Symbolisme

Direction

Le symbolisme (fr. Symbolisme) est l'une des plus grandes tendances de l'art (en littérature, musique et peinture), qui est née en France dans les années 1870-1880 et a atteint son plus grand développement au tournant des XIXe et XXe siècles, principalement en France. lui-même, la Belgique et la Russie. Les symbolistes ont radicalement changé non seulement différentes sortes l'art, mais aussi l'attitude à son égard. Leur nature expérimentale, leur désir d'innovation, leur cosmopolitisme et leur large éventail d'influences sont devenus un modèle pour la plupart des mouvements artistiques contemporains. Les symbolistes ont utilisé le symbolisme, les insinuations, les allusions, le mystère et le mystère.

"Imaginer, créer des analogies ou des correspondances et les traduire en image, telle est la formule du symbolisme."

Le terme "symbolisme" dans l'art a été inventé pour la première fois par le poète français Jean Moréas dans le manifeste du même nom - "Le Symbolisme", publié le 18 septembre 1886 dans le journal "Le Figaro". En particulier, le manifeste proclamait :

À cette époque, il y avait un autre terme, déjà stable, "décadentisme", qui était appelé avec mépris les nouvelles formes dans la poésie de leur critique. Innokenty Annensky a souligné :

Le "symbolisme" a été la première tentative théorique des décadents eux-mêmes, de sorte qu'aucune distinction nette, et encore moins une confrontation esthétique, n'a été établie entre la décadence et le symbolisme. Cependant, il convient de noter qu'en Russie dans les années 1890, après les premiers écrits russes décadents, ces termes ont commencé à être contrastés: ils ont vu les idéaux et la spiritualité dans le symbolisme et, en conséquence, l'ont manifesté de cette manière, et dans la décadence - manque de volonté, immoralité et passion uniquement pour la forme extérieure. Ainsi, l'épigramme de Vladimir Soloviev est connue par rapport aux décadents:

Les principes de base de l'esthétique du symbolisme sont apparus pour la première fois dans les œuvres des poètes français Charles Baudelaire, Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé, Lautreamont.

Léon Trotsky explique le phénomène du symbolisme simplement par "le désir d'oublier, d'être de l'autre côté du bien et du mal".

Dans leurs œuvres, les symbolistes ont essayé de refléter la vie de chaque âme - pleine d'expériences, d'humeurs obscures et vagues, de sentiments subtils, d'impressions fugaces. Les poètes symbolistes étaient des innovateurs du vers poétique, le remplissant d'images nouvelles, vives et expressives, et parfois, essayant d'obtenir une forme originale, ils se lançaient dans un jeu de mots et de sons considérés comme dénués de sens par les critiques. On peut dire que le symbolisme distingue deux mondes : le monde des choses et le monde des idées. Le symbole devient une sorte de signe conventionnel qui relie ces mondes dans le sens qu'il génère. Chaque symbole a deux faces - le signifié et le signifiant. Cette seconde face est tournée vers le monde irréel. L'art est la clé du mystère.

Le concept et l'image du Mystère, le mystérieux, le mystique, se manifestent à la fois dans le romantisme et dans le symbolisme. Cependant, le romantisme, en règle générale, procède du fait que «la connaissance du monde est la connaissance de soi-même, car une personne est le plus grand secret, source d'analogies pour l'univers » (Novalis). Les symbolistes ont une autre compréhension du monde : selon eux, l'Être véritable, le « véritable existant » ou le Mystère, est un principe absolu, objectif, auquel appartiennent à la fois la Beauté et l'Esprit du monde.

Vyacheslav Ivanov dans son ouvrage "Les Testaments du symbolisme" exprimé de manière succincte et figurative signes artistiques et principes esthétiques la véritable direction « symbolique » de l'art (ce qui a été dit ici de la poésie est tout à fait applicable à d'autres types d'art) :

Les lignes suivantes de Konstantin Balmont, qui éclairent les principes esthétiques du symbolisme, sont empreintes d'une étonnante magie de l'imagerie symbolique :

Contrairement à d'autres tendances de l'art qui utilisent des éléments de leur symbolisme caractéristique, le symbolisme considère l'expression d'idées "inatteignables", parfois mystiques, d'images d'éternité et de beauté, le but et le contenu de son art, et le symbole fixé dans l'élément. discours artistique et à son image basée sur un mot poétique polysémantique - le principal, et parfois le seul moyen artistique possible.

Le changement le plus frappant introduit par le symbolisme concerne la forme de l'incarnation artistique de sa poétique. Dans le contexte du symbolisme, une œuvre de tout type d'art commence à jouer précisément avec des significations poétiques, la poésie devient une forme de pensée. La prose et le drame commencent à ressembler à de la poésie, les arts visuels peignent ses images et, avec la musique, la connexion de la poésie devient tout simplement globale. Les images-symboles poétiques, comme si elles s'élevaient au-dessus de la réalité, donnant un tableau associatif poétique, sont incarnées par les poètes symbolistes sous une forme sonore et musicale, et le son du poème lui-même n'est pas moins, sinon plus important pour exprimer le sens. d'un symbole. Konstantin Balmont décrit ses propres sensations à partir de sons, qui forment alors des mots poétiques :

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Le symbolisme est une direction littéraire et artistique idéaliste dans l'art de la seconde moitié du XIX dans. Le terme "symbolisme" lui-même vient de mot grec simbolon - un signe. Dans ce art insolite la déception d'une partie de l'intelligentsia européenne face à la réalité moderne, la peur du monde de la science et de la technologie qui avance à grands pas, où il n'y a pas de place pour les idéaux spirituels des époques révolues, s'est exprimée. Ces humeurs se sont traduites par des références pleines de pessimisme et de nostalgie à la peinture passée des artistes symbolistes.

Les idées et les principes du symbolisme ont été proclamés par le poète français Charles Baudelaire, qui croyait que la réalité dans l'art devait être exprimée à travers des symboles. Selon la théorie de Baudelaire moyens artistiques(peintures, traits, etc.) utilisés par les peintres - signes conventionnels avec lequel le maître peut transmettre ses pensées, ses sentiments et ses humeurs. Le symbolisme dans les arts visuels s'appuyait sur le romantisme littéraire et pictural (surtout allemand avec sa passion pour tout ce qui est mystérieux et mystique).

Les symbolistes empruntent des moyens artistiques à l'art officiel, académique (rigidité construction compositionnelle, clarté des lignes) ou Art Nouveau (composition plane, décor, sophistication des contours, allongement des figures).

La peinture onirique des romantiques F. O. Runge et K. D. Friedrich, l'art des préraphaélites, les graphismes d'O. Beardsley sont proches du symbolisme.

