SLIKARSTVO ITALIJE
U Italiji, gdje je katolička reakcija konačno trijumfovala u 17. stoljeću, barokna umjetnost se formirala vrlo rano, procvjetala i postala dominantan pokret.
Slikarstvo ovog vremena odlikovale su spektakularne dekorativne kompozicije, svečani portreti koji prikazuju arogantne plemiće i dame ponosnog držanja, koje se dave u raskošnoj odjeći i nakitu.
Umjesto linije, prednost je data slikovitom mjestu, masi i kontrastima svjetla i sjene, uz pomoć kojih je forma kreirana. Barok je prekršio principe podjele prostora na planove, principe direktne linearne perspektive radi povećanja dubine, iluziju odlaska u beskonačnost.
Nastanak baroknog slikarstva u Italiji vezuje se za rad braće Carracci, osnivača jedne od prvih umjetničkih škola u Italiji - "Akademije onih koji idu pravim putem" (1585.), tzv. Bolonjske akademije - radionica u kojoj su obučavani majstori početnici po posebnom programu.
Annibale Carracci (1560-1609) bio je najtalentovaniji od trojice braće Carracci. Njegov rad jasno pokazuje principe Bolonjske akademije, koja je kao svoj glavni zadatak postavila oživljavanje monumentalne umjetnosti i tradicije renesanse u vrijeme njenog procvata, koju su Carraccijevi suvremenici cijenili kao primjer nedostižnog savršenstva i svojevrsnog umjetničkog „apsoluta“. . Stoga, Carracci remek-djela svojih velikih prethodnika doživljava više kao izvor iz kojeg se mogu crpiti estetska rješenja koje su pronalazili titani renesanse, a ne kao polazište za vlastita kreativna traganja. Plastično lijepo, ideal za njega nije “najviši stepen” realnog, već samo obavezna umjetnička norma – umjetnost je tako suprotstavljena stvarnosti, u kojoj majstor ne nalazi novi temeljni ideal. Otuda konvencionalnost i apstraktnost njegovih slika i slikovnih rješenja.
Istovremeno se pokazalo da je umjetnost braće Carracci i bolonjskog akademizma bila izuzetno pogodna za stavljanje u službu službene ideologije, nije bez razloga njihov rad brzo dobio priznanje u najvišim (državnim i katoličkim) sferama; .
Najveće djelo Annibale Carracci u ovoj oblasti monumentalno slikarstvo– oslikavanje galerije Palazzo Farnese u Rimu freskama koje govore o životu bogova – prema scenama iz “Metamorfoza” starog rimskog pjesnika Ovidija (1597-1604, urađeno zajedno sa bratom i pomoćnicima).
Slika se sastoji od pojedinačnih panela koji gravitiraju centralnoj velikoj kompoziciji koja prikazuje „Trijumf Bahusa i Arijadne“, što unosi element dinamike u slikovni ansambl. Nage muške figure postavljene između ovih panela imitiraju skulpturu, a istovremeno su i protagonisti slika. Rezultat je bio impresivan rad velikih razmjera, spektakularnog izgleda, ali nije ujedinjen nekom značajnom idejom, bez koje su monumentalne cjeline renesanse bile nezamislive. U budućnosti će ovi principi koje je oličavao Carracci - želja za dinamičnom kompozicijom, iluzionističkim efektima i samodovoljnom dekorativnošću - biti karakteristični za svo monumentalno slikarstvo 17. stoljeća.
Annibale Carracci želi da motive preuzete iz umjetnosti renesanse ispuni živim, modernim sadržajem. Poziva na proučavanje prirode u ranom periodu svog stvaralaštva, čak se okreće i žanrovskom slikarstvu. Ali, s gledišta majstora, sama priroda je previše gruba i nesavršena, pa bi na platnu trebala izgledati već preobražena, oplemenjena u skladu s normama klasične umjetnosti. Stoga su specifični životni motivi mogli postojati u kompoziciji samo kao poseban fragment koji je osmišljen da oživi scenu. Na primjer, na slici „Jedač pasulja“ (1580-e) osjeća se umjetnikov ironičan stav prema onome što se događa: on naglašava duhovnu primitivnost seljaka koji pohlepno jede pasulj; slike figura i objekata namjerno su pojednostavljene. U istom duhu su i druge žanrovske slike mladog slikara: „Mesanica“, „Autoportret sa ocem“, „Lov“ (sve iz 1580-ih) - pril., sl. 1.
Mnoge slike Annibale Carracci imaju religiozne teme. Ali hladno savršenstvo oblika ostavlja malo prostora za ispoljavanje osećanja u njima. Samo u rijetkim slučajevima umjetnik stvara djela drugačije vrste. Ovo je Oplakivanje Krista (oko 1605.). Biblija govori kako su sveti Hristovi obožavaoci došli da se poklone njegovom grobu, ali su ga našli prazan. Od anđela koji je sjedio na rubu sarkofaga, saznali su za njegovo čudesno uskrsnuće i bili sretni i šokirani ovim čudom. Ali slike i emocije drevnog teksta ne nailaze mnogo na Carracci; mogao je samo da suprotstavi laganu, tekuću odjeću anđela sa masivnim i statičnim figurama žena. Boja slike je također sasvim obična, ali se istovremeno odlikuje snagom i intenzitetom.
Posebnu grupu čine njegovi radovi na mitološke teme, koji su odražavali njegovu strast prema majstorima venecijanske škole. Na ovim slikama, veličajući ljubavnu radost, ljepotu nagog ženskog tijela, Annibale se otkriva kao divan kolorista, živahan i poetičan umjetnik.
Među najboljim radovima Annibalea Carraccia su njegovi pejzažni radovi. Carracci i njegovi učenici stvorili su, na osnovu tradicije venecijanskog pejzaža 16. stoljeća, jednu vrstu takozvanog klasičnog, ili herojskog, pejzaža. Umjetnik je također preobrazio prirodu u umjetno uzvišenom duhu, ali bez vanjskog patosa. Njegovi radovi označili su početak jednog od najplodonosnijih pravaca u razvoju pejzažnog slikarstva ovog doba („Bjekstvo u Egipat“, oko 1603), koji je potom pronašao svoj nastavak i razvoj u radu majstora narednih generacija, u posebno Poussin.
Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Najznačajniji italijanski slikar ovog perioda bio je Mikelanđelo Karavađo, koji se može smatrati jednim od najvećih majstora 17. veka.
Ime umjetnika potiče od imena grada u sjevernoj Italiji u kojem je rođen. Od jedanaeste godine već je radio kao šegrt kod jednog od milanskih slikara, a 1590. odlazi u Rim, koji je do kraja 17. veka postao umetnički centar cele Evrope. Tu je Caravaggio postigao svoj najznačajniji uspjeh i slavu.
Za razliku od većine njegovih suvremenika, koji su percipirali samo manje-više poznat skup estetskih vrijednosti, Caravaggio je uspio napustiti tradiciju prošlosti i stvoriti svoj, duboko individualan stil. To je dijelom bila i rezultat njegove negativne reakcije na tadašnje umjetničke klišeje.
Kako nikada nije pripadao određenoj umjetničkoj školi, u svojim ranim radovima individualnu ekspresivnost modela, jednostavne svakodnevne motive suprotstavlja idealizaciji slika i alegorijskom tumačenju fabule karakteristične za umjetnost manirizma i akademizma („Mali bolesni Bacchus “, “Mladić s korpom voća”, oba - 1593.).
Iako se na prvi pogled može činiti da je odstupio od umjetničkih kanona renesanse, štoviše, zbacio ih, u stvarnosti je patos njegove realističke umjetnosti bio njihov unutrašnji nastavak, koji je postavio temelje realizma 17. stoljeća. O tome jasno svjedoče njegove vlastite izjave. „Svaka slika, bez obzira šta prikazuje, i bez obzira ko je naslikana“, tvrdio je Caravaggio, „nije dobra ako svi njeni delovi nisu izvedeni iz života; Ništa se ne može dati prednost ovom mentoru.” Ova Karavađova izjava, sa svojom karakterističnom direktnošću i kategoričnošću, oličava čitav program njegove umetnosti.
