Ensemble de l'Acropole d'Athènes
Acropole- (grec akropolis, de akros - haut et polis - ville), une partie surélevée et fortifiée de l'ancienne cité grecque, une forteresse, un refuge en cas de guerre.
Ses bâtiments sont exquis en proportion et harmonieusement reliés au paysage. Cet ensemble, créé sous la direction générale de Phidias, comprend l'entrée principale des Propylées (437-432 av. J.-C., architecte Mnésiclès), le temple d'Athéna Niké (449-420 av. J.-C., architecte Callicrates), le temple principal de l'Acropole et Athènes le Parthénon (447–438 avant JC, architectes Iktin et Kallikrates), le temple Érechthéion (421–406 avant JC).
L'Acropole d'Athènes, qui est une colline rocheuse de 156 mètres avec un sommet doux (environ 300 m de long et 170 m de large), le site de la plus ancienne colonie de l'Attique. À l'époque mycénienne (15-13 siècles av. J.-C.), c'était une résidence royale fortifiée. Aux VIIe-VIe siècles. avant JC e. Il y avait beaucoup de construction en cours sur l'Acropole. Sous le tyran Pisistrate (560-527), un temple de la déesse Athéna Hekatompedon fut construit à l'emplacement du palais royal (c'est-à-dire un temple d'une centaine de marches ; des fragments de sculptures de frontons ont été conservés, la fondation a été révélée ). En 480, lors des guerres gréco-perses, les temples de l'Acropole sont détruits par les Perses. Les habitants d'Athènes ont prêté serment de ne restaurer les sanctuaires qu'après l'expulsion des ennemis d'Hellas.
En 447, à l'initiative de Périclès, de nouvelles constructions débutent sur l'Acropole ; la direction de tous les travaux a été confiée au célèbre sculpteur Phidias, qui, apparemment, était l'auteur du programme artistique qui a formé la base de l'ensemble du complexe, son aspect architectural et sculptural.
Avant même le Ve s. L'Acropole n'était pas un rocher désertique. La vie continue ici depuis la fin du IIIe siècle. AVANT JC. Même alors, l'élévation était un refuge pour les habitants des plaines environnantes lors de l'attaque des ennemis. Au 6ème siècle avant JC sur l'Acropole se dressait le temple d'Athéna, appelé Hekatompedon. Il était situé juste en face des Propylées et frappait par sa beauté la personne qui entrait dans l'Acropole. Dans l'implantation des bâtiments du VIe s. AVANT JC. la symétrie dominait, à laquelle les maîtres archaïques adhéraient souvent. Les formes architecturales des temples archaïques sont lourdes et sévères. Les colonnes semblent gonfler sous le poids du toit qui les appuie. La sévérité n'était adoucie que par des décorations sculpturales.
Des bâtiments de cette époque, il ne restait que les fondations, et même c'est loin d'être tout. Cela est dû au fait que les bâtiments ont été détruits pendant les guerres gréco-perses.
Toute la seconde moitié de Vn. avant JC e. la construction était en cours sur l'Acropole. En 447, les travaux commencèrent sur le Parthénon. Il a été achevé sous forme de projet en 438 av. e., et la décoration a duré jusqu'en 434 av. e. En 437 av. e. posa les Propylées et ne les termina qu'en 432 av. e., et environ 425 av. e. a créé le temple de Nika sans ailes. Avant la guerre du Péloponnèse, le colosse d'Athéna la Guerrière était érigé devant les Propylées sur l'Acropole. En 421 av. h. a commencé à construire l'Érechthéion et l'a achevé en 407 av. e. Pendant près d'un demi-siècle, la construction a battu son plein ici, architectes, sculpteurs, artistes ont travaillé, créant des œuvres dont l'humanité est fière après des millénaires.
Ses bâtiments sont exquis en proportion et harmonieusement reliés au paysage. Cet ensemble, créé sous la direction générale de Phidias, se compose de l'entrée principale des Propylées (437-432 av. J.-C., architecte Mnésiclès), du temple d'Athéna Nike Apteros ("Victoire sans ailes") (449-420 av. J.-C., architecte Kallikrates) , le temple principal de l'Acropole et du Parthénon d'Athènes (447-438 avant JC, architectes Iktin et Kallikrat), le temple de l'Érechthéion (421-406 avant JC). (voir annexe 1)
A l'emplacement des temples de l'Acropole du temps de Périclès, les architectes creusent la symétrie typique de l'époque archaïque. Les bâtiments apparaissent maintenant progressivement à la vue d'une personne marchant sur l'Acropole. L'Athénien, en passant les Propylées, ne vit tout d'abord pas la façade du temple, mais l'immense statue d'Athéna la Guerrière. En s'approchant d'elle, il cessa d'apercevoir ce colosse. Toute son attention était dirigée vers le Parthénon, qui, pour ainsi dire, grandissait peu à peu vers la droite. Le temple d'Erechtheion, situé sur la gauche, est devenu particulièrement visible depuis le Parthénon.
Ainsi, il a été possible de considérer soit les détails des travaux à proximité, soit
un monument complètement différent et lointain. L'attention de la personne debout aux Propylées à l'entrée de l'Acropole pourrait être occupée par la décoration des détails architecturaux des portes solennelles de l'Acropole. Mais il put aussi contempler l'immense statue d'Athéna qui se dressait devant les Propylées. L'Erechthéion et le Parthénon ne se sont pas encore ouverts dans toute leur beauté. S'approchant du colosse d'Athéna et se trouvant au piédestal de la statue, l'Athénien pouvait être emporté en examinant ses décorations en relief, mais d'ici il voyait déjà d'un point de vue avantageux le temple d'Athéna - le Parthénon. L'Érechthéion était encore obscurci pour lui par le piédestal du colosse d'Athéna et ne s'ouvrait qu'en pleine mer depuis le Parthénon, où de la même manière il était possible de voir soit les détails du Parthénon, soit l'ensemble de l'Érechthéion.
Le changement des impressions artistiques et leur inclusion progressive dans la conscience humaine, l'utilisation de diverses formes et contrastes, lorsque l'on regarde les détails alterne avec la perception de l'ensemble de la structure - ce principe était nouveau par rapport à la simple comparaison de monuments dans des ensembles archaïques.
Propylées
Au pied de la falaise, côté ouest, commence le chemin vers l'Acropole d'Athènes.
La première structure que l'on rencontre sur le chemin est la propylée ou porte d'entrée (440 - 432 av. J.-C.). On suppose que dans le plan d'origine, les côtés gauche et droit des Propylées auraient dû être les mêmes et que l'ensemble du bâtiment était symétrique. Mais vers 425 av. à droite de la porte, le temple de la déesse Nike a grandi, et cette partie des propylées a été rendue un peu plus petite que la gauche, alors qu'ils s'efforçaient de équilibre général dimensions architecturales.
Propylées- la première structure où deux warrants différents ont été appliqués. Les Propylées de l'Acropole avaient cinq ouvertures (portes) avec de petites salles à six colonnes et des structures latérales des deux côtés. L'ouverture du milieu était plus large que les autres.
Le portique occidental, situé du côté de l'accès principal à l'Acropole, est beaucoup plus richement décoré que les autres.
Dans les Propylées, comme dans le Parthénon, les ordres dorique et ionique sont combinés. La solennité et l'impressionnante des colonnes doriques extérieures ont été révélées aux yeux d'une personne s'approchant des Propylées. Mais, étant entré sous le toit de la porte, il se trouva parmi les gracieux et légers ioniens. Pour adoucir le passage d'un ordre à l'autre, l'architecte a réalisé des corniches carrées ressemblant à des soubassements à la base des colonnes doriques. En introduisant l'ordre ionique, Mnésiclès complique et enrichit l'impression de l'image architecturale des Propylées. Les différentes tailles des colonnes doriques - grandes au centre des Propylées et petites dans les parties latérales - contribuent également à la diversité.
De part et d'autre du portique ouest des propylées, il y avait des bâtiments de taille inégale avec des portiques : à gauche, un plus grand - Galerie de photos et à droite, la plus petite est la bibliothèque.