Le symbolisme en France, très divers dans ses formes d'expression, est présenté dans les œuvres raffinées de G. Moreau,
dans la peinture et le graphisme mystiques d'O. Redon, dans les compositions harmonieuses et calmes de P. Puvis de Chavannes, dans les oeuvres d'E. Carrière empreintes de sentiments d'amour et d'amitié.

Les plus grands artistes symbolistes étaient: en Allemagne - M. Klinger, en Suisse - A. Böcklin et F. Hodler, en Belgique - J. Ensor, en Hollande - J. Toorop.

Gustave Moreau

L'artiste français Gustave Moreau est né en 1826. Dans son premiers travaux l'influence d'artistes tels que T. Chasserio, J. O. D. Ingres, E. Delacroix est perceptible. En 1857-1859. l'artiste a visité l'Italie, où il a été très impressionné par l'art des maîtres de l'école de Bologne. Moro a longtemps copié les œuvres d'artistes italiens, ce qui ne pouvait qu'affecter son style dans une certaine mesure. Dans le même temps, la coloration vive des peintures de Moreau, le drame profond et la vivacité des images proviennent de l'art de T. Chasserio et E. Delacroix, et le raffinement des lignes et la clarté de la structure de la composition proviennent de la peinture de J.O.D. Ingres.

Moreau a utilisé des sujets mythologiques et bibliques pour ses peintures (aquarelle "Nuit" ; "Hésiode et Muse", 1891). Assez souvent, des images insolites apparaissent dans ses peintures, inspirées de légendes anciennes ou de contes orientaux ("Chimera", 1884).

Dès le début des années 1850. Moreau expose constamment des peintures au Salon, mais la popularité ne lui vient que dans les années 1860, après son retour d'Italie. La vie publique se réjouit des tableaux présentés au Salon en 1864 et 1865. Les compositions de Moreau "Œdipe et le Sphinx", "La jeunesse et la mort" et "Jason et Médée".

Œdipe et le Sphinx est l'un des plus travaux intéressants Moreau. L'artiste a emprunté l'intrigue du tableau à Ingres, qui a peint une toile du même nom. En même temps, Moreau interprète ce sujet d'une manière légèrement différente. Si dans l'œuvre d'Ingres, le spectateur voit la lutte d'un homme avec un monstre fantastique plein de dynamique, alors dans la composition de Moreau, le héros semble fusionner avec le Sphinx dans une étreinte amoureuse. Ce travail peut être interprété de différentes manières. Peut-être, lors de la création d'une image, l'artiste a-t-il voulu montrer la lutte d'une personne avec ses propres instincts sombres, ou il a essayé de percer une sorte de mystère de la nature. Ou peut-être que son idée centrale est l'inévitabilité de la mort, à laquelle ni la gloire, ni le pouvoir, ni la richesse ne peuvent résister. Et bien sûr, la composition de Moro reflète le thème de la lutte entre le bien et le mal, qui est personnifiée par la femme sphinx, dont le visage attire le regard du spectateur par sa beauté vicieuse. Plus tard, cette idée dans le travail des artistes expressionnistes s'incarnera dans l'image d'une femme fatale.

Dans la seconde moitié des années 1870. La peinture de Moreau devient quelque peu différente. Maintenant, son style artistique est plus libre qu'avant. La structure de composition devient plus compliquée et la palette de couleurs est saturée de nouvelles nuances. Les personnages mythologiques des peintures sont rejoints par des images créées par l'imagination de l'artiste.

Les œuvres de Moreau de cette période se distinguent par leur souci du détail, la richesse et la sonorité des couleurs. Les aquarelles sont tout aussi colorées, dont l'expressivité est soulignée par des effets d'ombre et de lumière (« Au poète mort et au centaure »). Les héros des œuvres de Moreau sont immobiles et silencieux, il semble qu'ils dorment ou qu'ils soient plongés en transe. Les personnages des peintures ne vivent pas leur propre vie, ils ne font que compléter le paysage mystérieux et étrange, semblable à un panneau décoratif lumineux, les motifs pour lesquels l'artiste a pris des magazines, des livres et des albums sur l'art ornemental.

Dans cet ordre d'idées, réalisé image célèbre Moreau "Licornes" (vers 1885), écrit d'après une tapisserie du XVe siècle. En regardant cette toile, le spectateur observe les figures de femmes et d'animaux inhabituels, comme s'ils se dissolvaient dans le fond du paysage. La nature qui entoure les gens et les licornes est un ornement coloré et exquis, dans lequel Moreau a utilisé des illustrations du magazine annuel "Magasin pittoresque" et des deux volumes "Monuments français inédits".

Tout aussi fantastique monde sous-marin plantes et animaux marins dans le tableau "Galatea" (1880), représentant une femme néréide sensuellement belle dans les profondeurs de la mer.

La palette de l'artiste est riche en nuances variées. Souvent, les couleurs chatoyantes de ses compositions évoquent un sentiment d'angoisse, d'angoisse inexplicable. Un tel sentiment est créé par la palette de couleurs dorées brillantes du tableau «La danse de Salomé» (1876).

Parfois, Moreau utilise des motifs de différents contextes mythologiques dans une image. Par exemple, dans la composition "Orphée" (1865), il représente une jeune fille thrace regardant tristement la lyre avec la tête morte d'Orphée. La fantaisie de l'artiste place les héros dans des situations variées : sa belle Hélène se dresse tristement au-dessus des ruines de Troie ou plane au-dessus du monde des morts et des vivants.

Parmi les œuvres de Moreau figurent plusieurs tableaux consacrés à la danse Salomé. Dans le tableau "L'Apparition" (vers 1875), la tête coupée de Jean-Baptiste apparaît devant une jeune fille tourbillonnant dans une danse. lueur brillante qui en émane symbolise le triomphe final du bien et de la justice. mythe antique et la fantaisie de l'auteur se mêlent dans de nombreuses œuvres de Moreau ("Péri", 1865).

Un des plus travaux importants Moreau devient une grande composition "Jupiter et Sémélé" (1894-1895). La peinture est basée sur l'ancien mythe romain. L'épouse jalouse de Jupiter, Junon, a persuadé Sémélé, qui attendait un enfant de lui, de demander à Dieu de la montrer sous son vrai visage. Jupiter, qui avait juré plus tôt de répondre à tout désir de Sémélé, devait répondre à la demande de sa bien-aimée. Il est apparu devant elle, lançant l'éclair qui a tué Sémélé. Avant sa mort, elle a donné naissance à un enfant qui est devenu le dieu de la viticulture Bacchus (chez les Grecs - Dionysos).

