Ministère de l'éducation et des sciences de la Fédération de Russie

Agence fédérale pour l'éducation

Etablissement public d'enseignement supérieur professionnel

"Académie sociale et pédagogique de Tobolsk nommée d'après V.I. DI. Mendeleïev"

Faculté artistique et graphique

Département de conception et HO

Cours sur le sujet :

Stylisation de motifs végétaux dans l'exécution du panneau artistique "Fleurs"

Tobolsk - 2010

Introduction

Le langage des beaux-arts est multiforme et diversifié. L'une des techniques utilisées par les beaux-arts est la stylisation. La stylisation est une convention d'un langage expressif obtenue par généralisation, dont le but est de rendre un objet plus expressif. Chaque matériau dicte sa propre façon de styliser.

Dans le processus de travail sur une œuvre, et en particulier sur un panneau décoratif, les artistes ont recours à une technique telle que la stylisation, qui permet non seulement d'obtenir de l'expressivité dans la composition des couleurs, mais également de mettre en valeur l'image artistique. Non seulement les arts et l'artisanat font appel à la stylisation, mais aussi les artistes de chevalet - Matisse, Klimt, Jacks of Diamonds, World of Art, Gauguin, Andy Warhol et bien d'autres.

Les motifs végétaux se retrouvent souvent dans le travail de nombreux artistes. L'image des éléments végétaux dans une composition peut être stylisée de différentes manières, la gamme d'options pour la compréhension créative du monde objectif par l'artiste est différente - d'un léger trait de contours avec une ligne à une forme spatiale tonale et colorée complexe.

Sur la base de ce qui précède, le but du travail de cours a été déterminé - en utilisant les techniques de stylisation de motifs végétaux pour créer un panneau décoratif.

Au cours du travail, les tâches suivantes ont été résolues :

Considérez le concept de stylisation, ses types et ses méthodes de mise en œuvre;

Analyser les œuvres des artistes et identifier les techniques de stylisation utilisées

identifier les spécificités de l'utilisation des techniques de stylisation dans le travail sur un motif végétal ;

étudier les caractéristiques du travail sur une composition en technologie peinture à l'huile;

approfondir les connaissances dans le domaine de la construction d'une composition à partir de motifs stylisés et de l'organisation rythmique des motifs ;

Objet d'étude : la stylisation comme technique de création d'une œuvre d'art.

Sujet d'étude : caractéristiques de l'élaboration d'un panneau décoratif basé sur la stylisation de la couleur et de la forme d'un motif végétal.

Les méthodes de recherche suivantes ont joué un rôle important dans notre travail :

analyse artistique d'une œuvre d'art,

méthode d'analyse stylistique,

analyse historique comparée.

Au cours de nos travaux, nous nous sommes appuyés sur les sources suivantes. G. M. Logvinenko "Composition décorative", qui présente les principes de base de l'organisation d'une composition décorative, les propriétés des couleurs et les options pour créer des harmonies de couleurs, des méthodes et des techniques de stylisation. Dans le livre d'E.V. Shorokhov "Fundamentals of Composition", les problèmes théoriques et pratiques du cours de composition sont décrits. L'auteur examine en détail les lois fondamentales de la composition dans divers types et genres d'art, y compris l'art monumental.

Les questions de la technique du processus de travail avec des matériaux picturaux sont examinées dans le manuel "Peinture", qui expose les bases de la théorie, de la méthodologie et de la pratique de la représentation picturale.

Chapitre 1. La stylisation comme moyen de créer l'expressivité d'une œuvre

.1 Techniques de stylisation dans les œuvres d'art

La stylisation est la généralisation décorative et la mise en évidence traits caractéristiques objets en utilisant un certain nombre de techniques conditionnelles. Vous pouvez simplifier ou compliquer la forme, la couleur, les détails de l'objet et également refuser de transférer le volume. Cependant, simplifier la forme ne signifie pas du tout l'appauvrir, simplifier signifie souligner les côtés expressifs, omettre des détails mineurs. La stylisation est une méthode nécessaire et naturelle dans art décoratif, affiche, peinture monumentale, graphisme de silhouette, graphisme appliqué et autres types d'art qui nécessitent une organisation rythmique décorative de l'ensemble.

Le style peut être basé sur divers principes.

La principale caractéristique visuelle de l'objet représenté peut être la forme de l'objet, son contour, sa silhouette, son contour. La simplification extrême, la laconisation de la forme et l'utilisation d'un certain style d'image seront l'une des méthodes de style. Dans le processus de généralisation de la forme, l'artiste, tout en conservant l'expressivité plastique, distingue le principal et le typique, refusant les détails mineurs.

La première technique de stylisation est la simplification des relations de couleurs. Toutes les nuances observées sous forme réelle sont généralement réduites à quelques couleurs. Un rejet complet de la couleur réelle est également possible. La simplification des relations tonales et chromatiques, les réduisant parfois au minimum, à deux ou trois tons, est une autre condition du coiffage (Annexe 1, Fig. 1)

Vous pouvez modifier la composition quantitative des tons et des couleurs, en en refusant certains, vous pouvez en outre introduire de nouvelles couleurs.

La simplification ou le rejet de la forme volumétrique des objets, en passant à une interprétation applicative planaire conditionnelle, implique une interprétation libre des rapports de luminosité des couleurs, la recherche de nouvelles palettes de couleurs de couleurs, sauf dans les cas où la tâche consiste à préserver l'unité de couleur des objets ou composition.

La technique de stylisation suivante est l'organisation rythmique de l'ensemble. Sous l'organisation rythmique de l'ensemble, on entend tout d'abord amener la forme ou le dessin de l'objet représenté à une certaine configuration géométrique, ornementale ou plastique. Les images symboliques ont une organisation rythmique différente. Parfois, les images d'ornement, de sujet et d'intrigue sont elles-mêmes des symboles ou un système de symboles. Dans les images symboliques, les lignes et les taches peuvent se transformer en combinaisons plus complexes, dépourvues de sens narratif spécifique. Ensuite, il y a des images stylisées de nature géométrique. Ils peuvent conserver la base de l'intrigue, mais l'accent sera mis sur l'alternance stricte des éléments et leurs combinaisons de couleurs ou sur l'adhésion inconditionnelle à une forme géométrique. (Annexe 1, Figure 2)

D'autre part, le principe fondamental de toute forme géométrique est une sorte de réel formulaire existant, aux limites généralisées et simplifiées.

Le processus de transformation d'images réelles de la nature en images stylisées est de nature complexe, il est parfois associé à la transformation et à la déformation actives de l'objet, à son hyperbolisation ou au rejet complet des propriétés individuelles de la nature. En même temps, une image stylisée est capable de refléter à sa manière les formes objectives de la nature, en sélectionnant les plus typiques et les plus caractéristiques, en les racontant métaphoriquement et en leur donnant ainsi un contenu figuratif fondamentalement nouveau. (Annexe 2, figure 1)

Il existe une méthode de stylisation dans laquelle la base est la forme décorative de l'objet représenté, trouvée à travers un contour expressif ou une silhouette remplie d'éléments ornementaux. Cette forme peut être trouvée de diverses manières : premièrement, sur la base des propriétés naturelles inhérentes à l'objet (couleur, texture, etc.) ; deuxièmement, sur la base des propriétés représentées : sujet (fleurs, feuilles), géométrique (lignes, carrés) et une combinaison des deux. (Annexe 2, Figure 2)

Transformant la forme naturelle en un motif stylisé, il faut d'abord trouver une solution convaincante expressivité artistique image plastique du motif. En effet, toute transformation de la réalité est effectuée dans le but d'identifier de nouveaux critères esthétiques.

Le monde environnant est largement rythmique, ornemental. Cela peut être tracé en considérant la disposition des feuilles sur une branche, les veines sur une feuille, les nuages ​​qui se précipitent, l'écorce des arbres, etc. Il est important de capturer le plus caractéristique dans la forme plastique du motif observé et de réaliser la connexion naturelle des éléments dans le motif naturel.

C'est grâce aux différents mouvements rythmiques des motifs, ainsi qu'aux éléments à l'intérieur de chaque motif, que l'artiste est capable de distinguer un motif d'un autre. L'artiste suit la voie de la généralisation des formes végétales, s'efforçant de révéler les plus importantes, les plus caractéristiques.

En parlant d'ornementation, il ne faut pas oublier la forme plastique des motifs, la beauté et l'expressivité des lignes qui dessinent cette forme. En généralisant la forme, il n'est pas toujours nécessaire d'abandonner les petits détails, car ils peuvent donner à la silhouette de la forme plus de décoration et d'expressivité.

Dans le processus de stylisation, des moyens d'expression artistique tels que la ligne, la tache, la couleur jouent un rôle important.

Dans le travail sur la stylisation des motifs, un rôle particulier appartient au dessin linéaire, car la ligne transmet le plus nettement toutes les nuances de la forme plastique, les caractéristiques des transitions d'un élément à l'autre, le mouvement rythmique de ces éléments. Cependant, une certaine parcimonie d'un langage linéaire peut conduire à l'aridité voire au schématisme.

Avec une interprétation linéaire du motif, on distingue trois solutions :

l'utilisation de lignes fines de même épaisseur;

l'utilisation de traits épais de même épaisseur (s'il faut donner au dessin de l'activité, de la tension, de la monumentalité) ;

l'utilisation de lignes d'épaisseurs différentes. Cette solution a de grandes images et possibilités expressives, mais c'est assez difficile. Pour atteindre l'intégrité, les lignes d'une épaisseur doivent être combinées, formant leur propre motif dans la composition, qui doit résister au motif des lignes d'une autre épaisseur. Plus précisément, il devrait s'agir d'une composition de lys de différentes épaisseurs. (Annexe 3, Fig. 1,2,3)

La stylisation ponctuelle des motifs contribue à la généralisation maximale de la silhouette des formes. Il peut s'agir d'une silhouette noire sur fond blanc et d'une silhouette blanche sur fond noir. Langage artistique les places sont strictes et réservées. Mais la tache peut aussi révéler une variété infinie d'états. (Annexe 4)

La plus largement utilisée est l'interprétation linéaire des motifs. Dans ce cas, il est très important d'organiser les taches et les lignes dans une composition harmonieuse. Il est important de structurer les spots en une seule composition, intéressante en elle-même, en rythme et en silhouette. Il est également nécessaire de relier logiquement et harmonieusement les lignes avec des points rythmiquement dispersés afin que les deux, lorsqu'ils sont combinés, créent une image graphique holistique. Il convient de noter que le spot peut être utilisé comme doublure pour la solution linéaire du motif. (Annexe 5)

Compte tenu des caractéristiques de la stylisation des formes, il convient de noter que la couleur et la couleur des motifs sont soumises à une transformation artistique, et parfois à une refonte radicale. La couleur naturelle d'un objet ne peut pas toujours être utilisée dans une composition stylisée. Le motif choisi peut être résolu dans une couleur conditionnelle, dans un jeu de couleurs présélectionné, dans une combinaison de couleurs apparentées ou contrastées. C'est dans ce cas qu'il acquiert la conventionnalité caractéristique de la stylisation.

