Arta Renașterii în Italia (secolele XIII-XVI).

MATERIALE RESURSEI http://artclassic.edu.ru PE CARE LE-AM FOLOSIT LA COMPILAREA PAGINII

Caracteristici ale artei Renașterii în Italia.

Arta Renașterii a apărut pe baza umanismului (din latinescul humanus - „uman”) - o tendință de gândire socială care a luat naștere în secolul al XIV-lea. în Italia, iar apoi în a doua jumătate a secolului al XV-lea și în secolul al XVI-lea. răspândit în alte țări europene. Umanismul a proclamat cea mai înaltă valoare a omului și a binelui său. Adepții acestei tendințe credeau că fiecare persoană are dreptul să se dezvolte liber ca persoană, realizându-și abilitățile. Ideile umanismului au fost întruchipate cel mai pe deplin și viu în artă, a cărei temă principală era o persoană frumoasă, dezvoltată armonios, cu posibilități spirituale și creative nelimitate. Umaniștii s-au inspirat din antichitate, care le-a servit drept sursă de cunoaștere și model de creativitate artistică. Marele trecut al Italiei, amintindu-și constant de sine, era perceput la acea vreme ca cea mai înaltă perfecțiune, în timp ce arta Evului Mediu părea ineptă și barbară. Termenul de „renaștere”, care a apărut în secolul al XVI-lea, a însemnat nașterea unei noi arte, reînviind cultura antică clasică. Cu toate acestea, arta Renașterii datorează mult tradiției artistice din Evul Mediu. Vechiul și noul erau indisolubil legate și confruntate. Cu toată diversitatea contradictorie a originilor sale, arta Renașterii este marcată de o noutate profundă și fundamentală. Ea a pus bazele culturii europene a timpurilor moderne. Toate formele de artă majore - pictură și grafică, sculptură, arhitectură - s-au schimbat enorm.
În arhitectură, principiile reelaborate creativ ale anticului sistem de ordine , au apărut noi tipuri de clădiri publice. Pictura a fost îmbogățită cu o perspectivă liniară și aeriană, cunoașterea anatomiei și proporțiilor corpului uman. Conținutul pământesc a pătruns în temele religioase tradiționale ale operelor de artă. Interes crescut pentru mitologia antică, istorie, scene cotidiene, peisaj, portret. Alături de picturile murale monumentale care împodobeau structurile arhitecturale, a apărut și un tablou; pictura în ulei a apărut.
Arta nu a încetat încă să fie un meșteșug, dar individualitatea creativă a artistului, ale cărui activități la acea vreme erau foarte diverse, ocupase deja primul loc. Talentul universal al maeștrilor Renașterii este uimitor - ei au lucrat adesea simultan în domeniul arhitecturii, sculpturii și picturii, și-au combinat pasiunea pentru literatură, poezie și filozofie cu studiul științelor exacte. Conceptul de personalitate bogată din punct de vedere creativ sau „Renaștere” a devenit mai târziu un cuvânt de uz casnic.
În arta Renașterii, căile de înțelegere științifică și artistică a lumii și a omului erau strâns împletite. Semnificația sa cognitivă era indisolubil legată de frumusețea poetică sublimă; în efortul său pentru naturalețe, nu a coborât la viața de zi cu zi meschină. Arta a devenit o nevoie spirituală universală.
Formarea culturii Renașterii în Italia a avut loc în orașe independente din punct de vedere economic. În ascensiunea și înflorirea artei renascentiste, Biserica și curțile magnifice ale suveranilor neîncoronați - familiile bogate conducătoare, care erau cei mai mari patroni și clienți ai lucrărilor de pictură, sculptură și arhitectură, au jucat un rol important. Principalele centre ale culturii Renașterii au fost la început orașele Florența, Siena, Pisa, apoi Padova, Ferrara, Genova, Milano, iar mai târziu, în a doua jumătate a secolului al XV-lea, bogatul negustor Veneția. În secolul al XVI-lea. capital Renașterea italiană devenit Roma. De atunci, toate celelalte centre de cultură, cu excepția Veneției, și-au pierdut importanța anterioară.
În epoca Renașterii italiene, se obișnuiește să se distingă mai multe perioade:

Proto-Renaștere (a doua jumătate a secolelor XIII-XIV),

Renașterea timpurie (secolul al XV-lea),

Înalta Renaștere (sfârșitul secolului al XV-lea - prima treime a secolului al XVI-lea)

Renașterea târzie (ultimele două treimi ale secolului al XVI-lea).

Proto-Renaștere

În cultura italiană a secolelor XIII-XIV. Pe fundalul tradițiilor bizantine și gotice încă puternice, au început să apară trăsături ale unei noi arte, care mai târziu va fi numită arta Renașterii. Prin urmare, această perioadă a istoriei sale a fost numită Proto-Renaștere(din grecescul „protos” - „primul”, adică a pregătit începutul Renașterii). Nu a existat o perioadă de tranziție similară în niciuna dintre țările europene. În Italia însăși, arta proto-Renașterii a apărut și s-a dezvoltat doar în Toscana și Roma.
În cultura italiană, trăsăturile vechiului și noului erau împletite. Ultimul poet al Evului Mediu și primul poet al noii ere, Dante Alighieri (1265-1321), a creat limba literară italiană. Ceea ce a început Dante a fost continuat de alți mari florentini ai secolului al XIV-lea - Francesco Petrarca (1304-1374), fondatorul Europei. poezie lirică, și Giovanni Boccaccio (1313-1375), fondatorul genului roman (nuvelă) în literatura mondială. Mândria epocii sunt arhitecții și sculptorii Niccolo și Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio și pictorul Giotto di Bondone .
Arhitectură
Arhitectura italiană a urmat tradițiile medievale pentru o lungă perioadă de timp, care s-a exprimat în principal în utilizarea un numar mare motive gotice. În același timp, goticul italian în sine era foarte diferit de arhitectura gotică din nordul Europei: gravita spre forme mari calme, chiar luminoase, diviziuni orizontale și suprafețe largi de pereți. În 1296, construcția a început la Florența Catedrala Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio a vrut să încununeze altarul catedralei cu o cupolă imensă. Cu toate acestea, după moartea arhitectului în 1310, construcția a fost amânată, fiind finalizată deja în perioada Renașterii timpurii. În 1334, conform proiectului lui Giotto, s-a început construcția clopotniței catedralei, așa-numitul campanil - un turn dreptunghiular zvelt, cu împărțiri orizontale pe etaje și ferestre gotice elegante, a cărui formă arcuită de lancet era păstrat în arhitectura italiană multă vreme.
Printre cele mai cunoscute palate ale orașului se numără Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) din Florența. Se crede că a fost construit de Arnolfo di Cambio. Este un cub greu cu un turn înalt, căptușit cu rusticare din piatră tare. Fațada cu trei etaje este decorată cu ferestre pereche înscrise în arcade semicirculare, ceea ce conferă întregii clădiri o impresie de austeritate restrânsă. Clădirea definește aspectul centrului vechi al orașului, invadând piața cu un volum dur.
Sculptură
Mai devreme decât în ​​arhitectură și pictură, căutările artistice s-au conturat în sculptură, și mai ales în școala pizană, al cărei fondator a fost Niccolo Pisano (aproximativ 1220 - între 1278 și 1284). Niccolo Pisano s-a născut în Apulia, în sudul Italiei. Se crede că a studiat sculptura în școlile sudice, unde a înflorit spiritul renașterii tradițiilor clasice ale antichității. Fără îndoială, Niccolo a studiat decorația sculpturală a sarcofagelor romane târzii și creștine timpurii. Cea mai veche lucrare cunoscută a sculptorului este un hexagonal amvon de marmură, realizată de el pentru baptisteriul din Pisa (1260), - a devenit o lucrare remarcabilă a sculpturii renascentiste și a avut un impact uriaș asupra dezvoltării sale ulterioare. Principala realizare a sculptorului este că a reușit să dea volum și expresivitate formelor, iar fiecare imagine are putere corporală.
Din atelierul lui Niccolò Pisano au venit maeștrii remarcabili de sculptură ai Proto-Renașterii - fiul său Giovanni Pisano și Arnolfo di Cambio, cunoscut și ca arhitect. Arnolfo di Cambio (circa 1245 - după 1310) a gravitat către sculptura monumentală, în care și-a folosit observațiile vieții. Una dintre cele mai bune lucrări pe care le-a făcut împreună cu tatăl și fiul său Pisano - Fântână din Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, decorată numeroase statuiși reliefuri, au devenit mândria orașului. Era interzis să se bea animale din el, să se ia apă în butoaie de vin sau în vase nespălate. Muzeul orașului a păstrat fragmente de figuri înclinate realizate de Arnolfo di Cambio pentru fântână. În aceste figuri, sculptorul a reușit să transmită toată bogăția mișcărilor corpului uman.
Pictura
În arta Renașterii italiene, pictura murală a ocupat un loc dominant. A fost realizată în tehnică frescă. Cu vopsele pregătite pe apă, au scris fie pe tencuială udă (de fapt o frescă), fie pe uscat - această tehnică se numește „a secco” (tradus din italiană – „uscat”). Liantul principal al tencuielii este var. pentru că varul durează puțin să se usuce, pictura în frescă trebuia făcută rapid, adesea pe părți, între care existau cusături de legătură. Din a doua jumătate a secolului al XV-lea. tehnica frescei a început să fie completată cu pictarea unui secco; acesta din urmă a permis lucrul mai lent și a permis finisarea pieselor. Lucrarea la picturile murale a fost precedată de realizarea sinopiei - desene auxiliare aplicate sub frescă pe primul strat de ipsos. Aceste desene au fost realizate cu ocru roșu, care a fost extras din lut lângă orașul Sinop, situat pe litoralul Mării Negre. După numele orașului, vopseaua a fost numită Sinop, sau sinopia, mai târziu desenele în sine au început să fie numite la fel. Sinopia a fost folosită în pictura italiană din secolul al XIII-lea până la mijlocul secolului al XV-lea. Cu toate acestea, nu toți pictorii au recurs la ajutorul sinopiei - de exemplu, Giotto di Bondone, cel mai de seamă reprezentant al epocii Proto-Renașterii, a făcut fără ele. Treptat, sinopia a fost abandonată. De la mijlocul secolului al XV-lea. Cartonurile au fost utilizate pe scară largă în pictură - desene pregătitoare realizate pe hârtie sau pe țesătură de dimensiunea lucrărilor viitoare. Contururile desenului au fost transferate pe ipsos umed cu ajutorul prafului de cărbune. A fost suflat prin găurile perforate în contur și presat în tencuială cu o unealtă ascuțită. Uneori, sinopia dintr-o schiță se transforma într-un desen monumental finit, iar cartonurile dobândeau valoarea unor lucrări independente de pictură.

Fondatorul noului stil italian de pictură este Cimabue (de fapt Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue a fost renumit în Florența ca maestru al picturilor și icoanelor de altar solemne. Imaginile sale se caracterizează prin abstracție și caracter static. Și deși Cimabue a urmat tradițiile bizantine în opera sa, în lucrările sale a încercat să exprime sentimente pământești, să înmoaie rigiditatea canonului bizantin.
Piero Cavallini (între 1240 și 1250 - în jurul anului 1330) a trăit și a lucrat la Roma. Este autorul mozaicurilor Bisericii Santa Maria din Trastevere (1291), precum și al frescelor Bisericii Santa Cecilia din Trastevere (circa 1293). În lucrările sale, Cavallini a dat formelor volum și tangibilitate.
Realizări Cavallini adoptate și continuate Giotto di Bondone(1266 sau 1267 - 1337), cel mai mare artist al Proto-Renașterii. Numele de Giotto este asociat cu o întorsătură în dezvoltarea picturii italiene, ruperea acesteia cu canoanele artistice medievale și cu tradițiile artei italo-bizantine din secolul al XIII-lea. Cele mai cunoscute lucrări ale lui Giotto sunt picturile Capelei Arena din Padova (1304-06). Frescele se remarcă prin claritatea lor, narațiunea necomplicată, prezența detaliilor cotidiene care conferă vitalitate și naturalețe scenelor reprezentate. Respingând canonul bisericesc care domina arta acea vreme, Giotto își descrie personajele ca fiind asemănătoare cu oameni adevărați: cu corpuri proporționale, ghemuite, fețe rotunde (mai degrabă decât alungite), tăierea corectă a ochilor etc. Sfinții lui nu plutesc deasupra pământului, ci stau ferm pe el cu ambele picioare. Ei se gândesc mai mult la pământesc decât la ceresc, trăind sentimente și emoții complet umane. Pentru prima dată în istoria picturii italiene, starea de spirit a eroilor unui tablou este transmisă prin expresii faciale, gesturi, postură. În loc de fundalul tradițional auriu, frescele lui Giotto înfățișează peisaje, interioare sau grupuri sculpturale pe fațadele bazilicilor.
În a doua jumătate a secolului al XIV-lea. scoala pitoreasca din Siena iese in prim plan. Cel mai mare și mai rafinat maestru al picturii siene din secolul al XIV-lea. a fost Simone Martini (c. 1284-1344). Pensula Simonei Martini deține prima imagine din istoria artei a unui beton eveniment istoric cu portretul unui contemporan. Imaginea asta " Condotierul Guidoriccio da Fogliano„în camera Mappamondo (Hărțile lumii) din Palazzo Publico (Siena), care a fost prototipul pentru numeroase portrete ecvestre viitoare. Retabloul Buna Vestire de Simone Martini, păstrat acum în Galeria Uffizi din Florența, se bucură de o faimă binemeritată.

Caracteristici ale Renașterii. Proto-Renaștere

Caracteristici ale Renașterii

Renașterea timpurie

În secolul XV. Arta italiană a dominat viata artistica Europa. Bazele unei culturi umaniste seculare (adică nu ecleziastice) au fost puse la Florența, ceea ce a împins Siena și Pisa în plan secund. Puterea politică de aici aparținea negustorilor și artizanilor, cea mai puternică influență asupra afacerilor orașului a fost exercitată de mai multe familii bogate, care au concurat constant între ele. Această luptă s-a încheiat la sfârșitul secolului al XIV-lea. victoria casei bancare Medici. Capul său, Cosimo de' Medici, a devenit conducătorul nerostit al Florenței. Scriitori, poeți, oameni de știință, arhitecți, artiști s-au înghesuit la curtea lui Cosimo Medici. Cultura renascentista din Florenta a atins apogeul sub Lorenzo de' Medici, supranumit Magnificul. Lorenzo a fost un mare mecenat al artelor și științelor, creatorul Academiei platonice, unde s-au adunat mințile remarcabile ale Italiei, poeții și filozofii, unde au avut loc dezbateri rafinate care au ridicat spiritul și mintea.