Dans sa peinture, Moreau donne au mythe antique un son mystique, représentant sous le trône de Jupiter, pleurant sur le corps de ses monstres bien-aimés et terribles symbolisant l'obscurité de la nuit. Au pied du trône est assis un Faune triste (en mythologie grecque- Pan), incarnant la puissance de la terre, ainsi que des figures sombres personnifiant la Souffrance et la Mort.

Les œuvres de Moreau sont ambiguës et non dites, il semble qu'elles contiennent une sorte de secret que l'auteur a caché au spectateur. La fantaisie de l'artiste, donnant naissance à d'étranges figures se confondant avec l'ornement décoratif du fond, rend ses compositions sombres et effrayantes.

Avant de créer ses compositions picturales, Moreau a presque toujours réalisé des croquis au crayon, des esquisses, des esquisses à l'huile ou à l'aquarelle. Ses aquarelles, représentant des châteaux sombres, des rochers majestueux, des fleurs et des plantes exotiques, étonnent par la liberté d'exécution, la vivacité et la sonorité des couleurs.

L'aquarelle occupe une place importante dans l'œuvre de Moreau. L'artiste l'a utilisé non seulement pour les esquisses préliminaires, mais aussi pour les grandes compositions finies. Dans ces œuvres, il a réussi à transmettre l'éclat des bijoux, la texture des tissus, les reflets de lumière et de couleur les plus subtils. Les personnages des aquarelles semblent étonnamment aériens et en apesanteur, les paysages - irisés et rayonnants.

À dernières années vie, l'artiste est complètement immergé dans le monde de la fantaisie. Il quittait rarement la maison et étudiait
le fait qu'il a réécrit ses œuvres à plusieurs reprises, introduisant de nouveaux détails et images dans des compositions déjà terminées.

Moreau mourut en 1898. Son art eut une grande influence sur les artistes français. Le symboliste O. Redon, les fauvistes A. Matisse et A. Marquet sont sortis de l'atelier de Moreau. Les artistes surréalistes ont admiré les mystérieuses peintures et aquarelles de Moro.

Pierre Puvis de Chavannes

L'artiste français Pierre Puvis de Chavannes est né en 1824 à Lyon dans une famille aisée d'ingénieur des mines. Comme son père, Puvis de Chavannes entend consacrer sa vie à sciences naturelles. Voyages en Italie en 1847 et 1848 a radicalement changé sa vie. De retour dans son pays natal, Puvis de Chavannes s'intéresse à la peinture. Il étudie d'abord avec A. Schaeffer, puis avec E. Delacroix, et plus tard avec T. Couture et T. Chasserio.

Bien qu'en 1850 Puvis de Chavannes expose ses toiles au Salon, plus tard, jusqu'en 1859, le jury du Salon refuse d'accepter son œuvre.

En 1854, Puvis de Chavannes peint les murs de la maison de son frère ("Les Saisons", "Le Retour de l'Enfant Prodigue"). En 1861, il reçoit une médaille au Salon pour les compositions monumentales "Guerre" et "Paix", qui font la renommée de l'artiste.

D'un grand intérêt sont deux tableaux créés par Puvis de Chavannes pendant la guerre franco-prussienne - Ballon (1870) et Pigeon voyageur (1871). Les travaux étaient basés sur des faits réels : à cette époque, les pigeons et des ballonsétaient le seul moyen de communication du Paris assiégé avec le monde extérieur. Malgré la réalité de l'intrigue, l'artiste crée des œuvres clairement allégoriques. Dans les deux tableaux, la place centrale est occupée par la figure d'une femme en robe noire. Les compatriotes ont vu dans cette image la personnification de Paris, résistant aux envahisseurs prussiens, dont le symbole était un aigle menaçant une petite colombe dans la composition «Carrier Pigeon».

Est également symbolique le tableau du Louvre « Espoir », écrit par Puvis de Chavannes en 1871. Un an plus tard, l'artiste achève la deuxième version de cette œuvre, aujourd'hui conservée à la Walters Gallery de Baltimore. La toile représente une jeune fille assise sur des pierres. Dans sa main se trouve un rameau d'olivier, symbole de paix. Le paysage derrière la fille est terne et sombre. Elle est entourée de ruines et de monuments funéraires, parmi lesquels de modestes fleurs jaillissent çà et là, annonçant l'approche du printemps et le renouveau d'une vie nouvelle.

Cette composition sentimentale est accueillie avec intérêt par les compatriotes de l'artiste, qui y voient un espoir pour la prospérité future de leur patrie.

Comme d'autres artistes symbolistes, Puvis de Chavannes se tourne vers le motif de la mort. Un excellent exemple C'était le tableau "Les filles et la mort" ("Moissonneuse)", écrit en 1872. La toile représente un troupeau de filles joyeuses cueillant des fleurs ou dansant. Et une seule d'entre elles est triste, comme si elle voyait rôder dans l'herbe tondue
Faucheuse. L'image est imprégnée par la pensée de la fugacité de l'existence terrestre et de la fragilité du bonheur.

Une place importante dans l'œuvre de Puvis de Chavannes est occupée par les œuvres monumentales. En 1869, il écrit deux compositions pour
Palais Longchamp à Marseille - "Marseille - la porte de l'Orient" et "Massilia - une colonie grecque".

Dans les années 1870 l'artiste réalise une toile monumentale sur un terrain historique pour la mairie de Poitiers et une série de tableaux pour le Panthéon de Paris, représentant des épisodes de la vie de sainte Geneviève. Dans ces œuvres, Puvis de Chavannes reprend les traditions de la peinture à fresque Début de la Renaissance. Ces oeuvres du maître se distinguent par la clarté des formes et l'harmonie des couleurs. L'artiste tente de corréler le ton de ses œuvres avec la couleur du mur sur lequel elles seront posées. Il subordonne également la structure compositionnelle de ces panneaux au plan du mur.

Soucieux de rendre dans sa peinture l'harmonie du monde qui l'entoure, Puvis de Chavannes se tourne vers l'art antique. Les figures humaines dans les peintures sont statiques, comme si elles étaient plongées dans leurs propres pensées et fusionnaient avec la nature en un tout unique. Un exemple frappant en est la composition décorative «Vision de l'Antiquité. Le symbole de la forme "(c. 1887-1890). L'artiste fait référence à l'âge d'or de l'humanité, l'époque où les hommes vivaient en harmonie les uns avec les autres et le monde animal et végétal qui les entourait. L'âge d'or est un royaume incroyablement beau de raison, de bonté et de justice. Il n'y a pas de place pour la méchanceté, la cruauté, les émotions négatives. Le sentiment de paix et de silence est transmis dans l'image par les couleurs soutenues dans des tons calmes et légers, le paysage majestueux, les figures parfaites des personnes. Il n'y a pas d'action dans La Vision de l'Antiquité : les personnages semblent immobiles, ils admirent la beauté de la nature ou rêvent.

