelelor lor, cele mai subtile stări și variabilitatea personajelor.

Scopul muncii mele este de a dovedi această tendință, adică. o tranziție treptată de la caracteristicile externe ale unei persoane la transferul stării sale interne.

Pentru a rezolva această problemă, m-am concentrat pe portretul următorilor artiști ruși remarcabili:

ȘI EU. Vishnyakova;

F.S. Rokotova;

D.G. Levitsky;

V.L. Borovikovsky.

Pentru a caracteriza opera portretistică a acestor artiști, am folosit o gamă destul de largă de surse, a căror listă este dată la sfârșitul lucrării. Printre cărțile pe care le-am folosit, se numără lucrări despre arta perioadei selectate (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), precum și monografii dedicate operei lui artiști individuali (2,3, 9,13,15).

Imaginea unei femei ruse în arta portretului secolului al XVIII-lea

Portret feminin ceremonial din prima jumătate a secolului al XVIII-lea

Rolul principal în pictura din prima jumătate a secolului al XVIII-lea a aparținut portretului. Arta portretului s-a dezvoltat în două genuri: ceremonială și camerală.

Caracteristicile portretului din față

Portretul ceremonial este în mare parte un produs al stilului baroc, cu splendoarea sa grea și grandoarea sumbră. Sarcina lui este să arate nu doar o persoană, ci și o persoană importantă în toată splendoarea poziției sale extrem de sociale. De aici și abundența accesoriilor menite să sublinieze această poziție, splendoarea teatrală a ipostazei. Modelul este înfățișat pe fundalul unui peisaj sau al unui interior, dar cu siguranță în prim-plan, adesea în plină creștere, parcă ar suprima spațiul înconjurător cu măreția sa. (12)

Cu portrete ceremoniale, unul dintre cei mai mari portretişti ai acestui timp, I.Ya. Vișniakov.

„Ochiul” impecabil al artistului și gustul impecabil l-au adus pe Vishnyakov printre cei mai buni portretişti ai vremii. Nu fără motiv, i s-a permis nu numai să copieze, ci și să picteze portrete ale persoanelor domnitoare și apoi să le „reproducă” pentru numeroase palate, agenții guvernamentale și demnitari privați (http://www.nearyou.ru/vishnyakov). /0vishn.html )

Artistului i-a plăcut luxul decorativ al rochiilor de ceremonie ale epocii sale, teatralitatea și festivitatea lor. Cu admirație, el transmite materialitatea și obiectivitatea lumii, scrie cu atenție, cu dragoste costume uimitoare din secolul al XVIII-lea, cu țesăturile lor cu modele complexe, culori și texturi variate, cu cele mai fine broderii și dantelă și decorațiuni. În calitate de maestru decorator, Vishnyakov creează o gamă excepțională de culori. Și deși modelul pare a fi suprapus peste pliurile rigide ale îmbrăcămintei, el este tangibil și seamănă, potrivit criticului de artă T.V. Ilyina, (6) sursa „câmpul unei miniaturi rusești antice luxoase din secolul al XVII-lea. sau ornamentul floral al unei fresce din acea vreme. Și mai presus de toată această bogăție a lumii materiale, chipurile oamenilor se uită și respiră.

În 1743, Vishnyakov a pictat un portret al împărătesei Elisabeta - reprezentativ, cei magnifici. Elizabeth - într-o coroană, cu un sceptru și un urlet, într-o rochie luxoasă și strălucitoare moire. Este curios că acest portret a fost atât de plăcut, încât Vișniakov a fost instruit să reconcilieze în continuare stilul altor portrete ale Elisabetei, oricine le-a pictat - el a devenit, ca să spunem așa, arbitrul suprem în chestiunile de iconografie imperială. Între timp, el însuși, în ciuda splendorii situației în contrast cu ea, a portretizat-o pe Elizabeth ca pe o femeie obișnuită - sânge și lapte, o frumusețe rusă cu sprâncene neagră și roșie, mai prietenoasă și accesibilă decât impunătoare sau regală. După ce și-a însușit atributele puterii, Elizabeth nu s-a obișnuit niciodată. Ceva familiar, cald, zâmbitor-rustic, desigur, nu fără viclenie și nu fără minte, a fost întotdeauna păstrat în înfățișarea ei și Vishnyakov a simțit-o cu siguranță.

Portretele copiilor lui Vishnyakov au fost cel mai bine obținute.

Unul dintre cele mai interesante este portretul lui Sarah Fermor. (ill.3) Aceasta este o imagine formală tipică acelui timp. Fata este prezentată în lungime, la intersecția dintre spațiul deschis și un fundal peisaj cu o coloană obligatorie și o perdea grea. Poartă o rochie inteligentă, cu un evantai în mână. Poziția ei este constrânsă, dar în această solemnitate înghețată există multă poezie, un sentiment de viață tremurând, antrenat de înaltă măiestrie și de o mare căldură sufletească. Portretul combină, ceea ce este tipic pentru Vishnyakov, trăsături aparent puternic contrastante: se poate simți în el tradiția medievală rusă încă vie - și strălucirea formei de artă ceremonială europeană a secolului al XVIII-lea. Figura și poziția sunt condiționate, fundalul este interpretat într-un mod plat - este un peisaj deschis decorativ - dar chipul este sculptat în volum. Scrisul rafinat al rochiei gri-verde-albastru lovește cu bogăția picturii cu mai multe straturi și are o tradiție de aplatizare. Este transmis iluzoriu-material, chiar ghicim tipul de țesătură, dar florile sunt împrăștiate de-a lungul moiré fără a ține cont de pliuri, iar acest „model” se află pe plan, ca într-o miniatură rusă veche. Și deasupra întregii scheme a portretului ceremonial - și acesta este cel mai uimitor lucru - fața serioasă, tristă a unei fetițe cu o privire gânditoare duce o viață intensă.

Soluția de culoare - pictura în tonuri argintii, respingerea petelor locale luminoase (care era de fapt caracteristică pensulei acestui maestru) - se datorează naturii modelului, fragil și aerisit, asemănător cu vreo floare exotică.(http:// /www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Ca dintr-o tulpină, capul îi crește pe un gât subțire, brațele sunt coborâte neputincioase, mai mult de un cercetător a scris despre lungimea excesivă a căruia. Acest lucru este adevărat dacă luăm în considerare portretul din punctul de vedere al corectitudinii academice a desenului: observăm că mâinile erau în general cele mai dificile pentru maeștrii care nu au primit o educație „educativă” sistematică, care erau artiștii de la mijlocul secolul al XVIII-lea, și Vishnyakov în special, dar lungimea lor este, de asemenea, subliniază armonios fragilitatea modelului, precum și copacii subțiri în fundal. Sarah Farmer nu pare să întruchipeze adevăratul secol al XVIII-lea, dar efemerul secol al XVIII-lea, cel mai bine exprimat în sunetele bizare ale menuetului, la care a fost doar visat, iar ea însăși, sub peria lui Vishnyakov, este ca un vis devenit realitate. .

