Moderne (moderne français - le dernier, moderne), style européen et art américain fin du XIXe siècle - années 1910. Dans un effort pour surmonter l'éclectisme de la culture artistique du XIXe siècle, les maîtres de l'Art nouveau ont utilisé de nouveaux moyens techniques et constructifs, une planification libre pour créer des bâtiments résolument individualisés, d'apparence inhabituelle, dont tous les éléments étaient soumis à une seule figuration et conception symbolique.

Les façades des bâtiments Art nouveau ont dans la plupart des cas un dynamisme et une fluidité des formes, se rapprochant parfois de la sculpture ou rappelant des phénomènes organiques naturels. L'un des principaux moyens d'expression et de formation de style de l'art moderne était l'ornement de contours curvilignes caractéristiques, imprégnés de rythme expressif et subordonnant la structure de composition de l'œuvre. La peinture Art nouveau se caractérise par une combinaison de fonds ornementaux "tapis" et de tangibilité naturaliste des figures et des détails, de la silhouette, de l'utilisation de grands plans de couleurs ou de monochromes finement nuancés. La sculpture Art nouveau se distingue par la dynamique et la fluidité des formes, le jeu virtuose des lignes fragiles et des silhouettes - graphiques. Une part importante des découvertes et réalisations artistiques de l'Art nouveau appartient à l'art du XXe siècle. A la fin du XIXe siècle, l'architecte Antonio Gaudi en Espagne, l'architecte belge V. Horta, les peintres et graphistes A. de Toulouse-Lautrec, P. Gauguin, les artistes du groupe Nabis en France, E. Munch en Norvège, O. Beardsley en Grande-Bretagne, F. Vallotton en Suisse.

Symbolisme(symbolisme français, du grec symbolon - signe, symbole), direction vers culture artistique L'Europe et les États-Unis à la fin du 19e - début du 20e siècle. dans le symbolisme, principes esthétiques qui remontait aux idées du romantisme, à la philosophie d'A. Schopegauer, E. Hartmann, F. Nietzsche, à l'œuvre du compositeur R. Wagner, symbole généré par la perspicacité poétique et exprimant le sens ésotérique des phénomènes cachés de la conscience ordinaire était censée être un outil universel pour connaître les secrets de l'être et de la conscience. Ne possédant pas son propre style prononcé, le symbolisme est devenu une sorte de mouvement "idéologique", attirant une variété de maîtres du style. La recréation et l'interprétation des principaux motifs symboliques, tels que: "l'amour", "la mort", "la souffrance", "l'attente", etc., à partir de diverses positions stylistiques, ont été incarnées dans les œuvres d'artistes tels que P. Puvis de Chavannes , G. Moreau, O. Redon en France, F. Hodler et A. Böcklin en Suisse, J. Ensor et F. Rops en Belgique, E. Munch en Norvège, M. Klinger et F. von Stuck en Allemagne ; proche du symbolisme, l'œuvre de P. Gauguin et des maîtres du groupe Nabis en France, le graphisme d'O. Beardsley en Grande-Bretagne, et l'œuvre de nombreux maîtres du style Art Nouveau.

Courants modernistes du XXe siècle. Au cours de la première décennie du XXe siècle, un certain nombre de directions se sont largement répandues, liées au départ de la culture bourgeoise du réalisme, à la proclamation de l'indépendance de l'art par rapport à la réalité, qui a de plus en plus suscité la peur et la haine chez de nombreux artistes. De nombreux courants changeant de manière kaléidoscopique sont unis par les concepts de "modernisme", "tendances modernistes". Les performances des artistes modernistes ont pris la forme d'une rébellion esthétique anarchique contre les traditions établies et les canons de l'art. Cependant, dans la réalité, leurs recherches fiévreuses étaient le plus souvent dominées par des « découvertes » étroitement formelles qui étourdissaient le spectateur, conduisant à la toute-puissance d'un principe rationaliste subjectif, aléatoire ou abstrait. Essentiellement, les activités de ces artistes représentaient une rupture avec la principale voie réaliste et humaniste de développement de l'art mondial. C'était là l'essentiel de l'affaire, et non dans ce conflit temporaire avec le consommateur bourgeois d'art, que certains représentants de l'intelligentsia progressiste prenaient pour une manifestation de révolutionnisme. Cependant, le travail de grands maîtres tels que, par exemple, Matisse, Picasso, Marquet et d'autres, a essentiellement dépassé le programme de ces tendances, parfois, comme dans le cas de Marquet, rompu avec le modernisme. Le désir de retrouver un lien avec la vie, de résoudre des problèmes sociaux majeurs a donné lieu à de douloureuses contradictions dans leur travail. Des éléments de réalisme, parfois cachés, parfois explicitement, ont fait leur chemin dans leur art à travers diverses méthodes déformantes de transmission de la réalité.

Fauvisme. Première mouvement artistique au XXe siècle, qui commençait à s'éloigner des principes du réalisme, était le fauvisme (de mot français"fauves", désignant des animaux d'une race prédatrice. Ce mot a été mal traduit par le terme "sauvage", qui a pris racine dans notre littérature). Le nom de "fauvistes" a été donné aux artistes qui, en 1905, se sont prononcés contre les méthodes et techniques picturales de l'impressionnisme, contre l'étroitesse d'esprit des goûts petits-bourgeois et la plausibilité naturaliste de l'art salopy. Cependant, ces peintres ont critiqué le naturalisme non pas à partir de positions réalistes, mais formalistes. Les Fauves n'avaient pas de programme esthétique commun, ils étaient unis par le caractère décoratif de la quête picturale, l'affirmation du droit de l'artiste à une vision subjective du monde (Marquet est une exception), et l'évitement de résoudre les problèmes sociaux. La protestation des artistes s'exprime dans la netteté délibérée des solutions compositionnelles, dans le primitivisme des formes, leur déformation plastique, dans le refus de la perspective linéaire et de la nature illusoire, dans l'expression des couleurs. Le groupe comprenait des artistes de diverses personnalités créatives: Matisse, rempli d'un rêve éternel de l'harmonie du monde, le poète réaliste cohérent de la nature Marquet, devenu un rationaliste froid Derain après l'effondrement du groupe, se distinguant par une perception expressive accrue du monde de Vlaminck, grotesque aigu et tragique des images de Rouault. Fauvisme seulement court instant artistes solidaires. Chacun des membres du groupe a suivi sa propre voie, changeant les principes et les techniques de création.