Temple de Niké Apteros
Devant le petit côté des propylées de la bibliothèque s'élève un petit temple gracieux, le plus petit édifice de l'Acropole (architecte Callicrates, 449-421 av. J.-C.). Fabriquée dans le style ionique, cette branche est dédiée à Nike Aptéros- "Victoire sans ailes". En Grèce, la déesse de la Victoire était représentée avec de grandes ailes : elle est volage, vole d'un adversaire à l'autre. Mais les Athéniens croyaient qu'ils étaient devenus invincibles, et pour que Nike ne les quitte jamais, ils l'ont représentée sans ailes.
S'élevant au-dessus du puissant mur de la forteresse, le temple le couronne de ses proportions légères. Construit dans l'ordre ionique, il porte quatre colonnes sur les côtés d'extrémité et a des parois latérales vierges sans colonnades. Placé en biais par rapport aux Propylées, il semble se tourner légèrement vers la porte, comme s'il dirigeait vers eux une personne s'approchant de la colline sacrée. A côté de la colonnade dorique des Propylées, le temple ionique de Nike peut sembler trop léger. Par conséquent, certaines caractéristiques de Dorica sont incluses dans l'ordre du temple. Les anciens maîtres grecs n'avaient pas peur de s'écarter des règles de l'ordre et, si cela leur paraissait nécessaire, ils introduisaient hardiment des éléments d'un autre dans un ordre. L'intérieur du temple est petit. Les murs à l'intérieur peuvent avoir été recouverts de peintures : la surface des murs en marbre n'est pas polie, rugueuse. Ce temple a été détruit pendant
domination des Turcs en Grèce, et ce n'est que plus tard qu'elle a été restaurée à nouveau.
À l'extérieur, le temple est décoré d'une frise basse en marbre de Pentelli, sur les parties courtes de laquelle sont représentés les dieux de l'Olympe, et sur les parties longues - des scènes de batailles avec les Perses. Sur la partie orientale de la frise, des dieux solennels et calmes sont représentés. La plupart des personnages debout sont placés au-dessus des colonnes, et entre eux les dieux sont assis ou légèrement penchés; la composition de la frise est liée à l'architecture du bâtiment, comme dans d'autres bâtiments de l'Acropole.
Parthénon
Un peu à droite de la statue, à une courte distance, en l'honneur de la déesse Athéna, la patronne de la ville, les architectes Iktin et Kallikrat ont construit un majestueux temple en marbre - le Parthénon. Le temple a été construit pendant 9 ans.Le Parthénon occupait la partie la plus élevée de l'Acropole, étant la structure centrale de l'ensemble. Des points éloignés de la ville, les habitants voyaient la silhouette du temple qui dominait la ville. Le Parthénon couronne l'Acropole. Les formes architecturales logiquement claires du temple ne s'opposent pas seulement aux pentes sauvages des rochers, mais s'y rattachent également dans une unité artistique.
Les chercheurs de l'architecture grecque antique ont souvent attiré l'attention sur le fait que dans les œuvres des architectes helléniques, le principe ou la règle de la « section dorée » est souvent utilisé. Il était considéré comme harmonieux et beau de donner aux bâtiments les proportions de la « section dorée ». ”.
Les proportions du Parthénon et de la colline de l'Acropole ne sont pas accidentelles. La taille du temple est déterminée par la taille du rocher. Les anciens architectes, en outre, ont placé le Parthénon sur l'Acropole à l'endroit le plus artistiquement avantageux, de sorte que les dimensions du temple et du rocher soient perçues à une distance cohérente.
Le Parthénon est le plus grand temple de l'ensemble de l'Acropole et de toute la métropole grecque. À l'intérieur, il y a deux grandes salles - rectangulaires et carrées, dont les entrées étaient situées sur des côtés opposés. La salle rectangulaire orientale avec une statue d'Athéna dans la profondeur était divisée en trois parties par des colonnades à deux niveaux de l'ordre dorique. La salle carrée servait de trésorerie et s'appelait le Parthénon.
L'ordre dorique du Parthénon n'est pas aussi sévère que dans les temples de l'archaïque. Il est adouci par l'introduction de certains éléments de l'élégant ordre ionique dans l'architecture. Derrière la colonnade extérieure, sur la partie supérieure du mur du temple, on peut voir une bande continue en relief représentant la procession solennelle des Athéniens. La frise figurée continue - zophor - appartient à l'ordre ionique, et, néanmoins, elle a été introduite dans l'architecture du Parthénon dorique, où elle aurait dû être : il y aurait une frise avec des triglyphes et des métopes.
Il comprend organiquement des éléments de l'ordre ionique : des colonnes allongées en proportion, un entablement léger, une frise continue ceinturant l'édifice, faite de carreaux de marbre du Pentélique.
Les architectes de la Grèce antique combinaient habilement leurs bâtiments avec le paysage, les "insérant" harmonieusement dans la nature environnante.
Le lien du Parthénon avec la nature ne s'exprimait pas seulement dans le rapport proportionnel du temple et de la colline. Les architectes et sculpteurs grecs ont vu que les objets éloignés ou leurs parties semblaient plus petits et ont pu corriger les distorsions optiques.
Les colonnes du Parthénon ne sont pas strictement verticales, mais légèrement inclinées vers l'intérieur du bâtiment. Les axes des colonnes d'angle, lorsqu'ils se poursuivent mentalement, doivent se croiser à haute altitude. Cela a éliminé l'effet de cette illusion d'optique, dans laquelle une série de lignes verticales semble s'étendre quelque peu vers le haut.
Les écarts par rapport aux horizontales et aux verticales sont presque imperceptibles. Cependant, ils sont en marbre - un matériau qui contribue à cette impression. Au moment de la construction du Parthénon, les Grecs connaissaient et appréciaient depuis longtemps cette pierre merveilleuse, comprenant à quel point le marbre capte la lumière et, en l'absorbant, brille à la surface, devenant comme un corps humain dans la tendresse.
Avant le Parthénon, les temples étaient principalement construits en pierre poreuse brute - le calcaire qui, une fois la construction terminée, était recouvert d'une couche de plâtre marbré. Le Parthénon est tout en marbre. Naturellement, certains de ses détails étaient en bois, le métal était également utilisé pour fixer des blocs de marbre, mais le matériau principal était
Non loin d'Athènes, dans les montagnes du Pentélikon, on a trouvé des gisements de bon marbre blanc. Les plus petites particules glandulaires qu'il contenait se sont avérées être à la surface après traitement. Au contact de l'humidité de l'air, ils s'oxydent progressivement et forment une couche uniforme, et parfois des taches d'une belle patine dorée. La pierre froide et blanche comme neige devint chaude, saturée de soleil, comme si elle absorbait l'humidité de l'air. Cette capacité du marbre traité à réagir à la lumière, à l'air ambiant, a renforcé le lien du bâtiment avec la nature.
Temple Érechthéion
La légèreté des formes, la sophistication particulière des finitions décoratives et la complexité de la composition du petit Érechthéion contrastent avec le Parthénon strict et majestueux, emphatiquement monumental, qui est un périptère dorique.
L'endroit où l'Érechthéion a été construit n'a pas été choisi par hasard. C'était prédéterminé. On croyait que c'était ici que Poséidon frappait avec un trident et creusait un ruisseau, et qu'Athéna plantait une olive. L'architecte est confronté à la tâche difficile de construire un bâtiment sur un site à forte pente. Il n'a pas été possible d'effectuer des travaux de planification à grande échelle et de niveler le site de l'Érechthéion, car à cette époque la lourde guerre du Péloponnèse se déroulait. Les salles de l'Érechthéion ont donc des niveaux différents.
L'emplacement de l'Érechthéion est néanmoins privilégié dans l'ensemble de l'Acropole. En effet, si dans la partie ouest de l'Acropole la partie la plus lourde des Propylées est située à gauche, et le temple de la lumière de Niké est à droite, alors dans la partie est de la colline la gravité est transférée sur le côté droit, faisant saillie dans le volume du Parthénon, et l'Érechthéion ionique élégant et plus léger s'avère être sur la gauche. La répartition harmonique des masses, l'équilibre des volumes architecturaux avec une asymétrie générale n'est pas perçu immédiatement, mais progressivement, en se déplaçant le long de l'Acropole.
