Aneks 1.
Analiza umjetničkog djela na osnovu algoritma:
Kako možete analizirati umjetnička djela?
kreativnost?
2. Pripadnost žanru: istorijski, domaći, bitka, portret,
pejzaž, mrtva priroda, enterijer.
3. Glavna sredstva za stvaranje umjetničke slike: boja, crtež,
chiaroscuro, tekstura, stil pisanja.
4. Značenje imena. Karakteristike radnje i kompozicije.
5. Pripadnost kulturnom i istorijskom dobu, umjetničkom stilu ili smjeru.
6. Kakvi su vaši lični utisci o slikama?
Dodatak 2
1 Grupa "Vatreni kistovi romantičara" (VODIČI) U istoriji svetskog slikarstva romantizam je bio vedro i briljantno doba.
Riječ "romantizam" seže u latinski romanus - rimski, odnosno nastao na temelju rimske kulture ili usko povezan s njom.
Svet ljudskih osećanja i iskustava. Romantično slikarstvo karakterizirala je "žeđ za stvaranjem na svaki mogući način". Slikarska sredstva su bila: svijetle zasićene boje, kontrastno osvjetljenje, emocionalni način.
Šta je osoba romantične generacije? Često postaje svjedok okrutnog krvoprolića i ratova, tragične sudbinečitave nacije. Čini herojska djela koja mogu inspirirati druge. Romantičari su bili privučeni istorijskih događaja, u kojoj su crtali zaplet za mnoga svoja djela.
1. Istaknuti predstavnik pravca romantizma u slikarstvu bio je španski umjetnik Francisco Goya (1746-1828). Savladao je sve žanrove slikarstva. Imao je slike na vjerske teme, dvorske portrete.
ODGOVOR: Bio je svjedok Napoleonovih ratova koji su opustošili i uništili Španiju. Godine 1808, kao odgovor na najokrutnije represije Napoleonove okupacije, u Madridu je izbio narodni ustanak. U ovim teške godine Francisco Goya je bio sa svojim narodom. Slika "Pogubljenje pobunjenika u noći 3. maja 1808", napisana 1814. godine i izložena u muzeju Prado u Madridu, bila je optužnica za zlo i nasilje umetnika. Jasno je osjetio prave razmjere nacionalne tragedije.
Slika prikazuje početak oslobodilačke borbe Španaca protiv francuskih okupatora, odnosno scenu pogubljenja španjolskih pobunjenika od strane okupatorskih francuskih trupa. Španske pobunjenike i francuske vojnike Goya opisuje kao dvije grupe koje se međusobno suprotstavljaju: nekoliko nenaoružanih madridskih zanatlija i niz vojnika sa podignutim puškama. Lica i poze Španaca Goja je sasvim jasno sročio (patriotizam, hrabrost, ljutnja, neustrašivost, itd.), dok su francuski vojnici ispisani tečno i kao da se spajaju u jednu bezličnu masu.
B. "Portret kraljevske porodice Karlosa VI"
S lijeva na desno: Don Karlos Stariji, budući kralj Ferdinand VII od Španije, sestra Carlosa IV Maria Josefa Carmela, nepoznata žena, Maria Isabella, supruga Carlosa IV Kraljica Maria Luisa od Parme, Francisco de Paula de Bourbon, kralj Carlos IV, njegov brat Antonio Pascual, Cartola Joaquina (vidi se samo dio glave), Luj I sa suprugom Marijom Luizom, njihov sin, Charles II, budući vojvoda od Parme, je u njihovim rukama. U pozadini, u senci, Goja je naslikao samog sebe. Čarobne, iskričave boje nisu u stanju da sakriju razmetljivost, glupost, moralno i mentalno siromaštvo likova.
2. Duboko interesovanje za unutrašnji svet čoveka pokazao je i savremenik velikog Španca, Teodor Žeriko. Gerikaultovo delo karakteriše ekstremna dramatika, intenzitet strasti, kontrast boja. Služeći u kraljevskim musketarima, Gericault je pisao uglavnom scene bitaka, ali nakon putovanja u Italiju 1817-1919. izveo je veliku i složenu sliku "Splav Meduze"
(Nalazi se u Louvreu, Pariz). Novina radnje, duboka drama kompozicije i istinitost života ovog majstorski napisanog djela nisu odmah cijenjeni, ali je ubrzo steklo priznanje i donijelo umjetniku slavu kao talentovanog i hrabrog inovatora.
Nije imao dugo da uživa u slavi: jedva je stigao da se vrati u Pariz iz Engleske, gdje je glavni predmet njegovih studija bilo proučavanje konja, sišao je u grob kao rezultat nesreće - pada s konja.
Radnja slike zasnovana je na stvarnom incidentu koji se dogodio 2. jula 1816. godine kod obale Senegala. Tada je u plićaku Argena, 40 milja od afričke obale, uništena fregata Meduza. 140 putnika i članova posade pokušalo je pobjeći ukrcavanjem na splav. Preživjelo ih je samo 15 i dvanaestog dana lutanja pokupio ih je Argus brig. Detalji putovanja preživjelih šokirali su moderno javno mnijenje, a sama olupina se pretvorila u skandal u francuskoj vladi zbog nekompetentnosti kapetana broda i nedovoljnih pokušaja spašavanja žrtava.
Osim slike "Splav Meduze", u Luvru se nalazi sedam bojnih slika i šest crteža ovog umjetnika. Njegove slike pune su zbunjenosti, tjeskobe.
3. Eugene Delacroix (1798-1863) pisao je na sličan način kao i Theodore Géricault.
SVEDOk bErIŠA – ODgOVOr: Odlikovala ga je pažnja prema orijentalnim temama. Jedna od njegovih najupečatljivijih kreacija je slika "Masakr na Hiosu", koja prikazuje epizode grčko-turskog rata. Tako su istoričari nazvali brutalni masakr 11. aprila 1822. godine od strane Turaka nad stanovnicima ostrva Hios jer su ostrvljani podržavali borce za nezavisnost Grčke. Od 155.000 stanovnika ostrva, samo oko
2000. Do 25.000 je poklano, ostali su porobljeni ili su bili u izbjeglištvu.
Velika francuska revolucija i agresivne kampanje Naoleona koje su je pratile, okrutne političke represije i egzekucije, beskrajne promjene vlada 1830. s posebnom su oštrinom postavile pitanje uloge naroda i pojedinca u historiji.
B. Delacroixa je karakterizirao politički patos. Godine 1830. umjetnik je završio sliku "Sloboda koja vodi narod". Delacroix je stvorio sliku zasnovanu na Julskoj revoluciji 1830. godine, koja je okončala restauratorski režim Burbonske monarhije. Nakon brojnih pripremnih skica, trebalo mu je samo tri mjeseca da dovrši sliku. U pismu bratu od 12. oktobra 1830. Delacroix piše: "Ako se nisam borio za otadžbinu, onda ću barem pisati za nju." Prvi put, "Sloboda koja vodi narod" bila je izložena u Pariskom salonu u maju 1831. godine, gde je slika sa oduševljenjem primljena i odmah kupljena od strane države. Zbog revolucionarnog zapleta, platno nije bilo izloženo javnosti oko 25 godina. Krvlju, patnjom i smrću, lijepa žena sa trobojnim transparentom u ruci vodi ljude do pobjede. Gola prsa simboliziraju posvećenost tadašnjih Francuza, koji su sa "golim grudima" išli na neprijatelja. U masi se vide naoružana sirotinja, stanovnici sirotinjskih četvrti, student i mali Gavroche sa pištoljima. Umjetnik je sebe prikazao kao čovjeka sa cilindrom lijevo od glavnog lika. Ponekad se slika pogrešno povezuje s događajima velike Francuske revolucije.
Savremenici su sliku nazivali „Marseljezom francuskog slikarstva“, a vlasti su Delacroa proglasile opasnim umjetnikom.
Dodatak 3
Grupa 2 "Za mušku umetnost je neophodno" (STRUČNJACI - NAUČNICI UMETNOSTI) Realizam je pravac u umetnosti drugog pravca polovina XIX veka. Koncept realizma je latinski realis- znači duboki odraz stvarnosti. Sredinom 19. stoljeća realizam je postao vodeći i najutjecajniji pravac u umjetnosti.
Koje je nove zadatke umjetnost sada postavila?
1. Izvanredan majstor litografije (vrsta grafike za štamparsku ploču za koju je kamena površina), francuski umjetnik Honore Daumier, kao osoba koja mrzi svako ugnjetavanje i nasilje, uvijek je odgovarao na goruća pitanja svog vremena, dajući im sopstvenu procenu. Karijeru je započeo kao karikaturista, praveći satirične crteže za časopis. Njegove litografije su odmah rasprodate, svima su bile poznate.
Čuvenu litografiju "Transnonen Street" savremenici su doživljavali kao protest protiv terora i krvoprolića koji su uslijedili nakon Julske revolucije (1834.). Istorijska osnova ovog rada bili su događaji iz aprila 1834. povezani sa raspršivanjem političkih demonstracija od strane vladinih trupa. Iz kuće broj 12 u ulici Transnonen, sa prozora prekrivenog roletnama, pucalo se na vojnike koji su rasterali demonstracije. Kao odgovor, vojnici su upali u kuću i pobili sve stanare. Daumier je želio da litografija izazove ne sažaljenje, već ljutnju. Tako su to doživljavali savremenici: „Ovo nije karikatura, nije karikatura, ovo je krvava stranica moderna istorija, stranica koju je stvorila živa ruka i diktirana plemenitim ogorčenjem.”
Daumier, karikaturista, bio je dobro poznat javnosti, ali malo njih je znalo da slika. Platna su se nakupila u umjetnikovom malom ateljeu. Posebno mjesto zauzimaju slike o Don Kihotu. Vitez bez straha i prijekora, lutajući u potrazi za dobrotom i pravdom, privukao je Daumiera snagom svog duha. Iza smiješnog izgleda i smiješnih postupaka izdvajaju se plemenitost, veličina i suosjećanje prema ljudima.