1.2 Motifs floraux dans l'art

Les fleurs - un symbole du printemps, la personnification des plus brillants et des plus purs de la terre, étaient chantées dans la plus haute antiquité. Les artistes ont toujours su se réjouir et s'étonner des fleurs. DANS L'Egypte ancienne les colonnes des temples étaient en forme de bouquets de lotus ou de papyrus, et les chapiteaux étaient en forme de bourgeons peints prêts à l'emploi. Les rouleaux chinois et japonais anciens ont apporté des couleurs vivantes de pivoines, de glycines, de lys à nos jours. S'il n'y avait pas de fleurs, l'artisanat serait infiniment appauvri. (Annexe 6, Fig. 1, 2)

L'art russe s'est tourné à plusieurs reprises vers les motifs floraux. Des artistes aux aspirations créatives diverses ont abordé ce sujet. Alors, I.I. Lévitan, étant principalement un peintre paysagiste, s'est intéressé aux natures mortes de fleurs.

Dans les compositions du maître, les productions étaient très répandues, consistant en un grand nombre couleurs. Levitan attachait une grande importance à la peinture des couleurs dans la maîtrise des couleurs et des relations de couleurs. Composition "Printemps. lilas blanc» est intéressant en termes de technologie et de palette de couleurs. Pastel avec sa texture veloutée et, en particulier, la méthode de pose de grands plans de couleur, sur lesquels une couleur différente est appliquée par le haut avec des coups de crayon, pour ainsi dire, un glacis d'une couleur différente - cette technique a permis à Levitan de généraliser les formulaires et les relier entre eux. Cela a permis d'obtenir une solution plus nature morte et décorative au motif d'un bouquet de fleurs de lilas dans un pot. On retrouve tout cela sous une forme encore plus développée dans les natures mortes "Bouquet de Bleuets" et "Coleus". (Annexe 7, Fig.1,2)

En Russie dans les années 90. 19ème siècle de nombreux artistes K. Korovin, Z.E. Serebryakova, V.A. Serov, AYa. Golovine, N.E. Grabar s'est tourné vers les motifs floraux. Ces artistes créent des natures mortes pour une analyse particulière de la couleur, de la forme, de la composition décorative, du rythme ; la planéité apparaît dans les solutions picturales.

Le motif pour K. Korovine de créer des œuvres a toujours été une réalité concrète, nouvelle et changeante à chaque instant. Par conséquent, par exemple, des roses peintes à des moments différents - «Fleurs et fruits», «Roses et violettes», «Roses», «Nature morte. Roses », elles portent à chaque fois le reflet de la singularité du moment, une nouvelle ambiance. Mais le maître fait toujours cela - la glorification de la joie, multicolore, la richesse de la vie terrestre. La toile "Fleurs et Fruits", étincelante de soleil dans chaque centimètre, est un véritable chef-d'œuvre de l'impressionnisme russe. (Annexe 7, figure 3)

Le maître de l'art théâtral et décoratif A. Golovin aborde également le thème de la nature morte. Dans ses natures mortes "Porcelaine et fleurs", "Fille et porcelaine", "Nature morte. Phloxes », l'écriture caractéristique du maître est apparue - graphique, contours clairs, motifs plans, coloration exquise de l'image. Le trait est volontairement linéaire. De cette manière décorative, marquée par l'influence de l'Art nouveau, des compositions florales rappelant les tapisseries ont été résolues.

Les natures mortes de Golovine se distinguent par une splendeur exquise. Cela se reflète également dans le penchant de l'artiste pour la décoration. (Annexe 8, figure 1)

Au cours de sa longue vie créative, Sarian a peint de nombreuses belles peintures. Il a étonnamment pénétré, lyriquement et véridiquement transmis la beauté majestueuse et l'originalité de la vie et de la nature environnantes. Il a créé des images pleines de joie jubilatoire, révélées aux gens du monde - gentilles, généreuses, ensoleillées.

Natures mortes « verbieuses », spatiales et proches de la nature. Au lieu de quelques objets soigneusement sélectionnés en termes de formes et de couleurs, dont l'originalité de chacun est soulignée par un fond neutre, comme c'était le cas dans Grapes, l'artiste remplit la toile de beaucoup de choses, fleurs, fruits, profitant de cette abondance .

De nombreuses œuvres de Saryan appartiennent aux sommets de son art, combinant la force et l'énergie du pinceau avec la subtilité et la complexité de l'expression. (Annexe 8, figure 2)

Les recherches coloristiques de Sarian ont conduit l'artiste au thème de la nature morte. Ce genre a donné à l'artiste une grande liberté dans la manipulation des formes et des couleurs, leur permettant d'être combinées dans n'importe quelle combinaison.

Le lyrisme et le pittoresque étonnant sont caractéristiques des natures mortes de S. Gerasimov.

"J'aime tellement ma terre natale que tout ce qui y est lié, qui y vit et y pousse m'est cher ..." - c'est ce qu'a dit Gerasimov, et ces mots peuvent également être attribués à ses magnifiques natures mortes. Ils retracent facilement les traditions qui sous-tendent l'art du maître. Les meilleures natures mortes de l'artiste se caractérisent par un pittoresque vif. Dans le même temps, il est impossible de ne pas voir une différence directe entre la peinture brute de Gerasimov et les créations poétiques d'A. Arkhipov ou de K. Korovin.

Écrites avec de larges traits texturés, les natures mortes de Gerasimov transmettent bien la jutosité des feuilles vertes, l'élégante luminosité des fleurs, tout cela avec une matérialité visible, privant cependant la nature d'une poésie frémissante. Sans aucun doute, les meilleures œuvres de Gerasimov incluent une grande composition «image», «paysage-nature morte» «Après la pluie» («Wet Terrace»). Cette œuvre incarne avec succès l'intérêt du peintre pour le paysage, la nature morte et l'intérieur. Comme le montrent les mémoires de la sœur de l'artiste, celui-ci, littéralement choqué par la vue sur le jardin après une pluie orageuse et torrentielle, a peint le tableau "à la vitesse de l'éclair" - en trois heures.

Écrit sous l'impression qui a complètement capturé son créateur, "Wet Terrace", cependant, ne semble pas être une étude qui capture un état de nature vif mais éphémère. Il s'agit d'une image complètement finie, qui se distingue par l'intégrité et la généralisation de l'image artistique. Sa composition, pleine de dynamisme, est cependant empreinte d'une stricte réflexion. Derrière la table, déplacée vers l'entrée de la terrasse, s'ouvre la profondeur de l'ancien jardin. Les planches de sol mouillées brillent de mille feux, de lourdes gouttes de pluie scintillent sur la verdure luxuriante des buissons, sur les pétales de pivoines dans un pichet en verre, sur les bords d'un verre renversé par la pluie. Les nuages ​​ne se sont pas encore dispersés, et donc tout dans la nature, rafraîchi par une généreuse averse d'été, est peint dans des tons argentés froids et purs. La combinaison de couleurs froides et sonores dans laquelle la «terrasse humide» a été interprétée a permis à Gerasimov d'exprimer son admiration pour la richesse et la beauté du monde, de créer une ambiance joyeuse, que le peintre partage généreusement avec le public. Dans une autre nature morte - "Roses" - on peut voir l'influence de K. Korovine, l'appel de Gerasimov à certaines méthodes de sa peinture. Cela se ressent non seulement dans le choix de l'intrigue, mais aussi dans "l'approfondissement" de l'espace du tableau en incluant un miroir dans la composition, dans la fragmentation globale de la nature morte.

L'artiste a une excellente maîtrise de la couleur - le moyen d'expression le plus important de la peinture, et dans cette nature morte, vous pouvez bien le sentir dans la façon dont il peint de la verdure transparente à l'extérieur de la fenêtre ou des feuilles de rose sombres et denses. Et les roses elles-mêmes, dont seules les nuances de rouge ne sont pas à leur image - du rose pâle au violet foncé. La diversité des natures mortes du peintre est attestée par ses peintures "Dons d'automne", "Bouquet" et autres. (Annexe 8, figure 3)

La couleur, son expressivité, une interprétation généralisée de la forme - tel est le langage de ces artistes du XXe siècle. En eux, les limites de la nature morte s'étendent de manière inhabituelle à mesure que beau genre. Dans une nature morte, on ressent non seulement les spécificités du mode de vie, mais également les caractéristiques uniques inhérentes à une certaine individualité.

Avec la richesse des formes et des couleurs, le concept de beauté dans la nature morte s'est diversifié.

Les fleurs, semble-t-il, ne sont pas du tout difficiles à écrire, mais cette impression est trompeuse. Les fleurs aideront à développer le goût, à maîtriser l'alphabétisation professionnelle, à comprendre les lois de la forme, du clair-obscur, de la couleur. "Une fleur ne peut pas être peinte" tant bien que mal ", dit Konchalovsky, avec de simples traits, elle doit être étudiée, et aussi profondément que tout le reste." Les fleurs sont les grands maîtres des artistes : pour comprendre et démonter la structure d'une rose, il ne faut pas moins travailler qu'en étudiant visage humain. Les roses ont tout ce qui existe dans la nature, seulement sous des formes plus raffinées et complexes, et dans chaque fleur, et surtout dans un bouquet de fleurs sauvages, il faut la comprendre comme dans un fourré forestier, jusqu'à ce que l'on saisisse la logique de la construction, en déduise lois de combinaisons, apparemment aléatoires.

Les fleurs peuvent être peintes et peintes toute l'année. En hiver - à l'intérieur, et en mars et avril perce-neige. Ensuite, les lumières jaunes des soucis, des kupavnets, des pissenlits s'allument. Tout le monde ne préfère pas les roses luxueuses, les pivoines et les dahlias luxuriants, les glaïeuls exquis. I. Shishkin, I. Levitan, S. Polenov ont le plus souvent représenté des forêts modestes et des fleurs sauvages - bleuets, marguerites, pissenlits.