Vishnyakov a reușit să combine în lucrările sale admirația pentru bogăția lumii materiale și un înalt simț al monumentalității, nepierdut în atenția la detalii. La Vishnyakov acest monumentalism se întoarce la vechea tradiție rusă, în timp ce eleganța și rafinamentul sistemului decorativ mărturisesc o excelentă stăpânire a formelor artei europene. Combinația armonică a acestor calități îl face pe Ivan Yakovlevich Vishnyakov unul dintre cei mai străluciți artiști ai unei perioade de tranziție atât de complexe în artă, care a fost în Rusia la mijlocul secolului al XVIII-lea.

D.G. Levitsky

În opera lui Levitsky, un portret ceremonial ocupă un loc mare. Aici, decorativitatea inerentă picturii sale se dezvăluie în toată splendoarea ei.

În portretele ceremoniale ale perioadei mature, Levitsky este eliberat de retorica teatrală, sunt impregnați de spiritul veseliei, un sentiment festiv de viață, un optimism luminos și sănătos.

O atenție deosebită trebuie acordată portretelor ceremoniale mari, în lungime, care formează un singur ansamblu decorativ de elevi ai Institutului Smolny pentru Fecioarele Nobile.

„Portretul lui Khovanskaya și Hrușciova”, 1773, Muzeul Rus (Fig. 8)

La ordinul Ecaterinei a II-a, Levitsky a pictat o serie de portrete ale elevilor Institutului Smolny pentru Fecioare Nobile. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) Cele două fete descrise în acest portret joacă roluri din opera comică „Caprices of Love, or Ninetta at Court” pe scena institutului.

Hrușciova, faimosul akimbo, atinge jucăuș bărbia iubitei ei. Un zâmbet batjocoritor joacă pe chipul urât, dar foarte expresiv al fetei. Ea joacă cu încredere rolul masculin. Partenerul ei, Khovanskaya, se uită timid la „cavalier”, confuzia ei se citește în întoarcerea stânjenită a capului, în cât de neputincioasă stă mâna ei pe satinul strălucitor al fustei. Vedem scene de peisaj care înfățișează un parc englezesc, ruine clasice, silueta unui castel. În stânga, un copac întins este fundalul figurii lui Hrușciova, în prim-plan este o movilă falsă care acoperă lumina suplimentară de la public. Fetele sunt iluminate de lumina rampei, motiv pentru care umbrele de pe podea și contururile figurilor sunt atât de distincte. Hrușciova poartă o camisolă de mătase gri închis, împodobită cu galon de aur. În teatrul institutului, unde băieții nu au jucat niciodată, Hrușciova a fost considerat un interpret de neegalat de roluri masculine. Dar după institut, soarta ei a fost nereușită și nu a putut să ocupe un loc important în lume. Și Katya Khovanskaya va începe să atragă atenția tuturor, va deveni soția poetului Neledinsky-Meletsky și prima interpretă a cântecelor scrise de soțul ei.

„Portretul Nelidovei” 1773 (Fig. 7)

Acesta este cel mai vechi dintre gudroane. În timp ce studia încă la Smolny, a devenit cunoscută pentru performanța sa excelentă pe scenă, a strălucit în special în dans și cântec. În portret, ea joacă un rol în piesa „Slujitorul - Stăpâna”. Ea este deja conștientă de propriul farmec, are nevoie să mulțumească, abilitățile de comportament teatral sunt perfect stăpânite. Figurina a stat cu încredere într-o ipostază de balet, mânerul ridică cu grație șorțul din dantelă, panglici roz împodobesc pălăria de paie a ciobanului - totul creează o senzație de porțelan asemănător păpușilor. Și o față plină de viață, ochi care râd, un zâmbet explică că toate acestea sunt doar un joc. Pe fundal sunt pâlcuri verzi moi de copaci, nori ușoare și eleganti

Portretele lui E. I. Nelidova (1773), (Il. 7) E. N. Hrușciova și E. N. Khovanskaya (1773), (Il. 8), G. I. Alymova (1776) (Ill. 2) ş.a. Structura figurativă a acestor lucrări este asociată cu caracteristica portretului ceremonial al secolului al XVIII-lea. imaginea unei femei ca o ființă „veselă, iubitoare doar de râs și distracție”. Dar sub peria lui Levitsky, această formulă generală a fost plină de un conținut vital realist convingător.

Înalt clasicism în pictură - „Catherine II - legiuitorul în templul zeiței Justiției” 1783, Muzeul Rus. (Fig. 3)

Aceasta este o adevărată odă picturală cu toate caracteristicile inerente acestui gen. Personajul este împărăteasa, în ținută deplină, corectă, rezonabilă, conducătoare ideală. Împărăteasa este prezentată într-o rochie argintie, albă, strălucitoare, cu croială strictă, cu o coroană de laur pe cap și o eșarfă pe piept. Ea poartă o manta grea, căzând de pe umeri și subliniind măreția împărătesei.

Catherine este înfățișată pe fundalul unei perdele solemne, învăluind coloane largi și un piedestal cu falduri largi, pe care este așezată o statuie a lui Themis, zeița justiției. În spatele colonadei, în spatele unei balustrade stricte, sunt înfățișate un cer furtunos și o mare cu nave care navighează pe ea. Catherine întinse mâna peste altarul luminat cu un gest larg. Un vultur, pasărea lui Zeus, stă pe folii groase lângă altar. Marea amintește de succesele flotei ruse din secolul al XVIII-lea, volumul de legi pe care Ecaterina a creat Comisia Legislativă, statuia lui Themis - despre legiferarea împărătesei glorificată de poeți. Dar aceasta, desigur, nu este înfățișarea reală a Ecaterinei, ci imaginea unui monarh ideal, așa cum au vrut să-l vadă iluminismul. Pictura a avut un mare succes și din ea s-au făcut multe copii.