La disposition de l'Érechthéion tient compte des irrégularités du sol. Le temple se compose de deux salles situées à des niveaux différents. Sur trois côtés, il présente des portiques de formes diverses, dont le célèbre portique cor (cariatide) sur le mur sud (voir annexe 1).
L'Érechthéion est très différent du Parthénon. À côté de l'ordre dorique du temple d'Athéna la Vierge, l'ordre ionique de l'Érechthéion est perçu comme petit, bien qu'il s'agisse d'un temple assez grand en termes de dimensions absolues. Près des colonnes strictes du Parthénon, l'Érechthéion avec sa riche décoration ornementale semble particulièrement élégant.
Regarder le Parthénon d'un point, d'un angle, donne une idée de l'ensemble du temple. En revanche, l'Érechthéion, complexe et asymétrique, doit être parcouru de toutes parts pour percevoir la richesse de ses formes architecturales. C'est pourquoi il était évidemment impossible d'accéder à l'entrée nord de l'Érechthéion directement depuis les Propylées. L'architecte, pour ainsi dire, a forcé la personne à faire le tour du temple.
L'architecture de l'Érechthéion est dominée par le principe du contraste. Les murs lisses sont assortis de portiques ombragés. Le marbre blanc du temple contraste avec le marbre violet de la frise, les bases massives sont associées à des colonnes lumineuses. Les grandes surfaces des marches sont perçues à côté du motif complexe sur les bases des colonnes.
L'Érechthéion surplombe la place de l'Acropole avec son côté sud à portique dont le toit est soutenu par six cariatides, trois cariatides reposent sur la jambe gauche, trois sur la droite. Il semblerait que la symétrie se maintienne ici clairement et infailliblement. Mais, en regardant les sculptures en marbre des filles, vous voyez à quel point elles sont différentes. Les plis de leurs vêtements dessinent non seulement des figures fortes et belles, mais révèlent le degré de tension de chaque fille. Les cariatides portent calmement, avec un effort excessif, le lourd toit du portique. Leur fardeau n'est ni lourd ni trop léger pour eux. La charge est perçue par eux extrêmement naturellement. L'harmonie classique vit dans chacune de ces statues, dans leurs beaux vêtements, leurs coiffures élégantes. Les bandes, étroitement tressées à la tête, se déroulent progressivement et coulent librement dans le dos. Le maître n'essaie pas de tromper le spectateur, lui faisant croire que devant lui n'est pas une pierre, mais des cheveux. Il conserve la texture du marbre. Mais les rapports de densité de cheveux - étroitement tressés :, lâchement tressés et lâches - exactement
sont rendus aux fosses par les différences des surfaces de marbre, et cela évoque la sensation de cheveux presque réels.
À droite du portique de cariatides, riche en contrastes de lumière et d'ombre, sur la surface sombre de laquelle apparaissent les figures illuminées de filles, fait saillie surface calme grand mur. Il semble seulement à première vue massif et monotone. En fait, ce mur, construit de grands et beaux blocs de marbre, a un petit piédestal particulier en bas, décoré d'un ornement en relief, et en haut il y a une ceinture avec un motif sculpté en damas. Les finitions décoratives du mur en haut et en bas se situent respectivement au niveau des chapiteaux et des bases des colonnes du portique oriental. Le mur est ainsi subordonné au système d'ordre de l'ensemble du temple.
L'aménagement intérieur de l'Érechthéion est complexe. Dans la partie orientale, derrière le seuil du sanctuaire d'Athéna, il y avait une salle avec une ancienne statue en bois de la déesse, devant laquelle se tenait une lampe dorée au feu inextinguible. Viennent ensuite les sanctuaires d'Érechthée et de Poséidon. Leurs murs sont censés avoir été décorés d'images pittoresques.
Contrairement au portique oriental plat, le portique nord est rendu profond de sorte qu'une ombre dense se crée sous son toit, sur lequel apparaîtraient des colonnes de marbre clair. Sinon, ils n'auraient pas été perceptibles de la distance en dessous de la ville. Le portique nord est particulièrement bien décoré. Son plafond est divisé en belles niches carrées qui en allègent le poids.
Les colonnes ioniques reposent sur des bases richement décorées d'ornements et portent d'élégants chapiteaux. La porte menant au temple est particulièrement belle avec des motifs décoratifs. L'élégance de la décoration de l'Érechthéion souligne la grandeur sobre du Parthénon. Une grande attention a été accordée à la décoration de l'Érechthéion. Des commandes pour la production de motifs décoratifs ont été données à divers artistes afin qu'il n'y ait pas de répétitions.
Le changement des impressions artistiques et leur incorporation progressive dans la conscience humaine, l'utilisation de formes et de contrastes variés, lorsque l'examen des détails alterne avec la perception de l'ensemble de la structure - ce principe était nouveau par rapport à la simple comparaison de monuments dans des ensembles archaïques.
TEMPLE GREC - UNE IMAGE ARCHITECTURALE DE L'UNION DU PEUPLE ET DES DIEUX Plan de leçon 1. Comment la culture grecque est née 2. Le panthéon des dieux grecs 3. Les principales formes architecturales de l'architecture grecque 4. L'acropole athénienne comme synthèse du style archaïque et une expression de l'idéal de beauté de la Grèce antique 5. Style classique : Parthénon 6 Vérifions-nous ?
Périodisation de l'art grec ancien L'art grec ancien au sens propre du terme s'est développé et a atteint son apogée dans la période allant du VIIe au Ier siècle. avant JC e. On y distingue trois étapes: archaïque (VII-VI siècles avant JC), classiques (V-IV siècles avant JC), hellénisme (III-I siècles avant JC).
La culture de la Grèce antique comme manifestation de l'esprit populaire La culture de la Grèce antique, comme toute culture, est une manifestation de l'esprit populaire qui s'est formé dans une région donnée sous l'influence d'un certain climat. Climat chaud, paysage élégant avec des montagnes basses, vallées accueillantes envahies de citronniers, d'oliviers, d'orangers, la mer avec de nombreuses îles et baies - le monde entier autour, sa beauté et sa simplicité ont donné lieu à un sens de la proportionnalité des forces de l'homme et nature. Les Grecs n'avaient pas besoin de reconquérir leur espace de vie, de s'y établir ; tout était tangible, proche. Cependant, ils n'ont pas immédiatement atteint l'harmonie avec la nature.
Dieux et peuple Les dieux justifiaient la vie des gens par le fait qu'ils vivaient exactement comme eux, et sous la lumière éclatante des Olympiens, les gens se sentaient égaux aux dieux. Et pour s'exalter encore plus, les Grecs s'entouraient de cette beauté qui faisait partie intégrante de l'existence des célestes. Ce monde merveilleux de beauté s'incarnait dans l'art créé par des gens pour le peuple des dieux.
« L'homme est la mesure de toutes choses » Protagoras (480-410 av. J.-C.) Cette affirmation montre l'attention de la culture grecque à l'homme (anthropomorphisme). La tendance des Hellènes à doter les objets et les éléments naturels de propriétés humaines a conduit à l'apparition de l'architecture, proportionnée aux proportions du corps humain, et de la sculpture, qui reproduisait l'image idéale du dieu humain.
"Iliade" et "Odyssée" sur le panthéon des dieux grecs Dans ses poèmes épiques, Homère (VIIIe siècle av. J.-C.) a fait ressortir le panthéon des dieux grecs. Il repose sur la hiérarchie d'une communauté tribale dirigée par un basileus. Basileus Zeus, Poséidon et Hadès se sont partagé le monde, prenant respectivement le ciel, la mer et les enfers, comme le dit Poséidon dans l'Iliade
(Traduit par N. Gnedich) Trois d'entre nous sont nés un frère de l'ancien Kron et Rhea: Il est un tonnerre, et moi, et Hadès, le seigneur des enfers; Tout fut divisé en trois, et chacun reçut le royaume : . . J'ai une mer agitée par les vagues, les ténèbres souterraines d'Hadès, Zeus a un ciel spacieux entre les nuages et l'éther; La terre reste commune à tous et l'Olympe aux multiples collines.