Umjetnik je dao veliki doprinos razvoju svakodnevnog žanra ("Rounders", 1596; "Dječak ugrizao gušter", 1594). Junaci većine Caravaggiovih djela su ljudi iz naroda. Pronalazio ih je u šarolikoj gužvi na ulici, u jeftinim tavernama i na bučnim gradskim trgovima i donosio ih u svoj atelje kao modele, preferirajući upravo ovaj način rada nego proučavanje antičkih statua - o tome svjedoči prvi umjetnikov biograf D. Bellori. Njegovi omiljeni likovi su vojnici, kartaši, gatari, muzičari („Vrača“, „Lutnja“ (obojica 1596); „Muzičari“, 1593) – pril., sl. 2. Oni su ti koji „nastanjuju“ Caravaggiove žanrovske slike, u kojima on ne samo da potvrđuje pravo na postojanje, već i umetnički značaj motiv privatnog domaćinstva. Ako je u njegovim ranim radovima Caravaggiovo slikarstvo, uz svu svoju plastičnost i sadržajnu uvjerljivost, još uvijek bilo pomalo grubo, onda se kasnije oslobađa ovog nedostatka. Umetnikova zrela dela su monumentalna platna izuzetne dramske snage („Pozivanje apostola Mateja“ i „Mučeništvo apostola Mateja“ (oba 1599-1600); „Pogreb“, „Marijina smrt“ (oba oko 1605. -1606 )). Ova djela, iako stilski bliska njegovim ranim žanrovskim scenama, već su ispunjena posebnom unutrašnjom dramatikom.
Caravaggiov slikarski stil u ovom periodu zasnivao se na snažnim kontrastima svjetla i sjene, ekspresivnoj jednostavnosti gestova, energičnom oblikovanju volumena, bogatstvu boja - tehnikama koje stvaraju emocionalni stres, naglašavajući akutnu afektaciju osjećaja. Obično umjetnik prikazuje nekoliko snimljenih figura izbliza, blizak gledaocu i napisan svom plastičnošću, materijalnošću i vidljivom autentičnošću. počinje da igra važnu ulogu u njegovim radovima okruženje, enterijer domaćinstva i mrtva priroda. Tako, na primjer, na slici „Matejev poziv“ majstor prikazuje pojavu uzvišenog i duhovnog u svijet „niske“ svakodnevice.
Radnja djela zasnovana je na priči iz jevanđelja o tome kako je Krist pozvao carinika Mateja, kojeg su svi prezirali, da postane njegov učenik i sljedbenik. likovi prikazani su kako sede za stolom u neudobnoj, praznoj prostoriji, a likovi su predstavljeni u prirodnoj veličini, obučeni u moderne kostime. Krist i apostol Petar koji neočekivano uđu u prostoriju izazivaju različite reakcije okupljenih - od čuđenja do opreza. Svjetlosni tok koji odozgo ulazi u mračnu prostoriju ritmički organizira ono što se događa, ističući i povezujući njegove glavne elemente (Matejevo lice, ruka i profil Krista). Izvlačeći figure iz mraka i oštro suprotstavljajući jarko svjetlo i duboku sjenu, slikar daje osjećaj unutrašnje napetosti i dramatičnog uzbuđenja. Scenom dominiraju elementi osjećaja i ljudskih strasti. Kako bi stvorio emocionalnu atmosferu, Caravaggio majstorski koristi bogate boje. Nažalost, Caravaggiov oštri realizam nisu razumjeli mnogi njegovi savremenici, pristalice “visoke umjetnosti”. Uostalom, čak i stvarajući djela na mitološke i religiozne teme (najpoznatije od njih je “Počivaj na bijegu u Egipat”, 1597.), on je uvijek ostao vjeran realističkim principima svog svakodnevnog slikarstva, dakle i najtradicionalnijim biblijskim subjekti su dobili potpuno drugačiju intimnu psihološku interpretaciju različitu od tradicionalnog. A pozivanje na prirodu, koju je učinio neposrednim predmetom prikazivanja svojih djela, i istinitost njenog tumačenja izazvali su mnoge napade na umjetnika od strane svećenstva i zvaničnika.
Ipak, među umjetnicima 17. vijeka, možda, nije bilo nijednog od bilo kakvog značaja koji ne bi, na ovaj ili onaj način, iskusio snažan uticaj Karavađove umetnosti. Istina, većina majstorovih sljedbenika, koje su nazivali karavadžistima, marljivo je kopirala samo njegove vanjske tehnike, a prije svega njegov čuveni kontrastni chiaroscuro, intenzitet i materijalnost slikarstva.
Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de La Tour i mnogi drugi poznati umjetnici prošli su fazu fascinacije karavagizmom. Nemoguće je zamisliti dalji razvoj realizma 17. stoljeća bez revolucije koja se dogodila u evropsko slikarstvo Michelangelo Caravaggio.
Alessandro Magnasco (1667-1749). Njegov rad je povezan sa romantičarskim pokretom u italijanskoj umetnosti 17. veka.
Budući umjetnik rođen je u Genovi. Studirao je prvo kod svog oca, a zatim, nakon njegove smrti, u Milanu kod jednog od domaćih majstora, koji ga je naučio tehničkim tehnikama venecijanskog slikarstva i naučio ga umetnosti portreta. Nakon toga, Magnasco je mnogo godina radio u Milanu, Đenovi, Firenci, a tek u opadajućim godinama, 1735. godine, konačno se vratio u svoj rodni grad.
Ovaj talentovani, ali izuzetno kontroverzni umjetnik bio je obdaren izuzetno svijetlom ličnošću. Magnascov rad prkosi svakoj klasifikaciji: ponekad duboko religiozan, ponekad bogohulan u svojim radovima pokazao se ili kao običan dekorater ili kao slikar ustreptale duše. Njegova umjetnost je prožeta pojačanom emocionalnošću, na granici misticizma i egzaltacije.
Prirodu umetnikovih ranih radova, dovršenih tokom njegovog boravka u Milanu, odredile su tradicije đenoveške slikarske škole, koja je gravitirala ka pastoralu. No, već takva njegova djela kao što su nekoliko „Bacchanalia“, „Bandits’ Rest“ (svi iz 1710-ih) - prikazujući nemirne ljudske figure na pozadini veličanstvenih drevnih ruševina - nose potpuno drugačiji emocionalni naboj od spokojnih pastorala njegovih prethodnika. Izrađene su u tamnim bojama, sa isprekidanim, dinamičnim potezima, koji ukazuju na percepciju svijeta u dramatičnom aspektu (dodatak, sl. 3).
Umjetnikovu pažnju privlači sve neobično - scene inkvizicijskih tribunala, mučenja, koje je mogao posmatrati u Milanu pod španskom vlašću (“Torture Chamber”), propovijed u sinagogi (“Sinagoga”, kasne 1710-1720-ih), nomadski život cigana („Ciganski obrok“) itd.
Magnascove omiljene teme su razne epizode iz monaškog života („Sahrana monaha“, „Objed redovnica“, oba iz 1720-ih), ćelije pustinjaka i alhemičara, ruševine zgrada i noćni pejzaži sa likovima Cigana, prosjaka, lutajućih muzičara. , itd. Sasvim stvarni likovi njegovih djela - razbojnici, ribari, pustinjaci, cigani, komičari, vojnici, perice (Pejzaž s pericama, 1720-ih) - djeluju u fantastičnom okruženju. Prikazani su na pozadini sumornih ruševina, pobesnelog mora, divlje šume i surovih klisura. Magnasco slika njihove figure kao pretjerano izdužene, kao da se previjaju iu stalnom, neprekidnom kretanju; njihove izdužene zakrivljene siluete podređene su nervnom ritmu poteza kista. Slike su prožete tragičnim osjećajem ljudske beznačajnosti pred slijepim silama prirode i surovošću društvene stvarnosti.
Ista uznemirujuća dinamika karakteriše ga pejzažne skice, sa svojom naglašenom subjektivnošću i emocionalnošću, potiskujući prijenos u drugi plan prave slike priroda ("Morski pejzaž", 1730-te; "Planinski pejzaž", 1720-te). U nekim kasnijim majstorovim radovima primjetan je utjecaj pejzaža Italijana Salvatorea Rose i gravura francuskog umjetnika maniriste Jacquesa Callot-a. Ovaj teško razlučiv aspekt stvarnosti i bizarnog svijeta koji je stvorila mašta umjetnika, koji je bio akutno svjestan svih tragičnih i radosnih događaja okolna stvarnost će uvijek biti prisutna u njegovim djelima, dajući im karakter ili parabole ili svakodnevne scene.