V.L. Borovikovsky

Particularitatea portretului ceremonial rusesc din opera lui Borovikovsky, concepută pentru a glorifica, în primul rând, poziția unei persoane într-o societate de clasă, a fost dorința de a dezvălui lumea interioară a unei persoane.

„Catherine a II for a walk in Tsarskoye Selo Park” - un portret al Ecaterinei a II-a de Vladimir Borovikovsky, pictat în curentul principal al sentimentalismului, una dintre cele mai faimoase imagini ale împărătesei.

Borovikovsky a pictat un portret neobișnuit pentru acea vreme și impregnat de spiritul unui curent proaspăt de sentimentalism – în contrast cu clasicismul care domina la acea vreme în portretele imperiale. Trăsăturile caracteristice ale acestei tendințe sunt idealizarea vieții în sânul naturii, cultul sensibilității și interesul pentru viața interioară a unei persoane. Sentimentalismul se manifestă prin respingerea autorului față de interioarele grandioase ale palatelor și preferința pentru natură, care este „mai frumoasă decât palatele”. „Pentru prima dată în arta rusă, fundalul unui portret devine un element important în caracterizarea unui erou. Artistul cântă despre existența umană în mediul natural, interpretează natura ca o sursă de plăcere estetică.

Ekaterina, în vârstă de 65 de ani, este arătată mergând în parcul Tsarskoye Selo, sprijinindu-se pe un toiag din cauza reumatismului ei. Hainele ei sunt evidențiate informal - este îmbrăcată într-o halat, decorată cu un volan de dantelă cu o fundă de satin și o șapcă de dantelă, un câine se zbârnește la picioarele ei. Domnitorul este reprezentat nu de o zeiță, ci de un simplu „proprietar Kazan”, pe care îi plăcea să apară în ultimii ani ai vieții ca o contemplativă, fără nicio oficialitate, solemnitate și atribute ceremoniale. Portretul a devenit o versiune domestică a tipului englezesc de „portrait-walk”. În amurgul parcului se vede un dig cu sfincși, lebedele înoată în lac. Fața modelului este scrisă într-un mod generalizat și condiționat, vârsta este înmuiată.

Astfel, „simplitatea naturală” pătrunde în portretul ceremonial, pe lângă sentimentalism, apropie parțial tabloul de clasicismul iluminist. Cu toate acestea, postura împărătesei este plină de demnitate, gestul cu care arată către monumentul victoriilor sale este reținut și maiestuos.

Spre deosebire de Ekaterina - Themis Levitsky, Ekaterina Borovikovsky - este înfățișată ca o „bătrână” a „proprietarului Kazan” care se plimbă în grădină cu iubitul ei ogar italian. Borovikovsky a creat un portret neobișnuit pentru acea vreme. Ekaterina este prezentată într-o plimbare în parcul Tsarskoye Selo în halat și șapcă, cu ogarul ei italian preferat la picioare. Nu Felice, nu o regină asemănătoare zeului care a coborât din rai, ea apare în fața privitorului, ci un simplu „moșier kazan”, pe care îi plăcea să apară în ultimii ani ai vieții.

Artistul a descris figura Ecaterinei cu o simpatie de neegalat. Aceasta nu este o împărăteasă la bătrânețe, ci în primul rând o persoană, o femeie, puțin obosită de treburile statului, de eticheta de curte, care, în timpul liber, nu este împotrivă să fie singură, să se deda cu amintiri și să admire natura. „În arta rusă, acesta este primul exemplu de portret regal esențial intim, care se apropie de o pictură de gen.

Cu toate acestea, chiar și în acest portret intim există un „motiv emblematic al unei coloane „stâlp” - coloana Chesme (obeliscul Kahul - pe versiunea portretului Muzeului de Stat al Rusiei), care, pentru tot sentimentalismul imaginii lui Catherine a întregului complot al portretului, simbolizează „fermitate sau constanță”, „spirit de neclintit”, „Speranță puternică”. Pânzele artistului sunt foarte elegante datorită punerii în scenă grațioase a modelelor, gesturilor grațioase și mânuirii cu pricepere a costumului.

Portretele ceremoniale ale lui Vishnyakov sunt caracterizate de un sentiment ridicat de monumentalitate, care nu se pierde în atenția la detalii. La Vishnyakov acest monumentalism se întoarce la vechea tradiție rusă, în timp ce eleganța și rafinamentul sistemului decorativ mărturisesc o excelentă stăpânire a formelor artei europene.

Particularitatea portretului ceremonial rusesc din opera lui Borovikovsky, concepută pentru a glorifica, în primul rând, poziția unei persoane într-o societate de clasă, a fost dorința de a dezvălui lumea interioară a unei persoane. Portretele sale sunt impregnate de spiritul curentului proaspăt al sentimentalismului – în contrast cu clasicismul care domina la acea vreme în portretele imperiale.

Levitsky era la fel de bun la portretele de cameră și la portretele ceremoniale pe lungime.

Portretele ceremoniale ale lui Levitsky dezvăluie efectul decorativ inerent picturii sale în toată strălucirea sa.

În portretele ceremoniale ale perioadei mature, Levitsky este eliberat de retorica teatrală, sunt impregnați de spiritul veseliei.

2. Caracteristicile portretului de cameră din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea:

Portret de cameră - un portret care folosește o imagine pe jumătate, până la piept sau până la umăr a persoanei reprezentate. De obicei, într-un portret de cameră, figura este prezentată pe un fundal neutru.

Un portret de cameră nu este doar un set de semne exterioare, ci este un nou mod de a vedea o persoană. Dacă în imaginea ceremonială criteriul valorii unei personalități umane au fost faptele sale (despre care privitorul a aflat prin atribute), atunci în cameră ies în prim-plan o singură calități morale.

Dorința de a transmite calitățile individuale ale unei persoane și, în același timp, de a face o evaluare etică a acesteia.

Borovikovsky a apelat la diferite forme de portretizare - intim, ceremonial, miniatural Vladimir Lukici Borovikovsky a fost cel mai izbitor artist sentimental rus. Cartea A.I. Arkhangelskaya „Borovikovsky” (3) povestește despre principalele etape ale lucrării acestui remarcabil artist rus, care a fost un exponent al sentimentalismului în arta plastică rusă. Potrivit autorului, V. L. Borovikovsky este „un cântăreț al personalității umane, străduindu-se să ofere idealul unei persoane așa cum și-au imaginat el și contemporanii săi că este”. El a fost primul dintre portretiştii ruşi care a dezvăluit frumuseţea vieţii emoţionale. Locul predominant în opera lui Borovikovsky este ocupat de portretele de cameră.