Futurisme. Le futurisme (du mot "futurum" - "futur") apparu en 1909, qui a existé jusque dans les années 1930, était aussi une forme franchement éloignée du réalisme, évoluant partiellement vers l'abstractionnisme. Dans le futurisme, la distorsion et la déformation de l'image monde réelétaient de nature subjective. Le groupement d'artistes futuristes qui est sorti en 1910 a déclaré que son objectif était la destruction de l'ancienne culture et l'incarnation dans l'art moderne du dynamisme de l'ère industrielle et des grandes villes capitalistes modernes. Les futuristes fétichisent la technologie des machines, opposent la machine à l'homme. Ils ont cherché à traduire en peinture la dynamique interne du sujet et la sursaturation de la conscience. l'homme moderne beaucoup d'impressions entrelacées. Ils ont proclamé le temps (la quatrième dimension) comme le principal facteur d'expression de la modernité, dont ils ont essayé de transmettre le sentiment dans l'image en fragmentant et en déformant l'image visuelle du monde réel dans la dynamique chaotique des rythmes, en fixant à plusieurs reprises les répétitions étapes du mouvement des corps dans l'espace. Les futuristes ont prédit l'effondrement art contemporain, ont vu quelque chose de nouveau non pas dans la réorganisation sociale de la vie de la société, mais dans le triomphe du technisme moderne, qui supprime l'homme. Le futurisme a trouvé son expression la plus frappante en Italie dans les œuvres de U. Boccioni, D. Severini, D. Balla, K. Carra - les auteurs de compositions agitées et chaotiques.

Les données de référence et biographiques de la "Planet Small Bay Painting Gallery" sont préparées sur la base des documents de "l'histoire de l'art étranger" (édité par M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), " Encyclopédie de l'artétranger art classique", "Grande Encyclopédie Russe".

FORMATION DU STYLE MODERNE DANS L'ART EUROPÉEN
ET SES CARACTERISTIQUES

(MODERN Partie 1)

À fin XIX siècle en Europe, un nouveau style artistique est né - moderne (latin modernus, français moderne - nouveau, moderne).
Une étape importante dans l'histoire de ce style, originaire de Belgique, a été l'ouverture à Paris - la capitale de l'époque beaux-Arts et avant-gardiste, en 1895, une salle d'exposition d'art moderne au nom symbolique "L`Art Nouveau" ("nouvel art").
En effet, il s'est avéré être un art nouveau, sensiblement différent de tous les styles artistiques précédents.
D'une part, l'Art nouveau cherchait à absorber tout ce qui avait déjà été accumulé par l'humanité dans le domaine de la création artistique, et d'autre part, à dire un tout nouveau mot dans l'art, à développer de nouvelles formes et images, à créer un style international unique. Le moderniste s'est parfaitement acquitté des tâches définies. Il avait vraiment un langage artistique commun, système unifié des moyens d'expression et astuces.

D'une grande importance pour le développement et l'approbation du style Art Nouveau ont été l'organisation de nombreuses expositions, articles et critiques dans des magazines d'art populaires, et des structures architecturales dans les villes dans un nouveau goût.
L'Art nouveau se "dissout" rapidement dans les publicités et les affiches, les photographies et les illustrations de livres, dans les vitraux colorés.

Les signes du nouveau style étaient facilement reconnaissables dans les compositions musicales et représentations théâtrales. Les objets usuels (meubles, vaisselle, papiers peints, tissus) et la mode de l'époque manifestent clairement les caractéristiques du style Art nouveau.

Maintenant, nier sa présence est devenu une question inutile et inutile.
Cependant, comme toujours, de nombreux critiques lui ont donné des noms très impartiaux - "nouveau style sucré", "style de nouilles dégingandées", "style de ténia".

La base du nouveau langage artistique était ligne - décoratif et dynamique, flexible et mobile, véhiculant l'énergie de la vie. La ligne en forme de S, empruntée au balancement des vagues de la mer et des algues, des papillons et des libellules flottants, des tiges et des fleurs de lys et d'iris cherchant la lumière, des cheveux de fille flottant au vent, a déterminé l'un des principaux traits distinctifs du style Art Nouveau - son ornementalité .

Maison et atelier Victor Horta
(Bruxelles, 1902):

architecte belge Victor Horta (dont le travail sera consacré partie séparée) a donné à cette ligne un nom expressif - "coup de fouet", et son compatriote Henri van de Velde a souligné que la ligne Art Nouveau se distingue par "souplesse et élasticité, capable de transmettre le courant d'énergie se précipitant des profondeurs naturelles ...".

Une ligne fluide, lisse et continue, rappelant une serpentine, remplissait les façades structures architecturales, les formes musicales, l'espace des peintures ou la scène théâtrale. Les débuts ornementaux de l'Art nouveau unissent presque tous les types d'art.

L'un des représentants éminents fleuri moderne est devenu un architecte français Hector Guimard (1867 - 1942), qui a créé son propre style, dit Guimard, ou "style métro", en architecture. Il se distinguait par la sophistication des formes bouclées et courbes, les motifs complexes, l'asymétrie et la violation des proportions naturelles. La ligne dans ses œuvres est devenue un élément particulier de l'organisation de l'espace, dépourvu de parallélisme et de symétrie.

En 1898, Guimard reçoit la commande de construire trois stations du métro parisien. objectif principal il vit son projet dans la conception de pavillons au sol. Pour la première fois, le décor floral, autrefois réservé à la décoration intérieure, devient la propriété de l'architecture. Des piliers de fer, peints d'un vert foncé rappelant le bronze ancien, servaient de support à l'entrée du métro. Des plexus métalliques de fleurs tropicales, des bouquets de plantes aquatiques, des lanternes en forme de tulipes rouge vif, émergeant de manière inattendue de l'asphalte, ont émerveillé le public.