Arhitectură

Sub Cosimo și Lorenzo Medici, a avut loc o adevărată revoluție în arhitectura Florenței: aici a fost lansată o construcție extinsă, care a schimbat semnificativ fața orașului. Strămoșul arhitecturii renascentiste din Italia a fost Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arhitect, sculptor și om de știință, unul dintre creatorii teoriei științifice a perspectivei. Cea mai mare realizare inginerească a lui Brunelleschi a fost construcția cupolei. Catedrala Santa Maria del Fioreîn Florenţa. Datorită geniului său matematic și tehnic, Brunelleschi a reușit să rezolve cea mai dificilă problemă a timpului său. Principala dificultate cu care s-a confruntat maestrul a fost cauzată de deschiderea gigantică a crucii din mijloc (42 m), care a necesitat eforturi deosebite pentru a facilita răspândirea. Brunelleschi a rezolvat problema aplicând un design ingenios: o cupolă ușoară goală formată din două cochilii, un sistem de cadru de opt nervuri portante legate prin inele care le înconjoară, un felinar ușor care a închis și încărcat arcul. Domul Catedralei Santa Maria del Fiore a devenit precursorul a numeroase biserici cu cupolă din Italia și din alte țări europene.

Brunelleschi a fost unul dintre primii din arhitectura Italiei care a înțeles creativ și a interpretat inițial sistemul de ordine antică ( Ospedale degli Innocenti (Adăpost pentru copii găsiți), 1421-44), a marcat începutul creării bisericilor cu cupolă bazate pe ordinea antică ( Biserica San Lorenzo ). O adevărată bijuterie a Renașterii timpurii a fost creată de Brunelleschi la comanda unei familii florentine bogate Capela Pazzi(început în 1429). Umanismul și poezia operei lui Brunelleschi, proporția armonioasă, lejeritatea și eleganța clădirilor sale, menținerea unei legături cu tradițiile gotice, libertatea creatoare și valabilitatea științifică a ideilor sale au determinat marea influență a lui Brunelleschi asupra dezvoltării ulterioare a arhitecturii renascentiste.

Una dintre principalele realizări ale arhitecturii italiene din secolul al XV-lea. a fost crearea unui nou tip de palate ale orașului, palazzo, care a servit drept model pentru clădirile publice de mai târziu. Caracteristici ale palatului din secolul al XV-lea sunt o împărțire clară a volumului închis al clădirii în trei etaje, o curte deschisă cu arcade de vară, utilizarea ruginii (piatră cu o suprafață frontală aproximativ teșită sau convexă) pentru placarea fațadei, precum și o cornișă decorativă puternic extinsă. . Un exemplu izbitor al acestui stil este construcția capitală a studentului lui Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), arhitectul curții al familiei Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), care a servit drept model pentru construirea multor palate florentine. Crearea lui Michelozzo este aproape Palazzo Strozzi(fondat în 1481), care este asociat cu numele arhitectului și sculptorului Benedetto da Maiano (1442-97).

Un loc special în istoria arhitecturii italiene îl ocupă Leon Battista Alberti(1404-72). Un om dotat și educat pe scară largă, a fost unul dintre cei mai străluciți umaniști ai timpului său. Gama intereselor sale era neobișnuit de diversă. Acopera morala și dreptul, matematică, mecanică, economie, filozofie, poezie, muzică, pictură, sculptură, arhitectură. Un stilist genial, Alberti a lăsat numeroase lucrări în latină și italiană. În Italia și în străinătate, Alberti și-a câștigat faima de remarcabil teoretician al artei. Celebrele tratate „Zece cărți de arhitectură” (1449-52), „Despre pictură”, „Despre statuie” (1435-36) aparțin stiloului său. Dar arhitectura a fost principala vocație a lui Alberti. În munca de arhitectură, Alberti a gravitat către soluții îndrăznețe, experimentale, folosind în mod inovator moștenirea artistică antică. Alberti a creat tip nou palatul orașului ( Palazzo Rucellai ). În arhitectura religioasă, luptă spre grandoare și simplitate, Alberti a folosit motive de arcade de triumf și arcade romane în proiectarea fațadelor ( Biserica Sant'Andreaîn Mantua, 1472-94). Numele Alberti este considerat pe drept unul dintre primii dintre marii creatori ai culturii Renașterii italiene.

Sculptură

În secolul XV. Sculptura italiană, care a căpătat o semnificație independentă independentă de arhitectură, este înfloritoare. Comenzile pentru decorarea clădirilor publice încep să intre în practica vieții artistice; se organizează concursuri de artă. Unul dintre aceste concursuri - pentru fabricarea bronzului celei de-a doua uși nordice ale baptisteriului florentin (1401) - este considerat un eveniment semnificativ care a deschis o nouă pagină în istoria sculpturii renascentiste italiene. Victoria a fost câștigată de Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Unul dintre cei mai educați oameni ai timpului său, primul istoric al artei italiene, un desenator strălucit, Ghiberti și-a dedicat viața unui tip de sculptură - relieful. Principiul principal al artei sale Ghiberti a considerat echilibrul și armonia tuturor elementelor imaginii. Punctul culminant al operei lui Ghiberti a fost ușile de est ale baptisteriului din Florența (1425-52), care a imortalizat numele maestrului. Decorul ușilor include zece compoziții pătrate din bronz aurit (" Creația lui Adam și a Evei”), cu expresivitatea lor neobișnuită care amintește de picturile pitorești. Artistul a reușit să transmită adâncimea spațiului, saturat cu imagini ale naturii, figuri de oameni, structuri arhitecturale. Cu mâna ușoară a lui Michelangelo, au început să fie numite ușile de est ale baptisteriului florentin „Porțile Paradisului”.

Atelierul Ghiberti a devenit o școală pentru o întreagă generație de artiști, în special acolo a lucrat faimosul Donatello, marele reformator al sculpturii italiene. Opera lui Donatello (c. 1386-1466), care a absorbit tradițiile democratice ale culturii Florenței în secolul al XIV-lea, este unul dintre vârfurile în dezvoltarea artei Renașterii timpurii. Ea a întruchipat căutarea unor mijloace noi, realiste de înfățișare a realității, caracteristice artei Renașterii, o atenție deosebită pentru om și lumea sa spirituală. Influența operei lui Donatello asupra dezvoltării artei renascentiste italiene a fost enormă.

A doua generație de sculptori florentini a gravitat către o artă mai lirică, pașnică, seculară. Rolul principal în ea a aparținut familiei sculptorilor della Robbia. Capul familiei, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), a devenit faimos pentru utilizarea tehnicii glazurării în sculptura rotundă și relief. Tehnica glazurării (majolica), cunoscută din cele mai vechi timpuri popoarelor din Asia de Vest, a fost adusă în Peninsula Iberică și insula Mallorca în Evul Mediu (de unde și numele), apoi s-a răspândit pe scară largă în Italia. Lucca della Robbia a creat medalioane cu reliefuri pe un fundal albastru profund pentru clădiri și altare, ghirlande de flori și fructe, busturi de majolica ale Maicii Domnului, ale lui Hristos și ale sfinților. Arta vesela, eleganta, amabila a acestui maestru a primit o binemeritata recunoastere a contemporanilor sai. O mare perfecțiune în tehnica majolicii a fost obținută și de nepotul său Andrea della Robbia (1435-1525) ( reliefuri de pe faţada Ospedale degli Innocenti).

Pictura

Rolul uriaș pe care l-a jucat Brunelleschi în arhitectura Renașterii timpurii, iar Donatello în sculptură, i-a aparținut lui Masaccio (1401-1428) în pictură. Masaccio a murit tânăr, înainte de a împlini vârsta de 27 de ani, și totuși a reușit să facă multe în pictură. Celebrul istoric de artă Vipper spunea: „Masaccio este unul dintre cele mai independente și mai consistente genii din istoria picturii europene, fondatorul unui nou realism...” Continuând căutarea lui Giotto, Masaccio rupe cu îndrăzneală tradițiile artistice medievale. În frescă „Trinitate”(1426-27), creat pentru biserica Santa Maria Novella din Florența, Masaccio folosește pentru prima dată perspectiva completă în pictura murală. În picturile murale ale Capelei Brancacci a Bisericii Santa Maria del Carmine din Florența (1425-28) - principala creație a scurtei sale vieți - Masaccio conferă imaginilor o vitalitate fără precedent, subliniază fizicitatea și monumentalitatea personajelor sale, transmite cu măiestrie starea emoțională a profunzimii psihologice a imaginilor. În Fresca „Expulzarea din Paradis” artistul rezolvă cea mai dificilă sarcină a timpului său de a înfățișa o figură umană goală. Arta aspră și curajoasă a lui Masaccio a avut un impact uriaș asupra culturii artistice a Renașterii.

Dezvoltarea picturii Renașterii timpurii a fost ambiguă: artiștii au mers pe cont propriu, uneori în moduri diferite. Începutul secular, dorința unei narațiuni fascinante, sentimentul liric pământesc și-au găsit o expresie vie în lucrările lui Fra Filippo Lippi (1406-69), călugăr din ordinul carmeliților. Maestru fermecător, autor al multor compoziții de altar, dintre care tabloul este considerat cel mai bun « Adorarea Copilului » creat pentru capela din Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi a reușit să transmită în ei căldura umană și dragostea poetică pentru natură.

La mijlocul secolului al XV-lea. pictura din Italia Centrală a cunoscut o înflorire rapidă, un exemplu izbitor al căruia este opera lui Piero della Francesca(1420-92), cel mai mare artist și teoretician al artei al Renașterii. Cea mai remarcabilă creație a lui Piero della Francesca - ciclu de fresce din biserica San Francesco din Arezzo, care se bazează pe legenda Arborelui Dătător de Viață al Crucii. Frescele cu trei niveluri urmăresc istoria cruce dătătoare de viață de la bun început, când arborele sacru crește din sămânța arborelui paradisului cunoașterii binelui și răului pe mormântul lui Adam ("Moartea lui Adam") până la capăt, când împărat bizantin Heraclius returnează solemn o relicvă creștină la Ierusalim (« Bătălia dintre Heraclius și Chosroes » ). Opera lui Piero della Francesca a depășit școlile locale de pictură și a determinat dezvoltarea artei italiene în general.

În a doua jumătate a secolului al XV-lea, mulți meșteri talentați au lucrat în nordul Italiei, în orașele Verona, Ferrara și Veneția. Dintre pictorii din acest timp, cel mai faimos este Andrea Mantegna (1431-1506) - maestru al picturii de șevalet și monumentale, desenator și gravor, sculptor și arhitect. Maniera picturală a artistului se remarcă prin urmărirea formelor și a desenelor, rigoarea și veridicitatea imaginilor generalizate. Datorită profunzimii spațiale și naturii sculpturale a figurilor, Mantegna obține impresia de înghețat pentru o clipă. scena reala- personajele lui arată atât de voluminoase și naturale. Cea mai mare parte a vieții sale, Mantegna a trăit în Mantua, unde și-a creat cea mai faimoasă lucrare - pictura murală „Chamber degli Sposi” in castelul de tara al marchizului L. Gonzaga. Numai prin pictură, el a creat aici un interior luxos renascentist, un loc pentru recepții ceremoniale și sărbători. Arta Mantegna, care s-a bucurat de o mare faimă, a influențat întreaga pictură din nordul Italiei.

Un loc special în pictura Renașterii timpurii îi aparține Sandro Botticelli(de fapt Alessandro di Mariano Filipepi), care s-a născut în 1445 la Florența în familia unui tăbăbar de piele bogat. În 1459-64. tânărul studiază pictura cu celebrul maestru florentin Filippo Lippi. În 1470 și-a deschis propriul atelier la Florența, iar în 1472 a devenit membru al Breslei Sf. Luca.

Prima creație a lui Botticelli a fost compoziția „Forța”, pe care a interpretat-o ​​pentru curtea comercială din Florența. Tânărul artist a câștigat rapid încrederea clienților și a câștigat faima, ceea ce a atras atenția lui Lorenzo Magnificul, noul conducător al Florenței, a devenit maestru de curte și favorit. Botticelli a executat majoritatea picturilor sale pentru casele ducelui și ale altor familii nobile florentine, precum și pentru biserici, mănăstiri și clădiri publice din Florența.

A doua jumătate a anilor 1470 și 1480 a devenit pentru Botticelli o perioadă de înflorire creativă. Pentru fațada principală a bisericii Santa Maria Novella, el scrie compoziția „ Adorarea Magilor„- un fel de portret de grup mitologizat al familiei Medici. Câțiva ani mai târziu, artistul își creează celebra sa alegorie mitologică „Primăvara”.

În 1481, Papa Sixtus al IV-lea a ordonat unui grup de pictori, printre care se număra Botticelli, să-și decoreze capela cu fresce, care ulterior au primit numele de „Sistine”. Frescuri în Capela Sixtină de Botticelli Ispita lui Hristos », « Scene din viața lui Moise », « Pedeapsa Coreei, Datanului și Avironului". În următorii câțiva ani, Botticelli a finalizat o serie de 4 fresce bazate pe nuvele din Decameronul lui Boccaccio, a creat cele mai faimoase lucrări mitologice ale sale („Nașterea lui Venus”, „ Pallas și Centaur”), precum și mai multe compoziții de altar pentru bisericile florentine („ Încoronarea Fecioarei Maria », « Altarul San Barnaba"). De multe ori a apelat la imaginea Madonei (" Madonna del Magnificat », « Madonna cu rodie », « Madonna cu o carte”), a lucrat și în genul portretului („ Portretul lui Giuliano Medici”, „Portretul unei tinere”, „Portretul unui tânăr”).

În anii 1490, în perioada mișcărilor sociale care au zguduit Florența și predicile mistice ale călugărului Savonarola, în arta lui Botticelli apar note moraliste și drame („Călmuire”, „ Plângere pentru Hristos », « Crăciun mistic"). Sub influența Savonarolei, într-un acces de exaltare religioasă, artistul chiar și-a distrus unele dintre lucrările sale. La mijlocul anilor 1490, odată cu moartea lui Lorenzo Magnificul și expulzarea fiului său Pietro din Florența, Botticelli și-a pierdut faima de mare artist. Uitat, el își trăiește în liniște viața în casa fratelui Simon. În 1510 artistul a murit.