Certaines personnes aiment les bouquets énormes et colorés, d'autres aiment les petits, juste quelques plantes.

La vie de la nature dans l'art se réincarne dans images artistiques et devient intéressant non seulement en soi, mais aussi en tant qu'image des processus de la vie interprétés par l'artiste, en tant que son attitude face à la réalité. À cet égard, médiatisé par la vision du monde et la vision du monde de l'individu, le jugement de l'auteur sur la réalité est exprimé, l'intention artistique est réalisée.

Les fleurs pour les artistes sont des examinateurs stricts. A la façon dont il les voit, comment il les traite, comment il les dépeint, on peut juger de son attitude envers les gens, la nature, la vie.

1.3 Techniques de stylisation dans les œuvres des artistes

L'art aborde les techniques de stylisation depuis des temps immémoriaux. Même aux temps primitifs, les gens se sont tournés vers cette technique en réalisant des peintures rupestres.

Nous voyons la technique de la stylisation dans le travail de nombreux grands artistes russes et étrangers.

Par exemple, Gustav Klimt utilise largement la stylisation ornementale et la stylisation des couleurs dans ses œuvres. (Annexe 9, Fig. 1). Henri Matisse privilégie davantage la stylisation de la couleur. (Annexe 9, Figure 2)

Dans les œuvres de Fernand Léger, on voit des figures de personnes stylisées linéairement. (Annexe 9, Figure 3)

Les œuvres des artistes d'avant-garde Piet Mondrian et Pablo Picasso sont basées sur les principes et les techniques de stylisation.

Des techniques de stylisation non moins répandues sont utilisées pour créer une nature morte florale.

Ce genre est le plus conforme au tempérament orageux de Cézanne. Dans son atelier, il pouvait, avec une diligence inlassable, réarranger des pommes, des plats et des assiettes, des vases de fleurs, jusqu'à ce qu'il trouve un sujet qui le satisfasse. Cézanne a passé des semaines, et souvent des mois, à travailler sur ses natures mortes.

Ainsi, par exemple, la composition "Vase bleu" porte des traces de l'influence des impressionnistes, qui ont contribué à la clarification de la palette de Cézanne dans les années 70. Sur la nature morte "Vase de fleurs", œuvre de 1903, Cézanne a travaillé pendant plus d'un an et, malgré le fait qu'il ait l'air assez fini, il le considérait comme inachevé. (Annexe 10, Fig. 1)

Pour la première fois, les postimpressionnistes P. Gauguin et Van Gogh dans une nature morte de fleurs ont fait apparaître des combinaisons de couleurs intenses, un contour graphique décrivant des plans colorés. Mais la décoration n'était pas encore l'objectif principal de ces artistes.

C'est ainsi que Paul Gauguin a abordé ce genre. "Nature morte avec des pivoines japonaises dans un vase et une mandoline" est d'une couleur exquise et d'une composition finement pensée. L'artiste a choisi ce vase particulier pour sa peinture aux couleurs intenses, qui s'harmonise avec le bleu profond du mur en arrière-plan, tandis que les couleurs chatoyantes du bouquet - blanc, rouge et vert, se marient aux tons de la peinture accrochée au mur. L'artiste a également atteint l'harmonie dans l'interaction des formes : les contours arrondis des objets correspondent à la forme de la table ronde sur laquelle ils sont posés. Le choix des sujets correspondait non seulement à des tâches formelles, mais aussi à des tâches conceptuelles. La mandoline peut être considérée comme un symbole de l'harmonie recherchée par Gauguin dans le rapport de la forme et de la couleur, tandis que le vase et le plat témoignent de l'intérêt de l'artiste pour la stylisation dans l'art de l'ornementation. (Annexe 10, figure 2)

Vincent van Gogh, un peintre néerlandais, a également dit son mot dans la solution picturale d'une nature morte, résolue dans des tons clairs, bleus purs, jaunes dorés, rouges et dynamiques, comme des traits fluides, caractéristiques de lui. La dynamique de la couleur et du trait remplit les natures mortes du maître, telles que "Tournesols" et "Iris", de vie spirituelle et de mouvement intérieur. (Annexe 10, figure 3)

Au 20ème siècle en Peinture européenne Henri Matisse, qui n'est pas non plus étranger aux thèmes floraux, s'est tourné vers le thème de la nature morte.

Les natures mortes les plus expressives de Matisse sont écrites à Séville, dans une chambre d'hôtel, "Seville Still Life" et "Spanish Still Life". Les ornements fleuris des châles espagnols sont assortis aux motifs du rembourrage du canapé. Les fleurs sur la table se transforment en un motif de tissu, et les tissus peints de fleurs et d'arabesques roulent sur le bouquet en vagues colorées. La peinture décorative de Matisse atteint de nouveaux sommets dans ces natures mortes. "C'est mon tableau préféré depuis de nombreuses années", déclare Matisse à propos de Nature morte aux magnolias. Il a peint cette composition en détail, objet après objet, couleur après couleur, composée de rouge, noir, ocre jaune, blanc, jaune de cadmium moyen, superposés aux glacis au vernis écarlate. (Annexe 10, Fig. 4)

Ainsi, sur la base de ce qui précède, on peut dire que le thème des fleurs et des natures mortes florales est resté un sujet d'intérêt pour de nombreux artistes d'époques et de styles différents, où ils ont pu utiliser des techniques de stylisation. Au cours du travail, les maîtres ont soulevé des questions non seulement sur l'environnement du sujet, mais aussi sur sa solution picturale et plastique.

Chapitre 2

.1 Solution composite d'un panneau décoratif

Lors du processus de réalisation de croquis et de croquis, la solution de composition la plus intéressante est sélectionnée.

Tout le travail de composition se concentre sur le placement du motif floral dans le plan de l'image.

Les fleurs ne doivent pas être disposées au hasard ou au hasard. Chaque fleur doit avoir un sens avec une autre. Il est très important de les placer dans des positions qui leur seront les plus naturelles.

La taille de l'image de l'ensemble du groupe de couleurs doit être conforme à l'arrière-plan. Les images de fleurs ne doivent pas être entassées dans l'avion, mais l'arrière-plan ne doit pas prévaloir sur l'image. Les objets doivent être disposés de manière à ne pas se bloquer les uns les autres, bien mettre en valeur leurs propriétés caractéristiques.

Le format horizontal et vertical est plus adapté à la composition narrative. Le format proche du carré donne une impression de stabilité visuelle. Le format vertical évoque un sentiment de noblesse aspirante, de monumentalité.

Lorsque nous avons travaillé sur un motif floral stylisé, nous avons utilisé divers principes et techniques de stylisation.La principale caractéristique visuelle des objets représentés était la forme des objets, leurs contours, leur couleur et leur silhouette. Nous avons eu recours à la simplification ultime de la forme des fleurs, de l'espace, et avons abandonné la vraie couleur et simplifié les relations tonales et chromatiques.

Dans notre travail, nous avons utilisé une telle technique de stylisation pour amener la forme de l'objet représenté à une certaine configuration géométrique.

Notre type de composition peut être défini comme polychromatique, car il est dominé par plus de quatre couleurs chromatiques. Un multicolore est une composition de couleurs dans laquelle quatre couleurs chromatiques ou plus dominent. Habituellement, deux paires principales, ou quatre couleurs chromatiques primaires sont utilisées en multicolore : rouge, jaune, vert, bleu, ainsi que leurs nuances.

Pour obtenir de l'expressivité dans une composition décorative, l'organisation rythmique et l'interconnexion des éléments picturaux sur le plan jouent un rôle important.

Dans l'organisation rythmique des motifs de notre composition, nous avons utilisé la méthode d'alternance rythmique d'éléments avec une diminution ou une augmentation de certaines qualités (taille, tours, mesure de complexité, couleur ou saturation tonale, degré de traitement graphique ou décoratif du former). (Annexe 11)

2.2 Caractérisation des propriétés de la peinture à l'huile

La variété apparemment infinie de styles et de techniques de peinture n'est pas seulement due à la grande variété de la vie, mais aussi à la présence d'un assortiment de matériaux artistiques. Selon le produit utilisé, chaque couleur a ses propres caractéristiques qui doivent être divulguées et utilisées ; et, lorsque des liants différents sont utilisés, ces couleurs prennent des personnalités complètement différentes.

Notre composition est réalisée à la peinture à l'huile. Avantages de ce matériel artistique sont indéniables, et permettent à l'artiste de combiner diverses techniques dans une peinture, comme « alla prima » et la glaçure, ou de se tourner vers la peinture décorative.

L'huile peut être peinte rapidement et des paysages, des natures mortes, des portraits et des compositions complexes sont créés dans une telle technique de peinture qui nécessite un travail de longue haleine en utilisant la méthode du vitrage. Mais en même temps, il est important de conserver la fraîcheur, de ne pas la "sécher", pour éviter la noirceur.

Les propriétés de la peinture à l'huile se reflètent dans la texture et la capacité de travailler avec un couteau à palette.

On sait quelle importance a toujours été attachée à la maîtrise de la technique et de la technologie du travail des matières picturales. La maîtrise des techniques professionnelles en peinture, la connaissance de la technologie de travail des matières picturales et des diverses techniques et méthodes de peinture, la capacité d'appliquer ces connaissances sont nécessaires à l'artiste.

« La technique est le langage de l'artiste ; le développer sans relâche, jusqu'à la virtuosité. Sans cela, vous ne pourrez jamais dire aux gens vos rêves, vos expériences, la beauté que vous avez vue », a déclaré P.P. Chistyakov.

Il existe plusieurs manières de mener une étude picturale avec des peintures à l'huile : une méthode multi-sessions ou glacis, une méthode mono-session utilisant la méthode « à la prima ». Vous pouvez utiliser une technique mixte: une partie de l'image est prescrite avec plusieurs vitrages et l'autre partie - en utilisant la méthode «a la prima». Le choix de la méthode de conduite du travail dépend des tâches définies et est également déterminé par la nature de la composition.

La méthode "a la prima" consiste dans le fait qu'après la solution compositionnelle trouvée de la mise en scène et du dessin préparatoire, toute l'étude est réalisée en une seule séance. La couleur de chaque détail de la production est immédiatement prise en pleine force, c'est-à-dire La peinture se fait presque en une seule couche.