Magnascov ekspresivni slikarski stil na neki način je anticipirao kreativne potrage umjetnika 18. stoljeća. Slika tečnim, brzim potezima, koristeći nemirni chiaroscuro, stvarajući nemirne svjetlosne efekte, što njegovim slikama daje namjernu skiciranost, a ponekad čak i dekorativnost. Istovremeno, kolorit njegovih radova je lišen šarene višebojnosti, obično je majstor ograničen na sumornu sivkasto-smeđu ili zelenkastu paletu, iako na svoj način prilično profinjenu i profinjenu. Priznat još za života i zaboravljen od potomaka, ovaj jedinstveni umjetnik ponovo je stekao popularnost tek početkom 20. vijeka, kada je viđen kao preteča impresionizma, pa i ekspresionizma.
Giuseppe Maria Crespi (1665-1747), rodom iz Bolonje, svoju je slikarsku karijeru započeo marljivim kopiranjem slika i fresaka poznatih majstora, među kojima su bili i njegovi sunarodnici braću Carracci. Kasnije je putovao po sjevernoj Italiji, upoznajući se s radom majstora visoke renesanse, uglavnom venecijanaca (Tician i Veronese).
Do početka 18. vijeka. Crespi je već prilično poznat, posebno po svojim oltarnim slikama. Ali glavni posao rani period Njegovo djelo je monumentalno oslikavanje stropova Palazzo grof Pepoli (1691-1692) u Bologni, čiji mitološki likovi (bogovi, heroji, nimfe) u njegovoj interpretaciji izgledaju krajnje zemaljsko, živahno i uvjerljivo, za razliku od tradicionalnog. apstraktne slike baroka.
Crespi je radio u raznim žanrovima. Slikao je na mitološke, religiozne i svakodnevne teme, stvarao portrete i mrtve prirode, te u svaki od ovih tradicionalnih žanrova unosio novu i iskrenu viziju savremenog svijeta. Umjetnikova posvećenost prirodi i tačna reprezentacija okolne stvarnosti došla je u nepomirljiv sukob sa oronulim tradicijama bolonjskog akademizma, koji je do tada postao kočnica razvoja umjetnosti. Stoga se kroz čitavo njegovo stvaralaštvo kao crvena nit provlači stalna borba protiv konvencija akademskog slikarstva za trijumf realističke umjetnosti.
Početkom 1700-ih. Crespi prelazi sa mitoloških prizora na prikazivanje scena iz seljačkog života, tretirajući ih najprije u duhu pastoralizma, a potom im dajući sve uvjerljiviji karakter svakodnevnog slikarstva. Jedan od prvih među majstorima 18. veka, počeo je da prikazuje život običnih ljudi - pralja, mašina za pranje sudova, kuvara, kao i epizode iz seljačkog života.
Želja da svojim slikama da veću autentičnost tjera ga da se okrene Caravaggiovoj "pogrebnoj" svjetlosnoj tehnici - oštrom osvjetljenju dijela mračnog prostora unutrašnjosti, zahvaljujući čemu figure poprimaju plastičnu jasnoću. Jednostavnost i iskrenost narativa dopunjena je uvođenjem narodnih predmeta u prikaz interijera, koje je Crespi uvijek slikao s velikom likovnom vještinom („Scena u podrumu“; „Seljačka porodica“).
Najveći domet tadašnjeg svakodnevnog slikarstva bila su njegova platna “Sajam u Poggio a Caianu” (oko 1708.) i “Sajam” (oko 1709.) na kojima su prikazane prepune narodne scene.
Pokazali su umjetnikovo interesovanje za grafiku Jacquesa Callot-a, kao i njegovo blisko poznavanje rada holandskih majstora žanrovskog slikarstva 17. vijeka. Ali Crespijevim slikama seljaka nedostaje Callotova ironija i on nije tako vješt u karakterizaciji okoline kao što su to radili holandski žanrovski slikari. Figure i objekti u prvom planu su nacrtani detaljnije od ostalih - to podsjeća na Magnascoov stil. Međutim, kreacije genovskog slikara, izvedene na bravurozni način, uvijek sadrže element fantazije. Crespi je težio detaljnoj i preciznoj priči o živopisnoj i veseloj sceni. Jasno raspoređujući svjetlost i sjenu, on svojim figurama daje vitalnu specifičnost, postepeno nadilazeći tradicije pastoralnog žanra.
Najznačajniji rad zrelog majstora bio je serijal od sedam slika „Sedam sakramenata“ (1710-ih) - najviše dostignuće baroknog slikarstva ranog 18. vijeka (dod., sl. 4). Riječ je o potpuno novim djelima po duhu, koja su označila otklon od tradicionalnog apstraktnog tumačenja vjerskih scena.
Sve slike (“Ispovijest”, “Krštenje”, “Vjenčanje”, “Pričešće”, “Sveštenstvo”, “Krizma”, “Pomašćenje”) naslikane su Rembrantovim toplim crvenkasto-smeđim tonalitetom. Upotreba oštrog osvjetljenja dodaje određenu emocionalnu notu naraciji o sakramentima. Umjetnikova paleta boja je prilično monohromna, ali istovremeno iznenađujuće bogata raznim nijansama i nijansama boja, ujedinjenih mekim, ponekad kao da sija iznutra chiaroscuro. To svim prikazanim epizodama daje dašak misteriozne intimnosti onoga što se dešava i istovremeno naglašava Crespijev plan, koji nastoji da ispriča o najznačajnijim fazama postojanja svake osobe tog vremena, koje su predstavljene u obliku scena. iz stvarnosti, dobijajući karakter svojevrsne parabole. Štaviše, ovu priču ne odlikuje didaktika karakteristična za barok, već svjetovna izgradnja.
Gotovo sve što je majstor napisao nakon ovoga predstavlja sliku postepenog blijeđenja njegovog talenta. U svojim slikama sve više koristi poznate klišeje, kompozicione sheme i akademske poze, koje je ranije izbjegavao. Nije iznenađujuće da je ubrzo nakon njegove smrti Crespijevo djelo brzo zaboravljeno.
Kao bistar i originalan majstor, otkriven je tek u dvadesetom veku. Ali po kvalitetu, dubini i emocionalnom bogatstvu, Crespijevo slikarstvo, koje upotpunjuje umjetnost 17. stoljeća, u svojim najboljim manifestacijama je na drugom mjestu, možda, samo nakon Caravaggia, čijim je radom tako briljantno i inovativno započela italijanska umjetnost ovog doba. .