Station de métro à Paris
conçu par Hector Guimard (c.1900):

L'ornementation du style Art nouveau s'explique par l'intérêt particulier des artistes pour l'exotisme de l'Orient, et en particulier pour art japonais. Des éléments ornés et bizarres de l'ornement arabe: arabesques, motifs de tapis orientaux, silhouettes de minarets et de mosquées musulmans, formes de vaisseaux - ont servi de point de départ au travail des artistes de l'Art nouveau. Des œuvres d'art oriental, ils ont hérité l'idée de compositions orientales, la beauté et la douceur de la ligne, la priorité du vide (amor vacui - amour du vide).

La base de l'esthétique originale et vibrante de l'Art nouveau était l'idée de synthèse artistique , le désir de créer un style unifié en architecture, graphisme, peinture et design. Le travail de la plupart des maîtres modernes se distinguait par sa polyvalence. Ils pouvaient presque tout faire.

L'intérieur de "La Pedrera" créé par le grand Antoine Gaudí :

Un trait caractéristique du style Art nouveau était sa Fonctionnalité , c'est-à-dire se concentrer sur l'utilisation dans la vie quotidienne. L'art était confronté à la tâche de créer un environnement beau et confortable dans lequel la vie quotidienne de chaque personne pouvait se dérouler. « Art for All » s'est efforcé d'utiliser des matériaux économiques : le verre, le béton et le métal. Par exemple, les manufactures de verre créaient non seulement des œuvres individuelles hautement artistiques, mais également des produits de masse en série dont la qualité ne leur était pas inférieure.

Sur le tournant du XIX- L'Art Nouveau du XXe siècle a presque tout embrassé pays européens. Il a fait un pas vers le continent américain, où il a reçu une diffusion assez large.
Dans chacun des pays, il a acquis son propre nom : "Art Nouveau" - en France et en Belgique, "Art Nouveau" en Allemagne ; Secession - en Autriche, Liberty - en Italie, Modern Style - en Angleterre, Modernissimo - en Espagne, Tiffany - aux États-Unis, Modern - en Russie.

Dans chaque culture nationale il a laissé une marque lumineuse et visible.
Ayant absorbé l'esprit de ses temps turbulents, l'Art nouveau a duré jusqu'au déclenchement de la Première Guerre mondiale, ayant un impact énorme sur le développement ultérieur de l'art.
Jusqu'au milieu du XXe siècle, ils l'ont oublié ou en ont parlé comme d'un mauvais goût absurde. Mais depuis les années 1950, les bilans ont été revus et la redécouverte de la modernité est venue.

La partie suivante sera consacrée à l'Art nouveau en architecture et à l'œuvre de Victor Horta.

Pour que, à suivre.

Merci de votre attention.
Sergueï Vorobiev.

Le concept même d'Art Nouveau, ou, comme on l'appelle aussi, Art Nouveau, signifie littéralement "nouveau", "nouvel art". À une époque où l'industrie se développe rapidement la créativité artistique a également subi des modifications. Le désir de nouveauté s'exprime dans une rébellion contre les fondements séculaires du monde de l'art, où il n'y a pas de place pour l'éclat et l'originalité. Tout obéissait aux lois strictes du style et de la composition, que les anciens maîtres laissèrent en héritage.

L'émergence du style

En règle générale, la plupart des artistes travaillaient de manière réaliste. Ils ont représenté des scènes de Vie courante et la réalité environnante, tandis que l'artiste moderniste a cherché à utiliser son imagination. Il a été guidé principalement par sa perception du monde, au lieu de simplement copier ce qu'il voit. Il ne pouvait pas s'exprimer dans le cadre de l'art traditionnel. Par conséquent, il a créé son propre style, qui ne s'appuyait pas sur l'expérience du passé, était original et a changé l'idée même de la beauté.

Nous sommes habitués à percevoir l'Art nouveau exclusivement comme un produit du XXe siècle. Cependant, une base solide a été posée par des artistes modernistes du XIXe siècle, tels qu'Edouard Manet, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Aubrey Beardsley, Edvard Munch, Paul Cezanne et d'autres. Ce sont leurs œuvres qui ont donné à la modernité le chemin de la vie.

"Sécession" de Vienne

À différents coins L'Europe s'est modernisée différentes formes et s'exprime de différentes manières. L'Autriche a donné au monde l'un des artistes modernistes les plus célèbres et les plus reconnaissables du XXe siècle. Il s'agit de Gustav Klimt. Ses œuvres ornementales, symboliques et vibrantes ne peuvent être confondues avec personne d'autre. Ils attirent l'attention avec une abondance de couleur dorée et de motifs luxuriants.

Mais Klimt était loin d'être le seul artiste moderniste en Autriche. En 1897, il réunit des créateurs innovants locaux dans une communauté appelée la Sécession viennoise. Il s'oppose au conservatisme et à l'académisme dans la créativité. En plus de Gustav Klimt, il comprenait Joseph Hofmann, Koloman Moser, Max Kurzweil, Joseph Maria Olbrich et d'autres artistes et architectes.

Le pavillon d'exposition a été conçu et construit par les membres de l'association. Le projet a été mené par Olbrich et les intérieurs ont été pensés par Moser. La première exposition y eut lieu en 1898. Grâce également à la "Sécession", Vienne s'est familiarisée avec les œuvres des impressionnistes.

Un autre artiste autrichien, pour une raison quelconque, peu connu, mais non moins important pour l'ère moderne, Joseph Maria Auchentaller. Son activité créatrice était très étendue. Il était peintre, graphiste, illustrateur, graveur, bijoutier et photographe, engagé dans le design textile. Il rejoint également la Sécession viennoise.

Le slogan des artistes modernistes autrichiens était les mots du critique Ludwig Hevesi : "Une époque a son propre art, l'art a sa propre liberté."

Si différent

L'Art nouveau en Grande-Bretagne apparaît dans le graphisme des livres dès la fin du XIXe siècle, lorsque l'artiste Aubrey Beardsley illustre le roman Le Morte d'Arthur à sa manière inimitable. Ses illustrations en noir et blanc se distinguaient par l'élégance des formes et le raffinement des lignes.

Il convient de mentionner Charles Mackintosh, qui a contribué au développement de l'Art nouveau dans l'architecture britannique.