2. Gustave Courbet Francuski slikar, pejzažista, žanrovski slikar i portretista. Smatra se jednim od konzumatora romantizma i utemeljivačima realizma u slikarstvu. Jedan od najvećih umetnika Francuske tokom 19. veka, ključna figura francuskog realizma.
Rođen u Francuskoj, njegov ulazak u francusko slikarstvo bio je skandalozan. Neki su bijesno grdili njegov rad, nazivajući ih ružnim, drugi su mu, naprotiv, proricali veliku budućnost. U Parizu je 1855. otvorio izložbu "Paviljon realizma". Courbet je nastojao prikazati ljude onakvima kakvi jesu, ružnima i nepristojnim kakvim ih on vidi. Velika pažnja na okolinu, prirodu, društvene odnose i individualne karakteristike ljudski je odredio suštinu realističkog pravca u umjetnosti.
Na svojoj slici „Drobilice kamena“, stari radnik u grubo zakrpanoj odeći i popucanim drvenim cipelama, klečeći, lomi čekićem pripremljeno kamenje za gradnju. Mladić u dronjcima jedva drži tešku korpu u rukama. U novinama je umjetnik optužen za veličanje ružnog, ali dovoljno je pogledati sliku "The Winnowers" da bi se shvatilo s kakvim je poštovanjem Courbet slikao radne ljude.
3. "Seljački slikar" - tako nadimak Jean Millet - francuski umjetnik. Svijet francuskog sela postao je nepresušan izvor njegovog stvaralaštva. Već poznati umetnik nastavio je da se bavi seljačkim radom, dajući slobodno vrijeme slikanju.
Godine 1857. predstavljena je njegova slika "Skupljač ušiju". Beračima je bilo dozvoljeno da u zoru prođu kroz polja i pokupe klasove koje su kosačima promašili. Na ovom platnu umjetnik je prikazao njih trojicu pognutih nad zemljom u niskom naklonu - jedino tako uspijevaju da sakupe klasove preostale nakon žetve... U njima je Millet prikazao tri faze teškog pokret koji su žene morale stalno ponavljati iznova - savijati se, pokupiti klas sa zrnom i ponovo ispraviti. Mali grozdovi u njihovim rukama u kontrastu su sa bogatom žetvom koja se vidi u pozadini. Tu su stogovi, snopovi, vagon i gomila žetelaca zauzetih poslom.
Umjetnik je vrlo precizno mogao prenijeti teret rada seljaka, njihovo siromaštvo i poniznost. Međutim, djelo je izazvalo različite ocjene javnosti i kritike, što je primoralo Mileta da se privremeno okrene poetičnijim aspektima seljačkog života.
Dodatak 4
Grupa 3 “Salon odbačenih” (UMJETNIKA IMPRESIONISTA) Pariz, 1863., Palata industrije: Žiri čuvenog Salona umjetničke izložbe, koja se ovdje održava svake godine, odbacuje oko sedamdeset posto pristiglih radova... Car Napoleon I sam III je morao da interveniše u skandal. Pošto se upoznao sa odbijenim platnima, ljubazno je dozvolio da budu predstavljena u drugom delu Industrijske palate. Tako je 15. maja 1863. odmah otvorena izložba pod nazivom Salon jadnika.
Kraj 19. i početak 20. vijeka vrijeme je promjena. Naučno-tehnološki napredak i politički preokreti doveli su do ozbiljnih promjena u umjetnosti, odredili nove i originalne puteve razvoja. Umjetnost 19. stoljeća doživljava se kao odbacivanje starih umjetničkih tradicija, pokušaj kreativnog promišljanja klasičnog nasljeđa prošlosti. Postoje hrabre inovacije, eksperimenti, neograničeni bilo kakvim okvirima i konvencijama. Umjetnik je u svom radu postao oslobođen i slobodan. Vodio se vlastitim ukusom i sklonostima.
Impresionizam - francuska riječ impression se prevodi kao utisak.
Za razliku od romantičara i realista, impresionisti nisu nastojali da oslikaju istorijsku prošlost; njihova sfera interesovanja bila je sadašnjost.
Iznevši vlastite principe percepcije i prikaza okolnog svijeta, stvorili su novi slikovni jezik. Njima nije bila važna sama radnja, već njena čulna percepcija, utisak koji može ostaviti na gledaoca. Impresionisti su pokušali da prenesu "trenutke", trenutne senzacije na slici. Ove senzacije su uništile uobičajene forme i standardni obrazac. Njihov stav je bio čisto individualan.
1. Najistaknutiji predstavnik impresionizma i jedan od njegovih osnivača je Edouard Manet, njegova platna “Portret Emila Zole” su impresivna.
Jarka sunčeva svjetlost, veselo raspoloženje osobe - sredstvo izražajnosti umjetnika. Fokus je bio na slici Eduarda Maneta "Doručak na travi".
Koristeći i promišljajući radnje i motive slika starih majstora, Manet je nastojao da ih ispuni oštrim modernim zvukom, polemički unoseći sliku modernog čovjeka u poznate klasične kompozicije. Manetov put do slave pokazao se dugim i teškim, žiri Salona je uvijek odbijao njegove slike, a samo su se rijetki usudili braniti umjetnika. Među njima je bio i Emil Zola, koji je u novinama napisao: "Mjesto gospodina Manea u Luvru je već osigurano."
"Portret Emila Zole" - umjetnik prikazuje svog prijatelja u svojoj kancelariji za stolom prepunim papira i knjiga. Unutrašnjost svedoči o ukusima vlasnika: japanski ekran sa fantastičnim pejzažom, reprodukcija Manetove slike. U liku pisca može se nagađati jaka ličnost, bistra ličnost.
"Doručak na travi", koji je izazvao buru emocija, najoštrije kritike i jednoglasnu presudu da je ovaj "doručak" apsolutno "nejestiv". Publika je posebno ogorčena činjenicom da su se pristojno obučeni, obučeni muškarci s kravatama i štapovima okupili na šumskoj čistini, pored koje su blistala gola ženska tijela. Naziv slike poprima neko pikantno značenje, pogotovo zato što nije stvarno prikazano ništa jestivo. Lijevi ugao prednjeg plana ima blagu naznaku hrane, ali se jasno vidi da se na komadu tkanine, možda nečijoj haljini, nalazi poluprazna korpa sa nekoliko pečuraka, a na zelenom lišću u blizini vidljivo je nekoliko bobica. To je ceo doručak. Dva prilično mlada muškarca slobodno su prostrta na travi i o nečemu živo razgovaraju. Onaj desno, gestikulirajući, priča nešto zanimljivo, smiješno, jer se sagovornik slatko smiješi. Na licu žene koja sjedi pored njega blista postiđeni osmijeh. Ispod njega je izgužvana svetloplava tkanina, sama žena sedi u slobodnoj svetloj pozi, potpuno gola, ne premlada, malo preteška. Par koji sjedi jedno pored drugog ima istu boju kose, istih su godina, vjerovatno supružnici. Druga žena u laganoj, opuštenoj, beloj košulji vidi se malo dalje, ali čuje razgovor, vidi se po njoj da sluša i da se takođe smeje. Slika je puna svijetlog mira, toplog blaženstva.
Zola je platno jednostavno, istinito i oštroumno nazvao čvrstim mesom, modeliranim strujama svjetlosti.
2. Međutim, impresionisti su se zaista proslavili 1874. zajedničkom izložbom. Cijela režija je dobila ime po slici Claudea Moneta „Impresija. Izlazak sunca" (na kraju krajeva, na francuskom "utisak" je "utisak".).
Termin "impresionizam" proizašao je iz lake ruke kritičara časopisa "Le Charivari" Louisa Leroya, koji je svoj feljton o Salonu jadnika naslovio "Izložba impresionista", uzevši za osnovu naziv ove slike. autor Claude Monet.
Prefinjeni pejzažni slikar, zaljubljen u predgrađe Pariza, Monet je bio strastveno fasciniran vodenim elementom.
Claude Monet je uveo praksu stvaranja serije slika u različitim osvjetljenjima, na primjer, katedrala u Ruanu. Dvije godine je putovao u Rouen, gledajući igru svjetla. Monet je naslikao više od 20 pogleda na katedralu u različito doba dana: na zracima jutarnjeg sunca, u blistavo podne, u večernjem sumraku. U javnosti se počelo govoriti o monotonosti njegovih slika.
3. Camille Pissarro je počeo pisati bilo koju svoju sliku s neba, vjerujući da joj nebo daje dubinu i komunicira pokret. Evo šta je Pisarro rekao o stvaranju svojih slika. „Vidim samo mrlje. Kada počnem da slikam, prvo što uradim je da postavim odnos. Između ovog neba, zemlje i vode sigurno postoje poznate veze, a ti odnosi ne mogu biti drugačije nego harmonični. Ovo je glavna poteškoća slikanja. Sve manje me zanima materijalna strana slikarstva (odnosno linije). Najvažnije je sve i najsitnije detalje svesti na sklad cjeline, odnosno na dosljednost. Platno "Bulevar Monmartr u Parizu" vodi nas do prometnog autoputa. Mnogo vagona se kreće u različitim pravcima, prolaznici užurbano žure. Sve je obavijeno providnom - jorgovanom izmaglicom. Umjetnik piše brzim potezom, jedva dodirujući platno kistom.
Ali iz ovih tačaka i poteza nastaje slika sunčanog prolećnog dana, živahna i uzavrela.
4. Auguste Renoir se naziva čarobnjakom svijeta. Refleksije svjetlosti oživljavaju sliku, pokreću je. Radove odlikuje živa pokretna kompozicija. Renoir je napisao: „Volim slike koje u meni budi želju da ušetam u njihove dubine, ako je pejzaž, ili ga dodirnem rukom, ako je slika žene...“. Renoir najčešće piše o ženama i djeci, smatrajući ih najsavršenijim tvorevinama prirode. Ne privlače ga hladne sekularne ljepotice, već vesele i živahne "prave" Francuskinje. Ali za portret "Djevojka s lepezom" stvorena je potpuno drugačija slika. Mlada, duhovita devojka. Lice je ispisano nežnim tonovima, gusta crna kosa je odlivena lila i ljubičaste boje. Crvenkasti odsjaji stolice odražavaju se na bijelom platnu lepeze.
