§№5. Arts de l'espace. Peinture.

Des questions de révision ?

1. Qu'est-ce que le graphisme ?
2. Quels moyens d’expression graphique connaissez-vous ?
3. Quelle est la signification des termes :

• lithographie,
• gravure sur bois,
• imprimer,
• gravure,
• éclisse?

Peinture- l'un des types d'art les plus anciens, associé à la transmission d'images visuelles par l'application de peintures sur un support solide ou flexible ; créer une image à l'aide de la technologie numérique; ainsi que des œuvres d'art réalisées de cette manière.

Les origines de la peinture.

Des images d'animaux et de personnes réalisées à l'époque de la société primitive sur les murs des grottes ont survécu jusqu'à nos jours. De nombreux millénaires se sont écoulés depuis, mais la peinture est toujours restée un compagnon invariable de la vie spirituelle d’une personne. Au cours des derniers siècles, il s’agit sans aucun doute du plus populaire de tous les types d’art.

Fonctions de peinture :

• Cognitif
• Esthétique
• Religieux
• Idéologique
• Social et éducatif
• Sensible

Adrien van Ostade. Atelier d'artiste. 1663. Dresde.

Types de peinture :

Classement des tableaux selon le matériau utilisé :

Classement de la peinture par technique :

• À la Prima (alla prima)
• Grisaille
• glaçage
• Pointillisme
• Pinceau sec
• Sgraffite

Les techniques de peinture sont pratiquement inépuisables. Tout ce qui laisse une trace sur quelque chose, à proprement parler, est de la peinture : « la peinture est créée par la nature, le temps et l’homme ». Léonard de Vinci.

Peinture sur chevalet.

Peinture sur chevalet - un type de peinture dont les œuvres ont une signification indépendante et sont perçues quel que soit l'environnement. Littéralement - peinture créée sur une machine (chevalet).

Une œuvre de peinture de chevalet - un tableau - est réalisée sur une base non stationnaire (par opposition à monumentale) et non utilitaire (par opposition à décorative) (toile, carton, carton, papier, soie), et présuppose une perception indépendante non conditionné par l’environnement.

Peinture monumentale et décorative.

Peinture monumentale - peinture sur structures architecturales et autres supports fixes.

Peinture monumentale - espèce la plus ancienne la peinture, connue dès le Paléolithique (peintures des grottes d'Altamira, Lascaux, etc.). Grâce à la stationnarité et à la durabilité des œuvres de peinture monumentale, il en reste de nombreux exemples provenant de presque toutes les cultures qui ont créé une architecture développée, et constituent parfois le seul type de peintures survivantes de l'époque.

Techniques de base de la peinture monumentale :

• peinture murale
• Fresque sur plâtre humide
• Fresque à sec
• Peinture à la cire
• Mosaïque
• Vitrail

UN. B. DANS.

A. Sauveur Tout-Puissant. Peinture du dôme de l'église de la Transfiguration dans la rue Ilyin à Novgorod le Grand. Théophane le Grec. 1378 B.Marc Chagall. Peintures murales du Théâtre juif de Moscou. V. Marc Chagall. Peindre le plafond de l'Opéra de Paris.

Peinture miniature.

Miniature(du latin minium - peintures rouges utilisées dans la conception de livres manuscrits) - dans les beaux-arts, la peinture, la sculpture et les œuvres graphiques de petites formes, ainsi que l'art de les créer.

Peinture miniature également commun à l'est. En Inde, sous l’empire moghol, les miniatures du Rajasthan se sont répandues. C'était une synthèse de la créativité conjointe des maîtres indiens et persans.

Genres de peinture :

• Animaliste – images d’animaux, d’oiseaux, d’insectes et d’autres animaux.
• Résumé – représentation de compositions non objectives.
• Bataille - images d'actions et de batailles militaires.
• Quotidien – représentation de scènes quotidiennes.
• Historique – représentation de personnes et d’événements historiquement célèbres.
• Marina - paysage marin.
• Mystique-fantastique - compositions au contenu surréaliste.
• Nature morte (nature morte) – représentation d’objets du quotidien.
• Portrait – images de personnes.
• Paysage - une image de la nature vivante.
• Religieux – compositions à contenu religieux.

Tâche pratique :

1. Dans la littérature, trouvez des tableaux qui correspondent à chacun des genres répertoriés.
2. Faites une description de ces travaux sous forme de tableau :

Genre	Le nom du tableau, de la mosaïque, du vitrail...		Appartenant au type de peinture	Appartenant à un style ou à une époque historique.
Animaliste
Abstrait
Bataille
Domestique
Historique
Marina
Mystique-fantastique
Nature morte
Portrait
Paysage
Religieux

Glossaire des termes

aux beaux-arts

UN bris - (de l'allemand Adriss - croquis, dessin) en beaux-arts : un dessin linéaire (de contour) à caractère auxiliaire, réalisé lors d'un traçage, par exemple, pendant que l'artiste travaille sur une lithographie en couleurs. Dans un sens large et moins précis, le terme coïncide dans sa signification avec la notion de contour.

Autoportrait - un portrait de l'artiste, réalisé par lui-même, principalement à l'aide d'un miroir.

Aquarelle - (de l'italien acquerello, du latin aqua - eau) peintures (généralement colle végétale) solubles dans l'eau, ainsi que la peinture avec ces peintures.

Peintures acryliques - les peintures synthétiques, préparées à base d'acide acrylique, se distinguent par une luminosité élevée, une résistance à l'eau et à la chaleur et une adhérence étroite à la surface artistique.

Alla prima - une technique de peinture à l'huile avec des traits rapides et audacieux, qui permet de terminer un tableau (ou un fragment de celui-ci) en une seule séance, avant que les peintures ne sèchent.

Peintre animalier - (du latin animal - animal) artiste ou sculpteur représentant des animaux.

Genre animalier - (du latin animal - animal) un type de beaux-arts dans lequel le motif principal est l'image d'animaux.

Architecture - (du grec architecktion - architecte, constructeur) architecture, art de concevoir et de construire des objets qui dessinent l'environnement spatial de la vie et de l'activité humaine. Œuvres d'architecture - bâtiments, ensembles, ainsi que structures organisant des espaces ouverts (monuments, terrasses, remblais, etc.).

Accent – technique de soulignement avec couleur, lumière, trait, etc. un détail ou un objet auquel vous devez prêter attention.

Couleurs achromatiques – le blanc, le gris, le noir ne diffèrent que par la légèreté et n'ont aucune tonalité de couleur.

B relief - (du bas-relief français - bas-relief) un type de sculpture en relief dans lequel la partie convexe de l'image ne dépasse pas de plus de la moitié de son volume au-dessus du plan de fond, un type courant de décoration structures architecturales et des œuvres d'art décoratif, des socles de monuments, des stèles, des plaques commémoratives, des pièces de monnaie, des médailles et des pierres précieuses sont également décorés.

Genre de bataille - (du français bataille - bataille) un genre de beaux-arts dédié aux thèmes de la guerre et de la vie militaire. La place principale est occupée par des scènes (y compris navales) de batailles et de campagnes militaires du présent ou du passé.

Frontière - une décoration ornementale sous la forme d’une collection de figures égales répétées séquentiellement le long d’une ligne droite. Utilisé pour encadrer des textes et des illustrations.

Genre quotidien - un genre de beaux-arts dédié à la vie privée et publique quotidienne. Les scènes de genre quotidiennes sont connues dans l'art depuis l'Antiquité ; elles sont apparues comme un genre particulier à l'époque féodale et lors de la formation de la société bourgeoise. L'apogée du genre des temps modernes est associée à la croissance de tendances artistiques démocratiques et réalistes, les artistes se tournant vers la représentation du travail et de la vie des gens.

Cliquez sur – élément de clair-obscur. L'endroit le plus lumineux sur la surface éclairée (brillante) d'un objet. Avec un changement de point de vue, la surbrillance change d'emplacement sur la forme de l'objet.

DANS Atman - (Whatman anglais) - papier blanc épais, papier de la plus haute qualité avec une surface rugueuse, bien collé et durable. Nommé d'après le propriétaire de la papeterie anglaise J. Whatman.

Vernissage - (du vernissage français, littéralement - revêtement de vernis) l'inauguration d'une exposition d'art en présence de personnes spécialement invitées (artistes, personnalités culturelles, etc.)

Vitrail - (du latin vitrum - verre) un ornement, une composition décorative ou une image sur verre, en verre coloré ou autre matériau transmettant la lumière. Peinture sur verre.

Perspective aérienne - un changement dans la couleur, le contour et le degré d'éclairage des objets qui se produit à mesure que la nature s'éloigne des yeux de l'observateur en raison d'une augmentation de l'espace lumière-air entre l'observateur et l'objet.

g amma coloré, gamma de couleurs - dans les beaux-arts et les arts décoratifs, une série de nuances de couleurs harmonieusement liées (avec une dominante) utilisées pour créer oeuvre d'art. Il y a du chaud, de la lumière, du froid, etc.

Gamme de couleurs – couleurs qui prédominent dans une œuvre donnée et déterminent la nature de sa solution picturale.

Gjel, céramique de Gjel - produits céramiques provenant d'entreprises situées à proximité de la gare de Gjel, district de Ramensky, région de Moscou. Elle atteint un niveau artistique élevé dans la 2e moitié du XVIIIe siècle, lorsque les poteries simples et vernissées sont remplacées par des majoliques (kvasniks, kumgans, assiettes, jouets) avec une peinture multicolore originale sur glaçure blanche, parfois avec des figurines en stuc généralisées. Au XIXe siècle, on produisait de la porcelaine, de la faïence et de la semi-faïence (y compris celles avec un lustre doré et une peinture bleue).