L'Allemagne et la Scandinavie sont connues pour leur Art nouveau. Dans ce document, l'architecture combine la peinture et les arts et métiers en un tout harmonieux. Il se caractérise par la douceur et la fluidité des lignes, les vitraux aux ornements floraux en forme de lys et d'iris, le métal forgé, les larges fenêtres, la couleur dorée. Parmi les architectes modernistes célèbres figuraient Bruno Julius Florian Taut, Peter Behrens, August Endel.

Aux États-Unis, l'Art nouveau s'exprime dans l'art du vitrail. Le designer et artiste verrier américain Louis Comfort Tiffany a réalisé des vases et des lampes en forme de fleur, qu'il a décorés avec du verre de sa propre fabrication. Le matériau se distinguait par une teinte irisée et gagnait en popularité. Les vitraux de Tiffany n'ont pas perdu leur gloire à ce jour.

Alphonse Mucha

Alphonse Mucha occupe une place à part dans l'Art nouveau et dans le cœur de nombreux connaisseurs. L'artiste d'origine tchèque a acquis une renommée mondiale avec des affiches de théâtre et des affiches publicitaires de style Art nouveau ou Art nouveau. Fait intéressant, le jeune Fly a envoyé son travail dans une école d'art. Ils ont été renvoyés avec une note sur leur manque total de talent. Mais plus tard, alors qu'Alphonse peignait les murs du château comtal, le professeur de l'académie remarqua son travail et en fut ravi. Le comte Kuen s'engagea à payer ses études. C'est comme ça que ça a commencé manière créative artiste.

Grâce aux travaux d'Alphonse Mucha, le style Art nouveau est élevé au rang de culte. L'artiste crée et réalise des commandes en France, en Allemagne, aux USA. Lys, fleurs de cyclamen, iris sont devenus le symbole du style. Formes végétales et animales stylisées, aux lignes douces et fluides.

Le sujet préféré d'Alphonse Mucha était la silhouette gracieuse d'une belle femme, entourée de fleurs et d'ornements. En plus des affiches et des illustrations, l'artiste moderniste Mukha était engagé dans le design d'intérieur et les bijoux, a écrit des traités sur l'art. A Paris, lors de l'Exposition Universelle des Arts et Métiers, Alphonse Mucha a été déclaré le représentant le plus remarquable de l'Art Nouveau.

Modernistes de l'âge d'argent

L'apparition de l'Art nouveau en Russie coïncide approximativement avec le début Âge d'argent Dans la littérature. Les premiers artistes modernistes russes à la fin des années 1880 ont formé un cercle appelé "Le Monde de l'Art".

Au début, la société était composée d'Alexander Benois, Lev Bakst, Eugene Lansere, Sergei Diaghilev et Konstantin Somov. Petit à petit, de plus en plus de participants les rejoignent.

Sergey Diaghilev est devenu le chef. Il a organisé des expositions et promu les artistes modernistes de l'âge d'argent sur le marché européen. Peu à peu, le cercle se transforme en une association créative. Il comprend toute la couleur de la peinture russe. La liste des noms d'artistes modernistes de l'âge d'argent est trop longue. Parmi eux, une place particulière était occupée par Mikhail Vrubel, Valentin Serov, Isaac Levitan, Mikhail Nesterov, Nicholas Roerich.

Maîtres de l'Art nouveau russe

Mikhail Aleksandrovich Vroubel mérite une mention spéciale. Il n'était pas seulement peintre, mais aussi décorateur, illustrateur de livres. Il a également peint des murs et des vitraux. L'un des motifs les plus célèbres de son œuvre est l'image du Démon, inspirée de la poésie de Lermontov.

Le personnage de Vroubel agit plus comme un héros lyrique souffrant que comme une formidable force destructrice. Dans le tableau "Seated Demon", cela est clairement indiqué par sa posture et ses yeux avides.

Toujours dans le travail de Vroubel, un parti pris pour le style folk était perceptible. Il comprend des peintures sur le thème des épopées et des contes de fées russes: "Pan", "Mikula Selyaninovich", "The Swan Princess", ainsi que des sujets religieux et iconographiques. Alexander Benois croyait que c'était Vroubel qui exprimait tous les côtés les plus beaux et les plus tristes de l'âge d'argent.

Avec Mikhail Alexandrovich, Mikhail Vasilyevich Nesterov était une figure importante du modernisme russe. Des motifs religieux avec des paysages de la nature nordique résonnent dans son œuvre. Il est surtout connu pour la peinture d'église. Par exemple, la mosaïque de la façade de l'église Saint-Pétersbourg de la Résurrection du Christ a été réalisée d'après ses croquis.

Un autre représentant bien connu des artistes modernistes russes est Nikolai Konstantinovich Roerich. Il a travaillé avec une productivité incroyable. Son héritage peintures a plus de sept mille. Au cours de sa vie, il a acquis une renommée mondiale.

Roerich a écrit ses peintures sur des sujets mythologiques, principalement slaves, dans des couleurs pures et intenses. L'une de ses œuvres les plus célèbres est "Invités d'outre-mer". Il est écrit en grands traits énergiques et en couleurs expressives. Il transmet clairement l'écoulement de l'eau et le mouvement de la voile.

L'évolution du modernisme

Aujourd'hui, sous le concept de "modernisme" s'unissent plusieurs courants artistiques. Ceux-ci incluent: le cubisme, l'abstractionnisme, l'impressionnisme, l'expressionnisme, le symbolisme, le dadaïsme, le fauvisme, le futurisme, le surréalisme, le postmodernisme. Chacun de ces domaines a son propre représentants éminents.

Certains associent la naissance du modernisme à l'apparition en 1863 en France du "Salon des Rejetés". Les impressionnistes y ont exposé leurs peintures. Leurs idées ont été rejetées par le fonctionnaire critique d'art Cependant, cela n'a fait que contribuer à la croissance de leur popularité. L'impressionnisme se traduit littéralement par "impression". Les artistes ont essayé de saisir la mobilité et l'évolutivité du monde, de donner leur opinion à son sujet.

Parmi les représentants les plus éminents figurent Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas, Auguste Renoir, Paul Cézanne.