Borovikovsky devine popular în rândul unei game largi de nobilimi din Sankt Petersburg. Artistul portretizează „clanuri” întregi familii - Lopukhins, Tolstoi, Arsenievs, Gagarins, Bezborodko, care și-au răspândit faima prin canalele familiei. Această perioadă a vieții sale include portretele Ecaterinei a II-a, numeroșii ei nepoți, ministrul de finanțe AI Vasiliev și soția sa. Pânzele artistului sunt foarte elegante datorită punerii în scenă grațioase a modelelor, gesturilor grațioase și mânuirii cu pricepere a costumului. Eroii lui Borovikovsky sunt de obicei inactivi, majoritatea modelelor sunt intoxicate cu propria lor sensibilitate. Acest lucru este exprimat de portretul lui M.I. Lopukhina (1797) și portretul lui Skobeeva (mijlocul anilor 1790) și imaginea fiicei Ecaterinei a II-a și A.G. Potemkin - E.G. Temkina (1798).

„Portretul lui M.I.Lopukhina (Fig. 7) (5) aparține timpului în care, odată cu dominația clasicismului, se instaurează sentimentalismul. Atentie la nuantele temperamentului individual, cultul existentei solitar-private actioneaza ca un fel de reactie la normativitatea clasicismului de natura sociala. Ușurința naturală strălucește prin gestul artistic nepăsător al Lopukhinei, înclinarea capricioasă a capului ei, îndoirea voită a buzelor ei moi și distracția visătoare a privirii ei.

Imaginea lui M.I. Lopukhina captivează privitorul cu melancolie blândă, moliciune neobișnuită a trăsăturilor faciale și armonie interioară. Această armonie este transmisă de întreaga structură artistică a tabloului: atât prin întoarcerea capului, cât și prin expresia feței femeii, ea este subliniată și prin detalii poetice individuale, precum trandafirii smulși și deja căzuți pe tulpină. Această armonie este ușor de prins în netezimea melodioasă a liniilor, în atenția și subordonarea tuturor părților portretului.
Chipul lui M.I. Lopukhina, poate, este departe de idealul clasic al frumuseții, dar este plină de un farmec atât de inexprimabil, atât de farmec spiritual, încât alături de ea multe frumuseți clasice vor părea o schemă rece și neînsuflețită. Imaginea captivantă a unei femei duioase, melancolice și visătoare este transmisă cu multă sinceritate și dragoste, artista își dezvăluie lumea spirituală cu o uimitoare persuasivitate.
O privire gânditoare, languroasă, trist-visătoare, un zâmbet blând, ușurința liberă a unei ipostaze ușor obosite; linii netede, ritmice în cădere; forme moi, rotunjite; o rochie albă, o eșarfă liliac și trandafiri, o curea albastră, culoarea părului cenușiu, un fundal verde de frunziș și, în sfârșit, o ceață moale aerisit care umple spațiul - toate acestea formează o astfel de unitate a tuturor mijloacelor de exprimare picturală, în care crearea imaginii se dezvăluie mai deplin și mai profund.

Portretul lui Lopukhina este pictat pe fundalul unui peisaj. Ea stă în grădină, sprijinită de o veche consolă de piatră. Natura, printre care eroina s-a retras, seamănă cu un colț al parcului peisagistic al unei moșii nobiliare. Ea personifică o lume frumoasă, plină de frumusețe naturală și puritate. Trandafiri veștejiți, crini evocă o ușoară tristețe, gânduri despre frumusețea ieșită. Ele răsună în starea de tristețe, trepidare, melancolie în care este cufundată Lopukhina. În epoca sentimentalismului, artistul este atras în special de stările complexe, de tranziție, ale lumii interioare a unei persoane. Visarea elegiacă, tandrețea languidă pătrund în întreaga țesătură artistică a operei. Gândirea și un zâmbet ușor al Lopukhinei îi trădează cufundarea în lumea propriilor sentimente.

Întreaga compoziție este pătrunsă de ritmuri lente, curgătoare. Curba netedă a figurii, mâna ușor coborâtă este ecou de ramurile înclinate ale copacilor, trunchiurile albe de mesteacăn, spicele de secară. Contururile neclare neclare creează senzația unui mediu ușor aerisit, o ceață transparentă în care sunt „cufundate” figura modelului și natura care o înconjoară. Conturul care curge în jurul figurii ei - acum pierdut, apoi apărând sub forma unei linii subțiri, flexibile - evocă în memoria privitorului contururile statuilor antice. Căderea, convergerea sau formarea pliurilor netede, cele mai fine și mai spirituale trăsături ale feței - toate acestea formează, parcă, nu pictura, ci muzica. Albastrul delicat al cerului, verdele atenuat al frunzișului, aurul urechilor cu pete strălucitoare de flori de colț răsună în culoare cu o rochie albă sidefată, o curea albastră și o bijuterie strălucitoare pe braț. Nuanțe de trandafiri decolorați ecou eșarfa liliac.

În portretele lui Borovikovsky, „Lizanka și Dashenka” (Il. 6) (3) întruchipează tipul de fete sensibile ale acelei epoci. Fețele lor fragede sunt lipite obraz la obraz, mișcările lor sunt pline de grație tinerească. Bruneta este serioasa si visatoare, blonda este plina de viata si amuzanta. Completându-se reciproc, ele se contopesc într-o unitate armonioasă. Natura imaginilor corespunde tonurilor delicate ale culorilor reci albăstrui-liliac și calde auriu-roz.

Borovikovsky a reușit în special să înfățișeze „tinere fecioare” din familii nobiliare. Acesta este „Portretul Ekaterinei Nikolaevna Arsenyeva” (4), care a fost elevă a Institutului Smolny pentru Fecioare Nobile, domnișoara de onoare a împărătesei Maria Feodorovna. O tânără Smolyanka este înfățișată într-un costum peyzan: poartă o rochie spațioasă, o pălărie de paie cu spice de porumb și un măr îmbuteliat în mâini. Chubby Katenka nu se distinge prin regularitatea clasică a trăsăturilor sale. Cu toate acestea, un nas întors în sus, ochii strălucitori de viclenie și un ușor zâmbet de buze subțiri dau imaginii un aspect vizor și cochet. Borovikovsky a surprins perfect instantaneitatea modelului, farmecul ei plin de viață și veselia.