Qu'est-ce qui a déterminé les proportions du bâtiment ? L'accessibilité des cieux, assimilée à un plafond plat, et non à des voûtes s'envolant vers le haut, a conduit à l'émergence de temples de pierre à l'époque archaïque, reproduisant la basilique (du grec basilique - la maison royale). Le temple reflétait la relation entre les gens et les célestes: ce n'étaient pas les gens qui levaient les yeux vers le ciel, mais les dieux de l'Olympe tournaient leur regard vers la terre, descendant vers les gens. Les proportions du bâtiment et son image picturale ont été déterminées par l'ordre architectural (du latin ordo - ordre) - dorique ou ionique, conformément aux préférences esthétiques des principales tribus qui habitaient la Grèce - les durs Doriens guerriers et les doux choyés Ioniens.
Ordre dorique, colonnes et triglyphe: Il se caractérise par des lignes géométriques claires, une certaine lourdeur des formes et de la masculinité Les colonnes doriques n'ont pas de base, leur chapiteau ressemble à un oreiller aplati, traduisant visiblement la lourdeur de l'entablement. Dans l'ordre dorique, ils sont répétés sur des blocs de pierre rectangulaires - des triglyphes. Les triglyphes sont placés au-dessus de chaque colonne et dans les espaces entre les colonnes. Les vides entre les triglyphes sont remplis de dalles - métopes. Un relief y était gravé dans le même bloc de marbre. L'alternance de triglyphes et de métopes constitue la frise dorique.
Ordre ionique, colonnes et triglyphe: C'est un ordre plus pittoresque et décoratif, il se caractérise par l'harmonie et la féminité.Les ioniens, au contraire, sont minces et légers, se développent à partir d'une base ronde et se terminent par des volutes gracieuses. Pour souligner la fonction de la colonne en tant que support vertical et disperser la lumière vive dans tout le volume, le tronc est parsemé de rainures verticales aux arêtes vives. La frise ionique est ornée d'un ruban de relief continu
Cella, stéréobat, entablement, fronton… La pièce principale du temple grec est un volume de pierre vierge - la cella. Il est érigé sur une base à gradins - un stéréobat et entouré de colonnes le long du périmètre. Les colonnes supportent un plafond à poutres horizontales - l'ENTABLEMENT avec un toit à pignon reposant dessus, qui forme un triangle sur le côté étroit - le fronton. L'entablement est constitué de trois poutres horizontales disposées de bas en haut : architrave, frise, corniche. La cella contenait une statue du dieu, accessible par une porte du côté est.
Mnésiclès 530 - 371 av. e. Représentant des grands classiques. Architecte grec ancien de la 2e moitié du 5e s. avant JC e. A participé à la construction de l'ensemble de l'Acropole d'Athènes, ayant construit une porte d'entrée monumentale - les Propylées (437-432 av. J.-C.) dans laquelle deux portiques doriques extérieurs (l'un face à la ville, l'autre face à l'Acropole) sont situés à différents niveaux et sont reliés par une colonnade ionique interne B La Pinacothèque était située sur l'aile nord des Propylées.
La Pinacothèque (Πινακοθήκη - stockage de peintures) - chez les anciens Grecs, une pièce dans laquelle étaient conservées des images pittoresques, qui constituaient une offrande votive aux dieux. A Athènes, une telle salle était située dans l'aile gauche des propylées de l'Acropole (voir). Les Romains appelaient P. dans leurs maisons la pièce à l'entrée de l'atrium, décorée de peintures, ainsi que de statues, etc. objets d'art, qui ont été particulièrement appréciés par le propriétaire.
Mnésiclès est un ancien architecte athénien, contemporain de Périclès. Constructeur des Propylées de l'Acropole d'Athènes. La conception originale de ce bâtiment, comme l'a prouvé Dernfeld, a été composée par Mnesicles beaucoup plus largement, mais n'a pas été réalisée pour des raisons pas entièrement connues. On suppose qu'un parti hostile à Périclès a joué ici un rôle, se retranchant derrière des considérations religieuses, puisque les Propylées étaient censés occuper une partie du terrain dédié à Artemis Brauronia et détruire une partie de la muraille pélasgienne considérée comme sacrée. Les Propylées sont restés inachevés en raison du déclenchement de la guerre du Péloponnèse en 431, et l'argent destiné à leur construction a été utilisé pour les dépenses militaires
Nous entrons dans la Colline Sacrée par. . Doric Propylaea - un portique traversant profond encadrant les escaliers et un temple ionique léger de Nike Apteros (Wingless), le compagnon constant d'Athéna. Pendant les jours solennels du Grand Panathénaïque - une fête dédiée à la patronne de la ville, la déesse Athéna, les participants à une procession bondée passaient entre les colonnes du portique. Les allées latérales servaient aux Athéniens à pied, le long de celle du milieu, où il n'y avait pas de marches, des cavaliers et des chars montaient, des animaux sacrificiels étaient conduits. Les colonnes doriques des Propylées soulignaient la solennité et l'imposante de l'entrée, tandis que la colonnade ionique sous le toit semblait préparer ce beau et austère spectacle qui s'ouvrait au sommet de la colline.
Symétrie rigide et autres caractéristiques archaïques La période archaïque de l'histoire de la Grèce (650-480 av. J.-C.) est un terme adopté par les historiens depuis le XVIIIe siècle. Il est né lors de l'étude de l'art grec et appartenait à l'origine au stade de développement de l'art grec, principalement décoratif et plastique, intermédiaire entre la période de l'art géométrique et l'art de la Grèce classique. Plus tard, le terme "période archaïque" a été étendu non seulement à l'histoire de l'art, mais aussi à la vie sociale de la Grèce, puisque durant cette période, qui a suivi "l'âge des ténèbres", il y a eu un développement important de la théorie politique, la essor de la démocratie, de la philosophie, du théâtre, de la poésie, renouveau de la langue écrite (apparition de l'alphabet grec à la place du linéaire B, oublié pendant les « âges obscurs »).
Classiques Les classiques grecs étaient plus pittoresques. Son objectif principal est de créer une ambiance exaltée et solennelle. A gauche de l'axe central des Propylées, sur un plateau plat d'une colline, s'élevait le colosse de dix-sept mètres d'Athéna Promachos (Guerrière) en bronze doré. A droite, les architectes Iktin et Kallikrat ont érigé le Parthénon.
Parthénon (447-438 av. J.-C.) L'un des temples grecs les plus célèbres. Le but principal du symbole de la victoire de la démocratie grecque sur le despotisme oriental Dédié à Athéna Parthénos (Vierge). Il est fait de marbre Pentellien, qui a la propriété d'acquérir une patine dorée d'une beauté extraordinaire au fil du temps, se détachant sur le ciel bleu. L'air transparent, la lumière du soleil lavent les colonnades extérieures dans un ruisseau rayonnant, coulent dans l'espace ouvert de la cella, dissolvant les volumes de marbre en eux-mêmes.
Le temple est le symbole d'une nouvelle religion En même temps, le temple symbolisait le triomphe des principes organisateurs et brillants de la religion sur ses sources chtoniennes et débridées. En témoignent le relief des métopes doriques et la frise ionique qui suivait la colonnade le long du sommet de la cella. Le fronton oriental était orné de compositions sculpturales sur le thème de la naissance d'Athéna ; western - sa dispute avec Poséidon pour le pouvoir sur l'Attique. Le toit aux angles était couronné de pétales de lotus stylisés.
Le secret des architectes est qu'en tenant compte des particularités du paysage et du climat, ainsi que de toutes les distorsions optiques inhérentes à la vision, les architectes ont donné aux contours du temple une courbure à peine perceptible. Habituellement, une surface horizontale est perçue à vue comme convexe, c'est pourquoi les architectes ont autorisé un écart de hauteur entre les bords et le centre de la base (le centre est plus bas de 11,5 cm). Les cylindres des colonnes créent l'illusion d'une façade ouverte sur les côtés, c'est pourquoi chaque colonne le long du périmètre du temple a été rétrécie vers le haut et inclinée de 7 cm de l'axe à la cella. Une colonne absolument uniforme a l'air un peu sèche et, pour ainsi dire, déprimée au milieu, par conséquent, afin de donner le contour de la jutosité et de l'élasticité, elle a été dotée d'un léger épaississement d'environ un tiers de sa hauteur. Pour éviter que les colonnes d'angle ne paraissent trop minces en raison d'un éclairage intense, elles ont été rendues plus massives et les voisines ont été rapprochées d'elles.