La figure principale du cubisme est Pablo Picasso. Le cubisme se caractérise par la division de l'image en formes conditionnelles et figures primitives.

L'abstractionnisme est étroitement associé à Wassily Kandinsky. La particularité de ce style est combinaison harmonieuse formes géométriques et taches de couleur. En même temps, chaque nuance était symbolique et portait une certaine charge sémantique.

Kandinsky a identifié l'art abstrait avec la musique. Dans l'un de ses traités, il écrit : « Un artiste est une main qui, à l'aide d'une touche ou d'une autre, fait l'âme humaine vibrer".

Modernisme tardif

Le surréalisme - une manifestation ultérieure du modernisme - est apparu dans les années 20 du siècle dernier et s'est largement fait connaître grâce aux œuvres excentriques de Salvador Dali. Ce genre est une envolée illimitée de l'imagination. Le choc du réel et de l'irréel.

Le symbolisme est peut-être la première manifestation de l'Art Nouveau. Le style est né dans les années 1870. Le symbolisme est un concept large qui s'applique non seulement à la peinture, mais aussi à la musique et à la littérature. Les symbolistes ont activement expérimenté des moyens et des thèmes artistiques. Ce style était également populaire parmi les peintres russes. Son éminent représentant était Viktor Borisov-Musatov.

Le fauvisme appartient peinture française. La luminosité des couleurs, le dynamisme des traits, les formes généralisées - telles sont les principales caractéristiques du fauvisme. Henri Matisse est considéré comme la figure principale de ce style. Bien que le terme "fauvisme" soit traduit du français par "sauvage", les adeptes du style eux-mêmes ne reconnaissaient pas cette définition.

Le futurisme se positionne comme l'art du futur. Il a été largement diffusé en Italie et en Russie. Il est parti du développement technologique et urbain du monde, a cherché à en exprimer la beauté et la dynamique. Techniques artistiques le futurisme s'apparente au fauvisme et à l'abstractionnisme. Mais l'accent principal est mis sur la transmission du rythme et du mouvement Vie moderne. Le futurisme russe a un destin très tragique. Certains de ses représentants, par exemple Igor Terentyev, ont été abattus, certains ont été envoyés en exil, les autres ont été oubliés.

Le dadaïsme était un collage de journaux et coupures de magazines. En tant que style indépendant, il n'a pas duré longtemps et a fusionné avec le surréalisme et l'expressionnisme.

L'expressionnisme et l'expressionnisme abstrait visent à transmettre état émotionnel l'artiste ou son impression de telle ou telle chose, personne et événement. Et bien que le terme soit largement utilisé, il n'y avait pas de mouvement artistique spécifique sous ce nom.

Le dernier développement du modernisme est le postmodernisme. Ce fut la dernière révolution esthétique en Europe au milieu du XXe siècle. caractéristique principale il devient un composé d'éléments différentes cultures- Orient, Afrique, Inde, Amérique occidentale, culture européenne. Le postmodernisme était composé de groupes d'étudiants qui cherchaient à introduire une nouvelle super-idée dans la société de consommation. Mais en fait c'était une sorte de rébellion esthétique. Les représentants les plus éminents du style sont Joseph Beuys et Sandro Chia.

Les tableaux les plus significatifs

Parmi toute la diversité créative, on peut distinguer le plus peintures importantes artistes célèbres-les modernistes, qui sont devenus un exemple du style émergent et des branches de son développement.

Le premier sera peut-être le tableau "Petit déjeuner sur l'herbe" d'Edouard Manet. Elle était si atypique pour son époque, ne rentrait dans aucun cadre de la peinture traditionnelle à tel point qu'elle n'a pas été acceptée pour une exposition officielle au Salon de Paris et a été ridiculisée par la critique. Néanmoins, Manet l'expose au Salon des Rejetées. Là, elle a marqué une nouvelle ère dans l'art, dépourvue de peur de l'expression de soi.

Le deuxième exemple, plus tardif, d'une révolution dans la créativité, était le tableau de Pablo Picasso "Les filles d'Avignon". Par la suite, elle a reçu le statut d'icône du modernisme. Picasso lui-même a écrit à propos de sa peinture qu'il ne représente pas un objet, mais son attitude à son égard.

Et le troisième d'affilée, mais sans importance, est l'image de l'artiste moderniste russe Kazimir Malevich "Black Square". Elle est si célèbre qu'elle n'a pas besoin d'être présentée. C'est une sorte d'icône des artistes modernistes russes du XXe siècle. A cette époque, le style était fragmenté et prenait des formes bizarres.

Pour Malevitch lui-même, l'image est devenue le point de départ, la transition vers nouveau niveau créativité non-objective, qu'il appela « suprématisme ». Cette nouveau styleétait une combinaison de formes géométriques simples ordonnées. Kazimir Malevich a appelé son "Carré noir" le premier pas vers la pure créativité.

Conclusion

Si je devais faire liste complète artistes modernistes, ceux qui sont en quelque sorte liés au développement du style, alors la portée de cet article ne serait clairement pas suffisante. Car il est si grand qu'il suffit pour un livre entier.

Il est difficile de surestimer la véritable révolution mondiale de l'art que les artistes modernistes et leurs peintures ont produites. Ils ont forcé la société à regarder le monde d'une manière nouvelle. Y voir d'autres couleurs, formes et contenus.

Au début du XXe siècle, toutes les valeurs héritage culturel années passées ont été révisées, certaines laissées pour compte au cours du siècle passé. Le monde est en proie au changement. Cela a été facilité par l'élégant Art nouveau viennois, l'Art nouveau français raffiné et les idées postmodernes dans l'expression créative de soi.

Merci aux créateurs du monde arts visuels changé à jamais, est devenu plus ouvert, libre, nouveau. Désormais, les amateurs d'art peuvent regarder pendant des siècles développement artistique du passé.