Peinture de Gorodets - Artisanat d'art populaire russe qui s'est développé à partir du milieu du XIXe siècle dans la région de Gorodets (aujourd'hui dans la région de Nijni Novgorod en Russie). Tableau lumineux et laconique (scènes de genre, figurines de chevaux, coqs, motifs floraux), réalisé d'un trait libre au contour graphique blanc et noir, décoré de rouets, de meubles, de volets et de portes.

Gravure - (de l'héliogravure française) 1. Une impression imprimée sur papier à partir d'une planche (bois, linoléum, pierre, métal) sur laquelle est appliqué un dessin (à l'aide de couteaux, de burins, de burins ou de burins). 2. Un type d'art graphique, comprenant diverses méthodes de traitement manuel des planches et d'impression d'impressions à partir de celles-ci.

Gratter - (du français gratter - gratter, gratter) une méthode de réalisation d'un dessin en grattant du papier ou du carton recouvert d'encre avec un stylo ou un instrument pointu.

Grisaille - (Le gris français - gris) est un type de peinture décorative réalisée dans différentes nuances de couleur (généralement gris). Utilisé depuis le XVIIe siècle, largement utilisé dans les peintures d'intérieur de style classique, principalement comme imitation de relief sculptural.

Arts graphiques - (du grec grapho - j'écris, dessine, dessine) un type d'art fin, comprenant le dessin et les œuvres d'art imprimées (gravure, lithographie, monotype, etc.), basé sur l'art du dessin, mais ayant ses propres moyens visuels et possibilités d'expression. L'aquarelle, la gouache et le pastel se situent à la limite de la peinture et du graphisme. Il est divisé en chevalet (un dessin sans signification pratique, gravure, estampe populaire), livre et journal-magazine (illustration, conception et conception de publications imprimées), appliqué (graphiques industriels, timbres-poste, ex-libris) et affiche. L'art du graphisme repose sur le trait, le contraste du blanc et du noir ou un rapport nuancé, utilisant le trait et la tache, le fond d'une feuille.

Gouache - (de l'italien guazzo - peinture à l'eau) peintures constituées de pigments finement broyés avec un liant adhésif à l'eau (gomme arabique, amidon de blé, dectine, etc.) et un mélange de blanc, ainsi que des œuvres d'art réalisées avec ces peintures. Habituellement utilisé pour peindre sur papier, carton, lin, soie et os.

D écor - (du latin decoro - je décore) un système de décoration de structures (façade ou bâtiment) ou de produits.

art décoratif - le domaine des arts plastiques, dont les œuvres, avec l'architecture, façonnent artistiquement l'environnement matériel entourant une personne, en y introduisant un principe esthétique, idéologique et figuratif. Il se divise en art monumental et décoratif (création de décors architecturaux, peintures, reliefs, statues, vitraux, mosaïques, sculptures de parc), décoratif et appliqué (création de produits artistiques destinés principalement à la vie quotidienne) et art décoratif (conception décorative de festivals, expositions et musées), vitrines de magasins, etc.).

l'artisanat - La section des arts décoratifs regroupe plusieurs branches créatives consacrées à la création de produits artistiques destinés principalement à un usage quotidien. Les œuvres peuvent être : des ustensiles divers, des meubles, des tissus, des outils, des armes, des véhicules, des vêtements, des bijoux, des jouets, etc.

Découpage - (du français decouper - couper) technique de décoration, de décoration, de conception à partir de papier découpé (ainsi que de bois, de cuir, de tissus, etc.) de motifs sur du tissu, de la vaisselle, des meubles, etc., qui sont ensuite collés ou méthode autrement fixée sur diverses surfaces. Le découpage est un collage et un appliqué ; enduit de vernis, il ressemble à un tableau.

Détails – étude minutieuse des détails de l'image. En fonction de la tâche que l'artiste se fixe et de son style créatif, le degré de détail peut varier.

Détail – élément, détail clarifiant les caractéristiques, partie moins significative de l'œuvre, fragment.

Couleurs supplémentaires – deux couleurs qui produisent du blanc lorsqu'elles sont mélangées optiquement (rouge avec vert bleuâtre, orange avec cyan, jaune avec bleu, violet avec chartreuse, vert avec magenta). Lorsque ces paires de couleurs complémentaires sont mélangées mécaniquement, on obtient des nuances à saturation réduite. Les couleurs complémentaires sont également appelées couleurs contrastées.

Jouet Dymkovo (Viatka, Kirov) -Artisanat d'art populaire russe (maintenant sur le territoire de Kirov). Il est moulé en argile, cuit et peint de couleurs vives à la détrempe (motif géométrique) sur un fond de craie blanche et décoré de feuilles d'or. Représente des animaux, des cavaliers, des dames en crinolines, des scènes de conte de fées et de tous les jours ; caractérisé par des formes généralisées, quelque peu grotesques.

ET anr - (du genre français - genre, type) divisions internes historiquement établies dans la plupart des formes d'art. Dans les arts visuels, les principaux genres sont déterminés avant tout par le sujet de l'image. En peinture et en graphisme : paysage (urbain, rural, industriel, marin), nature morte, portrait (cérémonial, intimiste, groupe, dessin animé, caricature), historique (mythologique), quotidien (galant), bataille, animalier, intérieur. En sculpture : portrait, composition, monument.

Peinture - un type d'art dont les œuvres sont créées à l'aide de peintures appliquées sur n'importe quelle surface dure (toile, bois, papier, carton, pierre, verre, métal, etc., généralement recouvertes d'un apprêt).

Peinture décorative – destiné à décorer l'architecture ou les produits. Agissant en unité avec leur composition volumétrique-spatiale, il devient leur élément, accentue l'expressivité de la composition ou la transforme visuellement, introduisant de nouvelles relations, rythmes et couleurs à grande échelle. La peinture décorative est une peinture à plat, qui ne doit pas violer le plan de la surface avec une interprétation illusoire de l'espace ; elle utilise une interprétation conventionnelle de la couleur et, le plus souvent, une couleur locale ouverte.

Peinture monumentale – un type particulier de peintures à grande échelle décorant les murs et les plafonds des structures architecturales : fresque, mosaïque, panneau.

Peindre à l'état brut – technique technique de la peinture à l'huile et à l'aquarelle. À l'aquarelle, avant de commencer à travailler mouillé, le papier est uniformément humidifié avec de l'eau. Lorsque l’eau est absorbée par le papier et sèche un peu, ils commencent à écrire. Les traits de peinture posés sur une surface humide se brouillent, se confondent, créant des transitions douces. De cette façon, vous pouvez obtenir de la douceur dans la transmission des contours des objets, de la légèreté et de la spatialité de l'image.

Peinture sur chevalet – une œuvre d'art qui a un caractère indépendant.

Peinture de Zhostovo - L'artisanat d'art populaire russe s'est développé dans le village de Zhostovo, district de Mytishchi, région de Moscou en Russie. Originaire de début XIX siècle. Peinture décorative sur plateaux métalliques (puis vernissés), représentant des bouquets, des fruits ; réalisé avec des touches énergiques de peintures à l'huile brillantes sur un fond noir ou coloré.

Z esquisse - dessin d'après nature, réalisé, en règle générale, en dehors de l'atelier afin de rassembler du matériel pour un travail plus important, ainsi que pour l'exercice ou dans un but particulier (par exemple, sur les instructions d'un journal, d'un magazine). Contrairement à un croquis dont les moyens techniques sont similaires, les détails nécessaires à l'artiste peuvent être soigneusement élaborés dans un croquis.

ET arts visuels - une section d'arts plastiques qui combine peinture, sculpture, graphisme et photographie. Il repose sur une image visuelle et reconnaissable de la réalité elle-même.

Intérieur – vue intérieure, l'espace intérieur d'un bâtiment, de n'importe quelle pièce, ainsi que sa représentation dans l'art. L'intérieur fait référence à l'espace intérieur avec tous ses éléments : décoration, tentures, tableaux, fresques, ustensiles, etc.

Art - créativité artistique en général - littérature, architecture, sculpture, peinture, graphisme, arts décoratifs et appliqués, musique, danse, théâtre, cinéma et autres types d'activité humaine, combinés en tant que formes artistiques et figuratives de reflet de la réalité, forme de conscience sociale , un type spécifique d'exploration spirituelle et pratique du monde en tant qu'unité organique de création, de connaissance, d'évaluation et de communication humaine. 2. Au sens étroit - beaux-arts. 3. Haut degré de compétence dans n'importe quel domaine d'activité.

Genre historique - l'un des principaux genres des beaux-arts, dédié aux événements et personnages historiques, phénomènes socialement significatifs dans l'histoire de la société. Les principaux types d'œuvres sont les peintures historiques, les peintures, les reliefs, les monuments et sculpture de chevalet, graphiques miniatures, de livres et de chevalets. Il est souvent mêlé à d'autres genres, étroitement liés au genre bataille lorsqu'il révèle la signification historique des événements militaires.

À artine - une œuvre d'art qui a sa propre indépendance valeur artistique et ayant la propriété d'exhaustivité (contrairement à un croquis et un croquis). Il se compose d'un support (toile, planche de bois ou de métal, carton, papier), d'un apprêt et d'une couche de peinture.

Céramique - (du grec keramos - argile) produits et matériaux fabriqués à partir d'argiles ou de leurs mélanges avec divers composés inorganiques, fixés par cuisson spéciale. Les principaux types technologiques sont la terre cuite, la majolique, la faïence, la pierre massive et la porcelaine.

Collage - (du français collage, littéralement - collage) une technique technique artistique, collant sur tout matériau de base qui en diffère par sa couleur et sa texture ; également une œuvre réalisée selon cette technique. Il est principalement utilisé dans le graphisme pour améliorer l'expressivité émotionnelle de la texture de l'œuvre, l'inattendu de la combinaison de matériaux différents.