Et encore un secret…. Mais même sous les rayons éblouissants du soleil, les colonnes de marbre blanc ne se confondaient pas avec la cella, car elle était peinte en violet avec de fines lignes horizontales de dorure. L'ombre des reliefs et des sculptures, qui pouvait déformer l'image, était « éteinte » par le fond rouge du fronton et des métopes et les rayures bleues des triglyphes. Grâce à cela, dans des conditions exceptionnelles de transparence de l'air et d'éclat du soleil, les moindres détails de la sculpture peinte et des bas-reliefs pouvaient être distingués de loin.
La technique des maîtres anciens La technique de l'encaustique offrait le même effet externe de plasticité que la surface brillante du marbre, donnant un aspect élégant et festif à l'aspect majestueux et austère du marbre du Parthénon. Certains détails - rênes de cheval, cols de vaisseaux, couronnes en bronze doré, ressemblant à une toile d'araignée légère, introduisent un élément de transparence dans son apparence sophistiquée. Le temple est devenu un modèle de taille, de rationalisme, de calcul précis, mais en même temps, l'harmonie des formes simples et des lignes claires lui donne une aspiration vers le haut et une admiration presque corporelle d'un organisme vivant, caractéristique de la sculpture.
Enka ustika (de l'autre grec ἐγκαυστική - [art] gravure) est une technique de peinture dans laquelle la cire est le liant des peintures. La peinture se fait avec des peintures sous forme fondue (d'où le nom). Une variété d'encaustique est la détrempe à la cire, qui se distingue par sa luminosité et la richesse de ses couleurs. De nombreuses icônes paléochrétiennes ont été peintes selon cette technique. Les exemples les plus célèbres d'encaustiques sont les soi-disant. "Portraits du Fayoum" (d'après le nom de l'oasis du Fayoum en Égypte, où ils ont été trouvés et décrits pour la première fois): images picturales posthumes des morts, se distinguant par la modélisation volumétrique de la lumière et de l'ombre des formes, la vivacité et la luminosité particulières des images. La technique de l'encaustique hellénistique a été utilisée dans la première peinture d'icônes, cédant plus tard la place à la détrempe. L'exemple iconographique le plus frappant de la technique de l'encaustique est l'image du Christ Pantocrator (VIe siècle), située dans le monastère du Sinaï.
Avons-nous confiance en nous ? 1. Quelles sont les principales caractéristiques des ordres architecturaux apparus en Grèce pendant la période archaïque. À quels dieux les temples grecs étaient-ils dédiés ? 2. Quelles caractéristiques des classiques l'ensemble architectural de l'Acropole athénienne avait-il? 3. Pourquoi le Parthénon est-il considéré comme le temple le plus parfait de l'ordre dorique ?
3. Architecture de la Grèce antique de la période classique : les grandes étapes de l'évolution. Ensemble de l'Acropole d'Athènes : idée architecturale et urbanistique, synthèse de la sculpture et de l'architecture, programme idéologique et artistique
Introduction
L'art des classiques continue l'évolution prévue dans l'archaïque. Parmi les tâches les plus importantes : faciliter les proportions, une combinaison organique de la sculpture et de l'architecture, développer l'idée d'un complexe architectural qui comprend plusieurs structures, insérer le temple dans le paysage environnant, rechercher l'asymétrie.
Le principal type d'architecture monumentale au début du Ve siècle av. il y avait encore un périphérique. Le temple devient plus court, sa cella plus large. La colonnade extérieure du périptère a maintenant généralement 6 colonnes sur les côtés d'extrémité et 13 sur le côté, c'est-à-dire le nombre de colonnes sur la façade latérale est un plus que le double du nombre de colonnes sur les façades d'extrémité. La distance entre la première rangée de colonnes et le pronaos a diminué.
Peu à peu, le périptère grec, et avec lui les ordres, acquit cette forme stable, qu'on appelle ordinairement classique. Des caractéristiques typiques ont également été établies dans les commandes, dans le contexte desquelles toute déviation de formes ou de relations est perçue de manière particulièrement éloquente, étant le moyen le plus important de caractérisation individuelle de la structure. Au Ve siècle, la capitale perd ses mérites constructifs et remplit moins qu'elle ne décrit sa fonction inhérente. Les locaux principaux du temple classique (cella et portiques) sont entourés d'une colonnade. La colonnade extérieure sépare la demeure des dieux des maisons des simples mortels et est l'élément principal de l'architecture du temple. Dans la construction, le système de courbure est activement utilisé.
Les proportions sont devenues l'un des moyens artistiques les plus importants de l'architecture. La grandeur du temple n'est pas dans le faste ou l'amoncellement des masses architecturales, mais dans la clarté purement plastiquement comprise des volumes de l'ensemble sculptural et architectural. Les proportions mêmes du temple ne suppriment pas une personne, mais, au contraire, sont, pour ainsi dire, à sa mesure. En même temps, le changement de proportions déterminait l'image individuelle du temple et l'impression de grandeur et de puissance, ou de légèreté et de grâce, que le maître cherchait à lui donner.
De plus, les maîtres du Ve siècle av. e. résolu avec succès l'un des plus grands problèmes de l'art - le problème de la relation organique de l'architecture et de la sculpture. Les frontons des temples étaient un lieu propice aux grandes compositions à plusieurs figures. Les statues remplissaient naturellement le champ du fronton et s'accordaient en même temps harmonieusement avec ses contours. L'architecture et la sculpture agissent comme des arts équivalents, se complétant et s'enrichissant mutuellement. Cela montre la profonde différence entre l'art de la Grèce et l'ancien art oriental, où les lois de l'architecture monumentale ont déterminé le développement de la sculpture, la subordonnant complètement aux exigences de l'architecture.
Notez que l'architecture grecque est encore privée de la qualité la plus importante : la conception constructive et esthétique d'un grand espace intérieur. L'espace intérieur d'un temple grec relativement petit est presque sous-développé. Dans la structure externe du bâtiment, cela ne se fait presque pas sentir. Cela indique la primitivité bien connue du développement de l'architecture ancienne, mais d'autre part, pas une seule époque ultérieure n'a pu reproduire dans l'architecture quelque chose de semblable à sa simplicité harmonique.
Pour un temple antique, le lien avec l'environnement architectural et naturel environnant est extrêmement caractéristique. Le caractère primitif de la technologie ancienne peut expliquer le fait que lors de la construction des temples, ils ont évité les travaux à grande échelle de nivellement, de remblayage, etc. Mais il est impossible de ne pas voir que les maîtres grecs ont reconnu cette "nécessité" comme un avantage esthétique, donc ces caractéristiques ont déterminé l'un des principaux avantages de l'architecture ancienne. Par exemple, l'ensemble du complexe de l'Acropole est en harmonie avec les collines entourant Athènes et les autres bâtiments d'Athènes elle-même.
Passage de l'archaïque au classique
Ici, le rapport de la colonne et de l'entablement, ainsi que la relation entre les pièces d'appui et d'appui, ont déjà sensiblement changé. Le toit change également. Maintenant, un point d'appui supplémentaire est nécessaire, en conséquence, une colonnade interne à 2 niveaux apparaît, qui est une entretoise pour le toit. Le plan est clair et compact - la demeure de Dieu doit être harmonieuse. L'aplatissement disparaît. La capitale acquiert un contour diagonal. Le fronton est encore lourd, l'angle est obtus. Il y a aussi des changements dans le matériau - le marbre apparaît (toujours uniquement des carreaux de marbre). Les traits archaïques sont là : la frise est plus grande que l'architrave, les colonnes sur les côtés du temple sont plus rapprochées que sur les façades. Les courbures sont absentes. Il est important qu'ici, pour la première fois, la nécessité de réfléchir à la combinaison de l'intérieur et de l'extérieur soit réalisée. À l'intérieur, une colonnade à deux niveaux a été construite ici.
