Les changements dans la vie quotidienne et leur impact sur les arts et l'artisanat. Caractéristiques de l'ornement et du décor styles artistiques baroque, rococo, classicisme.

Commerce d'argent et d'or : école de Pétersbourg, artisans et manufactures de Moscou, argent noir de Veliky Ustyug. Nouveaux types de vaisselle en métaux précieux et non ferreux : théières, cafetières, bouillottes, samovars. articles ménagers et ustensiles d'église. Insignes d'État. Ordres et médailles. Émaux. Artistes de l'émail A.G. Ovsov, G.S. Musikisky.

L'émergence de la porcelaine russe. DI Vinogradov. Manufactures de porcelaine impériales et privées. Majolique, faïence. Verre d'art. Tissus décoratifs et tapisseries. Nouveau dans les vêtements. Meubles d'ébénisterie et de composition. Marqueterie. Sculpture sur bois dans les intérieurs civils et religieux. Équipages. Roche décorative. Camées.

Artisanat folklorique artistique. Donets sculptés et incrustés de Gorodets. Sculpture sur os Kholmogor. Broderie d'or de la province de Tver. Dentelle de Galich et Vologda. Céramique de Gjel.

Musique et théâtre au XVIIIe siècle

Chant choral à plusieurs voix. Kants. Musique instrumentale et orchestres. Art de l'opéra. Ballet. Musique à la cour, en ville et la vie paysanne. L'émergence de l'école nationale des compositeurs. EI Fomin. I.E. Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. Mme Berezovsky. A.O. Kozlovsky.

Tentatives de création d'un théâtre public public sous Pierre le Grand. Spectacles amateurs à la cour. Théâtres scolaires dans le spirituel et le profane les établissements d'enseignement. Troupes professionnelles d'acteurs étrangers.

Dramaturgie du classicisme russe : tragédies et comédies. L'influence du sentimentalisme sur le répertoire théâtral. L'apparition du drame et de l'opéra comique sur la scène russe. A.P. Sumarokov - dramaturge et figure théâtrale. Fondateur du théâtre professionnel russe, acteur et metteur en scène F. G. Volkov. Son ami et disciple I.A. Dmitrevsky. Représentations théâtrales de masse.

Théâtre de forteresse. Troupe du comte P.B. Sheremetev. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova et d'autres artistes. Palais-théâtre à Ostankino. Théâtre populaire.

ABRÉVIATIONS DES NOMS DES PRINCIPALES COLLECTIONS MUSÉALES MENTIONNÉES DANS LA LISTE DES MONUMENTS CULTURELS

BAN - Bibliothèque Académie russe Sciences (Saint-Pétersbourg)

VMDPNI - Musée panrusse décoratif et appliqué art folklorique(Ville de Moscou)

GIM - État Musée historique(Ville de Moscou)

GMGS - Musée national de la sculpture urbaine (Saint-Pétersbourg)

GMMK - Musées d'État Kremlin de Moscou (Moscou)

GNIMA - Musée national de recherche sur l'architecture (Moscou)

GOP - State Armory Chamber (Moscou)

Musée d'État russe - Musée d'État russe (Saint-Pétersbourg)

GTG - État Galerie Tretiakov(Ville de Moscou)

GE- État de l'Ermitage(Saint-Pétersbourg)

ZIKHMZ - ancien Zagorsk (aujourd'hui Sergiev-Posad) historique Musée d'art- réserve (Sergiev Posad, région de Moscou)

MIDU - Musée des trésors historiques de l'Ukraine (Kiev)

MPIB - Musée des arts appliqués et de la vie du XVIIe siècle "La cathédrale des douze apôtres et les chambres patriarcales du Kremlin de Moscou" (Moscou)

NGM - Musée-réserve des États-Unis de Novgorod (Novgorod)

NGP - Chambre des facettes de Novgorod (Novgorod)

SHM - Musée d'art de Samara (Samara)

MONUMENTS DE LA CULTURE RUSSE

SECTION I. HISTOIRE DE LA CULTURE RUSSE DE L'ANCIEN ET DU MOYEN AGE

(AVANT LA FIN DU XVIIE SIECLE)

ARCHITECTURE POPULAIRE EN BOIS

BÂTIMENTS RELIGIEUX

1. Églises Klet :Église de Lazare du monastère de Murom (XIVe-XVIe siècles) - Réserve naturelle de Kizhi ; Église de la Déposition de la Robe du village de Borodava (XVe siècle) - Musée-réserve Kirillo-Belozersky ; Église de la Transfiguration du village de Spas-Vezhi (XVIIe siècle) - Musée-Réserve de Kostroma ; Église Saint-Nicolas du village de Tukholya (XVIIe siècle) - Musée-réserve de Novgorod "Vitoslavlitsy" ; la chapelle de l'archange Michel du village de Lelikozero (XVIIIe siècle) - le musée-réserve de Kizhi ; Église Saint-Nicolas du village de Glotova (XVIIIe siècle) - Musée-réserve de Souzdal.

2. Églises sous tente :Église Saint-Nicolas dans le village de Lyavlya (XVIe siècle); l'église Saint-Georges du village de Vershina (XVIIe siècle) - le musée-réserve d'Arkhangelsk "Small Korely"; Église de la Résurrection du village de Patakino (XVIIIe siècle) - Musée-réserve de Souzdal ; Église de l'Assomption (XVIIIe siècle) dans la ville de Kondopoga.

Le style du milieu du siècle affecte également les arts et métiers. Les articles en porcelaine, tels que le service "Own" d'Elizaveta Petrovna, et d'autres matériaux se caractérisent par des formes curvilignes, ainsi que par une ornementation en stuc juteux, remontant en motif jusqu'à une coquille et des pousses de plantes flexibles. La silhouette fantaisiste des objets est organiquement combinée avec couleurs vives, une abondance de dorures, la brillance des surfaces de miroir qui complètent l'image festive de l'intérieur.