L'avantage de la méthode réside dans le fait que pendant toute la séance l'impression initiale est préservée, ce qui contribue à la coloration lumineuse et émotionnelle de l'œuvre. De plus, la méthode vous permet de prendre la couleur dans la peinture à la fois en pleine force et de mener toute l'étude en même temps, en ajoutant de la couleur à un trait déjà posé si nécessaire, sans appliquer de peinture plusieurs fois au même endroit.

Le travail pittoresque, écrit de cette manière, se distingue par la fraîcheur, la profondeur de la couleur.

La première couche picturale désigne les parties sombres des objets par la couleur et le ton. La deuxième couche de peinture est appliquée sur le travail séché. Il concrétise la forme, enrichit et affine les relations chromatiques et tonales.

Les traits sont effectués strictement en fonction de la forme des objets. A ce stade les touches sont précisées. Il est nécessaire de tracer les lieux de touches claires et contrastées de la forme des objets avec l'arrière-plan et d'autres détails, les lieux de combinaison douce du contour de l'objet avec l'arrière-plan, ainsi que les endroits où certains détails sont immergés dans une ombre commune.

Après séchage de l'étude, la couche suivante sature la couleur des ombres, affine les nuances des demi-teintes, et affine le travail sur les formes de mise en scène. Le travail est complété en amenant tous les détails de la production à un état de couleur et de tonalité adéquat, en soulignant les qualités principales, les plus intéressantes et caractéristiques de la production et en nivelant les secondaires.

Lors de l'application d'une couche de peinture sur une autre, il est nécessaire de prendre en compte l'influence de la couleur de la première couche sur la couleur de la suivante. Par exemple, lors de l'application de couleur bleue sur le jaune, il devient vert, lorsque le rouge se superpose au jaune - orange, etc. Ici, en plus des compétences pratiques en peinture, la connaissance du cours de science des couleurs est nécessaire.

Dans notre travail, nous avons utilisé un mélange de diverses techniques.

2.3 Base de peinture à l'huile

Il existe de nombreuses recettes d'apprêts pour la peinture sur toile, mais les meilleures sont les apprêts dont les composants sont liés aux liants de peinture.

Pour la peinture à l'huile, comme apprêt, du blanc fabriqué en usine peut être utilisé ou préparé en mélangeant une émulsion d'huile de caséine et du blanc de zinc sec.

NV Odnoralov propose une recette d'apprêt en émulsion avec pré-encollage. La composition d'encollage comprend 7 parties de caséine dissoutes dans 100 centimètres cubes d'eau, 9 parties d'une solution à 3% de borax, qui améliore les propriétés adhésives de la caséine. Après séchage de l'encollage, un apprêt en émulsion de consistance crémeuse est appliqué sur la toile avec la composition suivante (nombre de parties): caséine - 200, borax - 9, l'huile de lin- 10, blanc de zinc - 50-80, glycérine - 5, phénol - 0,1, eau - 300 millilitres.

Les toiles et cartons recouverts d'un apprêt en émulsion sont produits par l'usine de production du Fonds artistique de la Fédération de Russie. Avant de commencer les travaux, ces toiles et cartons doivent être apprêtés avec une fine couche supplémentaire de blanc d'huile de caséine, sinon la peinture risque de se dessécher. Lorsque vous apprêtez une base pour peindre ou enduire une toile d'émulsion avec de l'huile de caséine blanche, vous devez utiliser une flûte à poils larges, en vous déplaçant d'abord dans le sens des fils de chaîne, puis dans le sens des fils de trame. Vous ne pouvez commencer à écrire sur des toiles et cartons apprêtés qu'après le séchage final de l'apprêt ou de l'huile de caséine blanche. Pour notre travail, nous avons utilisé de la toile fabriquée en usine.

Il existe également d'autres recettes d'apprêt qui sont décrites dans la littérature spécialisée sur les techniques de peinture. Pour la préparation de sols colorés teintés, la couleur souhaitée de détrempe à l'huile de caséine est ajoutée à ces sols.

Pinceaux, couteaux à palette, palettes. Pour la peinture à l'huile, des pinceaux à poils plats et ronds, kolinsky et écureuil sont utilisés. Pour effectuer le travail, nous avons utilisé des brosses à poils plats et kolinsky de trois tailles: grand n ° 28-30, moyen n ° 16-18, petit n ° 8-10.

Les couteaux à palette sont utilisés en peinture comme outil pour enlever la peinture de la palette une fois le travail terminé, et également comme outil pour travailler avec des peintures au lieu d'un pinceau. Les peintures mélangées avec un couteau à palette se distinguent par leur sonorité et leur profondeur; peindre avec un couteau à palette permet d'obtenir des effets de texture intéressants sur une surface de peinture. Mais pour travailler avec un couteau à palette, une préparation appropriée est nécessaire, car la fascination pour les effets de texture externes nuit parfois à la vérité artistique de la nature. Dans notre cas, le couteau à palette a été utilisé pour appliquer la couche de peinture principale.

Dans notre travail, nous avons utilisé une méthode multi-sessions de travail sur une composition décorative.

La séquence de l'image du croquis dans la technique de la peinture à l'huile.

Première étape. Effectuer un dessin détaillé de la composition avec des lignes fines, identifiant les principales relations proportionnelles des objets.

Seconde phase. Exécution de la sous-couche. La première pose de couleurs locales. La couleur des objets est compilée sur une palette.

Troisième étape. Identification des relations entre les couleurs et les tons. Élaboration et raffinement des détails. L'huile vous permet d'apporter des modifications au travail.

Quatrième étape. Généralisation et achèvement des travaux. (Annexe 12)

Conclusion

peinture de stylisation de panneau décoratif

La capacité de voir et de comprendre l'harmonie dans la vie et l'art, de penser de manière créative est très importante lors de la création d'une composition stylisée. En nous concentrant sur cette thèse, nous avons créé notre composition. Dans le processus de travail, nous avons pris en compte l'effet des règles, des techniques et des moyens de stylisation, pour lesquels nous avons considéré les œuvres d'artistes russes et européens. Les règles de l'organisation colorimétrique de la composition ont également été prises en compte,

Tout en travaillant sur un panneau décoratif, nous avons étudié les caractéristiques du travail sur une composition décorative à l'aide de techniques de stylisation, approfondi nos connaissances dans le domaine de la construction d'une composition de couleurs et de l'organisation rythmique des motifs, amélioré nos connaissances, compétences et capacités dans la technologie de travaillant dans la technique de la peinture acrylique.

Lors du travail sur la composition, nous avons utilisé la technique de division du plan en parties, qui a été réalisée par des lignes droites dans plusieurs directions. Nous avons utilisé la technique de l'alternance rythmique Couleurs différentes avec une diminution de la taille, de la saturation des couleurs et un certain degré de traitement décoratif de la forme.

Lorsqu'il enseigne un certain type de peinture avec des peintures artistiques, un peintre novice doit avant tout se familiariser avec les matériaux, les outils, les techniques et la technologie. Sans connaissance des spécificités des différents types de peinture et de la manipulation professionnelle des matériaux et des outils, il est impossible de réussir à maîtriser les bases de la littératie picturale.

Comme matériau de peinture, nous avons choisi la peinture à l'huile, qui a des propriétés de couleur et de plastique à multiples facettes. Ce sont ces propriétés qui attirent le plus les artistes novices maîtrisant les compétences de la peinture. Dans notre travail, nous avons utilisé une telle technique «à la prima», qui a permis d'améliorer les compétences de l'écriture picturale, de souligner la texture de la couche de peinture dans la composition.

Le résultat des activités de création et de recherche, à notre avis, a été la réalisation de l'objectif fixé, la solution des tâches identifiées au début des travaux.

Ces compétences et connaissances, l'expérience et les compétences qui ont été acquises et consolidées au cours du travail, je pense, aideront à l'avenir activité créative.

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Et encore faut-il en dire un peu plus sur l'exposition.

Le Musée historique d'État présente pour la première fois une collection unique d'œuvres perlées, ainsi que d'autres objets d'arts décoratifs, appliqués et des beaux-arts de la première moitié du XIXe siècle. avec des motifs floraux et végétaux et leurs symboles. L'exposition présente environ 100 pièces, intéressantes par leur histoire.

Ceci provient du site Web du musée.

L'exposition est vraiment toute petite. Et toutes les pièces sont petites, à l'exception peut-être de quelques vases et du rembourrage perlé d'un canapé. Le moment où il faut marcher et regarder. Les étiquettes ne sont pas très détaillées, mais elles se lisent sur l'écran dans le hall œuvres d'art. (Lors de l'exposition des dessins d'intérieur, l'histoire de l'album exposé à l'exposition était racontée à l'écran, c'était très intéressant).

Et l'exposition est quelque peu éclectique. J'ai même eu l'impression que soit il n'y avait pas assez de perlage, soit la stratégie du musée était d'attirer des expositions d'autres départements et d'autres organisations, ou pour une autre raison, mais un certain nombre d'expositions contenaient bien sûr des images de feuilles , fleurs et ainsi de suite, mais d'une manière ou d'une autre ne correspondait pas vraiment au contexte. Bien que, peut-être, je n'aie pas plongé un peu dans l'exposition elle-même. Lorsque vous photographiez les expositions, vous vous laissez emporter par chacune d'elles, par conséquent, vous ne verrez peut-être pas la forêt pour les arbres. Et pourtant - c'est déjà ma neuvième exposition en un peu plus d'un an à l'Historical, mais presque toutes les précédentes étaient « monographiques » : chevalerie, costume folklorique, or grec, mobilier Gambs etc. Et dans cette exposition, les objets exposés sont unis par une sorte de lien artistique les uns avec les autres. Inhabituel! Cependant, ci-dessous, je donnerai des plaques prussiennes, un verre et deux autres lettres de l'impératrice Alexandra Feodorovna, l'épouse de Nicolas Ier, qui sont évidemment tombées à cause de dessins sur un morceau de papier, même leur texte n'a pas été traduit.

À propos du perlage. Je comprends que les objets présentés à l'exposition - nombreux - sont tissés à partir de perles. Plus précisément, ils sont reliés à partir de perles. C'est-à-dire qu'il n'y a pas de matière, de tissu ou de cuir sur lequel les perles seraient cousues. Si oui, alors c'est une découverte pour moi, je ne connaissais pas une telle technique.

Toutes les expositions ci-dessous ne proviennent que de deux vitrines de l'exposition, c'est-à-dire que je ne les ai pas spécialement sélectionnées.