Le caractère de transition de l'archaïque au classique est également visible dans les groupes de frontons du temple. La composition des deux frontons a été construite sur la base d'une stricte symétrie miroir. Sur le fronton ouest, la lutte des Grecs et des Troyens pour le corps de Patrocle était représentée. Au centre se trouvait une figure strictement frontale d'Athéna, son bouclier faisant face aux Troyens avec son côté extérieur. Athéna agit en tant que protectrice des Hellènes. Dans les figures de guerriers il n'y a plus de frontalité archaïque, les mouvements sont plus réels, la structure anatomique est correcte que ce n'était habituellement le cas dans l'art archaïque. Bien que l'ensemble du mouvement se déroule strictement le long du plan du fronton, il est tout à fait vital et concret dans chaque figure individuelle. Mais il y a toujours un "sourire archaïque" sur le visage des guerriers. L'unité de composition a été obtenue par des méthodes décoratives externes, contrairement à la composition du fronton oriental, où les mouvements des personnages étaient plus naturels et libres. Maîtriser la richesse complexe et contradictoire des mouvements du corps humain, qui transmet directement non seulement l'état physique, mais aussi l'état mental d'une personne, est l'une des tâches les plus importantes de la sculpture classique. La statue d'un guerrier blessé du fronton oriental du temple d'Égine a été l'une des premières tentatives pour résoudre ce problème. Il est également caractéristique qu'il y ait une boîte à fronton très profonde et que la sculpture soit aux trois quarts ou même ronde. Résultat : volumes, angles, rotations diagonales, etc. sont transmis. A noter qu'il y a ici un caisson à fronton très profond, et que la sculpture est aux trois quarts voire ronde. Résultat : volumes, angles, rotations diagonales, etc. sont transmis.
Architecture du 5ème siècle avant JC e. développé et amélioré le type de périptère, un bâtiment entouré de colonnes, qui s'est développé dans l'architecture archaïque. La première place est occupée par les temples de l'ordre dorique, leurs proportions acquièrent une plus grande intégrité et harmonie par rapport aux temples trapus et lourds du VIe siècle av. e., et les solutions constructives se distinguent par un calcul précis et une clarté logique.
Ces caractéristiques sont plus prononcées dans Temple d'Héra II à Paestum(milieu du Ve siècle av. J.-C., malade. 3 ). Il était situé à côté du temple d'Héra I et était auparavant attribué à Poséidon, pas à Héra. Le bâtiment, dont les dimensions sont de 60 x 24 m, est en calcaire massif doré. La colonnade supportant le toit s'élève sur une base à trois niveaux typique d'un temple dorique. Le nombre de colonnes entourant le temple a été strictement pensé et déterminé : six sur la façade et treize sur les côtés longitudinaux. Ce rapport est caractéristique architecture classique. Le seul périptère grec, dans le naos duquel subsiste une partie de la colonnade interne à 2 étages. Socle à 3 marches. Le plan et la composition générale ont été conçus non sans l'influence du temple de Zeus à Olympie. Il a des proportions plus allongées et des colonnes 6x14. Le rythme calme des colonnes décroissantes en hauteur, combiné aux architraves horizontales, crée un équilibre clair et calme caractéristique de tout l'intérieur. Cet équilibre de l'espace clos de la cella a reçu une solution encore plus parfaite déjà dans la seconde moitié du siècle au Parthénon.
La deuxième période de transition - des premiers classiques au high - est marquée par l'apparition Temple de Zeus à Olympie(460-450 av. J.-C., malade. quatre ). Il s'agit d'un temple "votif", pour lequel des dons ont été collectés dans toute la Grèce. L'architecte Libon. Lors de sa construction, la complexité particulière de la tâche de l'architecte était que le temple devait s'inscrire dans un ensemble déjà composé de nombreux bâtiments. Généralement, nouveau temple a été construit sur le site de l'ancien, le surpassant en taille et en splendeur de décor. Il fallait maintenant préserver le patrimoine ancien. Le temple de Zeus était situé à l'endroit le plus élevé et reposait en outre sur une fondation artificielle. En conséquence, le bâtiment s'élève au-dessus des anciens bâtiments. Matériau - roche de coquille solide.
Le temple est un périptère dorique mesurant 6x13 colonnes. Dans les temps anciens, il était célèbre pour la statue chrysoéléphantine de Zeus par Phidias. Il convient de noter en particulier la régularité de la structure du temple, les hautes échines avec une grande extension et les profils des chapiteaux ressemblaient à l'ordre du temple d'Égine dans leurs contours. La plupart des décorations sculpturales de la façade du temple étaient concentrées sur les frontons. Le temple olympien, qui combinait diverses formes d'art, était apparemment le même excellent exemple d'architecture dorique stricte de la première moitié du 5ème siècle avant JC, comme plus tard le Parthénon était un exemple d'architecture attique de la seconde moitié de ce siècle. L'immense temple olympique solennellement austère et majestueux correspondait parfaitement à la statue fidienne du tout-puissant Zeus cachée dans sa cella.
Un rôle remarquable dans l'histoire de l'art classique de l'ancienne Hellas a été joué par les décorations sculpturales de ce temple, en marbre de Paros en 470-456 av. e. ( malade. 5 ). Le style général des sculptures olympiques se rapproche déjà du style des sculptures de Myron. Les douze travaux d'Hercule étaient représentés sur les métopes du temple, le fronton est du temple est dédié au mythe de la compétition entre Pélops et Oenomaus, qui a jeté les bases des Jeux Olympiques, et le fronton ouest est dédié aux bataille des Lapithes avec les centaures. L'intrigue de la composition du fronton ouest est le mythe de la façon dont le chef de la tribu des Lapithes, Peyrifoy, a invité des dieux, des héros et la tribu voisine des centaures à son festin de mariage. En état d'ébriété, les centaures ont tenté de kidnapper des femmes et des garçons, dont l'épouse de Peyrifoy, Deidamia. Les héros entrèrent en bataille avec eux. La composition du fronton se distingue par son unité de conception et sa haute facture. Les sculptures occupent tout le champ du fronton, qui mesure plus de 26 m de long et 3 m de haut.Au centre de la composition, le sculpteur a placé la figure d'Apollon, le dieu de la lumière et des arts, qui a apporté la victoire aux Lapithes. Le grand et élancé Apollo personnifie l'héroïsme et le courage de l'homme. D'un geste autoritaire de la main, il désigne les centaures, son visage respire avec une force contenue et une confiance dans la victoire. A gauche, Peyrifoy est représenté serrant une épée, et à côté de lui se trouve Deidamia, qui repousse le centaure Euryton, qui s'est accroché à elle avec son coude. À droite d'Apollon se tient le héros athénien Thésée avec une double hache. Son coup va maintenant tomber sur la tête du centaure. Bien que l'issue de la bataille n'ait pas encore été décidée, on sent que les héros grecs sont en train de gagner. Leurs visages sont calmes et courageux, tandis que les visages des centaures sont déformés par la rage et la colère. La supériorité de l'homme rationnel sur les forces élémentaires de la nature est idée principale cette composition.
Les maîtres qui ont créé les sculptures du fronton ouest du temple de Zeus maîtrisaient les techniques de construction d'une composition sculpturale. Les images de héros mythiques et de centaures sont combinées en groupes de deux ou trois personnages. Aucun de ces groupes ne se répète, il n'y a pas de stricte symétrie dans leur disposition. Chaque groupe sur le côté gauche du fronton correspond à un groupe du même nombre de personnages sur le côté droit, ce qui crée un sentiment d'équilibre harmonique dans toute la composition du fronton. Les sculptures vivent leur propre vie, mais elles sont "inscrites" avec un art étonnant dans le triangle du fronton et forment un tout avec l'aspect architectural de l'édifice.
Ainsi, le fronton ouest représente un récit calme, et le fronton ouest représente une intensité émotionnelle, et en même temps les deux compositions de fronton sont interconnectées. De plus, il est intéressant de noter que même avec un nombre relativement restreint de personnages, il y a ici une sensation de panoramas épiques puissants. Les deux frontons diffèrent fortement des frontons du temple d'Égine par leur composition conditionnelle décorative. La différence entre les pignons ici est d'environ 20 ans, ce qui est très important. La première a une solution archaïque, la seconde est beaucoup plus tardive. Les compositions des frontons sont différentes, mais le temple les unit. Ainsi, devant nous se trouve l'idée d'une performance bien pensée. Soit dit en passant, à peu près au même moment, la tragédie grecque se développe.