F.S. Rokotov

Creativitatea F.S. Rokotov (1735-1808) este una dintre cele mai fermecătoare și greu de explicat pagini ale culturii noastre.

Imaginea ceremonială nu a fost pentru Rokotov nici favorită, nici cea mai tipică zonă a creativității. Genul său preferat este un portret cu bust, în care toată atenția artistului este concentrată asupra vieții unui chip uman. Schema sa compozițională s-a remarcat prin simplitate, limitându-se oarecum la monotonie. În același timp, portretele sale sunt caracterizate de o subtilă pricepere picturală.

A fost atras de alte sarcini picturale: crearea de camere, pânze intime, care să reflecte ideile maestrului despre structura mentală sublimă.

Revenind la munca lui F.S. Rokotov, ca adept al unui portret de cameră, autorii notează că acest artist combină începutul ideal cu trăsăturile unei înfățișări individuale, împreună cu o reprezentare magistrală a trăsăturilor feței, îmbrăcămintei, bijuteriile persoanei portretizate, artistul este capabil să dezvăluie calitățile spirituale ale modelului.

În caracterizarea imaginii de către Rokotov, expresivitatea ochilor și expresiile faciale sunt foarte importante, iar artistul nu se străduiește pentru un transfer specific al stării de spirit, ci mai degrabă, el vrea să creeze un sentiment de evaziune, sentimente trecătoare ale unei persoane. surprinde prin frumusețea delicată și sofisticată a schemei de culori. Colorarea, care se bazează de obicei pe trei culori, datorită tranzițiilor, exprimă bogăția și complexitatea vieții interioare a persoanei înfățișate. Artistul folosește clarobscurul într-un mod deosebit, evidențiind chipul și, parcă, dizolvând detalii minore.

Portretele lui Rokotov sunt istorie pe chipuri. Datorită lor, avem ocazia să ne imaginăm imaginile unei epoci apuse.

La sfârşitul anilor 1770-1780.

Aceste trăsături ale creativității lui Rokotov s-au manifestat cel mai pe deplin în portretele feminine, care au ocupat un loc special în arta secolului al XVIII-lea. În perioada de glorie a creației, pictorul creează o galerie de frumoase imagini feminine: A. P. Struyskaya (1772) (ill. 13), V. E. Novosiltseva. (Fig. 14)

Următorul portret feminin este „Necunoscut într-o rochie roz” pictat în anii 1770. Este considerată una dintre capodoperele lui Rokotov. Cele mai fine nuanțe de roz - de la saturate în umbră, apoi calde, ușoare, creează efectul de pâlpâire, fluturare a celei mai fine lumini și aer, parcă în ton cu mișcările spirituale interioare ascunse indispensabile în portretele secolului al XVIII-lea. zâmbet bun, translucid în adâncul ochilor. Această imagine este plină de un farmec liric special.

„Portretul unei femei necunoscute într-o rochie roz” este deosebit de demn de remarcat. Deschiderea unei persoane către altul și spre lume implică intimitate, atenție și interes ascuns, poate undeva îngăduință, un zâmbet pentru sine și apoi entuziasm și veselie, un impuls plin de noblețe - și această deschidere, încredere în altă persoană și în lume în ansamblu - proprietățile tinereții, tinereții, mai ales într-o epocă în care noile idealuri de bunătate, frumusețe, umanitate sunt în aer, ca o suflare de primăvară. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

Portretul unei tinere necunoscute cu ochii mijiți gânditor, într-o rochie roz deschis (Necunoscut în roz), pictat de Fiodor Stepanovici Rokotov, atrage cu subtilitate, bogăție spirituală. Rokotov scrie încet, aerisit. O jumătate de indiciu, fără să tragă nimic până la capăt, transmite transparența dantelăi, masa moale a părului pudrat, o față strălucitoare cu ochi umbriți.

F. Rokotov „Portretul lui A.P. Struyskaya” (Il. 13)

1772, ulei pe pânză, 59,8x47,5cm

Portretul Alexandrei Struyskaya este, fără îndoială, cea mai strălucitoare imagine a unei femei ideal de frumoasă din toate portretele rusești. Este înfățișată o tânără fermecătoare, plină de grație captivantă. Un oval grațios al feței, sprâncene subțiri zburătoare, un fard ușor și o privire gânditoare, absentă. În ochii ei - mândrie și puritate spirituală. Portretul este pictat cu nuanțe de culoare și lumină. Umbrele se estompează subtil în lumină, tonurile de cenușiu la albastru și tonurile roz la auriu pal. Debordările de lumină și gradațiile de culoare nu sunt vizibile și creează o ușoară ceață, poate un fel de mister.

S-a păstrat legenda dragostei lui Rokotov pentru Struiska, aparent inspirată de tonul deosebit al farmecului și de norocul talentului artistei care i-a creat portretul.(http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html)

Levitsky

În portretele sale de cameră, predomină în mod vizibil o atitudine obiectivă față de model. Caracteristica individualității devine mai generalizată, trăsăturile tipice sunt subliniate în ea. Levitsky rămâne un mare psiholog și un pictor strălucit, dar nu își arată atitudinea față de model.

Același tip de zâmbete, fard prea strălucitor pe obraji, o tehnică de aranjare a pliurilor. Prin urmare, stăpâna veselă E.A. Bakunina (1782) și prima și seaca Dorothea Schmidt (începutul anilor 1780) în germană devin subtil asemănătoare între ele.

Portretul lui Ursula Mnishek (Fig. 12)

1782, ulei pe pânză,

Galeria de Stat Tretiakov, Moscova

Portretul Ursulei Mnishek a fost pictat la apogeul priceperii și faimei artistului. Ovalul era rar în practica portretului lui D. G. Levitsky, dar acesta a ales această formă pentru o imagine rafinată de o frumusețe seculară. Cu o natură iluzorie la scară largă, maestrul a transmis transparența dantelei, fragilitatea satinului, părul gri al pudrei unei peruci înalte la modă. Obrajii și pomeții „ard” cu căldura fardului cosmetic suprapus.

Fața este pictată cu linii topite, imposibil de distins datorită geamului transparent luminat și oferind portretului o suprafață netedă lăcuită. Pe un fundal întunecat, tonurile de gri-albăstrui, argintiu-cenuşă şi auriu-pal sunt combinate în mod avantajos.