Ovaj tekst je uvodni fragment. Iz knjige Slomljeni život, ili Oberonov magični rog autor Kataev Valentin PetrovičSlikanje Mama mi je kupila nešto poput albuma koji se odvijao kao harmonika, u cik-cak; na njegovim vrlo debelim kartonskim stranicama bojom su odštampane mnoge slike nasumično razbacanih raznih kućnih predmeta: lampa, kišobran, aktovka,
Iz knjige Tamerlan autor Roux Jean-PaulSlikarstvo Iz činjenice da su Shahrukh i njegov sin, filantrop Bai Shungkur (umro 1434.) osnovali Akademiju knjige u Heratu, jasno je da je početkom 15. stoljeća knjiga pisana elegantnim kaligrafskim rukopisom, lijepo ukoričen i ilustrovan minijaturama
Iz knjige Kolyma notebooks autor Shalamov VarlamSlikanje portreta je ego spor, spor, nije žalba, već dijalog. Bitka dvije različite istine, bitka četkica i linija. Potok gdje su rime boje, Gdje je svaki Maljavin Šopen, Gdje strast, bez straha od publiciteta, Uništila nečije zatočeništvo. U poređenju sa bilo kojim pejzažom, gde je ispovest
Iz knjige Reflections on Writing. Moj život i moja era od Henry Millera Iz knjige Moj život i moja epoha od Henry MilleraSlikanje Važno je savladati osnove vještine, a u starosti steći hrabrost i slikati ono što djeca crtaju, neopterećena znanjem. Moj opis procesa slikanja je da tražite nešto. Mislim da je svaki kreativni rad nešto tako. U muzici
Iz knjige Renoira od Bonafou PascalSedmo poglavlje VESLAČI IZ CHATUA, SLIKA ITALIJE Njegovi prijatelji su se prema Renoaru, koji je izlagao u Salonu, odnosili snishodljivo, ne smatrajući ga „izdajnikom“. Činjenica je da su i Cezanne i Sisley bili "odmetnici", jer su odlučili da ne učestvuju na četvrtoj izložbi "nezavisnih umjetnika"
Iz knjige Matisse od Escolier RaymondaPROSUĐIVANJE I SLIKARSTVO Ništa, čini se, nije spriječilo Anrija Matisa, koji je stekao klasično obrazovanje, da ostvari očeve planove, a otac je želio da on postane advokat. Lako je položio ispit u Parizu u oktobru 1887, što mu je omogućilo da se posveti
Iz knjige Čerčil bez laži. Zašto ga mrze? od Bailey BorisČerčil i slika Godine 1969., Clementine je rekla Martinu Gilbertu, autoru najosnovnije Čerčilove biografije u osam tomova (prva dva toma napisao je Čerčilov sin Randolf): „Neuspjeh u Dardanelima proganjao je Winstona cijeli njegov život. Nakon odlaska
Iz knjige Velikani 20. vijeka autor Vulf Vitalij JakovljevičSlikarstvo
Iz knjige Dnevnički listovi. Sveska 2 autor Rerih Nikolaj KonstantinovičSlikarstvo Prije svega, privukle su me boje. Počelo je sa naftom. Prve slike su naslikane vrlo debelo. Nitko nije mislio da možete savršeno rezati oštrim nožem i dobiti gustu površinu emajla. Zato je "The Elders Converge" izašao tako grub i čak oštar. Neko unutra
Iz knjige Rahmanjinova autor Fedjakin Sergej Romanovič5. Slika i muzika “Ostrvo mrtvih” jedno je od najmračnijih Rahmanjinovljevih djela. I najsavršeniji. Počeće da ga piše 1908. Završiće početkom 1909. Nekada je, u usporenom delu nedovršenog kvarteta, naslutio mogućnost takve muzike. dugo,
Iz Junove knjige. Samoća sunca autor Savitskaya SvetlanaSlikarstvo i grafika Da biste naučili crtati, prvo morate naučiti vidjeti. Svako može da crta i kameru i mobilni telefon, ali, kako se veruje u slikarstvu, „umetnikovo lice“ je teško postići. Juna je ostavila trag u slikarstvu. Njene slike
Iz knjige Istorija umetnosti 17. veka autor Khammatova V.V.ŠPANSKO SLIKARSTVO Umjetnost Španije, kao i cjelokupna španska kultura u cjelini, odlikovala se svojom značajnom originalnošću, koja se sastoji u činjenici da je renesansa u ovoj zemlji, jedva dostigla stupanj visokog prosperiteta, odmah ušla u period pad i kriza, koji su bili
Iz knjige autoraSLIKARSTVO FLANDRIJE Flamanska umjetnost u nekom smislu se može nazvati jedinstvenim fenomenom. Nikada do sada u istoriji tako mala zemlja po prostoru, koja je takođe bila u tako zavisnom položaju, nije stvorila tako originalnu i značajnu državu za sebe.
Iz knjige autoraSLIKARSTVO HOLANDIJE Holandska revolucija je Holandiju, prema rečima K. Marksa, pretvorila u „uglednu kapitalističku zemlju sedamnaestog veka“. Osvajanje nacionalne nezavisnosti, uništavanje feudalnih ostataka, brzi razvoj proizvodnih snaga i trgovine
Iz knjige autoraFRANCUSKO SLIKARSTVO Posebno mjesto među najistaknutijim u ovoj oblasti umjetničko stvaralaštvo Francuska je okupirala evropske zemlje u 17. veku. U podjeli rada među nacionalnim školama evropskog slikarstva u rješavanju žanrovskih, tematskih, duhovnih i formalnih problema, udio Francuske
Pobjeda feudalno-katoličke reakcije, ekonomski i politički prevrati koji su zadesili 16. vijek. Italija, zaustavio je razvoj renesansne kulture. Napad militantnog katolicizma na tekovine renesanse obilježen je najžešćim progonom ljudi napredne nauke i pokušajem da se umjetnost podredi vlasti Katoličke crkve. Inkvizicija se nemilosrdno obračunala sa svima koji su se direktno ili indirektno suprotstavljali načelima religije, papstva i klera. Fanatici u haljinama šalju Giordana Bruna na lomaču i progone Galilea. Tridentski sabor (1545-1563) donio je posebne dekrete koji su regulisali religiozno slikarstvo i muziku, s ciljem iskorenjivanja sekularnog duha u umjetnosti. Osnovan 1540. godine, jezuitski red aktivno intervenira u pitanjima umjetnosti, stavljajući umjetnost u službu vjerske propagande.
Do početka 17. vijeka. Plemstvo i crkva u Italiji učvršćuju svoje političke i ideološke pozicije. Situacija u zemlji je i dalje teška. Ugnjetavanje španske monarhije, koja je zauzela Kraljevinu Napulj i Lombardiju, dodatno se pojačava, a teritorija Italije, kao i ranije, ostaje poprište neprekidnih ratova i pljački, posebno na sjeveru, gdje su interesi Španaca i Austrijski Habsburgovci i Francuska su se sukobili (što je dokazano, na primjer, zauzimanjem i pljačkom Mantove od strane carskih trupa 1630.). Fragmentirana Italija zapravo gubi svoju nacionalnu nezavisnost, pošto je odavno prestala da igra aktivnu ulogu u političkom i ekonomskom životu Evrope. U tim uslovima, apsolutizam malih kneževina dobija karakteristike ekstremnog reakcionarnog ponašanja.
Narodni gnev protiv ugnjetača izbija u spontanim ustancima. Na samom kraju 16.st. izuzetni mislilac i naučnik Tommaso Campanella postao je šef anti-španske zavere u Kalabriji. Zbog izdaje spriječen je ustanak, a potom i sam Campanella strašno mučenje je osuđen na doživotni zatvor. U svom čuvenom eseju „Grad sunca“, napisanom u zatvoru, iznosi ideje utopijskog komunizma, odražavajući san potlačenog naroda o sretan život. Godine 1647. izbio je narodni ustanak u Napulju, a 1674. na Siciliji. Napuljski ustanak, koji je predvodio ribar Masaniello, bio je posebno strašan. Međutim, fragmentirana priroda revolucionarnih akcija osudila ih je na neuspjeh i poraz.
Teško stanje naroda u oštroj je suprotnosti sa preplavljujućim luksuzom zemljišne i monetarne aristokratije i visokog svećenstva. Bujne fešte, karnevali, gradnja i uređenje palata, vila i crkava dosežu do 17. veka. obim bez presedana. Sav život i kultura Italije u 17. veku. satkana od oštrih kontrasta i nepomirljivih kontradikcija, ogleda se u protivrečnostima progresivne nauke, u sukobu sekularne kulture i katoličke reakcije, u borbi između konvencionalno dekorativnih i realističkih tendencija u umetnosti. Obnovljeno interesovanje za antiku koegzistira sa propovedanjem religioznih ideja u kombinaciji sa žudnjom za iracionalnim i mističnim. Uporedo sa dostignućima u oblasti egzaktnih nauka, cvetaju astrologija, alhemija i magija.
Pape, koji su prestali da pretenduju na ulogu vodeće političke snage u evropskim poslovima i pretvorili se u prve suverene suverene Italije, koriste trendove ka nacionalnom ujedinjenju zemlje i centralizaciji vlasti da ojačaju ideološku dominaciju crkve i plemstvo. Papski Rim postaje centar ne samo italijanske, već i evropske feudalno-katoličke kulture. Ovdje se formirala i cvjetala barokna umjetnost.
