artistes célèbres, sculpteurs, graphistes

Aïvazovski Ivan Constantinovitch(1817–1900) - Peintre russe, maître du paysage marin ("La neuvième vague", "La mer Noire").

Borovikovsky Vladimir Lukich(1757–1825) - Portraitiste russe et ukrainien, sentimental (portraits de M. I. Lopukhina, A. B. Kurakin).

Bosch (Bos van Aken) Hieronymus (Hieronymus)(c. 1460-1516) - Peintre hollandais, l'un des plus grands maîtres de la Renaissance du Nord.

Botticelli Sandro (Alessandro di Mariano di Vani Filipepi)(1445-1510) - le plus grand peintre italien du début de la Renaissance.

Brueghel l'Ancien Pierre ("Paysan")(vers 1525-1569) - Peintre et graphiste flamand, maître du paysage et des scènes de genre.

Brioullov Karl Pavlovitch(1799-1852) - Peintre russe, dessinateur, maître des toiles dramatiques tendues ("Le dernier jour de Pompéi") et des portraits d'apparat ("Cavalière").

Van GoghVincent(1853-1890) - Peintre hollandais, représentant du post-impressionnisme. Ses peintures se caractérisent par des contrastes de couleurs, un rythme impétueux. Il crée des images tragiques d'une manière douloureusement tendue, extrêmement expressive, bâtie sur des contrastes de couleur, un rythme impétueux, sur la dynamique libre d'un trait pâteux (« Café de nuit », « Paysage à Auvers après la pluie »).

Antoine Van Dyck (1599-1641) - Peintre flamand, virtuose de la peinture, élève de Rubens. Ses œuvres sont empreintes d'une noble spiritualité ("Autoportrait").

Van Eik Jan(vers 1385 ou 1390-1441) - Peintre flamand du début de la Renaissance, maître du portrait, auteur de plus de 100 compositions sur des sujets religieux, l'un des premiers artistes à maîtriser la technique de la peinture à l'huile.

Vasnetsov Viktor Mikhaïlovitch(1848–1926) - Artiste itinérant russe. Il a créé des toiles sur les thèmes des épopées et des contes de fées russes ("Alyonushka", "Trois héros").

Watteau Antoine(1684-1721) - Artiste français, maître de la peinture de genre.

Velasquez Diego (Velasquez Rodriguez de Silva)(1599–1660) - peintre espagnol Les toiles de Velazquez ("Petit déjeuner", "Remise de Breda") se distinguent par un sens de l'harmonie, de la subtilité et de la saturation des couleurs.

Venetsianov Alexeï Gavrilovitch(1780–1847) - Peintre russe. La plupart de ses œuvres - sur les thèmes de la vie paysanne, sont écrites d'après nature.

Vereshchagin Vasily Vasilievich(1842–1904) - Peintre de bataille russe. Dans ses œuvres, il a montré les horreurs de la guerre ("L'apothéose de la guerre"). Mort dans l'explosion du cuirassé Petropavlovsk à Port Arthur.

Wermeer Jan Delft(1632-1675) - Peintre hollandais, qui se distingue par sa perception poétique de la vie quotidienne ("Fille lisant une lettre").

Véronèse (Cagliari) Paolo(1528-1588) - Peintre italien de la Renaissance. Les peintures qu'il a créées se distinguent par la fête et la sophistication.

Vroubel Mikhaïl Alexandrovitch(1856–1910) - Peintre russe de l'âge d'argent Il gravite vers la généralisation philosophique, la tragédie, la compréhension symbolique de l'intrigue ("Princess Dream", "Demon").

Vuchetitch Evgueni Viktorovitch(1908–1974) - Sculpteur soviétique russe (figure de la patrie sur Mamaev Kurgan à Volgograd).

Ge Nikolaï Nikolaïevitch(1831–1894) - célèbre peintre russe, maître des portraits, des peintures historiques et religieuses ("La Cène", "Pierre Ier interroge le tsarévitch Alexei Petrovich à Peterhof", "Qu'est-ce que la vérité?").

Gainsborough Thomas(1727–1788) - Peintre, graphiste, portraitiste et paysagiste anglais.

Gauguin Eugène Henri Paul(1848–1903) - Peintre, sculpteur céramiste et graphiste français. Avec Cézanne et Van Gogh, il est considéré comme le plus grand représentant du post-impressionnisme.

Goya Francisco José de(1746–1828) - Peintre et graphiste espagnol, innovateur audacieux de la forme. Parmi ses œuvres figurent des fresques, des peintures ("Nude Maja"), une série de gravures ("Caprichos").

Greco (Le Greco)(Doménikos Theotokopoulos) (1541-1614 ) - Peintre espagnol d'origine grecque, dont les oeuvres se caractérisent par l'exaltation mystique ("Portrait de l'Inquisiteur").

David Jacques Louis(1748–1825) - Peintre français, partisan de l'école classique de peinture ("Serment des Horaces").

Dalí Salvador(1904–1989) - Artiste espagnol, l'un des représentants les plus éminents du surréalisme. Dans ses peintures, il a donné une authenticité visible à des situations et des combinaisons d'objets non naturelles.

Degas Edgard ( 1834–1917) - Peintre impressionniste français, maître du pastel ("Danseuses bleues").

Delacroix Eugène ( 1798–1863) - Peintre et graphiste français, chef du romantisme français ("La Liberté guidant le peuple").

Giorgione(1477–1510) - Peintre italien, l'un des fondateurs de l'art de la Haute Renaissance ("Vénus endormie", "Judith").

Giotto de Bondone(1266–1337) - Artiste italien, fondateur de la peinture moderne ("Lamentation du Christ").

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) ( 1386–1466) - Sculpteur italien, l'un des "pères" de la Renaissance.

Dürer Albrecht(1471-1528) - Peintre et graphiste allemand de la Renaissance, théoricien de l'art (autoportraits, Vierge à l'Enfant, gravures).

Kandinsky Vassili Vassilievitch(1866-1944) - Peintre et graphiste russe, artiste d'avant-garde, l'un des fondateurs de l'art abstrait.

Antonio Canova(1757–1822) - Sculpteur italien, le plus important représentant du classicisme dans la sculpture européenne.

Caravaggio Michelangelo da (Michelangelo Merisi Caravaggio)(1571–1610) - peintre italien, réformateur Peinture européenne XVIIe siècle., L'un des plus grands maîtres du baroque.

Kiprenski Orest Adamovitch(1782–1836) - Peintre et dessinateur russe, représentant du romantisme (portraits d'A. S. Pouchkine).

Klodt Petr Karlovitch(1805–1867) - Sculpteur russe, représentant du classicisme, peintre animalier (chevaux sur le pont Anitchkov à Saint-Pétersbourg).

Korovine Konstantin Alexeïevitch(1861-1939) - Peintre et artiste de théâtre russe, maître subtil de la peinture en plein air, proche de l'impressionnisme.

Kramskoï Ivan Nikolaïevitch(1837–1887) - Peintre russe, itinérant, professeur de I. E. Repine ("May Night"). Maître d'un portrait psychologique, révélant des mouvements mentaux complexes ("Stranger").

Cranach Lucas l'Ancien(1472-1553) - Peintre et graphiste allemand, qui a combiné les principes artistiques de la Renaissance avec la tradition gothique, un brillant portraitiste.

Kuindzhi Arkhip Ivanovitch(1841-1910) - Peintre paysagiste russe, itinérant. Les œuvres de Kuindzhi démontrent une sonorité décorative de la couleur, des effets d'éclairage proches de la nature jusqu'à l'illusion ("Nuit sur le Dniepr").

Larionov Mikhaïl Fedorovitch(1881-1964) - Peintre russe, artiste d'avant-garde, artiste abstrait, créateur du soi-disant rayonnisme.

Lévitan Isaac Ilitch(1860-1900) - Peintre itinérant russe, paysagiste, créateur du «paysage d'ambiance», révélant les nuances subtiles des états de la nature («Above Eternal Peace»).

Levitsky Dmitri Grigorievitch(1735–1822) - Portraitiste russe du XVIIIe siècle, maître des portraits d'apparat.

Léonard de Vinci(1452-1519) - Peintre, sculpteur, architecte et scientifique italien Il a incarné l'idéal de la beauté féminine dans le célèbre tableau "La Gioconda" ("Mona Lisa").

Lysippe(IVe siècle av. J.-C.) - ancien sculpteur grec, peintre de la cour d'Alexandre le Grand.

Masaccio (Tommaso de Giovanni de Simone Cassai)(1401-1428) - Peintre italien, dans ses œuvres, il a cherché à incarner l'idée de la perfection humaine.

Malevitch Kazimir Séverinovitch(1878-1935) - Artiste abstrait russe ("Black Square"), fondateur du suprématisme.

Manet Édouard(1832-1883) - Artiste français, l'un des plus brillants représentants de l'impressionnisme. Ses oeuvres se distinguent par la fraîcheur et la netteté de la perception de la réalité ("Concert aux Tuileries").

Henri Matisse(1869-1954) - Peintre, graphiste français, qui a approuvé le style ornemental dans les vitraux, gravures, lithographies, fondateur du fauvisme.

Michel-Ange Buonarroti(1475-1564) - Peintre, sculpteur et architecte italien ("David", peinture de la Chapelle Sixtine à Rome).

Myron d'Eleuther(Ve siècle av. J.-C.) - Sculpteur grec de l'époque qui a immédiatement précédé la plus haute floraison de l'art grec (fin VI - début V siècle). Plus œuvre célèbre Mirona - "Discobole".

Modigliani Amedeo(1884–1920) - Peintre italien. Les œuvres de Modigliani se caractérisent par la sophistication musicale de la silhouette et de la couleur, la concision de la composition.

MonetOscar Claude(1840-1926) - Peintre français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme.

Munch Edvard(1863-1944) - Peintre et graphiste norvégien, l'un des fondateurs de l'expressionnisme ("Le Cri").

Mukhina Vera Ignatievna(1889–1953) - Sculpteur monumental soviétique ("Ouvrier et Kolkhozienne").

Perov Vasily Grigorievich (Kridener)(1834–1882) - Peintre russe, l'un des membres fondateurs de "l'Association des expositions d'art itinérantes" ("Troïka", "Portrait de F. M. Dostoïevski", "Chasseurs au repos").

Petrov-Vodkin Kuzma Sergueïevitch(1878-1939) - Peintre soviétique russe ("Le bain du cheval rouge"), symboliste, romantique.

PicassoPablo Ruiz(1881-1973) - Artiste français, a travaillé dans plusieurs directions - cubisme, réalisme, etc. Il a créé des œuvres pleines de douleur et de protestation ("Guernica"), l'auteur de la célèbre "Colombe de la paix".

Niko Pirosmani(1862–1918) - Peintre primitif géorgien Il peint des portraits de groupe, des enseignes, véhiculant avec acuité un sentiment de plénitude et de joie de vivre.

Praxitèle(IVe siècle avant JC) - un ancien sculpteur grec, est né à Athènes c. 390 avant JC e. L'auteur des célèbres compositions "Hermès avec le bébé Dionysos", "Apollon tuant le lézard". La plupart des œuvres de Praxitèle sont connues à partir de copies romaines ou de descriptions d'auteurs anciens.

Nicolas Poussin(1594-1665) - Peintre français, représentant de l'école du classicisme ("Paysage avec Polyphème").

Raphaël Santi(1483-1520) - Peintre et architecte italien, dont les toiles se distinguent par une clarté classique et une spiritualité majestueuse. Il a glorifié l'existence terrestre d'une personne, l'harmonie de ses forces mentales et physiques ("La Madone Sixtine").

Josué Reynolds(1723-1792) - Peintre anglais et théoricien de l'art. Portraitiste virtuose ("J. O. Heathfield"), il peint également sur des thèmes historiques et mythologiques.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606-1669) - Peintre, dessinateur, graveur hollandais. Il peint des scènes et des portraits complexes en termes de structure psychologique ("Night Watch", "Danae").

Renoir-Auguste(1841-1919) - Peintre, graphiste et sculpteur français, proche des impressionnistes. Il a chanté la beauté sensuelle et la joie d'être.

Répine Ilya Efimovitch(1844–1930) - Peintre russe et ukrainien. Il a révélé la beauté spirituelle du peuple, son amour de la liberté («Les cosaques écrivent une lettre au sultan turc», «Les transporteurs de barges sur la Volga», «Ils n'ont pas attendu»).

Roerich Nicolas Constantinovitch(1874-1947) - Artiste russe, à partir des années 1920, il a vécu en Inde, dont la philosophie a eu un impact énorme sur son travail.

Auguste Rodin(1840-1917) - Sculpteur français, innovateur de la forme ("Penseur", "Citoyens de Calais").

Rokotov Fedor Stepanovitch(1735–1808) - un peintre russe exceptionnel. Parmi les œuvres de l'artiste figurent des portraits subtils et poétiques empreints de conscience de la beauté spirituelle et physique d'une personne.

Rubens Pierre Paul(1577–1640) - Peintre flamand. Ses paysages sont imprégnés d'un sentiment de forces naturelles puissantes. Les scènes de la vie paysanne ("Le retour des faucheurs") sont empreintes d'un esprit démocratique.

Roublev Andreï(vers 1360-vers 1430) - le grand peintre russe, peintre d'icônes, le plus grand maître de l'école de peinture de Moscou. Les œuvres de Rublev sont empreintes d'une humanité profonde et d'une spiritualité sublime ("Trinité", peintures de nombreuses cathédrales, icônes).

Savrassov Alexeï Kondratievitch(1830–1897) - Peintre paysagiste russe, itinérant. Il a transmis la beauté poétique et la signification des motifs quotidiens ("The Rooks Have Arrived").

Saryan Martiros Sergueïevitch(1880–1972) - peintre arménien Un maître d'un paysage émotionnel qui affirme la vie, d'un style lumineux et décoratif généralisé ("Vallée de l'Ararat", "Arménie"), un portrait psychologique aigu et une nature morte aux couleurs festives.

Cézanne Paul(1839-1906) - Peintre français, post-impressionniste ("Bords de Marne", "Pêches et Poires").

Serov Valentin Alexandrovitch(1865–1911) - Peintre et graphiste russe, Wanderer. Les premières œuvres ("Girl with Peaches") sont fraîches et riches en couleurs.

Snyder France(1579-1657) - Peintre flamand, maître des natures mortes et des compositions animalières de style baroque ("Combats de coqs", "Marchand de fruits").

Sourikov Vassili Ivanovitch(1848-1916) - Artiste itinérant russe, de nombreuses toiles sont consacrées aux tournants de l'histoire russe ("Boyarynya Morozova", etc.). Maître du portrait.

Le Tintoret (Robusti) Jacopo(1518-1594) - Peintre italien, l'un des plus grands peintres de l'école vénitienne de la fin de la Renaissance.

Titien (Titien Vecellio)(1476-1576) - Peintre italien, chef de l'école vénitienne. Ses œuvres se distinguent par la gaieté, la polyvalence de la perception de la vie ("Vénus et Adonis", "Danae"), et dans les œuvres ultérieures - un drame intense.

Thorvaldsen Bertel(1768–1844) - Sculpteur danois, représentant du classicisme. Les sculptures de Thorvaldsen se caractérisent par l'exhaustivité plastique, la retenue et l'idéalisation des images ("Jason").

Tropinine Vasily Andreïevitch(1776–1857) - Peintre russe, maître du portrait romantique.

Toulouse-Lautrec Henri de(1864-1901) - Graphiste et peintre français, post-impressionniste.

Phidias(Ve siècle av. J.-C.) - un ancien sculpteur grec de la haute période classique. L'œuvre de Phidias est considérée comme l'une des plus hautes réalisations de l'art antique (statues d'Athéna, Zeus Olympien).

Hokusai Katsushika(1760-1849) - Peintre et dessinateur japonais, maître de la gravure sur bois en couleur.

Cellini Benvenuto(1500–1571) - sculpteur, architecte et écrivain italien L'un des représentants les plus célèbres du maniérisme.

Marque de Chagall(1887-1985) - Peintre français, adepte du surréalisme. La plupart de ses images sont inspirées de motifs folkloriques russes et juifs.

Chichkine Ivan Ivanovitch(1832-1898), peintre russe, l'un des plus grands maîtres de la peinture de paysage réaliste. Académicien (1865), professeur (1873), chef de l'atelier de paysage (1894-1895) de l'Académie des Arts. Membre fondateur de l'Association des expositions itinérantes d'art.

Escher Maurice Cornelis(1898–1972) un graphiste néerlandais. Il est surtout connu pour ses lithographies conceptuelles, ses gravures sur bois et sur métal, dans lesquelles il a magistralement exploré les aspects plastiques des concepts d'infini et de symétrie, ainsi que les caractéristiques de la perception psychologique d'objets tridimensionnels complexes.

Iarochenko Nikolaï Alexandrovitch(1846–1898) - Peintre vagabond russe. Portraits, paysages, scènes de genre ("Stoker", "Old and Young") sont dramatiques.

Ce texte est une pièce d'introduction.

L'art du graphisme est varié. Il comprend des affiches politiques et des dessins de journaux et de magazines, des illustrations de livres et des caricatures, des graphiques appliqués industriels et des publicités cinématographiques. Une grande partie de celui-ci est constituée de graphiques de chevalet - dessins et gravures, exécutés indépendamment, en dehors d'un but pratique particulier. Il est nommé ainsi par analogie avec la peinture de chevalet, dont les œuvres sont créées par l'artiste sur une machine spéciale - un chevalet; le mot "graphique" vient du grec grapho (grafo) - j'écris, je dessine. Bien sûr, les graphiques de chevalet ne sont pas complètement dépourvus de but. S'emparant d'un pinceau, d'un crayon ou d'un ciseau de graveur, l'artiste a toujours un but précis. Il s'efforce de transmettre aux gens ses pensées et ses sentiments, sa compréhension de la vie, d'affirmer ce qui en est digne et de punir le négatif, de montrer l'étonnante beauté cachée du monde que lui seul voit. Mais en même temps, l'auteur d'un dessin ou d'une gravure de chevalet ne poursuit pas toujours un but d'agitation ou d'accusation avec son travail, en tant que maître de l'affiche et de la caricature, n'effectue pas de tâches publicitaires ou utilitaires, en tant qu'artistes d'affiches et d'industriels. le graphisme, ses images, enfin, n'ont rien à voir avec héros littéraires et des situations, comme dans les œuvres des illustrateurs.

De la même manière, les maîtres de la peinture et de la sculpture de chevalet, contrairement aux muralistes et aux décorateurs, créent des œuvres indépendantes qui ne sont associées à aucun ensemble artistique - un bâtiment, une pièce, une place, un parc, etc.

Les graphiques de chevalet ont beaucoup en commun avec la peinture de chevalet. Bien que leurs principaux moyens artistiques soient différents, ces deux types d'art ont de grandes et à bien des égards des possibilités similaires pour représenter la nature, les gens et toute la richesse du monde matériel. Divers aspects de la vie humaine, qui a toujours été au centre de l'attention dans l'art, ont suggéré d'y ajouter ses différents genres - portrait, paysage, composition quotidienne ou de bataille, nature morte, etc. Ces genres existent à la fois dans la peinture soviétique et dans Graphiques soviétiques. Monde l'âme humaine montré avec une profondeur particulière dans de nombreuses œuvres de peinture de chevalet, de sculpture et de graphisme. Pour cette psychologie, pour une conversation multiforme et formidable avec le spectateur sur une personne, nous apprécions particulièrement l'art du chevalet.