Composition - (du latin compositio - composition, composition). Une méthode pour disposer des objets sur une feuille de papier.

Couleur - (du latin couleur - couleur, peinture) en art (principalement en peinture) un système de relations entre les tons de couleurs, formant une certaine unité et étant une traduction esthétique de la diversité colorée de la réalité.

Circuit - contour d'un objet, contour, ligne décrivant une forme.

Le design est une essence des beaux-arts, un trait caractéristique de la structure de toute forme dans la nature et dans l'image, suggérant l'interconnexion des parties dans leur ensemble et leur relation.

Rétroéclairé – le phénomène de perception d'un objet ou d'un objet se tenant à contre-jour et perçu comme une tache à silhouette plate.

Contraste – une technique artistique commune qui représente une comparaison de toutes les qualités opposées qui contribuent à leur renforcement. Les couleurs et le contraste des tons sont de la plus haute importance. Le contraste des couleurs consiste généralement à juxtaposer des couleurs complémentaires ou des couleurs qui diffèrent les unes des autres par leur luminosité. Le contraste tonal est la juxtaposition de la lumière et de l’obscurité. Dans la construction compositionnelle, le contraste sert de technique grâce à laquelle l'essentiel est davantage souligné et une plus grande expressivité et netteté des caractéristiques des images sont obtenues.

Contraste des couleurs – la tendance à percevoir la couleur d’un objet (sa couleur locale) quelles que soient les conditions d’éclairage changeantes, sa force, sa composition spectrale (jour, soir, artificielle).

Gomme - gomme pour effacer le graphite sur papier.

glaçage - (de l'allemand lasieren - recouvrir de glaçure) fines couches de peinture transparentes ou translucides qui sont appliquées sur les couches de peinture denses séchées ou semi-séchées d'un tableau afin de modifier, rehausser ou affaiblir les tons de couleur, enrichir la couleur, obtenir son l'unité et l'harmonie.

Couleur locale - en peinture, la couleur principale et immuable des objets représentés, conditionnelle, dépourvue de nuances qui apparaissent dans la nature sous l'influence de l'éclairage, de l'air, des réflexes des objets environnants, etc. Couleur locale - une couleur caractéristique de la couleur d'un objet donné , change constamment sous l'influence de l'éclairage, de l'environnement aérien, des objets environnants, etc., dans la peinture - pris dans des relations fondamentales avec les couleurs voisines, sans mise en évidence détaillée des nuances de couleur.

M Azok – une trace de pinceau avec de la peinture laissée sur un support (toile, carton, papier...). La technique de la peinture au trait est très diversifiée et dépend du style individuel de l'artiste et des tâches qu'il se fixe, des caractéristiques et des propriétés du matériau dans lequel il travaille.

Marina - (du latin marinus - mer) un tableau représentant une vue sur la mer ; type de paysage.

Peinture à l'huile - un type de peinture avec des peintures à l'huile artistiques, préparées en frottant des pigments inorganiques dans de l'huile de lin blanchie. Ils écrivent principalement sur toile, mais aussi sur carton, bois, métal, enduits d'apprêts spéciaux ou sur enduits à la chaux..

Miniature - (du latin minium - cinabre, minium) une œuvre d'art, qui se distingue par sa petite taille et la subtilité des techniques artistiques. Type spécifique - pittoresque ou images graphiques(principalement des portraits), ayant un caractère indépendant.

La modélisation – (du modeleur français - à sculpter) transfert, identification du volume, de la plasticité, des propriétés spatiales des objets et figures représentés par des dégradés de lumière et d'ombre (en peinture, graphisme) ou par un traitement approprié de formes tridimensionnelles (en sculpture).

Modèle – un objet, un sujet d'image, principalement une nature vivante, principalement une personne.

Monochromes – monochrome.

Motif – un objet de la nature choisi par un artiste pour représenter, le plus souvent un paysage.

Motif – l'intrigue, moment déterminant de la couleur et de la solution picturale-plastique d'une peinture ou d'un croquis, dans les arts décoratifs et appliqués, est l'élément principal d'une composition ornementale qui peut être répétée plusieurs fois.

Mosaïque - (du latin musivum, littéralement dédié aux muses) image ou motif constitué de particules de matériaux homogènes ou différents (pierre, smalt, carreaux de céramique, etc.), l'un des principaux types d'art monumental.

Chevalet - (de l'allemand Malbrett) support, généralement en bois, sur lequel l'artiste pose tout en travaillant une peinture, un dessin, etc.. Il existe des chevalets tripodes et ceux constitués de supports verticaux montés sur une base horizontale.

Monotype - (du grec monos - un et typos - empreinte) un type de graphique imprimé. La technique consiste à appliquer de la peinture à la main sur une surface parfaitement lisse d'une plaque d'impression puis à l'imprimer sur une machine ; L'impression obtenue sur papier est toujours la seule, unique. La technique est connue depuis le XVIIe siècle, mais ne s'est répandue qu'à partir de fin XIX siècle.

Factice - (du français mouler - mouler) un moulage du visage du défunt (masque), de la main d'un musicien célèbre, ou une répétition en série d'une œuvre de sculpture classique réalisée à des fins pédagogiques.

N esquisser - une œuvre graphique, de peinture ou de sculpture de petite taille, exécutée avec fluidité par l'artiste. L’objectif principal est d’enregistrer rapidement des observations ou des idées individuelles au cours du travail actuel de l’artiste. Cela peut être réalisé à partir de la vie, de la mémoire ou de l’imagination.

Nature - (du latin natura - nature) dans les beaux-arts, objets de la réalité (personnes, objets, paysage, etc.) que l'artiste observe directement en les représentant.

Nature morte - (du français nature morte, littéralement - nature morte) un genre de beaux-arts (principalement la peinture de chevalet), consacré à la représentation des choses entourant une personne, généralement placées dans un environnement quotidien réel et organisées de manière compositionnelle en un seul groupe.

Nuancer – (du français nuance) nuance, différence subtile ; dans les arts visuels - une transition à peine perceptible d'une tonalité de couleur à une autre (en peinture), d'une gradation d'ombre et de lumière à une autre (en sculpture, en graphisme). Une combinaison de nuances (nuances) est utilisée pour obtenir une modélisation plus subtile de l'objet image.

À PROPOS originalité - (du latin originalis - original, primaire) originalité, unicité de l'objet et du sujet esthétiques, manifestée dans la richesse et l'originalité du contenu et de la forme d'une œuvre d'art, dans la profondeur et l'originalité de la perception esthétique du monde, dans l'évaluation et l'interprétation critique des phénomènes artistiques.

Ornement - (du latin ornamentum - décoration) motif constitué d'éléments rythmiquement ordonnés, destiné à décorer des objets (ustensiles, outils et armes, textiles, meubles, livres, etc.), des structures architecturales, des œuvres d'arts plastiques, le corps.

Teinte - gradation de ton, nuance ; dans les beaux-arts, l'un des moyens de créer une œuvre d'art. Une variété de nuances enrichit la couleur (en peinture), le modelage de la lumière et des ombres (en sculpture, en graphisme).

La lessive – technique de l'aquarelle utilisant de la peinture ou de l'encre très liquide, technique permettant d'éclaircir la peinture ou de l'enlever du papier à l'aide d'un pinceau trempé dans eau propre, et récupérer la peinture trempée avec du papier buvard.

P. Alitra - (de la palette française) 1. Une fine planche de bois ou une assiette en métal, porcelaine, faïence, rectangulaire ou ovale, sur laquelle l'artiste mélange les peintures tout en travaillant. 2. Au sens figuré - une sélection de couleurs caractéristiques du style de peinture d'un artiste donné.

Panneau - (du latin pannus - un morceau de tissu) 1. Partie du mur, mise en valeur par un cadre (cadre en stuc, ruban ornemental, etc.) et remplie d'une image picturale ou sculpturale (ou ornement). 2. Une peinture réalisée à l'huile, à la détrempe, etc., destinée à une zone spécifique du mur ou du plafond.

Paysage - (du français paysage, du pays - pays, localité) genre des beaux-arts (ou œuvres individuelles ce genre), dans lequel le sujet principal de l'image est la nature sauvage, ou la nature transformée à un degré ou à un autre par l'homme.

Perspective - (du latin perspicio - voir clairement) un système pour représenter des corps volumétriques sur un plan, véhiculant leur propre structure spatiale et leur emplacement dans l'espace, y compris la distance par rapport à l'observateur. La perspective dans les beaux-arts agit comme une expression du désir de l’artiste de recréer l’image du monde réel et visible.

Pysanka - oeuf peint. Remonte à l'époque païenne (découvertes dans des tumulus), transformé plus tard en rituel de célébration Pâques chrétienne. Peinture d'oeufs de Pâques (principalement géométriques ou ornement floral, strictement subordonné à la forme d'un œuf) est un type d'art décoratif courant chez de nombreux peuples (slaves, etc.).

Plein air - (du français plein air, littéralement - plein air) est un terme désignant le transfert dans une image de toute la richesse des changements de couleur provoqués par l'exposition au soleil et à l'atmosphère environnante. La peinture en plein air s'est développée grâce au travail d'artistes en plein air (plutôt qu'en atelier).

Sous-couche - en peinture (principalement peinture à l'huile) l'étape préparatoire du travail sur un tableau. Au stade de la sous-couche, le volume des objets et des personnages représentés est généralement élaboré dans un ton avec du clair-obscur, des ombres avec des tons sombres et des parties éclairées de l'image avec des tons clairs.