Întoarcerea detașată a capului și zâmbetul amabil învățat conferă chipului o expresie politicoasă laică. Aspectul rece direct pare evaziv, ascunzând „Eul” interior al modelului. Ochii ei deschisi, deschisi, sunt in mod deliberat secreti, dar nu misteriosi. Această femeie stârnește involuntar admirație, precum și pictura virtuoasă a maestrului.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Concluzie:

Borovikovsky în portretele sale de cameră surprinde perfect spontaneitatea modelului, farmecul ei plin de viață și veselia. Borovikovsky a fost primul dintre portretiștii ruși care a dezvăluit frumusețea vieții emoționale. Pânzele artistului sunt foarte elegante datorită punerii în scenă grațioase a modelelor, gesturilor grațioase și mânuirii iscusite a costumului.Eroii lui Borovikovsky sunt de obicei inactivi, majoritatea modelelor sunt intoxicate cu propria lor sensibilitate.

Portretele create de Levitsky de o calitate „intima”, de cameră sunt marcate de profunzimea și versatilitatea caracteristicilor psihologice, ele fiind caracterizate de o mare reținere a mijloacelor artistice.

În portretele sale de cameră, predomină în mod vizibil o atitudine obiectivă față de model. Caracteristica individualității devine mai generalizată, trăsăturile tipice sunt subliniate în ea.

F.S. Rokotov, un adept al portretului de cameră

O trăsătură distinctivă a lui Rokotov este un interes crescut pentru lumea interioară a unei persoane; în portret, artistul subliniază prezența unei vieți spirituale complexe, o poetizează, concentrează atenția privitorului asupra acesteia, afirmându-i astfel valoarea.

Portret de ceremonie, portret reprezentativ- un subtip de portret, caracteristic culturii de curte. A primit o dezvoltare deosebită în perioada absolutismului dezvoltat. Sarcina sa principală nu este doar de a transmite similitudinea vizuală, ci și de a exalta clientul, asemănând persoana înfățișată cu o zeitate (în cazul portretizării unui monarh) sau unui monarh (în cazul portretizării unui aristocrat).

Caracteristică

De regulă, implică arătarea unei persoane în plină creștere (pe un cal, în picioare sau așezat). Într-un portret formal, figura este de obicei dată pe un fundal arhitectural sau peisagistic; o mai mare elaborare o face apropiată de tabloul narativ, ceea ce presupune nu numai dimensiuni impresionante, ci și o structură figurativă individuală.

Artistul înfățișează un model, concentrând atenția privitorului asupra rolului social al celui înfățișat. Deoarece rolul principal al portretului ceremonial era ideologic, aceasta a provocat o anumită caracterizare unidimensională: o teatralitate accentuată a ipostazei și un anturaj destul de magnific (coloane, draperii, regalii, simboluri ale puterii în portretul monarhului), care a umbrit proprietățile spirituale ale modelului. Cu toate acestea, în cele mai bune lucrări ale genului, modelul apare într-o versiune accentuată dată, care se dovedește a fi foarte expresivă.

Portretul ceremonial se caracterizează prin demonstrativitate sinceră și dorința de a „istoriciza” cel înfățișat. Acest lucru afectează gama de culori, care este invariabil elegantă, decorativă și întrunește caracteristicile coloristice ale interiorului (deși se schimbă în funcție de stilul epocii, devenind locală și strălucitoare în baroc, atenuată și plină de semitonuri în rococo, restrânsă în Clasicism).

Subtipuri

În funcție de atribute, portretul frontal poate fi:

• • Încoronarea (tronul mai puțin obișnuit)
  • ecvestru
  • Sub forma unui comandant (militar)
  • Portretul de vânătoare se alătură celui din față, dar poate fi și de cameră.
    • Semi-ceremonial - are același concept ca portretul formal, dar de obicei are o croială pe jumătate sau generațional și accesorii destul de dezvoltate

Portretul încoronării

Portretul încoronării - o imagine solemnă a monarhului „în ziua încoronării sale”, urcarea la tron, în regalii de încoronare (coroană, manta, cu sceptru și orb), de obicei în plină creștere (uneori există un portret de tron ​​așezat ).

„Portretul imperial a fost conceput ca o surprindere de secole a celei mai importante idei de stat din acest moment. Un rol esențial în demonstrarea valorii durabile a prezentului, a stabilității puterii de stat etc., l-au jucat formele imuabile. În acest sens, o poziție aparte a ocupat așa-zișii. „Portretul încoronării”, care sugerează imaginea domnitorului cu atribute de putere și pretinde a fi la fel de sacră constanță ca și ceremonia de încoronare în sine. Într-adevăr, din vremea lui Petru cel Mare, când Ecaterina I a fost încoronată pentru prima dată după noile reguli, până în epoca Ecaterinei a II-a, acest tip de portret a suferit doar mici variații. Împărăteașele - Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Ecaterina a II-a - se ridică maiestuos deasupra lumii, devenind ca o piramidă de nezdruncinat în siluetă. Imobilitatea regală este subliniată și de haina grea de încoronare cu manta, a cărei greutate semnificativă este echivalentă cu coroana, sceptrul și globul, care însoțeau invariabil imaginea autocratului.

Atribute permanente:

• coloane menite să sublinieze stabilitatea guvernului
• draperii, asemănătoare cu o cortină de teatru care tocmai s-a deschis, dezvăluind publicului un fenomen minunat

Vezi si

Scrieți o recenzie la articolul „Portret ceremonial”