Jedan od glavnih zadataka baroknih umjetnika bio je okružiti svjetovne i crkvene vlasti oreolom veličine i kastinske superiornosti, te propagirati ideje militantnog katolicizma. Otuda tipična barokna težnja za monumentalnim ushićenjem, velikim dekorativnim dometom, pretjeranim patosom i namjernom idealizacijom u interpretaciji slika. U baroknoj umjetnosti postoje akutne kontradikcije između njenog društvenog sadržaja, osmišljenog da služi vladajućoj eliti društva, i potrebe da se utiče na široke mase, između konvencionalnosti slika i njihove naglašeno senzualne forme. Da bi pojačali ekspresivnost slika, barokni majstori pribjegavaju svim vrstama preuveličavanja, hiperbola i naturalističkih efekata.
Harmonični ideal renesansne umetnosti zamenjen je u 17. veku. pokušaj otkrivanja slika kroz dramski sukob, njihovim psihološkim produbljivanjem. To je dovelo do proširenja tematskog raspona u umjetnosti, do upotrebe novih sredstava figurativnog izražavanja u slikarstvu, skulpturi i arhitekturi. Ali umjetnička dostignuća barokne umjetnosti ostvarena su po cijenu napuštanja cjelovitosti i cjelovitosti svjetonazora ljudi renesanse, po cijenu napuštanja humanističkog sadržaja slika.
Autonomija svake umjetničke forme svojstvena umjetnosti renesanse, njihov ravnopravni međusobni odnos, sada se uništava. Arhitektura, skulptura i slikarstvo organski se spajaju u jednu zajedničku dekorativnu cjelinu. Slikarstvo nastoji iluzorno proširiti prostor unutrašnjosti; skulpturalni dekor, izrastao iz arhitekture, pretvara se u slikovit ukras; Sama arhitektura ili postaje sve plastičnija, gubeći svoju strogu arhitektoniku, ili, dinamički formirajući unutrašnji i vanjski prostor, poprima obilježja slikovitosti.
U baroknoj sintezi umjetnosti dolazi ne samo do spajanja pojedinih vrsta umjetnosti, već i do stapanja cjelokupnog umjetničkog kompleksa sa okolnim prostorom. Skulpturalne figure izgledaju kao žive iz niša, vise s vijenaca i frontona; unutrašnji prostor zgrada nastavlja se uz pomoć iluzionistički interpretiranih abažura. Unutrašnje sile, uklopljene u arhitektonske volumene, kao da pronalaze izlaz u kolonadama, stepeništima, terasama i špalirama uz zgradu, u dekorativnim skulpturama, fontanama i kaskadama, u povučenim perspektivama uličica. Priroda, preobražena veštom rukom parkovskog dekoratera, postaje sastavni deo baroknog ansambla.
Ova želja umjetnosti za širokim opsegom i univerzalnom umjetničkom transformacijom okolne stvarnosti, ograničena, međutim, na rješavanje vanjskih dekorativnih zadataka, donekle je u skladu s naprednim naučnim svjetonazorom tog doba. Ideje Giordana Bruna o svemiru, njegovom jedinstvu i beskonačnosti otkrile su nove horizonte ljudskom znanju i na nov način postavile vječni problem svijeta i čovjeka. Zauzvrat, Galileo je, nastavljajući tradiciju empirijske nauke renesanse, prešao s proučavanja pojedinačnih pojava na poznavanje općih zakona fizike i astronomije.
Barokni stil je imao analoge u italijanskoj književnosti i muzici. Tipičan fenomen tog doba bili su Marineovi pompezni, galantni i erotični tekstovi i čitav pokret u poeziji koji je iznjedrio, takozvani “marinizam”. Gravitacija umjetničke kulture 17. vijek do sintetičkog ujedinjenja razne vrste umjetnost je dobila odgovor u briljantnom procvatu italijanske opere i pojavi novih muzičkih žanrova - kantate i oratorija. U rimskoj operi 1630-ih, odnosno u periodu zrelog baroka, dekorativna zabava dobija veliki značaj, podređujući i pevačku i instrumentalnu muziku. Čak pokušavaju da postave i čisto religiozne opere, pune ekstatičnog patosa i čuda, kada radnja prekriva zemlju i nebo, baš kao što je to rađeno u slikarstvu. Međutim, kao i književnost, gdje se Marinizam suočio sa klasicističkom opozicijom i ismijavan od strane naprednih satiričnih pjesnika, opera je vrlo brzo izašla izvan granica dvorske kulture, izražavajući demokratskije ukuse. To se ogledalo u prodoru motiva narodnih pjesama u operu i veseloj zabavnosti radnje u duhu commedia dell'arte (komedije maski).
Dakle, iako je barok dominantan pokret za Italiju u 17. stoljeću, on ne pokriva cjelokupnu raznolikost kulturnih i umjetničkih pojava ovoga vremena. Realistička umjetnost Caravaggia, koja otkriva slikarstvo 17. stoljeća, djeluje kao direktna suprotnost cjelokupnoj baroknoj estetici. Uprkos društvenim uslovima nepovoljnim za razvoj realizma, žanr-realistički trendovi u slikarstvu su se osetili tokom celog 17. veka.
U čitavoj italijanskoj likovnoj umjetnosti 17. stoljeća. Mogu se navesti samo dva velika majstora panevropskog značaja - Caravaggio i Bernini. U nizu svojih manifestacija, italijanska umetnost 17. veka. nosi specifičan otisak propadanja javni život, a veoma je značajno da je Italija ranije od drugih zemalja osmislila novi realistički program u slikarstvu, a pokazalo se da nije u stanju da ga dosledno sprovodi. Neuporedivo svetlije od slikarstva, istorijsko značenje Ima italijanska arhitektura, koja uz francusku zauzima vodeće mjesto u evropskoj arhitekturi 17. stoljeća.
Moskovski državni regionalni univerzitet
Sažetak o istoriji umjetnosti
Italijanska umjetnost 17. vijeka.
Izvedeno:
dopisni student
33 grupe Fakulteta likovnih umjetnosti i nauke
Minakova Evgenia Yurievna.
Provjereno:
Moskva 2009
· Italija u 17. veku
· Arhitektura. Barokni stil u arhitekturi.
· Arhitektura. Rani barok.
· Arhitektura. Visoki, ili zreli, barokni.
· Arhitektura. Barokna arhitektura izvan Rima.
· Art. Opće karakteristike.
· Art. Rani barok.
· Art. Realan tok.
· Art. Druga generacija umjetnika bolonjske škole.
· Art. Visoki, ili zreli, barokni.
· Art. kasni barok.
Već od sredine 16. veka istorijski razvoj Italije karakteriše napredovanje i pobeda feudalno-katoličke reakcije. Ekonomski slaba, rascjepkana na zasebne nezavisne države, Italija nije u stanju da izdrži navalu moćnijih zemalja - Francuske i Španije. Duga borba ovih država za prevlast u Italiji okončana je pobjedom Španije, osiguranom mirovnim ugovorom Cateau Cambresi (1559). Od tada je sudbina Italije bila usko povezana sa Španijom. Sa izuzetkom Venecije, Đenove, Pijemonta i Papske države, Italija je praktično bila španska pokrajina skoro dva veka. Španija je uvukla Italiju u razorne ratove, koji su se često dešavali na teritoriji italijanskih država, i doprinela širenju i jačanju feudalne reakcije u Italiji, kako u privredi, tako iu kulturnom životu.
Dominantnu poziciju u javnom životu Italije zauzimala je aristokracija i najviši katolički kler. U uslovima dubokog ekonomskog propadanja zemlje, samo su krupni svetovni i crkveni feudalci i dalje imali značajna materijalna bogatstva. Italijanski narod - seljaci i građani - bili su u izuzetno teškoj situaciji, osuđeni na siromaštvo, pa čak i na izumiranje. Protest protiv feudalnog i stranog ugnjetavanja dolazi do izražaja u brojnim narodnim ustancima koji su izbijali tokom 17. stoljeća i ponekad su poprimili zastrašujuće razmjere, kao što je Masaniello ustanak u Napulju.
