Au XVIIe siècle, la période de sept cents ans de la grande construction russe ancienne en pierre prend fin. Par la suite, il s'inscrira dans plus d'une page fascinante des annales de l'architecture mondiale. Et déjà l'architecture russe du XVIIIe siècle deviendra célèbre pour un certain nombre d'innovations dans l'art et la construction. Ce sont ces changements qui étaient principalement dus aux lourdes exigences du gouvernement. Tout d'abord, l'architecture du XVIIIe siècle en Russie était censée exprimer toute la puissance, la force et la grandeur du vaste empire sous la forme de structures architecturales.
avec les politiques et développement économique La Russie est également soumise à de nouvelles exigences en matière d'urbanisme. Classiquement, toute l'architecture russe du XVIIIe siècle peut être représentée principalement par plusieurs courants architecturaux. Il s'agit principalement du baroque et du rococo et, bien sûr, du classicisme.
Architecture russe du XVIIIe siècle: principaux styles
Selon la définition " baroque"est une tendance unique dans la peinture et l'art, dont les caractéristiques sont une splendeur extraordinaire, une sorte de contraste, ainsi qu'une combinaison particulière du réel et de l'illusoire. Les maîtres reconnus du XVIIIe siècle dans le style baroque étaient considérés Trezzini, Schluter, Michetti, Zemtsov, Rastrelli, Chevansky et Ukhtomsky. C'est dans leurs œuvres que l'architecture du XVIIIe siècle en Russie s'est le plus clairement exprimée, leurs noms resteront à jamais dans l'histoire d'une grande puissance.
La contribution la plus importante au trésor de l'architecture mondiale et russe a été la rénovation de Saint-Pétersbourg. Parmi la variété des structures architecturales de cette époque, les plus impressionnantes étaient : le Palais d'Hiver, le Palais Stroganov, ainsi que le Monastère Smolny et Tsarskoïe Selo. Saint-Pétersbourg pourrait être appelée en toute sécurité la capitale culturelle de cette époque. Après tout, c'est là L'architecture russe du XVIIIe siècle était à grande échelle. Contrairement à Moscou et à toutes les autres villes de Russie, c'est à Saint-Pétersbourg que la construction d'édifices religieux n'a pratiquement pas été réalisée - ils n'ont été érigés qu'en cas d'urgence.
L'architecture en Russie au XVIIIe siècle, en particulier dans la seconde moitié, commence à changer de manière significative. Le baroque décoratif et le rococo prim ont été remplacés par le style architectural et artistique - le classicisme. Il s'est rapidement établi non seulement à Saint-Pétersbourg et à Moscou, mais s'est également répandu dans tout le pays.
Classicisme en Russie
Classicisme(en traduction du latin - exemplaire) - un style artistique créé par une combinaison concise de formes, de motifs et de compositions d'art ancien monde et un chef-d'œuvre de la Renaissance italienne.
L'architecture du XVIIIe siècle en Russie est également formée entre les mains compétentes de fondateurs célèbres du classicisme russe tels que: V. I. Bazhenov, A. F. Kokorinov, M. F. Kazakov, I. E. Starov. Des architectes talentueux ont érigé de beaux monuments, dans lesquels les principes architecturaux classiques et les éléments des classiques mondiaux étaient présents, et les traditions du patrimoine architectural russe ont été clairement tracées. Les structures architecturales de ces architectes se distinguent par leur simplicité et leur rigueur caractéristiques, ainsi que par leur rationalité.
Architecture du XVIIIe siècle en Russie est devenu célèbre pour de telles œuvres d'architecture du début du classicisme russe: Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, oeuvres de V. I. Bajenov à Moscou - construit la maison de Pachkov et le projet non réalisé du majestueux palais du Kremlin à Tsaritsyn ; Hôpital Golitsyn, Sénat de Moscou au Kremlin, et Palais de Taurideà Saint-Pétersbourg I. E. Starova et autres.
Les traditions progressistes de l'architecture russe du XVIIIe siècle ont été d'une grande importance pour la pratique de l'architecture ultérieure. Chaque année, l'architecture a été transformée, mais certaines caractéristiques de l'architecture russe se sont développées au cours des siècles à venir, préservant les traditions et la durabilité jusqu'au XXe siècle.
Début du 18ème siècle pour la Russie, il a été marqué par une rupture du mode de vie habituel, un virage vers l'imitation des modèles culturels occidentaux, qui embrassaient principalement la noblesse métropolitaine et provinciale. Art de la Russie depuis le début du XVIIIe siècle. devient laïc. Des types et des genres d'arts spatiaux jusque-là inconnus apparaissent : gravure, monument, portrait sculptural, architecture de paysage, etc. L'émergence de nouveaux types et genres d'art a été associée à la nécessité de créer des dessins et des cartes de Saint-Pétersbourg en construction, pour refléter les victoires de l'armée et de la marine russes.
Un système de formation professionnelle pour graveurs, sculpteurs et peintres et architectes est en train d'émerger. Souvent, des maîtres reconnus invités de l'étranger font office d'enseignants. Plusieurs styles artistiques viennent d'Europe en Russie - baroque et rococo, classicisme, réalisme des Lumières, et plus tard - sentimentalisme et pré-romantisme. Ainsi, les processus artistiques en Russie sont de plus en plus étroitement liés aux processus paneuropéens, seul l'art populaire reste fidèle aux modèles et méthodes d'activité traditionnels.
Le style artistique phare de la première moitié du XVIIIe siècle. Le baroque devient en Russie - le style de l'absolutisme, incarnant la splendeur et la puissance de l'autocratie russe. Le baroque russe différait de l'Europe occidentale par son pathos optimiste et ses débuts positifs. L'essentiel du baroque russe est la construction de palais dans la nouvelle capitale de la Russie - Saint-Pétersbourg.
B.-K. Rastrelli.
Buste de Pierre Ier 1723-1729
Sur la cuirasse de Pierre - images en relief de la bataille de Poltava. Et aussi l'image de Pierre dans la tenue des empereurs romains, sculptant une figure féminine avec un sceptre et un orbe
En 1706, la Chancellerie des affaires de la ville a été créée pour gérer les travaux de construction, dirigée par U.A. Sinyavin. Sur la rive gauche de la Neva, la construction d'une forteresse-chantier naval de l'Amirauté a commencé.
En 1710-1711. Le premier palais d'hiver de Pierre Ier a été construit.Le bâtiment de deux étages, couvert d'un haut toit, était décoré d'un petit portail orné et de pilastres étroits. En 1726-1727. l'architecte Dominico Trezzini a ajouté deux ailes au bâtiment et a souligné son centre avec quatre colonnes.
Vers la fin des années 1720. l'image de Pétersbourg était déterminée. En 1737, la Commission sur la construction de Saint-Pétersbourg a été créée, sa partie architecturale était dirigée par P.M. Eropkin. La commission a élaboré un plan directeur pour la capitale, selon lequel le centre a été transféré du côté de l'Amirauté. Les directions des trois principales autoroutes de la ville, divergeant de la tour de l'Amirauté, ont été tracées. I. K. Korobov (1700/1701-1747) a proposé de construire une tour de l'Amirauté en pierre de soixante-dix mètres avec une haute flèche dorée et une girouette en forme de navire.
Toute la région centrale a été ordonnée de n'être construite qu'avec des bâtiments en pierre. Le type de construction prédominant à cette époque était un domaine-palais dans la capitale ou dans sa banlieue.
L'apogée de l'architecture russe au milieu du XVIIIe siècle. associé au style baroque et au nom de Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700-1771), qui a combiné dans son travail les caractéristiques du baroque d'Europe occidentale et son incarnation dite "Narychkine". Arrivé à Saint-Pétersbourg à l'âge de 16 ans, Rastrelli est allé deux fois à l'étranger, commençant à travailler de manière indépendante sous le règne d'Anna Ioannovna. Ses premiers bâtiments furent le palais en bois Winter Annenhof à Moscou et le palais d'été près du Kremlin. Rastrelli a construit le troisième palais d'hiver à Saint-Pétersbourg, combinant les maisons d'Apraksin et de Kikin et construisant deux nouveaux bâtiments aux angles du côté de l'Amirauté. Les façades du palais, s'étendant le long de la Neva sur près de 150 m, conservaient encore les caractéristiques du baroque de Pierre le Grand, mais la main de Rastrelli se faisait déjà sentir dans la conception de plusieurs pièces intérieures - la salle du trône, le hall d'entrée et le Théâtre.
En 1749, Elizabeth publie un décret sur la construction du monastère de Smolny. La construction de la cathédrale, commencée en 1748, fut suspendue faute de fonds. Rastrelli ne l'a jamais terminé, mais le bâtiment créé était l'une de ses créations remarquables.
Travaillant à la construction du monastère de Smolny, Rastrelli reçoit l'ordre de l'impératrice de commencer les travaux de reconstruction du grand palais de Peterhof. L'architecte a reçu une condition: préserver le complexe de bâtiments laissé par Peter, agrandissant considérablement le palais.
La création la plus parfaite de Rastrelli est le Grand Palais ou Palais de Catherine à Tsarskoïe Selo, dont la construction a été réalisée de 1752 à 1757. La construction du palais, commencée plus tôt, n'a pas satisfait Elizabeth. Rastrelli transforme le palais en une immense suite de salles, érige des pavillons de parc dans un vaste jardin régulier. L'autre côté du palais fait face à une immense cour, délimitée par des bâtiments à un étage. L'enfilade de pièces dans la partie centrale du palais avait une finition magnifique - sculptures en bois doré, peinture au plafond.
Au centre de Saint-Pétersbourg, Rastrelli a érigé le quatrième Palais d'Hiver. Conservé presque inchangé, le Palais, apogée du baroque russe, a été construit sous la forme d'un quadrilatère fermé avec une vaste cour, sa taille dominant l'espace environnant. D'innombrables colonnes se rassemblent maintenant en groupes, particulièrement pittoresques aux angles du bâtiment, puis se séparent. Il y a des dizaines de vases décoratifs et de statues sur la balustrade du toit. Chaque façade Rastrelli conçu différemment. Ainsi, la façade nord, tournée vers la Neva, s'étire comme un mur plus ou moins égal, sans rebords apparents. La façade sud donnant sur la place du Palais a sept articulations et est la principale. Son centre est mis en valeur par un large rhizolithe richement décoré, traversé par trois arcs d'entrée. Parmi les façades latérales, la plus expressive est celle de l'ouest, face à l'Amirauté. De l'intérieur du palais, créé par Rastrelli, l'Escalier du Jourdain et en partie la Grande Église ont conservé l'aspect baroque. Après l'accession au trône de Catherine II, Rastrelli cessa de recevoir des commandes, la cour n'aimait pas le style baroque. Le 23 octobre 1763 Catherine décide de destituer Rastrelli du poste d'architecte en chef. En 1771, il soumet une demande d'admission à l'Académie impériale des sciences, la demande est accordée le 9 janvier 1771. La même année, Rastrelli meurt.
L'influence du travail de Rastrelli était également forte pour les architectes indépendants. L'un de ces artisans était S. I. Chevakinsky (1709/1713 - vers 1780), qui a construit la cathédrale navale Saint-Nicolas à deux étages.
Détails Catégorie : Art russe du XVIIIe siècle Publié le 10/02/2018 18:52 Vues : 2880Le XVIIIe siècle pour la Russie est l'ère des changements associés aux réformes de Pierre Ier. Ces réformes ont touché presque toutes les sphères de la vie du pays :
économie, gouvernement, affaires militaires, éducation, pensée sociale, science et culture. De la «fenêtre sur l'Europe», percée par Pierre le Grand, toutes les réalisations des temps modernes se sont littéralement déversées en Russie.