Pénombre – un des éléments du clair-obscur. La pénombre, tant dans la nature que dans les œuvres d'art, est une gradation d'ombre et de lumière à la surface d'un objet, intermédiaire entre la lumière et l'ombre profonde.

Demi-ton – ton, transition entre deux tons adjacents à faible contraste dans la partie éclairée de l'objet ; dans les œuvres d'art - un moyen d'expression d'une image artistique. L'utilisation de demi-teintes contribue à une plus grande subtilité dans le modelage des formes et à une plus grande douceur des transitions ton sur ton.

Portrait – un genre de beaux-arts, ainsi qu'une œuvre dédiée à l'image d'une personne spécifique ou de plusieurs personnes (couple, portrait de groupe, etc.).

Oeuvre d'art - un produit de la créativité artistique, dans lequel l'intention spirituelle et significative de son créateur, l'artiste, s'incarne sous une forme sensorielle et matérielle et qui répond à certains critères de valeur esthétique ; le principal dépositaire et source d'information dans le domaine de la culture artistique.

Proportions - (du latin proportio - ratio, proportionnalité) le rapport des valeurs des éléments d'une œuvre d'art, ainsi que des éléments individuels et de l'œuvre entière dans son ensemble. Une distinction est notamment faite entre les proportions architecturales et les proportions utilisées pour représenter le corps et le visage humains.

Profil – vue de tout être vivant ou objet en position latérale.

R. laver - une technique de travail au pinceau avec une utilisation abondante d'eau, qui permet d'obtenir des effets picturaux complexes et riches dans des dessins au bistrome, sépia, encre et aquarelle.

Relief - (du latin relevo - je lève) une image sculpturale sur un avion.

Retoucher - traitement d'originaux (édition de beaux-arts, principalement photographiques) en dessinant, rehaussant, supprimant, affaiblissant des sections et des détails individuels, éliminant les défauts techniques afin d'améliorer la gradation, la netteté, les caractéristiques de couleur des images, etc.

Réflexe - (du latin reflexus - tourné, retourné, réfléchi) en peinture, moins souvent en graphisme, un reflet de couleur et de lumière sur un objet, qui se produit dans les cas où un reflet des objets environnants (objets voisins, ciel, etc. ) tombe sur cet objet. d.).

Dessin - toute image réalisée à la main à l'aide de moyens graphiques - une ligne de contour, un trait, une tache.

Rythme - une certaine répétition, alternance d'éléments de composition en architecture (ouvertures, colonnes, arcades) ou en sculpture (lignes, formes, gestes), renforçant l'expressivité de l'image artistique.

Peinture décorative - ornementale et compositions d'histoires, créé au moyen de peinture sur diverses parties de structures architecturales, ainsi que sur des produits d'art décoratif et appliqué. Un domaine important de la peinture décorative est la peinture décorative architecturale, subordonnée aux tâches de décoration des façades et des intérieurs des bâtiments.

AVEC angine - (du latin sanguineus - rouge sang) crayons (sans bord) de différents tons rouge-brun. La sanguine naturelle (naturelle) et artificielle est constituée de kaolin et d'oxydes de fer. Les dessins de Sanguine sont très pittoresques. Pendant le travail, vous pouvez le mouiller et ainsi diversifier l'épaisseur et la densité du trait, et supprimer facilement les lignes inutiles.

Clair-obscur – les dégradés de clair et d'obscurité, la répartition de couleurs de luminosité différente ou de nuances d'une même couleur, permettant de percevoir l'objet représenté comme volumineux, entouré d'un environnement lumière-air. Les dégradés de clair-obscur (de la luminosité maximale à l'ombre profonde) dépendent de la nature de l'éclairage, des spécificités de la forme volumétrique des objets, de sa texture et de l'état de l'atmosphère.

Silhouette - une image de contour d’une seule couleur sur un arrière-plan d’une couleur différente. Nommé d'après le nom d'Etienne de Silhouette, ministre du roi de France Louis XV (XVIIe siècle), dont l'artiste a fait une caricature, il a été réalisé de manière inhabituelle - comme une ombre. En silhouette, les figures des personnes et des objets sont dessinées comme un point noir uni. Dans un tel dessin, il est impossible de montrer les traits du visage d'une personne ou des détails d'objets, les contours des objets doivent donc être très expressifs. Les silhouettes peuvent non seulement être dessinées, mais aussi découpées dans du papier avec des ciseaux. Une silhouette expressive peut également avoir un objet ou une partie de celui-ci (ou son image, par exemple en peinture), se détachant sur un fond contrasté.

Stylisation - (du style français - style) imitation délibérée des caractéristiques formelles et du système figuratif d'un style particulier dans un contexte artistique nouveau et inhabituel. En d’autres termes, une représentation schématique simplifiée des objets.

Lumière – dans les beaux-arts, l’élément clair-obscur. Tant dans la nature que dans les œuvres d’art, ce terme sert à désigner les parties de la surface les plus éclairées.

Légèreté – le degré comparatif de différence entre la lumière et l'obscurité : plus on s'éloigne de l'obscurité, plus la couleur est claire.

Ouverture – un terme lié au clair-obscur ; en peinture - le degré de saturation des couleurs avec la lumière, le degré comparatif de clarté de la couleur par rapport aux autres tons de couleur voisins ; dans un graphique - le degré de légèreté d'un ton par rapport à un autre, situé à côté.

Clair-obscur – gradation de la lumière et de l'obscurité, le rapport de la lumière sur la forme. Le clair-obscur est l'un des moyens de construction compositionnelle et d'expression du concept d'une œuvre. Grâce au clair-obscur, les caractéristiques plastiques de la nature sont visuellement perçues et véhiculées dans l'œuvre. Dans la nature, la nature du clair-obscur dépend des caractéristiques de la forme et du matériau de l'objet. Dans les œuvres d’art, le clair-obscur est soumis à la décision tonale globale. Dégradation du clair-obscur : lumière, ombre, pénombre, reflet, surbrillance.

Silhouette – profil d'ombre, contour, contour d'un objet, image plate unicolore d'un objet ou d'une personne (sombre sur fond clair, clair sur fond sombre), dessinée ou découpée dans du papier ou autre matériau. Dans les œuvres d'art, type de figures ou d'objets dans lesquels leur forme est perçue sans détails et avec un volume clairement exprimé ou semble complètement plate. Ainsi, une figure placée à contre-jour acquiert une silhouette. Silhouette est également le nom donné à toutes les images sombres de profil dans les graphiques.

Symétrie – une telle structure d'un objet ou d'une composition d'une œuvre dans laquelle des parties homogènes sont situées à la même distance de l'axe central de tout objet occupant une position centrale par rapport à elles. Une composition similaire se retrouve le plus souvent dans les arts décoratifs et appliqués. La violation de la structure symétrique des objets caractérisés par la symétrie est appelée asymétrie.

Parcelle – tout objet de la nature vivante ou du monde physique pris pour la représentation, y compris un seul objet. DANS image de l'intrigue- un événement ou un phénomène spécifique représenté dans l'œuvre. Dans les arts visuels, les œuvres basées sur l'intrigue sont principalement des œuvres de genre quotidien, de combat et historique.

T grogner - une activité qui génère quelque chose de qualitativement nouveau et qui se distingue par son unicité, son originalité et son caractère unique socio-historique. La créativité est spécifique à une personne, car elle présuppose toujours un créateur - un sujet d'activité créatrice.

Tempéra - (de l'italien temperare - mélanger les peintures) peindre avec des peintures dont le liant est une émulsion d'eau et de jaune d'oeuf, ainsi qu'avec de la colle végétale ou animale diluée dans de l'eau, mélangée à de l'huile (ou avec de l'huile et du vernis).

Ton - couleur, une des principales caractéristiques de la couleur (avec sa saturation lumineuse), qui détermine sa teinte par rapport à la couleur principale du spectre, exprimée par les mots « bleu, violet, marron, etc. ; différences dans les noms de les peintures indiquent principalement le ton de la couleur. En peinture, le ton est également appelé la nuance principale, qui généralise et subordonne toutes les couleurs de l'œuvre et confère l'intégrité de la couleur.

Pochoir - (de l'italien traforo - perforation, perçage) un dispositif pour former une image ou un ornement coloré, conçu pour la répétition répétée du motif. Il est utilisé pour la sérigraphie dans la broderie artistique et les imprimés, dans la production de textes et de papier, et parfois dans la décoration de produits céramiques. Il s'agit d'une plaque (en bois, carton, métal, etc.) comportant un trou pour appliquer de la peinture.

Ombre – élément de clair-obscur, les zones les plus faiblement éclairées de la nature et de l’image. Une distinction est faite entre les ombres naturelles et tombantes. Les ombres appropriées sont celles qui appartiennent à l'objet lui-même. Le placement de ces ombres sur sa surface est déterminé par la forme de l'objet et la direction de la source lumineuse. Chute - ombres projetées par le corps sur les objets environnants.

Technique (en art) – un ensemble de compétences et de techniques particulières grâce auxquelles une œuvre d’art est réalisée. La capacité d'utiliser les capacités artistiques du matériau et des outils utilisés pour transmettre la matérialité des objets et la forme volumétrique. Moyens techniques l'art ne reste pas neutre par rapport au contenu, mais est subordonné à l'intention idéologique et artistique de l'œuvre.

Ton - le degré de légèreté inhérent à la couleur d'un objet dans la nature et dans une œuvre d'art. Le ton dépend de l'intensité de la couleur et de sa légèreté. Le ton dans un dessin est l'un des principaux moyens artistiques, puisque le dessin est généralement unicolore (monochrome). En utilisant les relations de différents tons, le volume de la forme, la position dans l'espace et l'éclairage des objets sont transmis. Le ton traduit la différence de légèreté des objets, qui est due dans la nature à la variété de leur couleur et de leur matériau. Le concept de « ton » en peinture fait référence à l’ouverture de la couleur, ainsi qu’à la saturation des couleurs. En peinture, les relations entre la couleur et la lumière et l’ombre sont inextricablement liées. Dans le même temps, la notion de « ton » ne doit pas être confondue avec les notions de « nuance » et de « ton de couleur », qui définissent d'autres qualités de la couleur.