Opšti karakter kulture i umetnosti Italije u 17. veku određivale su sve njene karakteristike istorijski razvoj. U Italiji je rođena i najrazvijenija barokna umjetnost. Međutim, kao dominantan u italijanskoj umetnosti 17. veka, ovaj pravac nije bio jedini. Uz njega i paralelno s njim razvijaju se realistički pokreti povezani s ideologijom demokratskih slojeva italijanskog društva i koji dobijaju značajan razvoj u mnogim umjetničkim centrima u Italiji.
Monumentalna arhitektura Italije 17. stoljeća zadovoljavala je gotovo isključivo potrebe Katoličke crkve i najviše svjetovne aristokracije. U tom periodu izgrađene su uglavnom crkvene zgrade, palate i vile.
Teška ekonomska situacija u Italiji nije omogućila izgradnju veoma velikih objekata. Istovremeno, crkva i najviša aristokratija su morali da ojačaju svoj prestiž i uticaj. Otuda želja za neobičnim, ekstravagantnim, svečanim i oštrim arhitektonskim rješenjima, želja za povećanom dekorativnošću i zvučnošću oblika.
Izgradnja impresivnih, iako ne tako velikih objekata, doprinijela je stvaranju iluzije društvenog i političkog blagostanja države.
Najveću napetost i izražaj barok dostiže u bogomoljama i crkvenim objektima; njegove arhitektonske forme savršeno su odgovarale religijskim principima i ritualnoj strani militantnog katolicizma. Izgradnjom brojnih crkava Katolička crkva je nastojala ojačati i ojačati svoj prestiž i utjecaj u zemlji.
Barokni stil, razvijen u arhitekturi ovoga vremena, karakterizira, s jedne strane, težnja za monumentalnošću, as druge, prevlast dekorativnih i slikovitih principa nad tektonskim.
Kao i djela likovne umjetnosti, spomenici barokne arhitekture (posebno crkveni objekti) dizajnirani su da pojačaju emocionalni utjecaj na gledatelja. Racionalni princip koji je bio u osnovi umjetnosti i arhitekture renesanse ustupio je mjesto iracionalnom principu, statičnosti, smirenosti - dinamici, napetosti.
Barok je stil kontrasta i neravnomjerne raspodjele kompozicionih elemenata. U njemu su od posebnog značaja krupni i sočni zakrivljeni, lučni oblici. Barokne građevine karakteriše frontalna i fasadna konstrukcija. Zgrade se u mnogim slučajevima percipiraju s jedne strane - sa strane glavne fasade, što često prikriva volumen strukture.
Barok pridaje veliku pažnju graditeljskim cjelinama - gradu i parku, ali se cjeline ovog vremena zasnivaju na drugačijim principima od ansambala renesanse. Barokni ansambli u Italiji izgrađeni su na dekorativnim principima. Karakteriše ih izolovanost i komparativna nezavisnost od opšteg sistema planiranja urbanog područja. Primjer je najveći ansambl u Rimu - trg ispred katedrale sv. Petra.
Kolonade i ukrasni zidovi koji su ograđivali prostor ispred ulaza u katedralu prekrivali su neuređene, nasumične zgrade smještene iza njih. Ne postoji veza između trga i susjedne kompleksne mreže uličica i nasumičnih kuća. Pojedinačni objekti koji su dio baroknih cjelina kao da gube svoju samostalnost, potpuno podređeni općem kompozicionom planu.
Barok je na nov način postavio problem sinteze umjetnosti. Skulptura i slikarstvo, koji imaju vrlo važnu ulogu u građevinama ovoga vremena, međusobno se preplićući i često zatamnjujući ili iluzorno deformirajući arhitektonske forme, doprinose stvaranju onog utiska bogatstva, raskoši i raskoši koji barokni spomenici neminovno proizvode.
Mikelanđelovo delo bilo je od velike važnosti za formiranje novog stila. U svojim radovima razvio je niz oblika i tehnika koje su kasnije korištene u baroknoj arhitekturi. Arhitekta Vignola se može okarakterisati i kao jedan od neposrednih prethodnika baroka; u njegovim radovima može se uočiti niz ranih znakova ovog stila.
Novi stil - barokni stil u italijanskoj arhitekturi - zamenio je renesansu 80-ih godina 16. veka i razvijao se tokom 17. i prve polovine 18. veka.
Uobičajeno se u arhitekturi ovog vremena mogu izdvojiti tri etape: rani barok - od 1580-ih do kraja 1620-ih, visoki, odnosno zreli, barok - do kraja 17. stoljeća i kasnije - prva polovina 20. stoljeća. 18. vijek.
Prvim majstorima baroka smatraju se arhitekti Giacomo della Porta i Domenico Fontana. Pripadali su sljedećoj generaciji u odnosu na Vignolu, Alessi, Ammanati, Vasari i završili su svoju djelatnost početkom 17. stoljeća. Istovremeno, kao što je ranije navedeno, tradicije kasne renesanse nastavile su živjeti u radu ovih majstora.
Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541-1608) bio je Vignolin učenik. Njena najranija gradnja, crkva Sàta Catarina u Funariju (1564.), po svom stilu pripada renesansi. Međutim, fasada crkve del Gesù, koju je ovaj arhitekt završio nakon Vignoline smrti (iz 1573.), mnogo je baroknija od prvobitnog projekta njegovog učitelja. Fasada ove crkve, sa svojom karakterističnom podjelom na dva nivoa i bočnim volutama, te plan gradnje bili su uzor za niz katoličkih crkava u Italiji i drugim zemljama. Nakon Mikelanđelove smrti, Giacomo della Porta završio je izgradnju velike kupole katedrale sv. Petra. Ovaj majstor je bio i autor čuvene Ville Aldobrandini u Fraskatiju kod Rima (1598-1603). Kao i obično, glavna zgrada vile nalazi se na padini planine; Dvosmjerna zaobljena rampa vodi do glavnog ulaza. Na suprotnoj strani zgrade nalazi se vrt. U podnožju planine nalazi se polukružna pećina sa svodovima, iznad nje je vodena kaskada uokvirena stepenicama. Sama građevina je vrlo jednostavnog prizmatičnog oblika i upotpunjena je ogromnim prelomljenim zabatom.
U kompoziciji vile, u parkovnim strukturama koje je čine i u prirodi plastičnih detalja, jasno se očituje želja za promišljenom ljepotom i profinjenošću arhitekture, tako karakteristične za barok u Italiji.
U to vrijeme, talijanski parkovni sistem je konačno dobio oblik. Odlikuje ga prisustvo jedne ose parka, koji se nalazi na padini planine sa brojnim padinama i terasama. Glavna zgrada se nalazi na istoj osi. Tipičan primjer takvog kompleksa je Villa Aldobrandini.
Domenico Fontana. Drugi veliki ranobarokni arhitekta bio je Domenico Fontana (1543-1607), koji je bio jedan od rimskih nasljednika Michelangela i Vignole. Njegovo najveće djelo je Lateranska palača u Rimu. Palata u formi koju joj je dala Fontana je gotovo pravilan trg sa četvrtastim dvorištem zatvorenim unutra. Dizajn fasade palate je u potpunosti zasnovan na arhitekturi Palazzo Farnese Antonija Sangala Mlađeg. Općenito, izgradnja palače u Italiji u 17. stoljeću temeljila se na daljnjem razvoju kompozicionog tipa palate-palazzo, koji je razvijen u arhitekturi renesanse.
Zajedno sa bratom Giovannijem Fontanom, Domenico je izgradio fontanu Acqua Paolo u Rimu 1585-1590 (bez potkrovlja, koji je kasnije izradio Carlo Maderna). Njegova arhitektura je zasnovana na preradi oblika antičkih trijumfalnih lukova.
Barokno doba se u italijanskoj umjetnosti naziva 17. vijekom. Ovaj stil, koji je postao jedan od dominantnih u evropskom slikarstvu, karakteriše senzualni punokrvni pogled na svet i dinamizam likovnih rešenja. S posebnom punoćom otkriveno je u urbanističkim, arhitektonskim i slikovitim cjelinama velikih razmjera. Raznolikost italijanske umjetnosti određena je raznolikošću lokalnih umjetničkih tradicija, ali, kao iu renesansi, slika čovjeka ostaje u fokusu umjetnika.