5. Ogromne mogućnosti u upotrebi boje otvorila je pastelna tehnika (fr.
pastel - slikanje olovkama u boji i šarenim puderom. Edgar Degas je posebno volio raditi u njemu. Tekstura pastela je baršunasta, u stanju je da prenese vibraciju boje koja kao da sija iznutra. U "Plavim plesačicama"
pastelna tehnika je korišćena za poboljšanje dekorativnog efekta i laganog zvuka kompozicije. Snob jarke svjetlosti koja preplavljuje sliku pomaže u stvaranju posebne praznične atmosfere baletnog plesa, čini se da svjetlost ovdje potpuno zamjenjuje crtež, organizira, dovodi do jednog značenja složene simfonije boja. U jarko plavim tutuima, sa cvećem u kosi, plesačice izgledaju kao divne vile koje učestvuju u magičnoj ekstravaganci.
Slika je pohranjena u Državnom muzeju likovnih umjetnosti Puškina u Moskvi, koju je dobila 1948. Državni muzej nova zapadna umjetnost; do 1918. nalazila se u kolekciji Sergeja Ivanoviča Ščukina u Moskvi, a nakon slikanja slika je čuvana u kolekciji Durand-Ruel u Parizu.
Dodatak 5
Grupa 4 "U potrazi za svojim putem" (POSETIOCI IZLOŽBE) Krajem 19. veka, glasno su se izjasnili umetnici Pol Sezan i Vinsent van Gog. Ujedinili su se u grupu koja je dala ime novom umjetničkom pravcu postimpresionizma. Postimpresionizam (fr. postimpressionisme) je pravac u likovnoj umjetnosti. Nastao je 80-ih godina 19. vijeka. Umjetnici ovog trenda nisu se pridržavali samo vizualnih dojmova, već su nastojali slobodno i općenito prenijeti materijalnost svijeta, pribjegavali su dekorativnoj stilizaciji. Početak postimpresionizma pada na krizu impresionizma u kasno XIX veka.
1. Neumorna potraga za novim kompozicionim rješenjem za slike, načinima prenošenja boje i svjetlosti karakteristični su za rad Paula Cezannea.
Mrtve prirode je slikao voćem, najmanje ga je brinula njihova sličnost sa originalom. Neobična u Cezanneovom radu bila je upotreba boje, umjetnik je vjerovao da hladne boje (plava i zelena) imaju svojstvo da se kreću u dubinu slike, pa je slika postala obimna.
2. Vincent van Gogh je svjetski poznati holandski postimpresionistički slikar. Od prve izložbe slika kasnih 1880-ih, Van Goghova slava je stalno rasla među kolegama, povjesničarima umjetnosti, trgovcima i kolekcionarima. Nakon njegove smrti organizovane su memorijalne izložbe u Briselu, Parizu, Hagu i Antverpenu.
Suncokreti je naziv dva ciklusa slika holandskog umjetnika Vincenta van Gogha. Prva serija nastala je u Parizu 1887. Posvećen je ležećem cveću. Druga serija je završena godinu dana kasnije, u Arlu. Ona prikazuje buket suncokreta u vazi. Dvije pariške slike nabavio je Van Goghov prijatelj Paul Gauguin.
"Irise" - naslikao ih je umjetnik u vrijeme dok je živio u bolnici Sv. Pavla od Mauzoleja u blizini Saint-Remy-de-Provencea, godinu dana prije smrti 1890. godine. Na slici nema velike napetosti, što se očituje u njegovim kasnijim radovima. Sliku je nazvao "gromovodom za moju bolest" jer je smatrao da svoju bolest može držati pod kontrolom nastavljajući da slika.
Tokom posljednja dva mjeseca svog života - od maja do jula 1890. - Van Gog je živio u Auvers-sur-Oise u blizini Pariza, gdje je između ostalog naslikao nekoliko slika sa cvijećem. "Pink Roses" je jedna od najboljih slika u ovoj seriji. Karakteristično je za kasno stvaralaštvo umjetnik. Za razliku od jarkih narandžastih i žutih koje je koristio u Arlu (na primjer, u ciklusu Suncokreti), ovdje Van Gogh koristi mekšu i melanholičniju kombinaciju boja, što govori o plodnijoj i vlažnijoj sjevernoj klimi. Ova slika je također tipična za posljednji period rada Vincenta Van Gogha po tome što u njoj praktično nema gravitacije (na prvi pogled izgleda da se slika može preokrenuti, ali efekat se neće promijeniti) i prostornosti (cvijeće izgleda biti potisnut iz ravni slike u prostor u kojem se nalazi posmatrač). Van Gog je bio u stanju da posmatraču prenese osećaj neposredne blizine ruža. Gotovo nevidljiva posuda ispod cvijeća ukazuje na to gdje se slika nalazi na dnu, a tek neznatna promjena oblika poteza i neznatna promjena nijansi zelene nagoveštavaju dubinu. Oštre tamnoplave konture listova i stabljika ruža, kao i vibrirajuće i uvijajuće linije, primjer su utjecaja japanskog duboreza na umjetnika. Iako ove tehnike podsjećaju na stil Paula Gauguina i Emilea Bernarda, Van Gogh ih koristi na svoj neopisiv način.
Sliku "Crveni vinogradi u Arlu" naslikao je Van Gog 1888. godine.
Živeći na jugu Francuske, umjetnik je crpio beskrajnu inspiraciju iz urbanih i ruralnih pogleda, jarkih boja prirode, sunčeve svjetlosti. Ovaj period je najproduktivniji u radu Van Gogha.
U Arlesu ga je posjetio Gauguin, a jednog dana, vraćajući se kući s periferije grada, umjetnici su svjedočili neobičnoj slici:
zalazeće sunce obasjavalo je vinograd svojim zracima, bojeći lišće u grimiznu boju, a ljude i zemlju u nijansama lila pepela. Ubrzo nakon toga, Van Gog je počeo da radi na slici koja prikazuje berbu grožđa u blizini Montmajura. Umjetnik je prikazao ne samo pejzaž, već neku vrstu parabole, gdje sve ima simboličko značenje. Usijano ogromno sunce na žutom nebu baca zelene i narandžaste odsjaje. Čini se da se sve na zemlji topi pod njom.
Listovi grožđa postaju crveni sjaj, a tlo ispod njih poprima ljubičastu nijansu. Desna strana slike je dodijeljena vodi, odražavajući žuto vatreno nebo.
Ljudi koji beru grožđe su simbol života. Van Gog je njihov svakodnevni rad shvatio kao nešto što omogućava osobi da postane sastavni dio svemira.
Slika je bila jedno od rijetkih djela prodatih za vrijeme Van Goghovog života. Sada se nalazi u Muzeju Puškina u Moskvi.
Dodatak 6
Muzika u 19. veku.
Kompozitori prve polovine 19. veka bili su F. List, F. Šopen, F. Šubert, R. Šuman. Kompozitore ove škole odlikovala je sklonost maloj formi. Njihova muzika je lirska i melodična i bila je pretežno kamerna muzika.
Istovremeno, italijanska opera doživljava svoj procvat. Njegovi najsjajniji predstavnici su G. Rossini, V Bellini, G. Donizetti, G. Verdi. U italijanskoj operi suprotstavljena su dva pravca: jedan je gravitirao tradicionalnoj buff operi (tj.
komedije), drugi je označavao trend formiranja nacionalne opere.
Predstavnik potonjeg bio je G. Verdi (1813-1901). Autor je opera "Regoleto", "Travijata", "Otelo", "Makbet", "Aida", "Falstaf", "Travator" i drugih. Arije iz njegovih opera postale su narodne pjesme i državne himne koje pozivaju Talijane na borbu za nezavisnost.
Ozbiljnu reformu opere poduzeli su J. Bizet i R. Wagner. Bize, autor jedne od najpopularnijih opera - "Karmen", bio je pristalica izuzetno realistične radnje i melodije koja je iskreno izražavala osećanja čoveka. R. Wagner je uništio uobičajenu strukturu opere, unoseći u nju elemente dramskog izvođenja i simfonijskog koncerta. U njegovim operama bilo je mnogo simfonijskih koncerata. U njegovim operama bilo je mnogo simfonijskih umetaka i recitativa.
„Reformu simfonijske muzike sproveo je francuski kompozitor C. Debisi. Debisi je zapravo napustio melodije poznate simfonijskoj muzici. Pokušavao je da pokaže osećanja, uništavajući ustaljene muzičke forme.
Franz Schubert - austrijski kompozitor, jedan od začetnika romantizma u muzici, autor oko 600 pjesama, devet simfonija, kao i veliki broj kamerna i solo klavirska muzika. (slušajući fragment snimka "Šumskog kralja") Frederic Chopin je autor brojnih djela za klavir.
Najveći predstavnik poljske muzičke umjetnosti. Mnoge je žanrove interpretirao na nov način: oživio je preludij na romantičnoj osnovi, stvorio klavirsku baladu, poetizirao i dramatizirao plesove - mazurku, polonezu, valcer; pretvorio scherzo u samostalno djelo.
Giuseppe Verdi - Veliki italijanski kompozitor, čije je djelo jedno od najvećih dostignuća svjetske operske umjetnosti i vrhunac razvoja italijanske opere u 19. vijeku. Kompozitor je stvorio više od 26 opera i jedan rekvijem. Najbolje opere kompozitora: Un ballo in maschera, Rigoletto, Il trovatore, La traviata. Vrhunac kreativnosti su najnovije opere: "Aida", "Otelo".
Georges Bizet - francuski kompozitor iz perioda romantizma, autor orkestarskih djela, romansi, klavirske komade, kao i opere, od kojih je najpoznatija bila Karmen.