Ayant beaucoup en commun avec la peinture, le graphisme de chevalet, en même temps, selon le mode d'exécution - principalement sur papier, se rapproche de tous les autres types de graphismes en termes de techniques de dessin et de gravure. Il se distingue, comme toute la famille des arts graphiques, par la rapidité relative d'exécution des choses, ainsi que par de bonnes opportunités pour leur reproduction. Grâce à cela, premièrement, le graphisme dispose de grandes données pour être un art d'actualité, réagissant rapidement aux événements de la vie publique, un art qui vit au rythme de la modernité. Ces possibilités inhérentes au graphisme, comme nous le verrons plus loin, ont été plus d'une fois parfaitement exploitées par ses maîtres. Deuxièmement, puisqu'une feuille graphique est généralement exécutée plus rapidement qu'une peinture ou une sculpture (bien que la force spirituelle, le talent et l'habileté ne soient pas moins requis d'un graphiste), elle conserve une immédiateté particulière de communication avec la nature, la possibilité d'une fixation en direct de ce. Si l'on ajoute à cela que la technique d'exécution des œuvres graphiques est très diversifiée, la richesse idéologique et esthétique de cette forme d'art devient évidente.

Beaucoup de choses intéressantes attendent le spectateur attentif des œuvres graphiques. Pas immédiatement, mais progressivement, l'originalité et la beauté de chaque technique graphique se révèlent à lui - la clarté argentée d'un dessin au crayon graphite et la noirceur veloutée d'un crayon italien, la fluidité précise des dessins à la plume ou à l'encre, la tendresse de pastels et sanguines. Nous apprenons peu à peu à apprécier la riche gamme de tons gris-noirs disponibles pour le dessin au fusain, à la sauce, à l'aquarelle noire ou à l'encre, la légèreté transparente de l'aquarelle colorée et le langage matériel plus lourd de la gouache. Nous sommes fascinés par le langage varié et souple de la gravure sur bois, les formes généralisées et laconiques de la linogravure, l'expressivité du clair-obscur et la profondeur de la couleur de l'eau-forte, la liberté, riche en nuances de couleurs, la douceur du modelage du dessin au crayon lithographique.

Souvent, les artistes travaillent également avec des techniques mixtes, combinant dans leurs œuvres, par exemple, du fusain, de la craie et une sorte de crayon ou d'aquarelle et de pastel, d'aquarelle et de gouache, etc.

Tant dans les techniques de lithographie que de gravure, le spectateur voit le résultat final du travail de l'artiste - une impression ou une empreinte, sinon - une gravure. Beaucoup de ces gravures peuvent être obtenues à partir d'une planche ou d'une pierre, et toutes sont également des œuvres d'art originales. Cette particularité des estampes - leur diffusion assez importante tout en conservant toutes les qualités artistiques - nous est particulièrement précieuse.

De plus en plus de cercles de personnes soviétiques rejoignent maintenant l'art. Ils trouvent dans l'imprimé la plénitude de pensées et d'expériences esthétiques que le véritable grand art offre, et en même temps, l'imprimé n'est pas un musée lointain et unique que nous ne voyons qu'occasionnellement, mais une chose avec laquelle la beauté entre dans notre maison, dans la vie quotidienne.

Le graphisme de chevalet soviétique est un vaste domaine de notre art, dont l'histoire encore non écrite comprend de merveilleuses pages de grandes recherches et réalisations artistiques. Il a ses propres traditions brillantes à la fois dans l'art russe et dans un certain nombre d'autres écoles d'art nationales. Presque tous les grands peintres du passé étaient aussi de grands maîtres du dessin et de l'aquarelle. Les aquarelles d'Alexander Ivanov et K. Bryullov, de nombreux dessins et aquarelles de Repin, les graphiques de V. Serov et Vroubel sont des chefs-d'œuvre de notre art pleins de charme éternel. Art démocratique, porteur des images et des pensées des artistes vers le peuple, la lithographie est apparue en Russie au début du XIXe siècle. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov, plus tard Perov, Shishkin, Vl. Makovsky, Levitan et d'autres artistes. Dans les années quarante du XIXe siècle, Shchedrovsky dans l'album "Here are Ours" montre le métier de spectateur, les artisans, les types folkloriques. Ce fut la première expérience de création de lithographie en couleur dans l'art russe. Les grands artistes du siècle dernier apprécient l'art de la gravure pour son accessibilité relativement plus grande au peuple, car il rapproche leurs créations du public du public populaire. Le classique de la poésie ukrainienne et l'artiste T. G. Shevchenko, qui travaillait à l'eau-forte, écrivait en 1857 : « De tous beaux-Arts J'aime le plus graver maintenant. Et non sans raison. Être un bon graveur, c'est être un distributeur du beau et de l'instructif dans la société. - se développe dans la lithographie, l'eau-forte et le dessin du siècle dernier.

Dans le graphisme du début du XXe siècle, comme dans tout art, il y a un entrelacement complexe de tendances parfois opposées. Les événements de la révolution de 1905 capturent avec une force particulière le graphisme des magazines, mais ils trouvent aussi des réponses dans les choses de chevalet - gravures de S. Ivanov, pastels de V. Serov, témoin choqué des représailles du tsarisme contre les ouvriers. Dans ces œuvres, ainsi que dans les images de mineurs, d'ouvriers, d'étudiants de Kasatkin, dans les dessins de S. Korovine représentant des soldats, dans les feuilles de Sergei Ivanov dédiées aux migrants pauvres, il y a un intérêt pour la caractéristique de l'ouvrier d'art russe avancé et de sympathie pour son art difficile et souvent destin tragique. Mais dans les graphismes de ces décennies, il y a aussi une tendance à s'éloigner des complexités et des contradictions de la réalité sociale. Dans certains cas, cette tendance impose une sorte de contemplation passive sur les œuvres des artistes, dans d'autres, elle conduit les artistes dans leur travail vers des salles de palais et des parcs lointains et étrangers à un large public. Le paysage est presque le genre phare du graphisme pré-révolutionnaire. Il emploie de grands maîtres tels que A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lansere et d'autres. Ils voient subtilement la beauté de la nature multiple, ses différents états, la poésie de l'architecture dans son rapport au paysage. Cette admiration pour la beauté du monde est le principal contenu éternel de leurs œuvres, qui nous passionne à ce jour. Mais parfois un soupçon de contemplation se fait sentir dans leurs draps.

Dans la gravure pré-révolutionnaire, l'illustration de magazines et de livres, plus que dans d'autres formes d'art, l'influence de la société World of Art s'est fait sentir, peut-être parce que nombre de ses membres étaient des graphistes de haut niveau professionnel. Parmi ces artistes, cette société comprenait Ostroumova-Lebedeva et Lansere. Cependant, tous les meilleurs aspects de leur travail ont été formés contrairement aux attitudes esthétiques des théoriciens du "Monde de l'Art", qui prônaient "l'art pur" loin de la vie. Les peintures, aquarelles et dessins des principales figures du "Monde de l'Art" A. Benois, K. Somov et d'autres ont ressuscité le monde galant et inanimé de la vie de cour des époques passées, étaient un jeu raffiné et savant de l'histoire. Ainsi, dans le graphisme pré-révolutionnaire, se créent des œuvres saturées de tout le drame des contradictions sociales, une masse de paysages lyriques de chambre apparaît et, en même temps, fleurit le rétrospectivisme, c'est-à-dire une rupture avec la modernité, l'esthétisme de le monde des arts.

Dans les premières années après la révolution, l'apparence des graphiques de chevalet a peu changé. Ces années dures sont le temps de l'art bruyant et militant de l'affiche, de la sculpture monumentale agitatrice et du nouvel art de décorer les fêtes de masse. Dans le contexte du développement rapide de ces types d'art, les graphismes de chevalet semblent à première vue particulièrement traditionnels. Fondamentalement, les mêmes maîtres travaillent ici que dans les années pré-révolutionnaires, et leur travail, qui a déjà été largement déterminé, ne subit pas immédiatement et rapidement des changements complexes liés aux influences de la nouvelle réalité. Le paysage et le portrait sont devenus les principaux genres graphiques de chevalet. Les artistes dépeignent avec amour les coins anciens des villes, des monuments architecturaux remarquables, la beauté éternelle de la nature, non soumise aux tempêtes sociales. Il y a beaucoup de savoir-faire captivant dans leurs œuvres, une admiration calme pour la beauté du monde. Mais ce petit monde clos d'un paysage rétrospectif tourné vers le passé semble protégé par un mur invisible des événements qui se déroulent dans le pays.

Les œuvres de genre domestique, peu nombreuses, dépeignent la même vie tranquille et modeste, à l'abri de tout bouleversement social, le simple travail domestique.

Le graphisme de ces années est dominé par les gravures et les lithographies ; le dessin et l'aquarelle ne sont pas courants. Les paysages et les portraits sont souvent publiés dans des albums de gravures, et ce sont des éditions à petit tirage et coûteuses pour quelques connaisseurs.

L'intimité distingue les œuvres de portrait. Les modèles de portraitistes sont généralement des artistes, des écrivains, des artistes, c'est-à-dire un cercle assez restreint de personnes spirituellement proches de l'auteur. Leur monde intérieur est révélé avec subtilité et attention, mais pas encore au niveau des grandes généralisations qui seront accessibles à l'art soviétique plus tard.

Et ce n'est que dans les portraits réalisés par N. A. Andreev, en particulier dans ses images de V. I. Lénine, que le genre du portrait en graphisme acquiert immédiatement de nouvelles qualités, généralisant le pouvoir, le son social. Ces dessins figurent à juste titre parmi les meilleures réalisations de l'art soviétique, ils nous ravissent encore aujourd'hui et participent à notre vie. Mais dans les années de leur création, ces feuilles étaient pour ainsi dire une brillante exception, ne faisant que confirmer la règle - c'est-à-dire le caractère général de chambre de la plupart des portraits. À partir des dessins d'Andreev, comme en avance sur leur temps, nous commencerons notre connaissance des graphiques de chevalet soviétiques.

Pour N. A. Andreev (1873 - 1932) - un célèbre sculpteur, auteur des monuments de Moscou à Gogol, Ostrovsky, le Monument de la Liberté, le dessin n'était pas seulement une étape préparatoire nécessaire du travail, mais aussi un domaine indépendant de créativité . Au début des années 1920, il réalise un grand nombre de portraits graphiques - Dzerzhinsky, Lunacharsky, Gorky, Stanislavsky, artistes du Théâtre d'Art et autres.

Un homme dans toute l'intégrité de son caractère - c'est ce qui intéressait Andreev le portraitiste. Dans ses feuilles, le monde intérieur du modèle est décrit clairement, avec confiance, en détail, mais sans demi-teintes ni richesse de nuances. En nous familiarisant avec les portraits d'Andreev, nous obtenons en quelque sorte la somme de connaissances très précises et vérifiées sur les personnes qui y sont représentées. Précisément, la clarté de cette connaissance est une sorte de pathos du travail d'Andreev, et la manière de réaliser des portraits lui obéit également.

Une grande partie de cette manière vient de la vision sculpturale de l'artiste de la forme. C'est la plasticité accentuée du dessin, la recherche obligée d'une ligne de silhouette expressive, mais aussi la rigidité de la couleur, le manque d'air. Mais l'essentiel ici était le positif qui a donné le talent sculptural d'Andreev - la capacité de voir le modèle dans son ensemble, l'essentiel dans le contour de la tête, de voir la spécificité de l'apparence, débarrassée des lignes et des virages aléatoires. Cette intégrité de la silhouette, alliée au développement le plus minutieux du visage, notamment des yeux, constitue la manière unique de l'artiste. Elle a été bien servie entre les mains d'Andreev par des crayons sanguins, pastel, de couleur, ainsi que du fusain ou un crayon italien, avec lesquels les volumes principaux ont été esquissés.

De la même manière, Andreev a exécuté plusieurs portraits de V.I. Lénine, qui font partie de sa célèbre Leniniana - un grand cycle de croquis, dessins, croquis et sculptures, dont la création a été l'œuvre principale de la vie d'Andreev pendant les années du pouvoir soviétique . Les portraits d'Andreev de Lénine sont pour nous non seulement l'œuvre d'un artiste talentueux, mais aussi la précieuse révélation d'un témoin oculaire, une personne qui a observé à plusieurs reprises Lénine lors de congrès et de congrès et dans son bureau du Kremlin. De nombreux croquis superficiels ont été réalisés par Andreev au cours de ce travail, mais il n'y a que trois portraits picturaux achevés; l'artiste a parfaitement compris la complexité et les spécificités de leurs tâches, avec la rapidité d'exécution semblant possible.

Dans l'un de ces portraits, un léger strabisme des yeux de Lénine, un sourire à peine perceptible a insufflé la vie à l'image, créant une image pleine de chaleur humaine. En même temps, un sens de la signification sociale de l'image du chef vit dans le portrait, et donc cette feuille est si nouvelle dans son contenu pour l'art du portrait graphique de ces années (ill. 1).

Le thème de Lénine - le chef des masses avec encore plus de force et d'expression a été développé par Andreev dans le portrait de profil de V. I. Lénine, souvent daté du début des années 1920. L'impulsion et l'énergie de cette image inspirée, son héroïsme sublime gagnent les cœurs. En même temps, comprendre rôle historique V. I. Lénine se distingue ici par une telle maturité que cette œuvre d'Andreev semble bien en avance sur les limites de l'art du début des années 1920. Avec toute la richesse et les réalisations de l'art de ces années, nous n'y trouverons pas un tel sens de l'ampleur des actes de Lénine, de la portée de la pensée de Lénine, une telle compréhension historique de son image. Et il semble juste l'hypothèse récente du chercheur de "Leniniana" L. Trifonova selon laquelle le portrait, qui n'est devenu connu que dans les années 1930, n'a pas été créé au début des années 1920, mais plus tard. Le langage laconique et le contenu intérieur confèrent à cette feuille une véritable monumentalité. Ce n'est pas pour rien que ce portrait est désormais familier à un large public non seulement grâce à de nombreuses reproductions : il est réalisé en mosaïque, il est peint en panneaux H:t, lors de la décoration des fêtes. Agrandi à une taille énorme, le dessin ne perd rien dans son expressivité laconique,

G. S. Vereisky (né en 1886) a également travaillé dans le domaine du portrait dès les premières années de la formation du graphisme soviétique. Le moment d'évaluer l'importance sociale d'une personne prendra une place importante plus tard dans ses affaires, mais le cheminement de l'artiste et surtout la nature de ses premières œuvres étaient différents de ceux d'Andreev. G. S. Vereisky a reçu ses premières compétences en art dans un studio privé à Kharkov, a étudié à l'université, a participé à un cercle révolutionnaire étudiant et aux événements révolutionnaires de 1905, en rapport avec cela, une prison, puis plusieurs années d'émigration - ce sont quelques moments de la biographie de l'artiste. À partir de 1918, pendant plusieurs années, Vereisky travaille au département des gravures de l'Ermitage. Il y est venu en possession déjà d'importantes informations de l'histoire de l'art mondial, tandis que son long travail à l'Ermitage l'a encore enrichi à cet égard. Pas un livre, mais une connaissance vivante des chefs-d'œuvre de l'art mondial a marqué l'image créative de l'artiste; grande culture, noblesse, simplicité, derrière lesquelles il y a de l'exigence, distinguent ses nombreuses œuvres. Vereisky a commencé par des portraits lithographiques, et bien que nous le connaissions maintenant comme un excellent dessinateur et graveur, il a surtout fait dans le domaine de la lithographie.

Dès le début de son travail, Vereisky s'est caractérisé par la fidélité à la nature, l'observation. Par conséquent, peut-être, le long chemin de cet artiste dans l'art semble à première vue lisse et calme. En effet, il est marqué par des recherches constantes, l'amélioration des compétences,

Le premier album de Bereisky "Artistes russes" est sorti en 1922. Nous voyons ici un groupe d'artistes pleinement représenté de la société "World of Art" depuis les fondateurs jusqu'à sa deuxième génération. Vereisky connaît parfaitement ses modèles et capture avec précision l'ambiance spirituelle, le caractère de chacun des artistes - le sérieux sombre et la solitude inconfortable de Benois, la concentration sans joie de Somov, l'expression piquante, l'intensité de la vie intérieure de Mitrokhin, etc. feuilles, ainsi que des portraits d'Andreev, nous pouvons en apprendre beaucoup sur les personnes représentées ici, mais dans les portraits de Vereisky, il n'y a pas de moment d'évaluation des personnes, pour ainsi dire, à distance, la caractérisation est donnée dans une chambre , plan intimiste-lyrique, et la question de la signification sociale de leurs activités n'a pas encore été posée. Dans les albums suivants de 1927 - 1928, Vereisky trouve déjà plus précisément la pose naturelle et détendue du modèle, dessine avec plus de confiance et de liberté. Portraits réussis des artistes Golovin, Zamirailr, architecte Shchuko, critique Yaremich, Notgaft. Vereisky était bien capable de transmettre la culture intérieure, la vivacité d'esprit, le charme d'une grande éducation, inhérents aux personnes qu'il dépeint.

Dans les années 1930, Vereisky a beaucoup travaillé sur les portraits de pilotes, admirant leur courage et leur courage, essayant de mettre en valeur ces qualités dans leur description. Et quand, au début de la Grande Guerre patriotique, il a créé des portraits des braves participants aux batailles de Fisanovitch, Meshchersky, Osipov et d'autres, ils ressemblaient à une continuation de l'histoire de l'artiste sur les braves soldats soviétiques, commencée par les œuvres des années 1930.

Mais la principale réalisation de Vereisky pendant cette période et au-delà a été les portraits de personnalités culturelles. Avec une clarté particulière, pendant les années de guerre, l'artiste a senti que le thème de ses portraits était la créativité, la capacité, précieuse et inaliénable d'une personne de l'art, de travailler avec une perspicacité créative même dans un moment de grande difficulté. Dans ces feuilles, la grande habileté technique de Vereisky semblait être éclairée pour la première fois par une profonde excitation émotionnelle, et ses portraits toujours corrects et précis ont acquis une émotivité vive. Le directeur de l'Ermitage, l'orientaliste I. A. Orbeli et le poète N. Tikhonov, ont été dessinés par lui pendant les jours du siège de Leningrad; ses épreuves ont marqué l'apparence de ces personnes, mais malgré les conditions, elles travaillent et leur profondeur créative se transmet de manière tangible et claire. La même poésie de recherches inspirées se retrouve aussi dans les portraits de l'artiste E. E. Lansere, du chef d'orchestre E. A. Mravinsky, du peintre T. N. Yablonskaya (ill. 2). Une fois de plus, des personnalités culturelles de diverses professions sont présentées ici, mais comment leur monde intérieur a changé, leur dévotion ardente à l'art a été illuminée d'un nouveau sens. L'ancienne intimité des œuvres de Vereisky disparaît, et la question de rôle public l'art résonne pleinement dans ses portraits de 1940-1950. Les méthodes de son écriture psychologique ne sont pas devenues différentes, mais seulement plus précises, mais à partir de la véracité consciencieuse habituelle de ses caractéristiques, les contours de la grande proximité intérieure des personnes qu'il dépeint, la proximité dans l'essentiel - dans la compréhension du sens de son travail, comme si par eux-mêmes étaient indiqués.

En prononçant le nom de G. S. Vereisky, nous rappelons souvent immédiatement les œuvres de M. S. Rodionov (1885 - 1956) - un artiste dont l'art était à bien des égards proche de G. S. Vereisky. Et les principaux domaines de travail - portrait et paysage (ce que Vereisky a également beaucoup fait), ainsi que la beauté stricte de la manière et la réflexion dans l'étude de la nature étaient communs à ces artistes. Réalisée par M. S. Rodionov en 1944-1946, également dans la technique de la lithographie, une série de portraits de scientifiques et d'artistes - Abrikosov, Baranov, Vesnin et autres - établit dans nos graphismes la même ligne de sérieux, dépourvue de spectacle extérieur, fort intérieur véracité art du portrait, qui est décrit par les travaux de G. S. Vereisky.