Note

Un fragment care caracterizează portretul ceremonial

Kutuzov s-a retras la Viena, distrugând podurile de pe râurile Inn (la Braunau) și Traun (la Linz). Pe 23 octombrie, trupele ruse au trecut râul Enns. Cărucioarele rusești, artileria și coloanele de trupe în mijlocul zilei se întindeau prin orașul Enns, de-a lungul cutare și pe cealaltă parte a podului.
Ziua a fost caldă, toamnă și ploioasă. Perspectiva întinsă care se deschidea de la înălțimea unde stăteau bateriile rusești apărând podul a fost brusc acoperită de o perdea de muselină de ploaie oblică, apoi s-a extins brusc și, în lumina soarelui, obiectele, parcă acoperite cu lac, au devenit departe și clar vizibil. Se vedea sub picioarele tale orașul cu casele albe și acoperișurile roșii, catedrala și podul, pe ambele părți ale cărora, înghesuite, se revărsau masele de trupe rusești. La cotitura Dunarii se vedeau corabii, si o insula, si un castel cu parc, inconjurate de apele de la confluenta Enns cu Dunarea, se vedea malul stang al Dunarii, stancs si acoperit cu paduri de pini, cu o distanta misterioasa de varfuri verzi si chei albastre. Se zăreau turnurile mănăstirii, ieșindu-se în evidență din spatele unei păduri de pin, aparent neatinsă, sălbatică; mult înainte pe munte, de cealaltă parte a Enns, se vedeau patrulele inamice.
Între tunuri, la înălțime, stătea în față șeful ariergardei, un general cu un ofițer de urmărire, examinând terenul printr-o țeavă. Puțin în urmă, așezat pe portbagajul pistolului, Nesvitsky, trimis de la comandantul șef în ariergarda.
Cazacul care îl însoțea pe Nesvitsky a predat o poșetă și un balon, iar Nesvitsky i-a tratat pe ofițeri cu plăcinte și doppelkumel adevărat. Ofițerii l-au înconjurat bucuroși, unii în genunchi, alții stând în turcă pe iarba udă.
- Da, prințul ăsta austriac nu a fost un prost că a construit un castel aici. Frumos loc. Ce nu mâncați, domnilor? spuse Nesvitsky.
„Îți mulțumesc cu umilință, prințe”, a răspuns unul dintre ofițeri, vorbind cu plăcere cu un oficial atât de important de stat major. - Loc frumos. Am trecut pe lângă parc, am văzut două căprioare și ce casă minunată!
„Uite, prințe”, a spus un altul, care chiar voia să mai ia o plăcintă, dar îi era rușine și, prin urmare, se prefăcea că se uită prin zonă, „uite, infanteriei noastre au urcat deja acolo. Acolo, pe poiană, în spatele satului, trei oameni târăsc ceva. — Vor prelua acest palat, spuse el cu aprobare vizibilă.
„Asta și asta”, a spus Nesvitsky. „Nu, dar ce mi-aș dori”, a adăugat el, mestecând plăcinta în frumoasa lui gura umedă, „e să urc acolo sus.
A arătat spre o mănăstire cu turnuri, vizibilă pe munte. A zâmbit, ochii i s-au îngustat și s-au luminat.
„Ar fi frumos, domnilor!
Ofițerii au râs.
- Numai ca să le sperii pe aceste călugăriţe. Italienii, spun ei, sunt tineri. Într-adevăr, aș da cinci ani din viața mea!
— La urma urmei s-au plictisit, spuse râzând ofițerul mai îndrăzneț.
Între timp, ofițerul de urmărire, care stătea în față, îi arătă ceva generalului; generalul privi prin telescop.
„Ei bine, așa sunt, așa sunt”, a spus generalul furios, coborând receptorul din ochi și ridicând din umeri, „așa este, vor începe să lovească trecerea. Și ce fac ei acolo?
Pe cealaltă parte, cu un ochi simplu, se vedeau inamicul și bateria lui, din care a apărut un fum alb lăptos. În urma fumului, a răsunat o lovitură de la distanță lungă și a fost clar cum trupele noastre s-au grăbit la trecere.
Nesvitski, gâfâind, se ridică și, zâmbind, se apropie de general.
— Excelența dumneavoastră ar dori să mănânce ceva? - el a spus.
- Nu e bine, - spuse generalul, fără să-i răspundă, - ai noștri ezită.
„Ați dori să mergeți, Excelență?” spuse Nesvitsky.
„Da, vă rog să mergeți”, a spus generalul, repetând ceea ce fusese deja comandat în detaliu, „și spuneți-le husarilor să treacă ultimii și să lumineze podul, așa cum am poruncit eu, și să inspecteze materialele combustibile de pe pod.

Până la începutul secolului al XVIII-lea, în pictura rusă s-au dezvoltat în principal tradițiile picturii cu icoane.

Potrivit memoriilor contemporanilor, în Rusia la acea vreme orice imagini erau luate pentru icoane: de multe ori, când veneau la casa unui străin, rușii, ca de obicei, se închinau la prima poză care le-a atras atenția. Cu toate acestea, în secolul al XVIII-lea. pictura a început treptat să dobândească trăsături europene: artiștii au stăpânit o perspectivă liniară care le-a permis să transmită adâncimea spațiului, au căutat să înfățișeze corect volumul obiectelor folosind clarobscurul, au studiat anatomia pentru a reproduce cu exactitate corpul uman. Tehnica picturii în ulei s-a răspândit, au apărut noi genuri.

Un loc special în pictura rusă a secolului al XVIII-lea. a luat portretul. Cele mai vechi lucrări ale acestui gen sunt apropiate de parsuna din secolul al XVII-lea. Personajele sunt solemne și statice. Ivanov A. B. Povești despre artiștii ruși - M. Iluminismul 1988

La începutul secolului al XVIII-lea. pictori străini au lucrat în Rusia, în special, I.G. Tannauer şi L. Caravacc.

Academia de Arte, fondată în 1757, a determinat calea artei rusești în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Reînviat de Academie, pensionariatul nu a mai fost o simplă ucenicie, deoarece la începutul secolului, a devenit mai mult o colaborare artistică care a adus recunoașterea europeană artiștilor ruși. Direcția principală a picturii academice a fost clasicismul, ale cărui principii de bază au fost cel mai consecvent raliate în genul istoric, care a interpretat subiectele antice, biblice și național-patriotice în conformitate cu idealurile civile și patriotice ale iluminismului. Frolova A. R. Fedor Rokotov a pus mâna // Panorama artelor 9. M., 1989. Fondatorul genului istoric în Rusia a fost A.P. Losenko (1737 - 73). Fiu de țăran orfan timpuriu, și-a petrecut copilăria în Ucraina. Apoi, întâmplător, a ajuns la Sankt Petersburg, unde a cântat mai întâi în corul curții. Apoi, primind primele lecții de la I.P. Argunov, unul dintre primii a absolvit Academia de Arte și s-a pensionat la Paris și Roma. În opera sa au apărut trăsături ale clasicismului, în care în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. tendințele realiste sunt puternice („Vladimir și Rogneda”, 1770, Muzeul de Stat al Rusiei; „Adio lui Hector lui Andromah”, 1773, Galeria de Stat Tretiakov). Cu o pricepere autentică, Losenko a pictat și portrete ale contemporanilor săi și, în mare parte, figuri marcante ale culturii ruse (portrete ale lui F. Volkov. Galeria de Stat Tretiakov și Muzeul de Stat al Rusiei; A.P. Sumarokov. I.I. Shuvalov, actorul Ya. D. Shumsky, toate în Muzeul de Stat al Rusiei). La cumpăna dintre secolele XVIII - XIX. G. I. Ugryumov (1764 - 1823) a fost un maestru remarcabil al picturii istorice, în ale cărui lucrări s-a manifestat creșterea interesului public pentru istoria națională („Intrarea solemnă în Pskov a lui Alexandru Nevski după victoria asupra cavalerilor germani”, 1793-94). ; „Vocația lui Mihail Fedorovich la regat”, c. 1800, atât în ​​timp, etc.). Savinov A. N. [Introducere. Art.] // Fedor Stepanovici Rokotov și artiștii cercului său: Catalogul expoziției. M., 1960.