Clé - un certain rapport de couleurs ou de tons caractéristiques de de ce travail, l'un de ses caractéristiques artistiques. En graphisme, la tonalité est déterminée par le degré de contraste entre les tons sombres et clairs. En peinture, le concept de tons a la même signification que la palette de couleurs, car il détermine les caractéristiques de la structure des couleurs de l'œuvre ainsi que les nuances de couleurs.

Image tonique – une image avec différentes transitions tonales de la lumière à l’ombre, c’est-à-dire avec des zones de tons différents. Un exemple typique d'image tonique est l'huile ou dessin à l'aquarelle en une seule couleur (grisaille), ainsi qu'un dessin au crayon réalisé en dégradé.

Galerie Tretiakov - à Moscou, le plus grand musée d'art russe et soviétique. La galerie porte le nom de P. M. Tretiakov, qui collectionnait (depuis 1856) les œuvres d'artistes russes du mouvement démocratique (principalement les Vagabonds).

Triptyque - (du grec triptyques - triple, plié en trois) une œuvre d'art composée de 3 parties (peintures, reliefs, dessins, etc.), unies par une idée artistique, un thème ou une intrigue commune et formant souvent un ensemble indissoluble.

Mascara - une peinture noire qui ne perd pas l'intensité de sa tonalité avec le temps ; fortement dilué avec de l'eau, il donne un ton gris. L'encre est utilisée pour dessiner (avec un stylo ou un pinceau, en ombrant, en remplissant, en lavant, etc., souvent en combinaison avec un crayon, une aquarelle, un fusain).

F ca - (du mot français « visage » - visage) si le portrait est peint de telle manière que le visage de la personne soit complètement visible et que ses yeux semblent regarder dans les yeux du spectateur, le portrait est peint de face. Les images frontales se retrouvent non seulement dans la peinture, mais aussi dans la sculpture.

Floristique - l'art de confectionner des bouquets, de les décorer de fleurs et de plantes, un des arts les plus anciens.

Arrière-plan - (du français Fond - « bas », « partie profonde ») toute partie d'une composition picturale ou ornementale par rapport au détail « saillant » (notamment au premier plan) qui y est inclus. Un fond non pictural (généralement dans un portrait) est appelé fond neutre. L'action du film se déroule soit à l'intérieur, dans la nature ou dans une rue de la ville. tout environnement situé derrière un objet situé plus près, du fond de l'image. Dans les œuvres d'art, le fond peut être neutre, dépourvu d'images, ou comporter une image (fond fin). C'est le contexte.

Formulaire – apparence, contour, dans les beaux-arts - caractéristiques volumétriques et plastiques d'un objet, dans tous les types d'art - moyens artistiques qui servent à créer une image, à révéler le contenu d'une œuvre. Dans le processus créatif, ils trouvent la forme qui convient le mieux au design. Dans toute forme d’art, la forme détermine en grande partie les mérites artistiques de l’œuvre. Dans les beaux-arts, la forme artistique est une structure de composition, une unité de moyens et de techniques. réalisé en matériau artistique et incarnant le concept idéologique et artistique.

Format – la forme du plan sur lequel l'image est réalisée (rectangulaire, ovale, rond - rondo, etc.). Il est déterminé par son contour général et le rapport hauteur/largeur. Le choix de la forme dépend du contenu et de l'ambiance exprimés dans l'œuvre. Le format du tableau doit toujours correspondre à la composition de l’image. Elle est essentielle pour la structure figurative de l’œuvre.

Fragment – partie d’une œuvre existante ou vestige survivant d’une œuvre perdue

X Peinture Ohloma - le travail du bois, l'artisanat d'art populaire russe. Il est apparu dans la 2e moitié du XVIIe siècle sur le territoire du district moderne de Koverninsky de la région de Gorki (Russie) ; Le nom de la pêcherie a été donné par le village. Khokhloma, dans la même région, est le centre de vente des produits de peinture de Khokhloma du XVIIIe au début du XXe siècle. La peinture Khokhloma se caractérise par une technique originale consistant à peindre le bois d'une couleur dorée sans utiliser d'or.

Artiste, artiste -

travailleur créatif en art (au sens étroit - dans les beaux-arts).

Médias artistiques - tous les éléments visuels et techniques artistiques que l'artiste utilise pour exprimer le contenu de l'œuvre. Ceux-ci incluent : la composition, la perspective, les proportions, le clair-obscur, la couleur, le trait, la texture, etc.

Couleurs chromatiques – des couleurs qui ont une qualité particulière (ton de couleur) qui les distingue les unes des autres. Les couleurs chromatiques sont les couleurs du spectre solaire créées par la réfraction d'un rayon solaire. Classiquement, les couleurs du spectre sont situées le long de la « roue chromatique ». Cette échelle de couleurs contient un grand nombre de transitions des couleurs froides aux couleurs chaudes.

Ch trois - une ligne, une ligne exécutée d'un seul mouvement de la main ; l'un des plus importants arts visuels dans la plupart des types de graphisme, dans certains types de peinture (principalement monumentale et décorative), dans l'art de l'ornement, etc. La forme et le contour des figures et des objets peuvent être transmis à l'aide d'un trait.

E exposition - (du latin exhibitions - exposé) dans le domaine des beaux-arts : œuvre d'art exposée lors d'une exposition ou dans un musée.

Ermitage - État de Saint-Pétersbourg, musée d'art et d'histoire culturelle, l'un des plus grands musées du monde.

Esquisser - une esquisse préliminaire qui capture le concept d'une œuvre d'art ou d'une partie distincte de celle-ci. L'esquisse décrit la structure de composition, les plans spatiaux et les relations de base entre les couleurs de l'œuvre future. Les croquis peuvent être graphiques, picturaux, sculpturaux ; généralement caractérisé par une manière d'exécution libre et fluide, mais peut être élaboré en détail.

Étude - (du français étude, littéralement - étudier) une œuvre réalisée à partir de la nature dans le but de l'étudier. Un croquis (peinture, sculpture, graphisme) sert souvent de matériel préparatoire lorsqu'on travaille sur une peinture, une sculpture, une œuvre graphique, etc.

Carnet de croquis - une boîte en bois peu profonde avec couvercle pour le matériel de peintre (peinture à l'huile ou aquarelle). Les carnets de croquis peuvent être sans trépied ou avec trépied ; des carnets de croquis à palette sont produits.

Annexe n°1

Liste des notions

étudié par programme éducatif

"Jeune artiste"

CARICATURE(Caricatura italienne, de caricare - charger, exagérer) - un genre de beaux-arts qui utilise les moyens de la satire et de l'humour, du grotesque, de la caricature pour une évaluation critique de tout phénomène social, politique et quotidien ou de personnes et d'événements spécifiques. L'effet comique d'une caricature est créé par l'exagération et l'accentuation des traits caractéristiques, des comparaisons inattendues, des comparaisons, des métaphores et une combinaison du réel et du fantastique. La caricature est principalement utilisée dans le graphisme des journaux et des magazines, mais elle trouve également sa place dans la peinture satirique et le petit art plastique, dans les affiches et même dans la peinture monumentale. La caricature peut être vue dans l’art populaire, en particulier dans les estampes populaires. Les caricaturistes remarquables étaient J. Effel (France), H. Bidstrup (Danemark), Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov - Russie).

PEINTURE- une œuvre de peinture sur chevalet qui a une signification indépendante. Contrairement à une étude et à un croquis, un tableau est une œuvre achevée, le résultat d’un long travail de l’artiste, d’une généralisation des observations et de la profondeur du concept et du contenu figuratif. Lors de la création d'une image, l'artiste s'appuie sur la nature, mais dans ce processus, l'imagination créatrice joue un rôle important. Le concept de peinture s'applique tout d'abord aux œuvres de nature intrigue-thématique, dont la base est l'image d'événements historiques, mythologiques ou sociaux importants, d'actions humaines, de pensées et d'émotions dans des compositions complexes à plusieurs figures. La peinture joue donc un rôle prépondérant dans le développement de la peinture. Le tableau est constitué d'un support (toile, panneau de bois ou de métal, contreplaqué, carton, carton pressé, plastique, papier, soie, etc.), sur lequel sont appliqués un apprêt et une couche de peinture. La perception esthétique d'un tableau est grandement améliorée lorsqu'il est enfermé dans un cadre approprié (baguette), séparant le tableau du monde environnant. Le type de peinture orientale conserve la forme traditionnelle d'un rouleau déplié suspendu (horizontal ou vertical). Le tableau, contrairement à la peinture monumentale, n’est pas strictement lié à un intérieur précis. Il peut être retiré du mur et accroché différemment. Les sommets de l'art ont été atteints dans les peintures de peintres exceptionnels. Dans les divers mouvements du modernisme, on constate une perte de l’intrigue et un rejet de la figuration, reconsidérant ainsi de manière significative le concept d’image. Une gamme de plus en plus large de peintures du XXe siècle. appelés peintures.

GALERIE D'ART- un musée d'art dans lequel sont exposées exclusivement ou majoritairement des œuvres de peinture. Une galerie d'art fait également référence aux sections de peinture des grands musées et des salles de palais destinées aux collections de peintures. Dans la Grèce antique, le dépôt de peintures s'appelait pinakothek ; plus tard, de grandes collections de peintures, c'est-à-dire des galeries d'art, ont été appelées ainsi. Bon nombre des plus grands musées d'art du monde sont des galeries d'art et portent le nom de galeries, notamment la National Gallery de Londres, la National Gallery of Art de Washington, la State Tretiakov Gallery de Moscou, etc.