L'Art Nouveau, alias Art Nouveau, est définitivement mon style préféré. De plus, la conception de mon site, selon toutes les indications, est faite dans le style de l'Art Nouveau, comme il s'est avéré. Ceci et Couleur bleue, et ornements floraux, et la saturation de la composition, et l'abondance de lignes lisses. Moderne très style intéressant en termes d'application dans la peinture, l'architecture, la décoration intérieure. C'est grâce à cette caractéristique pratique de s'étendre à des domaines connexes de l'art que l'Art nouveau connaît aujourd'hui une renaissance. À tout le moins, il est très pratique de décorer le cadre de vie dans le même style, de la clôture à l'entrée à la couverture du livre.

(du français moderne - moderne) - direction artistique dans l'art. Les représentants de la modernité étaient unis par le mouvement anti-éclectique - la volonté d'opposer leur travail à l'éclectisme de la période précédente. Ses traits distinctifs sont le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles et naturelles, l'intérêt pour les nouvelles technologies (par exemple, en architecture), les éléments d'art appliqué.

À différents pays le style Art Nouveau s'appelait différemment: aux États-Unis - tiffany (du nom de L.K. Tiffany), en France - Art Nouveau (fr. art nouveau, art nouveau), en Allemagne - Jugendstil (Jugendstil allemand, style jeune), en Autriche - Style sécession (Secessionsstil), en Angleterre - style moderne (style moderne, style moderne), en Italie - style Liberty, en Espagne - Modernismo, aux Pays-Bas - Nieuwe Kunst, en Suisse - style épicéa (style sapin).

La période de l'Art nouveau est relativement courte, elle a des limites chronologiques assez nettes : de la fin des années 1880 à 1914, début de la Première Guerre mondiale, qui interrompt le développement naturel de l'art dans la plupart des pays européens. Au cours de la période moderne, il y a eu une refonte rapide de l'ancien formes d'art et réceptions, rapprochement et fusion diverses sortes et les genres artistiques. Les artistes de l'Art nouveau ont audacieusement brisé les normes et les limites habituelles. Le contenu principal de la période moderne était le désir de découvrir de nouvelles méthodes, styles, formes, synthèse de diverses sources.

Les artistes de l'Art nouveau ont utilisé diverses formes dans leur travail: archaïque grec, art crétois-mycénien, classiques anciens, art exotique de la Chine et du Japon, gothique et Renaissance, art étrusque et rococo français. L'ornement est devenu l'un des principaux moyens d'expression et de formation de style de l'art moderne. Le désir d'intégrité, de plasticité des éléments externes et internes, décoratifs et structurels de la composition, de la dynamique et de la fluidité des formes est caractéristiques distinctives style moderne.

Les représentants de l'Art nouveau se sont efforcés d'une unité stylistique rationnelle, de sorte que les peintures et les treillages décorant les murs correspondent aux meubles, verres, couverts, ainsi qu'aux vêtements, bijoux et, en général, à tout ce qui se trouve dans l'espace qu'ils ont conçu. Dans l'Art nouveau, il y a une image décorative et bidimensionnelle, le déroulement de lignes flexibles sinueuses, de motifs plans. Et peu importe qu'un tel décor soit destiné à une couverture de livre ou à la façade d'un immeuble.

Aux origines de l'Art nouveau français se trouvaient Paul Gauguin et les artistes de son entourage. Henri de Toulouse-Lautrec est également le maître le plus célèbre de l'Art nouveau en France. Rôle important le développement de l'Art nouveau en France a été joué par l'architecte Hector Guimard, le joaillier René et l'artiste verrier et mobilier Emile Gallé. Une place importante dans l'art de l'Art Nouveau appartient aux célèbres architectes belges Henri van de Velde et Victor Horta. En Espagne, l'architecte Antoni Gaudí était le plus individuel et version originale Art Nouveau.

En Grande-Bretagne, des traits caractéristiques du nouveau style apparaissent dans la conception des livres dès le début des années 1880. Un des plus graphistes célèbres L'Art nouveau était Aubrey Beardsley, ses dessins excentriques illustraient des œuvres littéraires. L'un des principaux représentants de l'Art nouveau en Grande-Bretagne était C. R. McIntosh, un architecte et designer écossais qui a exécuté une variété de ouvrages d'art- des projets architecturaux aux croquis de papier peint et d'argenterie. Le travail de Macintosh a eu un impact énorme sur le développement de l'architecture et de l'art européens.

Aux États-Unis, l'architecte Louis Sullivan a utilisé l'ornementation Art nouveau pour décorer les façades des bâtiments qu'il a conçus. Le principal représentant de l'Art nouveau était Louis Comfort Tiffany, peintre et artiste verrier. Il a inventé un verre irisé unique qu'il a appelé favrile et utilisé dans ses célèbres vases et lampes en forme de fleur.

En outre, les artistes suivants peuvent être qualifiés de représentants de la modernité - Ferdinand Hodler, Jan Torop,

A la fin du XIXème siècle. un nouveau style apparaît dans l'art, dont les adeptes tentent de s'éloigner de l'historicisme et de l'éclectisme de l'art moderne. Ce style s'appelait moderne (du latin modernus - le dernier, moderne).

L'Art nouveau s'est manifesté le plus clairement dans l'architecture, la conception de livres et l'art de l'affiche. Il a également touché à la sculpture et à la peinture.

Pour la première fois, le nouveau style s'est déclaré en Angleterre. Dans d'autres pays d'Europe occidentale, l'Art nouveau prend forme dans les années 1880. En France, il s'appelait "Art Nouveau", en Allemagne - "Jugendstil", en Autriche - "Sécession", en Italie - "Liberté", en Espagne - "Modernismo", en Pologne - "Sécession".

L'apparition d'un tel art a largement prédéterminé le travail de W. Morris, J. Ruskin, les préraphaélites et les graphistes anglais W. Blake et W. Crane.

La peinture Art nouveau se caractérise par la décoration extérieure, la stylisation, l'ornementation plane. Souvent, les artistes dans leurs œuvres utilisaient motifs végétaux. Les tiges, les feuilles et les fleurs de plantes exotiques apparemment fanées étaient tissées dans un motif bizarre, dans lequel des figures de femmes ou de créatures fantastiques apparaissaient parfois. Des lignes de contour lisses, des figures allongées, des plans de couleur reliant (souvent monochromes) ont rendu l'image très efficace. Grâce à de telles qualités, le langage pictural de l'Art nouveau a souvent été utilisé par les symbolistes pour incarner leurs idées et leurs images.