Perles, fil de soie; tricot
GIM 70488 BIS-1084

Perles, fil de soie; tricot
GIM 77419/33 BIS-1432

Perles, toile, cuir, alliage de cuivre ; broderie, gaufrage, dorure, moletage
GIM 78112 BIS-1240

alliage de cuivre; moulage, dorure
GIM 68257/29 LU-6763 ; GIM 68257/47 LU-6764

A.P. Vershinin (auteur et peintre)
Plante Bakhmetiev, Russie, province de Penza., district de Gorodishchensky, avec. Nikolskoïe, années 1810
Cristal incolore, verre laiteux ; superposition, coupe au diamant, peinture avec des peintures au silicate
GIM 61679/3 1771 Art.

6. Lettre de l'impératrice Alexandra Feodorovna. 1840
Lettre de l'impératrice Alexandra Feodorovna à son père, le roi Frédéric-Guillaume III de Prusse
Papier, encre
AG RF, F. 728, op. 1, D. 829, Partie III, L. 179

Le manuel traite des principes fondamentaux de la théorie, de la méthodologie et de la pratique de la représentation de motifs végétaux en relation avec les tâches de formation spéciale pour les artistes des industries textiles et légères. Un riche matériel d'illustration démontre une variété de techniques pour représenter les plantes et les motifs végétaux. Le manuel s'adresse aux étudiants des universités qui forment des artistes pour l'industrie textile et légère, ainsi qu'à tous ceux qui s'intéressent aux arts et à l'artisanat.

Chapitre 1 IMAGE DES PLANTES DANS L'HISTOIRE DE L'ENSEIGNEMENT ARTISTIQUE ET INDUSTRIEL.

En considérant les motifs floraux sur les textiles de différentes époques et peuples, nous observons un changement assez intense dans la nature des ornements, bien que les sources naturelles dans leur masse ne changent pas de façon spectaculaire. La reconnaissabilité de nombreuses plantes dans les images suggère que l'ornementation suivait non seulement la voie de la copie, du traitement et du développement d'échantillons culturels historiques, mais était également constamment nourrie d'impressions naturelles. L'influence du travail naturel dans la création de nouveaux ornements s'est progressivement accrue et a abouti à un certain nombre de théories et de méthodes pour traduire les formes extérieures des plantes en motifs ornementaux. Chaque apparition d'une nouvelle méthode a évincé les anciennes, mais ne les a pas complètement détruites.

La plupart des méthodes de travail avec des formes végétales naturelles ont acquis des formes finies au cours des 200 dernières années, c'est-à-dire à partir du moment où le rôle d'un porteur d'art a été attribué à l'ornementation, et le développement du goût ornemental a été déclaré l'un des tâches critiqueséducation artistique. Les étudiants doivent au moins connaître en termes généraux ces méthodes et comprendre l'historicisme de leur développement, car cela leur permet de voir des moyens d'améliorer méthodes modernes travailler avec des motifs végétaux. Des lacunes dans la connaissance de ce qui a été fait avant nous peuvent entraîner des pertes difficiles à remplacer aujourd'hui.

Avant-propos
Introduction
Chapitre 1. L'image du végétal dans l'histoire de l'art et de l'enseignement industriel
1. Images de plantes dans les ornements de l'Antiquité à la fin du XVIIIe siècle
2. Dessiner des plantes dans l'enseignement artistique et industriel européen aux XIXe et début du XXe siècles
Chapitre 2. La théorie de l'image d'une plante pour un motif textile.
1. La fonction des images végétales dans les textiles
2. Ornement floral et la forme du textile
3. Typologie des ornements floraux
chapitre 3
1 Taxonomie des plantes
2 La structure des plantes supérieures
Symétrie et asymétrie dans la structure des plantes supérieures et dans leurs images
Intégrité dans les images de motifs végétaux
La base rythmique des images de motifs végétaux
Propriétés plastiques des images de motifs végétaux
Géométrie des constructions spatiales de l'image des plantes sur un plan
Clair-obscur à l'image des plantes
Chapitre 4
1. Images analytiques
2. Images figuratives-émotionnelles
3. Images ornementales-plastiques
4. Conseils pratiques pour représenter les plantes
Chapitre 5
1. Fleurs et fruits baroques et rococo
2. Guirlandes et couronnes de classicisme et d'empire
3. Au pays du bouleau chintz
4. Motif de feuille sinueuse
5. Motifs floraux sur tissus du XXe siècle
Conclusion
Littérature

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Ministère de l'Éducation de la République de Sakha (Yakoutie)

Établissement d'enseignement budgétaire municipal

"Tomtor milieu école polyvalente nommé d'après N.M. Zabolotsky, district d'Oymyakonsky

Stylisation dans les arts et l'artisanat

contre Tomtor, 2015

INTRODUCTION

La méthode de stylisation artistique dans la culture russe a été largement utilisée pour la première fois par les membres du Mammoth Circle à la fin du XIXe siècle. En tant que discipline académique, le sujet "Stylisation" a été introduit à l'école Stroganov par un maître inégalé de cette méthode - M.A. Vrubel, qui en 1898 a été invité à enseigner de nouvelles matières - "Stylisation des plantes" et "Exercices de stylisation". Depuis lors, ce cours a été inclus dans les programmes des écoles d'art, faisant partie du cours de composition.

Les motifs, les éléments ornementaux qui sont utilisés pour la décoration font l'objet coiffant . Le terme "stylisation", tel que défini dans le BDT, est interprété comme "une généralisation décorative de formes utilisant un certain nombre de techniques conventionnelles, une simplification et une généralisation du motif et du contour, des relations volumétriques et chromatiques". Dans l'art décoratif, la stylisation est un mode naturel d'organisation rythmique de l'ensemble; la stylisation est la plus caractéristique d'un ornement, dans lequel, grâce à elle, l'objet de l'image devient le motif du motif. Dans l'art du chevalet, la stylisation introduit des caractéristiques de décoration accrue. Une autre signification du style est l'imitation intentionnelle style artistique- caractéristique de l'art et de la culture d'un certain milieu social, mouvement artistique, genre, auteur, etc. La stylisation se retrouve souvent en utilisant des formes du passé, la stylisation formes modernes en design et arts appliqués. Par exemple, dans la seconde moitié du XVII et la première moitié du XVIII siècle. Les stylisations orientales étaient populaires en Europe, surtout après la Chine et le Japon (peinture d'assiettes à la japonaise, reproduction fidèle des formes, silhouettes et proportions de vases caractéristiques de la Chine et du Japon). Un exemple frappant de style oriental dans notre pays est le palais chinois d'Oranienbaum, construit par l'architecte A. Rinaldi pour Catherine II en 1762-1768. Un autre domaine de stylisation est l'art du parc - pavillons, ponts, pavillons dans le "style chinois". En Russie en 1890-1900. le résultat d'une attention particulière à la culture populaire a été la stylisation dans le style russe de l'architecture (les plus célèbres sont le teremok de Talashkino, le bâtiment du musée historique de Moscou), l'apparition de meubles stylisés et d'intérieurs entiers dans le "style russe ".

L'art décoratif utilise des motifs ou des éléments tirés de la faune, de la flore, suggérés par des contours. formes géométriques ou des objets environnants. L'artiste sélectionne ces motifs selon un certain système décoratif et répartit le décor en fonction de la surface à décorer et de l'effet recherché.

L'histoire des arts et métiers montre que les motifs de la nature - le monde animal et végétal transformé, se retrouvent dans divers types d'art décoratif : broderies, peintures, ornements textiles et sculptés. En même temps, les motifs de la nature, selon traditions nationales, caractéristiques de l'évolution de la production, les conceptions esthétiques et artistiques dominantes peuvent varier considérablement.

Les motifs ornementaux peuvent être réalistes ou très stylisés.

La première étape initiale de la compréhension des motifs naturels, la première fixation créative sont croquis naturels, sur la base de l'accentuation et de l'affinement des traits caractéristiques.

Lors de l'esquisse de formes naturelles, il ne faut pas copier aveuglément la nature, mais étudier, trouver des motifs et des formes dans la nature qui peuvent éveiller l'imagination créative et le jeu de fantaisie, qui serviront d'impulsion à la création d'une œuvre d'art.

Les psychologues impliqués dans l'étude de l'activité créatrice dans le domaine de l'art attachent une importance particulière au processus préparatoire, suivi d'une période de gestation et de traitement. idées créatives.

Tout processus de création est toujours associé à certaines généralisations artistiques, abstraction, identification caractéristiques communes, propriétés des objets. La généralisation artistique, à son tour, peut suivre le chemin pictural et non pictural, médiée par des associations émotionnelles. La manière picturale de généralisation est typique des cas où une image de sujet concret d'un motif naturel est conservée dans une esquisse naturelle, malgré la convention plus ou moins grande de l'image. La voie non picturale de la généralisation artistique exige de l'artiste qu'il soit capable d'abstraire et de penser de manière associative.

Très souvent, les formes naturelles sont activement traitées, ce qui entraîne la perte de caractéristiques picturales et la transformation en conditionnel image ornementale, c'est-à-dire à des combinaisons abstraites de lignes, de taches, de formes organisées rythmiquement. Mais même dans ce cas, l'image ornementale doit avoir au moins une ressemblance éloignée avec la source d'origine en termes de caractéristiques plastiques et structurelles.

Lorsque l'on travaille sur des croquis de formes naturelles, il faut sélectionner les objets nécessaires, le point de vue le plus réussi, et dans certains cas, par exemple, ouvrir, couper le fruit en deux pour révéler les propriétés plastiques les plus caractéristiques, identifier les principaux chose, jeter tout au hasard, secondaire, isoler les formes individuelles et groupement de parties. Ainsi, une modification du motif naturel se produit, des qualités décoratives conditionnelles sont révélées, ce qui renforce son impact émotionnel.

La transformation de motifs naturels en motifs ornementaux et décoratifs poursuit principalement des objectifs esthétiques, mais il est également important que le motif soit rendu pratique pour l'exécution dans une technique et un matériau particuliers. Ainsi, un matériau nécessite un décor avec une prédominance d'un motif linéaire (par exemple, un treillis forgé décoratif, une technique de filigrane), un autre - volumétrique (céramique) ou en relief (sculpture), etc.

Ainsi, stylisation- il s'agit d'une modification, d'un traitement d'un motif naturel, qui s'obtient par une généralisation artistique, en écartant des détails, en "redressant" les courbes de niveau, dont le but est de rendre le motif plus compréhensible pour le spectateur, et parfois de faciliter sa mise en œuvre pour l'artiste.