Arta rafinată a lui Botticelli cu elemente de stilizare (adică generalizarea imaginilor folosind tehnici convenționale - simplificarea culorii, formei și volumului) este considerată unul dintre vârfurile dezvoltării picturii. Arta lui Botticelli, spre deosebire de majoritatea maeștrilor Renașterii timpurii, se baza pe experiența personală. Excepțional de sensibil și sincer, Botticelli a parcurs un drum dificil și tragic de căutare creativă - de la percepția poetică a lumii în tinerețe până la misticism și exaltarea religioasă la vârsta adultă.

RENAȘIRE TIMPURIE

RENAȘIRE TIMPURIE

Înalta Renaștere

Înalta Renaștere, care a dat omenirii atât de mari maeștri ca Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, acoperă o perioadă relativ scurtă de timp - sfârșitul secolului al XV-lea și prima treime a secolului al XVI-lea. Numai la Veneția înflorirea artei a continuat până la mijlocul sec.

Schimbările fundamentale asociate cu evenimente decisive din istoria lumii, succesele gândirii științifice avansate, au extins la infinit ideile oamenilor despre lume - nu numai despre pământ, ci și despre spațiu. Percepția asupra lumii și asupra personalității umane păreau a fi lărgite; în creativitatea artistică, acest lucru sa reflectat nu numai în scara maiestuoasă a structurilor arhitecturale, a monumentelor, a ciclurilor solemne de frescă și a picturilor, ci și în conținutul lor, expresivitatea imaginilor. Arta Înaltei Renașteri este un proces artistic plin de viață și complex, cu revolte uluitor de strălucitoare și crize ulterioare.

Donato Bramante.

Centrul de Arhitectură Înalta Renaștere a devenit Roma, unde, pe baza descoperirilor și succeselor anterioare, un singur stil clasic. Maeștrii au folosit în mod creativ sistemul de ordine antică, creând structuri, a căror monumentalitate maiestuoasă era în ton cu epoca. Donato Bramante (1444-1514) a devenit cel mai mare reprezentant al arhitecturii Înaltei Renașteri. Clădirile lui Bramante se disting prin monumentalitate și grandoare, perfecțiunea armonioasă a proporțiilor, integritatea și claritatea soluțiilor compoziționale și spațiale și utilizarea liberă și creativă a formelor clasice. Cea mai mare realizare creativă a Bramante este reconstrucția Vaticanului (arhitectul a creat de fapt o nouă clădire, incluzând organic clădiri vechi împrăștiate în ea). Bramante a fost, de asemenea, autorul designului Catedralei Sf. Petru din Roma. Cu opera sa, Bramante a determinat dezvoltarea arhitecturii în secolul al XVI-lea.

Leonardo da Vinci.

În istoria omenirii nu este ușor să găsești o altă persoană la fel de strălucitoare precum fondatorul artei Înaltei Renașteri. Leonardo da Vinci(1452-1519). Natura cuprinzătoare a activităților acestui mare artist, sculptor, arhitect, om de știință și inginer a devenit clară abia atunci când au fost examinate manuscrise împrăștiate din moștenirea sa, numărând peste șapte mii de foi conținând proiecte științifice și arhitecturale, invenții și schițe. Este dificil să numești domeniul de cunoaștere pe care geniul său nu l-ar fi atins. Universalismul lui Leonardo este atât de de neînțeles, încât celebrul biograf al figurilor renascentiste, Giorgio Vasari, nu a putut explica acest fenomen altfel decât prin intervenția cerului: „Orice s-ar întoarce acest om, fiecare acțiune a lui poartă pecetea divinității”.

În celebrul său „Tratat de pictură” (1498) și în alte note, Leonardo a acordat o mare atenție studiului corpului uman, informațiilor despre anatomie, proporții, relația dintre mișcări, expresii faciale și stare emotionala persoană. Leonardo s-a ocupat și de problemele clarobscurului, modelării volumetrice, perspectivei liniare și aeriene. Leonardo a adus un omagiu nu numai teoriei artei. A creat o serie de retablouri și portrete magnifice. Pensula lui Leonardo aparține uneia dintre cele mai faimoase lucrări ale picturii mondiale - „Mona Lisa” („La Gioconda”). Leonardo a creat imagini sculpturale monumentale, a proiectat și construit structuri arhitecturale. Leonardo rămâne până astăzi una dintre cele mai carismatice personalități ale Renașterii. Ii sunt dedicate un număr imens de cărți, viața lui este studiată în cel mai detaliat mod. Și, cu toate acestea, multe din opera sa rămâne un mister și continuă să emoționeze mințile oamenilor.

Rafael Santi.

Arta lui Raphael Santi (1483-1520) aparține și ea culmilor Renașterii italiene. Ideea de frumusețe și armonie sublimă este asociată cu opera lui Rafael în istoria artei mondiale. Este în general acceptat că în constelația maeștrilor străluciți ai Înaltei Renașteri, Rafael a fost principalul purtător al armoniei. Efortul necruțător pentru un început luminos, perfect pătrunde în toată opera lui Rafael, alcătuiește semnificația lui interioară. Opera sa este extraordinar de atractivă prin eleganța sa naturală (" Madonna Sixtina"). Poate de aceea maestrul a câștigat o popularitate atât de extraordinară în rândul publicului și a avut în orice moment mulți adepți printre artiști. Raphael nu a fost doar un pictor uimitor, portretist, ci și un muralist care a lucrat în tehnica frescei, un arhitect și un decorator. Toate aceste talente s-au manifestat cu o forță deosebită în picturile sale din apartamentele Papei Iulius al II-lea din Vatican („Școala din Atena”). În arta unui artist strălucit, s-a născut o nouă imagine a unui om renascentist - frumos, armonios, perfect fizic și spiritual.

Michelangelo Buonarotti.

Contemporan Leonardo da Vinci iar Rafael era rivalul lor etern - Michelangelo Buonarroti, cel mai mare maestru al Înaltei Renașteri - sculptor, pictor, arhitect și poet. Acest titan al Renașterii și-a început cariera cu sculptura. Statuile sale colosale au devenit simbolul unui om nou - un erou și un luptător ("David"). Maestrul a ridicat multe structuri arhitecturale și sculpturale, dintre care cea mai faimoasă este Capela Medici din Florența. Splendoarea acestor lucrări este construită pe tensiunea colosală a sentimentelor personajelor ( Sarcofagul lui Giuliano de Medici). Dar deosebit de celebre sunt picturile lui Michelangelo la Vatican, la Capela Sixtină, în care s-a dovedit a fi un pictor strălucit. Poate că nimeni în lumea artei, nici înainte, nici după Michelangelo, nu a creat personaje atât de puternice în trup și în spirit („ Crearea lui Adam"). Fresca uriașă, incredibil de complexă de pe tavan a fost realizată de artist singur, fără asistenți; până astăzi rămâne o lucrare monumentală de neîntrecut a picturii italiene. Dar, pe lângă picturile murale de pe tavanul Capelei Sixtine, maestrul, deja la bătrânețe, a creat „Judecata de Apoi” cu o inspirație înverșunată - un simbol al prăbușirii idealurilor marii sale epoci.

Michelangelo a lucrat mult și fructuos în arhitectură, în special, a supravegheat construcția Catedralei Sf. Petru și a ansamblului Piața Capitoliuluiîn Roma. Opera marelui Michelangelo a constituit o întreagă epocă și a fost cu mult înaintea timpului său, a jucat un rol colosal în arta mondială, în special, a influențat formarea principiilor barocului.

Giorgione și Titian.

În istoria artei Înaltei Renașteri, Veneția a intrat într-o pagină strălucitoare, unde pictura este la apogeu. Giorgione este considerat primul maestru al Înaltei Renașteri din Veneția. Arta lui este foarte specială. Spiritul armoniei clare și o contemplație intimă și reverie specială domnește în el. A scris adesea frumuseți încântătoare, adevărate zeițe. De obicei, aceasta este o ficțiune poetică - întruchiparea unui vis, admirația pentru un sentiment romantic și o femeie frumoasă. În picturile sale există un indiciu de pasiune senzuală, plăcere dulce, fericire nepământeană. Odată cu arta lui Giorgione, pictura venețiană a căpătat o semnificație integral italiană, afirmându-și trăsăturile artistice.

Tizian în a intrat în istoria artei italiene ca titan și șef al școlii venețiane, ca simbol al epocii sale de glorie. În opera acestui artist, respirația unei noi ere s-a manifestat cu o forță deosebită - furtunoasă, tragică, senzuală. Opera lui Tizian se distinge printr-o acoperire excepțional de largă și versatilă a tipurilor și genurilor de pictură. Tizian a fost unul dintre fondatorii picturii monumentale de altar, peisajul ca gen independent, diverse tipuri de portrete, inclusiv cel solemn-ceremonial. În opera sa, imaginile ideale coexistă cu personaje vii, conflicte tragice cu scene de bucurie jubilatoare, compoziții religioase cu picturi mitologice și istorice.

Titian a dezvoltat o nouă tehnică de pictură care a avut o influență excepțională asupra dezvoltării ulterioare a artelor plastice mondiale, până în secolul XX. Titian aparține celor mai mari colorişti ai picturii mondiale. Picturile sale strălucesc cu aur și o gamă complexă de tonuri luminoase vibrante de culoare. Titian, care a trăit aproape un secol, a supraviețuit prăbușirii idealurilor renascentiste, opera maestrului aparținând jumătate din Renașterea târzie. Eroul său, care intră în lupta împotriva forțelor ostile, moare, dar își păstrează măreția. Influența marelui atelier al lui Tițian a afectat toată arta venețiană.

REVIERE ÎNALTĂ

REVIERE ÎNALTĂ

Renașterea târzie

În a doua jumătate a secolului al XVI-lea. în Italia, declinul economiei și comerțului era în creștere, catolicismul a intrat într-o luptă cu cultura umanistă, arta era în criză profundă. A întărit tendințele antirenascentiste, întruchipate în manierism. Cu toate acestea, manierismul aproape că nu a afectat Veneția, care în a doua jumătate a secolului al XVI-lea a devenit principalul centru al artei Renașterii târzii. În conformitate cu înalta tradiție umanistă a Renașterii în noile condiții istorice de la Veneția, s-a dezvoltat opera marilor maeștri ai Renașterii târzii, îmbogățită cu noi forme - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Lucrarea arhitectului italian de nord Andrea Palladio (1508-80), bazată pe un studiu profund al arhitecturii antice și renascentiste, este unul dintre vârfurile în arta Renașterii târzii. Palladio a dezvoltat principiile arhitecturii, care au fost dezvoltate în arhitectura clasicismului european din secolele XVII-XVIII. și a primit numele de Palladianism. Arhitectul și-a conturat ideile în lucrarea teoretică Four Books on Architecture (1570). Clădirile din Palladio (în principal palate și vile urbane) sunt pline de frumusețe și naturalețe grațioasă, completitate armonioasă și ordine strictă, se disting prin claritatea și oportunitatea planificării și o legătură organică cu mediul ( Palazzo Chiericati). Capacitatea de a armoniza arhitectura cu peisajul înconjurător s-a manifestat cu o forță deosebită în vilele Palladio, impregnate de un simț elegiac și luminat al naturii și marcate de claritatea clasică și simplitatea formelor și compoziției ( Vila Capra (Rotonda)). Palladio a creat prima clădire monumentală de teatru din Italia, Teatrul Olimpico. Influența lui Palladio asupra dezvoltării arhitecturii în secolele următoare a fost enormă.

Veronese și Tintoretto...

Natura festivă, de afirmare a vieții, a Renașterii venețiane s-a manifestat cel mai clar în opera lui Paolo Veronese. Artist monumental, a creat ansambluri decorative magnifice de picturi pe perete și tavan cu multe personaje și detalii distractive. Veronese și-a creat propriul stil: picturile sale spectaculoase, spectaculoase, sunt pline de emoții, pasiune și viață, iar eroii, nobilimea venețiană, se află de obicei în palate patriciene sau pe fundalul naturii luxoase. Sunt purtați de sărbători grandioase sau de festivități încântătoare („Căsătoria la Cana”). Veronese a fost stăpânul Veneției vesele, al triumfurilor ei, poetul strălucirii sale de aur. Veronese a avut un dar excepțional ca colorist. Culorile lui sunt pătrunse de lumină, intense și nu doar dotează obiectele cu culoare, ci ele însele se transformă într-un obiect, transformându-se în nori, țesătură, corp uman. Din această cauză, frumusețea reală a figurilor și obiectelor este înmulțită de frumusețea culorii și texturii, care produce un puternic impact emoțional asupra privitorului.

Complet opusul lui Veronese a fost contemporanul său Tintoretto (1518-94) - ultimul maestru major al Renașterii italiene. Abundența influențelor artistice externe s-a dizolvat în individualitatea creativă unică a lui Tintoretto. În opera sa, a fost o figură gigantică, creatorul temperamentului vulcanic, al pasiunilor violente și al intensității eroice. Opera sa a avut un succes imens atât în ​​rândul contemporanilor, cât și în rândul generațiilor ulterioare. Tintoretto se distingea printr-o capacitate cu adevărat inumană de a lucra, de căutare neobosit. A simțit tragedia timpului său mai puternic și mai profund decât majoritatea contemporanilor săi. Maestrul s-a răzvrătit împotriva tradițiilor consacrate în artele vizuale - respectarea simetriei, echilibrul strict, static; a extins granițele spațiului, l-a saturat cu dinamică, acțiune dramatică, a început să exprime sentimentele umane mai viu. 1590 . Arta manierismului se îndepărtează de idealurile renascentiste ale percepției armonioase a lumii. Omul este la cheremul forțelor supranaturale. Lumea pare instabilă, tremurătoare, într-o stare de decădere. Imaginile manieriste sunt pline de anxietate, neliniște, tensiune. Artistul se îndepărtează de natură, se străduiește să o depășească, urmând în opera sa o „idee interioară” subiectivă, a cărei bază nu este lumea reală, ci imaginație creativă; mijlocul de performanţă este „maniera frumoasă” ca sumă a unor tehnici. Printre acestea se numără alungirea arbitrară a figurilor, ritmul serpentin complex, irealitatea spațiului și a luminii fantastice și, uneori, culorile reci și pătrunzătoare.

Jacopo Pontormo (1494-1556) a fost cel mai mare și mai talentat maestru al manierismului, un pictor cu un destin creativ complex. În faimoasa lui pictură Coborâre de pe Cruce» compoziția este instabilă, figurile sunt rupte pretențios, culorile deschise sunt tăioase. Francesco Mazzola, supranumit Parmigianino (1503-40) îi plăcea să impresioneze privitorul: de exemplu, el a scris „ Autoportret într-o oglindă convexă". Deliberarea deliberată distinge faimoasa lui pictură " Madonna cu gâtul lung ».