Le panneau décoratif "Le Bosquet sacré aimé des Arts et des Muses" (1884-1889), destiné au Palais des Arts de Lyon, a été exécuté de la même manière. L'idée principale de cette chanson est lien inséparable sciences et arts. La place centrale du tableau est occupée par des figures allégoriques personnifiant la Peinture, l'Architecture, la Sculpture. A proximité se trouvent les Muses - Polyhymnia, Clio, Calliope. Non loin d'eux, sur le rivage - Thalia et Terpsichore, tourbillonnant dans une danse. Euterpe et Erato gèlent dans l'air. Plongés dans leurs propres pensées, Melpomène et Uranie, assises au bord du lac. Tout dans l'image semble figé : dans le Bosquet sacré, il n'y a pas d'action, il n'y a pas non plus de temps. Non seulement les muses sont immobiles, mais aussi la nature qui les entoure. La surface lisse du lac est calme, pas une seule feuille de l'arbre ne bouge. Tout est plongé dans le silence : l'art et la science ne tolèrent pas l'agitation et le bruit. Muses et visage et figure se ressemblent (probablement Puvis de Chavannes les a peintes d'après le même modèle).

D'autres compositions monumentales de l'artiste ont été écrites dans la même veine (peintures décoratives pour l'hôtel de ville de Paris et panneaux pour la Public Library de Boston).

Le thème de l'union des sciences et des arts se poursuit dans le panneau intitulé "Entre art et nature" (1888-1891), destiné au musée de Rouen. En créant une image, l'artiste a abandonné la stylisation de l'Antiquité, caractéristique du "Bosquet sacré". La toile représente des personnes vêtues de vêtements modernes, engagées dans la peinture, les fouilles archéologiques, la fabrication de céramiques ou simplement admirant la nature, dans lesquelles le spectateur peut reconnaître le véritable paysage français - la colline de Bosincourt, qui offre une belle vue sur la Seine.

Un tableau intéressant de Puvis de Chavannes "Le pauvre pêcheur" (1881), qui a suscité beaucoup de polémiques parmi les contemporains de l'artiste. Les héros de l'image semblent déconnectés, comme si rien ne les reliait. Un pêcheur maigre est plongé dans ses sombres pensées, sa fille cueille négligemment des fleurs sur le rivage et un petit enfant, seul et sans défense, gît dans l'herbe côtière. La tristesse et la solitude émanent d'un paysage terne : un rivage désert et une surface de rivière lisse. Le paysage joue un rôle important dans la toile - si la pose du pêcheur transmet ses émotions avec retenue, alors l'image de la nature révèle pleinement les sentiments et les pensées douloureuses qui contrôlent une personne.

Souvent la peinture de Puvis de Chavannes semble incompréhensible et mystérieuse. Tel est son célèbre tableau "Girls by the Sea" (1879). Les images de filles situées au bord de la mer sont caractérisées par l'ambiguïté: les téléspectateurs et les critiques d'art se demandent qui l'artiste a représenté - ses contemporains, nageant dans la mer, belle Déesses grecques ou sirènes de mer, attirant les marins au cœur simple avec des chants doux. Léger, presque transparent
les corps des filles, leurs contours, comme s'ils se dissolvaient dans le fond du paysage, font ressembler l'image à un mirage tremblant et tremblant.

Le tableau « Rêve » (1883), inspiré d'une vieille légende, est chargé de symbolisme. L'intrigue de la composition est la suivante: la richesse avec des pièces d'or, la gloire avec une couronne de laurier, l'amour avec des pétales de rose sont apparus au vagabond endormi. Le héros doit faire son choix, mais lui, plongé dans un profond sommeil, est inactif. Ainsi, le problème du choix est résolu par la plupart des artistes symbolistes. L'état de sommeil, le détachement de la réalité dans leurs peintures est l'incarnation d'un rêve sur les idéaux perdus du passé.

Puvis de Chavannes est mort à Paris en 1898.

Odilon Redon

L'artiste, peintre, dessinateur et graveur français Odilon Redon est né en 1840. Il étudie l'architecture à Paris (il n'achève pas le cursus), puis fréquente l'École de sculpture de Bordeaux, et au début des années 1860. étudié dans l'atelier parisien de Jérôme. Le sien style artistique a été formé sous l'influence de l'art de Léonard de Vinci, E. Delacroix, F. Goya.

Un rôle important dans la formation de la méthode créative de Redon a été joué par sa connaissance d'Armand Claveau, botaniste de profession. Claveau, qui possédait une immense bibliothèque, initie le jeune artiste aux œuvres de H. Flaubert, C. Baudelaire, E. Poe, aux systèmes philosophiques allemands, à la poésie indienne, et surtout, à l'étonnante et beau monde végétaux.

En 1863, Redon rencontre le graveur Rodolphe Breden, qui crée de petites gravures miniatures représentant des arbres, des plantes fantastiques, des fleurs exotiques et des figures humaines. Ces œuvres pleines de mysticisme de Braeden captivèrent tellement Redon qu'il entra dans l'atelier d'un graveur et maîtrisa la technique de la gravure sur métal et de la lithographie sous la direction de son professeur.

Durant ces années, Redon écrit au fusain et s'adonne à la lithographie en noir et blanc. Dans les années 1870 il visita la Hollande, où il étudia l'œuvre du grand Rembrandt. En 1878, de retour en France, il apparaît comme un maître mature avec son propre style artistique unique.

Dans les années 1880 Redon réalise plusieurs albums lithographiques (Dans un rêve, 1879 ; Poe, 1882 ; Aux origines, 1883 ; Aux souvenirs de Goya, 1885 ; La nuit, 1886 ; Gustave Flaubert, 1889 ; Fleurs du mal, 1890 ; « Rêves », 1891). L'artiste ne cherche pas à transmettre la réalité, il n'utilise donc presque pas la couleur, les principaux moyens d'expression pour lui sont la ligne, la lumière et l'ombre.

Les personnages qui peuplent l'oeuvre de Redon sont caractéristiques de l'art des Symbolistes : squelettes, démons effrayants, des anges déchus et des femmes charmantes. A leurs côtés, d'étranges images nées de son imagination vivent dans les œuvres de l'artiste. C'est une plante étonnante avec une tête ou un œil humain, un joueur sur les épaules duquel repose un énorme dé- un symbole de passion pernicieuse, de fantômes pâles fantomatiques, d'animaux et de fleurs monstrueux ("Swamp Flower"). Les symboles les plus courants dans l'œuvre de Redon sont la lumière, l'œil, la tête humaine comme incarnation de l'âme, la plante est signe de vie (« Profil de lumière », 1881-1886 ; « Œil à la fleur de pavot », 1892 ).