Claude Debussy - nije bio samo jedan od najznačajnijih Francuski kompozitori, ali i jedna od najznačajnijih ličnosti u muzici na prijelaz iz XIX i XX vijeka; njegova muzika predstavlja prelazni oblik od kasnoromantičarske muzike ka modernizmu u muzici 20. veka.
Ovaj plan će biti potreban tokom cijele godine, uključujući i radionice u muzeju.
1. Uvod
2. Opis i analiza rada
U svakom od poddijelova provodi se odnos između formalnog uređaja i slike.. Kada poređenja opis i analiza se odvijaju uzastopno (drugi rad se poredi sa prvim) ili paralelno.
- veličina
- format (vertikalno i horizontalno izduženi, kvadratni, ovalni, okrugli, omjer stranica)
- geometrijski uzorci
- glavne kompozicijske linije
- ravnoteža, odnos delova slike međusobno i sa celinom,
- sekvenca gledanja
- Perspektiva, tačke nestajanja
- ravnost i dubina
- prostorni planovi
- udaljenost između posmatrača i djela, mjesto gledatelja u prostoru slike ili izvan njega
- gledište i prisustvo uglova, linija horizonta
- zapremine i ravni
- linija, silueta
- izvori svjetlosti, doba dana, svjetlosni efekti
- emocionalni uticaj svetlosti i senke
- prevladavanje tonske ili lokalne boje
- toplim ili hladnim bojama
- linearnost ili slikovitost
- glavne mrlje boja, njihovi odnosi i njihova uloga u kompoziciji
- ton, Valery
- refleksi
- emocionalni uticaj boje
- priroda poteza (otvorena tekstura, glatka tekstura)
- orijentacija razmaza
- veličina razmaza
- zastakljivanje
3. Zaključak
Ponavljajući ključne nalaze u vezi slika, smisao dela.
Prije nego što se upustimo u praktičnu analizu, potrebno je dati jednu bitnu napomenu: ne treba tražiti nešto na slici čega nema na njoj, odnosno ni u kom slučaju ne treba sebi postavljati cilj da živo djelo prilagodi određenoj shemi. . Razgovarajući o formama i sredstvima kompozicije, nabrajali smo moguće poteze i opcije umjetnikovog djelovanja, ali uopće nismo insistirali da se svi oni svakako moraju koristiti na slici. Analiza koju nudimo jednostavno aktivnije otkriva neke od karakteristika djela i, ako je moguće, objašnjava kompozicionu namjeru umjetnika.
Kako podijeliti jedan organizam na dijelove? Možete koristiti tradicionalni skup radnji: nacrtati dijagonalne osi da odredite geometrijski centar slike, istaknite svijetla i tamna mjesta, hladne i tople tonove, odredite semantičko središte kompozicije, označite kompozicione osi, ako je potrebno, itd. lakše je uspostaviti formalnu strukturu slike.
2.1. ANALIZA KOMPOZICIJE MRTVE PRIRODE
Da bismo šire pokrili različite tehnike građenja mrtve prirode, razmotrimo klasičnu mrtvu prirodu iz sedamnaestog stoljeća, zatim mrtve prirode Sezannea i Maškova.
2.1.1. V. Kheda. Doručak sa pitom od kupina. 1631
Nakon crtanja prve dijagonale, napominjemo da je kompozicija mrtve prirode napravljena na ivici faula, ali se umjetnik briljantno nosio sa zadatkom balansiranja uvodeći postupno posvjetljivanje pozadine lijevo prema gore. Razmatrajući odvojeno svijetle i tamne generalizirane mrlje, uvjeravamo se u svijetlo-tonalni integritet kompozicije, te vidimo kako bijela tkanina i osvijetljena površina osnove ležeće vaze drže glavne akcente i stvaraju uslove za ritmički raspored. tamnih mrlja. Velika svijetla tačka, takoreći, postepeno se raspada u male bljeskove svjetlosti. Raspored tamnih mrlja izgrađen je prema istoj shemi.
Toplina i hladnoća mrtve prirode u uslovima gotovo jednobojne slike veoma je suptilno i delikatno izražena do detalja i podeljena na velike mase levo i desno. Da bi sačuvao integritet boje, Kheda uvodi hladne nijanse predmeta na lijevu, "toplu" stranu slike i, shodno tome, tople tonove na desnoj, "hladnoj" strani.
Veličanstvenost ove mrtve prirode, koja je ukras Drezdenske galerije, nije samo u apsolutnoj materijalnosti predmeta, već i u pažljivo promišljenoj kompoziciji slike.
2.1.2. P. Cezanne. Breskve i kruške. Krajem 1880-ih.
U ovoj mrtvoj prirodi mogu se pratiti dva uzastopna centra: prvo, ovo je bijeli ručnik na koji se stavlja voće i posuđe, i drugo, breskve na tanjiru u sredini slike. Tako se stvara ritmički trosmjerni pristup pogleda fokusu slike: od opće pozadine do ručnika, pa do breskvi u tanjuru, pa do obližnjih krušaka.
U poređenju sa Hedinom mrtvom prirodom, Sezanovo delo ima šire sema boja, dakle, toplo-hladnoća mrtve prirode je razlivena po celoj površini slike i teško je razdvojiti lokalne nizove toplih i hladnih boja. Posebno mjesto u mrtvoj prirodi zauzima koso široka tamna traka u pozadini. Svojevrsni je anti-dominant kompozicije i istovremeno naglašava bjelinu tkanine u svjetlima i čistoću boja u sjenama. Cijela struktura slike je gruba i ima namjerno očigledne tragove kista - to naglašava umjetnost, otkrivanje samog procesa stvaranja slike. Estetika kompozicija Cezannea, koji je kasnije došao do kubizma, leži u konstruktivnom izlaganju snažnog okvira kolorističkog oblikovanja forme.
2.1.3. I. Mashkov. Moskva snijeg. 1924
Kompozicija mrtve prirode teži da bude simetrična. Punoća cjelokupnog prostora slike u značenju ne izlazi iz okvira, kompozicija čvrsto sjedi unutra, manifestirajući se ili u krugu ili u kvadratu (raspored hljebova). Obilje hrane, takoreći, prodire granice slike, au isto vrijeme kruh ostavlja bijelu vazu kao vođu boje, grupirajući se oko nje. Gusta zasićena boja, gusta materijalnost hljebova, naglašena precizno pronađenom teksturom peciva, kombinuju objekte u harmonično grupiranu vruću integralnu tačku, ostavljajući pozadinu nešto hladnijom. Bijela mrlja vaze ne izbija iz ravnine, nije dovoljno velika da postane semantičko središte, ali dovoljno aktivna da čvrsto drži kompoziciju.
Na slici su dvije tamne duguljaste mrlje, smještene okomito jedna na drugu: ovo je komad viseće tkanine na zidu i površini stola. Kombinirajući se u bojama, oni zadržavaju "rasipanje" objekata. Isti sputavajući, ujedinjujući efekat stvaraju dvije horizontalne trake bočne stijenke police i radne ploče.
Ako uporedimo mrtve prirode Cezannea i Mashkova, onda se čini da se, koristeći koloristička dostignuća velikog Cezannea, Ilya Mashkov okreće i veličanstvenoj koloristici "jednobojnog" Khede. Naravno, ovo je samo utisak; tako veliki umjetnik kao što je Maškov potpuno je samostalan, njegova su dostignuća prirodno izrasla iz njegove umjetničke prirode.
2.2. PEJZAŽNA KOMPOZICIJA
U pejzažu postoji jedno tradicionalno pravilo: nebo i pejzaž moraju biti nejednaki u kompozicijskoj masi. Ako umjetnik za cilj postavi da prikaže prostor, bezgranični prostor, on najveći dio slike poklanja nebu i njemu posvećuje glavnu pažnju. Ako je umjetniku glavni zadatak prenijeti detalje krajolika, onda se granica krajolika i neba na slici obično nalazi mnogo više od optičkog centra kompozicije. Ako se obrub postavi u sredinu, onda se slika raspada na dva dijela, jednako tražeći prevlast - narušit će se princip podređenosti sekundarnog glavnom. Ova opšta napomena je dobro ilustrovana radom P. Brueghela.
2.2.1. Pieter Brueghel stariji. Pad Ikara. Oko 1560
Kompozicija krajolika je složena i ujedno vrlo prirodna, na prvi pogled je donekle svedena u detalje, ali je pomnijom analizom vrlo čvrsto skrojena. Paradoksalnost Pietera Brueghela očitovala se u pomicanju semantičkog centra slike (Ikar) na periferiju, a sekundarnog lika (orača) u kompoziciono središte. Čini se da je ritam tamnih tonova nasumičan: šikari lijevo, glava orača, drveće na rubu vode, trup broda. Međutim, upravo taj ritam ne dozvoljava oku gledatelja da napusti sliku uz tamnu dijagonalnu traku uz tamni rub visokog dijela obale. Drugi ritam grade topli tonovi svijetlih dijelova platna, kao i jasna podjela pejzažnog prostora na tri ravni: obala, more, nebo.
Uz mnoštvo detalja, kompozicija je zadržana klasičnom tehnikom - akcentom boje koji stvara oračeva crvena košulja. Bez ulaska u detaljan opis detalja slike, ne može se ne diviti genijalnoj jednostavnosti izražavanja dubokog značenja djela: svijet nije primijetio pad Ikara.
2.2.2. Francesco Guardi. Isola di San Giorgio u Veneciji. 1770-ih.
Što se tiče boja, ovo je jedna od najveličanstvenijih slika u čitavoj istoriji slikarstva, ali slikovno savršenstvo ne bi bilo postignuto bez lijepo građene kompozicije koja zadovoljava sve klasične kanone. Apsolutna ravnoteža sa asimetrijom, epska veličanstvenost sa dinamičnim ritmom, tačno pronađeni odnos masa boja, magična hladnoća vazduha i mora - delo je velikog majstora.