L'art russe a maîtrisé et retravaillé l'expérience de l'Europe occidentale de diverses manières: des œuvres d'art prêtes à l'emploi ont été achetées à l'étranger, leurs propres œuvres ont été créées par des spécialistes nationaux et étrangers, très activement attirés par la Russie à cette époque. Des personnes talentueuses ont été envoyées en Europe pour étudier aux frais de l'État.
Caractéristiques de la créativité artistique du XVIIIe siècle
La nouvelle époque a également créé une nouvelle culture qui a remplacé le Moyen Âge. Le concept de beauté et les formes de son incarnation ont changé.
En même temps, il ne faut pas oublier que l'art du temps de Pierre le Grand n'était pas encore pleinement établi, l'art étranger n'était pas filtré, mais il n'avait pas non plus de sens prédominant dans l'art russe. La vie elle-même mettait tout à sa place, et dans la culture russe il ne restait que ce qui prenait racine sur le sol russe et répondait aux intérêts nationaux. C'est ce processus qui a amené art russe de l'espace clos du Moyen Âge et l'a relié au paneuropéen, tout en donnant des exemples de chefs-d'œuvre de classe mondiale.
N'oublions pas que l'opinion publique changeait - la Russie s'est engagée sur la voie de l'absolutisme. La science et l'éducation se sont développées. L'Académie des sciences a été créée, l'impression de livres s'est activement développée et la culture est entrée dans la voie séculaire du développement. Ces changements ont été particulièrement marqués dans beaux-Arts et architecture.
Les principes de l'urbanisme ont changé - ils concernaient l'urbanisme, certains types de bâtiments, les compositions des façades, le décor, l'intérieur, etc.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. le baroque est remplacé par le classicisme, basé sur les principes de l'antiquité. Mais dans l'architecture russe, les caractéristiques du classicisme sont déjà perceptibles dans la première moitié du XVIIIe siècle : simplicité, équilibre et rigueur des formes. Dans le cadre du développement de l'industrie et du commerce, il était nécessaire de construire des bâtiments d'importance industrielle, étatique et publique: banques, bourses, marchés, maisons d'hôtes, bureaux du gouvernement. Et le développement de la culture et de l'éducation a conduit à la construction de bibliothèques, de théâtres, d'universités et d'académies. Les privilèges de la noblesse se sont étendus, ce qui a entraîné une augmentation de domaines noblesà la campagne.
Peinture
Dans la première moitié du XVIIIe siècle. le genre du portrait profane se forme. Cette époque est appelée le "portrait du temps de Pierre". Le genre du portrait devient prédominant en peinture. Elle est déjà très différente de la parsuna de la fin du XVIIe siècle. composition, couleur, individualisation de la personnalité du représenté.
I. G. Tannauer. Portrait de Pierre Ier
Les artistes ont commencé à utiliser la perspective directe, qui crée de la profondeur et de la tridimensionnalité dans l'image sur le plan. L'art de l'ère pétrinienne se caractérise par un haut pathétique d'affirmation, c'est pourquoi le thème central en est la personne, et le genre principal est le portrait.
Mais la question de la paternité à l'époque pétrinienne restait problème difficile. Parfois, les artistes ne signaient pas leurs œuvres. De plus, il y avait aussi le problème de l'identification du modèle, puisque les portraits personnalisés étaient généralement créés avec une grande part d'embellissement de la personne représentée, d'autant plus qu'il s'agissait généralement de l'empereur et des membres de sa famille et de leur entourage.
I. Nikitine. Portrait du chancelier Golovkine
Parsuna est progressivement remplacé, mais continue d'exister pendant un certain temps même dans le travail des principaux artistes de l'époque: I. Nikitina, I. Vishniakova, A.Antropova, A. Matveeva, I. Argunova et d'autres artistes, qui témoigne de la transition encore inachevée du médiéval au nouvelle manière. Des traces de parsonisme se retrouvent également dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, notamment dans les œuvres des maîtres serfs et provinciaux, autodidactes.
I. Vishnyakov. Portrait de Xenia Ivanovna Tishinina (1755)
Dans la peinture russe de la seconde moitié du XVIIIe siècle. deux styles artistiques prévalaient : le classicisme et le sentimentalisme.
Le genre du portrait s'est encore développé. Artistes V. Borovikovski Et F. Rokotov a travaillé dans le style du sentimentalisme et a créé un certain nombre de portraits lyriques et spirituels.
V. Borovikovski. Portrait d'E.N. Arseniev (1796)
Toute une galerie d'images de personnes exceptionnelles a été créée par un portraitiste D.Levitsky.
Architecture
Première moitié du XVIIIe siècle marquée dans l'architecture par le style baroque. La première étape du développement du baroque russe remonte à l'ère du royaume russe, et des années 1680 aux années 1700, le baroque de Moscou se développe, dont la principale caractéristique est l'utilisation généralisée d'éléments de l'ordre architectural et l'utilisation de compositions centrées dans l'architecture des temples.
La fondation de Saint-Pétersbourg a donné une puissante impulsion au développement de l'architecture russe, avec les activités de Pierre Ier, une nouvelle étape dans le développement du baroque russe commence, cette étape s'appelait le "baroque pétrinien", qui se concentrait sur des exemples de Architecture civile suédoise, allemande et néerlandaise. Mais seuls les premiers monuments architecturaux de cette période (par exemple, la cathédrale Pierre et Paul de Saint-Pétersbourg) ont pratiquement échappé à l'influence russe. Malgré l'abondance d'architectes étrangers en Russie, une nouvelle école d'architecture commence à se former.
L'architecture de l'époque de Pierre le Grand se distinguait par la simplicité des constructions volumétriques, la clarté de l'articulation et la retenue de la décoration, et l'interprétation plane des façades. Les premiers architectes de Saint-Pétersbourg : Jean Baptiste Leblond, Domenico Trezzini, Andreas Schluter, J. M. Fontana, Nicolas Michetti Et G. Mattarnovi. Tous ont travaillé en Russie à l'invitation de Pierre Ier. Chacun d'eux a apporté dans l'apparence des bâtiments en construction les traditions de l'école d'architecture qu'il représentait. Les traditions du baroque européen ont également été adoptées par les architectes russes, par exemple, Mikhaïl Zemtsov.
Le Palais d'Hiver est l'un des monuments les plus célèbres du baroque élisabéthain.
À l'ère du règne d'Elizabeth Petrovna, un nouveau baroque élisabéthain se développe. Il est associé au nom de l'architecte exceptionnel Francesco Bartolomeo Rastrelli. Mais ce style est plus lié non pas à la pétrine, mais au baroque moscovite. Rastrelli a conçu des complexes de palais à Saint-Pétersbourg et dans ses environs: le palais d'hiver, le palais Catherine, Peterhof. Ses créations se caractérisent par leur ampleur démesurée, la splendeur du décor décoratif, la couleur bicolore ou tricolore des façades avec l'utilisation de l'or. Le caractère festif de l'architecture de Rastrelli a marqué de son empreinte tout l'art russe au milieu du XVIIIe siècle.
Dans le baroque élisabéthain, une place importante appartient au travail des architectes moscovites du milieu du XVIIIe siècle. dirigée par D. V. Ukhtomsky Et I. F. Mitchourine.
Dans les années 1760, le classicisme remplace progressivement le baroque dans l'architecture russe.
L'apogée du classicisme strict est associée à la créativité M. F. Kazakova(1738-1812). Presque tous les édifices monumentaux de Moscou à la fin du XVIIIe siècle. créé par lui: le palais du Sénat au Kremlin, le palais du voyage Petrovsky, le palais du Grand Tsaritsyn, Butyrka, etc.
Anciens bâtiments de l'Université de Moscou sur la rue Mokhovaya. Architecte M.F. Kazakov
En 1812, lors de l'incendie de Moscou, le bâtiment a presque entièrement brûlé. Tous les planchers qui étaient en bois sont perdus. La bibliothèque, qui comprenait de nombreux documents exclusifs, a été détruite. La collection des musées, les archives ont disparu. Jusqu'en 1819, Domenico Gilardi travailla à la reconstruction de l'ancien bâtiment.
Maintenant, l'Institut des pays asiatiques et africains de l'Université d'État de Moscou se trouve ici.
Les maîtres du classicisme primitif étaient UN F. Kokorinov(1726-1772) et français J.B. Valen Delamotte(1729-1800). Les œuvres de Kokorinov marquent la transition du baroque au classicisme. Ils sont les auteurs du projet de construction de l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg. Et Valen-Delamot possède également le bâtiment du Petit Ermitage.
C'EST À DIRE. Starov(1745-1808) - le plus grand architecte de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Parmi ses œuvres figure le palais de Tauride à Saint-Pétersbourg (1783-1789). Il s'agit d'un immense domaine de la ville de G.A., Potemkine, qui portait le titre de prince de Tauride.
Dans les années 80-90, le championnat passa aux architectes Quarenghi et Cameron. D. Quarenghi(1744-1817), Italien d'origine, travailla principalement à Saint-Pétersbourg. L'édifice caractéristique de Quarenghi est un édifice de trois parties : le bâtiment central et deux dépendances reliées à celui-ci par des galeries. Le centre de la composition était souligné par un portique. Quarenghi a construit le bâtiment de l'Académie des Sciences, le bâtiment de la Banque d'Affectation. Puis il crée le Théâtre de l'Ermitage, le Palais Alexandre à Tsarskoïe Selo. Les bâtiments de l'Institut Smolny sont également l'œuvre de Quarenghi.
Cameron- l'auteur du palais-domaine de Pavlovsk.
Le bâtiment de l'Institut Smolny. Architecte D. Quarenghi
Sculpture
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. les plus hautes réalisations dans le domaine de la sculpture sont associées à la créativité FI. Shubin(1740-1805). Shubin est un maître du portrait sculptural russe. Il n'avait pas de prédécesseurs dans ce genre en Russie. La galerie de portraits sculpturaux qu'il a créés (A.M. Golitsyn, P.A. Rumyantsev, M.V. Lomonosov, Paul I, etc.) se distingue par son réalisme et son expressivité.
Sculpture monumentale de la seconde moitié du XVIIIe siècle. représentée par de nombreuses oeuvres dont la plus grande est " Cavalier de bronze» EM. Falcon- monument équestre à Pierre I.
Un représentant éminent du classicisme en sculpture était MI. Kozlovsky. Il a incarné l'image d'un héros moderne dans le monument à A. Suvorov, bien que sans ressemblance avec un portrait. Plutôt, il image généralisée commandant de héros. MI. Kozlovsky est l'auteur du célèbre groupe sculptural "Samson déchirant la bouche du lion" à Peterhof.
Monument à Souvorov à Saint-Pétersbourg (1801). L'inscription sous le monument : Prince d'Italie, comte Souvorov de Rymnik
TÔT (PETROVKA) BAROQUEgéométrie stricte et "régularité" des plans, modestie du décor et de la décoration, combinaison d'éléments d'ordre séparés avec des détails baroques.
Domenico Trezzini. D'ACCORD. 1670 - 1734. Ingénieur civil et architecte.
Domenico était italien, originaire de Suisse.
À partir de 1699, il travailla au Danemark, d'où en 1703 l'ambassadeur russe A.P. Izmailov l'invita au service russe en tant que fortifiant. Cela a déterminé le destin de l'architecte: jusqu'à la fin de ses jours, il vivra et travaillera à Saint-Pétersbourg.
Étant l'assistant le plus proche de Pierre Ier, Trezzini a en fait dirigé toute la construction à Saint-Pétersbourg. Selon ses projets, Cronstadt et la laure Alexandre Nevski ont été posées, en 1706 la reconstruction de la forteresse Pierre et Paul en pierre a commencé.