Très souvent, la fantaisie bizarre dans les œuvres de Redon se mêle à la réalité (lithographie "Araignée souriante", 1881). De nombreuses images, malgré leur apparence étrange ou intimidante, semblent étonnamment vivantes.

Lors de la réalisation de ses dessins et lithographies, Redon s'est souvent tourné vers des sujets bibliques et mythologiques, qui
peuvent être combinés en une seule œuvre. Par exemple, lors de la création du dessin "La tête du martyr" (vers 1894), l'artiste a utilisé le mythe de la mort d'Orphée et motif évangélique sur Jean-Baptiste.

La tête coupée du prophète dans cette œuvre est un symbole de l'immortalité de l'âme humaine, ainsi que du sacrifice.

Un exemple frappant de la combinaison de différents motifs est le dessin "The Raven" (1882), inspiré de légendes anciennes et d'un poème d'Edgar Allan Poe. Dans la lithographie "Scribe" (1892), l'image du graveur Braden ressemble au Dr Faust.

Très souvent, Redon remplace les titres de ses lithographies par de courtes légendes, qui n'expliquent pas toujours ce que l'artiste veut montrer. Ces légendes étranges : "Sous l'aile de l'ombre une créature noire a fait une morsure secrète", "Le mur s'ouvre et un crâne apparaît", "L'œil, comme une boule étrange, monte à l'infini" font que le spectateur perce le mystère né de l'imagination sophistiquée de l'auteur pendant une durée infiniment longue.

L'image du mal mondial prévaut dans les œuvres de Redon, mais en même temps dans nombre de ses œuvres graphiques, exécutées en fin XIX c., il y a des figures brillantes de jeunes femmes, d'enfants, de personnes âgées. Ils contiennent également des images inspirées de la belle musique de Wagner. Leur spiritualité et leur pureté sont véhiculées par l'artiste à l'aide de lignes raffinées et gracieuses, de brillants flux de lumière.

L'œuvre de Redon n'a pas eu de succès auprès de ses contemporains pendant longtemps. Ses expositions en 1881 et en 1882. passé
inaperçu. La gloire de l'artiste ne vint qu'après l'exposition organisée en 1886.
la propriété de vingt », une association qui, outre Redon, comprenait des maîtres aussi célèbres que W. Van Gogh, P. Gauguin, J. Seurat, J. Ensor, J. Whistler, J. Toorop, L. Anqueten.

Dans la technique du graphisme en noir et blanc, réalisé au début du XXe siècle. portraits des amis de Redon - artistes P. Sérusier, P. Bonnard, E. Vuillard, M. Denis. Durant cette période, Redon commence à peindre au pastel et à l'huile. Il peint les murs des monastères et des manoirs, fait du carton pour les tapisseries. Bien que les motifs du mal mondial occupent encore une grande place dans son travail, dans de nombreuses peintures apparaissent des images qui ne le caractérisent pas. premières œuvres: Bouddha plongé dans la contemplation de soi, Jésus-Christ souffrant, Orphée mort et Vénus nés de l'écume de la mer.

Dans la peinture de Redon, il y a un détachement d'une personne de la réalité qui l'entoure, caractéristique du travail de la plupart des symbolistes. Dans le tableau "Closed Eyes" (1890), une jeune femme, comme dans l'eau, est plongée dans ses propres pensées. Le jeu de couleurs douces rapproche ce travail de Redon de son graphisme.

Le même détachement de la vie est présent dans l'œuvre au pastel du maître "Méditation" (1893). L'artiste a représenté un homme pensant à quelque chose sur fond de terre grise et déserte. Le ciel bleu vif au-dessus de sa tête symbolise la profondeur et l'intensité des pensées du héros.

Le personnage du tableau « Bouddha » (vers 1905) est tout aussi silencieux et éloigné de tout ce qui est terrestre. Le sentiment d'aliénation de la réalité de Bouddha immergé dans le nirvana intensifie le paysage fantomatique aux allures de mirage.

En 1895-1899. des problèmes matériels dans la vie de Redon, ainsi qu'une maladie prolongée, ont conduit à une crise créative. Essayant de trouver une issue, il se tourne vers des sujets religieux. Le cycle de lithographies "Tentation" remonte à cette époque, où l'image du Christ est la personnification de la lumière et de la bonté. Cette lutte contre le mal est présente dans le pastel "Christ du Sacré-Cœur" (vers 1895). La figure du Christ est entourée d'une lueur dorée brillante, qui contraste avec les couleurs noir de jais de l'arrière-plan.

Paysages intéressants de Redon avec un bateau rouge. Un bateau, un navire pour les chrétiens est un symbole de l'âme humaine. Dans ses premières œuvres sur ce thème, l'artiste se concentre sur des personnes assises dans un bateau. À l'avenir, les figures humaines deviennent plus petites - l'artiste concentre désormais toute son attention sur le bateau et la mer ("Red Boat", 1900). L'image de l'élément marin, qui a attiré de nombreux artistes romantiques, est chargée de sens symbolique par Redon. Énormes vagues, menaçant un petit bateau, des nuages ​​​​sombres porteurs d'un orage - c'est la vie elle-même, pleine de difficultés et de dangers.

Dans la peinture de Redon des années 1900-1910. les images de femmes dominent parmi les fleurs et les bouquets lumineux et variés. Dans ces peintures, l'artiste donne des caractéristiques fantastiques au monde réel, et un sens subtil de la couleur l'y aide. Dans une gamme de teintes sonores et festives, des toiles aux images de femmes (« Femme parmi les fleurs », 1909-1910 ; « Rêve », ca. 1912 ; « Profil de femme à la fenêtre »), avec des fleurs exotiques, des coquillages fantaisie et des papillons lumineux (« Sink », 1912 ; « Red Sphinx », 1910-1912 ; « Red Sphere », 1910, collection privée).

Dans de nombreuses peintures de Redon, les mêmes images fantastiques apparaissent qui étaient présentes dans ses graphiques ("Green Death", 1905-1910; "Man with a Snake", ca. 1907).

L'artiste transforme le mythe du Cyclope et de Galatée en une image colorée et fantastique : le monstre borgne semble énorme sur le ciel azur, et la minuscule figure de la nymphe se perd dans l'ornement lumineux du paysage (Cyclope, 1898) .

La lumière joue un rôle important dans la peinture de Redon. Il remplit les couleurs qui scintillent et jouent comme gemmes. Les couleurs des objets sont loin des couleurs naturelles de la nature ; pour l'artiste, la couleur est le même symbole que les images de ses graphismes en noir et blanc.