Analiza pokazuje da je ritam u kompoziciji izgrađen i vertikalno i horizontalno i dijagonalno. Vertikalni ritam čine tornjevi, stupovi, podjela zidova palate u liniji sa jarbolima čamaca. Horizontalni ritam određen je rasporedom čamaca duž dvije zamišljene horizontalne linije, podnožja palače, linija krovova na spoju sa zidovima. Vrlo je zanimljiv dijagonalni ritam vrhova kula, kupole, kipova iznad trijema, perspektiva desnog zida, čamaca na desnoj strani slike. Za balansiranje kompozicije uveden je alternativni dijagonalni ritam od lijevog čamca do središnje kupole palače, kao i od najbliže gondole do vrhova jarbola na desnoj strani.
Vruća boja zidova palače i zlato sunčevih zraka na fasadama okrenutim prema gledaocu skladno i snažno izdvajaju zgradu na pozadini opće bogate boje mora i neba. Ne postoji granica između mora i neba - to daje prozračnost cijelom krajoliku. Odraz palače u mirnim vodama zaljeva je generaliziran i potpuno lišen detalja, što omogućava da se figure veslača i mornara ne izgube.
2.2.3. G. Nissky. Moskva region. Februar. 1957
Nyssky je stvarao svoja djela kao čiste kompozicije, nije ih pisao direktno iz prirode, nije napravio puno preliminarnih skica. Pamtio je pejzaže, upijao najkarakterističnije crte i detalje u svoj um, vršio mentalnu selekciju i prije početka rada za štafelajem.
Primjer tako rafinirane kompozicije je "Podmoskovye". Lokalitet koloritnih masa, jasna razdvojenost dugih hladnih senki i ružičaste bjeline snijega, strogo prilagođene siluete jelki u sredini i daleke šume, teretni voz koji juri na skretanju, kao betonski autoput povučen uz lenjir - sve to stvara osjećaj modernosti, iza ovoga se vidi industrijsko doba, iako lirizam zimskog pejzaža sa čistim snijegom, jutarnjom tišinom, visokim nebom ne dozvoljava da sliku pripišemo djelu na produkcijsku temu:
Posebno treba istaći odnose boja u pozadini. Rastojanja su po pravilu ispisana hladnijim tonom od prednjeg plana, dok je u Niškom udaljena šuma dizajnirana toplim bojama. Čini se da je ovom bojom teško pomaknuti objekt u dubinu slike, ali ako obratite pažnju na ružičasto-narandžastu boju neba, tada je umjetnik morao slomiti opšte pravilo gradeći prostor tako da šuma ne stoji oštro u odnosu na nebo, već je tonski spojena s njim. Majstor je u prvi plan stavio figuru skijaša obučenog u crveni džemper. Ova svijetla tačka s vrlo malom površinom aktivno drži kompoziciju i daje joj prostornu dubinu. Podjela horizontalnih masa koje konvergiraju lijevom dijelu slike, poređenje sa vertikalama jele daje djelu kompozicionu dramatiku.
2.3. KOMPOZICIJA PORTRETA
Umjetnici tumače portret kao djelo na različite načine. Neki obraćaju pažnju samo na osobu, ne unoseći nikakve detalje okoline, pišu na neutralnoj pozadini, drugi uvode pratnju u portret, tumačeći ga kao sliku. Kompozicija je u drugoj interpretaciji, po pravilu, složenija, koristi mnoga od ranije spomenutih formalnih sredstava i tehnika, ali čak i na jednostavnoj slici na neutralnoj pozadini kompozicioni zadaci su od presudne važnosti.
Anguisola Sofonisba. auto portret
2.3.1. Tintoregto. Muški portret. 1548
Umjetnik svu pažnju posvećuje prenošenju žive ekspresivnosti lica. Zapravo, osim glave, na portretu ništa nije prikazano, odjeća i pozadina se toliko malo razlikuju u boji da je osvijetljeno lice jedina svijetla tačka na djelu. U ovoj situaciji, skala i balans kompozicije su od posebne važnosti. Umjetnik je pažljivo mjerio dimenzije okvira sa obrisom slike, klasičnom preciznošću odredio mjesto lica i, u okviru cjelovitosti boje, vrelim bojama izvajao polutonove i sjene. Kompozicija je jednostavna i savršena.
2.3.2. Raphael. Portret mladića (Pietro Bembo). Oko 1505
U tradiciji visoke renesanse, portreti su nastali na pozadini italijanskog pejzaža. To je u pozadini, a ne u okruženju prirode. Određena konvencija osvjetljenja, očuvanje skale figure u odnosu na okvir, razrađena na portretima bez pratnje, omogućila je majstoru da portretiranu osobu prikaže vrlo izbliza, u svim karakterističnim detaljima. Ovo je Rafaelov portret mladića.
Prsni lik mladića je kompoziciono izgrađen u ritmu nekoliko parova boja: prvo, to je crvena kapa i vidljivi dio crvene košulje; drugo, na desnoj i lijevoj strani, par tamnih mrlja formiranih od raspuštene kose i ogrtača; treće, to su ruke i dva ulomka lijevog rukava; četvrto, to je traka bijele čipkaste kragne i traka presavijenog papira desna ruka. Lice i vrat, čineći zajedničku toplu tačku, formalni su i semantički fokus kompozicije. Pejzaž iza mladićevih leđa osmišljen je u hladnijim bojama i čini prekrasan raspon u kontekstu cjelokupnog kolorita. Pejzaž ne sadrži svakodnevne detalje, pust je i miran, što naglašava epsku prirodu djela.
Postoji jedan detalj na portretu koji je vekovima postao misterija za umetnike: ako pedantan crtač prati liniju ramena i vrata do glave (desno), onda se ispostavlja da je vrat, profesionalno rečeno, da je potpuno nevezano za masu glave. Tako izvrstan poznavalac anatomije kao što je Raphael nije mogao napraviti tako elementarnu grešku. Salvador Dali ima sliku koju je nazvao "Autoportret sa rafaelovskim vratom". Zaista, u obliku vrata Raphaelovog portreta postoji neka neobjašnjiva plastična privlačnost.
2.3.3. K. Korovin. Portret F.I. Chaliapin. 1911
Mnogo toga u ovom djelu je neobično za gledatelja koji se zalaže za klasično slikarstvo. Sam format je već neobičan, kompoziciono ponavljanje lika pjevača, obris stola i kapaka je neuobičajen, a na kraju je neobično slikovito modeliranje oblika bez strogog uzorka.
Ritam kolornih masa od donjeg desnog ugla (vrući ton zida i poda) do gornjeg lijevog ugla (zelenilo ispred prozora) ide u tri koraka, prelazeći na hladnu stranu. Da bi se uravnotežila kompozicija i očuvao integritet boje, bljeskovi toplih tonova se uvode u hladnu zonu, odnosno hladne u toplu zonu.
Umjetnik detaljno koristi drugi ritam boja: vrući akcenti bljeskaju po cijeloj površini slike (cipele - kaiš - staklo - ruke).
Razmjera figure u odnosu na okvir omogućuje da se pratnja smatra ne pozadinom, već punopravnim junakom slike. Osjećaj zraka, u kojem se rastvaraju granice objekata, svjetlost i refleksije stvaraju iluziju slobodne improvizacije bez namjerne kompozicije, ali portret ima sve znakove formalno kompetentne kompozicije. Gospodar je gospodar.
2.4. SASTAV PREDMETNE SLIKE 2.4.1. Raphael. Sikstinska Madona. 1513
Ova slika, možda najpoznatija na svetu, po popularnosti joj konkuriše samo „La Đokonda“ Leonarda da Vinčija. Slika Majke Božje, svijetla i čista, ljepota produhovljenih lica, pristupačnost i jednostavnost ideje djela skladno se stapaju sa jasnom kompozicijom slike.
Umjetnik je koristio aksijalnu simetriju kao kompoziciono sredstvo, pokazujući na taj način izvorno savršenstvo i uravnoteženu smirenost kršćanske duše, vjerujući u konačnu pobjedu dobra. Simetrija kao sredstvo kompozicije naglašena je doslovno u svemu: u rasporedu figura i zavjesa, u okretu lica, u ravnoteži masa samih figura u odnosu na vertikalne osi, u prozivci toplih tonova.
Uzmimo centralnu figuru. Beba u naručju Madone kompoziciono otežava lijevu stranu, ali Raphael balansira figuru s precizno proračunatom siluetom ogrtača. Figura djevojčice s desne strane je nešto manja po masi od figure Sixtusa s lijeve strane, ali je zasićenje boje desne figure aktivnije. Sa stanovišta simetrije masa, možete pogledati lokaciju lica Madone i bebe Krista, a zatim i lokaciju lica anđela na dnu slike. Ova dva para lica su u antifazi.
Ako povežete slike lica svih glavnih figura na slici linijama, formira se pravilan romb. Noseća noga Madone je na osi simetrije slike. Takva kompoziciona shema čini Rafaelov rad apsolutno uravnoteženim, a raspored figura i objekata duž ovala oko optičkog centra čuva cjelovitost kompozicije čak i uz izvjesnu razjedinjenost njenih dijelova.
2.4.2. A.E. Arkhipov. Uz rijeku Oku. 1890
Kompozicija, otvorena, dinamična čak i sa statičnim figurama, izgrađena je duž obrnute dijagonale: s desna na gore nalijevo. Dio barke izlazi prema gledaocu, ispod donjeg dijela slike - to stvara osjećaj našeg prisustva direktno među onima koji sjede na barkadu. Kako bi prenio sunčevu svjetlost i vedar ljetni dan, umjetnik kao sredstvo kompozicije koristi kontrast između opće svjetlosne boje i akcenta sjene na figurama. Linearna perspektiva zahtijevala je smanjenje figura na pramcu dugog čamca, ali zračna perspektiva (zbog iluzije udaljenosti obale) nije umanjila jasnoću figura na pramcu u odnosu na bliske figure, tj. unutar dugog čamca praktično nema zračne perspektive. Uravnoteženost kompozicije je osigurana relativnim položajem zajedničkog tamnog kompozicionog ovala lijevo od sredine i aktivne tamne mrlje desno (sjenčani dijelovi dviju figura i posuda). Osim toga, ako obratite pažnju na jarbol, tada se nalazi duž osi slike, a desno i lijevo u daljini nalaze se simetrični akcenti svijetle boje.