Pictorul de la curtea Medici Agnolo Bronzino (1503-72) este cunoscut pentru portretele sale ceremoniale. Ei au făcut ecou epocii atrocităților sângeroase și a declinului moral care a cuprins cele mai înalte cercuri ale societății italiene. Clienții nobili ai Bronzinoului sunt, parcă, despărțiți de privitor printr-o distanță invizibilă; rigiditatea ipostazei lor, impasibilitatea fețelor lor, bogăția hainelor lor, gesturile frumoaselor lor mâini din față - toate acestea sunt ca o înveliș exterioară care ascunde o viață interioară defecte. În portretul lui Eleonora de Toledo cu fiul ei (c. 1545), inaccesibilitatea imaginii reci și îndepărtate este întărită de faptul că atenția privitorului este complet absorbită de modelul mare plat al hainelor magnifice de brocart ale ducesei. Tipul de portret de curte creat de manierişti a influenţat arta portretului din secolele XVI-XVII. în multe alte ţări europene.

Arta manierismului era de tranziție: Renașterea se estompează în trecut, venise timpul pentru un nou stil artistic integral european - baroc.

Arta Renașterii de Nord.

Țările din nordul Europei nu au avut trecutul lor străvechi, dar perioada Renașterii se remarcă în istoria lor: de la rândul lor.XV – XVIpentru a doua jumătateXVIIsecol. Acest timp se distinge prin pătrunderea idealurilor renascentiste în diverse sfere ale culturii și schimbarea treptată a stilului său. Ca și în locul de naștere al Renașterii, în arta Renașterii de Nord, interesul pentru lumea reală a schimbat formele creativității artistice. Cu toate acestea, arta țărilor din nord nu a fost caracterizată de patosul picturii italiene, gloriind puterea omului-titan. Burgerii (așa-zișii orășeni înstăriți) prețuiau mai mult integritatea, fidelitatea față de datorie și cuvânt, sfințenia jurământului conjugal și vatra. În cercurile burgheze, propriul lor ideal de persoană se dezvolta - un clar, sobru, pios și de afaceri. Arta burghezilor poetizează omul obișnuit și lumea lui - lumea vieții de zi cu zi și a lucrurilor simple.

Maeștrii Renașterii în Țările de Jos.

Noi trăsături ale artei renascentiste au apărut în primul rând în Țările de Jos, care era una dintre cele mai bogate și mai industrializate țări din Europa. Datorită legăturilor sale internaționale extinse, Țările de Jos au adoptat noi descoperiri mult mai repede decât alte țări nordice.

S-a deschis stilul renascentist în Țările de Jos Jan Van Eyck(1390-1441). Cea mai faimoasă lucrare a lui este retablo de la Gent, la care artistul a început să lucreze cu fratele său, iar după moartea sa a continuat să lucreze pe cont propriu încă 6 ani. Altarul din Gent, creat pentru catedrala orașului, este un pliu cu două niveluri, pe 12 scânduri din care există imagini ale vieții cotidiene, de zi cu zi (pe scândurile exterioare, care erau vizibile la închiderea pliului) și festivă, jubilatoare, viață transfigurată (pe ușile interioare, care apăreau deschise în timpul sărbătorilor bisericești). Acesta este un monument de artă, care slăvește frumusețea vieții pământești. Sentimentul emoțional al lui Van Eyck - „lumea este ca un paradis”, fiecare particulă a căruia este frumoasă – este exprimat clar și clar. Artistul s-a bazat pe multe observații din natură. Toate figurile și obiectele au volum și greutate tridimensionale. Frații Van Eyck au fost printre primii care au descoperit posibilitățile picturii în ulei; din acest moment începe deplasarea treptată a temperei de către aceasta.

În a doua jumătate a lui XVsecol, plin de lupte politice și religioase, în arta Olandei iese în evidență o artă complexă, deosebită Hieronymus Bosch(1450?-1516). Acesta este un artist foarte curios, cu o imaginație extraordinară. A trăit în lumea lui proprie și teribilă. În picturile lui Bosch există o condensare de reprezentări folclorice medievale, montaje grotești ale viului și mecanicului, teribilului și comic. În compozițiile sale, care nu aveau centru, nu există un personaj principal. Spațiul din mai multe straturi este umplut cu numeroase grupuri de figuri și obiecte: reptile monstruos de exagerate, broaște râioase, păianjeni, creaturi teribile în care sunt combinate părți ale diferitelor creaturi și obiecte. Scopul compozițiilor lui Bosch este edificarea morală. Bosch nu găsește armonie și perfecțiune în natură, imaginile sale demonice amintesc de vitalitatea și omniprezența răului lumii, de ciclul vieții și al morții.

Bărbatul din picturile lui Bosch este patetic și slab. Deci, în triptic Transportul de fân» artistul dezvăluie istoria omenirii. Aripa stângă spune povestea căderii lui Adam și Eva, cea dreaptă înfățișează Iadul și toate ororile care îi așteaptă pe păcătoși aici. Partea centrală a imaginii ilustrează proverbul popular „Lumea este un car de fân, fiecare ia din el ceea ce reușește să apuce”. Bosch arată cum oamenii luptă pentru un petic de fân, mor sub roțile unui vagon, încearcă să se urce pe el. Pe vârful vagonului, renunțând la lume, îndrăgostiții cântă și se sărută. Pe de o parte este un înger, iar pe cealaltă, diavolul: cine va învinge? Creaturi înfiorătoare trag căruciorul în lumea interlopă. În spatele tuturor acțiunilor oamenilor, Dumnezeu privește uluit. O dispoziție și mai sumbră este impregnată de imagine " Purtând Crucea”: Hristos își poartă crucea grea, înconjurat de oameni dezgustători, cu ochii bombați și cu gurile căscate. De dragul lor, Domnul se jertfește, dar moartea Sa pe cruce îi va lăsa indiferenți.

Bosch murise deja când s-a născut un alt artist celebru olandez - Pieter Brueghel cel Bătrân(1525-1569), supranumit Muzhitsky pentru multe picturi care descriu viața țăranilor. Brueghel a luat proverbe populare și grijile de zi cu zi ale oamenilor obișnuiți ca bază pentru multe comploturi. Completitudinea imaginilor picturilor " nunta taraneasca" și " dansul taranesc„poartă puterea elementelor oamenilor. Chiar și picturile lui Brueghel pe scene biblice sunt locuite de Țările de Jos, iar evenimentele din îndepărtata Iudee au loc pe fundalul străzilor acoperite de zăpadă sub cerul lui întunecat. tara natala (« Predica lui Ioan Botezătorul"). Arătând aparent neimportant, minor, artistul vorbește despre principalul lucru din viața oamenilor, recreează spiritul timpului său.

O pânză mică Vânători în zăpadă” (ianuarie) din seria „Anotimpurile” este considerată una dintre capodoperele de neîntrecut ale picturii mondiale. Vânătorii obosiți cu câini se întorc acasă. Împreună cu ei, privitorul intră pe deal, din care se deschide o panoramă a unui orășel. Malurile râului acoperite de zăpadă, copacii spinoși au înghețat în aerul limpede și geros, păsările zboară, stau pe crengile copacilor și pe acoperișurile caselor, oamenii sunt ocupați cu treburile lor zilnice. Toate aceste fleacuri aparent, împreună cu albastrul cerului, copacii negri, zăpada albă, creează în imagine o panoramă a lumii pe care artistul o iubește cu pasiune.

Cel mai tragic tablou al lui Brueghel Pilda orbilor„Scris de artist cu puțin timp înainte de moartea sa. Ea ilustrează povestea Evangheliei„Dacă orb îl conduce pe orb, amândoi vor cădea în groapă”. Poate că aceasta este o imagine a umanității, orbită de dorințele ei, îndreptându-se spre moartea ei. Cu toate acestea, Brueghel nu judecă, ci, cuprinzând legile relației oamenilor între ei, cu mediu inconjurator, pătrunzând în esența naturii umane, dezvăluie oamenilor înșiși locul lor în lume.

Pictura în Germania în timpul Renașterii.

Caracteristicile Renașterii în arta Germaniei apar mai târziu decât în ​​Țările de Jos. Perioada de glorie a umanismului german, științelor seculare și culturii cade în primii aniXVIîn. A fost o perioadă scurtă în care cultura germană a oferit lumii cele mai înalte valori artistice. În primul rând, ar trebui să includă lucrări Albrecht Dürer(1471-1528) - cel mai important artist al Renașterii germane.

Durer este un reprezentant tipic al Renașterii, a fost pictor, gravor, matematician și inginer, a scris tratate de fortificație și teoria artei. Pe autoportrete el apare inteligent, nobil, concentrat, plin de reflecții filosofice profunde. În picturi, Dürer nu se mulțumește cu frumusețea formală, ci caută să dea o expresie simbolică a gândurilor abstracte.

Un loc special în moștenirea creativă a lui Dürer aparține seriei Apocalypse, care include 15 gravuri mari în lemn. Dürer ilustrează predicțiile din „Apocalipsa lui Ioan Teologul”, de exemplu, foaia „ patru călăreţi„simbolizează dezastre teribile - război, ciumă, foamete, judecată nedreaptă. Prezentarea schimbării, încercărilor grele și dezastrelor, exprimate în gravuri, s-au dovedit a fi profetice (în curând au început Reforma și războaiele țărănești și religioase care au urmat).

Un alt mare artist al vremii a fost Lucas Cranach cel Bătrân(1472-1553). Schitul adăpostește picturile sale Madona cu Pruncul sub măr" și " Portret feminin". În ele vedem un chip de femeie, surprins în multe dintre tablourile maestrului (chiar se numește „Cranach”): o bărbie mică, o fantă îngustă a ochilor, păr auriu. Artistul scrie cu atenție bijuterii și haine, picturile sale sunt o sărbătoare pentru ochi. Puritatea și naivitatea imaginilor te fac din nou să te uiți în aceste picturi. Cranach a fost un portretist minunat, a creat imagini ale multor contemporani celebri - Martin Luther (care i-a fost prieten), Ducele Henric de Saxonia și mulți alții.

Dar cel mai faimos portretist al Renașterii de Nord poate fi recunoscut, fără îndoială, ca un alt pictor german. Hans Holbein cel Tânăr(1497-1543). Multă vreme a fost pictorul de curte al regelui englez HenricVIII. În portretul său, Holbein transmite perfect natura imperioasă a regelui, care nu este familiarizat cu îndoiala. Ochi mici și inteligenți pe o față cărnoasă trădează un tiran în el. Portretul lui Heinrich VIII era atât de de încredere încât îi speria pe cei care îl cunoșteau pe rege. Holbein a pictat portrete ale multora oameni faimosi din acea vreme, în special omul de stat și scriitorul Thomas More, filozoful Erasmus din Rotterdam și mulți alții.

Dezvoltarea culturii Renașterii în Germania, Țările de Jos și în alte țări europene a fost întreruptă de Reformă și de războaiele religioase care au urmat. În urma acesteia, a venit momentul formării unor noi principii în artă, care au intrat în următoarea etapă a dezvoltării ei.

Renașterea este o perioadă semnificativă în istoria omenirii. Acesta este un moment al schimbării în conștiința oamenilor, trecerea de la dominația medievală a cultului divin la dorința de a reînvia idealurile străvechi, de a se concentra pe dezvoltarea omului ca persoană. Aceasta este o perioadă de ascensiune extraordinară a picturii. Această epocă ne-a oferit maeștri precum Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raphael Santi și alți mari artiști. Până acum, oameni din toată lumea vin în galerii pentru a vedea picturile acestor maeștri remarcabili. Există, de asemenea, o creștere a științei, care este asociată cu numele lui Nicolaus Copernic, Giordano Bruno și Galileo Galilei.

Pictura și știința Renașterii

Principalele idei ale Renașterii (umanismul, antropocentrismul, orientarea către antichitate) și-au găsit expresia în arta Renașterii (Renașterea).

Marile descoperiri geografice au extins înțelegerea lumii de către europeni. Erau dovezi ale sfericității Pământului, cunoașterea altor culturi. Acest timp este caracterizat de creșterea orașelor, dezvoltarea fabricilor. Toate acestea au contribuit la dezvoltarea științei.

Evoluții

Sfârșitul secolelor XIII-XIV.- Proto-Renaștere

secolul 15- Renașterea timpurie

Sfârșitul secolului al XV-lea - începutul secolului al XVI-lea- Înalta Renaștere

Mijlocul - a doua jumătate a secolului al XVI-lea.- Renașterea târzie

Caracteristici

artele frumoase ale Renașterii:

Construcția unei compoziții tridimensionale (tridimensionalitate)
. aplicarea perspectivei liniare
. naturalism, imitație a naturii. Interes pentru anatomia umană
. schimbarea statutului artistului. Artistul încetează să mai fie un meșter anonim
. poza picturală înlocuiește icoana. Există un apel la obiectele externe vizibile prin viziune fizică (spre deosebire de icoană, pentru care sensul invizibil, „ascuns” este primordial)
. apar genuri laice, în special, portretul
. apare rotund (separat de perete și destinat vederii din toate părțile) și sculptură în nud

științe ale Renașterii:

Dezvoltarea stiintelor umane
. dezvoltarea matematicii si stiintelor naturii
. trecerea de la speculație pură la experiență
. legătura cu practica (dezvoltarea navigației, cartografiei, diverse tehnologii)

Membrii

Leonardo da Vinci:

Sandro Botticelli:

Michelangelo Buanarroti:

Rafael Santi:

Pieter Brueghel:

Albrecht Dürer:

Lucas Cranach cel Bătrân:

Concluzie

Cultura renascentista, formata initial in Italia, in secolul al XVI-lea. răspândit în toată Europa. Trecerea la Renaștere a însemnat o nouă estetică, o nouă privire asupra artei, științei și omului însuși. Ideile Renașterii au influențat întreaga cultură europeană a timpurilor moderne.

În această lecție vom vorbi despre pictura și știința Renașterii.

Fundamentul Renașterii a fost umanism. Această tendință ideologică a adus ființa umană în prim-plan. Antropocentrismul ( viziunea idealistă, conform căreia omul este centrul universului și scopul tuturor evenimentelor care au loc în lume) s-a opus teocentrism ( concept filosofic, care se bazează pe înțelegerea lui Dumnezeu ca ființă absolută, perfectă, cea mai înaltă, izvorul întregii vieți și al oricărui bine) din Evul Mediu. Centrul Renașterii a fost Italia.