Les noms d'artistes célèbres tels que P. Gauguin, P. Bonnard, M. Denis, E. Vuillard, P. Serusier en France, E. Munch en Norvège, F. Hodler en Suisse, G. Klimt en Autriche, sont associés à art nouveau F. von Stuck en Allemagne.
O. Beardsley était un représentant éminent de l'Art nouveau dans le graphisme des livres.

Aubrey Beardsley

Aubrey Vincent Beardsley est né en 1872 dans une riche famille anglaise. En 1891, il entre à la F. Brown Westminster Art School. Pendant son temps libre, le jeune artiste fréquente les musées et galeries de Londres. Il a été très impressionné par l'art de A. Durer, Michelangelo, S. Botticelli. Beardsley était particulièrement admiré par les gravures d'A. Mantegna, dont il fit des copies.

Influence significative sur la formation style artistique Beardsley a été influencé par l'art de la gravure japonaise, œuvre des peintres français du XVIIIe siècle. et les œuvres du préraphaélite E. Burne-Jones. Un peu plus tard, son attention est attirée par les travaux de C. Lorrain, A. Watteau, P. Prudhon, J. Callot et G. Moreau.

À la fin de 1891, la vraie renommée est venue à Beardsley. Le plus grand travail de cette période était une série d'illustrations pour The Tales of King Arthur de John Dent. La même année, l'artiste rencontre E. Burne-Jones, dont il a toujours admiré l'art.

Depuis 1893, Beardsley travaille sur des illustrations pour des magazines, dont certains sont publiés sous sa direction (The Yellow Book, 1894-1895, avec H. Harland ; The Savoy, 1896, avec A. Simons), et crée également dessins pour livres (illustrations pour "La Mort d'Arthur" de T. Malory, 1893-1894 ; pour "Salomé" d'O. Wilde, 1894 ; pour les histoires d'E. Poe ; pour "L'Enlèvement de l'écluse" d'A . Puop, 1896 ; esquisse pour la couverture et l'écran de démarrage du roman "Scènes La vie parisienne» O. Balzac, 1897 ; illustrations pour "Volpone" par B. Johnson, 1897). Dans ces œuvres un peu frivoles et élégantes, l'influence de la gravure française du XVIIIe siècle est perceptible.

Avec la popularité vient à Beardsley bien-être matériel. Mais cela ne le sauve pas d'une maladie grave - la tuberculose, qui tourmente l'artiste depuis son enfance. D'où la profonde tragédie qui imprègne les illustrations de Beardsley pour The Fall of the House of Escher de Poe.

Dessins érotiques de Beardsley à " histoire vraie Lucian" provoque le ressentiment des cercles officiels. Ces illustrations en 1895 sont devenues la raison du départ de l'artiste du Livre jaune.

En 1896, Beardsley se rendit dans une station balnéaire d'Ipsom pour se faire soigner. La même année, il crée des illustrations très spirituelles et érotiques pour Lysistrata d'Aristophane, ainsi que pour la satire de Juvénal. Deux ans plus tard, l'artiste mourant va supplier l'éditeur de détruire les dessins frivoles, mais, heureusement, ce dernier n'a pas accédé à la demande et nous a réservé les merveilleuses créations du graphiste anglais.

O. Beardsley. Couverture du magazine Savoy. 1896
O. Beardsley. Toilette. Illustration pour le poème de A. Puop "L'enlèvement d'une boucle". 1896

Dans un certain nombre d'œuvres de Beardsley, l'intérêt pour les sujets religieux et mystiques est perceptible. La passion pour les sciences occultes se reflète dans le dessin, intitulé par l'auteur "A propos du néophyte, ou Comment il fut initié à la magie noire par le démon Asomuel" (1893). Le nom du démon, personnifiant l'insomnie, a été inventé par Beardsley lui-même.

Non moins mystérieux est le dessin "Baiser de Judas" (1893), qui témoigne de l'intérêt de l'artiste pour le monde spirituel et intérieur de l'homme. Ces mêmes motifs sont présents dans d'autres œuvres de Beardsley.

Aubrey Beardsley, qui a vécu très courte vie(il mourut en 1898), a profondément marqué l'art européen. Raffiné et fragile, mais en même temps, les dessins ironiques et vivants du graphisme anglais ont eu une grande influence sur les maîtres des générations suivantes.

Gustave Klimt

Gustav Klimt, peintre, graphiste et décorateur autrichien, représentant majeur de l'Art nouveau viennois, est né en 1862 à Vienne.

En 1876-1883. Klimt a étudié à l'École des métiers d'art de Vienne avec le peintre F. Laufberger. Ses premiers tableaux sont des compositions historiques qui reflètent l'influence de l'art académique.

Avec H. Makart, Klimt s'est engagé dans des décors monumentaux. Parmi ces œuvres figure un panneau pittoresque de l'escalier du Musée d'histoire de l'art de Vienne (1891). Cette œuvre, comme les compositions allégoriques des années 1890. (« Love », 1895), rappelant la peinture des artistes symbolistes J. Toorop et F. Knopf.

La Sécession, une association d'artistes et d'architectes qui a rejeté les traditions de l'art académique, a joué un rôle important dans le développement de l'Art nouveau viennois (Art nouveau). En 1897, Klimt devient président de la Sécession. Au début des années 1900 l'artiste, exécutant la commande du ministère de la Culture, a créé trois panneaux monumentaux pour la salle de réunion de l'Université de Vienne ("Philosophie", 1900 ; "Médecine", 1901 ; "Jurisprudence", 1903). Malheureusement, pendant la Seconde Guerre mondiale, les trois panneaux ont été détruits. Dans ces œuvres, les caractéristiques de l'Art nouveau se manifestent clairement : asymétrie construction compositionnelle, fantaisiste, rappelant un ornement complexe d'entrelacs de corps humains nus. L'érotisme pur de ces œuvres de Klimt, ainsi que l'esprit pessimiste qui les imprégnait, sont devenus la raison du rejet du panneau par les professeurs de l'université.