BROSSE- un outil d'artiste, principalement de peintre, qui est un manche avec des poils au bout. Les pinceaux pour la peinture sont généralement fabriqués à partir de poils : pinceaux en poils (en poils de porc blancs), pinceaux kolinsky (en poils de martre rouge - kolinsa), pinceaux en écureuil, pinceaux en furet, etc. Pour l'aquarelle, pour travailler les petits détails, les pinceaux en les cheveux fins et doux conviennent, par exemple l'écureuil Pour peindre à la gouache, à la détrempe et à l'huile, choisissez des pinceaux à poils durs. Autrefois, les artistes utilisaient un pinceau en blaireau, appelé flûte, avec lequel ils lissaient la surface de la peinture, éliminant ainsi les rayures laissées sur la peinture par le pinceau à poils. Les pinceaux peuvent être ronds et plats, avec des poils courts et longs, durs et doux. Chaque main a un pihra (1, 2, 3, etc.). Plus le chiffre est élevé, plus le pinceau est gros. Les extrémités des cheveux dans la brosse doivent être pointues et non coupées. Les cheveux doivent être choisis de manière à ce qu'ils soient parallèles et ne gonflent pas sur les côtés. Un bon pinceau conserve sa forme même après un lavage à l'eau, mais un mauvais pinceau se hérisse même s'il est trempé dans de la peinture. Ce pinceau ne convient pas du tout à la peinture. Récemment, les artistes ont préféré les pinceaux plats qui donnent une forme de trait plus définie. Actuellement large et brosse plate appelé une flûte. Il est utilisé pour peindre de grandes surfaces et apprêter des toiles. Les pinceaux sont également utilisés en graphisme et en calligraphie.

KITSCH(Allemand : Kitsch - lit. hack, mauvais goût) - produits pseudo-artistiques qui répondent à un faible goût artistique et à des besoins esthétiques non développés. Le kitsch se caractérise par des couleurs criardes, un éclectisme, une décoration excessive et des imitations de matériaux précieux. Les manifestations du kitsch sont possibles dans tous les types d'arts plastiques, mais on les retrouve le plus souvent dans la production artistique de masse, l'industrie des souvenirs, les graphiques imprimés en masse et certains types d'artisanat artistique.

CLASSIQUE(du latin classicus - exemplaire) - dans l'histoire de l'art, l'ère de la plus haute ascension de l'art ancien aux V-IV siècles. avant JC e. Art classique- l'art de la Grèce antique et de la Rome antique à leur apogée, ainsi que l'art de la Renaissance européenne et du classicisme, directement fondé sur les traditions anciennes. À l'époque classique, les principaux ordres architecturaux se formalisent, l'urbanisme régulier se développe, la sculpture monumentale, inextricablement liée à l'architecture, fleurit et art décoratif. Les images de personnes harmonieuses, dotées d'une beauté physique et spirituelle égale, ont été créées par les plus grands sculpteurs Myron, Polyclète, Phidias, Praxitèle, Scopas. La peinture (Polygnotus) était très développée dans l'art classique. Au 5ème siècle avant JC e. Les œuvres architecturales les plus parfaites de la Grèce antique ont été créées - les temples du Parthénon (architectes Iktinus et Kallikrates) et de l'Erechthéion, situés sur l'Acropole d'Athènes, marqués par l'unité artistique de l'ensemble et de tous les détails architecturaux et sculpturaux. L’art classique est associé à l’apogée d’Athènes et d’autres cités-États, qui possédaient une démocratie esclavagiste.

CLASSICISME(du latin classicus - exemplaire) - style artistique art européen XVII-XIX siècles, dont l'une des caractéristiques les plus importantes était l'appel à l'art ancien comme modèle le plus élevé et le recours aux traditions de la Haute Renaissance. L'art du classicisme reflétait les idées d'une structure harmonieuse de la société, mais les perdait à bien des égards par rapport à la culture de la Renaissance. Les conflits entre personnalité et société, idéal et réalité, sentiments et raison témoignent de la complexité de l'art du classicisme. Les formes artistiques du classicisme se caractérisent par une organisation stricte, l'équilibre, la clarté et l'harmonie des images. L'architecture du classicisme se caractérise par un système d'ordre inspiré d'exemples anciens, par la clarté et la justesse géométrique des volumes et des dispositions, des portiques, des colonnes, des statues et des reliefs qui se détachent sur la surface des murs. Un chef-d'œuvre architectural exceptionnel, combinant classicisme et baroque en un seul style solennel, était l'ensemble palais et parc de Versailles - la résidence des rois de France (seconde moitié du XVIIe siècle). En peinture, le développement logique de l'intrigue, une composition claire et équilibrée, un transfert clair de volume, à l'aide du clair-obscur le rôle subordonné de la couleur et l'utilisation de couleurs locales (N. Poussin, C. Lorrain) ont acquis le rôle principal importance. Une délimitation claire des plans dans les paysages a également été révélée à l'aide de la couleur : le premier plan devait être marron, celui du milieu devait être vert et celui du loin devait être bleu.

une œuvre de peinture qui a une signification artistique indépendante et possède la propriété d'être complète (contrairement à un croquis ou un croquis). Les peintures, en règle générale, ne sont pas associées, comme une fresque ou une miniature de livre, à un intérieur ou à un système de décoration spécifique. Il se compose d'un support (toile, planche de bois ou de métal, carton, papier), d'un apprêt et d'une couche de peinture.

Excellente définition

Définition incomplète ↓

Peintures

1. À. ( grec pinakes) étaient des planches de bois, des dalles et des tuiles cuites. argile ou pierre, métallique. et d'autres plaques avec des images figuratives ou ornementales. La preuve la plus ancienne est constituée de métopes d'argile de Therma (7e siècle avant JC) ; de la sphère étrusque - dalles Boccaner et Campanien. Les pierres corinthiennes sur argile de Pendeskuthia et les pierres sur bois de Pitsa (VIe siècle avant JC) ont un format plus petit. hellénistique K. sur marbre, par exemple à Herculanum, ils copient le classique. des échantillons. DANS grandes quantités Des peintures murales romano-campaniennes ont été conservées, qui constituaient généralement l'un des éléments décoratifs de la peinture murale. Les portraits en pied des défunts, parfaitement conservés dans la plupart des cas, revêtent une importance particulière. Famille Romains portraits ( lat. Excellente définition

Définition incomplète ↓

Peinture- une œuvre de peinture qui a un caractère complet (par opposition à une esquisse ou une esquisse) et une signification artistique indépendante. Il est constitué d'un support (toile, planche de bois ou de métal, carton, papier, pierre, soie, etc.), d'un apprêt et d'une couche de peinture. La peinture est l’un des types d’art sur chevalet. Les peintures sont de différents genres. Lors de la création d'une image, l'artiste s'appuie sur la nature, mais dans ce processus, l'imagination créatrice joue un rôle important. La fin du XIXe siècle est marquée dans toute l’Europe par une vision nouvelle et dynamique du monde. L'artiste du début du siècle devait correspondre à une vie en constante évolution : non pas tant pour représenter le monde qui l'entourait (la photographie et le cinéma le font désormais), mais pour pouvoir exprimer son individualité, son monde intérieur, le sien vision sur la photo. Les sommets de l'art ont été atteints dans les peintures de peintres exceptionnels. Dans les divers mouvements du modernisme, on constate une perte de l’intrigue et un rejet de la figuration, reconsidérant ainsi de manière significative le concept d’image. Certains artistes appartenant à diverses écoles de peinture se sont éloignés de la représentation du monde (personnes, animaux, nature) tel que nous le voyons. Dans leurs peintures, le monde apparaît déformé, parfois complètement méconnaissable, car les artistes sont davantage guidés par leur imagination que par la perception visuelle des phénomènes qui nous entourent.

Dans le développement de la peinture, la peinture joue un rôle primordial.

Une reproduction peut également être appelée tableau si, dans le contexte pertinent, peu importe qu'il s'agisse d'une copie ou d'une œuvre originale.

Une peinture au sens figuratif ou plus général est toute œuvre d'art complète et intégrale, y compris une description vivante et vivante, orale ou écrite, d'une vue de la nature.

La peinture est l'art du plan et d'un seul point de vue, où l'espace et le volume n'existent qu'en illusion. La peinture, grâce à la complexité des moyens visuels, est capable de créer sur un plan une telle profondeur d'espace illusoire et une multidimensionnalité de la réalité artistique qui est hors de portée des autres méthodes de représentation. Chaque tableau remplit deux fonctions : picturale et expressive-décorative. Le langage du peintre n'est parfaitement compréhensible que pour ceux qui sont conscients des fonctions décoratives et rythmiques du plan pictural.

Dans la perception esthétique, toutes les fonctions de l'image (à la fois décoratives, planes et picturales, spatiales) doivent participer simultanément. Percevoir et comprendre correctement une image signifie voir simultanément et indivisiblement la surface, la profondeur, le motif, le rythme et l’image.

La perception esthétique d’un tableau est grandement améliorée lorsqu’il est enfermé dans un cadre approprié qui le sépare du monde environnant. Le type de peinture orientale conserve la forme traditionnelle d'un rouleau déplié suspendu (horizontal ou vertical). Le tableau, contrairement à la peinture monumentale, n’est pas strictement lié à un intérieur précis. Il peut être retiré du mur et accroché différemment.