Les frontières de la stylisation se situent entre la reproduction exacte de la forme et le degré extrême de sa simplification. Par exemple, marques de commerce, les panneaux de signalisation ont généralement une forme très concise, ce qui leur permet d'être perçus plus nettement et mémorisés pendant longtemps, une image peu attrayante d'un nouveau, dans laquelle les caractéristiques principales, caractéristiques et reconnaissables, de base les proportions et la silhouette sont accentuées.

De plus, l'artiste doit compter avec le lieu, le cadre, qui limite le champ de son travail, l'obligeant parfois à modifier certains éléments du motif décoratif.

Le processus créatif de travail sur des croquis de motifs naturels est un processus complexe de repenser la nature par un artiste, un processus de perception purement interne et individuelle.

L'artiste crée son propre nouveau monde imaginaire, qui n'existe pas dans la réalité, mais tout ce qu'il contient a son propre prototype dans la nature qui nous entoure.

Ainsi, dans le processus de coiffage, il est important:

- sélectionner les caractéristiques essentielles ;

- utiliser la technique de l'hyperbolisation (c'est-à-dire l'exagération, la mise en évidence de quelqu'un, mais la qualité individuelle de l'objet) d'éléments individuels ;

Refuser les détails mineurs et peu impressionnants ;

Créer une unité organique d'ornement et de forme plastique.

Le développement d'un motif ornemental peut être basé non seulement sur les caractéristiques de la forme naturelle, mais aussi dans une large mesure sur l'idée de l'artiste, son intuition, son imagination et sa fantaisie.

INSTRUCTIONS MÉTHODOLOGIQUES POUR LA MISE EN ŒUVRE

MISSIONS PRATIQUES

La plupart des tâches pratiques sont effectuées en graphisme, car elles sont plus propices au développement de la pensée analytique, maîtrisant la méthodologie de réalisation d'images stylisées.

Tâche 1. TEXTURES NATURELLES

Les motifs de la nature peuvent avoir une valeur artistique indépendante, il vous suffit d'apprendre à voir l'ornementation dans les objets les plus simples. Les étudiants sont invités à choisir les formes les plus accessibles du monde organique et inorganique pour l'étude et le dessin : coquillages, pierres, cristaux, feuilles de plantes, écorces d'arbres, plumes d'oiseaux, peau, etc. (Si nécessaire, vous pouvez utiliser une loupe ou un microscope).

Il est important d'étudier attentivement et de se concentrer sur les propriétés décoratives des objets représentés sélectionnés. Ensuite, vous devez choisir pour chaque texture les techniques graphiques les plus appropriées : pointeur, hachures, ligne, point, ou des combinaisons de ces techniques. Organisez des structures ornementales basées sur des textures naturelles. Disposez sur le format AZ en carrés de 7x7 cm quatre images de textures et quatre images de structures ornementales. Médium : encre noire, stylo (Fig. 1-3).

Riz. 1. Croquis de textures naturelles

Riz. 2.

Tâche 2. STYLISATION DES FORMES NATURELLES

formes végétales

À l'aide de moyens d'expression graphiques, créez des images stylisées d'objets de la flore d'herbes, de fleurs, de baies, de feuilles, de coupes transversales de légumes, de fruits, d'arbres, etc. Vous devez d'abord faire des croquis de la nature, en choisissant le point de vue le plus réussi. Des croquis peuvent également être réalisés à partir de plantes en pot et d'herbes sèches. Lors de l'esquisse, faites attention à l'étude de la structure de la fleur, de l'emplacement et de la forme des pétales, des feuilles, de leur ornementation, de l'éventuelle hyperbolisation d'éléments individuels d'intérêt particulier pour cette plante, du groupement, de la forme et de l'ornementation des feuilles et le caractère décoratif de la plante dans son ensemble, ainsi que l'identification des formes grandes, moyennes et petites. Il est nécessaire de trouver une structure rythmique intéressante du motif végétal sélectionné. Dans ce cas, vous pouvez modifier le nombre d'éléments représentés, leurs tailles, les distances entre eux, les pentes, les virages (par exemple, le nombre de feuilles, de fleurs ou de fruits sur une branche, leurs tailles).

Pour donner de l'expressivité aux propriétés plastiques d'un motif naturel, vous pouvez modifier les proportions d'éléments individuels (les allonger ou les raccourcir), déformer la forme elle-même. En cours de travail, faites attention au choix des moyens d'expression graphique pour interpréter un motif naturel. Ainsi, avec une interprétation linéaire, l'utilisation lignes fines la même épaisseur est possible dans les dessins, mince dans l'ornementation, à petite échelle. Lignes épaisses donner à l'image de la tension, de l'activité. Dessiner avec des lignes de différentes épaisseurs offre de grandes possibilités picturales et expressives. Dans le cas où il est nécessaire d'obtenir l'expressivité de la silhouette, une interprétation ponctuelle des motifs est utilisée. Dans l'interprétation des spots linéaires, il est nécessaire d'organiser les spots selon leur silhouette et leur rythme, et de relier les lignes au rythme des spots en une image graphique cohérente. Ainsi, les formes végétales peuvent être interprétées de manière assez réaliste, conditionnellement ou avec un développement ornemental libre. Format AZ. .Matière : encre noire, gouache.

Riz. 3. Formes naturelles organisées .

Tâche 3. STYLISATION DES INSECTES

Stylisation d'images d'insectes, papillons, coléoptères, libellules, etc. Les papillons, les libellules et les coléoptères ont une silhouette très expressive, sans parler de la richesse des couleurs et de la variété de l'ornementation des ailes et du torse. La tâche est réalisée en technique graphique et d'application. Pour effectuer l'application, vous pouvez utiliser du papier teint dans des couleurs simples et complexes. divers degrés saturation et légèreté. La tâche de limiter la généralisation et le laconisme de l'image d'un insecte est posée, ce qui conduit à une solution plane. Le renforcement de l'effet décoratif peut être obtenu grâce au développement conditionnel de formes avec des éléments géométriques simples.

Dans cette mission, vous devez Attention particulière travailler la couleur. La palette de couleurs doit être conditionnelle et décorative. Les images stylisées de papillons peuvent être représentées comme un croquis de bijoux, par exemple une broche ou un pendentif en filigrane ( solution graphique) ou émail cloisonné (travail de la couleur), ou présenté comme une structure ornementale. Format AZ. Technique : encre, gouache, papier de couleur (Fig. 10-13).

Riz. 4. Croquis naturels de plantes.

Riz. 6.

Riz. 7.

Riz. 8. Utilisation de lignes d'épaisseur différente.

Tâche 4. STYLISATION DES FORMES ANIMALES

La stylisation des images d'animaux, d'oiseaux, de poissons présente certaines caractéristiques. Vous pouvez transformer plastiquement les contours des formes. Il est possible d'exagérer les détails, de violer les proportions pour créer une silhouette expressive, de simplifier la forme autour d'une forme géométrique simple (réception de la géométrisation conditionnelle de la forme), contrairement aux formes végétales, les possibilités de transformation des formes animales ont certaines limites, par exemple, malgré diverses transformations, un oiseau doit rester un oiseau, mais il peut ne pas s'agir d'un oiseau spécifique (corbeau ou héron), mais d'un oiseau en général, avec un ensemble de traits typiques - bec, ailes, queue.

Une autre option de style est stylisation de l'ornementation intérieure, c'est-à-dire la coloration et le motif naturels, parce que les contours des plumes d'oiseaux, des écailles de poisson, la peau d'autres animaux présentent de riches possibilités d'ornementation, il suffit d'être en mesure d'identifier la structure de surface ornementale.

Lors de la transformation des motifs du monde animal en ornements (ou décoratifs), il est conseillé de transformer la forme spatiale tridimensionnelle en une forme plane dans la plupart des cas, pour cela, les angles complexes, les coupes en perspective doivent être évités, et l'animal ou l'oiseau doit être représenté dans le tour le plus informatif.

Lors de la stylisation des formes du monde animal, il s'agit de simplifier la forme picturale dans son ensemble, de la rapprocher d'une forme géométrique simple (géométrisation de la forme). Bien sûr, certains animaux ont une silhouette et un caractère de surface plus décoratifs que d'autres (par exemple, une girafe ou un zèbre). Il est important de trouver des techniques qui aideraient à adapter leurs formes à la structure de composition d'une image relativement plate. Une forme plus décorative et intéressante peut être obtenue en exagérant le motif ou ses éléments individuels. Chez les animaux, par exemple, dans une image décorative, vous pouvez agrandir des parties individuelles du corps: tête, yeux, oreilles, pattes, queues. À l'aide de l'hyperbolisation, les caractéristiques ornementales les plus intéressantes d'un animal, d'un oiseau ou d'un poisson sont révélées. Il faut souligner la caractéristique plastique de la forme.

Un motif est fait avec une tache, non divisée en parties, l'accent est mis sur une silhouette expressive (Fig. 14).

Pour un autre motif, vous pouvez choisir une solution linéaire: la ligne de contour peut être de la même épaisseur, ou elle peut être plus libre, pittoresque, ou il peut s'agir d'une série de petits points, traits, traits (Fig. 15).

Dans le troisième motif, l'accent doit être mis sur le développement ornemental de la forme (Fig. 16-17). Lors du traitement de la silhouette et de l'ornement d'un animal ou d'un oiseau, il est nécessaire d'essayer de faire en sorte que l'un d'eux domine. Avec une silhouette expressive, l'ornement peut être plus complexe, ou l'ornement lui-même peut être lu plus clairement que la silhouette d'un animal ou d'un oiseau.

Dans l'art décoratif, la véracité de l'image peut être combinée avec des éléments mythiques. En conséquence, les motifs acquièrent les caractéristiques du fabuleux, du fantastique. Exécutez des images au format AZ. Technique : encre, gouache.

Riz. 9. Interprétation linéaire et ponctuelle des motifs.

Riz. 10. Géométrisation des formes.

Fig.13. Ornement de motifs stylisés.

Riz. 14. Silhouettes.