Forteresse Pierre et Paul à Saint-Pétersbourg. 1703-1740 La forteresse Pierre et Paul est le plus ancien des monuments architecturaux de Saint-Pétersbourg. La date de fondation de la forteresse sur l'île Hare - le 16 (27) mai 1703 - est considérée comme la date de fondation de la ville.
La forteresse de "conception de bastion" compte 6 bastions dont les flancs sont reliés par des rideaux (clôtures de forteresse).
Dès 1706, la construction de nouvelles fortifications en brique et pierre a commencé. Le 3 mai 1706, Pierre Ier posa de ses propres mains la première pierre du bastion Menchikov. Les travaux se poursuivirent jusqu'en 1734, date à laquelle le Bastion Souverain fut achevé.
Domenico Andrea Trezzini
Forteresse Pierre et Paul
Le 29 juin 1703, une cathédrale en bois au nom des saints Pierre et Paul est posée solennellement dans la forteresse en présence de Pierre Ier. En 1712-1733, la cathédrale Pierre et Paul en pierre a été construite. C'est devenu le tombeau impérial - le premier à être enterré dans le bâtiment encore inachevé était l'empereur Pierre Ier.
La silhouette de la forteresse Pierre et Paul joue un rôle clé dans l'image architecturale de la zone aquatique de la Neva. Les bastions et les courtines de la forteresse, s'élevant au-dessus de l'étroite bande côtière, forment le panorama du centre-ville. Leurs contours géométriquement corrects sont dominés par des articulations horizontales, sur lesquelles s'élève la cathédrale Pierre et Paul.
En 1716, Pierre I décida de faire de l'île Vassilievski le quartier central de la capitale et d'y concentrer les principales institutions de l'État. Le projet d'urbanisme de l'île, réalisé par Leblon, n'a pas reçu d'approbation, et la répartition des zones résidentielles a été réalisée par l'architecte D. Trezzini selon son propre projet.
Trezzini a achevé une partie de la planification régulière de l'île Vassilievski, a construit le palais d'été de Pierre Ier dans le jardin d'été.
Le bâtiment des Douze Collegia. Cambre. D.A. Trezzini. 1722-1742. Forme générale
Un autre monument du baroque Petrovsky est le bâtiment des Douze Collegia. L'architecte Trezzini a initialement résolu le problème posé par Peter "sur l'égalité de toutes les planches". Le bâtiment se compose de douze bâtiments identiques, placés les uns à côté des autres sur une ligne, s'étendant sur 383 mètres, unis par un couloir traversant commun.
Bâtiment des Douze Collèges à Saint-Pétersbourg. Cambre. OUI. Trezzini. 1722-1742. Forme générale
Les collèges sont situés au bout du quai de la Neva, mais ce n'est pas une erreur de conception ni un accident : le bâtiment était situé le long de la ligne rouge d'un des canaux, aujourd'hui comblé, mais à l'époque de Pierre le Grand traverse toute l'île. Ainsi façade est, faisant maintenant face à la place, surplombait la place principale de l'île Vassilievski, qui devait être transformée en partie centrale de la ville.
Les planches fixent l'échelle de la ville et définissent le sommet de la « descente » cohérente des types d'édifices trezziniens dans la nouvelle capitale régulière : de l'édifice exemplaire des plus hautes orgues de l'empire aux blocs de typiques « maisons pour éminents », « maisons pour les riches » et, enfin, « des maisons pour les vils ». Mais tous seront placés le long de la ligne rouge - peu importe laquelle : un canal, une digue ou une rue.
Le premier grand palais de Saint-Pétersbourg, résidence du gouverneur général, est également situé sur l'île Vassilievski. Les appartements Menchikov, où se tenaient réceptions et assemblées, sont un exemple typique d'un riche palais de Saint-Pétersbourg, avec sa façade principale tournée vers le quai. Du côté de la Neva, un petit port a été construit, auquel des bateaux avec des invités ont amarré. Derrière la maison principale se trouvait un vaste jardin et des rangées interminables de dépendances - un domaine russe typique avec une agriculture de subsistance.
La diligence avec laquelle le tsar Pierre a reconstitué sa collection de toutes sortes de raretés et de "monstres" a conduit à la nécessité d'ériger un bâtiment spécial. La conception de la future Kunstkamera a été confiée à l'architecte allemand Mattarnovi, selon le projet duquel un bâtiment d'une solution de composition originale a été construit sur le remblai de l'île Vasilyevsky. Une silhouette caractéristique de deux bâtiments symétriques avec une tour au milieu, dans laquelle se trouvait l'observatoire, couronnait le globe. La tour de la Kunstkamera, gravement endommagée par un incendie et restaurée seulement en 1948, est toujours l'un des principaux éléments du paysage de la Neva.
Peinture du premier 18ème siècle
Nikitin, Ivan Nikitich (vers 1680 - pas avant 1742) - peintre, portraitiste. Il est appelé à juste titre le fondateur du portrait russe du XVIIIe siècle. Pierre I a participé au destin de l'artiste, fier de son talent et de son succès dans le portrait. L'un des premiers artistes russes, Nikitin a été envoyé étudier en Italie. L'œuvre de Nikitine est un exemple de l'évolution de la pensée picturale au début du XVIIIe siècle : de la tradition artistique médiévale au développement du langage pictural européen.On ne sait rien des premières années d'études de l'artiste. Il a probablement reçu ses premières compétences artistiques sous la direction du Néerlandais A. Shkhonebek dans l'atelier de gravure de l'Armurerie de Moscou. En 1711, avec l'atelier de gravure, Nikitine est transféré à Saint-Pétersbourg. Apparemment, il a appris à peindre des portraits par lui-même, étudiant et copiant les œuvres de maîtres étrangers disponibles en Russie. Grâce aux parents qui ont servi dans les églises de la cour, Nikitine a rapidement pris une position forte dans l'environnement de Pierre Ier. Il peint des portraits de personnes souveraines.
Dans les premiers portraits, il existe un lien clair avec les parsuns de la fin du XVIIe siècle. Ils se distinguent par une écriture dure, des arrière-plans sombres sourds, la planéité de l'image, le manque d'espace profond et la conventionnalité de la modélisation en noir et blanc.
Un voyage en Italie a peu changé les principes créatifs de Nikitine. Il a conservé ses principales caractéristiques: le réalisme général de la peinture et la franchise des caractéristiques pittoresques.
Un des les meilleures oeuvres l'artiste, non sans raison, est considéré comme "Portrait d'un Floor Hetman".
C'est une luminosité psychologique impressionnante de l'apparence, l'expressivité des traits du visage. Toutes les composantes qui façonnent la perception du spectateur jouent leur rôle : contrastes de clair-obscur, coloris chauds, un peu sombres, mêlant le marron, l'or et le rose, modelage plastique de la tête, détails et plis des vêtements, et enfin, le caractère général de le portrait, dépourvu de tout signe de splendeur et de représentativité.
Les caractéristiques d'intimité confèrent à l'image une persuasion psychologique particulière, et c'est surtout l'innovation de Nikitine, qui a anticipé la voie du développement ultérieur du genre du portrait russe.
années 1720. Horaire.
L'image de Pierre Ier sur son lit de mort est remplie de chagrin personnel et d'un sens de la solennité du moment. L'artiste pleure la perte et est plein de sentiments de profond respect pour le défunt. Sous le pinceau du maître, le tableau sonne comme un requiem.
Le portrait de Nikitine a été créé comme en une seule séance, comme une étude, presque à la prima. Il donne une représentation visuelle du style d'écriture de l'artiste, qui a travaillé avec de légers traits liquides à travers lesquels transparaît le fond rouge-brun. C'est ce sol que Nikitine utilisait presque toujours.
Matveev, Andreï(entre 1701 et 1704 - 1739) - peintre, portraitiste, peintre d'icônes, auteur de compositions allégoriques, décoratives et monumentales. Le premier artiste russe à avoir reçu une formation artistique en Europe occidentale.
En 1716, par décret de Pierre Ier, un garçon talentueux d'origine non noble fut envoyé étudier la peinture en Hollande. De septembre 1717 à septembre 1723, il étudie à Amsterdam avec A. Boonen. Le peintre débutant a passé onze ans en Hollande et en Flandre.
Le plus intéressant de l'héritage restant d'Andrei Matveev est ses portraits. Très peu d'entre eux ont survécu jusqu'à nos jours, parmi lesquels : "L'Allégorie de la Peinture" (1725)
Autoportrait avec sa femme. 1729 (?) C'est le seul portrait de famille dans la peinture russe de la première moitié du XVIIIe siècle.
Portrait d'A.P. Golitsyna. 1728
Sculpture
Rastrelli, Bartolomeo Carlo(1675-1744) Sculpteur et architecte italien. Il travailla en 1715-1744 en Russie, à Saint-Pétersbourg. Il a développé le type de portrait baroque d'apparat. Le fondateur du style baroque dans la sculpture domestique.Rastrelli a en fait concentré son travail dans le domaine de la sculpture de portrait. La splendeur baroque et le désir de transmettre la texture du matériau sont combinés dans les œuvres de Rastrelli avec une caractérisation authentique et persuasive du modèle.
Le sculpteur travailla beaucoup et fructueusement sur l'image de Pierre Ier. En 1719, il réalisa un masque de Pierre Ier (GE), qui servit de prototype à la célèbre sculpture en bronze de Pierre Ier (1723-1729. RM, GE ).
L'une des meilleures œuvres de B.K. Rastrelli. L'esprit, la volonté et l'énergie sont visiblement démontrés sous les traits d'un roi. Devant le spectateur apparaît non seulement une personne importante, mais un homme d'État aux proportions exceptionnelles.
La vitalité dans le transfert de détails dans le style baroque est combinée dans le travail avec une décoration magnifique, avec une habileté sophistiquée dans le transfert de la texture et des détails des vêtements, ainsi que des images sur les boucliers de la coquille, qui dépeignent des épisodes de la bataille de Poltava et une composition allégorique représentant le roi lui-même, "le marteau et le ciseau" taillant la figure de la nouvelle Russie dans un bloc de pierre.
Pendant de nombreuses années, le maestro a travaillé sur le monument équestre de Pierre Ier, coulé après la mort du maître en 1747 sous la direction de F. B. Rastrelli, fils d'un sculpteur et plus tard d'un célèbre architecte. Le monument n'a été érigé qu'en 1800 devant le château Mikhailovsky.
K. B. Rastrelli a présenté Peter comme s'il surveillait la nouvelle capitale, son idée préférée. Des yeux sous de grandes arcades sourcilières au regard "tout-voyant" imprègnent la ville. La figure de l'empereur frappe avec des formes hypertrophiées - épaules puissantes, poitrine large, paumes trop grandes. Petra porte une lourde carapace forgée des temps chevaleresques, une magnifique couronne de laurier sur la tête. De la main gauche, il tient les rênes de son cheval et de la droite, il tient le bâton du commandant.
BK Rastrelli a créé un certain nombre de bustes de portraits, qui n'ont pas tous survécu jusqu'à nos jours. On notera en particulier le buste d'A.D. Menchikov (GRM), réalisé en marbre par I.P. Vitali en 1849 d'après un original à la cire perdue. Dans la sculpture cérémonielle transmise historiquement avec précision Traits de personnalité fidèle compagnon de Pierre I.
Architecture
Peterhof. Cambre. F.B. Rastrelli. 1747-1755. Grand Palais et Grande Cascade. Gravure de Ch. Nike d'après un dessin de Ch. de Lespinas. 2e moitié du 18e siècle GNIMA
L'une des meilleures œuvres de Francesco Bartolomeo Rastrelli - Monastère Smolny - un merveilleux exemple du baroque russe du XVIIIe siècle. L'ensemble monastique de la capitale a été conçu par l'architecte avec une splendeur et une ampleur exceptionnelles.