Les travaux de Vereisky et Rodionov nous ont emmenés loin des premières années post-révolutionnaires. Pour y revenir, nous devons compléter le cercle des portraits qui nous sont déjà familiers avec les œuvres de B. M. Kustodiev (1878 - 1927). Peintre majeur, Kustodiev a beaucoup travaillé dans le graphisme. Un intéressant portrait de F. I. Chaliapine, exécuté par lui en 1921 à l'aquarelle et au crayon. Si dans la première version de ce portrait, le sceau de la vie quotidienne éteint en quelque sorte la lumière intérieure du visage de Chaliapine, plus loin l'artiste crée une image complexe et en même temps convaincante; on sent en lui du talent, de l'ampleur, de l'élégance et une pensée cachée (ill. 3).

Le deuxième genre répandu dans le graphisme des années 1920 est le paysage. L'un de ses plus grands maîtres fut A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955). Son intérêt précoce pour l'art l'a amenée à l'école de dessin technique Stieglitz, où elle a étudié sous la direction d'un excellent professeur et graveur V. V. Mate, un grand maître de la gravure de reproduction. Le profil créatif d'Ostroumova n'a pas été immédiatement déterminé. Après avoir déménagé à l'Académie des arts, elle y a étudié avec divers professeurs et a ensuite été acceptée comme élève de I. E. Repin. Ce fut un événement qui a marqué de son empreinte toutes les activités ultérieures de l'artiste. "Dans les profondeurs, au cœur de notre art, le réalisme joyeux, frais et éternellement vivant de Repinsky est la pierre angulaire de tout le monde", écrira plus tard Ostroumova. Progressivement, l'intérêt de l'artiste pour la gravure, et en particulier pour les gravures sur bois en couleurs, devient de plus en plus déterminé. Elle a étudié de beaux exemples de cet art dans diverses collections lors de son voyage à Paris. De toutes les techniques de gravure, les gravures sur bois en Russie au début du XXe siècle avaient la valeur artistique la moins indépendante et existaient principalement comme méthode de reproduction. peintures. Les gravures sur bois colorées ont été complètement oubliées. Par conséquent, lorsque Ostroumova-Lebedeva a soumis un certain nombre de ses gravures à l'Académie pour le concours, dont une gravure sur bois en couleur du tableau de l'artiste flamand Rubens "Persée et Andromède", le jury a même initialement rejeté cette feuille, la prenant pour une aquarelle. .

À travers tout mon long vie créative Ostroumova-Lebedeva portait une passion pour les gravures sur bois et les aquarelles. À propos du premier d'entre eux, l'artiste elle-même écrit avec amour et poésie :

"J'apprécie dans cet art l'incroyable concision et brièveté de la présentation, son laconisme et, de ce fait, son extrême netteté et son expressivité. J'apprécie la certitude et la clarté impitoyables de ses lignes dans la gravure sur bois... La technique elle-même ne permet pas pour les modifications et donc il n'y a pas de place pour les doutes et les hésitations dans la gravure sur bois ...

Et qu'il est beau le fonctionnement de l'outil sur du bois dur ! La planche est si polie qu'elle ressemble à du velours, et sur cette surface dorée brillante un ciseau pointu court rapidement, et tout le travail de l'artiste est de le maintenir dans les limites de sa volonté !

Un moment merveilleux où, après un travail dur et lent associé à une attention intense et incessante - ne vous y trompez pas - vous roulez de la peinture avec un rouleau, et toutes les lignes que vous avez laissées sur le tableau commencent à briller de peinture noire, et soudain un dessin apparaît sur le tableau.

J'ai toujours regretté qu'après un aussi brillant épanouissement de la gravure, qui eut lieu aux XVIe et XVIIe siècles, cet art commençait à dépérir, devenait un service, un artisanat ! Et j'ai toujours rêvé de lui donner la liberté !"

Même dans les années pré-révolutionnaires, Ostroumova a créé de nombreuses œuvres merveilleuses - des vues de Saint-Pétersbourg et de ses environs, des paysages peints lors de voyages en Italie, en Espagne, en France,

Hollande. L'invariable exactitude et la fidélité à la nature s'y conjuguent déjà avec un grand don de généralisation. L'artiste de Saint-Pétersbourg dessine de manière particulièrement pénétrante et poétique. La ville se dresse dans ses draps majestueux, plein d'harmonie et de beauté. L'harmonie de la composition, la clarté linéaire, la pureté des couleurs distinguent ses œuvres.

Après la révolution, qui a provoqué chez l'artiste, selon ses mémoires, une poussée d'énergie créatrice et une poussée joyeuse, Ostroumova travaille toujours surtout dans le genre du paysage architectural. Dans ses feuilles, comme autrefois, la ville n'est pas des rues animées grouillantes d'une foule active, mais avant tout le royaume de la belle architecture, sa beauté durable.

Dans le même temps, de nouvelles caractéristiques se révèlent à l'artiste dans l'apparence de la ville, et l'émotivité contenue de ses peintures est parfois remplacée par un sentiment plus orageux et impulsif. Dans le cadre d'un genre de paysage unique, Ostroumova crée des choses très diverses et toujours intrinsèquement intégrales. Rappelez-vous, par exemple, son aquarelle de 1918 "Petrograd. Champ de Mars". Cette feuille avec le mouvement rapide des nuages ​​dans le ciel élevé, l'étendue de la place et la silhouette élancée et tournée vers l'avenir du monument à Suvorov est pleine de tension et de pathos cachés. L'attitude de l'artiste est ici courageuse, enjouée, les rythmes de vie qu'elle entend sont clairs, comme une marche, et, comme une marche, musicaux. Ostroumova peint avec des touches légères, généralisées dans la forme, utilisant le détail avec une sage modération. Il semblerait que cette feuille soit dessinée assez simplement, mais l'habileté et le grand goût artistique se cachent derrière sa simplicité. Elle se manifeste aussi dans la noblesse de la modeste et belle palette de cette chose.

La gravure sur bois "Smolny" est imprégnée d'une émotivité orageuse inhabituelle pour Ostroumova. Le souffle de la révolution, pour ainsi dire, souffle sur ce paysage, et la construction du calme formes classiques semble revivre, comme dans le frémissement d'octobre 1917. Le choc du noir et du blanc semble doubler la puissance de chacune de ces couleurs. Les colonnes des Propylées, qui marquent l'entrée de Smolny, deviennent d'un noir menaçant, la terre brille d'une blancheur éclatante, les traits tourbillonnent en un mouvement rapide, décrivant la route vers le bâtiment dans les profondeurs, un arbre se plie sous un vent en rafales et oblique des lignes descendantes dessinent légèrement le ciel au-dessus de Smolny. Une image est créée pleine d'impulsion, de mouvement, d'excitation romantique. De plus, comme cette gravure sur bois noire est belle et pittoresque, combien sont grands ses mérites purement décoratifs.

Le cycle de petites gravures sur bois représentant Pavlovsk se distingue également par sa décoration. La décoration a été vue par l'artiste dans les contours d'un bouquet d'arbres, la silhouette d'une statue ou d'un treillis, observés dans la vie et donc convaincants.

Un exemple classique de la grande habileté d'Ostroumova-Lebedeva est le paysage "Jardin d'été dans le givre" (1929; ill. 4).

Le calme d'un jardin désert vous envahit lorsque vous regardez cette gravure ; vous vous retrouvez en quelque sorte dans son allée - c'est ainsi que la composition de la feuille est déployée par l'auteur. Le point d'empreintes dans la neige profonde et le rythme de la grille noire enneigée dessinent le mouvement dans les profondeurs de la feuille, et il y est doucement arrondi par la silhouette légère d'un pont. Le mouvement et les figures lointaines des personnages animent l'ensemble de la feuille, mais n'en brisent pas le charme enneigé. C'est dans la combinaison d'une paix incroyable, du silence avec un sens de la vie grande ville, coulant quelque part très proche, et un charme particulier de cette gravure est né. La poésie de l'hiver, ses couleurs brumeuses, l'air givré soufflant sur les cimes des arbres au givre rose cassant, est ici magnifiquement véhiculée par l'artiste.

Pendant la Grande Guerre patriotique, Ostroumova-Lebedeva, qui avait déjà plus de soixante-dix ans, n'a pas quitté Leningrad. Elle a partagé avec tous les habitants les épreuves incroyables du blocus et n'a cessé de travailler au mieux de ses capacités. Les pages de ses mémoires relatives à ces années ne sont pas seulement une chronique d'épreuves et d'angoisses spirituelles, mais aussi le témoignage d'une éternelle brûlure créatrice, d'un désir inlassable de travailler. Un tel amour pour l'art, une grande dévotion à son égard sont toujours un exemple pour les jeunes artistes, et les réalisations d'Ostroumova-Lebedeva en gravure et, en particulier, la renaissance de ses gravures sur bois artistiques en couleur, restent comme une contribution inébranlable d'un grand maître à notre art.

Les œuvres de V. D. Falileev (1879 - 1948) sont à bien des égards proches des œuvres d'Ostroumova-Lebedeva en termes d'attitude et de stylistique. Il était également un maître de la gravure sur bois en noir et en couleur, et s'est tourné vers l'eau-forte et la linogravure dans une recherche constante de nouvelles possibilités techniques de son travail, en particulier la couleur. Les paysages de Falileev, représentant à la fois son pays natal et des pays étrangers, nous attirent avec la même plénitude de sentiments, la capacité de voir la beauté dans les motifs habituels de la nature, comme les œuvres d'Ostroumova-Lebedeva, mais l'harmonie et la pureté classique des lignes sont moins commun dans ses gravures, la manière de son dessin est plus libre et en quelque sorte plus agitée, la coloration est plus chaude et plus pittoresque. Dans le même temps, la capacité de généraliser ses impressions, de créer une image artistique de grande envergure avec un minimum de moyens, rapproche Falileev d'Ostroumova-Lebedeva. En ce sens, par exemple, l'album de linogravures en couleur de Falileev "Italie" est caractéristique, où l'artiste, ne consacrant qu'une seule feuille à l'une ou l'autre ville, dans des compositions extrêmement laconiques, ne représentant parfois qu'un fragment d'un bâtiment, comme si concentre le plus caractéristique dans l'apparence des villes italiennes.

L'artiste s'intéresse également à la nature orageuse, il crée une série d'eaux-fortes "Pluies", en un certain nombre de feuilles qu'il fait varier, étudiant l'aspect changeant de la mer, les contours d'une vague marine orageuse. Dans les paysages aux motifs d'orages et de pluie, certains chercheurs voient une sorte de réponse graphique à une tempête révolutionnaire, mais un tel rapprochement semble encore trop simple. Et avec Falileev, nous n'oserons pas établir une relation similaire entre ses intrigues et les événements sociaux. Mais dans l'ensemble de ses œuvres, dans l'intensité particulière de leur structure interne, il y a vraiment un sens de la complexité du monde social, et il est plus distinct dans ses feuilles de paysage que, par exemple, dans la linogravure des Troupes. , car Falileev était avant tout un peintre paysagiste.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) était également un représentant du genre paysage en graphisme. En sa personne, Moscou avait un poète aussi dévoué et ne se lassant pas de le chanter, comme Leningrad en la personne d'Ostroumova-Lebedeva. Pavlov avait presque le même âge qu'Ostroumova, mais son parcours artistique a commencé dans d'autres conditions de vie plus difficiles. Fils d'un ambulancier de la prison, plus tard gardien à la cathédrale du Christ-Sauveur à Moscou, il a dû "aller vers le peuple" tôt, s'inscrivant comme apprenti dans un atelier artisanal de gravure. Les gravures de reproduction de peintures de V. Makovsky ont été les premières œuvres qui lui ont valu le succès. Par la suite, Pavlov a étudié à l'école de dessin technique Stieglitz et dans l'atelier de Mate, ainsi qu'à l'école de la Société pour l'encouragement des arts, mais pas pour longtemps en raison de la nécessité de travailler. En reproduisant des peintures, l'artiste atteint une grande habileté et ses gravures sont publiées dans des magazines populaires de ces années, familiarisant les lecteurs avec les œuvres de grands peintres - de Repin à V. Makovsky. La photomécanique supplante cependant davantage ce mode de reproduction. Dans les œuvres de Pavlov, le thème principal de son travail apparaît - les anciens coins de Moscou et des villes de province, le paysage de la Russie qui s'estompe dans le passé.

Le passage à la création de gravures originales n'a pas été facile pour l'artiste, mais son assiduité et son amour pour son sujet y ont beaucoup contribué. Depuis 1914, des albums de gravures de paysages de I. N. Pavlov ont commencé à apparaître. Au cœur de ses paysages se trouvaient des impressions de la nature près de Moscou, de voyages le long de la Volga et de l'Oka. Perception de chambre de la nature, la recherche d'une sorte d'intimité en elle distingue ces premiers travaux. "Je me suis efforcé de sélectionner les coins et je m'attendais à voir mes gravures comme de véritables paysages d'ambiance. À grande échelle, dans l'image panoramique, il m'a semblé que l'intimité et la clarté de la composition que j'essayais d'atteindre pourraient complètement disparaître", a déclaré le artiste rappelé plus tard. Commençant une grande série de paysages de Moscou, Pavlov, ici aussi, recherche principalement des motifs lyriques de chambre, capturant l'antiquité. « J'ai recherché les édifices anciens les plus rares, les cours, les impasses, les maisons en bois centenaires, les églises d'architecture ancienne ; je n'ai pas ignoré de nombreux monuments remarquables de l'antiquité... Parfois l'ancien alternait avec le nouveau, afin de souligner la typicité du morceau pris de la ville », lit-on dans ses mémoires.

D'année en année, les gravures moscovites d'I. N. Pavlov s'accumulent, qui composent ses nombreux albums. Beaucoup de choses ont changé dans un laps de temps relativement court à Moscou, les coins tranquilles que I. N. Pavlov a peints dans l'immense ville moderne sont devenus méconnaissables. Et nous sommes reconnaissants à l'artiste qui nous a conservé le confort modeste des ruelles silencieuses, la convivialité des petites maisons (ill. 5). Et dans d'autres villes russes - Kostroma, Uglich, Riazan, Torzhok - Pavlov est attiré par l'architecture ancienne. Il sentait très bien son expressivité et son originalité. Mais dans l'ensemble, les œuvres de Pavlov sont incomparablement moins artistiques et plastiques que, par exemple, dans les paysages d'Ostroumova-Lebedeva ou de Falileev. La justesse documentaire de son travail se transforme souvent en photographie.

5. I.N. Pavlov. Feuille de l'album "Old Moscow". Sur Varvarka. 1924

Le cycle de paysages modernes de Pavlov a été reconstitué en 1920-1930, lorsque, après avoir rejoint l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire, il a, comme de nombreux maîtres de l'art, effectué des voyages d'affaires créatifs dans les centres industriels du pays. Linogravure en couleur "Astrakhan" avec un troupeau sombre de navires et de lumières grand Edifice Le Commissariat du peuple à l'eau sur le rivage, le paysage "Sur la Volga" avec des silhouettes noires pointues de voiliers et de l'eau légèrement tremblante, "Baku", "Balakhna" et quelques autres feuilles exécutées au cours de ces années figuraient parmi les meilleures œuvres de l'artiste . La feuille "Zvenigorod. Outskirts", créée par le maître de 78 ans en 1949, conquiert avec une humeur joyeuse et lumineuse.

L'éloge inapproprié de l'œuvre de Pavlov par les critiques à la fin des années 1940 et au début des années 1950 a obscurci les lacunes de ses œuvres et, paradoxalement, a rendu difficile la détermination de leurs véritables mérites. Le déni complet de son travail n'est pas rare aujourd'hui. Mais on apprécie le grand travail de l'artiste et sa riche expérience, qu'il a généreusement partagée avec de nombreux maîtres du graphisme soviétique au début de leur carrière.

Le mérite de Pavlov - avec V. D. Falileev - est l'introduction de la linogravure dans la vie quotidienne des artistes soviétiques et l'invention d'une nouvelle méthode d'impression d'estampes à l'aquarelle - les aquatypes.

Parmi les étudiants de I. N. Pavlov, M. V. Matorin, maître de la gravure sur bois en couleur et peintre paysagiste, travaille avec succès en tant qu'artiste et enseignant.

Dans son appel au paysage architectural, aux monuments de l'Antiquité, IN Pavlov n'était pas le seul dans les années 1920. Vl. IV. Sokolov, un élève de Levitan, que le même I. N. Pavlov a réussi à intéresser aux techniques de gravure, a sorti plusieurs albums en 1917 - 1925 consacrés à Sergiev Posad, vieux Moscou, Rostov. Tous ces éléments sont de bons exemples de l'ancien paysage. Dans les albums de lithographies de Yuon et Kustodiev dans les années 1920, on peut également voir Sergiev Posad, des paysages russes, des images de l'ancienne vie provinciale intacte. Les bâtiments classiques de Saint-Pétersbourg se dressent dans les lignes ciselée des gravures sur bois de P. A. Schillingovsky, dont l'album de paysages, publié en 1923, bien qu'appelé "Petersburg. Ruins and Revival", mais ne contenait essentiellement que des images douloureuses des ruines - la destruction causé à Petrograd par la dévastation militaire. Une fois en Arménie, le veto de Schilling ne voit à nouveau que les traits de l'antiquité, publiant un album de gravures "Old Erivan" en 1927. Ainsi, le paysage ancien dans les graphismes de la première décennie n'est pas un passe-temps accidentel de maîtres individuels, mais un phénomène à part entière.

Ce n'est que vers 1927 que l'intérêt pour lui s'est tari, et le même Schillingovsky, un grand fanatique de l'antiquité architecturale, l'année suivante, 1928, a créé l'album "Nouvelle Arménie", comme s'il notait dans son travail un changement caractéristique qui s'était produit dans l'horaire.

Le nouveau, bien sûr, pousse dans les entrailles de l'ancien, et les œuvres dédiées au paysage moderne sont apparues en graphisme, pour ainsi dire, dans ses profondeurs, parmi des choses qui nous sont déjà familières. Leurs auteurs étaient des artistes qui, hier encore, consacraient leur créativité à la contemplation des beautés éternelles de l'architecture et de la nature. Ainsi, par exemple, I. I. Nivinsky (1881-1933), le plus grand maître de la gravure soviétique, dans l'album "Crimée", sorti en 1925, artistiquement et facilement, bien qu'avec une touche de contemplation, transmet la fête quotidienne de la belle nature méridionale. À l'occasion du 10e anniversaire d'octobre, sur ordre du Conseil des commissaires du peuple, Nivinsky crée plusieurs grandes gravures "Zages", où, représentant une centrale électrique en Géorgie, il introduit non seulement une nouvelle parcelle dans ses paysages, mais recherche également activement de nouvelles formes d'expression pour cela.

Succès est la gravure "Monument à V. I. Lénine dans les Zagas" avec son dessin soigné et le monument à V. I. Lénine, naturellement dominant dans le paysage industriel - la création du sculpteur I. D. Shadr (ill. 6). La beauté de ce monument, sa silhouette majestueusement spectaculaire devient ici la composante principale de l'image du paysage. La nature est désormais conçue par l'artiste non seulement comme un objet de contemplation admirative, mais aussi comme un champ de grande activité humaine. Les notes d'une attitude active envers la vie résonnaient pour la première fois distinctement dans le paysage graphique.

De nouveaux motifs apparaissent dans la seconde moitié des années 1920 dans l'œuvre de l'artiste I. A. Sokolov (né en 1890). Dès le début de son travail, I. A. Sokolov, étudiant et grand admirateur de V. D. Falileev, dépeint des scènes de travail en gravure. Au début, c'est le travail domestique dur et pénible d'une femme au foyer, un travail artisanal - un monde exigu et limité, montré avec chaleur et amour. Un cordonnier penché sur son ouvrage, une blanchisseuse, une grand-mère avec ses petits-enfants dans une salle du soir exiguë et peu avenante, une silhouette élancée d'une dentellière sur fond de tissu léger au motif complexe, évidemment lié par elle - ce sont les premières œuvres de Sokolov (ill. 7).