Peinture de la première moitié du XVIIIe siècle

Depuis l'ère pétrinienne, la peinture a subi d'énormes changements. L'art de la peinture de chevalet avec sa sémantique et caractéristiques de composition. La perspective inversée est remplacée par la transmission directe et connexe de la profondeur de l'espace. La caractéristique la plus importante est l'image de la figure conformément aux principes de l'exactitude anatomique. De nouveaux moyens de convoyage de volume font leur apparition. La qualité la plus importante est le clair-obscur, déplaçant la ligne de contour conditionnellement symbolique. La technique elle-même peinture à l'huile avec ses techniques spécifiques caractéristiques et le système de relations entre les couleurs, il est fermement, mais pas immédiatement, inclus dans l'utilisation artistique. Améliore le sens de la texture. L'artiste acquiert la capacité de transmettre les propriétés spécifiques du velours doux, de la fourrure d'hermine dure, du brocart d'or lourd et de la dentelle fine. DANS image de l'intrigue vous pouvez tracer les nouveaux principes de la relation des chiffres. La représentation d'un corps nu est une tâche nouvelle et des plus difficiles. La structure même de la peinture se ramifie. Depuis le début du XVIIIe siècle, l'art profane cultive différents types chevalet fonctionne, peinture monumentale sous forme de panneaux et de plafonds, écriture miniature. Le portrait comprend toutes les variétés connues - cérémonie, chambre, dans la version habituelle et costumée, double et double. Les artistes maîtrisent les sujets allégoriques et mythologiques. La présence de ces traits, bien qu'ils apparaissent d'abord sous une forme de compromis, permet de parler de l'émergence d'un nouveau type de peinture.

Les premiers pas vers la formation d'un portrait sont associés aux activités de l'atelier de peinture de l'Armurerie. Les œuvres réalisées par des maîtres russes et étrangers, de par leur nature, gravitent vers la parsuna. De toutes les variantes typologiques, la parsuna préfère le portrait d'apparat et se retrouve à ce titre dans plusieurs variétés. Parmi elles, la « thèse-portrait » est la plus archaïque. Il combine des images de portrait et de nombreuses inscriptions explicatives dans l'espace conventionnel des icônes. On peut aussi parler de "portrait-apothéose". Ce sont des portraits-peintures symbolisant les faits d'armes de Pierre I. Les portraits ordinaires de Pierre, Menchikov, Sheremetev en pleine croissance et à cheval sont également courants.

L'espace est partout traité de manière très stéréotypée, et la disposition générale des objets sert plutôt de désignation symbolique de relations spatiales réelles. Le problème de l'espace interne et externe est résolu de la même manière conditionnelle en termes de sens et d'échelle. Parsuna s'écarte quelque peu de la richesse de couleur typique de la peinture d'icônes du XVIIe siècle. Cependant, le transfert scrupuleux de l'ornementation des robes et de divers détails donne aux toiles un son décoratif accru.

Le maître ne maîtrise pas encore parfaitement les nouveaux principes de transfert de volume, combinant des visages peints fortement convexes et des robes à motifs plans. Le grand format des toiles, leur esprit imposant, la richesse du mobilier et des bijoux exposés visent à illustrer signification sociale illustré. L'image est autonome, centrée sur elle-même et indifférente aux autres. La peinture, qui n'a pas encore mûri pour transmettre l'individu, tente à sa manière de remarquer les traits inhérents à ce personnage. Cependant, le général et l'individuel n'ont pas encore été fusionnés en une unité organique, et les propriétés spécifiques transparaissent à peine sous le masque typifiant consolidé.

La lignée parsuna, qui a existé relativement peu de temps, principalement dans les années 80 et surtout dans les années 90 du XVIIe siècle, se heurte par la suite à un très fort flux d'œuvres d'étrangers et d'artistes à la retraite qui l'a pratiquement supplantée. En même temps, il ne faut pas penser que cela s'est avéré être un épisode accidentel du processus général de développement du portrait russe. Repoussée des positions principales, la parsuna a continué d'exister. En outre, ses caractéristiques sont apparues dans le travail d'un certain nombre d'artistes avancés comme preuve d'une transition inachevée de l'écriture médiévale à nouvelle manière. En tant que tel, on peut le trouver dans les travaux de I. Nikitin, I. Vishnyakov et A. Antropov.

Des traces de parsonisme se retrouvent également dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, en particulier dans les œuvres d'artistes serfs ou provinciaux qui sont venus indépendamment au nouvel art, en règle générale, à partir de la peinture d'icônes. Notons que l'analyse syntaxique en tant que phénomène artistique existe non seulement dans l'école russe, mais aussi en Ukraine et en Pologne. On le retrouve également en Bulgarie, en Yougoslavie, et même dans les pays du Moyen-Orient, c'est-à-dire où la peinture dans une situation historique similaire connaît une familiarisation fondamentalement similaire avec l'art des temps nouveaux et l'art profane.

L'histoire de la Russie à la fin du XVIIe - le premier quart du XVIIIe siècle est indissociable du nom de l'un des plus grands Les politiciens Russie - Peter I. Des innovations importantes envahissent à cette époque non seulement dans le domaine de la culture et de l'art, mais aussi dans l'industrie - métallurgie, construction navale, etc. Au début du XVIIIe siècle, les premiers mécanismes et machines-outils pour le traitement des métaux sont apparus . Beaucoup dans ce domaine a été fait par les mécaniciens russes Nartov, Surnin, Sobakin et d'autres.

Dans le même temps, les fondations du système public d'enseignement général et spécial sont posées. En 1725, l'Académie des sciences a été créée, sous laquelle un département des métiers d'art a été ouvert.

A.Nartov. Tour. L'ère de Pierre. 18ème siècle

Au XVIIIe siècle, de nouveaux principes d'architecture et d'urbanisme se forment.Cette période est marquée par une augmentation de la mise en forme de produits aux traits caractéristiques du baroque d'Europe occidentale (Hollande, Angleterre).