Klimt apparaît comme un artiste mature avec un style d'écriture bien établi dans La Frise Beethoven (1902), qui a été incluse dans l'ensemble monumental du bâtiment de la Sécession. Cette œuvre exprimait la tentative du maître d'interpréter la Neuvième Symphonie de Beethoven à l'aide d'images picturales et allégoriques. Le rythme des figures allongées de la "Frise Beethoven" ressemble à un tempo changeant morceau de musique. Les vêtements des personnes représentées dans les peintures, ainsi que l'arrière-plan, sont recouverts de lignes ornementales bizarres et de couleurs scintillantes d'or et d'argent. La mosaïque de la salle à manger du palais Stoclet à Bruxelles, créée par Klimt en 1911, a été réalisée dans le même style.

Les peintures peintes par Klimt dans les années 1900 se caractérisent par une combinaison de modélisation tridimensionnelle de figures humaines avec une ornementation plane. L'artiste recouvre des parties du corps humain nu de mosaïques lumineuses et de motifs dorés. Les visages et les corps semblent apparaître à travers des spirales, figures géométriques, fleurs fantaisistes et tiges de plantes exotiques. Les tableaux "Judith" (1901), "Le Baiser" (1907-1908), "Trois Âges" (1908), "Salomé" (1909) ont été exécutés de cette manière.

G.Klimt. Judith. 1901
G.Klimt. Trois âges. 1908

Dans les années 1910 La peinture de Klimt change quelque peu : l'abondance d'or disparaît, l'expression apparaît dans les images. Telles sont les compositions symboliques "Girl" (1913), "Bride" (1917-1918).

Les paysages de Klimt ont également été exécutés dans le style Art nouveau (Champ de coquelicots, 1907 ; Palais au bord de l'eau, 1908 ; Allée dans le parc, 1912).
Gustav Klimt est mort en 1918 à Vienne.

L'Art nouveau a également fonctionné artiste allemand M.Klinger.

Max Klinger

Le peintre, graphiste, sculpteur allemand Max Klinger est né à Leipzig en 1857. Il a étudié à l'école d'art de Leipzig avec le célèbre maître F. Brouwer. En 1874-1875. il a poursuivi ses études à Karlsruhe à l'Académie des Arts sous K. Gussov, et en 1876, il a commencé à fréquenter l'Académie de Berlin. A vécu et travaillé à Leipzig, Berlin. En 1879, il visite Karlsbad, Munich, Bruxelles, où il étudie dans l'atelier de E. H. Wouters.

Depuis 1881, l'artiste a vécu à Berlin, et depuis 1883 - à proximité de la capitale allemande à la Villa Albers. En 1867, Klinger, avec A. Böcklin, visite Paris, et en 1886-1889. - Italie. En 1892, il devient l'un des fondateurs de la Société des artistes de Berlin, puis rejoint la Sécession munichoise. Depuis 1897, Klinger est professeur de graphisme à l'Académie des Arts de Leipzig.

Les premières œuvres de l'artiste sont marquées par l'influence de la peinture académique. Durant ces années (fin des années 1870) il peint des tableaux sur des sujets antiques et historiques (« Chute au Mur », 1878 ; « Mort de César », 1879).

Dans les années 1880 Klinger a commencé à créer des œuvres à contenu symbolique. Dès lors, les images allégoriques ou fantastiques prédominent dans sa peinture (« Le dieu marin dans la vague du ressac », 1884-1885). Ses peintures rappellent les toiles de G. von Mare, A. Böcklin, A. Feuerbach. La proximité de Feuerbach avec l'art est attestée, par exemple, par la "Mission" de Klinger, réalisée en 1880. L'artiste a représenté de manière naturaliste et quelque peu théâtrale sur sa toile une femme nue assise au bord de la mer, à côté de laquelle se tiennent un corbeau et un héron.

Les paysages de Klinger "Evening" (1882), "Mountain Gorge" (1884), "Summer Landscape" (1884-1885) sont réalisés sous la forme d'un panneau allongé (très typique de la peinture symboliste).

Le peintre s'est toujours intéressé au thème de la fugacité de la vie terrestre et de l'inévitabilité de la mort. De tels motifs ont souvent fasciné non seulement les artistes contemporains, mais aussi les maîtres des époques passées. Dans l'esprit de l'art de la Renaissance, les peintures "Tombstone Lament" (1890), "Crucifixion" (1890) ont été peintes. La légende de l'âge d'or - l'époque où tout le monde était heureux et vivait en harmonie avec la nature - se reflétait dans des œuvres de Klinger telles que "L'heure bleue" (1890), "Le printemps" (1891-1892), le triptyque « Souvenirs de Paris » (1908). Ces toiles montrent au spectateur les figures de beaux jeunes hommes et femmes, personnifiant les temps passés. La partie inférieure du triptyque "Mémoires de Paris" a été décorée par l'artiste d'ornements sculpturaux, exprimant ainsi l'idée d'unir différents types d'arts, inhérente à l'esthétique du symbolisme.

D'un grand intérêt est un autre triptyque Klinger - "Christ sur l'Olympe" (1897). L'artiste interférera avec les héros de l'histoire chrétienne à l'époque antique, plaçant le principe divin au premier plan. Cette œuvre témoigne de l'évolution des techniques picturales de l'auteur : désormais rôle principal dans la création d'une image, les contours et les taches de couleur jouent, à l'aide desquels Klinger modélise les volumes.

La recherche de nouveaux moyens artistiques se reflète également dans les œuvres sculpturales de Klinger, dans lesquelles le maître combine différents types de marbre avec de l'or et de l'ivoire ; recouvre les sculptures de peinture (Salomé, 1893 ; Beethoven, 1902).

Une place non négligeable dans l'œuvre de Klinger est occupée par les œuvres graphiques : affiches pour les expositions de la Sécession et belles gravures (série « Le Gant », 1881).

L'artiste mourut en 1920. Son œuvre joua un grand rôle dans le développement de l'Art Nouveau.

Comme mentionné ci-dessus, la vie moderne est étroitement liée au symbolisme. De nombreux artistes qui ont travaillé dans le style Art nouveau, à différentes étapes de leur travail, étaient friands des idées de symbolisme.