Cathédrale du monastère Smolny à Saint-Pétersbourg. Cambre. F.B. Rastrelli. 1748-1764. Modèle de conception du monastère Smolny. 1750-1756
Le modèle de conception du monastère de Smolny a été réalisé selon les dessins de F.B. Rastrelli à l'échelle 1:62 par un groupe d'artisans dirigé par Jacob Lorenz. Le modèle représente l'idée du grand maître baroque dans toute sa perfection. Cependant, dans la pratique, le projet n'a pas été entièrement mis en œuvre et un certain nombre de modifications ont été apportées pendant la construction. Le clocher au-dessus de la porte d'entrée du côté de la ville allait devenir le point culminant de l'ensemble. Sa hauteur estimée était de 140 mètres, soit 18 mètres de plus que la flèche de la forteresse Pierre et Paul. En raison du coût élevé et des difficultés techniques, la construction du clocher a finalement été abandonnée, bien qu'elle ait été fondée en 1761.
De 1752 à 1756, sous le règne de l'impératrice Elizabeth Petrovna, F. B. Rastrelli dirigea la construction de la résidence de campagne des tsars russes à Tsarskoïe Selo. Au cours de cette période, il a reconstruit l'ensemble du Grand (Catherine) Palais.
Le Palais d'Hiver est l'un des monuments baroques les plus célèbres de Russie, construit par Francesco Bartolomeo Rastrelli sous le règne d'Elizabeth Petrovna.
Il appartient aux plus hautes réalisations de l'intérieur architecture XVIIIème siècle. Le palais a été conçu et réalisé sous la forme d'un quadrilatère fermé avec une vaste cour. Ses façades font face à la Neva, vers l'Amirauté et la place, au centre de laquelle F.B. Rastrelli avait l'intention d'ériger une statue équestre de Pierre Ier. Le rythme complexe des colonnes, la richesse et la variété des formes des architraves, l'abondance des détails en stuc, les nombreux vases et statues décoratifs situés au-dessus du parapet et au-dessus des nombreux frontons, créent un décor décoratif exceptionnel de l'édifice dans sa splendeur et sa magnificence. La façade sud est traversée par trois arcs d'entrée qui mènent à la cour principale, où l'entrée centrale du palais était située au centre du bâtiment nord.
L'escalier principal Jordan est situé dans le coin nord-est du bâtiment.
Le bâtiment principal du théâtre Mariinsky (place Teatralnaya, bâtiment n° 1) a été construit par l'architecte A.K. Kavos en 1847-1848 puis restauré après un incendie en 1860.
En fait Opéra Mariinski, du nom de l'épouse d'Alexandre II, l'impératrice Maria Alexandrovna, a ouvert ses portes le 2 octobre 1860 avec l'opéra Une vie pour le tsar de Mikhaïl Glinka.
Peinture de la seconde moitié du XVIIIe siècle
Le développement de l'art en Europe a incité le comte I. I. Shuvalov à présenter à l'impératrice Elizaveta Petrovna une proposition sur la nécessité de créer une «académie spéciale des trois arts les plus nobles». Ivan Ivanovich avait l'intention de l'ouvrir à Moscou, dans l'université qu'il avait conçue, mais en conséquence, l'Académie des arts a été créée en 1757 à Saint-Pétersbourg, bien que pendant les 6 premières années, elle ait été répertoriée à l'Université de Moscou.À Saint-Pétersbourg, l'Académie était à l'origine située dans le manoir Shuvalov sur Sadovaya. Depuis 1758, les sessions de formation ont commencé ici. La formation a duré 9 ans et comprenait l'étude de l'art de la gravure, du portrait, de la sculpture, de l'architecture, etc. Depuis 1760, les meilleurs diplômés sont envoyés en stage à l'étranger aux frais de l'Académie. En 1764 - 1788, un bâtiment spécial a été construit pour l'Académie (remblai Universitetskaya, 17; architectes A.F. Kokorinov et J.B. Vallin-Delamot). Aujourd'hui, ce bâtiment abrite l'Institut d'État de peinture, de sculpture et d'architecture de Saint-Pétersbourg nommé d'après I. E. Repin, ainsi que le musée de recherche de l'Académie russe des arts, des archives, une bibliothèque, des laboratoires et des ateliers.
Anton Pavlovitch Losenko(1737-1773) - Artiste russe, représentant de l'art classique, fondateur du genre historique dans la peinture russe.
I. I. Shuvalov, président de la nouvelle Académie des trois arts les plus nobles, a attiré l'attention sur le talent de la jeune artiste et, en 1758, Losenko a été reconnue comme son élève.
Sacrifice d'Abraham (Abraham sacrifie son fils Isaac). 1765. Calendrier
C'est le résultat d'études à Paris.
L'intrigue est empruntée à l'Ancien Testament (Genèse 22:2-12).
Le tableau a reçu la première médaille d'or de l'Académie des Beaux-Arts de Paris. Losenko y cherche à éviter une décoration excessive et démontre les principes de base de son credo pictural : le transfert de la « beauté de la nature » et la construction d'une composition émotionnellement riche.
La peinture est devenue la première toile de l'histoire de l'art russe consacrée à histoire russe ancienne.
Pour le travail sur l'intrigue de l'histoire russe ancienne "Vladimir et Rogneda" A.P. Losenko a reçu le titre d'académicien en 1770 et a été nommé professeur de peinture.
L'apogée du genre du portrait dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Intérêt pour le monde intime de l'homme.
Rokotov, Fedor Stepanovitch(1735[?]-1808) - le plus grand portraitiste russe. Ses œuvres comptent parmi les meilleures réalisations de la peinture de portrait russe du XVIIIe siècle. Le parcours créatif de l'artiste a été long : lorsqu'il a pris un pinceau pour la première fois dans ses mains, I.Ya était encore en vie. Vishnyakov, dans dernières années La vie de Rokotov, ses premières œuvres ont déjà été créées par O.A. Kiprenski.
complètement oublié par la postérité. Son souvenir a à peine vacillé au XIXe siècle. Ses oeuvres devaient être redécouvertes par les artistes du "Monde de l'Art" lors de leurs célèbres expositions : 1902 et "Tauride" en 1905.
Portrait du grand-duc Pavel Petrovitch enfant. 1761. GRM Quel glorieux visage de garçon ! Quel petit homme ouvert et gentil - et F.S. Rokotov a réussi à transmettre cela. Mais que fait l'environnement russe avec une personne, pas nécessairement même la cour impériale ... Quel névrosé à l'orgueil morbide, Pavel Petrovich, à quarante-deux ans, montera sur le trône royal - aigri et intolérant envers les gens, de son entourage, de ceux qui, dans quelques années, le tueront.
F.S. Rokotov a utilisé la construction de profil du portrait pour souligner la signification rituelle de l'image. Les portraits de profil sont rares en russe art XVIIIème des siècles. Une certaine idéalisation du modèle s'y est introduite. ils évoquaient des associations parmi les contemporains avec des camées antiques, des médailles et des pièces de monnaie romaines, sur lesquelles étaient frappés les profils des visages des empereurs.
Le portrait a donné naissance à de nombreuses copies en gravure et en miniature, et a également servi d'occasion à la création de descriptions poétiques-ekphrasis.
Portrait de la princesse E.B. Yusupova. Fin des années 1750 - début des années 1760 GRM Au milieu des années 1760, Rokotov devient, comme l'écrit G. Reimers, un portraitiste très apprécié. Il crée une galerie de portraits de représentants des familles les plus nobles
Dans le portrait, elle est représentée très jeune, presque une fille. Dans cette première œuvre de Rokotov, on sent l'influence de L. Toque, l'un des professeurs de l'artiste. Les tons froids bleutés prédominent, comme dans la peinture au pastel, caractéristique du toque et du style rococo. Le type de visage est également caractéristique de la manière créative du portraitiste français. Mais les yeux sont écrits d'une manière différente: avec des ombres légères et des glaçures, qui précèdent la lettre de Rokotov des années 1770-1780.
Portrait de la princesse A.A. Kourakina. Con. 1760 - début. années 1770 Galerie d'art de Tver.
La princesse Agrafena (Agrippine ?) Alexandrovna Kurakina (1734-1791) est représentée dans toute la splendeur de ses précieux bijoux. Sur son cou est un long velours de velours noir avec une croix en diamant, attaché avec un gros diamant. Dans les oreilles se trouvent des boucles d'oreilles en diamant rond.
Malgré le fait que la toile dupliquée ne soit pas signée, la composition, la coloration, les traits et l'élaboration de l'ensemble du portrait témoignent de la paternité de F.S. Rokotova.
Avec le déménagement à Moscou, la première période de la vie et de l'œuvre de Fedor Rokotov prend fin.
Dans sa ville natale, l'artiste travaille principalement sur des commandes privées, bien qu'il ait dû effectuer des missions distinctes de l'Académie des Arts. Rokotov devient ainsi l'un des premiers "artistes libres" de Russie, indépendant du service de l'Etat.
Pendant la période moscovite, Rokotov a créé des galeries familiales entières.
Parmi les œuvres de Moscou, le Portrait de V.I. Maïkov. 1775. Galerie nationale Tretiakov
Portrait de V.I. Maykov se distingue par la précision à grande échelle et l'objectivité des caractéristiques du modèle.
Levitsky, Dmitri Grigorievitch(1735-1822) - un peintre russe exceptionnel, portraitiste. Il a peint des portraits de cérémonie et de chambre, dans lesquels il a capturé l'apparence de plusieurs de ses contemporains.
La vie et l'œuvre du peintre se situent à l'époque de Catherine, dont l'esprit s'exprime le plus vivement dans ses portraits d'apparat et de chambre de ses contemporains.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, parmi ses contemporains, à l'exception peut-être seulement de F. S. Rokotov, Levitsky n'avait pas d'égal dans un portrait de chambre. Avec une subtilité inégalée, il était capable de pénétrer dans l'individualité d'une personne. Le maître crée toute une galerie de portraits Portrait de Denis Diderot. 1773-1774 Musée d'art et d'histoire. Genève Les propriétés artistiques du portrait du philosophe français sont déterminées par le désir de transmettre les qualités individuelles de la personnalité et, en même temps, d'en faire une évaluation éthique. Fusionner ces deux côtés portrait - trait saillant Musique de chambre russe portrait XVIIIème des siècles.
Un succès généralement reconnu du peintre a été une série de portraits de femmes Smolyanka - élèves de la Société éducative pour les jeunes filles nobles au monastère de Smolny (plus tard - l'Institut Smolny). Levitsky a commencé à travailler au début des années 1770, apparemment sur ordre de I. I. Betsky. Dans la célèbre suite de portraits de femmes de Smolyanka, l'artiste devait mettre en évidence les fruits d'une éducation éclairée, pour laquelle Catherine II prônait tant.
Portrait émouvant d'E.N. Molchanova. L'artiste est ravi du charme unique d'une fille de dix-huit ans - belle, un peu triste et à peine souriante. Molchanova dans une élégante robe de soie blanche, destinée aux élèves de l'Institut Smolny plus âgés. Un appareil physique, une pompe à vide, qui a servi de support pédagogique, et un volume en français sont destinés à indiquer la large formation de Molchanova, qui a terminé le cours avec une grande médaille d'or.
Les chercheurs ne disposent pas d'informations selon lesquelles D.G. Levitsky a toujours peint Catherine II d'après nature, mais dans ce cas, ce n'était pas si important. Sur l'immense toile d'apparat, l'image de la monarchine est allégorique. La sage et belle Législatrice, représentée par Levitsky, puis chantée par Derzhavin dans le rôle de Felitsa, une impératrice vertueuse qui sacrifie la paix pour le bien-être de ses sujets, ne ressemble en rien à la vraie Catherine II. Atteindre la grandeur de l'idée exprimée et la monumentalité de la forme, prédéterminées par un programme littéraire complexe, le peintre s'éloigne délibérément de la ressemblance du portrait.