A l'instar de M. Denis et P. Sérusier dans les années 1890. Redon commence à s'entraîner arts appliqués. A cette époque, les panneaux qu'il crée pour le château de Domsey en Bourgogne, cartons pour tapis et paravents décoratifs font partie.

Redon mourut en 1916. Son art, plein d'images mystiques et de fantasmes étranges, eut une grande influence sur les artistes surréalistes.

Rêves poétiques, visions sombres et douloureuses, masques terribles, squelettes terribles dans la peinture des symbolistes au XXe siècle. attira l'attention des surréalistes, qui continuèrent recherche créative leurs prédécesseurs.

A la fin du XIXème siècle. divers directions artistiques pourraient se mélanger et interagir les uns avec les autres. Les postimpressionnistes et les symbolistes prenaient souvent des moyens d'expression pour ses œuvres dans l'Art nouveau. Un certain mystère vient du symbolisme dans la peinture de nombreux représentants du post-impressionnisme.

Initialement, le mot grec ancien "symbole" signifiait une pièce de monnaie divisée en deux.

Deux personnes qui possédaient chacune la moitié de cette pièce pouvaient se reconnaître lorsqu'elles se rencontraient en additionnant les deux parties ensemble. Néanmoins, au fil du temps, le symbole d'une marque d'identification ordinaire est devenu l'un des concepts profonds et vastes les plus complexes de la culture mondiale de la philosophie et de l'art. Le thème du symbolisme en peinture ne peut être contenu dans une certaine direction, manière, école, style....

Le symbolisme, en tant que direction dans les beaux-arts, s'est développé en même temps que le symbolisme dans la littérature des années 60-70 du XIXe siècle, à l'ère de la «fin de siècle», appelée par son culturologue Max Nordau, ou décadence. Cependant, les traits caractéristiques du symbolisme se découvrent bien plus tôt : toute la peinture et l'iconographie du Moyen Âge se caractérisent par un caractère profondément symbolique.

Une influence colossale sur l'émergence du symbolisme s'exprime par l'esthétique romantique du 18e - n. XIXe siècle, qui s'appuie sur la philosophie classique de l'Allemagne et surtout sur l'idéalisme de I. Kant. Il a soutenu que seuls les phénomènes sont acceptables pour notre esprit, c'est-à-dire uniquement la manière dont cet objet est présenté dans la perception de nos sens. Directement, la nature du sujet est incompréhensible. Ici, l'esprit humain, errant dans les ténèbres, vient au secours d'un symbole. Il est destiné à exprimer la signification intelligible des phénomènes et est généré par la perspicacité de l'artiste.

Artistes symbolistes

Développement.

L'amour, la mort, la souffrance - le soi-disant thèmes éternels, les principaux motifs du symbolisme dans les beaux-arts.

Dans les œuvres de Tom Hans, par exemple, dans son illustration pour "L'Anneau des Nibelungen" de Wagner, l'esprit même de la vieille antiquité allemande a été réalisé. On contemple Hagen, ou Brynhild en casques à cornes, en armure et aux tresses volantes, transpercé par la lance de Siegfried... Tout ici est épique, inébranlable, éternel, comme le grand Nibelungenlied lui-même, que Heine appelait "le rendez-vous des cathédrales gothiques" pour un raison, mais avec cela, il y a aussi une sorte de panne, de prétention, de stylisation - si caractéristiques sont les caractéristiques du symbolisme.

Une volonté de symbolisme vivement dépeinte s'observe à la fin des années 1880 dans les toiles du célèbre impressionniste P. Gauguin et de son école de « Pont-Aven » : (E. Bernard, L. Anquetin et autres). Or les Pont-Avens convoquent l'artiste à adhérer aux « profondeurs mystérieuses de la pensée ». Ils ont essayé d'incarner les symboles nécessaires dans la nature même de la forme plastique, en s'appuyant sur le système pictural du soi-disant synthétisme, qui simplifie et généralise les formes et les lignes, qui a également placé rythmiquement de grands plans de couleur, en recourant à une ligne de contour claire , qui par la suite commencera à dépeindre les traits intégraux du symbolisme en Russie. .

Moderne.

Le symbolisme dans la peinture des années 1890 a reçu une confirmation fiable dans l'esthétique du style Art nouveau. En tant que courant de symbolisme, l'Art nouveau a été développé par : le groupe Nabis dirigé par P. Sérusier et M. Denis (France), F. Holder et G. Klimt (Autriche), F. von Stuck, M. Klinger (Allemagne) , A. Mucha en République tchèque, F. Knopf, et l'école du Latem dirigée par J. Minnet en Belgique.

Caractéristique principale Art Nouveau- c'est son inséparabilité de l'ornementation.

Les mêmes courbes douloureusement brisées des motifs moernes se manifestent dans leurs cheveux qui se tordent et dans la nature des plis des vêtements des personnages des toiles. Cette scène de genre comme - comme s'il était écrit dans l'ornement et le prolonge et le complète. Souvent, en raison du trait noir aplati d'une image dessinée en trois dimensions, l'effet d'unité de l'image avec l'ornement est obtenu.

L'une des plus grandes tendances de l'art au tournant des XIXe et XXe siècles, qui est née en France et s'est ensuite répandue dans le monde entier, est le symbolisme (traduit du grec symbolon - symbole, signe). Cette direction est apparue en France dans les années 70-80 du XIXe siècle et a atteint le plus haut sommet de développement dans son pays d'origine, ainsi qu'en Belgique, en Russie, en Allemagne, en Norvège et en Amérique à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Le symbolisme est devenu l'une des tendances les plus répandues et les plus fructueuses de l'art de cette époque, ses éléments sont remarqués presque tout au long du développement de la civilisation humaine (la peinture médiévale et les fresques gothiques sont imprégnées de l'esprit du symbolisme chrétien, de nombreux éléments du symbolisme sont capturés dans les peintures d'artistes qui ont écrit à l'époque du romantisme).

Le symbolisme, qui est apparu au tournant du siècle, a agi comme une nouvelle tendance dans l'art en opposition au réalisme et à l'impressionnisme, il a montré sa protestation et son attitude négative contre le développement de la morale et des valeurs bourgeoises, a exprimé le désir et le désir de gagner la liberté spirituelle, sentait subtilement les changements à venir et prédisait les inévitables bouleversements sociaux et historiques à venir tant pour chaque individu que pour la société dans son ensemble.