Par leur nature, ils sont très proches des travaux de I. Pavlov, Vl. Sokolov et d'autres artistes qui nous ont montré les coins non officiels des grandes villes, leur antiquité intacte. "Il semble donc que la vie, reflétée dans les gravures de I. A. Sokolov, se soit déroulée derrière les murs de ces petites maisons représentées par I. N. Pavlov", écrit à juste titre le biographe de I. A. Sokolova M. Z. Kholodovskaya.

Évidemment, parce que les images de travail ont toujours été proches de l'artiste, c'est lui qui a été l'un des premiers à élargir la portée étroite de son thème et à commencer à dépeindre le nouveau monde du travail industriel - le travail dans une grande usine métallurgique. En 1925, ses premières feuilles représentant l'usine de Moscou "Hammer and Sickle" appartiennent. À cette époque, l'artiste maîtrisait déjà la technique de la linogravure multi-planches colorée, et les types d'ateliers, l'imbrication de puissantes fermes en acier, l'éclairage complexe de scènes avec du métal rouge éblouissant sont reproduits par lui avec précision et minutie. Plus tard, déjà un maître mature, Sokolov revient dans une usine familière et crée en 1949 une série de gravures qui lui sont dédiées. Cette fois, il introduit des feuilles de portraits dans la série ; l'un d'eux, représentant le métallurgiste F. I. Sveshnikov, a été particulièrement réussi pour l'artiste. Sous les traits de Sveshnikov, qui surveille attentivement la fonte, il a réussi à transmettre la modestie, la simplicité, le charme d'une personne avec une grande expérience de vie et de travail. Mais même les premières feuilles « d'usine » de Sokolov conservent pour nous leur signification ; ils contiennent l'exactitude consciencieuse des premiers pas le long d'un chemin inconnu de l'auteur lui-même et d'autres artistes.

Tout au long de sa vie, I. Sokolov a également beaucoup travaillé dans le domaine du paysage. Ses paysages des années 1920 et 1930 sont devenus largement connus; la fraîcheur froide du début du printemps et la tenue ardente de l'automne y sont toujours imprimées d'un dessin net et précis, de couleurs claires et pures. Améliorant la technique de la linogravure en couleur, réalisant un transfert libre d'une riche gamme de couleurs, l'artiste utilise un grand nombre de planches et roule parfois sur la planche non pas une, comme d'habitude, mais plusieurs couleurs. Sa gravure bien connue "Kuzminki, Automne", captivante avec des couleurs chaudes et pittoresques, par exemple, a été exécutée sur sept planches en neuf couleurs.

Les événements de la guerre ont été reflétés par l'artiste dans les grandes séries "Moscou en 1942" et "Ce que l'ennemi a détruit". Dans la première d'entre elles, peignant des chars partant au front dans les rues de Moscou, des troupeaux poussés à l'arrière, des potagers dans des cours, etc., l'artiste sature ses feuilles de motifs de genre, mais reste encore avant tout un paysagiste dans la résolution la composition dans son ensemble. Dans la deuxième série - paysage -, la tâche documentaire est volontairement mise en avant, mais la tristesse colore aussi ces feuilles, mettant en scène la destruction douloureuse des beaux ensembles de la banlieue de Leningrad. La même tâche documentaire confronte l'artiste dans sa série d'années d'après-guerre, dans laquelle il reproduit minutieusement et méticuleusement des lieux mémorables associés à la vie et à l'œuvre de V. I. Lénine et A. M. Gorki.

Les premiers ouvrages sur la nouvelle vie, comme les feuilles de Nivinsky ou de Sokolov, n'étaient pas nombreux. Cependant, leur nombre augmente progressivement. Pendant les années du premier plan quinquennal, des voyages d'affaires de peintres et de graphistes dans les nouveaux bâtiments les plus importants, les géants industriels et les premières fermes collectives ont été organisés. Les artistes étaient enthousiasmés par ces nouvelles tâches pour eux. Et même si parmi les œuvres créées à la suite de ces voyages, il y avait encore peu de choses de grande valeur artistique, avec cette œuvre un nouveau courant frais entre dans le graphisme, le souffle de la grande vie du pays.

La complexité de ce travail réside à la fois dans la connaissance insuffisante de la vie quotidienne de la construction socialiste par les artistes, et dans le caractère discutable de nombreuses questions de la forme d'art caractéristique de ces années. De nombreux groupes artistiques ont souvent des plates-formes théoriques opposées et, dans les différends qui ont surgi à cette époque, le droit même à l'existence de l'art de chevalet a parfois été remis en question. Il ne faut pas oublier que ces années furent une période de recherches conflictuelles dans le domaine de l'éducation artistique. Souvent, la mauvaise formation des artistes dans les universités les a privés des bases solides des compétences professionnelles, et le jeune graphiste a dû se rattraper beaucoup plus tard. Certes, les travaux d'un certain nombre d'excellents maîtres de l'ancienne génération, ainsi que les conseils qu'ils ont donnés aux jeunes, souvent en dehors des murs officiels de l'université, lui ont été très instructifs. Il y avait aussi des studios tels que, par exemple, le studio de Kardovsky, dans lequel les artistes ont traversé une école fructueuse de dessin et de composition réalistes. Et pourtant les conditions de travail des artistes étaient difficiles. Ils ne se sont améliorés qu'avec l'élimination des groupements artistiques au début des années 1930 et l'unification de toutes les forces créatives saines sur une seule plate-forme réaliste.

Lors du dessin de graphiques sur des sujets modernes, plusieurs domaines de travail principaux pour les artistes se sont rapidement développés. L'un d'eux était, comme nous l'avons vu dans les gravures de I. Sokolov, au moyen d'une reproduction précise, quelque peu descriptive, presque documentaire, des conditions de travail vues, principalement industrielles. Dans les œuvres de ce type, il y avait beaucoup de désir ingénu et honnête des auteurs de dire au spectateur aussi précisément et complètement que possible les nouveaux bâtiments et usines. Ce n'est pas pour rien que les artistes ne se limitent souvent pas à une feuille, mais dans toute une série de feuilles, ils capturent des vues d'une usine, d'une construction, etc.

La deuxième direction peut être appelée celle réchauffée par un sentiment lyrique, laconique, préservant la vivacité de l'esquisse, mais aussi sa réticence, l'art du paysage industriel, qui a été créé à la fin des années 1920 et au début des années 1930 par N. N. Kupreyanov (1894 - 1933), étudiant d'artistes aussi différents, comme Kardovsky, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov a parcouru un chemin court mais difficile dans l'art, plein de recherches constantes. Il a travaillé de manière intéressante non seulement dans les graphiques de chevalet, mais aussi dans l'illustration de livres. L'un des premiers Kupreyanov a consacré ses choses à la révolution, et ses gravures sur bois "Voiture blindée" (1918) et "Cruiser" Aurora "(1923), quelque peu délibérées dans leur angularité accentuée ou leur mouvement rapide des lignes, portaient une particule de véritable spiritualité soulèvement, une réponse vivante aux événements d'Octobre.Laissant bientôt les gravures sur bois, Kupreyanov travaille principalement à la manière des transitions libres, pleines de lumière et mystérieuses de dessins d'ombre et de lumière à l'encre et à l'aquarelle.Paysages de chambre et scènes de la "série Selishchenskaya", dans lequel il y a à la fois chaleur et isolement étroit du monde familial, constituent l'un des côtés de son travail. Mais l'art de Kupreyanov pénètre aussi tôt dans les étendues d'un vaste pays. Dans la série "Railway Tracks" (1927), son pinceau rapide remplit feuille après feuille le mouvement tonitruant des trains, et dans son rythme effréné, se fait entendre un écho de la vie des affaires du pays.cycles "Baltique", qui a commencé à être créé en 1931, et "Pêche de la mer Caspienne", qui est né à la suite des voyages de l'artiste là-bas - la même légèreté est extérieurement négligente oh la manière sommaire de dessiner. Derrière elle, on sent la recherche loin d'être achevée d'images de la modernité, alliant l'expression de l'éphémère et le contenu volumineux du caractéristique.

Une mort prématurée a interrompu le travail de l'artiste dans le milieu.

La troisième direction dans le travail des graphistes sur des sujets contemporains a émergé avec une tendance précoce au rendu romantique et optimiste de l'intrigue. Elle transforme les motifs industriels en un spectacle majestueux, parfois envoûtant. Il semblerait que de telles œuvres aient l'approche la plus créative et la plus émotionnelle de la nature. Et en effet, parmi eux, les choses significatives et très belles dans l'exécution ne sont pas rares. Mais leur exaltation amoureuse a le plus souvent un caractère quelque peu abstrait et subjectif, elle, comme la justesse descriptive d'autres œuvres, n'est le résultat que du premier contact de l'artiste avec le thème. Non sans raison, emportés par des vues générales de construction, d'ateliers d'usines, etc., les auteurs de tous les premiers ouvrages industriels y accordent encore une place très modeste à l'homme. Un exemple d'œuvres de plan romantique peut être la feuille "Dneprostroy" de N. I. Dormidontov (1931 ; ill. 8). Dormidontov (né en 1898) est aussi l'un des premiers artistes thème contemporain dans le graphique. Dès le milieu des années 1920, apparaissent ses feuilles de travail consacrées au travail, d'abord rigidement précises et sèches, puis plus libres et trouvées dans la composition. Dans le dessin "Dneprostroy", l'artiste est fasciné par l'énorme échelle de la structure, l'image enchanteresse du travail de nuit, éclairée par la lumière vive de nombreuses ampoules. Dans son dessin, l'œuvre se transforme en un spectacle qui frappe l'imaginaire, mystérieux, grandiose et légèrement fantastique.

Une interprétation similaire du travail peut être vue dans une série de gravures d'AI Kravchenko (1889 - 1940), également consacrées à la construction du Dneproges (1931). Il a été créé par l'artiste déjà à l'âge mûr de la créativité, et son habileté spectaculaire s'y est clairement manifestée,

Dans les gravures de ce cycle, d'énormes structures du barrage s'empilent, montent, des flèches de grues s'élèvent étroitement autour d'elles, le haut ciel tourbillonne de nuages ​​et le soleil envoie ses rayons éblouissants. Les contrastes de couleurs noir et blanc donnent lieu à une gamme de gravures vives et agitées. Le spectacle de la construction près de Kravchenko est grandiose et impressionnant. Et les personnes qui créent un nouveau géant industriel dans des conditions difficiles ne sont données que comme des groupes de silhouettes identiques se répétant rythmiquement, comme des porteurs abstraits de mouvement. Cependant, de nombreux artistes à cette époque étaient principalement attirés par l'expressivité panoramique générale du chantier, de l'atelier, etc. Et dans les gravures de Kravchenko, elle ne s'exprime que de la manière la plus talentueuse.

Créativité Kravchenko fait généralement une page lumineuse et originale dans l'histoire de nos graphismes. Maître de la gravure sur bois, de l'eau-forte et du dessin, très sensible aux thèmes de la forte coloration sociale des objets de chevalet, écrivain de science-fiction et magicien de l'illustration, Kravchenko a rapidement acquis une grande popularité dans son pays et à l'étranger. Issu d'une famille paysanne, il a fait ses études à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. Ses professeurs étaient les célèbres peintres russes S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov. Kravchenko a commencé sa carrière comme peintre, mais dans le domaine du dessin et de la gravure, vers lequel il s'est tourné pendant les années du pouvoir soviétique, son travail est particulièrement intéressant. De nombreux voyages en Inde, en France, en Italie, en Amérique et en Union soviétique complètent la formation artistique de Kravchenko et élargissent ses horizons. Kravchenko a travaillé très dur. Il a créé un monde bizarre d'images dans des illustrations de livres, mêlant fantastique et grotesque, la magie frémissante des sentiments et l'énergie de l'obsession. Il a constamment travaillé dans le domaine du paysage, ses différentes feuilles captent l'harmonie, la beauté et la modestie de la région de Moscou et des villes célèbres d'Europe. Il est l'un des premiers graphistes à créer des séries d'histoires, répondant à des sujets publics. Le cycle de gravures dédié aux funérailles de V. I. Lénine, réalisé la même année 1924, était un récit de témoin oculaire douloureux, et maintenant il a acquis la signification d'une œuvre historique. L'artiste revint par la suite au thème léniniste une fois de plus, après avoir exécuté en 1933 une gravure stricte et solennelle "Mausolée". Il réalise également un cycle de gravures « Une vie de femme d'hier et d'aujourd'hui » pour le pavillon soviétique de l'Exposition internationale de Paris. Dans des tableaux contrastés, l'artiste a reproduit le destin d'une femme-mère dans la Russie tsariste et soviétique ; il a agi ici comme un conteur, dont le discours est émotionnel et vivant, mais il n'y avait pas de grande expressivité interne et plastique dans ses images. Après la série "Dneprostroy", Kravchenko ne quitte pas le thème industriel et en 1938, sur la base des matériaux d'un voyage créatif, il crée des dessins et des gravures dédiés à l'usine d'Azovstal.

Dans l'eau-forte représentant le coulage de l'acier (ill. 9), l'artiste reste fasciné par la puissance des immenses structures techniques, la majesté de l'image du travail. Il compose librement une scène complexe, l'éclaire efficacement de flots de lumière et d'étincelles. De plus, un véritable rythme de travail apparaît ici, et avec lui l'opportunité de tout ce qui se passe, au lieu du pathos quelque peu abstrait de Dneproetroy. En plus d'un divertissement spectaculaire, la feuille acquiert également un excellent contenu.

Cette gravure monumentale a été réalisée par Kravchenko pour l'exposition de toute l'Union "Industrie du socialisme". Cette exposition d'art soviétique est associée à l'appel massif des artistes au présent. Des œuvres pour lui ont été créées pendant plusieurs années, à partir de 1936. Peu avant le début de ce travail, 1 500 batteurs de l'une des plus grandes usines ont écrit sur les pages de la Pravda, s'adressant aux artistes :

"Nous attendons de vous de superbes peintures. Nous voulons qu'elles ne soient pas que de simples photographies. Nous voulons que la passion y soit investie. Nous voulons qu'elles nous excitent, nous et nos enfants. Nous voulons qu'elles nous insufflent la joie de lutter et de soif. pour de nouvelles victoires. Nous voulons que vous montriez au peuple de notre pays - les héros et les participants ordinaires à notre construction.

Ces mots ardents ont non seulement bien formulé les tâches de notre art, mais ont également reflété l'atmosphère de l'amour exigeant du peuple pour l'art, cet intérêt élevé pour celui-ci d'un ouvrier qui a aidé les artistes dans leur travail. Organisée à l'initiative de Sergo Ordzhonikidze et inaugurée pendant les journées du 18e Congrès du Parti, l'exposition couvrait largement la vie du pays soviétique. Plus de 1000 œuvres y ont été exposées, dont environ 340 dans le département graphique (hors satire). Peu de ces feuilles étaient des œuvres d'une grande habileté, peu d'entre elles ont survécu à ce jour. Mais les nouveaux thèmes apportés par eux, vus par les artistes dans la vie - sur les échafaudages des nouveaux bâtiments, dans les ateliers de l'usine - ont été une grande conquête pour l'art graphique. Dneprostroy et le travail dans les mines de potasse de Solikamsk, la construction d'un métro et le développement de l'Arctique, l'extraction de l'or dans la taïga et le travail d'un mineur - à quel point ces sujets sont différents du cercle vicieux des phénomènes de la vie auquel le monde de le graphisme du chevalet était limité auparavant, quel peu d'adhésion à l'antiquité, au rétrospectivisme fondamental ! Il y avait encore beaucoup de paysages industriels ici. Mais à côté d'eux, des scènes de travail apparaissent également; et une personne travaillant dans une usine, dans un champ, dans un laboratoire, dans une mine devient pour la première fois le héros des œuvres graphiques. Les artistes ne connaissent toujours pas bien son monde intérieur, au début ils ne font que se sentir bien et sont capables de transmettre son habitude confiante au travail, la plasticité des mouvements professionnels. Par conséquent, le geste de travail dans les dessins est plus convaincant que l'expression du visage, et certaines bonnes œuvres sont gâchées par la grossièreté extérieure des personnages.

L'artiste A. Samokhvalov (né en 1894), par exemple, dans une série d'aquarelles a bien montré la vigueur et l'optimisme des "Metrostroy Girls", mais a également souligné leur grossièreté. Une telle emphase, pour ainsi dire, limite notre connaissance des héroïnes de Samokhvalov et appauvrit son œuvre, bien que dans son ton même, dans son atmosphère, il y ait des traits qui sont correctement vus dans la vie. L'homme de travail est caractérisé de manière plus réfléchie dans l'aquarelle de S. M. Shor (né en 1897) "La fille aux chèvres" de la série "Anciennes et nouvelles qualifications du Donbass" (1936 ; ill. 10). Ici, l'image d'une femme intelligente et énergique est créée, son entrepôt spirituel, sa force morale sont devinés avec sensibilité. Ce n'est pas pour rien que S. Shor devient un maître du portrait graphique, le plus souvent réalisé par elle dans la technique de l'eau-forte.

Dans les années d'avant-guerre, des feuilles dédiées aux travailleurs par I. A. Lukomsky (né en 1906) sont apparues. Dans son dessin sépia "Ouvrier" (1941; ill. 11), l'accent est transféré de l'individuel-caractéristique au typique, limé souligné, comme en gros plan. La liberté intérieure, la fierté de son travail se lisent sur le visage du travailleur.

Dans les années 1930, un événement important pour le graphisme fut la préparation d'une exposition d'illustrations pour l'histoire du parti. Il a focalisé l'intérêt de nombreux artistes sur des sujets historiques, leur a fait repenser le chemin parcouru par notre état. Le thème historique et révolutionnaire a commencé sa vie dans les graphiques dès le début des années 1920. Cependant, à cette époque, il ne s'agissait que d'œuvres distinctes, principalement des gravures, dans lesquelles le décor et le schématisme souvent abstraits étaient encore considérés comme faisant partie intégrante de la technique de gravure. Plus tard, en 1927, à l'opposé de ces œuvres, une image du héros des batailles de Perekop attisée par le pathos révolutionnaire apparaît sous le ciseau de l'artiste ukrainien V.I. Kasiyan. VI Kasiyan (né en 1896) - originaire de l'ouest de l'Ukraine, formé à l'Académie des beaux-arts de Prague - artiste âme en quête, manière capricieuse brillante. Son palmarès est lumineux, émouvant, mais il reste tout de même seul dans le calendrier de ces années.

La plupart des œuvres créées pour l'exposition susmentionnée ont acquis plutôt un caractère de chevalet qu'un caractère illustratif. Ouverte en 1941, avant la guerre, elle s'appelait "l'exposition des nouvelles œuvres du graphisme soviétique" et comprenait un certain nombre de bonnes œuvres. Beaucoup d'entre eux appartenaient à des maîtres du graphisme de livres. Les illustrateurs ont introduit dans la sphère du dessin de chevalet la nature psychologique des images et la justesse de la situation historique, qui étaient alors des réalisations récentes et marquantes de leur art. Telles étaient les feuilles du collectif d'artistes Kukryniksy - "Sur les barricades", "Chkalov sur l'île d'Udd", "Pistes politiques", Kibrik - "Khalturin et Obnorsky", Shmarinov "Les funérailles de Bauman" et autres.

L'intérêt des graphistes pour les sujets historiques dans les années 1920 et 1930 avait un autre aspect lié à la littérature.