La profondeur de l'espace illusoire des peintures

Le professeur Richard Gregory a décrit les « propriétés étranges des peintures » : « Les peintures constituent une classe unique d’objets car elles sont simultanément vues à la fois en elles-mêmes et comme quelque chose de tout à fait différent du simple morceau de papier sur lequel elles sont dessinées. Les images sont paradoxales. Aucun objet ne peut se trouver à deux endroits en même temps ; aucun objet ne peut être à la fois bidimensionnel et tridimensionnel. Et c’est exactement ainsi que nous voyons les images. Le tableau a une taille tout à fait définie, et en même temps il montre la vraie taille d'un visage humain, d'un bâtiment ou d'un navire. Les tableaux sont des objets impossibles.

La capacité d'une personne à réagir à des situations absentes et imaginaires représentées dans les peintures est une étape importante dans le développement de la pensée abstraite. »

Comment sont créées les peintures

Un tableau est le monde spirituel de l'artiste, ses expériences et ses sentiments exprimés sur toile ou sur papier. Il est difficile d'expliquer comment les peintures sont créées - il vaut mieux le voir soi-même. Il est impossible d'exprimer avec des mots comment l'artiste peint la toile, avec quel pinceau il touche la toile, quelles couleurs il choisit. Durant le travail, tout ne fait plus qu'un : l'artiste, le pinceau et la toile. Et dès le premier coup de pinceau, la magie particulière de la peinture commence à opérer dans l’atelier.

Les peintures ne sont pas seulement une toile peinte, elles affectent les sentiments et les pensées, laissent une marque dans l'âme et éveillent des prémonitions.

Comment est créée une image ?

Il semblerait qu'avec des peintures, des pinceaux, sur toile. Il existe peut-être une autre réponse universelle : de différentes manières.

Les méthodes de peinture ont constamment changé tout au long de l’histoire de l’art. Les artistes de la Renaissance italienne travaillaient complètement différemment de Rembrandt ou des « petits Hollandais » du XVIIe siècle, des romantiques, différemment des impressionnistes, des abstractionnistes et des artistes réalistes contemporains. Et au sein d’une même époque et même d’une même direction, on peut trouver beaucoup de diversité.

Artistes réalistes du passé et du présent (si l'on comprend le réalisme dans dans un sens large mots) combine les éléments suivants :

Créer une œuvre à part entière, en l’occurrence un tableau, un portrait ou un paysage, est impossible sans une étude approfondie de la vie et de l’attitude active de l’auteur à son égard. Les moyens de connaissance artistique de la vie sont le travail d'après nature, les impressions visuelles, l'analyse et la synthèse des phénomènes de la vie.

Créer un tableau est un processus créatif complexe et à forte intensité de main-d'œuvre, dont les résultats ne sont pas déterminés par le temps passé, mais par la mesure du talent, de l'habileté de l'artiste, de la force et de l'efficacité de l'original. solution figurative. Les étapes les plus importantes de ce processus sont la naissance et la concrétisation de l'idée, les observations directes, les croquis, les croquis d'après nature, la peinture proprement dite du tableau avec le traitement certainement créatif et actif du matériel vivant.

Et lorsqu'un spectateur approche un tableau dans un musée ou lors d'une exposition, avant de porter son jugement sur celui-ci, il doit se rappeler que derrière lui se trouve toujours une personne vivante, un artiste qui a investi une partie de sa vie, son cœur, ses nerfs, talent et compétence dans le travail. On peut dire que le tableau est le rêve de l’artiste devenu réalité.

G. S. OSTROVSKI

L'intégralité de l'image

Dans la vie, beaucoup de choses arrivent par hasard - dans une image, il ne peut y avoir de tels accidents, tout doit être complété, logique. A quel moment le tableau est-il considéré comme terminé ?

Le coup de pinceau magistral d'empâtement de Rembrandt, si apprécié plus tard et à notre époque, n'a fait que semer la confusion chez les contemporains de Rembrandt et a donné lieu à des moqueries et à des plaisanteries à son sujet. S'opposant à ses critiques, Rembrandt a contesté l'exactitude de leur compréhension de l'intégralité d'un tableau, en les contrastant avec sa propre compréhension de celui-ci, qu'il a formulée ainsi : un tableau doit être considéré comme terminé lorsque l'artiste a dit tout ce qu'il voulait. . Afin de ne pas entendre les questions agaçantes sur « l'inachèvement » de ses peintures, Rembrandt a cessé de permettre aux visiteurs naïfs de son atelier, qui regardaient avec une grande curiosité les traits de bravoure de sa peinture, de s'approcher d'eux, les effrayant du fait qu'ils ne doivent pas s'approcher trop près des tableaux, car sentir leurs peintures est nocif pour la santé.

Matisse à propos de sa peinture :

"J'essaie simplement de mettre sur la toile les couleurs qui expriment mon sentiment. La proportion de tons requise peut m'obliger à changer la forme d'une figure ou à changer la composition. Jusqu'à ce que j'aie atteint cette proportion dans toutes les parties du tableau, je cherchez-le et continuez à travailler. Puis vient le moment où toutes les parties acquièrent leurs relations définitives, et alors je ne peux pas toucher au tableau sans tout refaire.

A partir approximativement des impressionnistes, les catégories du dessin, de la forme et de la couleur sont étroitement liées, fusionnées, semblent processus continu: dessin et couleur, modelé et composition, ton et trait apparaissent et se développent comme en même temps. Le processus de peinture d'un tableau peut, pour ainsi dire, se poursuivre indéfiniment ; le moment de l'achèvement du travail est quelque peu conditionnel : n'importe où sur la toile, l'artiste peut le continuer, en appliquant de nouveaux traits à des traits similaires qui se trouvent plus bas. Le représentant le plus frappant et le plus cohérent de ce système est Cézanne. Dans ses lettres et ses conversations enregistrées, il formule à plusieurs reprises cette méthode de peinture mixte ou, plus exactement, indifférenciée. A tout moment, le travail sur le tableau peut être interrompu, mais l'œuvre ne perdra pas sa valeur esthétique. Le tableau est prêt à tout moment.

Le lien entre l’espace pictural du tableau et l’espace réel

L'artiste et théoricien de l'art V. A. Favorsky, dans un cours sur la théorie de la composition, a souligné qu'une véritable œuvre d'art dès la naissance est inhérente à une double existence : en tant qu'objet dans l'espace environnant et en tant que monde relativement fermé avec son propre espace. -relations temporelles. En peinture, cet objectif est atteint en coordonnant la structure interne du tableau avec le cadre, en sculpture - avec l'espace environnant (exemple classique : une statue dans une niche).

Pour contacter espace visuel avec l'espace réel dans lequel se trouve le spectateur, le cadre photo est utilisé. Les artistes jouent également avec les multiples « reproductions du cadre » dans l'image elle-même, les rimes visuelles, les répétitions de verticales et d'horizontales. L'une des techniques caractéristiques qui permet de « renforcer » visuellement une image dans les limites d'un format rectangulaire est le « biseautage des coins ». La séparation de la peinture de l'architecture a donné naissance à un certain système de perception des peintures de chevalet. Le contenu principal de l’image devient l’expression d’une représentation holistique de l’espace. La composition se transforme en une exposition dans laquelle le spectateur se trouve devant le monde transformé des relations spatio-temporelles et s'y voit comme dans un miroir. C'est ainsi que le verre transparent de la Renaissance s'est transformé en miroir des époques classique et baroque. L'art de l'après-Renaissance se caractérise par le jeu avec les reflets dans le miroir, en introduisant dans la composition du tableau des figures médiatrices, des personnages qui, par leur position, leur regard ou leur geste de la main, indiquent l'action qui se déroule au plus profond du image, comme pour inviter à y entrer. En plus du cadre, dans de telles compositions, il y a un avant-scène - la partie avant de la scène, les coulisses, puis le plan intermédiaire dans lequel se déroule l'action principale, et l'arrière-plan - la « toile de fond ».

L'artiste place généralement les personnages principaux dans le plan médian du tableau, les plaçant sur l'horizontale mentale comme sur un piédestal. La profondeur de la « couche spatiale » dépend de la position de cette ligne horizontale de référence (en termes planimétriques - au-dessus ou en dessous par rapport au bord inférieur du cadre photo). En posant à plusieurs reprises l'horizontale vers le haut, le peintre crée un certain rythme de mouvement dans les profondeurs de l'espace imaginaire. Grâce à cela, même sur une petite toile, vous pouvez représenter un espace de n'importe quelle longueur avec n'importe quel nombre de figures et d'objets. Dans une telle exposition, il est nécessaire d’attirer spécifiquement l’attention du spectateur sur le fait que certains objets sont plus proches et d’autres plus éloignés. Pour cela, des « pointeurs » sont utilisés : réduction de perspective, introduction de repères d'échelle (petites figures de personnes en arrière-plan), plans superposés, contraste de tons, ombres tombantes d'une source lumineuse à l'intérieur ou à l'extérieur de l'image. Un autre point de référence pour le mouvement mental du spectateur dans l’espace d’une image sont les diagonales, dont la principale est la « diagonale d’entrée » (généralement de gauche à droite).

Peinture dans un tableau

Image dans l'image

"Image dans l'image" peut être utilisé dans une fonction de composition spéciale. Une organisation hiérarchique similaire est représentée dans le cas de la représentation d'un tableau dans un tableau (ainsi que des fresques dans les peintures murales, etc.).

« Image dans un tableau » est une technique de composition que l'on retrouve dans l'art de la peinture classique des XVIe et XVIIe siècles. Une image dans une image peut être dotée d'une signification cachée particulière.