2.4.3. N. Eryshev. Promjena. 1975
Kompozicija je izgrađena na ritmu vertikala. Industrijske zgrade (usput, vrlo uvjetno), jedno drvo, figure ljudi - sve je naglašeno izduženo prema gore, samo u donjem dijelu slike postoji nekoliko horizontalnih linija koje formiraju betonske ploče, cijevi i horizont. U fokusu kompozicije je grupa turista tinejdžera, gotovo simetrično smještenih s obje strane radnog majstora. Rafinerije, zajedno sa bijelim dresovima dvojice tinejdžera, čine okomiti pravougaonik. Kao da ograničava ovaj pravougaonik, autor je postavio dvoje mladih ljudi u terakoti. Svojevrsna simetrija se stvara postavljanjem lika majstora na okomitu os i prozivke ravnomjerno stojećeg stabla sa strukturom u obliku trube na desnoj strani.
Kontroverznim trenucima u realističkom prijenosu života može se pripisati direktna usklađenost, namjerna konvencija situacije, jasno osmišljena statičnost figura, ali ovo djelo nosi obilježja monumentalnog dizajnerskog pravca, gdje je sve to organsko, logično i neophodno. Sa stanovišta kompozicije, ovdje se koriste jasna, formalno besprijekorna sredstva od grupiranja do ritmičkih gradacija i artikulacija.
ČETVRTI DIO
KOMPOZICIJA I UMJETNIŠTVO
Dakle, došlo je vrijeme da govorimo o onim kvalitetima djela, koji su, zapravo, nosioci estetskih vrijednosti, duhovne punoće, vitalnosti umjetničkih slika. Ovo je suptilna stvar, tu ima dosta neuhvatljivog, pomešanog sa duhovnom energijom umetnika, njegovom individualnošću, njegovim odnosom prema svetu. Uloga kompozicije se svodi na pismenost, sposobnost izražavanja zamišljenog jezikom ljepote i sklada, na sposobnost građenja zvučne i snažne forme.
1. GENERALIZACIJA I KUCANJE
U tradicijama klasične umjetničke prakse, uobičajeno je izbjegavati gomilu nezgoda koje uništavaju integritet slike, njenu simboličku sigurnost. Etida kao sredstvo prikupljanja činjeničnog materijala, kao inteligencija u taboru objektivne stvarnosti, nosi sa sobom pretjerano izvještavanje, trenutno, ponekad i opširno. Odabirom najkarakterističnijih crta u gotovom djelu, uopštavanjem i pomjeranjem naglaska, autor postiže najbližu sličnost sa svojom umjetničkom idejom. Kao rezultat generalizacije i selekcije, rađa se tipična slika, ne pojedinačna, ne slučajna, već upija ono najdublje, općenito, istinito.
Tako se rađa tip heroja ili pejzaža, kao što je, na primjer, protođakon na portretu I. Repina ili apsolutno ruski pejzaž na slikama I. Levitana.
LIKOVNA ANALIZA LIKOVNIH DJELA
Glavna metoda upoznavanja školaraca sa likovnom umjetnošću je likovna kritika odrasle osobe. Izbor je određen sadržajem i konstrukcijom djela. Struktura priče o istoriji umjetnosti može biti otprilike ovako:
Poruka imena slike i imena umjetnika;
O čemu je slika?
Šta je najvažnije na slici (istaknite kompoziciono središte, onako kako je prikazano (boja, konstrukcija, lokacija);
Šta je prikazano oko glavne stvari u djelu i kako su detalji povezani s njom (tako ide produbljivanje u sadržaj slike, a uspostavlja se veza između sadržaja djela i sredstava njegovog izražavanja) ;
Šta je umjetnik lijepo pokazao svojim radom;
O čemu razmišljate kada pogledate ovu sliku?
Upotreba takve strukture priče je moguća sve dok djeca ne počnu samostalno i detaljno odgovarati na postavljena pitanja nakon priče o sadržaju slike i steknu vještinu monološkog govora prilikom odgovaranja na pitanje o čemu je slika. .
Nakon ove tehnike, legitimno je ponuditi konkretna pitanja koja imaju za cilj nabrajanje nevjerovatnog na slici, za njeno detaljno ispitivanje, kako bi dijete doveli do razumijevanja sadržaja rada. Na primjer: „Šta je prikazano na slici? Šta mislite da je najvažnije na slici? itd.“ Ove tehnike se mogu primijeniti nakon što djeca samostalno pregledaju rad. Zatim im postavljajte pitanja kako bi se učvrstilo razumijevanje sadržaja slike, formiranje sposobnosti izolacije izražajnih sredstava koje umjetnik koristi.
Prilikom obavljanja analize umetničko delo važno je da nastavnik uzme u obzir jedan od zakona umjetničko stvaralaštvo i neophodan uslov za umetnost: remek-dela umetnosti su organska veza umjetnička forma i sadržaj. Sadržaj i forma su neodvojivi jedno od drugog – kako u kreativnom procesu tako iu završenom radu. U ovom slučaju možete koristiti sljedeću tehniku: priča je primjer ličnog stava odrasle osobe prema slici koja im se sviđa. Nakon ove priče, govor djece je znatno obogaćen. Nakon što su deca savladala veštinu pripovedanja istorije umetnosti, analize slika, počinjemo da ispitujemo slike sa pitanjima višeg nivoa. „O čemu je slika? Kako biste vi nazvali sliku? Zašto ste je tako nazvali?“ Dakle, pažnju djece usmjeravamo na uspostavljanje i objašnjavanje veze između sadržaja i izražajnih sredstava. To doprinosi razvoju sposobnosti rasuđivanja, dokazivanja, analize, izvođenja zaključaka. Ako je djetetu teško odmah odgovoriti o čemu je slika, onda koristimo metodu preciznih postavki. Prije nego što odgovorite na pitanje o čemu je slika, pažljivo pogledajte šta je na njoj prikazano. Najvažnije, kako je to umjetnik pokazao, a zatim odgovorite na pitanje o čemu je slika.
To vam omogućava da ih naučite da logično rasuđuju i otvara put samostalnoj potrazi za odgovorom. Izbor likovnih sredstava, formiranje umjetničke forme zavise od karakteristika životnog materijala koji je osnova umjetničkog djela; o prirodi idejnog i estetskog poimanja materijala, odnosno sadržaja. Važno je prenijeti djeci da ideja može ostati neostvarena ako umjetnik za nju ne nađe izražajnu formu. Organski spoj sadržaja i forme neophodan je uslov za estetski užitak u procesu opažanja umjetničkog djela. Upotreba kompozicijskih i kolorističkih opcija pomaže u rješavanju poteškoća u razumijevanju sadržaja slike i oblika njenog izražavanja u jedinstvu. U ovom slučaju odrasla osoba verbalno ili vizualno pokazuje kako se mijenja sadržaj slike, osjećaji, raspoloženje koje je u njoj izraženo ovisno o promjeni kompozicije (određeni red u omjeru elemenata djela) ili boje (kombinacije boja) na slici.
Boja na slici od najranije dobi izaziva živopisne emocionalne reakcije kod djece. Da bi boja postala "govorna", u radu se koristi tehnika kolorističkih opcija. Suština je da promijenite boju slike verbalnim opisom. Stoga je veoma važno da umjetničko djelo dobije lično značenje za dijete, kako bi ono moglo iskazati svoj stav prema djelu. Sadržaj slike otkriva se uzimajući u obzir percepciju i na osnovu analize ideje djela, radnje, likova. Iz punoće percepcije umjetnički sadržaj, koji se često povezuje sa elokvencijom nastavnika, zavisi od potpunosti razumevanja njegove slike kao sredstva za odraz stvarnosti u umetnosti.
PRIMJERI PITANJA ZA ANALIZU UMETNIČKOG DJELA
emocionalni nivo:
Kakav utisak ostavlja rad?
Koje senzacije gledalac može doživjeti?
Kakva je priroda posla?
Kako razmera, format, horizontalni, vertikalni ili dijagonalni raspored delova, upotreba određenih arhitektonskih formi, upotreba određenih boja na slici i distribucija svetla u delu pomažu emotivnom dojmu dela? arhitektonski spomenik?
Nivo predmeta:
Šta (ili ko) je na slici?
Šta gledalac vidi kada stoji ispred fasade? U enterijerima?
Koga vidite na skulpturi?
Istaknite glavnu stvar iz onoga što ste vidjeli.
Pokušajte da objasnite zašto vam se ovo čini glavnom?
Na koji način umjetnik (arhitekta, kompozitor) izdvaja ono glavno?
Kako su raspoređeni objekti u djelu (predmetna kompozicija)?
Kako se crtaju glavne linije u djelu (linearna kompozicija)?
Kako se porede volumeni i prostori u arhitektonskoj strukturi (arhitektonskoj kompoziciji)?
Nivo priče:
Pokušajte da prepričate radnju slike.
Pokušajte zamisliti koji se događaji češće dešavaju u ovoj arhitektonskoj strukturi.
Šta ova skulptura može učiniti (ili reći) ako oživi?
Simbolički nivo:
Ima li u djelu predmeta koji simboliziraju nešto?
Da li kompozicija djela i njegovi glavni elementi imaju simbolički karakter: horizontala, okomita, dijagonala, krug, oval, boja, kocka, kupola, luk, svod, zid, toranj, toranj, gest, poza, odjeća, ritam, tembar , itd.?
Koji je naslov djela? U kakvoj je vezi sa svojom radnjom i simbolikom?