Borovikovski, Vladimir Lukich(1757-1825) - un portraitiste russe exceptionnel. Maître de la peinture religieuse. De nombreux portraits des plus hautes personnalités et de la noblesse de Saint-Pétersbourg ont fait la renommée de l'artiste. Beaucoup d'entre eux sont faits dans l'esprit du sentimentalisme.
Les humeurs sentimentales dans le travail de Borovikovsky ont touché l'image du monarque. Catherine II lors d'une promenade dans le parc Tsarskoïe Selo (avec la colonne Chesme en arrière-plan). 1794. 
Les portraits de chambre de Borovikovsky ont ouvert une nouvelle page dans l'art russe. Les images sont interprétées comme des individus avec leur propre monde spirituel profondément individuel.
Les attributs et l'entourage sont appelés à jouer un rôle nouveau : révéler non pas la position sociale de la personne représentée, mais ses qualités personnelles.
L'environnement de la personne représentée est le paysage, et le leitmotiv de la composition est la fusion de l'homme avec la nature. Pour l'esthétique de la fin du XVIIIe siècle, un tel thème est particulièrement caractéristique. Certes, il y a encore beaucoup de conventionnalité dans le paysage - la nature rurale sous le pinceau de l'artiste est décorative et ressemble à une toile de fond théâtrale. Mais Borovikovsky est déjà attiré par les particularités de la nature russe : troncs blancs de bouleaux, bleuets, épis de seigle.
GTG.
Fille de l'impératrice Catherine II et de Sa Grâce le Prince G.A. Potemkine-Tavrichesky. Elle a 23 ans sur le portrait. Les contemporains ont trouvé qu'elle ressemblait à son père.
genre domestique
Sculpture de la seconde moitié du XVIIIe siècle
Falcone, Etienne Maurice (1716-1791) - un maître exceptionnel de la sculpture française des Lumières.
Auteur monument célèbre Empereur Pierre Ier Place du Sénatà Saint-Pétersbourg.
Shubin, Fedot Ivanovitch(1740-1805) - le plus grand sculpteur russe du XVIIIe siècle, qui a travaillé dans le genre du portrait. Représentant du classicisme des Lumières dans l'art. Professeur de l'Académie des Arts.
Dans sa sculpture - la netteté des caractéristiques sociales. 
La première œuvre de Shubin après son retour en Russie en 1773 fut un buste du diplomate de Catherine, le vice-chancelier Prince A.M. Golitsyn. C'est l'une des œuvres les plus brillantes du sculpteur (coulée de gypse - dans le temps; marbre - Galerie nationale Tretiakov). Sous les traits d'un noble éclairé, un sentiment de supériorité sur les autres et de seigneurie se conjugue à une brillance séculière, un esprit subtil et, en même temps, à la fatigue d'une personne vieillissante. L'image de Golitsyn est ambiguë : à travers l'arrogance et la grandeur du prince, le scepticisme et la déception du Voltairien russe sont visibles.
Portrait de M. V. Lomonosov. 1792. Calendrier
En 1792, Shubin réalise un portrait de M.V. Lomonosov. Le sculpteur donne une caractérisation expressive, véridique et bien ciblée d'un scientifique russe exceptionnel, le premier académicien russe. Contrairement à d'autres, cette œuvre de Shubin est simple sur le plan de la composition. Dans l'interprétation de la forme, il n'y a aucun élément de splendeur et de bureaucratie. Le portrait est plein d'intellectualité profonde et de démocratie. Il montre clairement les caractéristiques du style réaliste.
Multiforme et contradictoire dans cette polyvalence est le Portrait de Paul I créé par le sculpteur.1800.
Le chef-d'œuvre de l'art du portrait de Shubin est le buste de Paul I. Le portrait, réalisé dans le genre cérémoniel, est traditionnellement rempli d'étoiles, d'ordres et d'autres insignes. Cependant, Shubin, qui est beaucoup plus important, a toujours saisi avec ténacité les caractéristiques uniques de l'apparence extérieure d'une personne, essayant d'exprimer ses propriétés spirituelles. Le sculpteur révèle chez Paul Ier la complexité de son personnage : arrogance, orgueil froid, orgueil morbide et en même temps la souffrance et l'insécurité cachées de son « moi ».
Aussi étrange que cela puisse paraître, l'empereur aimait son portrait dans la performance de Shuba.
Samson ouvrant la gueule d'un lion. Fontaine à Peterhof. Sculpteur M.I. Kozlovsky. 1800-1802. Pathétique héroïque.
Dans le très fin XVIII V les meilleurs sculpteurs russes ont participé à la rénovation des sculptures de la Grande Cascade à Peterhof. En 1800-1802 M.I. Kozlovsky (1753 - 1802) a créé une statue de Samson pour la cascade de Peterhof. La sculpture est placée au centre de la Grande Ourse. C'était une allégorie de la victoire de Pierre Ier sur la Suède.
La statue a disparu sans laisser de trace pendant la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre, un nouveau modèle de sculpture a été réalisé d'après le modèle.
Architecture de la seconde moitié du XVIIIe siècle
Le bâtiment de l'Académie des Arts (1765-1788) appartient au classicisme précoce de l'architecture russe. Après la mort d'A.F. Kokorinov, la construction a été achevée sous la direction de Felten et E. Sokolov.
Académie des Arts (1764-1788). Architectes Alexander Filippovich Kokorinov (1726 - 1772), JBM Vallin-Delamot. Décorations en stuc du sculpteur d'intérieurs - V.I.Demut-Malinovsky.
La maison Pashkov a été érigée en 1784-1786 pour le capitaine-lieutenant du régiment Semenovsky des Life Guards P. E. Pashkov. Vraisemblablement, son constructeur est considéré comme le plus grand architecte russe V.I. Bajenov. En 1812, la maison a été détruite par un incendie puis reconstruite. Les architectes ont tenté de restaurer la maison selon les images du 18ème siècle telles qu'elles avaient été créées à l'origine.
En 1775, Bazhenov reçut une nouvelle commande de Catherine - pour élaborer un projet de domaine royal près de Moscou sous la forme d'une série de pavillons séparés, similaires aux "bâtiments de divertissement" de Khodyn.
Non loin de Kolomenskoye, célèbre pour la beauté du paysage et des bâtiments anciens, un petit domaine appelé "Black Mud" a été acheté à des proches de l'écrivain du début du XVIIIe siècle Kantemir. Ici, la construction de la résidence royale près de Moscou a commencé, qui a rapidement reçu le nouveau nom "Tsaritsyno".
Tatiana Ponka
Architecture. La direction principale de l'architecture de la seconde moitié du XVIIIe siècle. était le classicisme, qui se caractérisait par un appel aux images et aux formes de l'architecture ancienne (système d'ordre à colonnes) comme norme esthétique idéale.
Un événement architectural important des années 60-80. était la conception des remblais de la Neva. L'une des attractions de Saint-Pétersbourg était le jardin d'été. En 1771 - 1786 Le jardin d'été du côté du remblai de la Neva était clôturé avec un treillis, dont l'auteur est Yu.M. Felten (1730-1801) et son assistant P. Egorov. Treillis jardin d'été réalisé dans le style du classicisme : la verticale domine ici : des pics dressés verticalement traversent des charpentes rectangulaires, des pylônes massifs régulièrement répartis soutiennent ces charpentes, accentuant par leur rythme le sentiment général de majesté et de paix. En 1780-1789 conçu par l'architecte A.A. Kvasov a construit des remblais et des pentes de granit et des entrées de la rivière.
Comme beaucoup de contemporains, Yu.M. Felten s'est engagé à retravailler les intérieurs du Grand Palais de Peterhof (salle à manger blanche, salle du trône). En l'honneur de la glorieuse victoire de la flotte russe sur la flotte turque dans la baie de Chesma en 1770, l'une des salles du Grand Peterhof Palace était Yu.M. Felten transformé en Chesme Hall. La décoration principale de la salle était de 12 toiles, exécutées en 1771-1772. par le peintre allemand F. Hackert, dédié aux batailles de la flotte russe avec les Turcs. En l'honneur de la bataille de Chesma, Yu.M. Felten a construit le palais de Chesme (1774-1777) et l'église de Chesme (1777-1780) à 7 verstes de Pétersbourg sur le chemin de Tsarskoïe Selo. Le palais et l'église, construits dans le style gothique, forment un ensemble architectural unique.
Le plus grand maître du classicisme russe fut V. I. Bajenov (1737/38-1799). Il a grandi au Kremlin de Moscou, où son père était diacre dans l'une des églises, et a étudié au gymnase de l'Université de Moscou. Diplômé de l'Académie des Arts en 1760, V.I. Bajenov est allé en tant que retraité en France et en Italie. Vivant à l'étranger, il jouit d'une telle notoriété qu'il est élu professeur de Rome, membre des académies florentine et bolonaise. En 1762, à son retour en Russie, il reçoit le titre d'académicien. Mais en Russie, le destin créatif de l'architecte a été tragique.
Pendant cette période, Catherine a conçu la construction du Grand Palais du Kremlin au Kremlin, et V.I. Bajenov a été nommé son architecte en chef. Projet V.I. Bajenov signifiait la reconstruction de tout le Kremlin. Il s'agissait en fait d'un projet de nouveau centre de Moscou. Il comprenait le palais royal, la Collegia, l'Arsenal, le Théâtre, la place, conçue comme un ancien forum, avec des tribunes pour les réunions publiques. Le Kremlin lui-même, grâce au fait que Bajenov a décidé de continuer trois rues avec des passages vers le territoire du palais, reliés aux rues de Moscou. Depuis 7 ans V.I. Bazhenov développe des projets, prépare la construction, mais en 1775, Catherine ordonne de réduire tous les travaux (officiellement - en raison du manque de fonds, officieusement - en raison de l'attitude négative du public envers le projet).
Plusieurs mois passent et V.I. Bazhenov est chargé de la création d'un complexe de palais et de parcs dans le village de Chernaya Dirt (Tsaritsyno) près de Moscou, où Catherine II a décidé de construire sa résidence de campagne. Dix ans plus tard, tous les travaux principaux étaient terminés. En juin 1785, Catherine arrive à Moscou et inspecte les bâtiments de Tsaritsyne, puis en janvier 1786 publie un décret : le palais et tous les bâtiments doivent être démolis, et V.I. Bajenov licencié sans salaire ni pension. "C'est une prison, pas un palais", - telle est la conclusion de l'impératrice. La légende relie la démolition du palais à son aspect oppressant. La construction du nouveau palais Catherine a chargé M.F. Kazakov. Mais ce palais non plus n'était pas achevé.
En 1784-1786. DANS ET. Bajenov a construit un manoir pour le riche propriétaire Pachkov, connu comme la maison de P.E. Pachkov. La maison Pachkov est située sur le versant d'une haute colline, en face du Kremlin, au confluent de la Neglinka avec la rivière Moskva et est un chef-d'œuvre architectural de l'époque du classicisme. Le domaine se composait d'un bâtiment d'habitation, d'une arène, d'écuries, de dépendances et de service, et d'une église. Le bâtiment se distingue par son austérité et sa solennité anciennes avec des motifs purement moscovites.