La technique de composition « image dans l’image » peut remplir plusieurs tâches :

• exprimer une idée
• expliquer l'intrigue
• contraster ou créer de l'harmonie
• être un détail du mobilier (intérieur)

Très souvent, l'image d'un arrière-plan dans un tableau peut être comprise comme une sorte d'image dans l'image, c'est-à-dire une image indépendante construite selon ses propres lois particulières. En même temps, l'image du fond, plus que l'image des personnages sur le plan principal, est soumise à des tâches purement décoratives ; on peut dire que ce qui est souvent représenté ici n'est pas le monde lui-même, mais le décoration de ce monde, c'est-à-dire que ce n'est pas l'image elle-même qui est présentée, mais l'image de cette image.

Chez les Néerlandais, une carte géographique, un treillis, un tableau, une fenêtre ouverte, en tant qu'image incluse dans le tableau, élargit les frontières du monde ou sert à développer le sens allégorique de l'intrigue principale. Vermeer, levant le rideau de l'atelier, devient un guide à travers trois niveaux de réalité : l'espace du spectateur, l'espace de son atelier, l'espace de l'œuvre d'art (la toile qui se dresse sur le chevalet), assimilant ces métamorphoses naviguer sur les océans peints carte géographique ou survoler des terres cartographiées.

Le flux de la réalité - de l'art - du mythe peut également être observé chez Velazquez, qui recourt volontiers à la technique du « tableau dans le tableau », comme en témoignent « Les Ménines » et « Les Fileuses ».

« Une peinture dans la peinture » ​​se retrouve également dans « Vénus devant un miroir » de Velazquez, mais le miroir brumeux ne reflète que l'ombre de la déesse de l'amour.

Image et cadre

Toute image créée par un artiste, à l'exception des peintures rupestres anciennes, possède un cadre. Le cadrage est une partie nécessaire et importante de la composition, il la complète et donne de l'unité. Le cadre peut être situé sur le même plan sur lequel la composition picturale ou graphique elle-même est réalisée. Il peut également être créé spécifiquement comme une sorte de forme en relief à l'aide d'éléments décoratifs, sculpturaux et architecturaux. Le plus souvent, on trouve des cadres rectangulaires, un peu moins souvent - ronds et ovales.

Le cadre aide à mettre en valeur peinture de l'environnement comme quelque chose de spécial et digne d'attention, ne le relie pas en même temps à l'environnement. Ainsi, si le style du cadre coïncide avec l’aspect artistique, la structure et le caractère de l’intérieur où se trouve le tableau, cela contribue à l’intégrité de l’ensemble. En fonction de la couleur, de la saturation des détails décoratifs et sculpturaux, le cadre influence considérablement l'impression globale de l'image picturale. Tout cela nous permet de parler de l'unité de l'image et du cadre, où le cadrage, bien sûr, ne remplit pas la fonction principale, mais très nécessaire.

Les chemins vers le développement de la peinture de chevalet étaient complexes. Quelle étape marquante dans son histoire fut le passage du Moyen Âge à la Renaissance ! Le plus significatif était le désir de s'éloigner de la rigidité et de l'abstraction de l'image de l'icône qui dominait au Moyen Âge. Vers le XIVe siècle, naît un tableau au sens moderne du terme, et avec lui apparaît un cadre, encore habillé de la dentelle du décor gothique.

Les premiers cadres ne s'opposaient pas complètement à l'image entière et n'en étaient pas séparés ; les matériaux des deux étaient similaires, la dorure conventionnelle du fond, par exemple, d'une ancienne icône russe ou byzantine, transférée sur le cadre, et l'image elle-même était souvent « éclaboussée » dessus. Ensuite, les limites entre l’image et le cadre ont commencé à être de plus en plus clairement reconnues. Pourtant, comme une sorte de souvenir des siècles passés, le cadre a conservé sa couleur dorée. Lorsque le fond doré, qui dénotait le monde divin, disparut du tableau, la dorure du cadre commença à être perçue conventionnellement, c'est-à-dire comme un attribut nécessaire du cadre, qui contribuait à mettre en valeur le tableau dans la pièce. et attirer le regard du spectateur.

À la Renaissance, l'idée de la peinture comme vue sur le monde à travers une fenêtre prévalait ; le cadre, avec ses formes, faisait très clairement allusion à l'idée dominante et y répondait. Ces cadres magnifiques et solennels ont été réalisés d’après les dessins des artistes dans des ateliers spéciaux ou par les assistants de l’artiste travaillant dans son atelier.

À la Renaissance, la peinture était constamment comparée à un miroir dans lequel se reflète la réalité, et le cadre, créé comme le cadre ornemental d'un miroir, accentuait encore cette comparaison. Ce cadre pouvait être réalisé non seulement à partir de lattes de bois et de plâtre, mais aussi à partir de matériaux précieux, notamment l'argent, l'ivoire, la nacre, etc. La préciosité des matériaux semblait correspondre à la préciosité du tableau, le mettant en valeur.

Les maîtres anciens étaient très attentifs au cadre, en tenant compte de son impact lors du processus de travail, parfois même en peignant dans le cadre fini, en tenant compte d'un certain ton et du rythme décoratif du cadre. C’est pourquoi les compositions de maîtres anciens bénéficient souvent grandement de leurs cadres d’origine.

Les observations des cadres des maîtres anciens permettent d'établir un autre principe : la correspondance entre le profil et la largeur du cadre et la taille du tableau : par exemple, les peintres hollandais avaient l'habitude d'insérer leurs petits tableaux dans de grands cadres avec une profondeur, profil vertical, qui, pour ainsi dire, conduit le regard au centre de l'image et l'isole de toute influence de l'environnement

Au début du XXe siècle, des voix ont commencé à se faire entendre pour réclamer l’abandon total des cadres, considérés comme quelque chose de trop matériel, « fondant » la spiritualité de l’art. Divers artistes d'avant-garde, répondant à ces appels, ont commencé à exposer leurs œuvres sans cadre. Cependant, du fait de cette innovation, leurs œuvres elles-mêmes cessèrent d’être des peintures au sens strict du terme. C'étaient des sortes d'« objets », de « taches », souvent dépourvues de sens clair.

Bien qu'aujourd'hui il n'y ait plus de style unique dans la conception des cadres, comme c'était le cas autrefois, il y a une plus grande correspondance du cadre au style individuel de l'artiste qu'auparavant.

DANS dernièrement Lors des expositions d'art, on constate que l'inertie concernant la conception des cadres (qu'il en soit ainsi, mais quel type n'est pas si important), qui s'est manifestée dans le passé chez nos artistes, commence à être surmontée. Les cadres sont peints de différentes couleurs, de petites images supplémentaires et des inscriptions y sont souvent placées, les sculpteurs aident les peintres - des cadres avec de riches motifs plastiques apparaissent.

Format des peintures

Il existe cependant deux éléments spécifiques du tableau qui semblent créer une transition du plan à l'image, appartenant à la fois à la réalité du tableau et à sa fiction : le format et le cadre. Il peut sembler que le format d’un tableau n’est qu’un outil de l’artiste, mais pas une expression directe de son concept créatif : après tout, l’artiste choisit uniquement le format. Parallèlement, la nature du format est étroitement liée à l’ensemble de la structure interne de l’œuvre d’art et indique souvent même la bonne voie à suivre pour comprendre l’intention de l’artiste. En règle générale, le format est choisi avant que le peintre ne commence à travailler. Mais il existe un certain nombre d'artistes connus qui aimaient changer le format de l'image tout en travaillant, soit en en coupant des morceaux, soit en en ajoutant de nouveaux (Velasquez était particulièrement disposé à le faire).

Le format le plus courant pour une peinture est quadrangulaire, un carré pur étant beaucoup moins courant qu'un quadrilatère plus ou moins allongé vers le haut ou vers l'extérieur. Certaines époques valorisent le format rond (tondo) ou ovale. Le choix du format n'est pas aléatoire ; le format révèle généralement un lien profond et organique à la fois avec le contenu de l'œuvre d'art, avec son ton émotionnel, et avec la composition du tableau ; il reflète également clairement le tempérament individuel de l'artiste. et le goût de toute une époque. On ressent le lien causal caché entre le format et l’intention de l’artiste avant chaque tableau, d’où émane le charme d’une véritable œuvre d’art. Il existe des tableaux dont le contenu est devenu tellement lié à la nature du format que le moindre changement de proportion semble bouleverser l’équilibre stylistique et idéologique du tableau.

Le format horizontal et allongé, en général, est certainement plus adapté à la composition narrative, au développement séquentiel du mouvement devant le spectateur. Par conséquent, les artistes qui ont un esprit épique et s'efforcent de composer et d'agir activement se tournent facilement vers ce format, par exemple les peintres italiens du XIVe et de la première moitié du XVe siècle (en particulier dans les compositions de fresques). Au contraire, un format carré ou dans lequel la hauteur l'emporte quelque peu sur la largeur, comme pour arrêter immédiatement la dynamique de l'action et donner à la composition le caractère d'une représentation solennelle - c'est ce type de format que les maîtres préféraient pour leurs peintures d'autel Haute Renaissance ("Madone Sixtine"). À son tour, avec une prédominance significative de la hauteur sur la largeur, la composition acquiert à nouveau une dynamique, une forte poussée, mais cette fois vers le haut ou vers le bas ; un format aussi étroit était particulièrement apprécié des artistes aristocratiques, décorateurs (Crivelli) ou à l'esprit mystique (Maniéristes, Greco), cherchant à incarner certaines émotions et humeurs.

Le lien entre le format et le tempérament individuel de l’artiste est également indéniable : la fantaisie sensuelle et dynamique de Rubens nécessite un format plus grand que la fantaisie sobre et spirituelle de Rembrandt. Enfin, le format dépend directement de la technique de peinture. Plus le trait de l’artiste est large et libre, plus son désir de grand format est naturel.