În dezvoltarea artei plastice italiene a Renașterii, există mai multe etape:

Proto-Renaștere (sfârșitul secolelor XIII-XIV)

Renașterea timpurie (secolul al XV-lea)

Înalta Renaștere (sfârșitul secolului al XV-lea - prima treime a secolului al XVI-lea)

Renașterea târzie (mijlocul și a doua jumătate a secolului al XVI-lea)

Primii artiști, prevestitori ai Renașterii, au apărut în Italia la sfârșitul secolului al XIII-lea. Când au creat picturi artistice cu teme religioase tradiționale, au început să folosească noi tehnici artistice: construirea unei compoziții tridimensionale, folosind un peisaj în fundal. Acest lucru i-a diferențiat puternic de tradiția iconografică anterioară, care a fost caracterizată de convenții în imagine. Pentru a face referire la munca lor, se obișnuiește să se folosească termenul - protorenascentist.

Giotto di Bondone pictor și arhitect renascentist. Printre lucrările timpurii ale lui Giotto, trebuie remarcate frescele Bisericii Superioare San Francesco, care au fost create între 1290-1299. Deoarece frescele au fost create de un grup de maeștri, este extrem de dificil să se determine lucrările autentice ale lui Giotto. Unii cercetători neagă, în general, autoritatea acestuia. În jurul anului 1310 a fost pictată biserica inferioară, la pictura la care a participat și Giotto. În perioada 1304-1306. Giotto și-a creat cea mai importantă lucrare - pictura capelei del Arena din Padova (Fig. 1). Picturile murale dispuse pe trei niveluri povestesc în ordine cronologică despre viața Mariei și a lui Hristos. Rezolvarea temei sub forma unei serii de intrigi dramatice, simplitatea situațiilor, expresivitatea plastică a gesturilor și colorarea ușoară fac din picturile murale o capodopera a picturii proto-renascentiste din Italia.

Orez. 1. Giotto di Bondone - pictura Capelei Arena din Padova ()

Perioada de glorie a picturii renascentiste cade in primul sfert al secolului al XVI-lea. Această perioadă se numește Înalta Renaștere. tema principală pictura Renașterii a devenit om. De asemenea, pictura acestei epoci se caracterizează prin dorința pentru o imagine naturalistă a originalului, interes pentru anatomia umană, apariția imaginilor nudurilor, precum și apariția și răspândirea genurilor seculare: peisaj, pictura de uz casnicși un portret. Chiar și în arta religioasă, pictura înlocuiește icoana.

Cel mai mare geniu al Renașterii a fost Leonardo da Vinci(Fig. 2) (1452-1519), cunoscător de anatomie și fizică, designer și arhitect, sculptor și artist, muzician și scriitor. El a devenit întruchiparea idealului umanist al unei personalități dezvoltate cuprinzător. A desenat un submarin, o aeronavă și o parașută. Dintre operele de artă ale lui Leonardo da Vinci, cea mai cunoscută portretul „Mona Lisa” sau „La Gioconda” (Fig. 3). Acest portret este unul dintre cele mai bune exemple ale genului portret al Înaltei Renașteri. Până în ziua de azi, pictura este în Louvre(Paris, Franta). Și-a câștigat faima „Omul Vitruvian” (Fig. 4), desen de Leonardo da Vinci. Pe lângă picturi, s-au păstrat câteva fresce grandioase ale maestrului. Imagine "Ultima cina"(Fig. 5) împodobeau zidul uneia dintre mănăstirile milaneze. Acest tablou înfățișează o legendă conform căreia, cu puțin timp înainte de moartea sa, Isus și-a adunat ucenicii și le-a spus: „Unul dintre voi mă va trăda”. Imaginea îi arată pe elevi uimiți de aceste cuvinte. Furia, disperarea, frica și neîncrederea pe fețele lor. Doar Isus este calm și trist.

Orez. 2. Autoportret al lui Leonardo da Vinci ()

Orez. 3. Leonardo da Vinci - Mona Lisa (Gioconda) ()

Orez. 4. Leonardo da Vinci - Omul Vitruvian, Galeria Academiei, Veneția ()

Orez. 5. Leonardo da Vinci - Cina cea de Taină ()

Michelangelo Buonarroti - mai tânăr contemporan al lui Leonardo, pictor, sculptor, inginer militar și poet. Creația ingenioasă a lui Michelangelo ca artist este Pictură pe tavanul Capelei Sixtine din Vatican(Fig. 6) înfățișând scene biblice. A fost construită între 1508 și 1512. Pe o suprafață de 600 mp. m. artistul, stând pe schelă, a înfățișat sute de figuri umane pline de dramă. Secțiunea principală a ciclului este formată din nouă scene din cartea Geneza, prima carte a Bibliei. Picturile sunt împărțite în 3 grupe. Tema primului grup de imagini este crearea Pământului și a Cerului de către Dumnezeu, a doua - crearea lui Adam și a Evei, căderea, izgonirea din paradis, a treia - suferința care a atins omenirea prin povestea lui Noe. Succesiunea episoadelor este aranjată în așa fel încât privitorul, la intrarea în capelă, începe să privească scenele de pe peretele altarului. Mulți ani mai târziu, Michelangelo a revenit să picteze Capela Sixtină, creând o frescă grandioasă « Judecata de Apoi» (Fig. 7).

Orez. 6. Michelangelo Buonarroti - pictura de tavan a Capelei Sixtine din Vatican ()

Orez. 7. Michelangelo Buonarroti - Judecata de Apoi ()

Rafael Santi- marele artist și arhitect italian al Înaltei Renașteri, un contemporan al lui Leonardo. Rafael a făcut diverse meserii. Din ordinul Papei, a pictat camere și săli pentru o recepție solemnă în Vatican, proiectate la Roma. Catedrala Sfantul Pavel, s-a ocupat cu decorarea interioarelor bisericilor și palatelor nobililor. Un loc special în pictura sa îl ocupă imagini feminine . Madonna Sixtina(Fig. 8) - a fost scrisă de Rafael în 1512-1513. pentru altarul bisericii manastirii Sf. Sixtus. Pictura a fost comandată de Papa Iulius al II-lea în cinstea victoriei asupra francezilor care au invadat Italia. Pictura o înfățișează pe Fecioara cu Pruncul, înconjurați de Papa Sixtus al II-lea și de Sfânta Barbara, precum și doi îngeri dedesubt. Figurile formează un triunghi, iar perdelele despărțite nu fac decât să sublinieze construcția geometrică a compoziției. Îndemânarea artistului constă și în faptul că fundalul, care la prima vedere pare a fi nori, la o examinare mai atentă se dovedește a fi capete de îngeri. Acest tablou se află în prezent Galeria Dresdaîn Germania.

Orez. 8. Raphael Santi - Madonna Sixtina ()

Renașterea de Nord este un termen folosit pentru a descrie Renașterea în Europa de Nord sau în toată Europa în afara Italiei. În arta Renașterii de Nord, rolul principal îi revine picturii. Spre deosebire de Italia, pictura Renașterii de Nord a păstrat tradițiile artei gotice pentru o lungă perioadă de timp, a acordat mai puțină atenție moștenirii antice și studiului anatomiei umane. Printre pictorii proeminenți germani ai Renașterii de Nord - Lucas Cranach cel Bătrân, celebra lui opera este portretul lui Martin Luther (fig. 9). De asemenea, printre artiștii germani remarcabili ai acestei epoci se numără Albrecht Dürer. Pictor versatil și cel mai mare maestru al gravurii, a studiat perspectiva și canoanele corpului uman, încercând să înțeleagă legile frumuseții. Cea mai faimoasă dintre gravurile sale din serie „Apocalipsa”.

Orez. 9. Lucas Cranach cel Bătrân - Portretul lui Martin Luther ()

Renașterea a afectat și arta Olanda, Spania și Franța.

Marile descoperiri geografice au extins granițele ținuturilor explorate, au dovedit ipoteza formei sferice a planetei noastre și au oferit noi cunoștințe despre alte culturi. Creșterea orașelor, dezvoltarea producției manufacturiere, întărirea relațiilor comerciale dintre țări au necesitat dezvoltarea științelor exacte. Cel mai mare progres s-a făcut în astronomie.

Marele astronom polonez (Fig. 10) a propus heliocentric sistem al lumii – ideea că Soarele este corpul ceresc central în jurul căruia se învârte Pământul și alte planete. El a observat corpurile cerești timp de 30 de ani și a ajuns la concluzia că Pământul se învârte în jurul soareluiși în jurul propriei axe. Sistemul său heliocentric l-a înlocuit pe fostul - geocentric- o idee a structurii universului, conform căreia poziția centrală în univers este ocupată de un Pământ nemișcat, în jurul căruia se învârt Soarele, Luna, planetele și stelele.

Orez. 10. Nicolaus Copernic ()

Era epoca luptei rațiunii și a dogmelor religioase. a fost adeptul lui Copernic Giordano Bruno. El, prin decizia curții Inchiziției, a fost ars pe rug. Aproape că a avut aceeași soartă Galileo Galilei, curtea Inchiziției a reușit însă să-l oblige să renunțe la opiniile sale științifice.

astronom german Johannes Kepler El a formulat legea mișcării planetelor pe orbitele lor. Fiecare planetă sistem solar se deplasează într-o elipsă cu soarele la unul dintre focarele sale. Fiecare planetă din sistemul solar se mișcă într-un plan care trece prin centrul Soarelui.

În acest moment, în matematică se disting trigonometria și geometria analitică.. Datorită lucrărilor și lucrărilor lui Andreas Vesalius, fondatorul anatomiei științifice William Harvey, fondatorul embriologiei și fiziologiei Miguel Servet, medicina și anatomia au făcut un pas înainte.

FrontierăXVI- XVIIsecole numit începutul revoluției științelor naturale.

Bibliografie

1. Barenboim P., Shiyan S. Michelangelo. Misterele Capelei Medici. - M.: Slovo, 2006.
2. Vedyushkin V.A., Burin S.N. Manual despre istoria timpurilor moderne, clasa a VII-a. - M., 2013.
3. Volynsky A.L. Viața lui Leonardo da Vinci. - M.: Algoritm, 1997.
4. Grebenikov E.A. Nicolae Copernic. - M.: „Știință”, 1982.
5. Arta Renașterii timpurii. - M.: Art, 1980.
6. Istoria artei: Renaștere. - M.: AST, 2003.
7. Makhov A. Rafael. Gardă tânără. 2011. (Viața unor oameni minunați)
8. Seil G. Leonardo da Vinci ca artist și om de știință (1452-1519): O experiență de biografie psihologică / Per. din fr. - M.: KomKniga, 2007.
9. Turtefiri A. Giotto: Tezaurul capodoperelor mondiale / Per. Cu acesta. D. Kizilova. - M.: BMM, 2011.
10. Yudovskaya A.Ya. Istoria generală. Istoria New Age. 1500-1800. M.: „Iluminismul”, 2012.
11. Yaylenko E.V. Renașterea italiană. - M.: OLMA-PRESS, 2005.

1. Fb.ru ().
2. Studfiles.ru ().
3. Grandars.ru ().
4. Chuchotezvous.ru ().

Teme pentru acasă

1. Enumerați principalele trăsături ale Renașterii, manifestate în pictură.
2. Care sunt perioadele Renașterii?
3. Ce artiști celebri ai Renașterii cunoști? Ce poze au pictat? Ai mai văzut vreuna din aceste imagini?
4. Descrieți dezvoltarea științei în timpul Renașterii.

renaştereîmpărțit cronologic în 4 etape: 1) Proto-Renaștere (Înainte de renaștere) - secolul XIII. (două sute de ani - ducento)și
secolul al XIV-lea (trei sute de ani - trecento); 2) Trezire timpurie - secolul 15 (quat-rocento); 3) înaltă trezire - anii 80 secolul 15 - 30 de ani
al 16-lea secol (cinquicento); 4) Reînvierea târzie - până la sfârşitul secolului al XVI-lea.

La sfârşitul secolului XIV - începutul secolului XV. in Europa si anume Italia, a început să se contureze o cultură burgheză timpurie, care a fost numită cultura Renașterii (Renașterea). Termenul „Renaștere” a indicat legătura noii culturi cu antichitatea. Renașterea a fost caracterizată de multe schimbări foarte semnificative în mentalitatea oamenilor în comparație cu perioada Evului Mediu. Cu distrugerea vechilor idei feudal-religioase și crearea unui nou sistem de valori care corespundea erei burgheze în curs de dezvoltare, a fost, de asemenea, asociată. antropocentrismul. Omul este declarat centrul universului, înțeles ca parte a naturii și a creației sale cele mai perfecte. Omul ca măsură a tuturor lucrurilor, ca personalitate eroică, independentă, dezvoltată cuprinzător, ca forță creatoare în lupta împotriva naturii și asuprirea constrângerii bisericești-feudale. Acest laitmotiv se reflectă viu în toate ramurile artei.

La originile Renașterii („Renașterea timpurie”) în Italia s-a aflat marele Dante Alighieri, autorul „Comediei”, care mai târziu, exprimându-și admirația, a numit „Divina Comedie”. Sonetele sunt celebre în întreaga lume. Francesca Petrarh(1304-1374) despre viața și moartea Madonei Laura. Adeptul lui Petrarh Giovanni Boccaccio(1313-1375), autor al Decameronului, o colecție de nuvele realiste unite printr-un ideal umanist comun și reprezentând un singur întreg. Renumitii poeți ai Renașterii au creat limba literară italiană. În timpul vieții lor, operele lor au fost cunoscute pe scară largă nu numai în Italia, ci și dincolo de granițele acesteia și au intrat în vistieria literaturii mondiale.

Renașterea este caracterizată cult al frumosului mai presus de toate frumusetea omului. Pictura italiană, care pentru un timp devine principala formă de artă, înfățișează oameni frumoși, perfecți. Pictura Renașterii timpurii este reprezentată de opera lui Botticelli (1445-1510), Giotto (1266-1337), Masaccio (1401-1428). Unul dintre cei mai cunoscuți sculptori ai vremii a fost Donatello (1386-1466), autorul unui număr de lucrări realiste de tip portret, pentru prima dată după antichitate a prezentat din nou un corp gol în sculptură. Cel mai mare arhitect al Renașterii timpurii este Brunelleschi (1377-1446). El a căutat să combine elemente ale romanului antic și stiluri gotice, a construit temple, palate, capele.