Un autre architecte russe talentueux qui a travaillé dans le style du classicisme était M. F. Kazakov (1738-1812). Kazakov n'était pas retraité et a étudié les monuments antiques et de la Renaissance à partir de dessins et de modèles. Une grande école pour lui a été le travail conjoint avec Bajenov, qui l'a invité, sur le projet du palais du Kremlin. En 1776, Catherine charge M.F. Kazakov rédige un bâtiment gouvernemental au Kremlin - le Sénat. L'emplacement réservé au bâtiment du Sénat était une forme triangulaire oblongue inconfortable, entourée de tous côtés par de vieux bâtiments. Ainsi, le bâtiment du Sénat a reçu un plan triangulaire général. Le bâtiment a trois étages et est fait de briques. Le centre de la composition était la cour, dans laquelle débouchait l'arc d'entrée surmonté d'un dôme. Après avoir passé l'arche d'entrée, la personne qui entrait se trouvait devant une majestueuse rotonde couronnée d'un puissant dôme. Le Sénat était censé siéger dans ce bâtiment rond et lumineux. Les angles du bâtiment triangulaire sont coupés. Pour cette raison, le bâtiment n'est pas perçu comme un triangle plat, mais comme un volume massif et solide.
M. F. Kazakov possède également le bâtiment de l'Assemblée de la Noblesse (1784-1787). La particularité de ce bâtiment était qu'au centre du bâtiment l'architecte plaça Salle des Colonnes, et autour de lui se trouvent de nombreux salons et salles. L'espace central de la Salle des Colonnes, destiné aux cérémonies solennelles, est mis en valeur par une colonnade corinthienne, et l'état de fête est rehaussé par l'éclat de nombreux lustres et plafonniers. Après la révolution, le bâtiment est cédé aux syndicats et rebaptisé Maison des Syndicats. A commencer par les funérailles de V.I. Lénine, la salle des colonnes de la Chambre des syndicats a été utilisée comme salle de deuil pour l'adieu aux hommes d'État et des personnes célèbres. Actuellement, des réunions publiques et des concerts ont lieu dans la salle des colonnes.
Le troisième plus grand architecte de la seconde moitié du XVIIIe siècle est I. E. Starov (1744-1808). Il étudie d'abord au gymnase de l'Université de Moscou, puis à l'Académie des Arts. Le bâtiment le plus important de Starov est le palais de Tauride (1782-1789) - un immense domaine de la ville de G.A. Potemkine, qui a reçu le titre de Tauride pour le développement de la Crimée. La base de la composition du palais est la salle-galerie, divisant l'ensemble du complexe d'intérieurs en deux parties. Du côté de l'entrée principale, il y a une série de pièces attenantes au hall octogonal en forme de dôme. De l'autre côté, il y a un grand jardin d'hiver. L'extérieur du bâtiment est très modeste, mais il cache le luxe éblouissant des intérieurs.
Depuis 1780, l'Italien Giacomo Quarenghi (1744-1817) travaille à Saint-Pétersbourg. Sa carrière en Russie a été très réussie. Les créations architecturales en Russie sont une combinaison brillante des traditions architecturales russes et italiennes. Sa contribution à l'architecture russe a été qu'il a, avec l'écossais C. Cameron, établi les normes de l'architecture de Saint-Pétersbourg à cette époque. Le chef-d'œuvre de Quarenghi était le bâtiment de l'Académie des sciences, construit en 1783-1789. Le centre principal est souligné par un portique ionique à huit colonnes, dont la splendeur est rehaussée par un porche typique de Saint-Pétersbourg avec un escalier à deux "pousses". En 1792-1796. Quarenghi construit le palais Alexandre à Tsarskoïe Selo, qui est devenu son prochain chef-d'œuvre. Dans le palais d'Alexandre, le motif principal est la puissante colonnade de l'ordre corinthien. L'un des bâtiments remarquables de Quarenghi était le bâtiment de l'Institut Smolny (1806-1808), qui a une disposition rationnelle claire conformément aux exigences établissement d'enseignement. Son plan est typique de Quarenghi : le centre de la façade est orné d'un majestueux portique à huit colonnes, la cour avant est limitée par les ailes du bâtiment et une clôture.
A la fin des années 70, l'architecte C. Cameron (1743-1812), Ecossais de naissance, vient en Russie. Élevé dans le classicisme européen, il a su ressentir toute l'originalité de l'architecture russe et en tomber amoureux. Le talent de Cameron s'est manifesté principalement dans les magnifiques ensembles de palais et de parcs de banlieue.
En 1777, le fils d'Ekaterina, Pavel Petrovich, eut un fils - le futur empereur Alexandre Ier. L'impératrice ravie donna à Pavel Petrovich 362 acres de terrain le long de la rivière Slavyanka - le futur Pavlovsk. En 1780, C. Cameron entreprit la création de l'ensemble du palais et du parc de Pavlovsk. Des architectes, sculpteurs et artistes exceptionnels ont participé à la construction du parc, du palais et des structures du parc, mais la première période de la formation du parc sous la direction de Cameron a été très importante. Cameron a jeté les bases du plus grand et du meilleur parc paysager d'Europe dans le style anglais à la mode de l'époque - un parc résolument naturel et paysager. Après des mesures minutieuses, il a posé les artères principales des routes, des ruelles, des chemins, des emplacements réservés aux bosquets et aux clairières. Des coins pittoresques et cosy cohabitent ici avec de petits immeubles légers qui ne violent pas l'harmonie de l'ensemble. La véritable perle de l'œuvre de C. Cameron est le palais de Pavlovsk, construit sur une haute colline. Suivant traditions russes, l'architecte a réussi à "intégrer" des structures architecturales dans un quartier pittoresque, à combiner la beauté artificielle avec la splendeur naturelle. Le palais de Pavlovsk est dépourvu de prétention, ses fenêtres d'une haute colline regardent calmement la rivière Slavyanka qui coule lentement.
Le dernier architecte du XVIIIe siècle. V. Brenna (1747-1818) est à juste titre considéré comme l'architecte préféré de Pavel et Maria Feodorovna. Après l'accession au trône en 1796, Paul I a retiré C. Cameron du poste d'architecte en chef de Pavlovsk et a nommé V. Brenna à sa place. Désormais, Brenna dirige tous les édifices de Pavlovsk, participe à tous les édifices significatifs de l'époque pavlovienne.
Brenne, Paul I a confié la direction des travaux dans sa deuxième résidence de campagne - Gatchina. Le palais Gatchina de Brenna a une apparence spartiate modeste, voire ascétique, mais décoration d'intérieur majestueux et luxueux. Dans le même temps, les travaux ont commencé dans le parc Gatchina. Sur les rives des lacs et des îles, il y a un grand nombre de pavillons qui semblent très simples à l'extérieur, mais leurs intérieurs sont magnifiques : le pavillon Vénus, la Birch House (ressemblant à une bûche de bois de bouleau), Porta Masca et la Pavillon des Fermiers.
Paul I a décidé de construire un palais à Saint-Pétersbourg dans son propre style - dans l'esprit de l'esthétique militaire. Le projet de palais a été développé par V.I. Bajenov, mais à l'occasion de sa mort, Paul Ier confia la construction du palais à V. Brenna. Paul a toujours voulu vivre là où il est né. En 1797, sur la Fontanka, sur le site du palais d'été d'Elizaveta Petrovna (où Pavel est né), la pose du palais a eu lieu en l'honneur de l'archange Michel - le saint patron de l'hôte céleste - le château Mikhailovsky. Le château Mikhailovsky est devenu la meilleure création de Brenna, à laquelle il a donné l'apparence d'une forteresse. L'aspect du château est un quadrilatère entouré d'un mur de pierre, des fossés ont été creusés de part et d'autre du palais. Il était possible d'entrer dans le palais par des ponts-levis et des canons étaient placés autour du palais à différents endroits. Initialement, l'extérieur du château était plein de décorations : des statues de marbre, des vases et des personnages étaient partout. Le palais possédait un vaste jardin et un terrain de parade, où se déroulaient revues et défilés par tous les temps. Mais dans son château bien-aimé, Pavel n'a réussi à vivre que 40 jours. Dans la nuit du 11 au 12 mars, il a été étranglé. Après la mort de Paul Ier, tout ce qui donnait au palais le caractère d'une forteresse fut détruit. Toutes les statues ont été transférées au Palais d'Hiver, les fossés ont été recouverts de terre. En 1819, le château abandonné a été transféré à l'école principale d'ingénieurs et son deuxième nom est apparu - Château d'ingénierie.
Sculpture. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. le véritable épanouissement de la sculpture russe commence, qui est principalement associé au nom de F.I. Shubin (1740-1805), compatriote M.V. Lomonosov. Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie avec une grande médaille d'or, Shubin entreprit un voyage de retraite, d'abord à Paris (1767-1770) puis à Rome (1770-1772). À l'étranger en 1771, pas de la vie, Shubin a créé un buste de Catherine II, pour lequel, à son retour dans son pays natal en 1774, il a reçu le titre d'académicien.
Le premier ouvrage de F.I. Shubin après son retour - un buste d'A.M. Golitsyn (1773, Musée russe) est l'une des œuvres les plus brillantes du maître. Sous l'apparence d'un noble instruit, l'intelligence, l'autorité, l'arrogance sont lues, mais en même temps, la condescendance et l'habitude de "nager" avec prudence sur les vagues de la fortune politique changeante. À l'image du célèbre commandant A. Rumyantsev-Zadunaisky, derrière l'apparence pas du tout héroïque d'un visage rond avec un drôle de nez retroussé, les traits d'un fort et personne significative(1778, Musée d'art d'État, Minsk).
Au fil du temps, l'intérêt pour Shubin s'estompe. Exécutés sans fioritures, ses portraits sont de moins en moins appréciés des clients. En 1792, de mémoire, Shubin créa un buste de M.V. Lomonossov (Musée d'État russe, Académie des sciences). Face au grand savant russe, il n'y a ni raideur, ni noble arrogance, ni orgueil excessif. Une personne légèrement moqueuse nous regarde, plus sage avec une expérience mondaine, qui a vécu la vie avec éclat et difficulté. Vivacité d'esprit, spiritualité, noblesse, à la fois - tristesse, déception, voire scepticisme - telles sont les principales qualités inhérentes au grand scientifique russe, que F.I. Shubin le savait très bien.
Un chef-d'œuvre de l'art du portrait par F.I. Shubin est un buste de Paul Ier (1798, RM ; 1800, Galerie Tretiakov). Le sculpteur a réussi à rendre toute la complexité de l'image : arrogance, froideur, malaise, secret, mais en même temps, la souffrance d'une personne qui dès l'enfance a connu toute la cruauté d'une mère couronnée. Paul J'ai aimé le travail. Mais il n'y avait presque pas de commandes. En 1801, la maison F.I. Shubin et atelier avec travaux. En 1805, le sculpteur meurt dans la misère, sa mort passe inaperçue.
Parallèlement, le sculpteur français E.-M. Falcone (1716-1791 ; en Russie - de 1766 à 1778). Falcone a travaillé à la cour du roi de France Louis XV, puis à l'Académie de Paris. Dans ses œuvres, Falcone suit la mode rococo qui prévaut à la cour. Un véritable chef-d'œuvre était son œuvre "Hiver" (1771). L'image d'une fille assise, personnifiant l'hiver et couvrant les fleurs à ses pieds avec des plis de vêtements tombant doucement, comme une couverture de neige, est pleine de tristesse tranquille.
Mais Falcone a toujours rêvé de créer une œuvre monumentale, il a réussi à réaliser ce rêve en Russie. Sur les conseils de Diderot, Catherine chargea le sculpteur de créer un monument équestre à Pierre Ier. En 1766, Falcone arriva à Saint-Pétersbourg et commença les travaux. Il a représenté Pierre Ier à cheval. La tête de l'empereur est couronnée d'une couronne de laurier, symbole de sa gloire et de ses victoires. La main du roi, pointant vers la Neva, l'Académie des sciences et la forteresse Pierre et Paul, désigne symboliquement les principaux objectifs de son règne : l'éducation, le commerce et la puissance militaire. La sculpture s'élève sur un piédestal en forme de rocher de granit pesant 275 tonnes.Sur la suggestion de Falcone, une inscription laconique est gravée sur le piédestal : "A Pierre le Grand, Catherine Deux". L'ouverture du monument a eu lieu en 1782, lorsque Falcone n'était plus en Russie. Quatre ans avant l'ouverture du monument à E.-M. Falcone n'était pas d'accord avec l'impératrice et le sculpteur a quitté la Russie.