Pietro da Cortona, arhitekta i umjetnik, ušao je u povijest umjetnosti kao autor čuvenih ciklusa slika koje su ukrašavale palate Rima i Firence. Njegova kompozicija „Povratak Hagare“ odličan je primjer štafelajne slike majstora koji je baroknom stilu nastojao dati gotovo klasičnu strogost rješenja.
Procvat baroknog stila povezan je s radom Napuljca Luce Giordana, koji je radio u različitim gradovima Italije i utjecao na mnoge umjetnike. Dinamika pokreta i unutrašnji patos svojstven njegovim djelima posebno su se u potpunosti razotkrili u oltarnim slikama, u ciklusima monumentalnih i dekorativnih slika i zidnih slika. U zbirci Muzeja nalazi se nekoliko radova ovog izuzetnog majstora, koji omogućavaju da se ocijeni razmjera njegovog talenta. Riječ je o platnima na alegorijske, evanđeoske i mitološke teme - “Marsijina kazna”, “Brak u Kani Galilejskoj”, “Muka sv. Lawrence." Najbolja od njih je, bez sumnje, kompozicija “Ljubav i poroci razoružavaju pravdu”.
Napuljska škola, obilježena originalnošću svog razvoja, na izložbi je predstavljena s nekoliko radova. Politički, Napuljsko vicekraljevstvo je bilo pod vlašću španske krune, što je ostavilo traga u razvoju umjetnosti. Slika Bernarda Cavallina „Izgon Heliodora iz hrama“, u kojoj su akademske tradicije prelomljene na jedinstven način, i dramska djela Andrea Vaccaroa („Marija i Marta“) i Domenica Gargiula („Prenos Kovčega zavjeta“ od kralja Davida u Jerusalim”) svjedoče o raznolikosti umjetničkih traganja unutar pojedinih škola.
Barokni stil dao je snažan poticaj procvatu pejzaža, mrtve prirode, žanrovsko slikarstvo u njihovoj jedinstvenoj nacionalnoj talijanskoj verziji.
Na prijelazu iz 17. u 18. stoljeće umjetnost je bila suočena sa zadatkom prevazilaženja akademizma, koji se pretvorio u skup apstraktnih formula. U Bolonji, ovom uporištu akademske tradicije, Giuseppe Maria Crespi, vješto koristeći igru chiaroscuro, na nov način rješava vjerske („Sveta porodica“) i mitološke teme („Nimfe razoružavaju kupidone“), ispunjavajući ih živim ljudskim osjećajem . Đenovljanin Alessandro Magnasco, koji je radio u Milanu, Firenci i Bolonji, na osnovu slikarske tradicije 17. vijeka, razvio je romantične sklonosti. Odlike groteske svojstvene su njegovim neobičnim kompozicijama, pisanim nervoznim, pokretnim potezima, sa scenama iz života monaha i lutajućih glumaca („Pejzaž s monasima“, „Objed redovnica“, „Učena svraka“). Čak je i životno-potvrđujuća mitološka tema „Bakhanalije” u majstorovoj interpretaciji ispunjena osjećajem duboke melanholije. Ovu sliku umjetnik je izveo u saradnji sa Clementeom Sperom, autorom arhitektonskih ruševina.
Period novog uspona javlja se u 18. veku, kada se na italijanskom tlu ustalio rokoko stil čije su odlike obojene radovima različitih žanrova – portret (Sagrestani „Portret čoveka”, Luiđi Krespi „Portret jednog Djevojka s korpom cvijeća”), prikazi scena Svakodnevni život(kopija Longhijevog "Susreta prokuratora sa suprugom"), slike prema scenama iz antičke istorije i mitologija (Crosato “Pronalazak Mojsija”, Pittoni “Smrt Sophonisba”, Sebastiano Ricci “Centurion prije Krista”). Poslednji svetli period u istoriji italijanske umetnosti vezuje se za Veneciju, koja je u 18. veku proizvela čitavu plejadu slikara. najviši nivo. Posebno mjesto među njima s pravom zauzima Giambattista Tiepolo, izvanredan slikar svog vremena, priznati majstor monumentalnog i dekorativnog slikarstva, koji je dobio brojne narudžbe iz evropskih zemalja. Njegov kist pripada oltarskoj kompoziciji „Madona s detetom i svecima“, kao i slobodno izvedenim skicama „Smrt Didona“ i „Dva sveca“.
U odeljku 18. veka od velikog su interesovanja dela rimskog slikara Paninija („Benedikt XIV posećuje fontanu di Trevi“), koji je u žanru pejzaža sa motivima ruševina bio prethodnik Francuza Huberta Roberta, pa je veoma cenjen u Rusiji.
U Veneciji, čija očaravajuća ljepota nikoga nije ostavila ravnodušnim, formirao se poseban pravac pejzažnog slikarstva - slika grada sa svojim palačama, kanalima, trgovima ispunjenim šarolikom slikovitom gomilom. Platna Canaletta, Bernarda Bellotta, Marieschija, koja pripadaju žanru arhitektonskih vedata, fasciniraju iluzornom preciznošću slike, dok kamerna djela Francesca Guardija, nazvana capriccio pejzaži, ne reprodukuju toliko stvarne poglede koliko nude gledaocu. određeni poetsku sliku gradova.
Gianantonio Gvardi, za razliku od svog mlađeg brata Francesca, stekao je slavu kao majstor kompozicija sa likovima na biblijske, mitološke i istorijske teme. Na izložbi je predstavljena njegova slika „Aleksandar Veliki kraj tijela perzijskog kralja Darija“, prepoznata kao pravo remek-djelo majstora. U doba karnevala i briljantnog procvata muzike, majstorski koristeći jezik teksture i boja, Guardi stvara nezaboravnu slikovnu simfoniju, prožetu živim pokretom ljudskog osjećaja. Na ovoj visokoj toni završava se period najvećeg procvata italijanske umetnosti, koji je započeo renesansom.
Prikaži cijeli tekst
Italijanski umetnik Michelangelo Merisi da Caravaggio proslavio čuveni chiaroscuro. Likovi na njegovim slikama kao da izranjaju iz mraka, uhvaćeni jarkim zracima svjetlosti. Ovu metodu usvojili su brojni sljedbenici nakon umjetnikove smrti.
Uzimanje Hrista u pritvor, 1602
Caravaggiova umjetnost imala je ogroman utjecaj na rad ne samo mnogih talijanskih, već i vodećih zapadnoevropskih majstora 17. stoljeća - Rubensa, Jordaensa, Georgesa de La Toura, Zurbarana, Velazqueza, Rembrandta. Karavadžisti su se pojavili u Španiji (Jose Ribera), Francuskoj (Trofime Bigot), Flandriji i Holandiji (Utrecht karavadžisti - Gerrit i Willem van Honthorst, Hendrik Terbruggen, Judith Leyster) i drugim evropskim zemljama, a da ne spominjemo samu Italiju (Orazio Gentileschi, njegov kćer Artemisia Gentileschi).
"Zakopavanje" (1603.)
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. septembar 1571, Milano - 18. jul 1610, Porto Ercole) - italijanski umetnik, reformator evropskog slikarstva 17. veka, začetnik realizma u slikarstvu, jedan od najvećih majstora baroka. Bio je jedan od prvih koji je koristio chiaroscuro stil slikanja - oštar kontrast svjetla i sjene. Niti jedan crtež ili skica umjetnik je odmah realizovao svoje složene kompozicije na platnu.
Milano 1571—1591
Sin arhitekte Ferma Merisija i njegove druge supruge Lucije Aratori, kćeri zemljoposjednika iz grada Karavađa kod Milana. Njegov otac je služio kao menadžer za markiza Francesca Sforca da Caravaggia. Godine 1576, tokom kuge, otac i djed su umrli, majka i djeca su se preselili u Caravaggio.
.jpg!Large.jpg)
David i Golijat 1599
Prvi pokrovitelji budućeg umjetnika bili su vojvoda i vojvotkinja od Colonne.
Godine 1584. u Milanu, Michelangelo Merisi dolazi u radionicu Peterzana, koji se smatrao Ticijanovim učenikom. U to vrijeme u umjetničkom svijetu Italije dominira manirizam, ali je u Milanu pozicija lombardskog realizma bila jaka.Prvi umetnikovi radovi, naslikani u Milanu, žanrovske scene a portreti nisu sačuvani do danas.