Genul principal în pictura rusă din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. era un portret. Dezvoltarea genului portretului în epoca petrină a fost determinată de influența picturii occidentale, dar în același timp s-a bazat pe tradiția secolului precedent (parsuna). Formarea portretului a fost asociată cu opera lui I.I. Nikitin și A.M. Matveev. Lomonosov M. V. Opere complete. T. 8. M.; L., 1959

Gravura a devenit un nou fenomen în artă. Cel mai cunoscut maestru a fost A.F. Dintii. Portret ceremonial Rokotov

Artiștii din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea au început să devină mai interesați de meritele personale ale unei persoane, de calitățile sale morale, de lumea sa interioară. Ei văd arta ca un mijloc de educație și, prin urmare, se străduiesc să o facă rezonabilă, clară și logică. Se dezvoltă și alte genuri de pictură. Se conturează un sistem de genuri (portret, pictură monumentală și decorativă, peisaj, pictură istorică). Cei mai semnificativi autori ai genului istoric au fost A.P. Losenko și G.I. Ugryumov. În dezvoltarea portretului au apărut două tendințe: creșterea nivelului artistic și a realismului imaginii și înflorirea portretului formal. În opera lui A.P. Antropov, trăsăturile tradiționale ale parsunei erau deosebit de puternice. A devenit unul dintre creatorii genului portretului de cameră (portretul Izmailovei). Portrete ale lui F.S. Rokotov se disting prin intimitate, subtilitate și psihologism (portretul lui A.P. Struyskaya). D.G. Levitsky a lucrat mult în genul portretului ceremonial. Creativitatea V.L. Borovikovsky (la începutul secolelor XVIII - XIX) este asociat cu ideile de sentimentalism. El a introdus mai întâi fundalul peisajului în portrete. Balakina T. I. Istoria culturii ruse - un manual. M Publishing Center 1996

La sfârşitul secolului al XVIII-lea. au apărut pânze cu scene din viața țărănească (M. Shibanov, I.P. Argunov, I.A. Ermenev), a apărut interesul pentru peisajul peisagistic (S.F. Shchedrin), s-a născut un peisaj arhitectural urban (F.Ya. Alekseev).

Principala diferență dintre portretul ceremonial și portretele istorice ale altor stiluri și tendințe este expresivitatea și solemnitatea sa atrăgătoare. Portretele de ceremonie au fost create în principal pentru persoane de înaltă clasă și rang, având un statut și autoritate înalte în societate. Portretul istoric în uniforma militară de ceremonie este încă de actualitate astăzi, mulți oameni influenți doresc să se surprindă în același mod ca strămoșii lor din clasa nobiliară a secolului trecut. Romanycheva I. G. La biografia lui F.S. Rokotova // Monumente ale culturii. Anuar. 1989. M., 1990.

Un portret ceremonial din secolul al XVIII-lea este o amprentă vie, exprimată figurativ, a unei persoane nobile, creată de un artist care are propriul său set exclusiv de instrumente pentru a descrie un portret ceremonial, propria sa colorare tonală și claritate istorică, în care un costum strălucitor imaginea joacă un rol important.

Uniforma militară indică apartenența la un anumit statut militar, ordinele reflectă merite speciale ale patriei. Uniforma modelului secolului al XVIII-lea a existat până la începutul Revoluției din octombrie 1917 și a fost cel mai râvnit premiu pentru cea mai înaltă conducere birocratică.

Un portret ceremonial într-o uniformă militară navală, în ceea ce privește frumusețea percepției, ocupă un loc special în arta portretului și a fost adesea creat de artiști după victorii militare glorioase și bătălii navale victorioase ale flotei ruse.

În vremea noastră, a devenit, de asemenea, un fenomen la modă să înfățișezi o persoană modernă în uniforme militare din secolele XVIII-XIX, portrete militare ale acelor vremuri cu diverse premii atârnate cu ordine frumoase și strălucitoare, adaugă portretului ceremonial acea splendoare foarte neobișnuită. a percepției noastre timpului.

Portretele istorice ale militarilor în uniforme frumoase sunt întotdeauna solemne și creează o stare de spirit ridicată în rândul proprietarilor lor.

Un portret istoric în uniformă militară completă din secolele XVIII-XIX este o continuare glorioasă a tradițiilor strămoșilor noștri.

În anii în care Antropov încă își crea portretele - precise, oarecum uscate și grele în pictură - o întreagă galaxie de tineri maeștri din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea apăruse deja, afirmând cu hotărâre o nouă înțelegere a imaginii unei persoane. și mijloacele picturale ale realizării sale. În scurt timp, acești maeștri au pus portretul rusesc la egalitate cu cele mai bune lucrări de artă contemporană vest-europeană. . Savinov A. N. [Introducere. Art.] // Fedor Stepanovici Rokotov și artiștii cercului său: Catalogul expoziției. M., 1960.

În fruntea acestei galaxii se aflau Rokotov și Levitsky.

Fyodor Stepanovici Rokotov (1735/36-1808/09) este unul dintre cei mai remarcabili maeștri ai portretului rusesc al secolului al XVIII-lea. Originalitatea operei sale s-a reflectat deja pe deplin în anii 60, marcați de apariția unora dintre cele mai bune lucrări ale lui Antropov. Cu toate acestea, o comparație între lucrările timpurii ale lui Rokotov cu lucrările mature ale lui Antropov indică clar începutul unei noi perioade în dezvoltarea artei rusești, o nouă etapă a ideilor despre personalitatea umană. Portretele lui Rokotov se remarcă printr-o asemenea umanitate și profunzime lirică, care nu fuseseră anterior caracteristice portretului rusesc. Voronina N. Genial portretist al secolului al XVIII-lea. - Artist 1972 nr 5