À la suite des entreprises de Pierre Ier, des éléments de formes russes traditionnelles disparaissent rapidement de la vie royale et aristocratique du palais, restant toujours dans les habitations des masses de la population rurale et urbaine, ainsi que dans l'église. C'est dans le premier quart du XVIIIe siècle que se dessine une différence significative dans l'évolution stylistique, qui restera longtemps caractéristique de la créativité professionnelle et de l'artisanat d'art populaire. Dans ce dernier, les traditions séculaires de l'art appliqué russe, ukrainien, estonien, etc. sont développées directement et organiquement.

Les normes de la vie noble exigent une démonstration de richesse, de sophistication et d'éclat dans la vie d'une personne souveraine. Les formes de l'ancien mode de vie, y compris celui de Peter (toujours professionnel, strict), ont finalement été chassées vers le milieu du XVIIIe siècle. La position dominante dans l'art russe est occupée par le style dit rococo, qui complète logiquement les tendances du baroque tardif. Les intérieurs cérémoniels de cette époque, par exemple certaines pièces des palais Peterhof et Tsarskoïe Selo, sont presque entièrement décorés de sculptures élaborées.

Les caractéristiques générales de l'ornementation rocaille (courbure des lignes, disposition abondante et asymétrique de fleurs stylisées ou réalistes, feuilles, coquillages, yeux, etc.) sont intégralement reproduites dans l'architecture et le mobilier russes de cette époque, céramiques, vêtements, carrosses, armes d'apparat , etc. Cependant, le développement de l'art appliqué russe a néanmoins pris une voie complètement indépendante. Malgré la similitude indéniable des formes de nos propres produits avec celles d'Europe occidentale, il n'est pas difficile de remarquer les différences entre eux. Donc, mais en comparaison avec les meubles français, les produits de meubles russes ont des formes beaucoup plus libres et sont plus doux dans les contours et les dessins. Les maîtres conservaient encore les compétences de la sculpture folklorique, plus vastes et plus généralisées qu'en Occident. Non moins caractéristique est la polychromie des produits russes et l'association de la dorure et de la peinture, rare en France, mais acceptée partout en Russie.

À partir des années 60 du XVIIIe siècle, la transition vers le classicisme a commencé dans l'architecture russe avec ses formes laconiques et strictes, tournée vers l'antiquité et marquée par une grande retenue et grâce. Le même processus se produit dans l'art appliqué.

Dans la planification, l'équipement et la décoration des hôtels particuliers et des palais de la ville (architectes Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, etc.), il existe une symétrie claire, une clarté proportionnelle. Les murs des locaux (entre les fenêtres ou en face d'elles) sont cachés par des miroirs et des panneaux en damas de soie, des tissus de coton décoratifs et des tissus.

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Canapé - Style rococo. Russie (détail). Milieu du 18e siècle

Fauteuil de style classique. Russie. Seconde moitié du XVIIIe siècle

Les planchers sont en bois de diverses essences, et parfois recouverts de toile ou de tissu ; les plafonds sont peints (par exemple, la technique de la grisaille imitant le moulage en relief). Au lieu de parquet empilé, des planchers en épicéa "sous cire" sont utilisés. Les murs et les plafonds sont souvent recouverts de tissu ou recouverts de papier peint. Si des cheminées en marbre de taille impressionnante sont disposées dans les pièces de devant, alors des poêles plus traditionnels sur socles ou sur pieds, tapissés de tuiles, sont érigés dans les chambres intimistes. La différence entre les lampes est tout aussi perceptible: dans les couloirs - ce sont des lustres, des candélabres, des appliques fabriqués par des bijoux et coûteux, dans les chambres - des chandeliers et des lampes beaucoup plus modestes. Il y a encore plus de contraste dans les formes des façades et des meubles de maison. Tout cela ne parle pas tant du désir des propriétaires de palais et de manoirs d'économiser de l'argent, mais de leur considération de l'environnement objectif comme un facteur important dans l'atmosphère psychologiquement appropriée.

La plupart des meubles et un certain nombre d'autres produits à la fin du XVIIIe-première moitié du XIXe siècle n'étaient pas constamment nécessaires; si cela n'était pas nécessaire, ils étaient soit retirés, soit transférés dans des parties inactives des locaux. Les sièges doivent être recouverts. Dans le même ordre d'idées, des meubles transformables avec un plan de travail - des tables à thé et à cartes, une table à manger pliante, une table pour la couture, un système de tables de différentes hauteurs qui s'emboîtent les unes sous les autres, etc. une variété d'apparences de locaux dans divers situations de tous les jours. Parallèlement, un certain nombre de processus domestiques qui se déroulaient à l'extérieur du bâtiment pendant la saison chaude - sur la terrasse et dans le parc - ont été mis en évidence. En conséquence, de nouveaux types de produits se répandent - meubles de jardin paysager, auvents parapluies, lampes de parc, etc. Au XVIIIe siècle, des ateliers de serfs étaient organisés dans des domaines individuels, produisant des lots assez importants de meubles, de porcelaine, de tapis et d'autres produits.

À la fin du XVIIIe siècle, dans l'équipement des grands palais, la séparation de la conception proprement dite des produits (meubles, lampes, horloges, tapisseries et autres ustensiles et décorations) en tant que domaine spécial d'activité créative de leur production artisanale affecte déjà de manière significative. Les concepteurs sont principalement des architectes et des artistes professionnels. Dans la production de produits pour le marché de masse, des machines et des méthodes mécaniques de traitement des matériaux sont utilisées, faisant de l'ingénieur une figure de proue de la production. Cela conduit à une distorsion et à une perte des hautes qualités esthétiques inhérentes aux biens de consommation, à la séparation de l'industrie et de l'art. Cette tendance était naturelle dans les conditions du développement capitaliste de la société et l'une des principales pour tout le XIXe siècle.