Le terme "symbolisme" a été utilisé pour la première fois dans un article du poète français Jean Moréas intitulé "Le Symbolisme", publié dans le journal Le Figaro en 1886. Ce manifeste proclamait les principes de base de la nouvelle direction et affirmait la primauté du symbole comme principale manière d'exprimer l'état d'esprit subtil d'un poète ou d'un artiste. Les adeptes du symbolisme cherchaient le sens de l'existence terrestre dans leurs émotions, leurs rêves, au plus profond de leur conscience et de leurs visions fantastiques, là où les réalistes essayaient de dépeindre le monde qui les entourait sans fioriture, les symbolistes, déçus de la réalité qui les effrayait , enveloppait tout d'un voile de mystère et de mysticisme, utilisait des images et des symboles .

Symbolisme en peinture

(Gustav Klimt "Le Baiser")

Tout d'abord, cette direction s'est généralisée dans la littérature, la philosophie et art théâtral, et alors seulement dans les arts visuels et la musique. Le sien objectif principal les symbolistes considéraient l'expression de vérités absolues et l'affichage vrai vie par l'utilisation d'images métaphoriques et d'allégories qui ont une signification symbolique. Les principaux traits caractéristiques de ce style peuvent être appelés: aspirations innovantes pour l'expérimentation, le mysticisme, le mystère, les sous-entendus et le voile.

(Odilon Redon "Jeune Bouddha")

Artistes symbolistes de la fin Début XIX du XXe siècle, inspiré par la poésie et la littérature de l'époque romantique, diverses légendes, contes, mythologie et histoires bibliques, ont créé leurs toiles remplies de personnages et d'objets qui ont une profonde signification mythique, mystique et ésotérique. Les sujets les plus populaires pour les artistes de cette direction étaient la religion et l'occulte, le transfert de divers sentiments et émotions, l'amour, la mort, la maladie et divers vices humains. Les peintures symbolistes se caractérisent principalement par une profonde sens philosophique et s'efforcent de transmettre non pas une image réelle, mais de montrer les sentiments et les émotions, les expériences et les humeurs de l'auteur. Les images de ce style deviennent reconnaissables et sont particulièrement uniques non pas en raison de l'utilisation de formes et de couleurs spéciales, mais en raison de leur contenu, sens profond emprisonné en eux.

(Jan Matejko "Stanchik")

Sur les visages des personnages représentés sur les toiles des symbolistes, ne se produisent presque jamais Émotions positives, ce qui est dû aux exigences de cette doctrine, pour transmettre aux gens l'idée de l'imperfection du monde qui les entoure. L'arrière-plan les toiles sont généralement floues et représentées dans un uniforme calme Schéma de couleur, l'image au premier plan est très généralisée et simple, les contours des plus petits éléments sont bien visibles. Scénario peintures est pleine de mystère et de mysticisme, chaque détail a sa propre signification symbolique spécifique, qui nécessite une réflexion et une étude approfondies. Une telle toile envoie les pensées d'une personne qui la contemple dans un long voyage à travers les profondeurs de son esprit, nécessite un certain regard et une confiance en propres sentiments et les émotions.

Artistes symbolistes de premier plan

(Gustave Moreau " Phaéton ")

Les adeptes français du symbolisme dans les arts visuels se distinguent par une soif de décadence et de synthétisme, qui représente un mélange et unification du symbolisme et du cloisonnisme (figures et plans multicolores délimités par un large contour). Gustave Moreau (Salomé dansant devant Hérode, Œdipe et le Sphinx, Jeunesse et Mort, Automne), Paul Gauguin (Vision après le sermon, ou La lutte de Jacob avec un ange), Odilon Redon (une série de lithographies « Dans le monde de rêves", "Apocalypse de Saint-Jean", "À Edgar Allan Poe", "Nuit", "Cyclope"), Emile Bernard ("Rose Street à Port Aven", "Musicien de rue espagnol et sa famille"), Puvis de Chavannes (« Rêve », « Mort de saint Sébastien », « Sainte Camille », « Méditation », « Juliette »).

(Edvard Munch "Mélancolie")

Un des les représentants les plus brillants Le symbolisme norvégien dans les arts visuels est considéré comme l'artiste et graphiste Edvard Munch, ses peintures, reflétant son destin difficile, sont saturées de motifs de peur, de solitude et de mort, ses des peintures célèbres"Scream", "Parting", "Mélancolie".

(Xavier Mellery "Heures. (L'éternité et la mort)")

Artistes symbolistes belges exceptionnels - Xavier Mellery ("L'horloge, ou l'éternité et la mort", "La danse", "L'immortalité"), James Ensor ("Le Christ marchant sur la mer", "Squelette et Pierrot", "Intrigue", "Terrible Musiciens "" "La mort battant le troupeau humain"), Jean Delville - ("God-Man", "Love of Souls"), en Angleterre - la soi-disant confrérie préraphaélite William Hunt ("Lumière du monde", "L'Ombre de la Mort", "Trouver le Sauveur au Temple"), Dante Rossetti ("Annonciation", "Lucrèce Borgia", "Proserpine"), John Millet ("Ophélie", "Cimone et Iphigénie").

(Mikhail Vrubel "Démon assis")

En Russie, il s'agit de Mikhail Vroubel («Démon assis», «Perle»), Mikhail Nesterov («Vision du jeune Barthélemy», «L'ermite»), Svyatoslav Roerich («Jacob et l'ange», «L'humanité crucifiée», « Vie éternelle », « Appel éternel », « Feat »), Nikolai Gushchin, Konstantin Somov (« Lady by the Pond », « Lyudmila in the Garden by Chernomor », « Lady in Blue », « Oiseau bleu”), Victor Borisov-Musatov (“Autoportrait avec soeur”, “Daphnis et Chloé”, “Réservoir”, “Tapisserie”, “Ghost”).

Symbolisme en architecture

(La signification symbolique peut être vue dans la base de la cathédrale Saint-Isaac)

Au cœur de tout structure architecturale mensonge signification symbolique, qui y a été investi par ses créateurs. Les proportions de tant de bâtiments et de structures (temples grecs et romains, cathédrales gothiques, ziggourats babyloniennes, Pyramides d'Egypte) déterminent les significations symboliques de leurs formes. Ces édifices religieux faisaient office de projections terrestres de maquettes Cosmos: un vaste espace aérien reposant sur des colonnes ou des pylônes, reliant la surface de la terre et les "eaux primaires". Les principaux symboles en architecture sont le cercle, symbolisant l'infini, le ciel, le mouvement ou l'ascension, le soleil (les énormes tambours des dômes ont la forme d'un cercle dans la cathédrale Saint-Martin de Cologne, la cathédrale Saint-Isaac de Saint-Pétersbourg), le triangle est un symbole de la terre et de son interaction avec le ciel, le carré symbolise le principe de statique et de complétude.

Aussi spécial signification symbolique possèdent divers animaux et oiseaux représentés sur les façades des édifices (lions, taureaux, licornes, aigles à deux têtes). Ce phénomène est appelé zoomorphisme : à l'image des animaux sacrés comme incarnation terrestre d'êtres divins, chaque animal a sa propre signification mythologique et symbolique.