Grands classiques : Ensemble de l'Acropole d'Athènes
L'Acropole (grec pour "Kremlin") est située sur une colline rocheuse escarpée au centre d'Athènes ( malade. 6 ). Le rocher de l'Acropole d'Athènes s'élève au milieu d'une vallée, qui est entourée sur trois côtés par des collines, et sur le quatrième, côté sud, jouxte la mer. Cette élévation naturelle forme un socle, comme créé par la nature elle-même pour le complexe qui y est placé. L'Acropole de Phidias s'harmonise à merveille avec la colline elle-même et avec le paysage environnant. Parallèlement, l'Acropole est l'un des premiers exemples d'ensemble architectural construit selon un plan architectural unique et bien pensé ( malade. sept ).
En 480 - 479 av. e. Les Perses ont capturé Athènes, pillé et brûlé les sanctuaires de la ville, y compris les temples au sommet de l'Acropole. Elle a été partiellement restaurée peu après la fin victorieuse de la guerre de Perse, mais la question d'en créer une grande ne s'est réellement posée qu'au moment où Athènes est devenue la première puissance démocratique de Grèce. Déjà le stratège Kimon a élaboré un plan de décoration de l'Acropole et réalisé un certain nombre de travaux. Ainsi, sous lui, Phidias a créé une statue d'Athéna Promachos (Garde). Cependant, le rôle le plus important appartient à un autre stratège d'Athènes, à savoir Périclès. La figure de Périclès est très importante à la fois dans l'histoire de la Grèce et dans la formation du complexe de l'acropole. L'environnement de Périclès comprenait l'élite intellectuelle de l'époque (philosophes, sculpteurs, géomètres, historiens). Lorsque la question se posa de restaurer Athènes après les guerres gréco-perses, il abandonna immédiatement le système de construction hippodamique (le système hippodamien est un système de planification des villes anciennes avec des rues se coupant à angle droit, des blocs rectangulaires égaux et des zones affectées aux bâtiments publics et aux marchés , multiples de Il est lié au nom de l'ancien architecte grec Hippodamus de Milet (485 - 405 av. J.-C.) De nombreuses villes anciennes (Le Pirée, Rhodes, Furies, Alexandrie d'Égypte) et modernes). Selon Périclès, le système d'Hippodamus était trop géométrique et donc dépourvu d'harmonie, d'asymétrie et de pittoresque. Dans le même temps, Périclès préconise la création d'un nouvel ordre architectural, censé combiner les avantages de Dorica et d'Ionic. Les idées de Périclès sur la synthèse de l'ionique et du dorique, l'architecture et la sculpture, les bâtiments et leur nature environnante ont été soutenues et développées par Phidias lors de la création de l'Acropole. Les plus grands architectes et artistes grecs de l'époque ont participé à la création de l'Acropole : Iktine, Callicrates, Mnésiclès, Callimaque... Le sculpteur Phidias a supervisé la création de l'ensemble. C'est sous ses ordres qu'un plan unique de décoration de l'Acropole est élaboré et que de grandioses travaux de construction sont entrepris, qui durent plusieurs décennies et aboutissent à la création de cet ensemble sans précédent dans l'histoire de l'art.
Quelques mots sur Phidias. Il est né à Athènes entre 500 et 480 av. e. Son premier professeur fut le sculpteur Gegius, il reçut une formation artistique complémentaire dans l'atelier du maître du Péloponnèse Agelad, auprès duquel, selon la tradition grecque, Myron et Poliklet ont également étudié. Travaillant pour Agelad, Phidias maîtrisait à la perfection l'art de la fonte du bronze. En tant qu'artiste et citoyen, Phidias s'est formé dans une atmosphère de sursaut patriotique provoqué par les victoires des Grecs sur les Perses. Déjà ses premières œuvres montrent clairement que l'idée de l'acte héroïque de son peuple sur les conquérants lors des invasions perses entre 465 et 460 a joué un rôle important pour le sculpteur. Par exemple, Phidias a coulé un groupe sculptural en bronze de treize personnages, que les Athéniens ont dédié au temple de Delphes d'Apollon. À côté des images des dieux et des héros de la mythologie grecque, le maître a placé une statue du commandant Miltiade, qui a commandé les troupes athéniennes lors de la bataille de Marathon. Cependant, l'œuvre principale de Phidias est sans aucun doute l'Acropole.
Parlant du programme idéologique et artistique de l'Acropole, il faut tenir compte de plusieurs points fondamentaux.
contexte politique. L'idée principale de l'Acropole est la victoire de l'Attique sur les Perses et la gratitude envers Athéna pour cette victoire. Le thème de la lutte, de la victoire et de la puissance militaire est l'un des principaux de l'Acropole. Elle est représentée à l'image d'Athéna Promachos (Guerrière), dans la statue de la Victoire sans ailes dans le temple de Nike et dans les scènes des batailles des Grecs avec les centaures et les Amazones, qui sur les métopes du Parthénon et sur le bouclier d'Athéna la Vierge symbolise la lutte avec les Perses.
lien avec le paysage. La colline de l'Acropole est fortement allongée d'ouest en est. La colline est fortifiée, mais elle n'est pas anoblie. Ainsi, le chaos de roche naturelle (que l'on peut voir en marchant le long de la route sinueuse de l'Acropole) se termine au sommet par un cosmos d'architecture artificielle.
Association avec des processions rituelles . Dans la seconde moitié du Ve s. AVANT JC. Athènes était le centre politique et culturel de la Grèce et a atteint une splendeur particulière. Par conséquent, le rôle de la principale divinité locale - Athéna - est très important. Depuis l'époque de l'archaïque à Athènes, annuelle fêtes panathénaïques en l'honneur d'Athéna. À l'ère de Périclès, ils deviennent une fête grecque universelle avec les Jeux olympiques et les festivités de Delphes. Les fêtes panathénaïques sont divisées en grandes et petites. Les petits Panathenaias avaient lieu chaque année, et les grands, qui étaient plus longs, une fois tous les cinq ans. Le point culminant des Panathénaïques était une procession festive, à laquelle participaient tous les citoyens d'Athènes, sans distinction de sexe et d'âge.Familles athéniennes. C'était une belle robe avec une toile dorée, des éléments de centauromachie et d'amazonomachie, qui a été solennellement présentée au xoan en bois d'Athéna. Après la procession, les Athéniens ont exécuté un rituel sacrificiel - une hécatombe, suivie d'une fête commune qui a complété le programme panathénaïque.
Pour organiser la procession panathénaïque, ils ont utilisé la route d'Eleusis, le long de laquelle les participants passaient chaque année. Mystères éleusiniens 1 . Pour ce faire, la route a été considérablement élargie et positionnée de telle sorte qu'elle n'allait pas directement à l'Acropole, mais en boucle, ouvrant différents points de vue sur l'Acropole. Toute la composition de l'Acropole est liée à l'idée des processions panathénaïques. Par conséquent, les deux temples (le Parthénon et l'Érechthéion) sont tournés vers l'entrée par le côté sans entrée, de sorte que vous devez faire le tour de toute l'Acropole et ensuite seulement y entrer.