Au cours du développement intensif des relations capitalistes en Russie au XIXe siècle, les capacités de production industrielle ont augmenté. Au milieu du XIXe siècle, le besoin d'un personnel artistiquement professionnel composé de développeurs de produits et d'artisans se faisait déjà cruellement sentir. Pour leur formation, des établissements d'enseignement spécialisés sont ouverts à Moscou (comte Stroganov) et à Saint-Pétersbourg (baron Stieglitz). Leur nom même - "écoles de dessin technique" - parle de l'émergence d'un nouveau type d'artiste. Depuis 1860, une formation artisanale spéciale des maîtres interprètes a été développée. De nombreux livres sont publiés sur la technologie de traitement de divers matériaux: bois, bronze, fer, or, etc. Des catalogues commerciaux sont publiés, remplaçant le magazine "Economic Store" précédemment publié. Depuis le milieu du XIXe siècle, les sciences liées aux questions de santé au travail et à l'utilisation des objets ménagers se sont formées. Cependant, tout au long du XIXe siècle, toute la production industrielle de masse en termes artistiques est restée complètement subordonnée à l'idée dominante sans partage de la beauté en tant que conception décorative et ornementale des produits. Cela a eu pour conséquence l'introduction dans la forme de la plupart des produits des éléments de style du classicisme : finitions de profils complexes, colonnes cannelées, rosaces, guirlandes, ornements à base de motifs antiques, etc. Dans un certain nombre de cas, ces éléments ont été introduit dans les formes d'équipements même industriels - machines-outils.

Dans l'évolution stylistique des arts appliqués et des produits ménagers au XIXe siècle, on distingue conventionnellement chronologiquement trois grandes périodes : la poursuite des tendances du classicisme dans la lignée du style dit Empire (le premier quart du siècle) ; classicisme tardif (vers 1830-1860) et éclectisme (après les années 1860).

Le premier quart du XIXe siècle a été marqué par une recrudescence générale de la portée idéologique et constructive de l'architecture russe, qui a également provoqué un renouveau significatif de l'art appliqué.

Fauteuil de style Empire. Premier quart du XIXe siècle.

La victoire dans la guerre de 1812 accélère et achève dans une certaine mesure le processus de formation de la culture nationale russe, qui acquiert une signification paneuropéenne. L'activité des architectes les plus célèbres - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, étroitement liée au classicisme de la période précédente, ne tombe que sur la première décennie du siècle. Ils sont remplacés par une galaxie de maîtres aussi remarquables que Rossi, Stasov, Grigoriev, Beauvais, qui ont apporté de nouvelles idées et un esprit stylistique différent à l'art russe.

La rigueur et la monumentalité sont des traits caractéristiques de l'architecture et des formes de divers articles ménagers du style Empire. Dans ces derniers, les motifs décoratifs changent sensiblement, plus précisément, leur typologie s'élargit grâce à l'utilisation de symboles décoratifs de l'Égypte et de la Rome antiques - griffons, sphinx, fascias, attributs militaires («trophées»), couronnes enguirlandées, etc. Par rapport à des exemples de classicisme précoce en général la quantité de décor, son «poids visuel» dans la solution compositionnelle des produits augmente. La monumentalisation, parfois, comme un grossissement des formes, se produit en raison de la plus grande généralisation et géométrisation des motifs ornementaux classiques - bordures, couronnes, lyres, armures, etc., qui s'éloignent de plus en plus de leurs véritables prototypes. La peinture pittoresque (scènes, paysages, bouquets) d'objets disparaît presque complètement. L'ornement s'efforce d'obtenir une tache, un contour, une applicabilité. Les produits pour la plupart, en particulier les meubles, deviennent grands, massifs, mais diversifiés dans leur configuration générale et leur silhouette. La lourdeur du style Empire dans les meubles a presque disparu déjà dans les années 1830.

Dès le milieu du XIXe siècle, de nouvelles recherches s'ouvrent dans le domaine de l'architecture, de la créativité appliquée et industrielle.

Un mouvement artistique paneuropéen est né, appelé "Biedermeier", du nom du bourgeois d'un des personnages écrivain allemand L. Eichrodt (l'ouvrage a été publié dans les années 1870) avec son idéal de confort, d'intimité.

Fer à repasser d'usine. Russie. Seconde moitié du XIXe siècle

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le travail manuel a été davantage évincé de la production d'articles ménagers utilitaires. Depuis des siècles, les méthodes et techniques de leur solution artistique, les principes de mise en forme, qui ont évolué au fil des siècles, entrent en conflit avec les nouvelles tendances économiques dans le caractère de masse et la rentabilité de la production des choses sur le marché. La réponse à l'évolution de la situation est double. Certains maîtres - la majorité d'entre eux - font des compromis. Considérant indestructible la vision traditionnelle de toutes les choses quotidiennes comme objet d'art décoratif et appliqué, ils commencent à adapter les motifs ornementaux du classicisme aux capacités de la machine et des technologies sérielles. Des types de décoration et de décoration de produits «efficaces» apparaissent. Dès les années 1830 en Angleterre, Henry Cool a mis en avant le slogan extérieurement réformiste consistant à décorer les produits d'usine avec des éléments "du monde des formes des beaux-arts". De nombreux industriels adoptent avec empressement le slogan, cherchant à tirer parti de l'attachement de la masse des consommateurs aux formes d'ameublement décorées extérieurement et enrichies d'ornements.

D'autres théoriciens et praticiens des arts appliqués (D. Reskin, W. Morris) proposent au contraire d'organiser un boycott de l'industrie. Leur credo est la pureté des traditions de l'artisanat médiéval.

Dans les pays Europe de l'Ouest et en Russie attirent pour la première fois l'attention des théoriciens et des artistes professionnels de l'artisanat et des artisans, dans le travail desquels les traditions folkloriques profondes sont encore préservées. En Russie, les foires de Nizhny Novgorod des années 1870-1890 démontrent la viabilité de ces traditions dans les nouvelles conditions. De nombreux artistes professionnels - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich et d'autres - se tournent avec enthousiasme vers les origines folkloriques de l'art décoratif. Dans diverses régions et provinces de Russie, dans des villes telles que Pskov, Voronej, Tambov, Moscou, Kamenetz-Podolsk et d'autres, des entreprises artisanales émergent, dont la base est le travail manuel. Le travail des ateliers d'Abramtsovo près de Moscou, de Talashkino près de Smolensk, de l'entreprise de P. Vaulin près de Saint-Pétersbourg et de l'artel en céramique de Murava à Moscou a été d'une importance particulière pour la renaissance des métiers créatifs en voie de disparition.