Već krajem 1580-ih, život vrele Merisija bio je zasjenjen skandalima, tučama i zatvorima koji će ga pratiti kroz cijeli život.
Godine 1589. umjetnik dolazi kući da proda svoju parcelu, očito da mu je potreban novac. Posljednji put u kuću dolazi nakon smrti majke 1590. godine. U jesen 1591. bio je primoran da pobegne iz Milana nakon svađe oko karte koja je završila ubistvom. Nakon što se prvo zaustavio u Veneciji, odlazi u Rim.
"Pozivanje apostola Mateja" (1600.)
Rim 1592–1594
U glavnom gradu, prema običaju talijanskih umjetnika tog vremena, dobio je nadimak vezan za mjesto rođenja, kao što je, na primjer, bio Veronese ili Correggio. Tako je Michelangelo Merisi postao Caravaggio.
Godine 1593. Caravaggio je ušao u radionicu Cesarija d'Arpina, koji je dao Caravaggia da slika cvijeće i lišće na freskama. U d’Arpinovom ateljeu upoznao je mecene i umjetnike, posebno Jana Brueghela Starijeg.
.jpg!PinterestLarge.jpg)
.jpg!PinterestLarge.jpg)
Karavađova rana dela napisana su pod uticajem Leonarda da Vinčija (u Milanu je upoznao Madonu od Škrpjela i Poslednju večeru), Đorđona, Ticijana, Đovanija Belinija i Mantenje.
Prva slika koja je do nas došla je “Dječak guli voće” (1593.).U d’Arpinovoj radionici, Caravaggio je upoznao Marija Minitija, koji je postao njegov učenik i model za niz slika, od kojih je prva bila “Mladić s korpom voća” (1593-1594)."Dječak s korpom voća", 1593-94, Galleria Borghese
Nakon tuče, Caravaggio završava u zatvoru Tor di Nona, gdje upoznaje Giordana Bruna.
Ubrzo prekida sa Cesarijem d'Arpinom, beskućnik Caravaggio je pozvao Antiveduto Grammatica k sebi.Godine 1593. razbolio se od rimske groznice (jedno od naziva malarije), i šest mjeseci je bio u bolnici na rubu života i smrti. Možda je pod dojmom bolesti stvorio sliku "Bolesni Bakhus" (1593) - svoj prvi autoportret.
"Bolesni Bahus" (detalj) (1593), Galleria Borghese
Prve slike sa više figura nastale su 1594. godine - to su "Šarpije" i "Proroka sudbine" (Kapitolski muzeji). Žorž de La Tur će kasnije napisati svoju „Gotaru“ sa identičnom kompozicijom.
"Rounders" (1594)
"Proroka sudbine" (1594.)
U jesen 1594. Caravaggio je počeo raditi za kardinala Francesca del Montea, preselivši se u njegovu Vilu Madama, gdje se susreo s Galileom, Campanella, Della Porta i pjesnicima Marinom i Milesijem.
Rim 1595–1599
Ovaj period njegovog života, koji je proveo u vili Madama, pokazao se vrlo plodonosnim za Caravaggia, osim toga, gotovo sve slike nastale u to vrijeme preživjele su do danas.
Na slici „Muzičari“ (1595.) Mario Minniti je prikazan u centru, a pored njega se umetnik postavio sa rogom."Muzičari" (1595). Karavađo je sebe naslikao sa rogom između dva muzičara
U slici Kupidona s grožđem neki istraživači vide erotski nagovještaj veze sa Minitijem. Minniti je prikazan i na slici „Dječak kojeg je ugrizao gušter“ (1596, London), prodatoj trgovcu umjetninama Valentinu.
"Dječak kojeg je ugrizao gušter"
1595. godine, uprkos preporukama Gentileschija, Grammar, Prospero Orsi, Caravaggio je odbijen upis na Akademiju Svetog Luke. Glavni protivnik Caravaggiovog prijema na Akademiju bio je njen predsjednik Federico Zuccaro. Smatrao je da su efekti Caravaggiovih slika posljedica ekstravagantne prirode, a uspjeh njegovih slika zahvaljuje se samo njihovoj "nijansi novosti", koju su bogati meceni veoma cijenili.
Caravaggio je 1596. godine stvorio prvu mrtvu prirodu u istoriji italijanskog slikarstva - „Košu s voćem“.
"Košara s voćem" (1596), Pinacoteca Ambrosiana, Milano
U “Lutnji” (1596, Ermitaž) ispostavilo se da je partitura lako čitljiva, to je madrigal Jacoba Arkadelta “Znaš da te volim”. Nije poznato kome je ova poruka upućena.
On slika slike kao što su:
"Bacchus" (1596.)
I također “Kurtizana Filida” (1597), “Portret Maffea Barberinija” (1598).
Godine 1597. kardinal del Monte dobio je nalog da oslika plafon svoje rezidencije. Tako je nastala Caravaggiova jedina freska “Jupiter, Neptun i Pluton”. 
Caravaggiove slike postaju popularne.
Caravaggiova prava slava došla je od njegovih slika biblijskih tema – „Odmori se u bijegu u Egipat“ (1597) bila je inovativna u izvođenju. „Glavna prednost slike je maestralno rekreirano svjetlo-vazdušno okruženje, stvarajući atmosferu poezije i mira, upotpunjeno skromnim pejzažom, naslikanim pod jasnim dojmom sjećanja na rodnu Lombardiju s trskom, šašom u blizini vodene površine. , srebrnaste topole na pozadini brežuljkastog grebena i večernjeg plavog neba.”"Odmori se na letu u Egipat" (1597.)
Napisao je i „Ecstasy of St. Franje" (1595), "Izakova žrtva" (1598).
.jpg)
Ekstaza svetog Franje, 1595
"Izakova žrtva"
Prvo ženska slika u Caravaggiovom djelu “Pokajnica Marija Magdalena” (1597.) pokazuje umjetnikovu sposobnost da pruži duboku i poetski značajnu interpretaciju slike. Slika je prodata bankaru i meceni Vincenzu Giustignaniju.
"Pokajnica Marija Magdalena"
Pratili su je
"Sveta Katarina Aleksandrijska" (1598.)
"Marta i Marija" (1598.)
“Judith Beheading Holofernes” (1598) pokazuje da Caravaggio u svom realizmu ne bježi od namjerno naturalističkih efekata
U “Jovanu Krstitelju” (1598) primjetan je Mikelanđelov uticaj:
Caravaggio je postao poznat. Napušta Vilu Madama i seli se u kuću bankara i kolekcionara Ciriaca Matteija, koji je kupio Gataru. Nakon svađe sa Caravaggiom, Mario Minniti se oženio i otišao na Siciliju.
Rim 1600-1606
Caravaggio se nekoliko mjeseci skrivao na imanju Colonna. Tamo je naslikao nekoliko slika, ali je njegov stil postao sumoran: “Sveti Franjo u meditaciji” (1606), “Večera u Emausu” (1606). Kristov lik podsjeća na Leonardovu fresku "Posljednja večera".
Caravaggio se preselio u Napulj, gdje je naslikao više od deset slika, iako nisu sve preživjele:
"Ekstaza Magdalene" (1606.)
.jpg)
"Hrist na stubu" (1607.)
.jpg)
"Salome s glavom Jovana Krstitelja" (1607.)
Po narudžbi crkve Pio Monte della Misericordia, sa velikom slikovitom energijom naslikao je Sedam djela milosrđa (1607), koja se i danas nalazi u ovoj crkvi.
Neočekivano, u julu 1607. Caravaggio se zaputio na Maltu - u La Vallettu.
.jpg)
„Sv. Jeronim" (1608.)
N dodijeljena mu za katedrala San Giovanni dei Cavalieri zadovoljio je Velikog majstora Malteškog reda Alofa de Vignacourta. Caravaggio slika portrete Alofa de Vignacourta, kasnije visoko cijenjenog od strane Delacroixa, i majstorovog kolege Antonija Martellija.
Caravaggio je 14. jula 1608. postao vitez Malteškog reda bez prava nošenja malteškog krsta, jer nije bio plemić.