PLAN ANALIZE MODELARSKIH RADOVA
2. Stil, pravac.
3. Vrsta slikarstva: štafelaj, monumentalna (freska, tempera, mozaik).
4.Izbor materijala (za štafelajno slikarstvo): uljane boje, akvarel, gvaš, pastel. Karakteristike upotrebe ovog materijala za umjetnika.
5. Žanr slikarstva (portret, pejzaž, mrtva priroda, istorijsko slikarstvo, panorama, diorama, ikonopis, marina, mitološki žanr, svakodnevni žanr). Karakteristike žanra za umetnikova dela.
6. Slikovita parcela. Simbolični sadržaj (ako postoji).
7. Slikovite karakteristike djela:
ravnost;
bojanje;
Umetnički prostor (prostor koji je transformisao umetnik);
9. Lični utisak stečen prilikom gledanja rada.
PLAN ANALIZE SKULPTURALNOG DJELA
2. Stil, pravac.
3. Vrsta skulpture: okrugla skulptura, monumentalna skulptura, mala plastika, reljef i njegova raznolikost (bas-reljef, visoki reljef), skulpturalni portret, herm itd.
4. Izbor modela (stvarno postojeća osoba, životinja, fantazija umjetnika, alegorijska slika).
5.Plastika (govor tijela), modeliranje svjetla i sjene.
6. Interakcija sa okolinom: boja skulpture
(boje) i boja pozadine okruženje, svjetlosni efekti (pozadinsko osvjetljenje); skulptura kao element arhitekture, samostojeća statua itd.
7. Izbor materijala i njegova uslovljenost (mermer, granit, drvo, bronza, glina itd.).
8.Nacionalne karakteristike.
9. Lična percepcija spomenika.
PLAN ANALIZE ARHITEKTONSKOG DELA
2. Stil, pravac. Arhitektura velikih ili malih oblika.
3. Mjesto u graditeljskoj cjelini (inkluzija, izolacija,
korelacija sa pejzažom, uloga organskog detalja itd.). Tektonika: zidni sistemi, zidanje, stalak i pad
konstrukcija, okvirna konstrukcija, zasvođena konstrukcija, moderno
prostorna struktura (preklopljena, vijčana, itd.).
4. Korišteni materijal i njegovo učešće u stvaranju posebnog arhitektonskog izgleda. Priroda njegovog rada u konstrukciji (stubovi - nose, svodovi oprugaju, vijenci počivaju, lukovi se dižu, kupole krune, itd.).
5. Originalnost arhitektonskog jezika u pojedinom djelu,
izraženo kroz:
Simetrija, disimetrija, asimetrija;
Ritam dijelova, detalja;
Volumen (spljošten, vertikalno sužen, kubičan, itd.);
Proporcije (harmonija detalja i dijelova);
Kontrast (suprotstavljanje oblika);
Silueta (vanjske konture);
Skala (odnos sa osobom);
Boja i tekstura površine.
7. Nacionalne karakteristike zgrade.
8. Prisustvo sinteze umjetnosti (veza arhitekture sa skulpturom i slikarstvom).
Druga tehnika za analizu slike, koju je predložio A. Melik-Pashaev. Na svojim časovima ga najčešće koristim kada proučavam istorijske i svakodnevne žanrove. Predlažem djeci da pažljivo razmotre sliku, dok ja imenujem njenog autora, ali ne navodim ime. Onda predlažem da pismeno odgovorim na predložena pitanja. Djeca na pitanje br. 3 ne odgovaraju pismeno, o tome razgovaramo zajedno. Unaprijed smišljam sugestivna pitanja koja će pomoći djeci da potpunije otkriju radnju slike i daju duboke odgovore na druga pitanja.
Pitanja za sliku:
1. Kako biste nazvali ovu sliku?
2. Sviđa li vam se slika ili ne?
3. Recite nam nešto o ovoj slici kako bi osoba koja je ne zna dobila predstavu o njoj.
4. Kakvo raspoloženje kod vas izaziva ova slika?
7. Želite li nešto dodati ili promijeniti u svom odgovoru na prvo pitanje?
8. Vratite se na odgovor na drugo pitanje. Da li je vaša procjena ostala ista ili se promijenila? Zašto toliko cijenite sliku?
Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja je jednostavno. Koristite obrazac ispod
Studenti, postdiplomci, mladi naučnici koji koriste bazu znanja u svom studiranju i radu biće vam veoma zahvalni.
Objavljeno na http://www.allbest.ru/
Analiza arhitektonski rad Pashkov House
“Zadatak umjetnika uz pomoć forme je da uništi materijal”, F. Schiller, iz knjige B.R. Vipper, Uvod u historijsko proučavanje umjetnosti. Zaista, glavni zadatak arhitekture je transformirati materijal, modificirati ga i podrediti svome. umjetničke svrhe. I, kao rezultat, stvorite jedinstvenu kompoziciju zasnovanu na izražajnoj kombinaciji volumena i prostora. Arhitekte su takođe pozvane da povežu tri strane u skladnoj kompoziciji zgrade: s jedne strane, udobnost i korist (funkcionalni zadatak); s druge strane, snaga i ekonomičnost (konstruktivni i tehničko-ekonomski zadatak); sa trećim - ljepota oblika (estetski zadatak). I na kraju, cilj kompozicije postaje - postizanje jedinstva forme i sadržaja. A postići to nije tako lako. Razmotrite jednu od najistaknutijih kuća u Moskvi. Koja svojstva, koje arhitektonske tehnike su odredile visoku ocjenu ovog objekta?
pashkov house architectural
Kuća Paškova sagrađena je 1784-1786. u drugoj polovini XVIII veka. Vasilija Baženova naručio je bogati zemljoposednik Paškov. Bilo je to vrijeme kada je plemenita jednostavnost i suzdržanost klasicizma raskinula s bogatom velikodušnošću baroka. Priznati majstor tog vremena Vasilij Baženov uspio je stvoriti stil moskovskog klasicizma, koji ovdje organski kombinuje principe baroka i klasicizma. To potvrđuju omiljene metode ovih stilova. Na primjer, duga fasada koja gleda na ulicu Mokhovaya izrađena je u klasičnom stilu, koju karakterizira ujednačenost, konzistentnost i naglašen ispravan red. Njegova kompozicija se odvija jasno simetrično u odnosu na osu centralne zgrade. Desno i lijevo od njega izlaze dvije prizemne galerije koje se završavaju identičnim dvospratnim gospodarskim zgradama. Paškova kuća ima dve glavne fasade - jedna gleda na kolovoz i dvorskog je, svečanog karaktera, druga je orijentisana na dvorište i ima udobniji, imanjski izgled. Uzdiže se cilindrični vidikovac (Bazhenov ga je napravio kao prolaznu rotondu, okruženu uparenim stubovima sa kupolom, na vrhu sa skulpturom grčka boginja Minerva) u kombinaciji sa dva donja formirala je jasan jednakokraki trokut. Ovo su tehnike stila klasicizma, što na latinskom doslovno znači "uzoran". Barokne nijanse jasno su vidljive u dizajnu arhitektonske dekoracije, posebno, sistem redoslijeda fasade centralne zgrade, s jedne strane, stroga klasika, s druge strane, izrađen u detaljima (vaze na balustradama, skulpture , detalji štukature) s većom slobodom i originalnošću u odnosu na obične klasične kanone.
Kuća do danas nije sačuvana u izvornom obliku, više puta je obnavljana. Konkretno, 1812. godine kuća je uništena u požaru. Arhitekte su pokušale da restauriraju kuću prema slikama iz 18. veka, onako kako je prvobitno nastala.
Pogled na arhitektonsku tipologiju objekta
Paškova kuća je dvorski tip arhitekture, tip koji naglašava određeni način (tip) života. U ovom slučaju, Baženov razvija tip ruskog urbanog plemićkog imanja i gradi Paškovu kuću kao arhitektonski kompleks koji se sastoji od trospratne glavne zgrade na kojoj se nalazi rotonda-videoka i dvospratnih pomoćnih zgrada povezanih s njom jednospratnim galerijama.
U početku, pomno gledajući zgradu, čini se da je kuća mala. Ali čini se većim nego što jeste, zahvaljujući galerijama i pomoćnim zgradama koje se protežu duž ulice u jednoj pravoj liniji, uz glavnu zgradu. Čini se da upotpunjuju cjelokupnu arhitektonsku kompoziciju duž rubova. Ovakva trodijelna kompozicija, koja se sastoji od centralne zgrade, prolaznih galerija i gospodarskih zgrada, nije hir arhitekte - opravdana je životom tog vremena. U glavnoj kući su bile dnevne sobe i državne sobe vlasnika. U pomoćnim zgradama je bila kuhinja, stanovale su sluge, a gosti su boravili. Galerije su omogućavale prelazak od pomoćnih zgrada do kuće bez izlaska napolje, što je bilo posebno važno po lošem vremenu ili zimi.
Mjesto u svemiru
Arhitektonski prostor kompozicije Doma je uređen. Njegova lokacija je dobro osmišljena. I to ne samo u urbanoj cjelini, već iu samoj kompoziciji. Impresivan izgled objekta dijelom je zaslužan za mjesto njegove izgradnje. Paškova kuća stoji na visokom Vagankovskom brdu, kao da nastavlja liniju svog uspona, na otvorenom uglu dve ulice koje se spuštaju.
Urbanističko-arhitektonska cjelina kuće može se opisati kao panoramska. Uzdignuti položaj lokaliteta i njegova vidljivost sa svih strana doprinijeli su boljem prepoznavanju volumetrijske i visokogradnje kompozicije građevine, koja je organski ušla u cjelinu okoline Kremlja.
Masa objekta u vizuelnoj percepciji zavisi od vizuelne procene količine materijala ukupne arhitektonske forme. Masa je ovdje raščlanjena prilično slobodnim rasporedom. Vitka piramidalna silueta Paškove kuće, naglašena bočnim krilima, težnja ka vrhu njene srednje zgrade, kao i njen reljef zahvaljujući rotondi-vidikovcu - sve to seže u narodne tradicije. arhitektura drevne Rusije. Takozvani organski rast mase Baženovljeve zgrade ovde dostiže veliku moć izražavanja.