Samovar. 19ème siècle

Russie. Deuxième partie

Pompe industrielle. 19ème siècle

Cependant, les produits de tous ces ateliers constituaient une part si insignifiante de la consommation totale qu'ils ne pouvaient avoir aucun effet notable sur la production de masse, bien qu'ils aient prouvé la légitimité de l'existence d'un art décoratif qui préserve les traditions folkloriques parallèlement à la production mécanique de masse. de choses. Plus tard, cela a été confirmé par l'invasion de la technologie des machines dans des domaines des arts décoratifs et appliqués tels que la joaillerie (joaillerie), le tissage de tapis, la couture, ce qui a entraîné une forte baisse de leur qualité artistique.

Dans les formes de l'essentiel des produits manufacturés de la seconde moitié du XIXe siècle, rien de nouveau ne se développe pratiquement. Cependant, la nouveauté de la situation la plus générale déjà à ce moment contribue à l'ajout de conditions préalables internes aux recherches innovantes - la prise de conscience des recherches stylistiques en tant que besoin créatif important, en tant que manifestation de l'individualité artistique du maître. Si jusqu'à présent les tendances stylistiques (gothique, Renaissance, baroque, classicisme, etc.) sont nées et se sont propagées, en règle générale, à la suite de tendances générales, presque «globales», spontanément cristallisées dans le développement esthétique du monde, alors de Au milieu du XIXe siècle, l'originalité stylistique est considérée comme une réalisation créative directe d'un artiste individuel, architecte. À cet égard, l'intérêt pour le patrimoine de l'art de tous les temps et de tous les peuples est fortement activé. Cet héritage des plus riches devient source d'imitations, d'emprunts directs ou subit d'étranges transformations créatives.

Table avec fauteuil moderne. Fin du 19ème siècle

En conséquence, la majeure partie des produits est une image inhabituellement variée, dans laquelle des réminiscences tantôt claires, tantôt à peine perceptibles de l'Antiquité, de l'époque romane, du gothique, de la Renaissance italienne ou française, de l'art de Byzance et L'ancienne Rus', baroque, etc., se mélangeant souvent de manière éclectique dans la conception d'un produit, d'un intérieur, d'un bâtiment. Par conséquent, cette période de l'histoire de l'architecture et des arts appliqués a été qualifiée d'éclectique. DANS la vie folklorique néanmoins, des produits (lampes, seaux métalliques, auges, plats, tabourets, etc.) commencent à être introduits, relativement bon marché, mais fabriqués sans aucun but artistique, souvent de formes laides et de mauvaise qualité.

La recherche d'un nouveau style est menée en tenant compte du besoin réel dans les conditions de production des machines, d'une approche fondamentalement nouvelle de la formation des produits, d'une part, et de la préservation des traditions décoratives du passé, d'autre part. autre. La bourgeoisie, qui à la fin du XIXe siècle avait pris une position forte dans l'économie russe, aspirait à sa propre idéologie artistique dans l'architecture et le design - le culte de la liberté rationnelle et relative des archaïsmes de la culture noble, encourageant tout dans un art qui pouvait rivaliser avec les styles du passé. Tel était à la fin du 19e siècle le style Art nouveau - « art nouveau » en Belgique, en Grande-Bretagne et aux États-Unis, « Jugendstil » en Allemagne, « style Sécessions » en Autriche, « style libre » en Italie. Son nom - "moderne" (du français moderne) signifiait "nouveau, moderne" - du lat. modo - "juste maintenant, récemment." Dans sa forme pure, s'estompant et se mêlant à d'autres tendances stylistiques, elle n'a pas duré longtemps, jusque vers 1920, soit environ 20-25 ans, comme presque toutes les tendances stylistiques des XVIIe-XXe siècles.

L'Art nouveau est diversifié dans différents pays et dans le travail des maîtres individuels, ce qui complique la compréhension des tâches qu'ils ont résolues. Cependant, la caractéristique était l'éradication presque complète de tous les motifs et techniques décoratifs et ornementaux utilisés auparavant, leur renouvellement radical. Les traditionnelles corniches, rosaces, chapiteaux, cannelures, ceintures de « vague entrante », etc. sont remplacées par des plantes locales stylisées (lys, iris, œillets, etc.), des têtes de femmes aux longs cheveux bouclés, etc. Souvent, il n'y a aucune décoration du tout. , et l'effet artistique est obtenu grâce à l'expressivité de la silhouette, à l'articulation de la forme, aux lignes, en règle générale, finement tracées, comme si elles coulaient librement, pulsant. Dans les formes des produits Art nouveau, on peut presque toujours sentir une volonté fantaisiste de l'artiste, la tension d'une ficelle bien tendue, des proportions exagérées. Dans les manifestations extrêmes, tout cela est fortement exacerbé, élevé au rang de principe. Parfois, un mépris pour la logique constructive de la forme émerge, une passion presque fictive pour le côté spectaculaire de la tâche, en particulier dans la résolution d'intérieurs, souvent effectivement théâtraux.

Pour tous faiblesses- la prétention, parfois le volume des formes, une nouvelle approche pour résoudre un bâtiment, un intérieur, un mobilier avec la logique d'une solution fonctionnelle, constructive et technologique est apparue.

Chandelier de style moderne. Début du 20ème siècle

Ensemble de plats. Fin XIXème siècle.