Pentru schimbare Renașterea timpurie a venit Înalta Renaștere- timpul celei mai înalte înfloriri a culturii umaniste a Italiei. Atunci ideile despre onoarea și demnitatea omului, scopul său înalt pe Pământ au fost exprimate cu cea mai mare plenitudine și forță. Au fost numiți Titanii Înaltei Renașteri Leonardo da Vinci (1456-1519), Rafael Santi (1483-1520), Mi-chelangelo Buonarotti (1475-1564).

Mișcarea umanistă este recunoscută ca un fenomen paneuropean.În secolul XV. umanismul trece dincolo de Italia și se răspândește rapid în toate țările vest-europene. Fiecare țară a avut propriile caracteristici în formarea culturii Renașterii, realizările sale naționale, conducătorii săi.

În Germania ideile umanismului au devenit cunoscute la mijlocul secolului al XV-lea, exercitând o puternică influență asupra cercurilor universitare și a intelectualității progresiste. Un reprezentant remarcabil al literaturii umaniste germane a fost Johann Reuchlin (1455-1522), care a căutat să arate divinitatea în om însuși. Este autorul celebrei lucrări satirice „Scrisori ale oamenilor întunecați”, în care este afișat un șir de oameni ignoranți, întunecați - maeștri și licențe, care, de altfel, au diplome academice. În perioada Reformei s-a remarcat talentatul poet Hans Sachs (1494-1576), care a scris multe fabule edificatoare, cântece, schwanks etc.

Artele frumoase au înflorit. În acest domeniu a lucrat faimosul pictor și gravor. Albrecht Dürer(1471-1528) - fondatorul și cel mai mare reprezentant al Renașterii germane, „nord Leonardo da Vinci”, artiștii Hans Holbein cel Tânăr (1497-1543), Lucas Cranach cel Bătrân (1472-1553).

Cel mai mare reprezentant al culturii Renașterii în Olanda a fost Erasmus din Rotterdam(1496-1536). Valoarea lucrărilor acestui mare umanist și educator, inclusiv faimoasa sa „Lauda prostiei”, pentru educația liberului gândire, atitudinea critică față de scolastică, superstiție este cu adevărat de neprețuit. lucrări satirice era cunoscut pe scară largă în Germania, Franța, Spania, Anglia. Excelenți ca formă, profunde în conținut, își găsesc cititorii de mai bine de un secol.

În Anglia Universitatea Oxford a fost considerată centrul ideilor umaniste, unde au ținut prelegeri oameni de știință de seamă din acea vreme - Grosin, Linacre, Colet. Dezvoltarea viziunilor umaniste în domeniul filosofiei sociale este asociată cu numele Thomas More(1478-1535), autorul Utopiei, care a prezentat cititorului idealul, în opinia sa, societatea umană. Cea mai mare figură a Renașterii engleze - William Shakespeare(1564-1616), creatorul tragediilor de renume mondial „Hamlet”, „Regele Lear”, „Othello”, piese istorice „Henric al IV-lea”, „Richard al III-lea”, sonete.

Renașterea în Spania a fost mai controversată decât în ​​alte țări europene: mulți umaniști de aici nu s-au opus catolicismului și Bisericii Catolice. Romanele cavalereşti, precum şi cele picarestice, s-au răspândit. Fernando de Rojas, autorul cunoscutei tragicomedie Celestina (scrisă c. 1492-1497), a apărut pentru prima dată în acest gen. Această linie a fost continuată și dezvoltată de marele scriitor spaniol Miguel de Cervantes(1547-1616), autor al nemuritorului „Don Quijote”, scriitorul satiric Francisco de Quevedo (1580 - 1645), care a creat celebrul roman „Povestea vieții unui necinstit”. Fondatorul dramei naționale spaniole este marele Lope de Vega(1562-1635), autor a mai mult de 1800 de opere literare, printre care „Câinele la manta”, „Profesorul de dans”.

Pictura spaniolă a obținut un succes semnificativ. Un loc aparte în ea îl ocupă El Greco (1541-1614) și Diego Velasquez (1599-1660), a căror activitate a avut un impact uriaș asupra dezvoltării picturii în țările europene.

În Franța mişcarea umanistă începe să se răspândească abia la începutul secolului al XVI-lea. Un reprezentant remarcabil al umanismului francez - Francois Rabelais(1494-1553), autor al romanului satiric Gargantua și Pantagruel. În centrul temei poetice - sentimente romantice, incantarea dragostei. Sonetele sunt orientative în acest sens. Pierre Ronsard(1524-1580), supranumit „prințul poeților”, care a avut o influență foarte puternică asupra dezvoltării poeziei în general. Cel mai mare reprezentant al culturii Franței din secolul al XVI-lea. a fost Michel de Montaigne(1533-1592). Lucrarea sa principală – „Experimente” – a fost o reflecție asupra temelor filozofice, istorice, etice.

Astfel, Renașterea a dat culturii lumii o galaxie uriașă de oameni de știință talentați, figuri ale literaturii și ale artei. Printre ei: filozofi și oameni de știință - Nicolae din Cusa, Picodella Mirandola, Bruno, Galileo, Machiavelli, Campanella, Montaigne, Müntzer, Kepler, Paracelsus, Copernic; scriitori și poeți - Dante, F. Petrarh, J. Boccaccio, E. Rotterdam, Rabelais, Cervantes, Shakespeare; arhitecți, sculptori, pictori remarcabili - N. Pisano, Donatello, A. Rosselino, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Titian, Michelangelo, X. Bosch, A. Durer și alții.

Cu toate acestea, în cultura Renașterii, alături de elemente progresive de umanism și realism, există rămășițe medievale. Este suficient să amintim marele rol jucat de teologie și scolastică pe parcursul întregii Renașteri. Pentru a pătrunde în esența culturii și artei acestei epoci, trebuie să ne imaginăm clar contradicțiile și contrastele din care este țesută - contradicțiile libertății și sclaviei, raționalismului și magiei, senzualității și ascezei.

Lumea culturii artistice a Renașterii

Obiective: să caracterizeze tendințele de dezvoltare a artei europene în secolele XVI-XVII; să determine asemănările și diferențele în metoda creativă a creatorilor artei Înaltei Renașteri; să formeze și să dezvolte capacitatea de a lucra cu diverse surse istorice, de a le folosi în pregătirea mesajelor și prezentărilor.

Rezultate planificate: se familiarizează cu realizările culturale ale Renașterii; să-și facă o idee despre operele de artă ale epocii studiate; evaluează influența ideilor umaniștilor asupra operei personalităților culturale ale Renașterii; dați caracteristici detaliate ale personalităților istorice; învață să-și justifice judecățile; lucrează cu surse suplimentare de informații, creează prezentări; să dezvolte conexiuni interdisciplinare cu cursul literaturii, cultura artei mondiale.

Relaţii , valorile , setari interne: evaluează activitățile creatorilor artei Renașterii, valorile morale care i-au ghidat; pentru a-și exprima atitudinea față de operele de artă ale Renașterii.

Echipament: harta „Europa în secolele XVI-XVII”, echipament multimedia, portrete ale personalităților culturale ale Renașterii, reproduceri de picturi, pachet cu sarcini de testare.

Tip de lecție: lectie metodologica generala.

În timpul orelor

Organizarea timpului

Actualizarea cunoștințelor de bază

Mesaje de la studenți despre viața și părerile umaniștilor New Age.

(Discuție colectivă a mesajelor. Finalizarea sarcinilor de testare.)

Erasmus din Rotterdam aparține Peruului scriind:

„Lauda înțelepciunii” 3) „Lauda proștilor”

„Lauda prostiei” 4) „Lauda proștilor”

F. Rabelais 3) M. Montaigne

T. Mai mult 4) J. Morelli

Romanul „Gargantua și Pantagruel” scria:

M. Cervantes 3) T. Mai mult

M. Montaigne 4) F. Rabelais

Traducerea literală a cuvântului „utopia”:

cel mai bun loc 3) pământul viitorului

loc nou 4) un loc care nu există

Pictura Capelei Sixtine din Vatican a fost comandată de:

Michelangelo

Leonardo da Vinci

Rafael

Hans Holbein cel Tânăr

Lordul Cancelar al Angliei a fost:

Erasmus din Rotterdam 3) F. Rabelais

T. Mai mult 4) M. Montaigne

Termenul „utopie” a fost introdus de:

T. Mai mult 3) F. Campanella

F. Rabelais 4) N. Machiavelli

Thomas More a locuit în:

Germania 3) Olanda

Franta 4) Anglia

(Verificarea executării sarcinilor.)

Stadiul motivațional-țintă

secolele XVI-XVII au fost epoca umanismului. Idealurile oamenilor de știință umaniști s-au reflectat și în lucrările de cultură artistică ale Renașterii. Această perioadă a fost numită epoca titanilor. Ce contribuție au adus creatorii Renașterii culturii artistice mondiale? Vom afla în lecția noastră. Tema lecției: „Lumea culturii artistice a Renașterii”. Planul lecției

Epoca Titanilor.

Renașterea de Nord. „Pictor masculin”.

Leonardo da Vinci din Germania.

Pe drumul spre nemurire Lucrați la tema lecției

„Ce miracol al naturii este omul!”

Prezentarea elevilor despre personalitățile culturale ale Renașterii (W. Shakespeare și M. Cervantes).

Lucrând de la § 8-9 din manual (p. 75-77), completați tabelul.

Făcător

Țară

Opere de arta

Conținutul creativității

William

Shakespeare

(1564-1616)

Anglia

Romeo și Julieta, Hamlet, Othello, Regele Lear etc.

Comediile lui Shakespeare uimesc prin vivacitatea și spiritul lor strălucitor. Există mulți oameni frumoși, înțelepți și mândri în tragediile sale. Eroii iubesc și suferă, greșesc, sunt dezamăgiți, luptă pentru fericirea lor și de cele mai multe ori pierd în această luptă.

Miguel

Cervantes

(1547-1616)

Ispa

nia

„Don Quijote”

În spatele faptelor în exterior ridicole ale nebunului Don Quijote - înțelepciunea, noblețea și umanitatea; ultimul cavaler al binelui într-o lume a nedreptății îi ajută pe oameni să devină puțin mai buni

Epoca Titanilor

Leonardo da Vinci

Un adevărat monument la ceea ce este Leonardo ca artist, ca om de știință, ca inventator, ca inginer, sunt notele lui. Aceste note conțin un număr imens de schițe, desene, schițe, conțin o cantitate inepuizabilă de idei științifice și concepte tehnice.

Se poate spune fără exagerare că nu există o singură ramură a științei în care Leonardo să nu fi conturat noi căi. Mintea lui cercetătoare a pătruns peste tot. În toate ramurile științei, el a încercat să întoarcă pe un drum nou ceea ce se făcuse înaintea lui. Dar omenirea a profitat de o parte minimă din ceea ce a gândit Leonardo, pentru că tot ceea ce a scris a rămas îngropat în notițele sale.

Moștenirea sa literară, sub forma unui număr imens de codice și folii, a trecut după moartea sa elevului său Francesco Melzi, care a selectat din scrierile lui Leonardo o parte din ceea ce se referă la pictură și a făcut din ele cartea care este acum cunoscută sub titlu „Tratate de pictură. După moartea lui Francesco, prețioasele folii Leonardo au rămas abandonate multă vreme în podul vilei Vaprio, unde Leonardo a petrecut atât de multe zile fericite în 1506-1512. Apoi au fost jefuiti. Timp de secole, aceste manuscrise, coduri întregi și foi individuale, au umblat în jurul lumii. Acum sunt concentrate în diferite depozite europene. Unele dintre ele au fost deja publicate și toate sunt studiate cu atenție. Dar, în timp ce erau ascunși, gândirea științifică a continuat să funcționeze, iar majoritatea descoperirilor și invențiilor lui Leonardo i-au glorificat pe alți oameni de știință.

O contribuție directă la știință a fost doar o mică parte din moștenirea sa, care a căzut accidental în mâinile lui oameni cunoscătoriîn anii de după moartea sa. Vesalius cunoștea înregistrările anatomice ale lui Leonardo, dacă nu în întregime, atunci unele dintre ele. În mod similar, celebrul matematician Girolamo Cardano a reușit să profite de unele dintre ideile matematice ale lui Leonardo.

Leonardo a negat orice fel de autoritate. El a respins cu desăvârșire criteriile religioase care încă dominau la acea vreme domeniul științific. El a insistat că fiecare poziție științifică trebuie verificată prin experiență, iar aceasta a fost principala lui teză metodologică. În ochii lui, experiența era singurul test decisiv al adevărului științific. Prin urmare, știința îl onorează pe bună dreptate în Leonardo nu numai pe unul dintre cei mai mari pictori, ci și pe unul dintre primii pionieri ai adevăratelor metode științifice.

(Jivelegov A. „Leonardo da Vinci”)

Despre David lui Michelangelo Buonarotti

Michelangelo a sculptat un model de ceară, plănuind să-l înfățișeze ca emblemă de palat pe tânărul David cu o praștie în mână, astfel încât, așa cum David și-a apărat poporul și i-a condus în mod corect, conducătorii acestui oraș [Florența! a fost apărat cu curaj și stăpânit cu dreptate... Marmura era deja stricată și mutilată de maestrul Simone și, în unele locuri, nu a fost suficient ca Michelangelo să facă ceea ce a plănuit. Pe suprafața marmurei, a trebuit să lase primele tăieturi ale maestrului Simone, pentru ca și acum unele dintre ele să fie vizibile și, bineînțeles, Michelangelo a făcut un adevărat miracol, reînviind ceea ce era mort.

Între timp, s-a întâmplat ca Pier Soderini, ridicând privirea la statuia, care îi plăcea foarte mult, să-i spună lui Michelangelo, care la vremea aceea o tundea ici-colo, că, după părerea lui, nasul ei era mare: Michelangelo, observând că gonfalonierul stătea sub cel mai gigantic și punctul de vedere l-a înșelat, s-a urcat să-i facă pe plac pe schela de la umerii statuii și, indicând cu o daltă, pe care o ținea în mâna stângă, puțin praf de marmură din platforma schelei, a început să ducă treptat praful în jos, lucrând ca cu alte dalte, dar fără să atingă nasul. Apoi, aplecându-se spre Gonfaloniere, care îl privea, spuse: — Hai, uită-te la el acum. „Acum îmi place mai mult”, a spus gonfalonierul, „ai adus-o la viață”. Michelangelo a coborât apoi de pe pod, râzând de el în sinea lui și compătimindu-se de oameni care, vrând să se arate experți, spun lucruri pe care ei înșiși nu le înțeleg. Când statuia a fost în sfârșit instalată, el a deschis-o, și cu adevărat o creație, a umbrit toate statuile cunoscute, noi și vechi, fie ele grecești sau romane... Michelangelo a terminat-o cu atâta proporție și frumusețe, cu atât de bună calitate.