Liste de la littérature utilisée

Conclusion

Dans l'ensemble, le XIXe siècle a été une période de grand essor de la culture russe. elle est étroitement liée à l'évolution de la conjoncture économique et vie politique des pays.

La chute du servage signifiait le début d'une nouvelle période capitaliste dans l'histoire de la Russie. Le capitalisme a introduit des changements significatifs dans la vie de la société : il a transformé le système économique, changé l'image sociale et spirituelle de la population, son mode de vie, ses conditions de vie, et a contribué à la croissance des besoins culturels. La culture, étant le système le plus important vie publique, accumulé les idées de l'époque.

À l'ère post-réforme, des œuvres littéraires et artistiques remarquables ont été créées en Russie, qui ont pris la place qui leur revient dans le trésor de la culture mondiale. Force russe culture nationaleétait dans son mérite artistique, sa citoyenneté, sa haute moralité et son orientation démocratique.

Couverture sociale énorme, esprit offensif, accusateur, appel à des problèmes d'actualité, voilà ce qui a déterminé la littérature de la période post-réforme. La littérature russe ne se distinguait pas seulement par son attitude critique envers la réalité, elle exposait le mal, cherchait des moyens de combattre ce mal et accomplissait une mission de transformation sociale. Complétude idéologique, pénétration profonde dans les phénomènes de la vie, rejet de l'injustice, richesse de l'expression artistique travaux littéraires déterminé le rôle prépondérant de la littérature dans le développement d'autres formes d'art.

La pensée sociale progressiste a fixé de nouvelles tâches pour la peinture. Les années 1960 constituent une certaine étape interne dans l'histoire des beaux-arts russes avec une prédominance du genre social. Le mouvement idéologique et artistique de ces années a ouvert la voie à l'émergence de "l'Association des expositions d'art itinérantes" (1871). L'idée de l'organiser est née en 1865, lorsque, à l'initiative de Kramskoï, une exposition de peintures "Artels d'artistes" a été présenté à Nizhny Novgorod, qui a été un succès. L'errance est le courant dominant de l'art national de la seconde moitié du XIXe siècle, idéologiquement opposé à l'académisme. Les dispositions de l'esthétique démocratique révolutionnaire ont déterminé la nature programmatique du travail des Wanderers : citoyenneté, conscience des problèmes sociaux et psychologiques de leur temps, intérêt pour l'apparition d'un contemporain. Le courant des Wanderers embrassait exclusivement la Russie. A la fin du 19ème siècle, un partenariat apparaît qui s'occupe de expositions itinérantes peintures. Il a été créé par les principaux représentants de la tendance réaliste du pays. Avec la création de l'Association, ceux qui faisaient partie de l'artel ne manquèrent pas non plus de rejoindre les rangs des Wanderers. L'objectif principal auquel ils étaient confrontés était d'esthétiser la population, en la familiarisant largement avec l'art. Ils comprenaient le plus artistes célèbres Russie - Shishkin, Vasnetsov, Repin, Surikov, Levitan, Savrasov et bien d'autres. Le sujet de la peinture de portrait se diversifie.

Les artistes russes ont atteint un niveau de compétence qui place leurs œuvres sur un pied d'égalité avec les meilleurs exemples de l'art européen.

À la suite de la révolution culturelle au tournant des XIXe et XXe siècles, des tendances sont apparues dans la vie spirituelle de l'Europe et de la Russie associées à la vision du monde d'une personne du XXe siècle. Ils ont exigé une nouvelle compréhension de la société et problèmes moraux. Tout cela a conduit à la recherche de nouvelles méthodes et moyens visuels. En Russie, une période historique et artistique particulière s'est développée, que son contemporain a appelée «l'âge d'argent» de la culture russe.

Ainsi, dans la seconde moitié du XIXe siècle, de remarquables œuvres littéraires et artistiques ont été créées en Russie, qui ont pris la place qui leur revient dans le trésor de la culture mondiale.

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"Monde des Arts" -(1898-1910, 1910-1924) : A. Benois, E. Lansere, K. Somov, Dobuzhinsky, A. Ostroumova-Lebedeva, L. Bakst, A. Golovin, I. Bilibin, N. Roerich.

Ils se situent à l'intersection du symbolisme et de la modernité. 1904 - déclin. La deuxième vague est associée à d'autres noms.

Z. Serebryakova, K. Bogoevsky, A. Yakovlev, V. Shukhaev; graphiques : S. Chekhonin, D. Mitrokhin, G. Narbut.

MI. – association créative d'artistes; un magazine qui a existé pendant 6 ans (1899-1904) ; expositions du même nom à Saint-Pétersbourg.

Universalisme:

• les artistes se sont essayés dans différents genres et types d'art;
• 2 types de grande synthèse - livre synthétique (conception du livre et graphisme) et synthèse théâtrale (participation à la scénographie).

Kustodiev B. Portrait de groupe d'artistes "Monde de l'art" 1916-1920.

1899 - le premier magazine avec l'aide des mécènes S. Mamontov et de la comtesse Tinishcheva. En plus du département d'art, il y avait un département de chronique d'art, d'art et de poésie. Des problèmes théoriques généraux ont été discutés.

1. Proclamation de la réforme artistique. Contre l'académisme et les vagabonds tardifs. Critique de Perov et Repin. Pour expérimenter la forme.
2. Slogan art libre. Contre la littérature et la tendance. L'idée de l'art pour l'art. Pan-esthétisme global. Harmonie, beauté, perfection. Abordé la poétique du symbolisme
3. Poétique du symbolisme. Utilisation de la métaphore, tout langage est métaphorique. Le motif du masque, les mimiques, le thème de la mascarade. Appel à l'intrigue mythifiée.

D. Syrobyanov: "double transformation du monde" - expression artistique tracer dans matériel spécifique l'art lui-même, un monde d'imagination, de fantaisie, pas le monde réel ; théâtralisation de l'intrigue (festivités, rassemblements folkloriques, processions, sorties sur le terrain, chasse, etc.).

S. Makovsky: "rêveurs rétrospectifs" - un retour à 2 époques, "un écho du passé", la canonisation du passé; XVIIIe siècle - première moitié du XIXe siècle (orientation vers les traditions de la nation culture artistique); Froid d'Europe occidentale XIXe-XXe siècles

Style éclectique.

A. Benois.

(série Versailles)

Promenades du roi, 1906 (technique mixte)

Défilé sous Pavel 1, 1907

Illustrations pour le poème de A. Pouchkine " Cavalier de bronze»

Comédie italienne(thème Teatro del Arte)