Images inspirantes de Pouchkine, Lermontov sur de longues années attiré l'attention créative des artistes. N. P. Ulyanov (1875 - 1949) a beaucoup travaillé sur sa série Pouchkine. L'un des principaux peintres soviétiques de l'ancienne génération, proche élève de V. A. Serov, Ulyanov était un maître de la peinture historique et du portrait, ainsi qu'un artiste de théâtre.

Les dessins d'Ulianov racontent différentes périodes de la vie du grand poète - des jours du lycée aux derniers mois tragiques; ils sont complétés à des degrés divers - certains sont plus grands, d'autres ressemblent à des croquis, à des pages de recherches intenses et inachevées, mais dans chacun d'eux, l'essentiel pour l'artiste est la vie ardente de l'âme de Pouchkine. L'un des meilleurs est un dessin réalisé en relation avec le tableau "Pouchkine et sa femme devant un miroir lors d'un bal de cour". La fière et belle image de Pouchkine apparaît ici dans les lignes laconiques du dessin inspiré de Serov.

Le thème de Pouchkine reçoit une autre interprétation graphique - dans le paysage des lieux mémorables. L'artiste L. S. Khizhinsky (né en 1896) se produit dans ce genre. Dans ses gravures sur bois de bijoux réalisées avec une grande habileté, représentant les lieux de Pouchkine et de Lermontov, il parvient à une combinaison difficile de précision documentaire et de début poétique émotionnel. Sans cette combinaison, le succès du paysage mémoriel, qui est toujours construit sur des sous-textes subtils, des associations individuelles, est impossible.

Dans les années 1930, de nouveaux moments dans le développement du graphisme se font sentir très fortement. Elles consistent non seulement en de nouvelles orientations du travail des artistes qui, on l'a vu - soutenu par l'activité d'exposition ! - prennent une ampleur considérable, mais aussi en un nouveau contenu des genres traditionnels du portrait et du paysage, et en la apparition d'œuvres significatives d'artistes des républiques fédérées. Ainsi, V. I. Kasiyan, déjà mentionné ci-dessus, crée des gravures dédiées à Shevchenko pleines de pensées sérieuses au cours de ces années. L'artiste a également mis beaucoup de feu spirituel dans son travail ultérieur sur le grand kobzar, représentant la colère ininterrompue de Shevchenko sur fond d'épisodes de la lutte populaire (ill. 12).

Parmi les œuvres les plus importantes de ces années figurent des paysages et des portraits du maître arménien M. Abegyan, des lithographies dédiées à la Moldavie par l'Ukrainien G. Pustovite, une gravure monumentale de l'artiste géorgien D. Kutateladze représentant S. Ordzhonikidze et S. M. Kirov. Au cours de cette période, le célèbre artiste azerbaïdjanais A. Azimzade - dessinateur, dessinateur et affichiste - a créé les choses les plus intéressantes dans le domaine des graphiques de chevalet. Des images du passé sont reproduites dans ses feuilles à la manière originale d'un dessin détaillé, avec une touche de dessin ornemental. Quoi de neuf dans le portrait et le paysage des années 1930 ? L'ancienne intimité de ces genres disparaît et leurs maîtres s'ouvrent de plus en plus hardiment vers la vie, faisant connaissance avec de nouvelles personnes, élargissant la portée géographique des œuvres paysagères. Ce dernier s'applique non seulement aux maîtres de l'industriel, mais aussi au paysage ordinaire. Si auparavant seuls E. E. Lansere, qui étudiait sans relâche la nature et la vie des peuples du Caucase, et Schillingovsky, qui peignait l'Arménie, s'écartaient de la tradition établie Moscou-Leningrad dans le paysage, maintenant toute une galaxie de maîtres crée leurs œuvres en dehors de son frontières étroites. Les artistes dépeignent la nature de la Russie centrale, du Nord, de la Crimée, du Caucase et de l'Asie centrale. Le paysage devient un domaine d'application brillante de la technique de l'aquarelle. Les œuvres des graphistes L. Bruni, A. Ostroumova-Lebedeva, des peintres S. Gerasimov, A. Deineka, P. Konchalovsky témoignent de la véritable floraison du paysage à l'aquarelle. L'activité de la vision du monde de l'auteur est une nouvelle caractéristique de ces œuvres. Peut-être, avec une clarté particulière, est-elle visible dans les paysages de ces artistes qui se sont rendus à l'étranger au cours de ces années.

Une vision aiguë des contrastes d'une réalité étrangère est inhérente, par exemple, aux paysages parisiens et romains de A. A. Deineka (ill. 13). L'artiste ne peut s'abandonner au charme calme de l'architecture et des statues majestueuses, comme ce fut le cas plus d'une fois dans les séries graphiques étrangères pré-révolutionnaires ; sur ce beau fond, son œil remarque à la fois la figure d'un chômeur et les figures sinistres et pleines d'assurance des ministres de l'église. Dans le cercle d'œuvres telles que les feuilles de Deineka, naissent la passion journalistique et l'intransigeance politique, caractéristiques du graphisme soviétique.

Ces qualités se sont également manifestées avec une grande force dans la "Série espagnole" de dessins du Leningrader Yu. N. Petrov (1904 - 1944). La série de Petrov était une contribution des graphiques de chevalet à la lutte contre le fascisme, qui, à cette époque, était déjà activement menée par les maîtres de la caricature et les affichistes politiques. L'art de Yu. Petrov, dessinateur et illustrateur, était l'art d'une grande culture et de sentiments profonds. Petrov a participé à la lutte contre le fascisme en Espagne, il connaissait et aimait ce pays, ses habitants, ses grands écrivains et artistes du passé, et cet amour et cette révérence se reflétaient dans ses dessins. L'Espagne, ses paysages montagneux, ses maisons détruites par les bombes, son peuple retenu, fier et ardent - les soldats de l'Armée Populaire, les femmes et les enfants qui ont perdu leurs maisons, sont capturés dans des compositions laconiques, un peu tristes et courageuses. Certaines pages de la série de Petrov semblent être des esquisses, mais le dessin doux avec une modélisation douce décrit la plasticité des formes et des plans de paysage avec une telle précision, une vie si frémissante les remplit que la grande réflexion de chaque feuille devient tangible. Cette série reste tout de même l'une des choses les plus vécues et les plus sincères de notre programmation. Son auteur mourut plus tard sur un poste militaire pendant la Grande Guerre patriotique, et son art, qui promettait beaucoup, n'eut pas le temps d'atteindre son zénith.

La Grande Guerre patriotique, qui a commencé en 1941, a radicalement changé la nature et le rythme du développement de tous les types d'art. Elle a également provoqué de grands changements dans les graphismes du chevalet. L'efficacité du graphisme, la relative simplicité de ses techniques sont désormais devenues des qualités particulièrement précieuses. L'ardent besoin d'avoir son mot à dire à l'heure des procès nationaux, de répondre rapidement à l'amertume et à l'héroïsme de la journée à venir, conduit nombre d'artistes au dessin, à l'aquarelle, et parfois à la gravure. Dans le graphisme de chevalet, maintenant, avec ses maîtres reconnus, certains peintres, ainsi que, avec beaucoup de succès, des illustrateurs, ont commencé à travailler.

Dès la première année de la guerre, avec les affiches et les caricatures, les graphiques de chevalet sont devenus l'une des formes d'art les plus actives, excitant profondément le cœur des spectateurs. Les maîtres du dessin et de la gravure ont créé beaucoup de belles choses, nées de la colère et de l'inspiration. Il y a des sommets distincts dans cette série d'œuvres, qui se distinguent par une compétence plastique particulière. Mais le niveau global des graphismes militaires est élevé. Les artistes ont créé leurs dessins à la fois dans les rangs de l'Armée rouge et à Leningrad assiégée, dans des villes traversées par une forte vague de retraite, à l'arrière, où tout était subordonné aux tâches du front et à l'étranger de notre pays. dans la dernière Epoque batailles contre le fascisme. Les graphismes nous ont montré différentes facettes de la guerre, différentes facettes de la vie dans cette période cruciale de l'histoire de notre patrie - de la réflexion éphémère d'une infirmière fatiguée au panorama d'une immense bataille. Dans le même temps, la différence des talents, l'entrepôt de la pensée figurative des artistes, est également clairement affectée. Dans les œuvres de l'un, la guerre apparaît comme de longues routes militaires, souvent désagréables, et parfois si vivement agréables à l'œil avec la beauté inattendue de la forêt survivante. Dans les feuilles d'un autre, elle parcourt une série de scènes simples de la vie militaire, esquissées à la hâte, mais avec justesse. Dans les dessins du troisième, elle est dans une expression particulière des yeux d'un guerrier ou d'un partisan qui a rencontré la mort plus d'une fois. Le courage et le patriotisme du peuple soviétique, si clairement manifestés pendant les années de guerre, ont été chantés par les artistes dans ces œuvres de nature différente. Les œuvres graphiques sont pleines de ce sens particulier de la beauté de notre vie soviétique, aiguisée par la guerre, qui a marqué les meilleures choses dans toutes les formes d'art.

Un trait caractéristique des graphiques était l'apparition d'un grand nombre de croquis. Les artistes les ont parfois interprétés dans les situations de combat les plus difficiles, essayant de raconter aux gens la guerre de manière plus précise et plus complète, afin de collecter du matériel pour de futures compositions. Dans la préface de l'album de dessins "Front Diary" du graphiste moscovite P. Ya. Kirpichev Hero Union soviétique S. Borzenko écrit : "L'une après l'autre, les images dessinées sur les traces fraîches de la guerre passent, elles passent telles que l'artiste les a vues au moment des événements... Aucun danger et aucune difficulté ne l'ont arrêté. Il se dirigea vers les objets choisis parmi les champs de mines et y travaillaient du matin au soir, craignant de rater le moment, craignant que les incendies ne s'éteignent et que les équipes de trophées n'emportent les canons et les chars détruits. Cette description du travail de l'artiste au front est très caractéristique, car tout comme Kirpichev, de nombreux graphistes de chevalet ont travaillé pendant la guerre. Les esquisses constituent le fonds précieux de notre art, loin d'être publiées dans leur intégralité. Leurs auteurs sont N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Dzhaparidze, N. N. Zhukov, P. Ya. E. K. Okas, U. Tansykbaev, S. S. Uranova et d'autres ont créé toute une chronique de la vie quotidienne militaire difficile, un poème sur un homme dans le guerre, défendant sa patrie contre le fascisme.

Malgré la fluidité qui distingue les croquis, ils indiquent déjà les caractéristiques du talent de chaque artiste - et pas seulement son maître du dessin, mais aussi une certaine gamme de phénomènes qui le touche le plus.

Ainsi, A. V. Kokorin (né en 1908), par exemple, ne passera jamais devant une scène pittoresque qu'il a soudainement vue, il esquissera dans son journal graphique les deux selles accrochées à un pistolet et un camion cassé qui dépasse de dessous sur trois à côté des bottes des soldats qui le raccommodaient, et un combattant de convoi cousant calmement quelque chose sur une machine à coudre en plein champ, et une figure de prêtre avec un grand sac à dos parlant à un soldat soviétique. La caractéristique générale de l'apparence des personnes est capturée avec précision par Kokorin, et derrière ses scènes simples, vous ressentez toujours un léger sourire, de l'affection pour vos héros. C'est dans ces esquisses que s'est accumulée l'expérience de Kokorin en tant que maître du paysage architectural, capable de dessiner l'apparence de la ville, les principaux contours de son architecture et la vie de la rue - qualités qui se sont développées dans la post-production de l'artiste. dessins indiens de guerre.

Chaleur et lyrisme distinguent les croquis et les dessins de D. K. Mochalsky. Même dans la situation la plus inadaptée à cela, dans l'agitation des routes de première ligne menant directement à Berlin au dernier stade de la guerre, ou déjà à Berlin - la citadelle du fascisme que nos troupes viennent de prendre - la chaleur de la vie, son rayon joyeux, dans une douce apparition brillera sûrement dans les draps de Mochalsky des filles contrôleurs de la circulation, au regard de combattante, fixées sur une femme avec un landau.

N. N. Zhukov (né en 1908) apparaît dans des croquis militaires comme un artiste physionomiste qui peut voir beaucoup de choses chez une personne. L'intérêt constant pour le monde intérieur d'une personne donne un sens même au plus superficiel de ses dessins. Paysages, croquis de soldats, scènes de genre alternent dans ses feuilles. La manière de dessiner au crayon de Joukov, dépourvue de toute teinte de ostentation extérieure, reflète, pour ainsi dire, la préoccupation de cet artiste pour la nature, la prévenance de son approche de celle-ci. Les œuvres de Joukov sont devenues célèbres avant même la guerre, lorsqu'il a achevé une série d'illustrations pour la biographie de K. Marx. Par la suite, Joukov n'a pas quitté son travail sur ce sujet responsable. Il a investi beaucoup de travail dans la création d'une série de dessins "V.I. Lénine". Ses feuilles les plus réussies sont résolues sous la forme d'une esquisse légère, fixant un court instant dans la chaîne des autres, sous la forme d'une sorte d'étude de portrait. Mais c'est précisément lors de la création de croquis militaires que la capacité d'observation de l'artiste et son habileté dans un croquis rapide ont été renforcées, ce qui lui a été utile plus tard - à la fois dans une vaste série de dessins dédiés aux enfants, appréciés des téléspectateurs, et dans les portraits. . Surtout, l'expérience du travail en temps de guerre s'est reflétée dans les illustrations de "The Tale of a Real Man" de B. Polevoy, créées par Joukov peu après la guerre.

Il faut dire que l'expérience du travail militaire a joué un rôle dans le travail illustratif d'autres artistes. Cette expérience a aidé O. G. Vereisky à créer des dessins pour "Vasily Terkin" de A. Tvardovsky, a longtemps amené A. V. Kokorin, plus tard l'illustrateur de "Sebastopol Tales" L. N. Tolstoy, au thème militaire. Le parcours de A. P. Livanov de la série "Partisans", créée par lui peu après la guerre, à l'illustration de "Chapaev" de D. A. Furmanov était également logique.

Un autre trait caractéristique du graphisme des années de guerre était l'appel des artistes à la forme d'une série, c'est-à-dire une série de feuilles, unies par un concept et un mode d'exécution uniques. Nous pouvions voir que les séries étaient créées par des artistes auparavant, mais pendant les années de guerre, elles sont devenues le phénomène phare du graphisme. Une série n'est bonne que lorsque le spectateur apprend quelque chose de nouveau à chacune de ses pages, lorsque l'artiste dirige ses impressions, alternant les feuilles d'une certaine manière, c'est-à-dire donnant à la série une composition claire. Nous rencontrons toujours le concept de "composition" lors de l'analyse d'une œuvre d'art distincte. Mais en réalité il y a aussi une composition de toute une série graphique comme une régularité interne de l'alternance de ses feuilles, entre lesquelles il y a diverses connexions. En construisant clairement la composition de la série, l'artiste y trouve un nouveau moyen d'une grande expressivité. L'auteur de la série exécute essentiellement une œuvre multi-syllabique et multi-facettes, dont chaque page doit sonner complète et forte, et en même temps faire partie intégrante de l'ensemble créé comme par un seul souffle. Bien sûr, cette tâche n'est pas facile. Et souvent la somme des feuilles, appelée par l'artiste une série, n'est pas essentiellement une série.

La composition de la série est différente. Ainsi, une série peut se construire sur une juxtaposition contrastée de nappes, ou au contraire sur leur son égal et identique. Dans un autre cas, l'auteur peut commencer son histoire sérielle, augmentant progressivement sa tension émotionnelle, créant une sorte de point culminant de l'action et des sentiments dans une ou plusieurs feuilles et la clôturant par une fin.

C'est ainsi que, par exemple, un grand cycle de lithographies de A.F. Pakhomov "Leningrad à l'époque du blocus et de la libération", publié avec le texte du poète N.S. Tikhonov en 1946, a été arrangé. Ce cycle a été la première grande représentation graphique de chevalet par A. F. Pakhomov (né en 1900), un maître des livres pour enfants, connu pour ses illustrations pour les œuvres de N. A. Nekrasov et I. S. Tourgueniev. Les lithographies de Pakhomov sont des témoignages oculaires, et elles nous touchent avec la vérité de ce que nous voyons, avec la lumière d'une grande solidarité et d'un grand courage humains.

La série s'ouvre sur la feuille "En voyant la milice populaire", elle nous entraîne immédiatement dans une atmosphère d'angoisse, de confusion d'une vie heureuse perturbée. De plus, les événements se développent rapidement, la vie de la ville change, les bombardements et bombardements en font partie intégrante. Les habitants de Leningrad construisent des bunkers dans les rues, en service pendant l'alarme sur les toits, sauvant les blessés des maisons détruites. Tout cela est montré dans des lithographies, se remplaçant rapidement, détaillées, comme une histoire, mais pleines de tension interne. En eux, le temps est compacté et saturé, les gens agissent sans perdre une minute, combattent courageusement l'ennemi.

La page suivante de l'album - "Sur la Neva pour l'eau" (ill. 14) nous sort du rythme effréné de ces épisodes. Ici, le temps s'écoule lentement - c'est le pas lourd des jours froids et affamés du blocus de Leningrad. Une fille avec un seau insupportablement lourd monte lentement les escaliers. Cette héroïne Pakhomov est l'une des images les plus fortes non seulement de la série, mais de l'ensemble des graphismes militaires. Le regard du spectateur s'arrête d'abord sur le visage de la jeune fille - c'est ainsi que se construit la composition de la lithographie, c'est ainsi que dicte l'expressivité exceptionnelle de ce visage. L'artiste a développé ses expressions faciales en détail - les yeux sombres exprimant une profonde fatigue semblent particulièrement grands sur un visage plus fin, les sourcils froncés sont rapprochés dans un mouvement brusque, les lèvres exsangues d'une bouche entrouverte sont si pâles qu'elles ne se détachent presque pas sur le visage et l'artiste dessine légèrement le contour avec leur ligne. Il semblerait que l'image de cette fille sera l'incarnation de la fatigue et de la souffrance. Mais ce qu'il y a de plus remarquable chez lui, c'est la combinaison de ces traits de fatigue physique et d'épuisement avec la dureté spirituelle.

La constance, l'insubordination de l'héroïne de Pakhomov est la fusion la plus complexe de nombreux aspects de sa vie spirituelle, de ses qualités intérieures, et en même temps c'est sa qualité principale qui prévaut sur toutes les autres. Ici, avec la simplicité habituelle de Pakhomov et la clarté ingénue de l'image, sa polyvalence et sa profondeur sont nées. Pakhomov est toujours particulièrement proche des images d'enfants. Et dans cette lithographie, il a réussi à en dire beaucoup, montrant comment une fille verse de l'eau d'une bouilloire ; pour elle, il s'agit d'une question dans laquelle elle est complètement absorbée - à la fois une nécessité et en même temps un jeu. Dans cette combinaison il y a une douleur douloureuse, il y a une véritable vie de blocus avec ses notes de tragédie aiguë au milieu de la vie quotidienne. L'étendue enneigée de la rivière, l'air glacé et transparent de l'hiver sont bien rendus dans les lithographies. Cette feuille, ainsi que le dessin suivant "À l'hôpital" - le plus puissant, rempli de sentiments. Ils forment, pour ainsi dire, l'aboutissement de la série. De plus, l'histoire de l'artiste se déroule plus sereinement et, selon le rythme des événements, ses feuilles deviennent plus lumineuses et plus joyeuses: "Krovelolitsy", "New Year's Eve" et autres. La série se termine logiquement par l'image du feu d'artifice du 27 janvier 1944 en l'honneur de la percée du blocus de la ville par l'armée soviétique, un feu d'artifice qui excite si profondément et joyeusement les gens, évoquant toute une série de souvenirs et d'espoirs. Sous le feu d'artifice, les gens se réjouissent de différentes manières: à la fois bruyamment, s'abandonnant au triomphe lumineux de ce moment jusqu'à la fin, et pensivement, s'éloignant légèrement dans les souvenirs, et profondément, de tout leur cœur, sentant la sécurité de leurs enfants. L'excitation et la joie les unissent, et la composition serrée de la feuille, pour ainsi dire, rend cette solidité visible et à ses propres yeux.