Despre pictura Capelei Sixtine

Când lucrarea a fost adusă la jumătatea drumului, papa [Iulius al II-lea], care urcase de mai multe ori pe scări cu ajutorul lui Michelangelo pentru a o privi, a cerut să fie deschisă, deoarece era în mod natural grăbit și nerăbdător și nu putea aștepta. , când este finalizată, adică, după cum se spune, ultima lovitură a pensulei.

Și, de îndată ce s-a deschis, s-a adunat toată Roma să-l privească, și în primul rând papa, care abia aștepta să se aseze praful după scoaterea schelei. Văzând-o, Rafael de Urbinsky, care a imitat foarte excelent, și-a schimbat imediat felul și a scris imediat, pentru a arăta de ce era în stare, profeții și sibilele din Santa Maria della Ritm; apoi Bramante a încercat să se asigure că a doua jumătate papa a predat capelele lui Rafael... Dar papa, care se convingea din ce în ce mai mult de abilitățile lui Michelangelo, îi dorea să-și continue munca; căci, văzând lucrarea deschisă, a gândit că a doua jumătate a lui Michelangelo ar fi putut să iasă și mai bine: și într-adevăr, a dus lucrarea la perfecțiune în numai douăzeci de luni, chiar și fără ajutorul celor care i-ar fi șlefuit vopselele. Cu toate acestea, Michelangelo trebuia uneori să se plângă de modul în care tatăl său îl grăbea cu cereri enervante când avea să termine, nepermițându-i să termine în felul lui, așa cum dorea el. Iar la una dintre numeroasele cereri, el a răspuns odată că sfârșitul va fi atunci când el însuși va fi mulțumit de arta sa. [Michelangelo] a trebuit să scrie cu capul în sus și și-a stricat vederea atât de mult încât timp de câteva luni nu a putut să citească ce era scris și să se uite la desene... La urma urmei, aprinzându-se în fiecare zi din ce în ce mai mult de dorința de a creează, acumulează și îmbunătățește ceea ce a fost creat, nu a observat oboseală și nu-i păsa de confort.

(Vasari J. „Viețile celor mai faimoși pictori, sculptori și arhitecți”)

„Madona Sixtina” de Rafael

„Madona Sixtina” a fost comandată de Rafael ca altar pentru capela mănăstirii Sfântul Sixtus din Piacenza. Acesta este cel mai faimos tablou al lui Rafael. Artistul a creat-o în 1515-1519. Se pare că cortina tocmai s-a despărțit și o viziune cerească s-a deschis în ochii credincioșilor - Fecioara Maria călcând ușor pe un nor cu Pruncul Iisus în brațe. Măsura domnește în imagine. Echilibru și armonie. Se distinge prin linii netede și rotunjite, model moale și melodic, bogăție și suculenta culorii. Madonna însăși emană energie și mișcare. Cu această lucrare, Raphael a creat cel mai sublim și imagine poetică Madonele în arta Renașterii. Ea merge la oameni, tineri si maiestuosi, tinand in suflet ceva nelinistit; vântul suflă părul copilului, iar ochii lui se uită la noi, la lumea cu atâta putere și cu atâta iluminare, de parcă și-ar vedea propria soartă și soarta întregului neam uman. Privirea ei, îndreptată către privitor, este plină de o previziune tulburătoare asupra soartei tragice a fiului ei. Chipul Madonei este întruchiparea idealului antic de frumusețe combinat cu spiritualitatea idealului creștin. Aceasta nu este realitatea, ci un spectacol. Nu e de mirare că artistul însuși a despărțit o cortină grea în fața publicului din imagine. Un spectacol care transformă realitatea în măreția lucrurilor, înțelepciunea și frumusețea, un spectacol care înalță sufletul cu armonia lui absolută, ne cucerește și ne înnobilează.

Rânduri entuziaste ale unor scriitori și critici atât de diferiți precum V.A. Jukovski, V.G. Belinsky, N.P. Ogarev. Doi mari scriitori ruși, L.N. Tolstoi și F.M. Dostoievski, avea reproduceri ale „Madonei Sixtine” în birourile lor. „O poză am vrut să fiu pentru totdeauna un spectator...” - a spus Pușkin despre ea. Dostoievski a văzut în Madona Sixtină cea mai înaltă măsură a nobilimii umane, cea mai înaltă manifestare a geniului uman.

Făcător

Țară

Opere de arta

Conținutul creativității

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Italia

„Madonna Litta”, „Gioconda”, „Cina cea de taină”, etc.

Leonardo a fost un pictor strălucit și un cercetător priceput. Experimentele de lungă durată l-au învățat să înfățișeze volumul cu cele mai fine nuanțe, jocul de lumină. El a fost capabil să arate lumii, inaccesibil imaginației unui simplu muritor

Făcător

Țară

Opere de arta

Conținutul creativității

Mikel

angelo

Buonarroti

(1475-1564)

Italia

„David”, „Moise”, „Pieta”, pictura Capelei Sixtine, cupola Bisericii Sf. Petru din Roma IT. d.

El a considerat sculptura „prima dintre arte”, cel mai bine gloriind o persoană, frumusețea sa. „David” trebuia să reamintească autorităților administrația dreaptă și apărarea curajoasă a orașului. Pictura de pe cupola Capelei Sixtine reprezintă mai multe scene din Cartea Genezei

Rafael

Santi

(1483-1520)

Italia

„Madonna co-

instabil",

„Sistine

madona,

"Atenian

școală”, etc.

Lumea din picturile lui Rafael arată perfectă și frumoasă, armonioasă și calmă.

Renașterea de Nord. "Pictor masculin"

Prezentarea elevilor despre personalitățile culturale ale Renașterii (Peter Brueghel cel Bătrân).

Făcător

Țară

Opere de arta

Conținutul creativității

Pieter Brueghel cel Bătrân (țăran) (între 1525 și 1530-1569)

Nieder

terenuri

„Dansul țărănesc”, o serie de „Anotimpuri” („Recolta”, „Întoarcerea vânătorilor”)

Poreclit Muzhitsky pentru dragostea lui de a reprezenta oameni de rând și scene populare. În mișcările incomode și figurile stângace ale personajelor lui Brueghel cel Bătrân, chipurile lor rustice, se poate ghici puterea și puterea oamenilor.

4. Leonardo da Vinci din Germania

Prezentarea studenților despre personalitățile culturale ale Renașterii (Albrecht Dürer).

- Lucrând cu§ 8-9 din manual (pag. 83-85), completați tabelul.

Făcător

Țară

Opere de arta

Conținutul creativității

Albrecht

Durer

(1471-1528)

germa

nia

Autoportret, seria Apocalipsa

A aprobat o înțelegere umanistă a individului, stima de sine, dorința de a vedea în artiști nu artizani, ci gânditori

Lucrând cu § 8-9 din manual (pag. 81-83), completați tabelul Pe drumul către nemurire

Conținutul aproximativ al răspunsului

Ca și în pictură și sculptură, în muzică, lucrările au început să facă apel la sentimentele umane. Lucrările seculare sunt dezvoltate și diseminate pe scară largă. Regulile bunelor maniere prescriu tinerilor din familii bogate să poată cânta la instrumente muzicale.

Pictorii Adevărului

Prezentarea studenților despre personalitățile culturale ale Renașterii (Hans Holbein cel Tânăr, Rembrandt, Velazquez).

Lucrând de la § 8-9 din manual (p. 87-90), completați tabelul.

Făcător

Țară

Opere de arta

Conținutul creativității

Hans

Holbein

Jr

(1497-1543)

germa

nia

Portrete ale lui HeinrichVIII, Erasmus din Rotterdam, ilustrații pentru „In Praise of Stupidity”

În spatele impenetrabilității și echilibrului imaginilor oamenilor, iese în mod clar individualitatea, complexitatea și inconsecvența naturii umane.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669)

Nieder

terenuri

„Întoarcerea fiului risipitor”, „Portretul unui bătrân în roșu”, etc.

Rembrandt a încercat să transmită pe pânză starea de spirit a unei persoane, trăsături observate cu pricepere, gesturi și ipostaze caracteristice.

Diego

Velazquez

(1599-1660)

Ispa

nia

portrete

Spaniolă

aristocraţie,

"Mic dejun",

"Spinners"

Artistul reproduce cu acuratețe detaliile vestimentației, posturile nobilimii de curte, caracterul personajelor sale. Tablourile dedicate oamenilor de rând reflectă nobilimea muncitorilor

Consolidarea materialului studiat

Să verificăm cât de bine ai învățat noul material.

Nume opere literare timpurile moderne timpurii.(„Romeo și Julieta”, „Hamlet”, „Othello”, „Regele Lear”, „Don Quijote » si etc.)

De ce se numește Renașterea Epoca Titanilor? ( Natura a înzestrat cu generozitate mulți artiști ai acestei perioade cu talente universale.)

Pentru ce era cunoscut Lorenzo Magnificul? (Lorenzo Magnificul a compus melodii de dans vesele pentru festivaluri populare. De ce a primit Pieter Brueghel cel Bătrân porecla de „Pictor țărănesc”? (Din dragostea de a portretiza oameni de rând și scene populare.)

Rezumând lecția

Renașterea a adus o contribuție uriașă la cultura artistică mondială. Lucrările marilor maeștri ai literaturii, picturii, sculpturii și muzicii au devenit un model de urmat și o sursă pentru creativitatea generațiilor viitoare. Ele constituie vistieria omenirii.

În dezvoltarea culturii artistice din perioada Renașterii, se disting în mod tradițional două etape, inegale în timp: Din timp(secolul al XV-lea) și Înalta Renaștere(sfârșitul secolului al XV-lea până în anii 30 ai secolului al XVI-lea pentru Italia Centrală și aproape întregul secol al XVI-lea pentru Veneția). Dar etapa Renașterii timpurii a fost precedată de pre-renaştere(sfârșitul secolelor XIII - XIV) de peste un secol, timp în care a avut loc o acumulare și testare de elemente noi în artă.

În timpul Renașterii, statutul artistului s-a schimbat. Arta medievală era anonimă, artistul nu era autorul, ci traducătorul planului divin. Acum artistul este independent în căutarea sa creativă, el devine autorul creației sale. Statutul său social și prestigiul sunt în creștere. El devine o persoană recunoscută și respectată în societate. Cererea crescută pentru opere de cultură artistică face ca munca sa să fie solicitată, ceea ce contribuie la îmbunătățirea bunăstării sale materiale. Artistul renascentist se străduiește să devină o persoană „universală”, să-și încerce mâna la diferite tipuri de artă. Deci, Michelangelo Buonarotti a fost pictor, sculptor, arhitect și poet.

Universalitatea a dus la estomparea granițelor dintre diferitele domenii ale cunoașterii umane. Un exemplu izbitor în acest sens este personalitatea lui Leonardo da Vinci, care și-a dedicat viața căutării adevărului și frumuseții în egală măsură. Cele mai înalte rezultate a obținut atât în ​​artă, devenind autorul celebrelor lucrări „Gioconda”, „Cina cea de taină” și altele, cât și în știință, făcând multe descoperiri în matematică și mecanică.

Una dintre principalele caracteristici ale artei renascentiste este imitarea naturii. Dar imitația nu este superficială, ci precisă, posibilă doar cu ajutorul cunoștințelor științifice. Pentru a reflecta pe deplin și cu acuratețe formele naturale, artistul trebuie să cunoască legile naturii. I se cere să transmită trăsăturile omului și (într-o măsură mai mică) naturii în forma lor naturală (realistă). Pentru a obține efectul de naturalețe, artiștii sunt înarmați cu busole, o riglă, o lupă, sunt angajați în geometrie, optică și anatomie. Justificarea matematică a proporțiilor celui înfățișat devine un element indispensabil al operei inițiale a artistului, sculptorului, arhitectului.

Sursă

Leon Battista Alberti(„Trei cărți despre pictură.” Cartea a treia):

„Afirm că sarcina pictorului este următoarea: pe orice scândură sau perete dat acestuia, conturați astfel cu o linie și colorați cu culori asemănările suprafețelor vizibile ale oricărui corp, astfel încât la o anumită distanță și la un anumite poziții ale centrului par convexe și în tot ce seamănă cu aceste corpuri. Scopul picturii este de a câștiga recunoștință, favoare și faimă artistului într-o măsură mult mai mare decât bogăția. Iar pictorii vor realiza acest lucru atunci când tabloul lor va încânta ochii și sufletul tuturor celor care o privesc și cum se face ego-ul, am spus mai sus când am vorbit despre compoziție și iluminare. Dar mi-aș dori ca pictorul să fie un om bun și pregătit în științe utile; altfel nu va putea acoperi în mod corespunzător toate acestea. La urma urmei, toată lumea știe cât de mult bunătatea unei persoane este mult mai capabilă să atragă favoarea cetățenilor decât orice abilitate sau artă și nimeni nu se îndoiește că favoarea multora contribuie foarte mult la faimă, precum și la câștigurile artistului.

Scopul artistului renascentist a fost să imite nu doar natura, ci și natura ideală, care este cel mai înalt model de frumusețe. Întruchiparea acestui ideal este corpul uman. Dorința de a combina realul și idealul, frumusețea materială și spirituală este o altă caracteristică a artei renascentiste.

Pentru prima dată, în opera artistului pre-renascentist Giotto au apărut noi metode de reflectare artistică a lumii. El a fost primul care a decis să rupă de tradițiile iconografice bizantine. În munca sa, el a pornit de la principiile regularității optice. A încercat să transmită profunzimea spațiului folosind diverse tehnici: design compozițional sub forma unei scene orientate către privitor, introducerea elementelor arhitecturale, imaginea figurilor accentuată voluminoasă, corelarea proporțiilor acestora cu corpul uman real. Principala sa realizare a fost introducerea în practica picturii recepției clarobscur.

Renașterea timpurie reprezentată de lucrările lui Brunelleschi, Masaccio, Donatello. Sculptorul și arhitectul Brunelleschi a reabilitat arhitectura seculară. Elemente ale ordinii antice au fost regândite de el ca decor. Datorită lui, s-a răspândit utilizarea tipului de loggii cu arcade semicirculare și coloane subțiri în arhitectura palatelor renascentiste interioare - palazzo. Masaccio a fost primul care a aplicat tehnica perspectivă directă (liniară)., creând în picturile sale iluzia spațiului care se retrage în depărtare. Sculptorul Donatello deține renașterea genului statuie rotundă fără legătură cu arhitectura.