Dans l'œuvre du remarquable sculpteur russe M.I. Kozlovsky (1753-1802) combine des caractéristiques du baroque et du classicisme. Il a également été retraité à Rome, Paris. Au milieu des années 90, à son retour dans son pays natal, commence la période la plus fructueuse de l'œuvre de Kozlovsky. Le thème principal de ses œuvres est de l'Antiquité. De ses œuvres, de jeunes dieux, des amours, de belles bergères sont venus à la sculpture russe. Tels sont son "Berger avec un lièvre" (1789, Musée du Palais de Pavlovsk), "Cupidon endormi" (1792, Musée russe), "Cupidon avec une flèche" (1797, Galerie Tretiakov). Dans la statue "La Veillée d'Alexandre le Grand" (seconde moitié des années 80, Musée russe), le sculpteur a capturé l'un des épisodes de l'éducation de la volonté du futur commandant. L'œuvre la plus importante et la plus importante de l'artiste était le monument au grand commandant russe A.V. Souvorov (1799-1801, Pétersbourg). Le monument n'a aucune ressemblance directe avec un portrait. Il s'agit plutôt d'une image généralisée d'un guerrier, d'un héros, dans le costume militaire duquel sont combinés des éléments des armes d'un ancien romain et d'un chevalier médiéval. L'énergie, le courage, la noblesse émanent de toute l'apparence du commandant, de son tour de tête fier, du geste gracieux avec lequel il lève son épée. Un autre travail remarquable de M.I. Kozlovsky est devenu la statue "Samson déchirant la gueule d'un lion" - la statue centrale de la Grande Cascade des Fontaines de Peterhof (1800-1802). La statue était dédiée à la victoire de la Russie sur la Suède lors de la Grande Guerre du Nord. Samson a personnifié la Russie et le lion a vaincu la Suède. La puissante figure de Samson est donnée par l'artiste dans une tournure complexe, dans un mouvement intense.
Pendant la Grande Guerre patriotique, le monument a été volé par les nazis. En 1947, le sculpteur V.L. Simonov l'a recréé sur la base de documents photographiques survivants.
Peinture. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. le genre historique apparaît dans la peinture russe. Son apparence est associée au nom d'A.P. Losenko. Il est diplômé de l'Académie des Arts, puis en tant que retraité, il est envoyé à Paris. A.P. Losenko possède la première œuvre de l'histoire russe - "Vladimir et Rogneda". Dans ce document, l'artiste a choisi le moment où le prince Vladimir de Novgorod "demande pardon" à Rogneda, la fille du prince de Polotsk, sur les terres de laquelle il est allé avec le feu et l'épée, a tué son père et ses frères et l'a prise de force comme sa femme . Rogneda souffre théâtralement, levant les yeux ; Vladimir est aussi théâtral. Mais l'appel même à l'histoire russe était très caractéristique de l'ère du grand essor national de la seconde moitié du XVIIIe siècle.
Le thème historique en peinture a été développé par G.I. Ougrioumov (1764-1823). Le thème principal de ses œuvres était la lutte du peuple russe : avec les nomades (« L'épreuve de force de Jan Usmar », 1796-1797, Musée russe) ; avec des chevaliers allemands ("L'entrée solennelle à Pskov d'Alexandre Nevsky après sa victoire sur les chevaliers allemands", 1793, Musée russe); pour la sécurité de leurs frontières ("La prise de Kazan", 1797-1799, Musée russe), etc.
Le plus grand succès fut la peinture dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. atteint dans le genre du portrait. Aux phénomènes les plus remarquables de la culture russe de la seconde moitié du XVIIIe siècle. appartient à l'oeuvre du peintre F.S. Rokotov (1735/36–1808). Il est venu des serfs, mais a reçu sa liberté de son propriétaire terrien. Il a maîtrisé l'art de la peinture dans les œuvres de P. Rotary. Le jeune artiste a eu de la chance, son mécène était le premier président de l'Académie des Arts I.I. Chouvalov. Sur la recommandation d'I.I. Shuvalova F.S. Rokotov en 1757 a reçu une commande pour un portrait en mosaïque d'Elizaveta Petrovna (de l'original de L. Tokke) pour l'Université de Moscou. Le portrait fut un tel succès que F.S. Rokotov reçoit une commande de portraits du grand-duc Pavel Petrovitch (1761), de l'empereur Pierre III (1762). Lorsque Catherine II monta sur le trône, F.S. Rokotov était déjà un artiste bien connu. En 1763, l'artiste peint l'Impératrice en pleine croissance, de profil, dans un beau décor. Rokotov a également peint un autre portrait de l'impératrice, en demi-longueur. L'impératrice l'aimait beaucoup, elle croyait qu'il était "l'un des plus similaires". Catherine a présenté le portrait à l'Académie des sciences, où il demeure à ce jour. A la suite des personnages régnants, les portraits de F.S. Rokotov souhaitait avoir les Orlov, les Shuvalov. Parfois, il crée des galeries entières de portraits de représentants d'une même famille dans ses différentes générations : les Baryatinsky, les Golitsyn, les Roumiantsev, les Vorontsov. Rokotov ne cherche pas à souligner les mérites extérieurs de ses modèles, l'essentiel pour lui est le monde intérieur d'une personne. Parmi les œuvres de l'artiste, le portrait de Maykov (1765) se démarque. Sous les traits d'un haut fonctionnaire du gouvernement derrière l'effémination langoureuse, la perspicacité, un esprit ironique se devinent. La couleur du portrait, construite sur une combinaison de vert et de rouge, crée l'impression de plénitude, de vitalité de l'image.
En 1765, l'artiste s'installe à Moscou. Moscou se distingue par une plus grande liberté de créativité que le Saint-Pétersbourg officiel. À Moscou, un style de peinture spécial, "Rokotov", prend forme. L'artiste crée toute une galerie de belles images féminines, dont le plus remarquable est le portrait d'A.P. Stuyskaya (1772, Galerie nationale Tretiakov). Une silhouette élancée vêtue d'une robe gris-argent clair, des cheveux poudrés très ébouriffés, une longue boucle tombant sur sa poitrine, un visage ovale raffiné aux yeux sombres en amande, tout cela ajoute du mystère et de la poésie à l'image d'une jeune femme. La coloration exquise du portrait - marais verdâtre et brun doré, rose fané et gris perle - renforce l'impression de mystère. Au XXe siècle. le poète N. Zabolotsky a consacré de merveilleux vers à ce portrait:
Ses yeux sont comme deux nuages
Moitié sourire, moitié pleurer
Ses yeux sont comme deux mensonges
Couvert de brume d'échecs.
L'incarnation réussie de l'image d'A. Struyskaya dans le portrait a servi de base à la légende, selon laquelle l'artiste n'était pas indifférent au modèle. En fait, le nom de l'élu S.F. Rokotov est bien connu et A.P. Struiskaya était heureusement mariée à son mari et était un propriétaire foncier ordinaire.
Un autre grand artiste du XVIIIe siècle était D.G. Levitsky (1735-1822) - le créateur du portrait formel et le grand maître du portrait de chambre. Il est né en Ukraine, mais au tournant des années 1950 et 1960, la vie de Levitsky à Saint-Pétersbourg a commencé, associé à jamais à cette ville et à l'Académie des arts, dans laquelle il a dirigé la classe de portrait pendant de nombreuses années.
Dans ses modèles, il a cherché à souligner l'originalité, les traits les plus frappants. L'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste est le portrait d'apparat de P.A. Demidov (1773, Galerie nationale Tretiakov). Un représentant d'une famille minière bien connue, P.A. Demidov était un homme fabuleusement riche, un étrange excentrique. Dans le portrait formel, de conception originale, Demidov est représenté debout dans une pose détendue sur fond de colonnade et de draperies. Il se tient dans la salle d'apparat déserte, chez lui, en bonnet de nuit et robe de chambre écarlate, faisant signe à ses amusements - un arrosoir et un pot de fleurs, dont il était amoureux. Dans sa tenue, dans sa pose - un défi au temps et à la société. Tout est mélangé chez cette personne - la gentillesse, l'originalité, le désir de se réaliser en science. Levitsky a pu combiner des caractéristiques d'extravagance avec des éléments d'un portrait de cérémonie: colonnes, draperies, paysage surplombant l'orphelinat de Moscou, pour l'entretien duquel Demidov a fait don d'énormes sommes.
Au début des années 1770. Levitsky réalise sept portraits d'élèves de l'Institut Smolny pour Noble Maidens - "Smolyanka" (tous dans le timing), célèbres pour leur musicalité. Ces portraits sont devenus la plus haute réalisation de l'artiste. En eux, l'habileté de l'artiste s'est manifestée avec une complétude particulière. FR Khovanskaya, E.N. Khrushchova, E.I. Les Nelidov sont représentés en costumes de théâtre lors de leur représentation d'une pastorale élégante. Dans les portraits de G.I. Alymova et E.I. Molchanova, l'une des héroïnes joue de la harpe, l'autre est représentée assise à côté d'un instrument scientifique avec un livre à la main. Placés côte à côte, ces portraits personnifiaient les bienfaits des "sciences et des arts" pour une personne raisonnable et pensante.
Le point le plus élevé créativité mature le maître était son célèbre portrait allelogique de Catherine II, le législateur dans le Temple de la Justice, répété par l'artiste dans plusieurs versions. Cette œuvre occupe une place particulière dans l'art russe. Il incarnait les hautes idées de l'époque sur la citoyenneté et le patriotisme, sur le dirigeant idéal - un monarque éclairé, soucieux sans relâche du bien-être de ses sujets. Levitsky lui-même a décrit son travail comme suit: «Le milieu de l'image représente l'intérieur du temple de la déesse de la justice, devant lequel, sous la forme du législateur, H.I.V., brûlant des fleurs de pavot sur l'autel, sacrifie son précieux la paix pour la paix générale.
En 1787, Levitsky a quitté l'enseignement et a quitté l'Académie des Arts. L'une des raisons en est la passion de l'artiste pour les courants mystiques, qui se sont largement répandus en Russie à la fin du XVIIIe siècle. et son entrée dans la loge maçonnique. Non sans l'influence des nouvelles idées dans la société, vers 1792, un portrait d'un ami de Levitsky et de son mentor en franc-maçonnerie, N.I. Novikov (TG). La vivacité et l'expressivité étonnantes du geste et du regard de Novikov, qui ne sont pas caractéristiques des héros des portraits de Levitsky, un fragment du paysage en arrière-plan - tout cela trahit la tentative de l'artiste de maîtriser un nouveau langage pictural plus moderne, déjà inhérent à autres systèmes artistiques.