Coiffeuse moderne. Début du 20ème siècle

L'Art nouveau dans la grande majorité de ses échantillons n'a pas abandonné la décoration des produits, mais a seulement remplacé les anciens motifs et techniques décoratifs par de nouveaux. Déjà au début du XXe siècle, au moment des triomphes du nouveau style, encore, d'abord timidement, puis largement, la mode des styles anciens revient, ce qui a un certain rapport avec les préparatifs de la célébration de la anniversaire du centenaire. Guerre patriotique 1812. L'exposition "Art moderne", organisée à Saint-Pétersbourg en 1903, a clairement montré la naissance de la "modernité classique".

Les résultats de la modernité sont complexes. C'est le nettoyage de l'art appliqué de l'éclectisme, de « l'anti-machinisme » des champions de l'artisanat manuel, et des tentatives ratées de restauration des styles du passé. Ce sont les premiers symptômes de la sortie de l'architecture et des arts appliqués vers la voie du fonctionnalisme et du constructivisme, vers la voie du design moderne. Parallèlement, ayant rapidement découvert une tendance à la nationalisation du style, l'Art Nouveau provoque une nouvelle vague de recherches purement décoratives. De nombreux peintres se tournent vers les arts appliqués et le design d'intérieur (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, etc.), gravitant vers la couleur d'un conte de fées russe, vers le "pain d'épice", etc. du processus historique ultérieur , résolvant les problèmes urgents de la production industrielle de masse, de telles expériences ne pouvaient pas avoir une signification idéologique et artistique sérieuse, bien qu'elles aient donné une impulsion au développement d'une autre branche de l'art appliqué - l'artisanat d'art et, en particulier, l'art théâtral et décoratif .

L'Art Nouveau, pour ainsi dire, a ouvert et préparé la voie à l'établissement de nouveaux principes esthétiques et créatifs dans l'art de créer des choses de tous les jours, a accéléré l'émergence d'un nouveau métier artistique - le design artistique (design).

La formation du fonctionnalisme et du constructivisme dans des directions particulières de l'architecture et de la conception artistique des pays occidentaux s'est produite à la fin des années 1910 en relation avec la stabilisation de la vie et le succès de l'économie après la Première Guerre mondiale. Mais fondamentaux La nouvelle architecture moderne a été déterminée dans la période d'avant-guerre dans les travaux d'architectes tels que T. Garnier et O. Perret (France), X. Berlaga (Hollande), A. Loos (Autriche), P. Behrens (Allemagne), F. Wright (États-Unis), I. Shekhtel, I. Rerberg (Russie) et d'autres Chacun d'eux a surmonté l'impact de la modernité à sa manière et s'est battu.

En 1918, des départements spéciaux pour l'architecture et l'industrie de l'art ont été créés au sein du Département des beaux-arts du Commissariat du peuple à l'éducation. Une attention sérieuse est accordée à la formation des spécialistes. En 1920, V.I. Lénine a signé un décret sur la création des ateliers artistiques et techniques d'État supérieurs (VKHUTEMAS). Les diplômés ont créé de nouveaux échantillons de tissus, de meubles, de vaisselle, etc.

L'enseignement dans les ateliers (en 1927, ils ont été transformés en Institut artistique et technique de toute l'Union VKhUTEIN), a été dispensé dans les facultés: architecture, céramique, textile, etc. À la faculté de transformation du bois et du métal sous la direction de A. Rodtchenko, D. . Lissitzky, V. Tatlin et d'autres maîtres recherchaient de nouvelles formes et conceptions d'objets divers. Toutes les activités de VKHUTEMAS visaient à développer les compétences des étudiants approche intégréeà la conception de l'environnement objectif de la vie quotidienne et de la production.

Dans les années 1920, un courant d'« art de la production » se développe, développant les principes du fonctionnalisme et du constructivisme, s'efforçant d'ancrer dans l'esprit des artistes l'idéal esthétique d'une production matérielle rationnellement organisée. Toutes les anciennes formes d'art étaient déclarées par les "fabricants" bourgeoises, inacceptables pour le prolétariat. D'où leur refus non seulement des beaux-arts "pratiquement inutiles", mais aussi de tout art purement décoratif, comme la joaillerie.Dans les années 1920, les conditions techniques et économiques de mise en œuvre de leurs idées n'étaient pas encore mûres dans notre pays.

VKHUTEMAS et les "travailleurs de la production" des années 1920 étaient idéologiquement et esthétiquement étroitement liés au "Bauhaus" et, dans un certain nombre de moments importants, représentaient avec lui, en substance, une seule tendance dans la conception artistique de cette époque. Dans le cadre de ce nouveau mouvement, l'esthétique du design moderne s'est formée, surmontant les contradictions de l'art appliqué de la période précédente. L'activité artistique pratique des fondateurs du design a également été le développement de l'arsenal des moyens artistiques et expressifs de l'art de créer des choses. Dans leurs œuvres (meubles, lampes, ustensiles, tissus, etc.), la plus grande attention a été accordée aux propriétés des matériaux et des formes telles que la texture, la couleur, l'expressivité plastique, la structure rythmique, la silhouette, etc., qui sont devenues cruciales dans le produits de composition sans entrer en conflit avec les exigences de la logique constructive et de la fabricabilité de la forme. Un autre domaine qui s'est développé avec succès dans notre pays dans les années 1920 est la conception technique. En 1925, à Moscou, selon le projet de l'éminent ingénieur V. Shukhov, la célèbre tour radio a été érigée, dont la silhouette ajourée est devenue pendant longtemps un symbole de la radio soviétique. Un an plus tôt, J. Gakkel a créé la première locomotive diesel soviétique basée sur les dernières avancées technologiques, dont la forme semble encore aujourd'hui assez moderne. Dans les années 1920, la nécessité d'une recherche scientifique sur les lois de l'activité humaine dans l'environnement objectif créé artificiellement par lui a été réalisée. L'Institut central du travail s'organise, dans ses murs, des recherches sont menées sur les questions de l'organisation scientifique du travail, de la culture de la production. L'attention des scientifiques et des concepteurs est attirée par les questions de biomécanique, d'organoleptique, etc. Parmi les travaux notables de ces années figure le projet du poste de travail d'un conducteur de tramway (N. Bernshtein).