Arta Înaltei Renașteri cel mai pe deplin exprimat în opera lui Leonardo da Vinci, Rafael și Michelangelo, care au personificat inteligența, armonia, puterea. Descoperirea lui Leonardo da Vinci a fost sfumato- o ceață blândă de clarobscur, creând iluzia aerului tremurând peste un corp uman încălzit de soare. Peisajul său este adesea numit lunar din cauza contradicției aparente dintre realismul extrem al corpului uman în cele mai mici detalii ale sale și golul schematic al spațiilor stâncoase. Opera lui Raphael Santi este expresia maximă a deprinderilor de mers din secolul al XVI-lea. în transferul psihologiei umane, a dispoziției și a sentimentelor sale. În opera lui Michelangelo, se poate observa deja distrugerea tragică a armoniei (în primul rând datorită compoziției „diagonale” pe care o folosește). Michelangelo este considerat precursorul noilor stiluri care au apărut în secolele al XVI-lea și al XVII-lea, - manierismși stil baroc.

În experimentele lor artistice, manieriştii au încercat să creeze o nouă estetică care să distrugă normativitatea şi uniformitatea Renaşterii. Respingerea armoniei, austerității și monumentalității în favoarea dizarmoniei, strălucirii, exaltării (contrapostul a fost înlocuit cu o figură serpentină, parcă zvârcolindu-se în continuă mișcare în jurul axei sale) a fost o încercare de a se opune „titanilor Renașterii”. incomensurabil ca semnificație și impact.

Dezvoltarea artei teatrale a Renașterii a fost foarte influențată de drama antică cu tema principală a confruntării dintre om și soartă și de cultura populară a râsului din Evul Mediu, cu interesul pentru viața și viața oamenilor de rând, istoricitatea , și atracție pentru estetica unui cuvânt grosolan. Cele mai interesante sunt căutările pentru teatrul italian al Commedia dell'Arte (secolul XVI) și teatrul englez al lui W. Shakespeare.

Cultura muzicală a Renașterii a fost sub influența puternică a muzicii populare. În ea apar noi genuri: frottola, villanella, madrigal în Italia, villancico în Spania, baladă în Anglia. apărea şcoli naţionale muzica instrumentala (lauta, orga). La sfârșitul Renașterii s-au născut cântarea solo și oratoriul, ceea ce a dus mai târziu la apariția operei.

În arta Renașterii nordice(Germania, Țările de Jos, Franța) componenta seculară a culturii asociată cu Antichitatea nu a fost utilizată pe scară largă. La baza acestui model de cultură a fost o viziune religioasă asupra lumii, așa că artiștii nu au abandonat simbolismul și convențiile medievale, ci le-au regândit sub influența Renașterii italiene. Unul dintre elementele principale ale viziunii asupra lumii

Renașterea de Nord a devenit panteismul crestin,în care sunt identificate Bot și Nature.

Artiștii Renașterii italiene și nordice au înțeles altfel frumusețea. Dacă pentru italieni frumusețea este un ideal pentru care să lupți, atunci pentru germani este naturalețea și spiritualitatea. În Renașterea italiană, locul principal a fost ocupat de estetică,în nord etică. Genurile principale ale Renașterii de Nord au fost peisajul și portretul. În lucrările artiștilor germani A. Dürer, L. Cranach, A. Altdorfer rol important a jucat un peisaj care a subliniat frumusețea naturii. În portretul german, artistul a căutat să transmită expresivitatea emoțională a imaginii. Genul casnic s-a dezvoltat și el, în primul rând în Țările de Jos (Peter Brueghel cel Bătrân).

Renașterea italiană și cea de nord sunt două părți ale unui singur întreg - modelul noii culturi europene. Prin diferite mijloace, au rezolvat sarcini comune - emanciparea unei persoane, dezvoltarea potențialului său creativ și crearea condițiilor pentru auto-îmbunătățire.

rezumat

În secolele XIV-XVI. în cultura europeană se dezvoltă model nou. Formarea unui nou era culturală a contribuit la un complex de premise economice, politice, sociale și spirituale, precum și la rezultatele geografice și descoperiri științifice. Viziunea asupra noului model cultural se bazează pe umanism bazat pe antropocentrism. Umanismul italian este numit „umanism civil”, iar „umanismul religios” a fost dezvoltat în Renașterea de Nord. Arta Renașterii a fost recunoscută ca principalul tip de activitate creativă spirituală. Scopul artistului renascentist a fost să imite natura ideală. Maeștrii Renașterii au îmbogățit practica artistică cu teoria perspectivei liniare, transferul învelișului lumină-aer, realizarea efectului de tangibilitate cu ajutorul clarobscurului și gradațiilor de culoare. Căutați fonduri expresie artistică caracterizat și literatura, teatrul și muzica. În ciuda idealurilor estetice diferite ale Renașterii italiene și nordice, acestea au devenit practici diferite pentru implementarea idealului artistic al noii culturi europene.

Întrebări pentru autocontrol

• 1. De ce, în opinia dumneavoastră, Italia a devenit leagănul Renașterii? Ce factori istorici, economici, politici și culturali au contribuit la aceasta?
• 2. Care a fost filosofia umanismului? Ce prevederi ale umaniștilor Renașterii vi se par relevante astăzi și de ce?
• 3. Care este comun și special al Renașterii italiene și nordice?
• 4. Cum poți formula tipul ideal de persoană renascentist?
• 5. Care este specificul percepției artistice a Renașterii?
• 6. Ce unește și ce distinge sculpturile „David” de Donatello și „David” M1 de Angelo?

Exercițiu

Consultați fragmentul din următoarea sursă: Paco della Miraidola J.(1463-1494) „Discurs despre demnitatea omului” [Omul este creatorul liber al lui însuși] și răspundeți la întrebările de mai jos.

„Am citit, dragi părinți, în scrierile arabilor că atunci când l-au întrebat pe Abdullah Saracenul ce i se pare cel mai uimitor lucru din lume, el a răspuns că nu există nimic mai minunat decât o persoană. Cuvintele lui Mercur corespund de asemenea acestui gând: „O, Asclepios, omul este o mare minune!” Când m-am gândit la sensul acestor zicători, nu m-am mulțumit de numeroasele argumente în favoarea superiorității naturii umane, pe care multe persoane le dau: omul este un intermediar între toate creaturile, apropiat de cele mai înalte și stăpân peste cele de jos, interpretul naturii în virtutea perspicacității minții, claritatea gândirii și curiozitatea, intelectul, intervalul dintre eternitatea neschimbătoare și timpul curent, legăturile lumii, așa cum spun perșii, Himenul, stând puțin mai jos decât îngerii , conform lui David.

Toate acestea sunt semnificative, dar nu principalul lucru care merită cea mai mare admirație. De ce nu admirăm mai mult îngerii și frumoasele coruri cerești? Până la urmă, mi s-a părut că am înțeles de ce omul este cea mai fericită dintre toate ființele vii și demnă de admirație universală și ce lot i s-a pregătit printre toate celelalte destine, de invidiat nu doar pentru animale, ci pentru stele și sufletele de altă lume. Incredibil și uimitor! Cum altfel? Până la urmă, de aceea o persoană este pe bună dreptate numită și considerată un mare miracol, o ființă vie, cu adevărat demnă de admirație. Dar orice ar fi, ascultați, părinți, și iartați-mă cu condescendență acest discurs.

Tatăl Atotputernic, Dumnezeu Creatorul, a creat deja, după legile înțelepciunii, locuința lumii, care ni se pare templul cel mai august al zeității. El a împodobit sfera subcerească cu rațiune, a înviat trupurile cerești cu suflete veșnice. El a umplut părțile murdare și pline de gunoi ale lumii inferioare cu o masă eterogenă de animale. Dar, după ce a terminat creația, maestrul și-a dorit să existe cineva care să aprecieze semnificația unei astfel de lucrări grozave, să-i iubească frumusețea, să-i admire amploarea. Prin urmare, după ce a încheiat toate lucrările, după cum mărturisesc Moise și Timeu, el a decis în cele din urmă să creeze un om. Dar nu era nimic în prototipuri, de unde Creatorul avea să producă noi urmași, nici în depozitele care să dea un nou fiu ca moștenire, nici pe băncile firmamentului, unde stătea însuși Contemplatorul universului. Totul era deja finalizat; totul a fost distribuit, dar în sferele superioare, mijlocii și inferioare. Dar nu se cuvine ca puterea paternă să lipsească din ultimul urmaș, parcă epuizată, nu era nevoie să se clatine în înțelepciunea lui într-o chestiune necesară din lipsă de sfaturi, nu se cuvenea dragostei sale binefăcătoare, așa că că cel care în alţii ar fi trebuit să laude generozitatea divină a fost silit să o condamne.în sine. Și în cele din urmă, cel mai bun Creator a stabilit, astfel încât pentru cei cărora nu le putea oferi nimic propriu, tot ceea ce era inerent creațiilor individuale să devină comun. Atunci Dumnezeu l-a acceptat pe om ca pe o creație a unei imagini nedefinite și, așezându-l în centrul lumii, a spus: „Noi îți dăm, o, Adam, nici un loc hotărât, nici propria imagine, nicio obligație specială, astfel încât să ai un loc, o persoană și o datorie, dar de bunăvoie, conform voinței și deciziei tale. Imaginea altor creații este determinată în limitele legilor pe care le-am stabilit. Dar tu, neconstrâns de nicio limită, îți vei determina imaginea conform deciziei tale, în puterea căreia te las. Te plasez în centrul lumii, astfel încât de acolo să-ți fie mai convenabil să cercetezi tot ce este în lume. Nu te-am făcut ceresc, nici pământesc, nici muritor, nici nemuritor, pentru ca tu însuți, stăpân liber și glorios, să te modelezi după chipul pe care îl preferi. Poți renaște în ființe inferioare, neinteligente, dar poți renaște, la porunca sufletului tău, în ființe divine superioare. O, generozitatea supremă a lui Dumnezeu Tatăl! O, fericirea supremă și încântătoare a unei persoane căreia i se dă să dețină ceea ce își dorește și să fie ceea ce își dorește! Animalele, de îndată ce se nasc, primesc din pântecele mamei tot ce vor avea mai târziu, după cum spune Lucilius. Spiritele superioare, fie la început, fie puțin mai târziu, devin ceea ce vor fi în nemurirea veșnică. Omul care se naște, Tatăl i-a dat semințele și germenii unei vieți eterogene și, după cum le cultivă fiecare, vor crește și vor aduce roade în el. Și dacă embrionii sunt vegetali, atunci persoana va fi o plantă, dacă senzuală, atunci va deveni un animal, dacă este rațional, atunci va deveni o ființă cerească, iar dacă este intelectuală, va deveni un înger și un fiu al lui Dumnezeu. . Și dacă soarta nici uneia dintre creaturi nu-l mulțumește, atunci să se întoarcă în centrul uniformității sale și, devenind una cu Dumnezeu-duhul, să-i depășească pe toți în întunericul solitar al Tatălui, care stă peste tot... .”.

Întrebări:

• 1. Care vede Pico della Mirandola ca fiind principala diferență între om și alte creații ale lui Dumnezeu?
• 2. Care este, după părerea filosofului, privilegiul exclusiv al unei persoane?
• 3. Citiți opinia unui cercetător modern și răspundeți la întrebarea de mai jos:

„... Cu cât civilizația s-a întărit, cu atât mai des s-a strecurat în capul indivizilor bănuielile că o fac ei înșiși, cu sprijin minim din partea forțelor misterioase din exterior sau fără un astfel de ajutor. Dar era mai bine să taci despre asta - cultura nu era pregătită să accepte o asemenea erezie cu calm. Odată cu triumful monoteismului, cuvântul „Creator” a devenit titlul unei zeități și a fost scris cu majusculă. Din vremea lui Aristotel, ceea ce numim acum creativitate a fost numită „mimesis” – imitație. Nici Dante, nici Petrarh nu au îndrăznit să se numească creatori. Era nevoie de o confluență a multor împrejurări, astfel încât, în atmosfera exaltată a lui Reessan Florence, Pico della Mirandola să poată decide că - lăsând actul de a crea lumea și omul în seama divinității -, în numele zeității, să transfere orice altceva omului însuși: „Tu însuți îți vei determina natura în conformitate cu liberul tău arbitru”” (Glazychev V.L. Evoluția creativității în arhitectură. M.: Stroyizdat, 1986. S. 5).

Ce împrejurări i-au permis lui Pico della Mirandola să ajungă la această concluzie?

Subiecte pentru eseuri și proiecte

• 1. Problema omului în filosofia umaniștilor italieni.
• 2. Domnitorul ideal al lui Machiavelli.
• 3. Imaginea Renașterii în lucrările lui J. Burckhardt.
• 4. Criticii Renașterii (conceptele lui N. Berdyaev, 11. Florensky, M. Alpatov, A. Losev).
• 5. Renașterea de Nord: oameni și idei.

Literatură

• 1. Andreev, M. L. Cultura Renașterii / M. L. Andreev // Istoria culturii mondiale: moștenirea Occidentului: Antichitate, Evul Mediu, Renaștere / ed. S. D. Serebryany. - M.: Editura Universității de Stat pentru Științe Umaniste din Rusia, 1998.
• 2. Burckhardt, I. Cultura Italiei în Renaștere / J. Burckhardt: per. cu el. si dupa. A. E. Makhova; științific ed., prefaţă. si comentati. K. A. Chekalova. - M.: Iptrada, 2001.
• 3. Buletin de istorie, literatură, artă / RAS (Catedra de Științe Istorice și Filologice). - T. 1. - M.: Nauka, 2005. - S. 84-97.
• 4. Dzhivelegov, A.K. Creatorii Renașterii italiene: în 2 cărți. / A. K. Dzhivelegov. - M.: Terra - Carte. club; Republica, 1998.
• 5. Kustodieva, T.K. Arta Renașterii italiene din secolele XIII-XVI / T. K. Kustodieva. - L .: Art, 1985.
• 6. tară, R. Istoria gândirii occidentale: trad. din engleza. / R. Tarnas. - M.: Kron-Press, 1995.

• Estetica Renașterii: în 2 vol. Vol. 2 / comp. V. P. Shestakov. M.: Art. 1981. S. 333-
• Istoria esteticii. Monumente ale gândirii estetice mondiale: în 5 vol. T. 1. M .: Izd-voAkad. Artele URSS, 1962. S. 506-514.