Tâche 5. STYLISATION DES FORMES DE SUJET

Nature morte décorative

Non seulement les formes de la flore et de la faune, mais aussi les formes du sujet peuvent être utilisées comme motifs. Lors de l'exécution de cette tâche, un rôle important est joué par la transformation de l'environnement spatial en un environnement planaire, le refus conscient de transférer les caractéristiques spatiales et les réductions de perspective, et le transfert de volume. Les objets qui composent une nature morte peuvent être plus activement repensés et transformés par l'artiste, car les objets d'une nature morte sont psychologiquement plus faciles à modifier que les objets du monde végétal et animal. Les objets dans une nature morte décorative peuvent changer de taille, les grands peuvent être réduits et vice versa, vous pouvez modifier arbitrairement la composition quantitative des objets, en introduire de nouveaux, vous pouvez modifier l'emplacement, la forme, la couleur, c'est-à-dire que vous avez besoin pour interpréter et transformer de manière créative des objets. La nature relativement plate de l'image contribuera à la décoration, donc l'une des options pour travailler sur une nature morte prévoit une interprétation applicative. Une autre option consiste à développer une nature morte en graphisme.

Chaque composition est réalisée dans un format n'excédant pas 15 cm de grand côté. Médium : encre noire, gouache (Fig. 18-20).

Riz. 15. Interprétation linéaire des motifs.

Riz. 17. Interprétation linéaire et ponctuelle des motifs.

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À titre d'illustrations, les travaux d'étudiants du Collège pédagogique de technologie et de design Namsky de la République de Sakha (Yakoutie) sont utilisés.

Baïkova Ekaterina Vladimirovna

L'article présente une étude structuralo-sémiotique des motifs végétaux en Asie centrale et au Tatarstan, la détermination de leur apparition dans les images ornementales des cultures de ces régions. Les fonctions sous-jacentes de protection et le culte de la fécondité sont mis en évidence. Les idées populaires sur les jardins immortels du paradis musulman, les formes végétales fantastiques et réelles entourant les habitants des oasis sont interprétées. Les cultes des plantes et les ornements des régions montagneuses et des plaines sont comparés. Adresse de l'article : www.gramota.net/materials/372017/10-272.html

Source

Sciences historiques, philosophiques, politiques et juridiques, études culturelles et histoire de l'art. Questions de théorie et de pratique

Tambov : Diplôme, 2017. N° 10 (84) : en 2 parties. Partie 2. C. 15-18. ISSN 1997-292X.

Adresse de la revue : www.gramota.net/editions/3.html

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LE RÔLE DE LA TÉLÉVISION DANS LA VIE DE L'HOMME

Akimova Irina Alexandrovna, Ph. D. en philosophie, professeur agrégé Université technique d'État Bauman de Moscou [courriel protégé] fr

Cet article est consacré à l'analyse de la télévision comme principal média de masse ayant sa propre spécificité. La télévision moderne, conçue comme un moyen de démocratisation de la société et la possibilité d'élever son niveau éducatif et culturel, s'est avérée capable de générer une nouvelle réalité « médiatique » socioculturelle. La télévision est capable d'influencer insensiblement la perception qu'a une personne de la réalité environnante et de formuler des attitudes et des opinions sur le monde social.

Mots et phrases clés : communication de masse ; la télévision comme moyen de communication ; télévision et socialisation; culture domestique; réalité médiatique; culture des croyances.

UDC 7.048 ; 72 Histoire des arts

L'article présente une étude structuralo-sémiotique des motifs végétaux en Asie centrale et au Tatarstan, la détermination de leur apparition dans les images ornementales des cultures de ces régions. Les fonctions sous-jacentes de protection et le culte de la fécondité sont mis en évidence. Les idées populaires sur les jardins immortels du paradis musulman, les formes végétales fantastiques et réelles entourant les habitants des oasis sont interprétées. Les cultes des plantes et les ornements des régions montagneuses et des plaines sont comparés.

Mots et phrases clés : motifs végétaux ; Tatarstan; Asie centrale ; suzani; Suzani.

Baikova Ekaterina Vladimirovna, docteure en études culturelles, professeure agrégée

Université technique d'État Yu. A. Gagarin Saratov [courriel protégé] bon sang

LES MOTIFS VÉGÉTAUX DANS LES ARTS APPLIQUÉS D'ASIE CENTRALE ET DU TATARSTAN

En art visuel, les signes qui révèlent l'essence d'un objet ou d'une image sont dans tous les cas de nature universelle et peuvent être utilisés comme papier calque dans n'importe quel texte artistique objets perçus visuellement. Ce sont précisément ces caractéristiques importantes sur le plan informatif que l'ornement floral utilisé dans tous les types d'art de la culture musulmane, occupant une position de leader, possède.

L'ornement dans les pays musulmans avait une place à part et une signification particulière, presque la seule image autorisée, réfractée à travers la géométrie du dessin, elle gardait une image vivante du monde environnant.

Dans l'architecture de cette civilisation, dans un certain nombre de cas, des images géomorphiques sont utilisées, qui interviennent à la fois comme objet de culte et comme élément de décor ou système constructif.

Malgré la similitude des motifs et la communauté des idées, il existe des différences significatives système figuratif ces cultures, dont chacune implique le reflet de cultes pastoraux et agricoles. Différents lieux géographiques, climats et différents environnements de civilisations ont laissé leur empreinte. La réglementation la plus stricte des images n'exclut pas pour autant les spécificités régionales de ces cultures essentiellement différentes, unies dans une même civilisation musulmane.

Le plus grand arabisant anglais H. A. R. Gibb a défini le terme "art musulman" comme un phénomène qui révèle les caractéristiques universelles de formation de style de la culture artistique des musulmans, dans ce contexte, il note également les spécificités de "l'art islamique", par lequel il entend le culture artistique du Moyen Âge majoritairement musulman sur un vaste territoire allant de l'Inde à l'Espagne. "La communauté de l'art du monde musulman se révèle à la fois dans l'espace et dans le temps, ce qui est dû à la vision du monde religieuse et philosophique, à l'adhésion au canon esthétique et aux idéaux

beau. Doté de certaines caractéristiques unifiées, l'art musulman comprend l'originalité des provinces géographiques historiquement établies et des écoles d'art nationales ; il se développe dans le cadre des cultures régionales et locales.

Culture des Tatars de la Moyenne Volga

L'adoption de l'islam par les Bulgares de la Volga a inclus leur culture dans le vaste monde de la civilisation musulmane, cette métamorphose historique a prédéterminé la voie ultérieure du peuple et sa culture artistique. DANS art national parallèlement aux traditions ethniques, des traditions importées d'autres pays musulmans se sont développées.

Cependant, sur le territoire de la région de la Moyenne Volga, où s'est formée la culture nationale des Tatars, les tendances de l'art musulman sont davantage liées à la culture urbaine qu'à l'ancienne tradition ethnique préservée dans les petits villages. Cependant, dans art folklorique au fil du temps, l'influence de l'Islam a commencé à se faire sentir de plus en plus.

La culture matérielle et spirituelle des Tatars "remonte dans sa genèse à l'ancienne civilisation turque, est une sorte de synthèse des anciennes traditions nomades de la culture" steppique "avec la culture de la culture agricole sédentaire" . À un stade précoce de l'islamisation de ce territoire, des inscriptions arabes ont été trouvées de manière synchrone avec le runique turc. Depuis le XVIIIe siècle, les tendances européennes ont de plus en plus pénétré cette culture. De la seconde moitié du XIXème siècle. les limites précédemment définies sont effacées caractéristiques de style, des tendances réalistes apparaissent dans la représentation de la nature dans les produits des arts appliqués. Fin XIX - début XX siècle. il y a une convergence des cultures russe et tatare en général, et pourtant le style et les canons de l'art musulman, d'une part, et la tradition ethnique, d'autre part, ont déterminé et continuent de déterminer l'identité nationale de la culture artistique tatare.

Dans l'espace des solutions architecturales, la Volga Bulgarie agit également comme une sorte de province de la civilisation musulmane. Elle s'est tournée vers les traditions du Moyen-Orient et de l'Asie centrale.

Les travaux de A. S. Bashkirov, B. N. Zasypkin, F. Kh. Valeev, G. Valeeva-Suleimanova, A. P. Smirnov, R. G. Fakhrutdinov, S. M. Chervonnaya et autres.

Selon A.P. Smirnov, «les matériaux survivants, y compris les matériaux archéologiques, témoignent de divers types de décorations architecturales - peintures à fresque, majolique et revêtement en mosaïque des murs intérieurs et des tombes dans les mausolées, sculpture sur pierre et moulage en plâtre. Des compositions géométriques et florales de l'ornement, combinées à des inscriptions arabes dans le style de "kufi" et "naskh" ont été utilisées pour accentuer les parties les plus importantes du bâtiment - fenêtre et portes, niches, archivoltes, corniches, etc. [Idem].

La décoration colorée et multicolore des mosquées tatares, résidentielles et bâtiments publiques, les tombes de khan rapprochent leur apparence de l'architecture musulmane du Moyen-Orient et d'Asie Mineure.

Cultes des plantes en Asie centrale et au Tatarstan

En Asie centrale et au Tatarstan, les cultures du polythéisme et du zoroastrisme (en Asie centrale), qui s'étaient développées avant même l'adoption de l'islam, ont eu un impact énorme sur le développement des arts et de l'artisanat. "Parmi les idées générées par la culture de l'agriculture primitive, une place importante est occupée par l'idée de la possibilité et de la nécessité d'aider la nature à fructifier par des moyens magiques. Cette idée a donné naissance à de nombreux cultes anciens, qui étaient essentiellement une expression du culte de la nature.

Les motifs zoomorphes et le "style animalier" dans l'art des Bulgares de la Volga n'étaient pas réalistes, ils étaient conditionnels, stylisés et schématiques. Les images anthropomorphes sont presque totalement absentes. Ils ne représentaient que des dieux païens : Tengri et Kuar.

Avec l'avènement des musulmans, les motifs zoomorphes du paganisme disparaissent progressivement et à la fin de la période pré-mongole sont progressivement remplacés par des motifs floraux-végétatifs et géométriques.

A cet égard, la fête printanière de la "fleur rouge" - tulipe ou coquelicot - présente un grand intérêt. culte antique, qui existait probablement avant même l'avènement de l'Islam. C'était cette fleur qui symbolisait le printemps ressuscitant la végétation. Cela reflétait non seulement le culte de la nature qui était présent chez ces peuples, mais aussi le culte des divinités mourantes et ressuscitées de la végétation qui s'est développée dans la civilisation agricole. Le chercheur E. M. Peshchereva a découvert et décrit le festival des tulipes à Isfara pour la science. Elle a suggéré que la cueillette des tulipes symbolisait la recherche des restes d'une divinité, un rite enregistré dans les anciennes sources chinoises. Attacher des tulipes en bouquets ou les relier à un arbre à bouquets symbolisait "la connexion des parties disparates de son corps" et était probablement une condition de sa résurrection. Dans la culture musulmane dans son ensemble, il y a des emprunts aux Arabes, par exemple, les tulipes sont le sang de Hussein assassiné, sortant au printemps à la surface de la terre. Cette croyance, selon E. M. Peshchereva, a une intrigue en commun avec le culte d'Adonis, dont le sang symbolisait la fleur rouge du printemps - l'anémone. À cet égard, le chercheur E. M. Peshchereva estime que Hussein est devenu l'hypostase musulmane de l'ancienne divinité mourante supplantée par l'islam.