I.Gakkel. Locomotive. Début des années 1930

place importante dans culture XVIIIème V arts décoratifs et appliqués. Le design intérieur rococo rendait l'espace lumineux, les murs semblaient minces, cachés par des panneaux décoratifs et des miroirs se reflétant les uns dans les autres, rôle importantécrans joués. Les meubles deviennent élégants, paraissent fragiles, prennent des contours bizarres. DANS Schéma de couleur les papiers peints et les meubles sont dominés par les couleurs pastel.

La pièce était censée donner l'impression d'un boudoir, (une pièce destinée à communiquer uniquement avec des personnes proches).

Les intérieurs rococo étaient souvent complétés par des produits chinois authentiques : des paravents, de la porcelaine, des peintures à la laque ou des compositions décoratives stylisées comme de la peinture chinoise.

Du milieu du XVIIIe siècle. avec le développement du néoclassicisme, la décoration intérieure est devenue simple et plutôt stricte. Si les intérieurs français étaient un modèle de rococo, alors les intérieurs anglais étaient un modèle de néoclassicisme. Les intérieurs de l'architecte anglais étaient particulièrement célèbres Robert-Adam(1728-1792). Créant des manoirs, l'artiste les décore de colonnes, de pilastres et de sculptures. Ce style est appelé "style Adam". Il se distingue par son élégance, sa décoration, organiquement comprenant parfois de véritables objets antiques.

Dans les vêtements et les coiffures du XVIIIe siècle. les changements de style sont également détectés. A l'époque de Louis XV, l'apparence d'une personne devient une œuvre d'art : les toilettes de la noblesse sont prétentieuses et raffinées, les coiffures fantastiques (les perruques deviennent à la mode), les mouches noires sur un visage poudré deviennent un langage particulier dans un amour dialogue. "Une femme, habillée et peignée comme un jouet, et chaussée de chaussures étroites à talons, devait marcher très prudemment afin de maintenir son équilibre et de ne pas s'effondrer - cela développa l'habitude de la démarche flottante et les mouvements fluides du menuet . Ils voulaient voir une femme comme une poupée précieuse, un oiseau de paradis, une fleur exquise. De telles créatures convenaient à un environnement fantastique et capricieusement aéré d'intérieurs rocaille » (2, 45).

Le costume, surtout pour les femmes, devient une œuvre d'art. Un tel costume était inconfortable et peu pratique, mais exceptionnellement attrayant.

Le costume des hommes était tout aussi élégant que celui des femmes, et des nuances délicates de couleurs pastel ont été choisies.

L'amour pour tout ce qui est élégant a contribué à l'épanouissement de la joaillerie et de la porcelaine.

L'apogée de l'art de la porcelaine européenne tombe également sur milieu du XVIIIe V et associé au style rococo. Les plus célèbres sont la porcelaine française de la ville de Sèvres et la porcelaine allemande de Meissen (Saxe). Dans leurs compositions, les maîtres de Meissen ont représenté des "festivités galantes" - le divertissement raffiné des aristocrates.

Le rococo n'était pas un style comme le gothique et le baroque, il n'est pas devenu grand et holistique direction artistique. La diffusion des goûts de l'époque des Régents a été préparée par le destin même de la noblesse française, qui a prospéré au XVIIIe siècle. seulement dans un - dans l'appareil sécurisé et une vie heureuse. C'était une vie oisive entourée d'un luxe élégant. L'art était un ornement de la vie oisive de la noblesse française.

Ils jouent un rôle particulier art décoratif(Même la gastronomie est élevée au rang d'art).

La tâche principale de l'art est de plaire, l'art lui-même s'identifie au luxe, à l'espièglerie et à la moquerie.

Les miroirs deviennent une décoration murale préférée, ils sont placés les uns contre les autres, donnant un nombre infini de reflets.

Le besoin de produits de luxe crée en France des pans entiers de la production artistique grâce au travail des ébénistes, tisserands, sculpteurs, bijoutiers et brodeurs.

Les motifs décoratifs préférés du rococo sont la coquille, les tiges et les fleurs.

Dans le domaine du décor, le néoclassicisme s'est tourné vers l'intérieur des salles, meublées à l'antique. Les exploits de l'armée napoléonienne apportèrent de nouveaux motifs décoratifs : épées, bannières. À l'époque napoléonienne, des changements se produisent dans les vêtements et les coiffures. La mode pour tout ce qui est antique se répand: de la silhouette et de la coupe des robes, rappelant les chitons et les tuniques, aux boucles lâches tombant librement. Non seulement les crinolines et les fizhmas ont disparu, mais aussi les diamants, les pierres taillées serties dans un cadre (gemmes) sont devenus à la mode.

Contrairement à d'autres formes d'art dans la musique du XVIIIe siècle. le baroque comme direction stylistique était encore largement représenté. par les plus grands maîtres Les époques baroques de la musique étaient Bach et Haendel.

Jean-Sébastien Bach(1685-1750) fut le plus grand musicien du XVIIIe siècle, et l'influence de sa musique ne cesse de croître. Son travail de composition était étonnamment polyvalent malgré une vie apparemment modeste (il était chantre - chef et chef d'orchestre de la chorale de l'église). Dès l'enfance, Bach était profondément religieux et adhérait à la foi protestante. C'est la Réforme en Allemagne qui a mis en avant la ferveur du chant protestant (chant choral). Ayant fait rite de l'église plus simple et plus rigoureux, le protestantisme y accroît l'importance de la musique. L'église est devenue le centre de l'art musical et l'organiste de l'église en était le représentant. L'art de l'orgue était extrêmement répandu en Allemagne, et il n'est donc pas surprenant que l'orgue ait accompagné toute la vie de Bach. Son patrimoine d'orgue comprend plusieurs genres, parmi lesquels se distinguent les préludes de choral et les cycles polyphoniques à deux voix. je fugue. La musique de Bach exprime l'humilité religieuse, le pathétique, le lyrisme et l'impulsion. Outre le naturel et la simplicité, la sublimité et la signification sont inhérentes à ses écrits. Parmi les créations musicales de Bach, il existe un grand nombre de véritables chefs-d'œuvre qui ont reçu une reconnaissance mondiale.