Military Leningrad est dédié à de nombreuses œuvres d'autres artistes. Citons-en une série de linogravures de S. B. Yudovin (1892 - 1954). Nous avons vu comment, dans la série de Pakhomov, la technique de la lithographie permettait à l'artiste de présenter chaque image qu'il avait conçue en détail, en fouillant les détails, en combinant leur subtilité linéaire avec le pittoresque des étendues fondantes du paysage hivernal. La série de Yudovin est réalisée en linogravure. Yudovin se caractérise par une aggravation des sentiments, des notes tragiques résonnent avec autorité dans ses feuilles. Et toute la structure figurative de ses feuilles, et le mode d'exécution sont soumis à ce sens du tragique de ce qui se passe. La couleur noire lourde et la lueur froide de la neige règnent dans ses gravures. Dans le silence glacial de la ville, les gens marchent péniblement, ployant sous le poids du fardeau, sous le fardeau des troubles du blocus. Leurs silhouettes, généralement vues d'en haut, se détachent nettement sur les rues enneigées. Un dessin anguleux, une lumière impitoyable, arrachant des terre de sienne aux ténèbres ; la vie, qui est devenue le cadre de la tragédie - ce sont les gravures de Yudovin. C'est en vain que l'on reprochera à l'artiste leur dure sincérité, leur manque d'optimisme. La nature du talent de Yudovin lui a permis d'exprimer avec une sensibilité particulière les aspects tragiques de la lutte des Leningraders avec l'ennemi.

Mais les graphismes dans leur ensemble étaient caractérisés par une vision plus lumineuse du monde, même lorsqu'ils décrivaient les épreuves qui se sont produites Peuple soviétique. Nous pouvions déjà le voir dans la série de Pakhomov et nous en trouverons une nouvelle confirmation en nous familiarisant avec une série de dessins de D. A. Shmarinov "Nous n'oublierons pas, nous ne pardonnerons pas!" Shmarinov (né en 1907) est l'un de ces artistes dont les efforts ont fait de l'illustration de livres soviétiques un grand succès dans les années 1930. Il a reçu une bonne formation professionnelle dans les studios d'art de Prakhov à Kyiv et de Kardovsky à Moscou. Le talent d'un psychologue et une grande culture intérieure distinguent ses œuvres littéraires. Pendant les années de guerre, Shmarinov a créé des affiches et des dessins de chevalet. Série "On n'oubliera pas, on ne pardonnera pas !" a été exécuté par lui en 1942 en peu de temps, mais son idée a été formée pendant toute la première année de la guerre.

L'histoire de l'artiste ne commence pas progressivement, depuis le début - il nous choque immédiatement avec la grande tragédie du dessin "Exécution". Les images des épreuves et des tribulations de la guerre se succèdent, mais le thème lumineux du courage du peuple soviétique, qui est né dès la première page de la série, l'emporte même dans ses pages les plus amères. Un des les meilleurs dessins ce cycle est la feuille "Retour" (ill. 15). Des milliers d'agriculteurs collectifs soviétiques dans la vie connaissaient la position dans laquelle se trouve la femme représentée par l'artiste. Chmarinov l'a peinte au moment où le spectacle de la maison natale dévastée, détruite s'est ouvert pour la première fois à ses yeux, l'obligeant à s'arrêter dans une sorte de stupeur de réflexion douloureuse et indignée. Son agitation profonde ne se manifeste presque extérieurement en rien. C'est la retenue d'une personne forte qui ne se permet pas une explosion de sentiments, des moments de désespoir. Et combien le paysage raconte le spectateur ici! La pureté transparente de l'air, la luminosité des reflets du soleil et les ombres glissant sur la terre dégelée - cette belle image du début du printemps apporte de la joie au sous-texte complexe de la scène. La feuille commence à ressembler à une histoire lyrique, ce qui est très caractéristique du talent de Shmarinov. Les dessins de Shmarinov, exécutés au fusain et à l'aquarelle noire, passent par de nombreuses étapes dans le processus de travail. Mais ils évitent volontiers la complétude externe sèche, préservant la vivacité frémissante des traits, comme s'ils venaient d'être posés par l'artiste.

Ce n'est que dans les deux dernières feuilles de la série - "Return" et "Meeting" - qu'il n'y a pas d'image des nazis, et bien que la joie soit encore très loin, l'atmosphère devient plus légère, les héros respirent mieux. La dure vie de la première année de la guerre, dont l'artiste résume les événements, lui a suggéré la composition de la série - la tension tragique implacable de la plupart de ses pages et les notes lumineuses des derniers dessins.

Pendant les années de guerre, V. A. Favorsky (né en 1886), l'un des plus anciens artistes soviétiques, grand maître de la gravure sur bois, s'est également tourné vers le graphisme de chevalet. Tout au long de sa carrière, l'illustration de livres a attiré son attention dans la plus grande mesure. Et maintenant, les téléspectateurs soviétiques et étrangers admirent tout d'abord le monde épique harmonieux de ses gravures pour "Le conte de la campagne d'Igor", la tragédie et la profondeur des illustrations pour "Boris Godunov", le polysyllabique, plein de généralisations philosophiques et parfois dur , nuances de vie parfois captivantes, une série de gravures pour les « Petites Tragédies » de Pouchkine. Mais déjà à la fin des années 1920, Favorsky a également créé un beau portrait de F. M. Dostoevsky - un personnage complètement indépendant, bien que, bien sûr, étroitement lié aux livres de l'écrivain. Ombre et lumière s'opposent dans cette feuille inquiétante ; frémissante, fortement façonnée l'image d'un homme submergé par un tourbillon de pensées douloureuses. On entre ici en contact avec une vie spirituelle d'une intensité exceptionnelle, on devine le monde intérieur, plein de contradictions et de lutte. Dans la libre variété des traits, dans l'utilisation judicieuse de la couleur, une grande habileté se fait sentir.

Dans les années 1940, Favorsky a créé des feuilles "Minin and Pozharsky", "Kutuzov". L'artiste n'était pas seul dans son appel créatif aux pages glorieuses de l'histoire de notre Patrie ; ils ont naturellement attiré l'attention particulière des peintres et des graphistes pendant les années de guerre. Dans la série Samarcande de linogravures rythmiquement fines exécutées en même temps, le cours de la vie quotidienne est dépeint avec une grâce et un laconisme sans hâte. Le fond blanc, qui joue un rôle important dans toutes ses feuilles, accentue l'élégance des silhouettes, la musicalité de compositions simples mais réfléchies.

L'artiste et plus tard se réfère plus d'une fois au graphisme de chevalet (feuille "Flying Birds", 1959 ; voir frontispice, etc.), mais l'illustration de livre l'occupe infiniment plus.

Une place prépondérante dans le graphisme en temps de guerre appartient aux œuvres de L. V. Soyfertis (né en 1911). Soyfertis travaillait auparavant dans le domaine des graphismes de magazines satiriques, et maintenant il apparaît souvent sur les pages du magazine Krokodil. Pendant les années de guerre, il a participé aux batailles de Sébastopol, Novorossiysk, Odessa. Soyfertis a eu la chance de voir beaucoup de choses difficiles dans la guerre, plus d'une fois la mort était à côté de lui, mais son talent brillant et léger a extrait de ces scènes de bataille non pas furieuses, pas la tragédie et la mort, mais le sourire de la vie, qui reste lui-même même sous les bombardements. Une netteté particulière, une amusante distingue les positions qu'il représente. Un marin se précipite vers la ligne de front dans Sébastopol assiégé, et les garçons - pour la vitesse ensemble - cirent avec diligence ses chaussures. "Une fois" est le nom de cette feuille. Il y a une bataille aérienne au-dessus de la ville dans le ciel ensoleillé, des femmes la regardent et la vieille femme coud calmement quelque chose, assise juste là sur une chaise à la porte. Les marins à la fenêtre du journal lisent les dernières nouvelles, debout en groupe serré, hérissés de baïonnettes de fusils (ill. 16), un marin et un photographe se trouvent dans l'entonnoir de la bombe - une photo est nécessaire pour le document de fête . Tout cela, évidemment, peut être qualifié d'épisodes quotidiens, mais c'est une vie qui s'est établie à deux pas de la ligne de front, et les scènes les plus sans prétention, voire drôles à première vue, sont ici attisées d'un souffle de grand courage et héroïsme. Une grâce authentique distingue les dessins de Soyfertis. Et si dans la "série Samarkand" de Favorsky, les lignes et les silhouettes ciselée des linogravures étaient gracieuses, les gracieuses et belles de Soyfertis sont légères, cassantes, comme si les lignes bâclées du dessin de contour et un remplissage aquarelle transparent vif, respirant et légèrement teinté.

Soyfertis reste un artiste au sourire fugace et d'une grande sympathie pour les gens dans ses dessins des années 1950. Sa série "Metro" - une série de scènes de genre, remarquées dans l'agitation des palais souterrains de Moscou, et des dessins et gravures dédiés aux enfants, est toujours vue avec une vigilance étonnante, toujours éclairée par un intérêt exigeant pour une personne. Tantôt touchantes et drôles, tantôt moqueuses et même légèrement grotesques, gagnant en acuité dans les comparaisons, ces feuilles nous révèlent toujours quelques nouveautés de la vie, quelque chose de nouveau dans le flux habituel du quotidien.

L'important matériel accumulé pendant les années de guerre n'entrait pas facilement dans les archives des artistes. Beaucoup d'entre eux ont continué à travailler sur des sujets militaires après la fin de la guerre. Surtout de nombreux dessins et gravures sur la guerre ont été montrés lors d'expositions des premières années paisibles. Dans le même temps, le travail des graphistes suivait naturellement le chemin de la généralisation de leurs connaissances et de leurs impressions visuelles, le long du chemin allant d'un croquis et d'un croquis à une feuille de chevalet et à toute une série graphique. Ainsi, plusieurs séries de lithographies basées sur les matériaux de ses croquis militaires ont été exécutées en 1946 - 1950 par l'artiste V.V. Bogatkin (né en 1922). Pendant les années de guerre, Bogatkin commençait tout juste son travail créatif. Il a beaucoup peint; l'un de ses dessins, représentant un jeune soldat sur les rives de la Tisza (1945), a acquis une notoriété considérable. Mais le domaine principal de son travail était le paysage. Le silence des rues désertes de Leningrad assiégée, Moscou assombrie, Berlin à l'époque de l'effondrement du fascisme, des montagnes de matériel cassé dans ses rues, des chars soviétiques à la porte de Brandebourg sont capturés par Bogatkine dans ses lithographies. Au fil des années, l'exactitude de ce que nous avons vu, contenu dans ces feuilles, créées dans la poursuite acharnée de la guerre, est de plus en plus appréciée par nous.

À la fin des années 1940 et au début des années 1950, l'image du développement des graphiques de chevalet était complexe et à bien des égards contradictoire. Les artistes ont réussi à remarquer et à transmettre certaines facettes très significatives de notre vie et, surtout, à montrer à un homme qui a traversé la guerre, la joie de son retour au travail, une soif passionnée de création. Cela était particulièrement évident dans certains ouvrages consacrés au travail des fermes collectives; la beauté des champs paisibles de notre Patrie s'y faisait sentir comme une propriété nouvellement acquise et conquise. Dans le même temps, dans le flux de dessins représentant le peuple soviétique et son travail, les caractéristiques de l'illustration, la pauvreté des pensées et des sentiments, se reflétaient clairement. Le documentaire en prose a empêché de nombreux artistes dans ces œuvres de s'élever au niveau d'une généralisation poétique de notre vie. De nombreux dessins et gravures sur des thèmes historiques et révolutionnaires sont apparus, les artistes ont donné leur force et leur talent à leur création, mais l'influence du culte de la personnalité a été particulièrement dure sur eux. Elle a empêché les artistes de créer des œuvres d'une grande richesse idéologique, conduit dans certaines œuvres à une couverture erronée du rôle du peuple en tant que créateur de l'histoire.

Les graphismes de ces années se sont développés unilatéralement en termes techniques. De nombreuses techniques graphiques n'étaient guère utilisées, le dessin à l'encre, le fusain et l'aquarelle noire prédominaient. Ce n'est que dans le domaine du paysage que la vraie peinture à l'aquarelle et certains types de gravure étaient assez courants. Mais la variété des techniques coexiste souvent dans le paysage avec la passivité interne des choses.

D'autre part, des œuvres de grande valeur artistique ont également été créées au cours de ces années. Ainsi, au cours de cette période, le talent original et fort de B. I. Prorokov, aujourd'hui l'un des principaux maîtres du graphisme soviétique, s'est formé. L'œuvre de Prorokov est étroitement liée aux années de guerre, à ce que l'artiste a vu et vécu à cette époque. Mais Prorokov est non seulement revenu toutes ces années avec le souvenir de son cœur à la guerre, il a réussi à dire avec son art les mots les plus nécessaires sur le monde.

B. I. Prorokov est né en 1911 à Ivanovo-Voznesensk. Son penchant pour le dessin se manifeste très tôt, en lycée. Ses dessins d'école, envoyés au concours du journal Komsomolskaya Pravda, ont reçu le premier prix. Cela a donné à l'auteur le droit de recevoir un billet pour l'Institut supérieur artistique et technique (Vkhutein). Cependant, les études là-bas ont peu donné à Prorokov et cela a duré moins de deux ans. Seuls les conseils du plus grand maître du graphisme politique D. S. Moor, qui enseignait la lithographie, étaient très précieux pour Prorokov. N'ayant pas reçu d'éducation spéciale, Prorokov a suivi une bonne école - politique et artistique - au travail à Komsomolskaya Pravda et plus tard dans le magazine Krokodil. Sur des missions du journal, il a beaucoup voyagé à travers le pays, en tant que journaliste, il a appris à faire une grande quantité de croquis pour une utilisation future afin de terminer rapidement n'importe quelle tâche. La plupart des œuvres d'avant-guerre de Prorokov sont des caricatures sur des sujets nationaux et internationaux. Des affiches séparées, également exécutées par lui, et notamment une feuille exposant la nature bestiale anti-humaniste du fascisme, laissaient déjà présager l'intensité, la passion et l'acuité journalistiques de ses futurs travaux.

Dès les premiers mois de la guerre, Prorokov a travaillé dans le journal de la garnison de la péninsule de Hanko, qui a héroïquement résisté au siège de l'ennemi.

"Parfois, nous sommes gênés de parler de l'exploit d'une personne d'art aussi fort que de l'exploit d'un soldat ou d'un commandant, jusqu'à ce qu'un écrivain ou un artiste remplace le commandant tué au combat et dirige la défense de la hauteur", a écrit un participant à la défense de Hanko, qui en a parlé dans l'histoire "Ganguttsy" Vl. Rudny - Et je ne peux pas imaginer une lutte acharnée des marins de Gangut * ( * La péninsule du Gangut Hanko s'appelait à l'époque de Pierre I) à la quarante et unième année sans rires et satires prophétiques, sans ses feuilletons picturaux quotidiens, ses gravures, ses portraits, taillés faute de zinc pour les clichés sur linoléum, arrachés aux sols des maisons déchirées par la guerre. " L'artiste a quitté Hanko avec les derniers détachements de " marins ". Kronstadt et Leningrad sous blocus, Malaya Zemlya près de Novorossiysk, Berlin et Port Arthur - tels sont les jalons de son parcours militaire. Et partout, même dans les conditions les plus difficiles et en première ligne, l'artiste a beaucoup peint.

La première série d'après-guerre de Prorokov - "Dans la Chine du Kuomintang" a été créée par lui sur la base de ce qu'il a vu sur Extrême Orient immédiatement après la défaite des militaristes japonais. De petit volume, il ne fait qu'esquisser quelques traits de la vie du peuple chinois, encore en proie à l'oppression coloniale et luttant pour sa libération nationale. Mais la passion de l'attitude de l'auteur envers la vie se reflète déjà pleinement ici. Avec sympathie, l'artiste dessine un partisan chinois - un jeune homme simple, modeste et courageux, plein de haine et de moquerie - d'élégants américains qui organisaient des courses de pousse-pousse inhumaines ; il partage, nous semble-t-il, à la fois la frénésie d'un orateur forcené en meeting, et la lourde fatigue d'un pousse-pousse accroupi sous le soleil brûlant près d'une voiture. Dans les prochaines œuvres de Prorokov, nous sentirons pour ainsi dire la voix de son auteur, son indignation ou son amour toujours brûlant, et donc ses œuvres nous captiveront avec une force particulière.

Dans les cycles de dessins suivants "Ici, l'Amérique!" et "Pour la paix!" la voix de Prorokov le publiciste se fit plus forte. La vie dans ses draps acquiert la puissance rageuse de la dénonciation politique de l'impérialisme. Dans le dessin "Les réservoirs de l'agresseur au fond", l'artiste dans une image passionnante et pathétique montre la volonté des travailleurs pour la paix, la force de leur solidarité. Une bouffée d'indignation a déchaîné les forces, rallié un groupe monolithique de personnes jetant un réservoir à l'eau. La feuille est laconique dans sa composition, pleine de pathétique de lutte ; il supporte facilement une forte augmentation, et plus d'une fois les partisans de la paix à l'extérieur de notre pays l'ont porté comme affiche lors de manifestations. Série "La voici, l'Amérique!" a été réalisée par Prorokov comme illustration pour un livre de brochures et d'essais sur l'Amérique. Mais il s'est essentiellement transformé en un cycle de chevalet - le contenu de ses feuilles est tellement indépendant, compréhensible et sans texte. De la même manière, les illustrations ultérieures de Prorokov pour le livre "Mayakovsky on America" ​​​​ont acquis des caractéristiques de chevalet. L'appel à Mayakovsky était profondément logique dans les œuvres de Prorokov. L'artiste est très proche de la pression passionnée des poèmes de Mayakovsky, et de leur alternance caractéristique de colère et de sarcasme, et d'images allégoriques audacieuses, et de l'évaluation politique obligatoire des phénomènes.

Dans toutes ses œuvres, réalisées après la guerre, Prorokov se bat pour la paix, dénonce l'impérialisme, l'inhumanité de sa politique coloniale, ses desseins militaristes. Mais le discours le plus puissant de l'artiste pour le monde était sa série "Cela ne doit plus arriver!", Dans laquelle, pour la première fois après les batailles qui s'étaient éteintes, il évoquait des visions militaires qui n'avaient pas quitté le cœur.

Deux feuilles d'humeur opposée sont mises en valeur dans sa série : sur l'une - "Hiroshima" - un visage condamné, nous regardant toujours depuis l'enfer d'une explosion atomique, sur l'autre - une jeune mère, une arme à la main, protégeant un enfant, défendant une vie brillante sur terre. Entre ces deux feuilles, comme dans un cadre, s'enchaînent des images de la guerre. En eux, les gens luttent contre la mort qu'apporte le fascisme ; et à l'heure de la mort ils méprisent l'ennemi, comme une jeune femme méprise les bourreaux, dans les yeux desquels il y a une vision sanglante de Babi Yar (ill. 17). Pas de détails qui dissipent une grande tension, chaque feuille est un sentiment pris à son plus haut moment, c'est une douleur qui n'est pas encore destinée à s'arrêter. Silhouette pointue et fermer sélectionnés ici comme techniques artistiques obligatoires. Seul un artiste d'un grand courage et d'une foi ardente dans les gens pourrait nous répéter la cruelle vérité sur dernière guerre. Ses pages remplies de douleur, de colère et de souffrance ne laissent personne indifférent. Testament du communiste tchèque J. Fuchik « Peuple, soyez vigilants ! résonne pour nous dans cette série d'un artiste soviétique.