Un autre artiste remarquable de cette époque était VL Borovikovsky (1757–1825). Il est né en Ukraine, à Mirgorod, il a étudié la peinture d'icônes avec son père. En 1788 V.L. Borovikovsky a été amené à Saint-Pétersbourg. Il a étudié dur, affinant son goût et ses compétences, et est rapidement devenu un maître reconnu. Dans les années 1990, il réalise des portraits qui expriment pleinement les traits d'un nouveau courant artistique : le sentimentalisme. Tous les portraits "sentimentaux" de Borovikovsky sont des images de personnes dans un décor de chambre, dans des tenues simples avec une pomme ou une fleur à la main. Le meilleur d'entre eux est le portrait de M.I. Lopukhina. On l'appelle souvent la plus haute réalisation du sentimentalisme dans la peinture russe. Une jeune fille regarde vers le bas du portrait. Sa posture est sans contrainte, une robe simple s'adapte librement à son corps, son visage frais est plein de charme et de charme. Dans le portrait, tout est en harmonie, en harmonie les uns avec les autres : un coin ombragé du parc, des bleuets parmi les épis de seigle mûr, des roses fanées, le regard languissant et un peu moqueur de la jeune fille. Dans le portrait de Lopukhina, l'artiste a pu montrer la vraie beauté - spirituelle et lyrique, inhérente aux femmes russes. Des traits de sentimentalisme sont apparus dans V.L. Borovikovsky même à l'image de l'impératrice. Maintenant, ce n'est pas un portrait représentatif du "législateur" avec tous les insignes impériaux, mais l'image d'une femme ordinaire en robe de chambre et casquette lors d'une promenade dans le parc Tsarskoïe Selo avec son chien bien-aimé.
A la fin du XVIIIème siècle. apparaît dans la peinture russe nouveau genre- paysage. Une nouvelle classe de paysage a été ouverte à l'Académie des arts et S. F. Shchedrin est devenu le premier professeur de la classe de paysage. Il est devenu le fondateur du paysage russe. C'est Shchedrin qui a le premier élaboré le schéma de composition du paysage, qui est depuis longtemps devenu exemplaire. Et dessus S.F. Shchedrin a enseigné à plus d'une génération d'artistes. L'apogée du travail de Shchedrin est tombée dans les années 1790. Parmi ses œuvres, les plus célèbres sont la série de vues des parcs Pavlovsky, Gatchina et Peterhof, des vues de l'île de Kamenny. Shchedrin a capturé des types spécifiques de structures architecturales, mais leur a attribué le rôle principal non pas, mais à la nature environnante, avec laquelle l'homme et ses créations sont en fusion harmonieuse.
F. Alekseev (1753/54-1824) a jeté les bases du paysage de la ville. Parmi ses œuvres des années 1790. les plus connus sont "Vue de la forteresse Pierre et Paul et du quai du palais" (1793) et "Vue du quai du palais depuis la forteresse Pierre et Paul" (1794). Alekseev crée une image sublime et en même temps vivante d'une grande ville majestueuse et individuelle dans sa beauté, dans laquelle une personne se sent heureuse et libre.
En 1800, l'empereur Paul I confie à Alekseev la tâche de peindre des vues de Moscou. L'artiste s'est intéressé à l'architecture russe ancienne. Il séjourne à Moscou plus d'un an et rapporte nombre de tableaux et de nombreuses aquarelles avec des vues de rues, de monastères, de faubourgs de Moscou, mais surtout diverses images du Kremlin. Ces espèces sont très fiables.
Le travail à Moscou enrichit l'univers de l'artiste, lui permet de porter un regard neuf sur la vie de la capitale à son retour. Dans ses paysages de Saint-Pétersbourg, le caractère de genre est renforcé. Quais, avenues, péniches, voiliers sont remplis de monde. L'une des meilleures œuvres de cette période est "Vue du quai anglais depuis l'île Vasilevsky" (années 1810, Musée russe). Il a trouvé une mesure, un rapport harmonieux du paysage lui-même et de l'architecture. L'écriture de cette image a achevé le pliage du paysage dit urbain.
Gravure. Dans la seconde moitié du siècle, de merveilleux graveurs ont travaillé. "Le vrai génie de la gravure" était E. P. Chemesov. L'artiste n'a vécu que 27 ans, il restait environ 12 œuvres de lui. Chemesov a travaillé principalement dans le genre du portrait. Le portrait gravé se développe très activement à la fin du siècle. En plus de Chemesov, on peut nommer G.I. Skorodumov, connu pour la gravure en pointillés, qui a créé des opportunités spéciales d'interprétation "pittoresque" (I. Selivanov. Portrait du grand-duc Alexandra Pavlovna d'après l'original de V.P. Borovikovsky, mezzotinte; G.I. Skorodumov. autoportrait, dessin à la plume).
L'artisanat. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, la céramique de Gjel a atteint un niveau artistique élevé - produits de l'artisanat de la céramique dans la région de Moscou, dont le centre était l'ancien volost de Gjel. Au début du XVIIe siècle. les paysans des villages de Gjel ont commencé à fabriquer des briques, des plats émaillés de couleur claire et des jouets en argile locale. A la fin du XVIIème siècle. les paysans maîtrisaient la fabrication de "fourmi", c'est-à-dire couverte d'une glaçure verdâtre ou brune. Les argiles de Gjel sont devenues connues à Moscou et, en 1663, le tsar Alexei Mikhailovich a ordonné le début de l'étude des argiles de Gjel. Une commission spéciale a été envoyée à Gjel, qui comprenait Afanasy Grebenshchikov, propriétaire d'une usine de céramique à Moscou, et D.I. Vinogradov. Vinogradov est resté à Gjel pendant 8 mois. En mélangeant de l'argile d'Orenbourg avec de l'argile de Gzhel (chernozem), il a obtenu une véritable porcelaine blanche pure (porcelaine). Dans le même temps, les artisans de Gjel travaillaient dans les usines d'A. Grebenshchikov à Moscou. Ils ont rapidement maîtrisé la fabrication de la majolique et ont commencé à fabriquer des pots fermentés, des cruches, des tasses, des tasses, des assiettes, décorées de peintures ornementales et narratives, remplies de couleurs vertes, jaunes, bleues et violet-marron sur fond blanc. De la fin du XVIIIe siècle. à Gjel, il y a une transition de la majolique à la semi-faïence. La peinture des produits évolue également - du multicolore, caractéristique de la majolique, à la peinture unicolore avec du bleu (cobalt). La vaisselle de Gjel était largement distribuée dans toute la Russie, l'Asie centrale et le Moyen-Orient. À l'apogée de l'industrie de Gjel, il y avait environ 30 usines pour la production de plats. Parmi les fabricants bien connus figuraient les frères Barmin, Khrapunov-novy, Fomin, Tadin, Rachkins, Guslins, Gusyatnikovs et d'autres.
Mais les plus réussis étaient les frères Terenty et Anisim Kuznetsov. Leur usine est née au début du 19ème siècle. dans le village de Novo-Kharitonovo. D'eux, la dynastie a continué l'entreprise familiale jusqu'à la révolution, achetant de plus en plus d'usines et d'usines. Dans la seconde moitié du XIXème siècle. il y a une disparition progressive de l'artisanat de Gjel avec moulage et peinture à la main, il ne reste que de grandes usines. Dès le début des années 1920, des ateliers de poterie séparés, des artels apparaissent. Un véritable renouveau de la production de Gjel commence en 1945. La peinture unicolore bleue sous glaçure (cobalt) est adoptée.
En 1766, dans le village de Verbilki près de Dmitrov près de Moscou, l'Anglais russifié Frans Gardner fonda la meilleure fabrique de porcelaine privée. Il assoit son prestige comme le premier parmi les manufactures privées de porcelaine, créant en 1778-1785, à la demande de Catherine II, quatre magnifiques services de commande, se distinguant par la pureté et l'austérité du décor. L'usine a également produit des figurines de personnages d'opéra italiens. Début XIX V a marqué une nouvelle étape dans le développement de la porcelaine Gardner. Les artistes de l'usine abandonnent l'imitation directe des modèles européens et tentent de trouver leur propre style. Les tasses de Gardner avec des portraits des héros de la guerre patriotique de 1812 ont acquis une immense popularité. Zelentsov du magazine "Magic Lantern". C'étaient des hommes et des femmes engagés dans le travail paysan habituel, des enfants de paysans, des travailleurs urbains - cordonniers, concierges, colporteurs. Les figures des peuples habitant la Russie ont été réalisées ethnographiquement avec précision. Les figurines de Gardner sont devenues une illustration visible de l'histoire de la Russie. F.Ya. Gardner a trouvé son propre style de produits, dans lequel les formes Empire étaient combinées avec le genre de motifs et la saturation des couleurs du décor dans son ensemble. Depuis 1891, l'usine appartenait à M.S. Kouznetsov. Après la révolution d'octobre, l'usine est devenue connue sous le nom d'usine de porcelaine Dmitrovsky, et depuis 1993 - "Verbilok Porcelain".
Miniature Fedoskino . A la fin du XVIIIème siècle. dans le village de Fedoskino près de Moscou, un type de peinture miniature à la laque russe avec des peintures à l'huile sur papier mâché s'est développé. La miniature Fedoskino est née d'une mauvaise habitude courante au XVIIIe siècle. Dans ces temps anciens, il était très à la mode de sniffer du tabac, et tout le monde le faisait : la noblesse, les roturiers, les hommes, les femmes. Le tabac était stocké dans des tabatières en or, argent, écaille de tortue, porcelaine et autres matériaux. Et en Europe, ils ont commencé à fabriquer des tabatières en carton pressé imbibé d'huile végétale et séchées à des températures allant jusqu'à 100 ° C. Ce matériau a commencé à s'appeler papier mâché (papier mâché). Les tabatières étaient recouvertes d'apprêt noir et de laque noire, et des scènes classiques étaient utilisées dans la peinture. Ces tabatières étaient très populaires en Russie, donc en 1796 dans le village de Danilkovo, à 30 km de Moscou, le marchand P.I. Korobov a commencé la production de tabatières rondes, décorées de gravures collées sur leurs couvercles. Les gravures étaient recouvertes de vernis transparent. Depuis 1819, le gendre de Korobov, P.V., était propriétaire de l'usine. Lukutine. Avec son fils A.P. Lukutin, il a élargi la production, organisé la formation de maîtres russes, sous lui la production a été transférée au village de Fedoskino. Les maîtres de Fedoskino ont commencé à décorer des tabatières, des perles, des coffrets et d'autres produits avec des miniatures picturales réalisées avec des peintures à l'huile de manière picturale classique. Les objets de Lukutin du XIXe siècle représentent des vues du Kremlin de Moscou et d'autres monuments architecturaux, des scènes de la vie populaire dans la technique de la peinture à l'huile. Les promenades en troïka, les festivités ou les danses paysannes, le thé au samovar étaient particulièrement appréciés. Grâce à la créativité des maîtres russes, les vernis de Lukutin ont acquis une originalité et une saveur nationale, tant dans les parcelles que dans la technologie. La miniature Fedoskino est peinte avec des peintures à l'huile en trois à quatre couches - la peinture est successivement réalisée (un aperçu général de la composition), l'écriture ou la repeinture (étude plus détaillée), le glacis (modélisation de l'image avec des peintures transparentes) et l'éblouissement (finition de l'œuvre avec des couleurs claires qui éblouissent les objets). La technique originale de Fedoskino est "l'écriture à travers": un matériau réfléchissant est appliqué sur la surface avant la peinture - poudre de métal, feuille d'or ou nacre. Brillant à travers des couches transparentes de peintures de glacis, ces doublures donnent à l'image une profondeur, un effet de lueur incroyable. En plus des tabatières, l'usine produisait des coffrets, des étuis à yeux, des étuis à aiguilles, des couvertures d'albums de famille, des boîtes à thé, des œufs de Pâques, des plateaux et bien plus encore. Les produits des miniaturistes Fedoskino étaient très populaires non seulement en Russie, mais aussi à l'étranger.
Ainsi, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle - à l'époque de la "Raison et des Lumières" en Russie, un événement unique, à bien des égards unique culture artistique. Cette culture était étrangère à l'étroitesse d'esprit et à l'isolement nationaux. Avec une facilité incroyable, elle a absorbé et retravaillé de manière créative tout ce qui a été créé par le travail d'artistes d'autres pays. De nouveaux types et genres d'art, de nouvelles tendances artistiques, des noms créatifs brillants sont nés.