Aux côtés de Bach se dresse une autre figure majeure du baroque musical - Georg Friedrich Haendel(1685-1759). Sa vie s'est déroulée dans les grandes villes européennes, il a reçu un excellent éducation musicale. Le tout premier opéra, Rinaldo, mis en scène à Londres, a rendu célèbre Haendel. Haendel a écrit de la musique dans une variété de genres, mais les oratorios (grandes œuvres vocales symphoniques avec une intrigue développée) constituent le summum de son héritage. source littéraire L'oratorio le plus célèbre du compositeur était la première partie de la Bible - l'Ancien Testament. Haendel a vécu en Angleterre et ses événements histoire politique, ainsi que la portée épique des récits bibliques, ne pouvaient que susciter son intérêt.

Le compositeur se caractérise principalement par des thèmes civils. Choisissant des sujets bibliques, Haendel admire la puissance des passions humaines. C'est la passion, le dynamisme, l'image de la confrontation qui caractérisent le baroque.

Si la première moitié du XVIIIe siècle. en musique, le baroque a été défini comme un style musical, puis sa seconde moitié est devenue l'apogée des compositeurs de l'école classique viennoise :

Gluck, Haydn, Mozart et Beethoven. Les plus hautes réalisations du classicisme étaient associées à Vienne, la capitale du vaste empire autrichien, une ville profondément saturée de musique.

L'école classique viennoise a répondu aux humeurs et aux idées des Lumières. Art musical reflète la quête spirituelle et les processus artistiques controversés de son temps. Par exemple, Lessing a influencé l'œuvre de Mozart.

Les principes du classicisme ont trouvé leur incarnation dans la musique des Lumières.

Christophe Willibald Gluck(1714-1787) est entré dans l'histoire de la musique en tant que réformateur de l'art lyrique, qui a jeté les bases d'un nouveau style lyrique. Les opéras que Gluck a écrits étaient inhabituels tant par leur contenu que par la manière d'exprimer les sentiments des personnages. Les activités de Gluck ont ​​eu lieu à Vienne et à Paris et ont également été associées à des controverses philosophiques et esthétiques, dans lesquelles les éclaireurs étaient impliqués. Ils critiquaient l'opéra de cour et estimaient que le théâtre antique combinait idéalement musique, plasticité et récitation.

Gluck a essayé de dramatiser l'opéra, de lui donner de la vérité et du naturel. Tous les meilleurs opéras de Gluck, à commencer par Orphée, ont été écrits précisément sur des sujets antiques, dans lesquels le compositeur a trouvé des personnages puissants et de fortes passions. Du vivant de Gluck, ses opéras ont suscité de vives controverses, mais le temps a montré la viabilité des principes, et ce n'est pas un hasard si d'autres compositeurs exceptionnels les ont également mis en œuvre.

Joseph Haydn(1732-1809) est resté pendant près de trois décennies chef d'orchestre (chef de chœur et de chapelle d'orchestre) et n'a consacré que son temps libre à composer de la musique. Si Gluck a réformé l'opéra, alors Haydn a créé des symphonies parfaites. Son manière créative passé par différents époques artistiques, mais l'œuvre du compositeur était précisément associée au Siècle des Lumières. Les Lumières croyaient au progrès de la société et de l'homme, et la musique de Haydn exprime l'optimisme et la recherche du bonheur. Les créations de Haydn sont assez rationalistes : elles se caractérisent par la prévenance et l'harmonie, ce qui est également conforme aux principes rationalistes des Lumières.

Dans ses oratorios, Haydn aborde le thème de la nature, dont le culte était caractéristique d'un pédagogue comme Rousseau. C'est Haydn qui est devenu le compositeur le plus brillant des Lumières.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) a commencé à composer dès petite enfance, il a beaucoup voyagé, a acquis une renommée précoce. Comme Gluck, Mozart est devenu le grand réformateur de l'opéra, non seulement en le symphonisant, mais aussi en l'actualisant. En choisissant une pièce comme Crazy Day ou Les Noces de Figaro, Mozart a montré son attachement à idées d'illumination. Dans La Flûte enchantée, le compositeur présente une sorte d'utopie, proche de la foi des éclaireurs dans le progrès moral de l'humanité. La musique de Mozart allie étonnamment naturel et harmonie, sincérité et perfection, clarté impeccable et excitation frémissante. La plus haute réalisation de la musique de Mozart était le célèbre "Requiem" - sa dernière composition.

Allemand compositeur Ludwig van Beethoven(1770-1827) passa la majeure partie de sa vie à Vienne. Ses écrits portent également l'empreinte des Lumières. Le compositeur s'est montré précisément dans les genres de la sonate et de la symphonie, qui ont finalement pris forme précisément à cette époque. Ses œuvres révèlent la prévenance de l'idée globale et des détails individuels, la clarté des formes.

Dans ses œuvres les plus célèbres, s'incarne le thème héroïque, le thème de la lutte, qui est associé à la fois à la personnalité du compositeur lui-même et aux traits de sa biographie : les événements de la Grande Révolution française il a survécu à un garçon de dix-neuf ans. Bien que les idées des Lumières soient caractéristiques de la musique de Beethoven, il représente déjà nouvelle ère anticipant le romantisme. style musical compositeur se distingue de l'art des autres classiques viennois par la portée, le drame et la force émotionnelle. Telles sont la « Pathétique Sonate », la Troisième Symphonie (« Héroïque »), les Cinquième et Neuvième Symphonies, en particulier « l'Ode à la joie », qui complète la dernière. L'ensemble de l'héritage de Beethoven a eu un impact énorme sur le développement de la musique, en particulier sur la formation du romantisme.