Parmi les œuvres consacrées à V. I. Lénine, se distinguent les dessins du plus grand maître de l'illustration de livres E. A. Kibrik (né en 1906). Dans des feuilles séparées de la série, l'artiste, qui a soigneusement étudié les matériaux liés aux activités de Lénine l'année de la révolution, a non seulement maîtrisé la première vérité ressemblance, mais aussi poussé plus loin, au plus profond des caractéristiques internes.

La feuille "V. I. Lénine dans la clandestinité" (ill. 18) reproduit les journées de juillet 1917, lorsque Lénine, vivant à Petrograd, fut contraint de se cacher des limiers du gouvernement provisoire. Comment l'artiste lui-même a-t-il imaginé l'intrigue de ce dessin ? Selon lui, il voulait montrer ici à Lénine le théoricien, le scientifique, le penseur, qui apparaissait quotidiennement à cette époque avec des articles qui armaient le parti dans sa lutte pour la dictature du prolétariat ; le moment spécifique qui doit être représenté, l'artiste a décrit comme suit: "... Lénine, comme c'était sa nature, se promenait dans la pièce, réfléchissant à l'énorme matériau que la vie livrait chaque jour et dans lequel il devait attraper le plus important chose, ce qu'il faut pour viser la fête avec un autre article dans la Pravda.Ayant trouvé cette chose principale, il s'est rapidement assis à table, oubliant immédiatement tout dans le monde, plongé dans le travail. Caractéristiquement, Kibrik imagine une image en mouvement et, traçant un seul instant dans la chaîne des autres, il tient également compte du précédent. Le silence d'une petite chambre solitaire est plein de la tension d'un grand labeur. L'artiste a pu transmettre l'agitation et la préoccupation de Levin pour son travail avec l'expression concentrée de son visage, sa posture d'une personne qui écrit rapidement.

L'image "V. I. Lénine dans le Razliv" est d'humeur différente: elle a une agitation, une impulsion contenue. Le courant des pensées de Lénine est loin de l'environnement, et les étendues du paysage lacustre élargissent aussi, pour ainsi dire, la portée de la feuille. Dans le livre cité plus haut, Kibrik détaille le processus de son travail sur ces compositions, et toute personne connaissant ses dessins sera intéressée à lire ces pages,

Au milieu des années 1950, de belles choses sur nos temps modernes apparaissent dans les graphiques. L'artiste Yu. I. Pimenov, peintre, graphiste et décorateur de théâtre, nous a ouvert tout un monde plein de joie de vivre avec sa grande série "Région de Moscou". Pimenov a un don rare de vie quotidienne poétique, la capacité de voir la beauté de la vie quotidienne. Et la beauté, remarquée dans l'ordinaire, trouve toujours ses chemins particulièrement proches du cœur du spectateur. L'air chaud d'une journée chaude en banlieue et la figure d'une fille sur une promenade, des ouvriers fervents sur le chantier de construction de nouvelles maisons et l'éclat de la pluie sur une place de la périphérie de Moscou - ce sont les simples tracés des dessins et des aquarelles de Pimenov . « Pour un peintre de genre, il me semble », écrit-il, « les découvertes les plus précieuses sont ces véritables morceaux de vie vus, où dans des cas ordinaires, inimaginables et réels de tous les jours, la grande vérité du pays est révélée ». Le rythme de travail impétueux de notre temps, sa beauté particulière, énergique et professionnelle vivent dans les œuvres de l'artiste (voir couverture). Peut-être que le charme principal des images de Pimenov, et en particulier de ses héroïnes constantes - femmes travaillant sur un chantier de construction, rénovant des appartements, cousant, tâches ménagères, réside dans l'activité, l'activité. La couleur claire et légère de ses aquarelles donne de la fête aux scènes et aux choses les plus apparemment ordinaires. L'artiste apporte également un grand pittoresque à la technique de l'aquarelle noire et du fusain. Avec des dégradés de noir, il est capable de rendre la profondeur des ombres qui tombent sur l'eau depuis les arbres, et le froid transparent du début du printemps, et la fraîcheur de la pluie sur le quai de la gare, et le confort résineux de la route forestière. . Pimenov est un artiste très intégral. Son point de vue sur le monde, l'éventail de ses sujets de prédilection reste le même dans une série de tableaux des années 1940 - 1950 - scènes de genre, natures mortes, qui racontent si simplement et poétiquement un contemporain, et dans son graphisme, et même en prose - dans un livre sur la région de Moscou, écrit avec un enthousiasme ardent, rapidement, gracieusement et facilement, avec une vision purement artistique de la vie dans sa forme vraiment belle et multicolore.

La vie en mouvement, nouvelle et joyeuse, née chaque jour, se dépêche de capturer Pimenov dans sa série ultérieure "New Quarters".

Ayant voyagé à l'étranger plus d'une fois dans les années 1950, Pimenov a créé toute une série de petites toiles et croquis basés sur les impressions de ces voyages ou directement lors de ses voyages. Là aussi, son regard reste avant tout le regard d'un amoureux de la beauté, le journalisme ne lui est pas propre. Mais les paroles pleines de tristesse de certaines de ses œuvres étrangères sonnent involontairement comme un contraste avec le bonheur sonore de ses feuilles consacrées aux jours ordinaires et aux affaires de notre vie.

Les œuvres étrangères de Pimenov n'étaient pas seules dans notre programme. Dans les années 1950 et plus tard, lorsque les relations culturelles internationales de notre pays se sont développées et que de nombreux artistes ont voyagé dans divers pays du monde, tout un groupe de séries est apparu sur la base des impressions de ces voyages. Ils contenaient généralement des scènes de la vie dans la rue, des paysages, des portraits individuels. Les artistes ont parlé de ce qu'ils ont vu, montrant les coins pittoresques de la nature, monuments célèbres architecture et sculpture, caractéristiques de la vie, personnes rencontrées lors de voyages. La fluidité forcée caractérise la plupart de ces œuvres. Mais à la suite de voyages, des séries achevées ont également été créées, dans lesquelles le reportage, l'esquisse ont été remplacés par une véritable généralisation artistique. De la connaissance de ces cycles, le spectateur a reçu non seulement une chaîne d'impressions touristiques vives, mais également une nouvelle connaissance d'un pays particulier et un plaisir esthétique.

L'une de ces choses était la série de N. A. Ponomarev (né en 1918) "Northern Vietnam", créée en 1957. L'image de ce pays, vue par l'artiste, est pleine de charme : un ciel haut gris-bleu, des étendues d'eaux calmes, des rizières et une chaîne de rochers lilas à l'horizon, soit bien visibles, soit se fondant dans une brume nacrée. . Une poésie calme et légèrement contemplative du quotidien vit dans ces feuilles. Des gens sont représentés avec une profonde sympathie - les modestes travailleurs du Vietnam - pêcheurs, mineurs, femmes allant au marché (ill. 19), attendant la traversée par la baie. Une coloration délicate et subtile donne de l'expressivité aux dessins. La série vietnamienne a été à bien des égards un tournant pour son auteur. L'artiste débute sa carrière par des dessins au fusain et à la gouache noire dédiés aux mineurs du Donbass (1949-1950). Ils avaient beaucoup de conscience et de travail et moins d'inspiration créative. Dessinant le Vietnam, l'artiste a découvert dans son travail non seulement de nouvelles notes poétiques, mais aussi la capacité d'un coloriste qui peut voir l'harmonie et le caractère décoratif de la technique mixte de la gouache et du pastel.

Parmi les séries basées sur des impressions étrangères, les œuvres d'O. G. Vereisky (né en 1915) étaient également intéressantes. O. Vereisky, aujourd'hui éminent illustrateur de livres d'écrivains soviétiques et graphiste de chevalet, doit sa première connaissance de l'art à son père G. S. Vereisky. Il a également étudié à l'Académie des Arts de Leningrad. Avec une égale liberté, O. Vereisky maîtrise à la fois le doux pittoresque d'un dessin ton sur ton à l'aquarelle ou à l'encre noire et les contrastes éclatants d'une technique claire et précise du dessin à la plume. Récemment, l'artiste s'est intéressé à certaines techniques de gravure, et il a répété certains de ses dessins, exécutés à la suite de voyages en Égypte, en Syrie et au Liban, dans des estampes. L'une des meilleures d'entre elles est une feuille intitulée « Repos en chemin. Syrie » (ill. 20). Il est beau en couleur et en composition laconique, mais son charme principal réside dans l'image d'une femme. La beauté raffinée et la légère tristesse du visage, la tendresse retenue du geste et la grâce naturelle de la femme sont reproduites par l'artiste avec un réel plaisir esthétique. Les feuilles de la "Série américaine" d'O. Vereisky sont également pleines d'observations précises, et il a vu non seulement le cérémonial, mais aussi les aspects louches et quotidiens de la vie américaine.

Notre connaissance de ce pays est également reconstituée par des dessins à la plume gracieux, dans leur esquisse linéaire, de V. Goryaev, un artiste aux manières pointues et quelque peu sarcastiques, l'illustrateur Mark Twain, un contributeur permanent au magazine Crocodile.

Le graphisme d'après-guerre se caractérise par les grands succès des artistes des républiques fédérées. Les équipes de graphistes les plus solides se sont maintenant formées en Ukraine, en Estonie, en Lituanie et en Lettonie. Le dessin et l'aquarelle ont leurs grands artistes dans ces républiques, et l'art de la gravure s'est développé ici et là, alors qu'à la fin des années 1940 et au début des années 1950, il était en déclin dans la RSFSR.

Comme exemple de graphisme de chevalet ukrainien, on peut citer la série "Pensées et chansons folkloriques ukrainiennes" de M. Deregus. Largement conçu, comprenant des feuilles d'ambiances et de thèmes variés, ce cycle caractérise la maturité du graphisme ukrainien, bien que dans l'œuvre de Deregus lui-même - paysagiste et illustrateur par excellence - se démarque quelque peu. La tristesse et l'espoir de la feuille "La pensée de Marus Boguslavka" et la tragédie de la solitude, la foi trompée dans les gens de la feuille "La pensée des trois frères d'Azov" sont remplacées par la poésie courageuse de nos jours dans la composition " La pensée des partisans" avec l'image centrale de Kovpak. Les jeunes artistes ukrainiens V. Panfilov, qui ont dédié ses gravures aux sidérurgistes, et I. Selivanov, qui a créé des feuilles sur des thèmes historiques et révolutionnaires, travaillent avec succès dans la gravure. Un genre typique de graphisme ukrainien est un paysage industriel, généralement exécuté selon des techniques de gravure. Ses maîtres sont V. Mironenko, A. Pashchenko, N. Rodzin et d'autres.

Dans les républiques baltes, les graphismes paysagers sont très divers. Il y a un fort courant de paysage lyrique de chambre, émotionnel, avec beaucoup de charme. Ses créateurs sont des artistes estoniens, maîtres de la gravure R. Kaljo, A. Keerend, L. Ennosaar, aquarelliste K. Burman (junior), graphistes lettons - A. Junker, lituaniens - N. Kuzminskis et autres. Dans leurs œuvres, il y a des réflexions lyriques et une communication étroite avec la nature qui enrichit l'âme, et chaque fois la beauté de leurs champs natals, l'ancienne Tallinn pittoresque, etc., est comprise d'une nouvelle manière.

Dans l'œuvre du plus ancien dessinateur estonien G. Reindorf, les images de paysage acquièrent une coloration plus philosophique. Il nous est difficile maintenant d'imaginer pleinement une longue manière créative cet artiste, puisque la quasi-totalité de ses œuvres d'avant-guerre ont été perdues lors de la Grande Guerre patriotique. Mais la période d'après-guerre de son activité a également été fructueuse. Reindorf est né en 1889 à Saint-Pétersbourg. Diplômé avec succès de l'école de dessin technique Stieglitz, il obtient le droit à un voyage d'affaires à l'étranger et part pour la France. La courte période des retraités étrangers a été interrompue par la Première Guerre mondiale. De retour dans son pays natal, Reindorf travaille dans le domaine du graphisme appliqué et du paysage et s'engage dans des activités d'enseignement. Ses principaux intérêts créatifs dans les années 1940-1950 ont été absorbés par le paysage et, dans une certaine mesure, l'illustration de livres. Il exécute ses choses dans ces années principalement sous forme de dessins; plus tôt, l'artiste a également créé des feuilles de gravure expressives. La volonté d'exactitude objective de l'image se fait parfois au détriment de la richesse émotionnelle de ses feuilles chez Reindorf, mais dans ses meilleures œuvres ces deux principes se conjuguent. Les plus caractéristiques à cet égard sont ses feuilles "On the Hot Days of August" (1955). Une sorte d'harmonie unit tout ce qui vit dans ce paysage rural, et la technique virtuose du dessin au crayon graphite donne aux feuilles une richesse tonale et une performance particulière en filigrane.

Il y a aussi une ligne de paysage romantique dans le graphisme des États baltes, saturé du pathétique des sentiments humains agités et orageux. Dans les gravures des artistes lettons P. Upitis, O. Abelite, en feuilles séparées de M. Ozoliņš, les images de la nature sont colorées d'une émotivité aiguë, pleine de tension intérieure.

Dans les eaux-fortes du résident de Riga E. Anderson, le paysage devient l'environnement où se déroule l'action majestueuse du travail.

De nombreux artistes baltes agissent à la fois comme peintres paysagistes et comme auteurs d'œuvres thématiques, ce qui ne fait qu'enrichir leurs œuvres. Dans l'œuvre polyvalente de l'artiste estonien E. K. Okas (né en 1915), par exemple, on peut trouver des feuilles de paysage, des portraits et des objets thématiques. Okas est né à Tallinn dans une famille ouvrière et y a étudié - d'abord à l'École artistique et industrielle d'État, puis à l'École supérieure d'art d'État. Pendant la Grande Guerre patriotique, il a travaillé comme artiste de première ligne. Okas est à la fois peintre et maître de l'illustration de livres. Mais si les images qu'il crée pour les pages de livres sont parfois séparées de nous par des décennies et des siècles, les héros de ses œuvres de chevalet vivent toujours dans la modernité, respirent son atmosphère loin d'être sereine. Un sens de la complexité du monde moderne avec ses fortes contradictions sociales remplit, par exemple, les feuilles de la série hollandaise et italienne des croquis de voyage d'Okas, fondamentalement exécutés par lui dans diverses techniques de gravure. Perspicaces et sévèrement véridiques, ces gravures sonnent comme du vrai journalisme. L'artiste lituanien V. Yurkunas (né en 1910) travaille également dans le graphisme de livres et de chevalets. Il est diplômé de l'école d'art de Kaunas en 1935 et est constamment engagé dans des activités d'enseignement. Dans ses gravures, les gens semblent particulièrement liés à leur nature natale, leur terre natale. Tels sont les héros du poème de Maironis (1960 ; ill. 21), reproduit par lui, tel est le petit fermier collectif qui a gagné la sympathie de nombreux téléspectateurs - l'image de la jeunesse marchant sur la belle terre, naïvement simple et provocante, époustouflante de une intégrité unique des sentiments ("Je serai une laitière", 1960). La technique de la linogravure en feuilles de V. Yurkunas est à la fois concise et flexible, elle sert naturellement à créer ses images lumineuses et optimistes.

Le trafic baltique dans le domaine du portrait travaille avec enthousiasme, Et si parmi les œuvres d'artistes de la RSFSR nous n'avons plus, outre les performances invariablement réussies mais déjà rares de G. S. Vereisky, que des portraits à l'eau-forte très caractéristiques de M. Feigin , dans la Baltique on se réjouira du savoir-faire subtil et varié d'un certain nombre de portraitistes.

L'artiste estonien E. Einmann (né en 1913) a beaucoup accompli dans ce genre. Il a fait ses études à l'École nationale des arts appliqués et à l'École supérieure des beaux-arts de Tallinn, et son parcours créatif a commencé pendant la Grande Guerre patriotique. Maintenant, dans une longue série de ses œuvres, les traits de son talent sont clairement visibles. Attitude réfléchie et prudente de l'artiste envers le monde intérieur de ses modèles. Le respect de la personne est un trait caractéristique de son travail. Elle se manifeste toujours, que l'artiste peigne un vieux pêcheur ou un jeune lycéen, une infirmière ou une comédienne. Dans le même temps, l'expérience directe de l'auteur, l'évaluation du modèle, reste quelque part de côté, l'essentiel est une histoire sobre et objective à ce sujet. Les portraits d'Einmann captivent par la subtilité de la manière graphique, étrangère aux effets extérieurs. Cette subtilité distingue ses feuilles, exécutées à la mine de plomb ou au crayon italien, et l'aquarelle, et la lithographie.

Émotionnel et lyrique est le travail de portrait de l'artiste estonien A. Bach-Liimand, qui est particulièrement doué pour représenter les femmes et les enfants. Les portraits et autoportraits de l'artiste lituanien A. Makunaite, qui travaille la linogravure, sont pleins de réflexions sérieuses. Les portraits au fusain créés par la jeune dessinatrice lettone F. Pauluk sont expressifs.

Le graphisme en Ukraine et dans les pays baltes a une longue tradition et son succès est donc en grande partie naturel. Mais même dans des républiques comme, par exemple, le Kirghizistan ou le Kazakhstan, où l'art graphique est assez jeune, il a déjà fait des progrès notables.

Le principal maître du graphisme au Kirghizistan est L. Ilyina (né en 1915), élève de l'Institut polygraphique de Moscou, qui a travaillé pendant de nombreuses années dans la ville de Frunze. Monumentalité, grandes formes, laconicisme sont les traits caractéristiques de ses linogravures. Ces dernières années, Ilyina, s'éloignant quelque peu de l'illustration de livres, réalise de nombreuses œuvres de chevalet, et en particulier la série de paysages de gravures sur bois "Terre natale" (1957), et une grande série de linogravures colorées dédiées à la femme de sa république. Les caractéristiques du nouveau qui distinguent notre vie peuvent être particulièrement perceptibles dans les destins des femmes présentée par un artiste kirghize. Le travail ne plie pas les femmes désormais, mais donne seulement majesté et signification à la posture. Une attitude libre et sans contrainte distingue à la fois la planteuse de betteraves (1956) et les déléguées du lointain Tien Shan, à l'écoute attentive de l'orateur (1960). Les linogravures de L. Ilyina sont en plastique, le volume y est moulé librement avec un trait vif et rugueux, de grandes taches de couleur. En même temps, l'effet décoratif de la silhouette de la feuille est toujours préservé (ill. 22).

En Azerbaïdjan, l'artiste M. Rahman-zade (né en 1916), qui représente des champs pétrolifères offshore dans la Caspienne, travaille de manière intéressante dans le domaine de la lithographie en couleur. Elle sait introduire dans ses séries une variété de motifs qui semblent similaires et qui, en même temps, révèlent à chaque fois quelque chose de nouveau dans le paysage industriel. La feuille volante de son œuvre de 1957 se distingue entre autres par sa finesse de composition, combinaison sonore d'eau jaune vif et de motifs noirs ajourés. Telles sont quelques-unes des réalisations des graveurs et dessinateurs républicains.