Vrsta konstrukcije
Dizajn je rack-and-beam. Objekat se odlikuje jasnim tlocrtom i organizovanom tektonskom skalom.
arhitektonski dekor
Općenito, arhitektonski dekor kuće može se nazvati plastikom. Ali toliko je bogat da se na njemu treba detaljnije zadržati.
a) princip lokacije arhitektonskog dekora
Lokacija arhitektonskog dekora u blizini Paškove kuće prema principu veslanja, takav princip je upravo karakterističan za arhitekturu palače. Redoslijed elemenata i elemenata arhitektonskog dekora se izmjenjuju i slijede u urednim redovima.
Galerija podruma, takoreći, balansira glavni objekat sa pomoćnim zgradama i, po zakonu jukstapozicije, proteže se cijelom dužinom fasade.
Lokacija arhitektonskog dekora - određuje kompoziciju zgrade.
b) sastav
Svečano lagana i bogata kompozicija kuće Pashkov - odličan primjer kompoziciono majstorstvo Bazhenova i njegov široki urbanistički pristup posebnoj zgradi kao dijelu urbane cjeline.
Čitav arhitektonski kompleks može se okarakterisati kao duboko-prostorni pogled na kompoziciju, budući da obuhvata glavna kuća, pomoćne zgrade, prednji prilaz, vrt i razne pomoćne zgrade. Ono što zahteva kretanje u dubinu, ulazak. Ali ako posmatramo kuću Paškova odvojeno, onda njena dužina i prevlast dimenzija u visini nad dimenzijama u dubini - govori nam da je kompozicija kuće jasno frontalna. Konstrukcija je odlučena uglavnom u fasadnim ravnima, ovdje je glavno semantičko i estetsko arhitektonsko opterećenje. Štaviše, na licu dominacije simetrije. Dvospratne gospodarske zgrade kao da balansiraju zgradu u odnosu na centralnu osu glavne fasade. Postoji i verzija da fasada iz Kremlja uopće nisu ulazna, već parkovska i sa poleđina tu je ogromno dvorište, koje je Bazhenov zamislio baš kao ulazna vrata.
c) sistem narudžbi
Sistem poretka Kuće je veoma bogat, to je očigledno pretpostavljeno njenim dizajnom. Za razliku od horizontalnog rustikovanog prizemlja, centralna fasadna zgrada ima dvije glavne etaže. Korintski kompozitni red je upotrijebljen u izbočenom trijemu, koji ujedinjuje oba kata i vizualno povećava razmjer zgrade. Isti red ukrašavaju pilastri na zidovima centralne zgrade.
Na bočnim stranama trijema sa četiri stupa nalaze se kipovi postavljeni na bazama stupova. Stupovi i pilastri gospodarskih zgrada koriste složeni jonski red sa četverostranim dijagonalnim kapitelima. Naglašavaju umjetničku samostalnost i ulogu gospodarskih zgrada u kompoziciji fasade.
Balustrada, koja uokviruje krov centralne zgrade, nosi bujne vaze na stubovima, ublažavajući prijelaz sa friza i vijenca na rotondu koja upotpunjuje središnji volumen. Koristi prekriveni jonski red (kasnije obnovljen kao zamjena za bivši korintski red). Stoga se činilo da su arhitekte otežale kuću postavljajući teži nalog preko lakšeg. No, rotonda-vidikovac općenito nije tako statičan oblik i naglašava uzlaznu težnju cijele kompozicije, što je čini lakšim opšti utisak od zgrade.
Kao iu drugim oblicima umjetnosti, ritam igra važnu ulogu u arhitekturi. Upravo njegova nadmoć omogućava da se o arhitekturi govorimo kao o umjetnosti pažljivo ritmičnog prostora. Zbog toga se arhitektura često naziva „zaleđenom muzikom“. Uostalom, u muzička umjetnost ritam je i najvažnije kompoziciono sredstvo
Ritmički elementi kuće Paškov uključuju: kolonadu, arkadu, rustifikaciju podrumskog poda, friz i brojne dekorativne elemente koji se ritmički ponavljaju.
Međutim, ritam bilo kojeg umjetničkog djela nije jednostavna izmjena. Ovo je svojevrsno jedinstvo u kojem se spajaju mnogi ritmički redovi. Dakle, ovdje ritmičko pulsiranje kolonade, grupisane u tri trijema potpuno iste veličine i broja stupova, precizno podešen ritam okomitih dijelova stupa (razlika je samo u redoslijedu), hiroviti ritmovi dizajna friza, dinamične rustike, pilastra - sve je to arhitekt pažljivo osmislio i spojio u jedinstvenu harmoniju.
Uz pomoć arhitektonskog ritma, Bazhenov gradi percepciju gledaoca kako u prostoru tako iu vremenu. Ritam je veoma važan. Uostalom, s obzirom na strukturu, gledalac može ostati nepomičan i tada vodeća uloga prostorni ritmovi igraju u njegovoj percepciji. Ali čim gledalac počne da zaobilazi zgradu ili, štaviše, da ulazi u nju, tada živi ritam u vremenu. Dakle, percepcija arhitektonskih cjelina po prirodi podsjeća na percepciju muzičkih ili književno djelo, gdje se obrazac proširuje uzastopno, fragment po fragment. Štaviše, danas se arhitektura obično definira kao umjetnost izgradnje prostora ljudske egzistencije. A arhitekta, izgrađujući sam prostor, čini da on ritmično pulsira u percepciji posmatrača.
Osnovna namjena zgrade
Osnovna namjena zgrade je administrativna. Prvobitno zamišljen kao iluzija harmonije i racionalnosti monarhije, politike prosvećenog apsolutizma, vremenom se pretvara u javnu zgradu.
Danas je kuća Paškova jedna od zgrada Ruske državne biblioteke koja nosi ime V. I. Lenjina. Zaštićena je od strane države i ostaje jedna od najlepših građevina u Moskvi. Nažalost, odnedavno je praktično zatvoren od očiju namjernih posjetilaca, njegovoj veličini možemo se diviti samo sa strane Mokhovaya ulice.
Zaključak
Sa stanovišta formotvorne fantazije, očigledna je superiornost arhitekture nad drugim oblastima umetnosti. Šta je ovaj fenomen? A činjenica da arhitektonski oblici nemaju direktne analogije u prirodi, ne reprodukuje i ne oponaša strani jezik, već govori svoj. Dakle, još jednom možemo reći da je arhitektura svojevrsna sinteza umjetnosti, oličene u prostoru. Monumentalnost, dekorativnost, primijenjena umjetnost, tako karakteristična i za skulpturu i za slikarstvo, dobila je naziv - arhitektura.
Hostirano na Allbest.ru
Slični dokumenti
Definicija pojma arhitekture. Razmatranje metoda arhitektonskog projektovanja prema Barkhinu B.G. Proučavanje metode proučavanja konstruktivnog problema, obrazaca, kao i fundamentalne metode projektovanja. Kreiranje imidža zgrade i realizacija projekta.
sažetak, dodan 19.10.2015
Izrada arhitektonsko-konstruktivnog rješenja za dvospratnu individualnu stambenu zgradu namijenjenu porodici od 4-5 osoba. Prostorno-planska odluka objekta. Zidovi niske stambene zgrade. Materijal podnih elemenata.
seminarski rad, dodan 20.11.2013
Problem izrade arhitektonskog projekta školske zgrade. Utjecaj pedagoškog sistema obrazovanja, organizacije i metodike mobilnog obrazovnog procesa na prostorno-plansku odluku zgrade. Analiza dosadašnjeg građevinskog iskustva.
naučni rad, dodato 04.06.2012
Glavni zadaci arhitektonskog projektovanja "pametne kuće" u skladu sa potrebama i željama porodice. Položaj objekta u postojećem objektu, njegova orijentacija. Plansko, konstruktivno i arhitektonsko-figurativno rješenje stambene zgrade.
izvještaj o praksi, dodan 19.05.2015
Istorija formiranja ansambla Crvenog trga u Moskvi. Opće karakteristike graditeljske cjeline. Kulturni kontekst i karakteristike graditeljske cjeline. Sumarna analiza stepena međuzavisnosti kompozicionih i semiotičkih komponenti ansambla.
sažetak, dodan 06.02.2011
Utvrđivanje stvarnog tehničkog stanja nosećih građevinskih konstrukcija i inženjerske opreme zgrade. Proučavanje pravnih akata koji uređuju sferu stambeno-komunalnih usluga i aktivnosti saveznih organa izvršne vlasti. Obračun amortizacije zgrade.
seminarski rad, dodan 06.12.2012
Izrada građevinskih i projektantskih rješenja za glavne elemente objekta. Karakteristike prostorno-planskog rješenja objekta. Proračuni uređenja susjedne teritorije i inženjerske podrške zgrade. Utvrđivanje cijene izgradnje stambene zgrade.
disertacije, dodato 18.07.2014
Projekat devetospratnice stambene zgrade sa pripadajućom trgovinom. Opis lokacije projektovane zgrade u odnosu na sredstva komunikacije. Zoniranje stanova u stambenoj zgradi. Vanjsko i unutrašnje uređenje i arhitektonsko-kompoziciono rješenje.
seminarski rad, dodan 17.12.2011
Prvi koraci u zanatu Balthasara Neumanna. Neumannova arhitektonska djelatnost. Njegova najpoznatija djela. Organska kombinacija slikovitog i skulpturalnog dekora sa unutrašnjim prostorom zgrade. Hodočasnička crkva u Vierzenheiligenu.
sažetak, dodan 22.08.2012
Izrada arhitektonskih, organizacionih, tehnoloških i ekonomskih rješenja za projekat stambene zgrade. Vanjska i unutrašnja obrada zgrade, njena inženjerska oprema. Tehnologija i organizacija rada. Odlaganje otpada na gradilištu.