Selon l'ethnographe ouzbek Khayot Ismailovich Ismailov, à Parkent (aujourd'hui région de Tachkent), dont la population appartenait au groupe des Ouzbeks-Sarts, la «fête du coquelicot» était célébrée au début du siècle. Les filles sont allées très intelligemment aux vacances, beaucoup étaient vêtues de rouge, de sorte que, selon l'ethnographe, "elles-mêmes ressemblaient à des coquelicots". Des informations sur les "vacances de la fleur rouge" ont également été enregistrées par l'ethnographe N. P. Lobacheva. Selon le terrain et les conditions naturelles, les tulipes poussaient dans les montagnes et les coquelicots - dans les plaines, les vacances étaient consacrées à l'une ou l'autre fleur. Son image est capturée non seulement dans les ornements de vêtements, mais aussi dans un décor en métal.

La tulipe entre dans la culture européenne par la Turquie (d'où son nom erroné, dérivé du mot « turban »). Des variétés de tulipes hollandaises de renommée mondiale ont été construites à partir de fleurs importées non seulement de Turquie, mais également des steppes kazakhes.

Actuellement, le «Festival de la fleur rouge» est relancé et organisé au niveau de l'État au Tadjikistan, au Turkménistan et en Ouzbékistan. Elle est également célébrée en Iran.

Le culte de la fleur rouge est également très populaire et se retrouve dans la parure de nombreux peuples. Ce n'est qu'en Asie centrale que des exemples de son utilisation sont présents dans la broderie de nombreux centres: Boukhara, Samarkand, Khorezm, Shakhrisabz, Karshi. Le culte de la fleur rouge est dédié à Navruz le jour de l'équinoxe de printemps, qui dans le calendrier oriental était le début de la nouvelle année. L'apparition des fleurs printanières était le signe du début de la culture de la terre, et la décoration florale des broderies de mariage était censée préparer une nuit de noces prospère, assurant la fertilité de la mariée. En général, le symbolisme de la broderie, comme nous l'avons déjà noté, contient l'idée de patronage des forces naturelles.

L'image stylisée d'oiseaux et de chevaux dans les mêmes broderies provient très probablement du zoroastrisme et est associée au culte du feu.

Suzani - une couverture de mariage en Ouzbékistan, suzani - traduit du tadjik - un tapis brodé à l'aiguille au Tadjikistan, Ouzbékistan, Iran. Très souvent le centre de la composition ou, selon au moins, une fleur rouge sur fond blanc, jaune ou bleu devient une méthode d'accent. C'est à la fois un élément indépendant et un élément intégral d'un voile de mariée combiné en cercles de fleurs. Souvent, le rouge et le jaune (or) coexistent. On y voit un appel nominal avec de vieilles robes de mariée russes - jaune le premier jour du mariage (letnik jaune) et rouge le second (robe d'été rouge). À partir de là, le sens de la romance russe est immédiatement clair: "Ne me cousez pas, mère, une robe d'été rouge ...". Des images stylisées de figures symboliques du zoroastrisme - chevaux et oiseaux - sont également présentes dans les broderies russes.

La fleur rouge est au centre de la composition de nombreuses broderies tatares. Dans une large mesure, des fils d'or-argent sont utilisés. Dans les vêtements, les motifs devenaient des amulettes et étaient donc situés à côté des points les plus vulnérables du corps, ce qui était universel pour la culture de nombreux peuples.

Des éléments de cultes anciens ont conservé leur importance dans d'autres domaines. culture moderne. Les noms turcs, si courants à l'intérieur des frontières de l'État russe et au-delà, sont le reflet d'anciens cultes. Les plus intéressants pour nous sont probablement les noms tatars, qui semblent confirmer cette affirmation.

Les noms tatars sont dotés d'une certaine rêverie poétique. Mais si les prénoms masculins sont parfois associés à des prédateurs royaux, alors les prénoms féminins reproduisent souvent des noms de fleurs empruntés à l'arabe, au turc, au latin ; variations sur le thème de la fleur de goule, comparaisons avec des étoiles, des figues et des dates. Il y a aussi des comparaisons avec des animaux : Lenora - Fille d'un lion ; Leia - Antilope. A titre de comparaison, chez les Arabes: Azhar - Blooming; Zahrach - Fleur, beauté, étoile ; Nauvar - Fleur; Warda - Rose. Il existe également des comparaisons avec des animaux gracieux: Mach - Gazelle.

L'ornement floral dans l'art des musulmans, ainsi que des peuples voisins, était schématisé et abstrait. Mais au cœur se trouvaient des espèces végétales poussant dans cette zone particulière (par exemple, le liseron). Ils ont été combinés en compositions, "certaines étaient associées au folklore (par exemple, des images d'un oiseau, d'une oie, d'un hibou grand-duc, d'un serpent stylisé comme un ornement), à l'allégorie poétique, à l'observation en direct de la nature". L'ornement se généralise de plus en plus, obéissant à un rythme donné, construisant toute une composition. Certains éléments ornementaux sont empruntés : rosette, trèfle, semi-palmette étaient l'expression la plus générale et la plus abstraite de la nature végétale.

Les motifs végétaux sont conservés dans les arts et l'artisanat de ces peuples, tant dans la conception des costumes que dans les produits métalliques, dans la conception des articles ménagers et des ustensiles, ainsi que des façades et des intérieurs. La limitation des paradigmes des beaux-arts, y compris dans le décor, est déterminée par l'efficacité de leur application pour modéliser des modes spécifiques de transmission de l'information. Aujourd'hui, ces métiers restent d'actualité, et la nécessité de revenir aux origines et aux traditions dans la vie quotidienne et la culture est évidente.

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LES MOTIFS FLORAUX DANS LES ARTS APPLIQUES D'ASIE CENTRALE ET DU TATARSTAN

Baikova Ekaterina Vladimirovna, docteur en culturologie, professeur agrégé Youri Gagarine State Technical University of Saratov [courriel protégé] fr

Dans l'article, l'étude structurale-sémiotique des motifs floraux en Asie centrale et au Tatarstan et la détermination de leur présence dans les images ornementales de ces cultures sont présentées. L'auteur distingue les fonctions de protection et le culte de la fertilité, interprète les idées populaires sur les jardins immortels du paradis musulman, les formes florales fantastiques et réelles entourant les habitants des oasis, et compare les cultes floraux et les ornements de la montagne et zones de plaine.

Mots et phrases clés : motifs floraux ; Tatarstan; Asie centrale; suzani; susanee.

Sciences historiques et archéologie

L'article étudie le problème du contrôle social sur la vie du village russe à la fin du XIX - début du XX siècle. Le degré d'efficacité de l'activité des chefs zemstvo des provinces de la région centrale de Chernozem a été étudié. L'attitude de la population rurale vis-à-vis du fonctionnement de cette forme de prise en charge par l'État est établie. On en conclut que la mise en place de la tutelle gouvernementale découlait des réalités objectives du village, correspondait à la mentalité paysanne et contribuait au développement de la culture juridique des villageois.

Mots et expressions clés : sociétés rurales ; chefs de terre; pouvoir; paysans; rassemblement; cour volost; loi; crime.

Bezgin Vladimir Borisovich, docteur en histoire, professeur

Université technique d'État de Tambov [courriel protégé] fr

Erin Pavel Viktorovich, Ph.D.

Université agraire d'État de Michurin erin198 [courriel protégé] tout. fr

LE SOIN COMME UNE FORME DE CONTRÔLE D'AUTORITÉ (PAR LES MATÉRIAUX DES PROVINCES DE LA RÉGION CENTRALE DE LA TERRE NOIRE)

L'article a été préparé avec le soutien financier du projet RFBR n° 15-01-00117a.

Le problème du contrôle social et de son efficacité a toujours été pertinent pour la recherche historique. La recherche de leviers d'influence du pouvoir sur la société afin de fidéliser la population et de gérer son activité sociale est également significative pour le moment. Dans une ère de changement qui conduit à la croissance des déviations dans les comportements sociaux, la présence ou la création d'un tel mécanisme, comme le montre l'expérience historique, est l'un des moyens d'auto-préservation du pouvoir.

Le sujet du rôle et de l'importance de l'institut des chefs de district de zemstvo relève du domaine d'intérêt de la recherche des scientifiques, comme en témoignent les publications scientifiques de ces dernières années. L'attention des spécialistes est attirée sur les questions de l'opportunité d'introduire cette institution et de l'efficacité de son contrôle, ainsi que sur le contenu des fonctions administratives et judiciaires des chefs de zemstvo, leurs relations avec l'administration rurale et l'administration provinciale.

Le but de l'article est de découvrir l'importance des chefs zemstvo dans la fonction de contrôle du pouvoir sur relations publiques dans le village russe à la fin du XIXe - début du XXe siècle, leur rôle dans la lutte contre les délits de la population rurale, la réaction des paysans à la création et au fonctionnement de cette institution.

Le développement de la campagne russe dans la période post-réforme a révélé un certain nombre de phénomènes qui ont eu des conséquences négatives sur l'état des relations sociales dans la campagne. Les autorités s'alarment de l'aggravation de la situation pénale, des contradictions et de la tension accrue lors des réunions, de la faible culture managériale des élus et de l'état de volost de la justice. L'institution des chefs de district zemstvo, instaurée par la loi du 12 juillet 1889, fut appelée à redresser la situation : sa création visait à combiner la tutelle sur les ruraux avec les devoirs de protection du doyenné et de l'ordre public. Il faut admettre que la forme même du contrôle était tout à fait conforme à la tradition du paternalisme paysan. Ceci est confirmé par une note d'un auteur inconnu adressée à V. K. Plehve, dans laquelle il affirme que les paysans ont approuvé l'élargissement de la tutelle sur l'autonomie rurale et une certaine restriction de son indépendance, ce qui a été autorisé par la loi du 12 juillet 1889.