Les graphismes d'aujourd'hui sont très différents de ceux de la première décennie d'après-guerre. Qu'est-ce qui est nouveau, si différent du précédent, y est apparu? Si la modernité antérieure n'était capturée avec une véritable généralisation poétique que dans des choses individuelles, maintenant ses traits vivants sont dispersés dans de nombreuses œuvres graphiques. Le virage massif des artistes vers le présent donne ses résultats. La modernité est assimilée dans ses traits non extérieurs et profonds, les artistes découvrent en quelque sorte un nouveau visage de notre pays, Homme soviétique. À bien des égards, le graphisme de ces dernières années a quelque chose en commun avec la peinture. Les artistes de ces arts voient le visage sévère et impétueux du temps, une activité particulière d'attitude imprègne leurs œuvres. Et l'envie de nouvelles formes d'art non testées s'avère également leur être commune. En graphisme, tout cela fait principalement référence à la gravure. Son ascension a commencé au milieu des années 1950, et maintenant nous pouvons parler de son véritable apogée. Cette apogée est principalement associée à l'afflux de nouvelles forces jeunes dans la gravure de chevalet. Mais des artistes déjà expérimentés y ont aussi contribué. Dans les paysages d'A. Vedernikov, par exemple, Leningrad, chargée de nombreuses traditions de sa représentation, apparaît soudainement sous une apparence si nouvelle, étincelante de couleurs pures, qu'elle semble être vue pour la première fois. La technique de lithographie en couleur de Vedernikov n'imite ni un dessin au crayon de couleur ni une aquarelle détaillée. L'artiste opère avec des formes généralisées, combinaisons audacieuses de plusieurs tons purs. Sa recherche de décoration dans la lithographie en couleur est l'une des nombreuses estampes caractéristiques d'aujourd'hui.

Parmi les réussites de l'estampe, on peut également attribuer les gravures sur bois de F. D. Konstantinov sur le travail rural, et notamment sa feuille de paysage "Printemps sur la ferme collective" (1957 ; ill. 23), et les paysages de l'artiste arménien M. M. Abeghyan - " Rocky Shore of Zanga", "Dans les montagnes de Bjni" (1959) et bien d'autres oeuvres d'artistes des générations anciennes et intermédiaires.

Mais la nouveauté, qui caractérise la gravure moderne, se fait particulièrement sentir dans les choses de la jeunesse. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zakharov, Ya. Manukhin, I. Resets, L. Tukachev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - toute une galaxie de jeunes qui a brillamment performé dans l'impression. On retrouve des paysages de banlieusards banals dans "Suite on Wires" d'A. Ushin (né en 1927), diplômé de l'Ecole d'art et de pédagogie de Leningrad (ill. 24). Aucun événement ne se produit dans ses feuilles, seuls les trains électriques se précipitent en silence, et en même temps, il se passe beaucoup de choses ici - des fermes en acier se lèvent pour soutenir les fils, des gerbes de lumière de la fenêtre du train déchirent l'épaisse obscurité nocturne, des éclairs blancs de pluie le traverse, et les nuages ​​s'entassent en un amas éblouissant dans le ciel noir - la vie continue, unique, vivante, ressentie très vivement, dans son état le plus actif, le plus tendu. C'est cette perception aiguë et active de la vie dans sa dynamique constante qui distingue de nombreuses œuvres de jeunesse. Il unit leurs œuvres. Mais, en plus, les jeunes sont très individuels dans leur travail. Chacun de ces artistes a déjà son propre visage dans l'art, sa propre opinion sur la vie, sa propre compréhension du langage de la gravure.

Les paysages spacieux et les scènes lyriques de G. Zakharov avec leur rythme accentué de grands traits et taches en noir et blanc sonnent de manière unique. Des romans de paysage réfléchis et légèrement ironiques de I. Golitsyn sont détaillés, où chaque maison est toute une histoire sur la vie d'une immense ville, et un carrefour de rue déroule pour nous dans une vision instantanée et quelque peu pessimiste un rouleau de la vie quotidienne humaine. La technique de gravure argentée flexible de Golitsyn s'est largement formée sous l'influence de Favorsky. La subtilité des gravures sur bois, sa richesse tonale, si soumise à Favorsky, comme si elle élargissait les horizons de Golitsyn, l'artiste d'une technique de linogravure plus vaste et plus courageuse (ill. 25),

Légèrement dure, significative et dans ses manifestations les plus ordinaires, la vie coule 24. A. A. U Shin. Pluie. 1960 d'une grande ville en gravures de V. Volkov de Leningrad. Libérées de l'agitation des bagatelles, ses feuilles monumentalisent la réalité, comme si elles exposaient son rythme majestueux et courageux dans le flux du quotidien. Et les gens sont montrés par l'artiste sous un aspect, mais significatif - ce sont des gens de travail durs et laconiques.

L'artiste géorgien D. Nodia voit activement le paysage industriel et les scènes de travail en dynamique. Le monde transparent de la jeunesse, fusion merveilleuse de la clarté enfantine de l'âme et de la subtilité adulte des mouvements spirituels, est révélé par Y. Manukhin dans l'image fragile de son populaire Grass of Grass.

Le même artiste, dans une gravure consacrée à la lutte pour la paix, parvient à une expression particulière de l'image qui incarne la colère et la douleur d'Hiroshima. Parallèlement, Manukhin a beaucoup appris de la proximité de sa feuille de chevalet avec l'art de l'affiche (ill. 26).

V. Popkov (ill. 27) détaille le travail des ouvriers des transports dans une série de gravures et de gouaches, qui a également agi de manière intéressante ces dernières années en tant que peintre. Dans toutes ces œuvres, de jeunes artistes nous dévoilent différentes facettes de notre modernité, vues à leur manière et très fraîches.

Bien sûr, tout le monde dans la gravure ne réussit pas seulement maintenant. Il y a aussi la petite écriture du quotidien, l'illustrativité. On les croise souvent dans des séries consacrées au travail, ainsi qu'au protocole ennuyeux dans le paysage industriel. Il y a aussi des choses dont tout le sens est épuisé par leur décor extérieur. En revanche, ce qui était nouveau dans la gravure ces dernières années est né dans le dessin, bien qu'un détachement aussi puissant de jeunes n'apparaisse pas ici. Le parcours créatif de V. E. Tsigal (né en 1916) est révélateur à cet égard. Cela a commencé dans les premières années d'après-guerre avec une série de dessins à l'encre et à l'aquarelle, dans lesquels la vie et l'œuvre du peuple soviétique étaient montrées de manière authentique, souvent lyrique et chaleureuse, mais toujours sans grandes découvertes artistiques. Tsigal était en partie gêné par son activité excessive, le désir de couvrir avec son art un éventail trop large de phénomènes de la vie. Tsigal a travaillé rapidement, de grandes séries de ses feuilles sont apparues dans presque toutes les grandes expositions. Mais une véritable concentration créative ne lui est venue que lorsque, ayant commencé à voyager et à étudier la vie des paysans dans les villages de montagne du Daghestan, il s'est intéressé pendant une période relativement longue à ce sujet, qui, bien sûr, était très reconnaissant pour le artiste. C'est ainsi que parut sa série "Dagestan" (1959 - 1961), qui fut un grand pas en avant pour Tsigal. Dans ce cycle, il y a aussi le charme inépuisable de la nouveauté de la vie des montagnards, qui a été révélée à l'artiste, et quelques traits quotidiens très secrets remarqués par un regard amical, et un sentiment particulier d'harmonie entre l'homme et la nature. Ses feuilles sont construites sur une subtile juxtaposition de motifs communs au Daghestan, mais nous révélant soudain à la fois les spécificités du mode de vie et des relations des hommes, éternelles et en même temps subtilement modernes (ill. 28).

Dans l'essor actuel du graphisme de chevalet, l'art complexe/subtil de l'aquarelle a trouvé sa place. En aquarelle, un œil sûr et une main rapide et précise sont particulièrement nécessaires. Les corrections y sont presque impossibles, et le mouvement du pinceau avec de la peinture et de l'eau est d'une facilité trompeuse et nécessite une discipline stricte de la part de l'artiste. Mais les possibilités coloristiques de l'aquarelle sont riches, et la translucidité du papier sous une couche de peinture transparente lui confère une légèreté et une grâce uniques. "L'aquarelle est une peinture qui voudrait secrètement devenir graphique. L'aquarelle est un graphisme qui devient peinture poliment et délicatement, construisant ses réalisations non pas sur du papier tueur, mais sur un révélateur extravagant de sa surface élastique et instable", écrivait un jour l'un des plus grands connaisseurs de Graphiques soviétiques A. A. Sidorov. Aujourd'hui encore, comme dans les années 1930, les peintres paysagistes sont les maîtres de l'aquarelle dans notre pays. Les œuvres de S. Boym, N. Volkov, G. Khrapak, S. Semenov, V. Alfeevsky, D. Genin, A. Mogilevsky et bien d'autres montrent la vie d'une ville moderne, la nature dans la richesse de ses couleurs, dans sa merveilleuse diversité. Et de moins en moins souvent la description passive trouve son refuge dans le paysage.

Ce sont quelques-unes des caractéristiques des graphismes soviétiques modernes. Cependant, son image est si complexe et riche qu'elle mérite bien sûr une description distincte. Notre objectif était uniquement de se familiariser avec le travail des maîtres les plus célèbres du graphisme de chevalet et des moments individuels de son histoire.

L'artiste Yu. I. Pimenov, dont les dessins ont été discutés ci-dessus, a écrit: "La route de l'artiste est la route de l'enchantement plein de frustration et les échecs dans la voie de son expression. Mais en toute chose sincère il y a un grain, une microparticule du désiré, ça trouve un écho quelque part, quelque part la vague de ce sentiment est acceptée et fleurit tout son dur et joyeux travail.

• Dessins d'artistes classiques Chers utilisateurs, vous pouvez télécharger les graphismes de certains artistes en archives rar. Grandes images. Mise à jour dans la section Historique des graphiques.
• vk.com/site. Représentation du site "Graph" en contact. La communauté propose de nombreuses vidéos tutorielles pour les artistes. De nouveaux albums de graphistes classiques sont constamment ajoutés.

Oeuvres des artistes du site "Graph".

Arts graphiques- d'une part - une sorte d'art, d'autre part - une occupation accessible à tous, et tout le monde y est engagé dès son plus jeune âge. Pour créer un dessin graphique, vous n'avez besoin que d'une feuille de papier et de matériel de dessin - un crayon ou de la peinture. Autrement dit, d'une part, les graphiques sont accessibles au public.

Mais d'un autre côté, c'est une forme d'art complexe qui doit être enseignée au même titre que la peinture ou la sculpture. C'est la difficulté et la simplicité des graphismes. Tout le monde peut dessiner, mais seuls quelques-uns peuvent devenir maîtres.
Les graphiques sont divisés en deux types : imprimé (imprimé) destiné à être reproduit ; et unique, impliquant la création d'œuvres en un seul exemplaire.

La caractéristique distinctive la plus courante des graphiques est la relation particulière de l'objet représenté à l'espace, dont le rôle est largement joué par l'arrière-plan du papier, "l'air d'une feuille blanche", selon les mots du maître soviétique du graphisme. V. A. Favorsky. Une sensation spatiale est créée non seulement par les zones de la feuille non occupées par l'image, mais souvent (par exemple, dans les dessins à l'aquarelle) et le fond du papier qui apparaît sous la couche colorée.

Nous attirons votre attention sur la section : Bibliothèque pour artistes.
Dans la "Bibliothèque", vous pouvez télécharger des livres sur l'art, l'anatomie, l'histoire de l'art, des leçons de dessin et de peinture pour l'étude à domicile.

Ainsi que 100 numéros du magazine Art Gallery au format djvu.

Ci-dessous seront présentés des artistes célèbres dans le monde entier pour leur capacité à dessiner avec un crayon ardoise ordinaire. Chacun d'eux a son propre style, sa personnalité, ainsi que ses sujets de créativité préférés. De plus, le nom de chaque auteur est également un lien vers la galerie personnelle en ligne de l'artiste, où vous pourrez étudier plus en détail et en détail les dessins au crayon et la biographie de chacun d'eux.
En parcourant les images, vous remarquerez des caractéristiques intéressantes dans chaque peinture. Certains se distinguent par des lignes douces, des transitions douces lumière-ombre et des formes profilées. D'autres, au contraire, utilisent des lignes dures et des traits clairs dans leur travail qui créent un effet dramatique.
Plus tôt, sur notre site Web, nous avons déjà publié des images de certains maîtres. Voici une liste d'articles où vous pouvez voir des dessins au crayon tout aussi attrayants.

• Album d'incroyables illustrations de Mattias Adolfsson ;

JD Hillberry

Des capacités naturelles et un fort désir d'attirer l'attention sur son travail sont apparus chez JD Hillberry dans son enfance. L'envie et le talent ont fait du maître l'un des meilleurs dessinateurs au crayon au monde. Alors qu'il étudiait encore dans le Wyoming, il a commencé à développer sa propre technique, mélangeant le fusain et le graphite pour obtenir un effet photoréaliste dans ses dessins. JD utilise la lumière monochromatique pour attirer l'attention du spectateur sur le jeu du clair-obscur et de la texture. Tout au long de sa carrière, il a essayé d'aller au-delà du réalisme et de l'expression. Après avoir déménagé au Colorado en 1989, Hillberry a commencé à expérimenter de faux dessins. Traditionnellement, ce type de travail se fait à l'huile, mais il réussit à transmettre le réalisme de l'intrigue à l'aide d'un crayon. Le spectateur, regardant de telles images, est trompé en pensant que l'objet est dans un cadre, ou dans une fenêtre, bien qu'en fait tous ces éléments soient dessinés. Travaillant depuis son studio à Westminster, Colorado, JD Hillberry continue d'élargir la perception du public avec ses dessins.

Brian Duey

Brian est l'un des dessinateurs au crayon les plus étonnants qui interagit magnifiquement avec le crayon pour créer des œuvres d'art inspirantes. Voici ce qu'il dit de son travail et de lui-même :
"Je m'appelle Brian Duey. Je suis né et j'ai grandi à Grand Rapids, dans le Michigan. J'ai fréquenté école publique dans un petit village appelé Granville, où il s'est d'abord familiarisé avec l'art. Je n'ai jamais pensé au sérieux de mon passe-temps, mais j'ai découvert une forte attirance pour le dessin au crayon dans la vingtaine. J'étais assis seul dans ma maison et, par ennui, j'ai décidé de prendre un crayon et de commencer à dessiner. Je suis immédiatement tombée amoureuse du dessin et j'ai eu envie d'en faire tout le temps. A chaque dessin je devenais de mieux en mieux. J'ai développé ma propre technique et des trucs originaux au fur et à mesure que je travaillais. Je m'efforce de créer des dessins réalistes et d'ajouter mes propres idées conceptuelles. On me demande souvent ce qui m'inspire et où j'ai appris à dessiner. Je peux affirmer ouvertement que je suis autodidacte.
Mes illustrations ont été publiées dans des livres et des cartes de vœux, sur des pochettes de CD et dans divers magazines. Je fais du travail commercial depuis 2005 et pendant ce temps j'ai acquis des clients partout dans le monde. La plupart de mes commandes proviennent des États-Unis, du Royaume-Uni et du Canada, mais je travaille également avec des clients en Irlande. Mes peintures ont été exposées dans des galeries aux États-Unis. En 2007, on m'a demandé de peindre un portrait de Britney Spears qui a été inclus dans une galerie d'art à Hollywood, en Californie. Cet événement a été couvert par MTV et je suis devenu mondialement célèbre. Je ne vais pas m'arrêter là et continuer à travailler. J'ai de nouvelles idées et de nouveaux projets. L'un de mes objectifs pour l'avenir est de publier un livre de dessin éducatif.

TS Abe

Bien que nous n'ayons pas trouvé beaucoup d'œuvres d'Abe, ses illustrations montrent qu'il s'agit d'un maître de grande classe. L'artiste a une excellente maîtrise du crayon et dépeint habilement des idées complexes, en appliquant ses propres méthodes. Les peintures d'Abe sont harmonieuses et équilibrées, complexes et en même temps faciles à comprendre. Elle est l'une des dessinatrices au crayon les plus talentueuses de notre époque.

César Del Valle

L'artiste dans ses œuvres utilise un technique unique Dessin au crayon. Les illustrations de César montrent non seulement son talent, mais reflètent également la perception subtile de l'environnement de l'auteur.

Henrik

Le travail d'Henrik est présenté à la Deviant Art Gallery. Ses dessins sont un exemple intéressant d'art au crayon. Le maître utilise miraculeusement les tons noir et blanc pour transmettre des images originales et des idées inhabituelles.

) dans ses œuvres de balayage expressives a su préserver la transparence du brouillard, la légèreté de la voile, le balancement doux du navire sur les vagues.

Ses peintures étonnent par leur profondeur, leur volume, leur saturation et la texture est telle qu'il est impossible de les quitter des yeux.

Chaleureuse simplicité Valentina Gubareva

Artiste primitif de Minsk Valentin Goubarev ne pas courir après la célébrité et faire juste ce qu'il aime. Son travail est incroyablement populaire à l'étranger, mais presque inconnu de ses compatriotes. Au milieu des années 90, le Français tombe amoureux de ses croquis du quotidien et signe avec l'artiste un contrat de 16 ans. Les peintures, qui, semble-t-il, ne devraient être compréhensibles que pour nous, porteurs du "charme modeste du socialisme sous-développé", ont été appréciées du public européen et des expositions ont commencé en Suisse, en Allemagne, en Grande-Bretagne et dans d'autres pays.

Réalisme sensuel de Sergei Marshennikov

Sergueï Marshennikov a 41 ans. Il vit à Saint-Pétersbourg et crée dans les meilleures traditions de l'école russe classique du portrait réaliste. Les héroïnes de ses tableaux sont tendres et sans défense dans leurs femmes à moitié nues. Beaucoup des peintures les plus célèbres représentent la muse et l'épouse de l'artiste, Natalia.

Le monde myope de Philip Barlow

À l'ère moderne des images haute résolution et de la montée de l'hyperréalisme, la créativité Philippe Barlow(Philip Barlow) attire immédiatement l'attention. Cependant, un certain effort est demandé au spectateur pour se forcer à regarder les silhouettes floues et les points lumineux sur les toiles de l'auteur. C'est probablement ainsi que les personnes souffrant de myopie voient le monde sans lunettes ni lentilles de contact.

Les lapins ensoleillés de Laurent Parcelier

La peinture de Laurent Parcelier est monde merveilleux où il n'y a ni tristesse ni abattement. Vous ne trouverez pas en lui des images sombres et pluvieuses. Sur ses toiles il y a beaucoup de lumière, d'air et couleurs vives, que l'artiste applique avec des traits caractéristiques reconnaissables. Cela donne l'impression que les peintures sont tissées de milliers de rayons de soleil.

Dynamiques urbaines dans les œuvres de Jeremy Mann

L'huile sur panneaux de bois de l'artiste américain Jeremy Mann peint des portraits dynamiques d'une métropole moderne. "Formes abstraites, lignes, contraste de taches claires et sombres - tout crée une image qui évoque le sentiment qu'une personne éprouve dans la foule et l'agitation de la ville, mais peut aussi exprimer le calme qui vient de la contemplation d'une beauté tranquille", dit le artiste.

Le monde illusoire de Neil Simon

Dans les peintures de l'artiste britannique Neil Simone (Neil Simone), tout n'est pas ce qu'il semble à première vue. "Pour moi, le monde qui m'entoure est une série de formes, d'ombres et de frontières fragiles et en constante évolution", déclare Simon. Et dans ses peintures, tout est vraiment illusoire et interconnecté. Les frontières sont emportées et les histoires s'enchaînent.

Le drame amoureux de Joseph Lorasso

L'artiste américain contemporain d'origine italienne Joseph Lorusso transfère sur toile les scènes qu'il a vues dans la vie quotidienne les gens ordinaires. Câlins et bisous, impulsions passionnées, moments de tendresse et de désir remplissent ses images émotionnelles.

La vie de village de Dmitry Levin

Dmitry Levin est un maître reconnu du paysage russe, qui s'est imposé comme un représentant talentueux de l'école réaliste russe. La source la plus importante de son art est son attachement à la nature, qu'il aime tendrement et passionnément et dont il se sent partie prenante.

Lumineux Est Valery Blokhin