L'enchaînement des changements de points de vue à l'approche de l'Acropole. Les planificateurs ont calculé les principales structures architecturales de manière à ce qu'une seule d'entre elles puisse être entièrement capturée par l'œil à la fois. La montée vers l'Acropole était un zigzag, puis elle tournait vers l'allée centrale des Propylées, solennelle colonnade dorique. De la façade orientale des Propylées, la «route sacrée» commençait, s'étendant le long de l'axe longitudinal de toute la colline. Un peu à gauche de celle-ci se dressait une statue d'Athéna Promachos. La statue d'Athéna couvrait l'Érechthéion, situé au loin, presque complètement du spectateur. Ainsi, le spectateur a marché pendant un certain temps complètement sous l'impression d'une puissante statue d'une redoutable déesse gardant la ville et le rencontrant aux portes de l'Acropole. Et ce n'est que lorsqu'il s'est approché si près de la statue qu'il ne pouvait plus la couvrir dans son ensemble qu'une vue du Parthénon s'est ouverte devant lui. Plus loin, la "voie sacrée" passait par la façade nord du Parthénon, en passant par la colonnade, le spectateur pouvait voir une frise sculpturale représentant la procession même à laquelle il participait lui-même. Il est extrêmement caractéristique que le spectateur n'ait pas immédiatement vu le Parthénon devant lui, il l'a vu sous un certain angle, à la suite de quoi non seulement la façade était fermée, mais aussi une partie du côté, de sorte que l'on pouvait pleinement sentir le volume et la plasticité de ce temple. Face à la longue colonnade du Parthénon, se dressait l'Erechthéion, de petite taille, mais qui se distinguait par sa composition asymétrique. L'opposition de cet édifice et du Parthénon est l'une des caractéristiques les plus frappantes de l'ensemble. La procession festive s'est terminée à l'autel d'Athéna, devant la façade orientale du Parthénon, où a eu lieu le transfert solennel des péplos nouvellement tissés au prêtre. Ainsi, en changeant successivement nombre d'effets architecturaux, l'ensemble qui faisait leur orgueil et leur gloire se révéla aux Athéniens.
Les méthodes architecturales par lesquelles l'unité et l'intégrité de l'impression, qui dans une certaine mesure étaient également caractéristiques d'autres complexes de l'époque classique, ont été réalisées dans l'ensemble de l'Acropole diffèrent considérablement des méthodes de solutions d'ensemble des périodes précédentes. Les différentes parties de l'ensemble sont habilement interconnectées. Ceci est réalisé en comparant des bâtiments indépendants de différentes tailles et formes, s'équilibrant non pas par la taille et la symétrie de l'emplacement, mais par l'équilibre finement calculé et les caractéristiques de leur architecture. Le Parthénon et l'Érechthéion sont conçus dans cette comparaison. Grande importance a également une utilisation profondément réfléchie pour les fins artistiques du relief. Cette technique devient généralement un outil architectural courant à l'époque classique. L'ensemble dans son ensemble a transformé en une régularité artistique l'inégalité de la roche. Frappant est l'évitement délibéré de tous les architectes qui ont construit sur l'Acropole au Ve siècle, du parallélisme dans la mise en place des structures, compte tenu des différents points de vue qui s'ouvraient sur les édifices. ainsi, avec l'apparente liberté d'agencement des parties, la composition de l'Acropole est basée sur un système strict et est calculée avec précision. Il est important que Phidias ait plusieurs points de vue, la somme des impressions, dont le résultat est l'idée de la victoire éternelle du cosmos. Il est également important que les Grecs s'intéressent à l'ensemble non pas à la perception de toutes les structures dans un ensemble unique, mais sans faute à la considération cohérente de chaque bâtiment séparément dans sa valeur plastique et sa complétude.
Différences avec l'ancienne Acropole de l'époque pisistratide (archaïque, vers 560 av. J.-C.).
Dans la première version de l'Acropole, il y avait aussi peu de bâtiments architecturaux, mais il n'y avait pas d'équilibre harmonique entre eux. Par exemple, les anciens propylées n'étaient perçus qu'en fonction de leurs fonctions - les portes de l'Acropole. De plus, il n'y avait pas de liens et de relations entre l'architecture et la nature. Si dans l'archaïque il n'y avait pas de système de relations entre les temples qui se trouvaient dans l'Acropole, alors à Phidias, il était pensé très subtilement. Dans l'archaïque, les temples se faisaient face. Phidias les place à un angle de 45° par rapport aux propylées, plaçant les deux bâtiments près de la falaise. Ainsi, un espace sacré fermé est créé - le cosmos.
Propylées
Propylées ( malade. huit ) étaient l'entrée principale de l'Acropole. De la façade, ils ont été conçus comme une colonnade à six colonnes surmontée d'un fronton. Des ailes à trois colonnes ont été érigées des deux côtés à angle droit par rapport au corps central des Propylées. Éléments du complexe : Propylées (une porte entre deux mondes, un portique dorique à 6 colonnes de Mnésiclès), Pyrgus (un paravent architectural en forme de mur orné d'un ordre dorique). En face se trouve la Pinacothèque, également fermée par un mur d'ordres. Au coin de Pyrgos, le temple de Nike Apteros (Wingless) jouxte les Propylées.
Il est important que les Propylées sous Périclès combinent les deux éléments de systèmes d'ordre différents : un portique dorique à l'extérieur, un portique ionique à l'intérieur et des bâtiments de différents niveaux, puisque la colline n'a pas été nivelée avant le début de la construction. Ainsi, le premier fronton des Propylées est plus bas, et le second plus haut. L'ordre ionique est fondamentalement supérieur, donc l'espace intérieur des Propylées est plus haut, plus léger. Ainsi, l'ambiance de la procession, selon l'idée de Phidias, devait passer de strictement solennelle à plus joyeuse et sublime.
Un large escalier conduisait aux Propylées, au bout duquel se profilait un contour clair et harmonieux des Propylées. Remarquable dans les Propylées était l'asymétrie des deux ailes: l'aile gauche, sud, est beaucoup plus petite que la droite, en raison de laquelle toute l'exposition des Propylées est dépourvue de cette froide splendeur symétrique que l'on retrouve si souvent dans le classicisme tardif.
Dans le même temps, malgré l'absence de symétrie complète, le complexe des Propylées était extrêmement équilibré et harmonieux. L'aile gauche des Propylées a été raccourcie de sorte que sur un piédestal massif en saillie du rocher de l'Acropole, le soi-disant Pyrgos, un petit temple dédié à Nike puisse être placé. Ce principe de façade libre et d'équilibre asymétrique des volumes est très caractéristique de l'art grec à son apogée. L'architecture se débarrasse ainsi de cette rude froideur et de cette abstraction qui caractérisent, par exemple, le monumentalisme de l'architecture égyptienne. C'est une architecture très vivante, riche de ses impressions visuelles, très humaine.
Au lieu d'une entrée, cinq ouvertures ont été faites dans les Propylées, celle du milieu (pour l'équitation) était plus grande que les autres. Les façades extérieures et intérieures étaient des portiques doriques à 6 colonnes de type prostyle. Les entablements, les plafonds, les frontons et les toits des deux portiques étaient à des niveaux différents. Dans le passage médian, au lieu de marches, une rampe est aménagée, des deux côtés de laquelle se trouvent deux rangées de colonnes ioniques. C'est l'un des exemples les plus frappants de la combinaison de deux ordres, il reflétait la volonté de Périclès de créer un style hellénique unique. Le plafond des Propylées et le plafond du pteron du Parthénon, achevés dix ans plus tôt, sont les premiers plafonds en pierre de l'architecture grecque antique.
Du point de vue du programme idéologique de l'Acropole, les Propylées sont importantes, car elles délimitent deux mondes pour les participants à la procession : l'humain dont ils sont issus, et le sacré, dans lequel ils n'ont pas encore pénétré. Ainsi, en passant par les Propylées, les participants doivent se purifier du banal et du chaotique.
En passant par le portique ionique des Propylées, les participants de la procession tombèrent dans une large colonnade ionique. En sortant, ils se retrouvèrent devant la statue d'Athéna Promachos. La statue relie le Parthénon et l'Érechthéion. Sculpture au centre, architecture à droite, synthèse du premier et du second à gauche.
Désigné dans la norme d'État, l'étudiant doit connaître / comprendre :
Connaître les principaux types et genres d'art; a étudié les tendances et les styles de la culture artistique mondiale; chefs-d'œuvre de la culture artistique mondiale.
- Comprendre les particularités du langage des différentes formes d'art.
Pouvoir reconnaître les œuvres étudiées et les corréler à une certaine époque, style, direction ; établir des liens stylistiques et scénaristiques entre des œuvres de différents types d'art ; utiliser diverses sources d'information sur la culture artistique mondiale; effectuer des tâches éducatives et créatives (rapports, messages);
Utiliser les connaissances acquises dans des activités pratiques et Vie courante pour : choisir les voies de son développement culturel ; organisation de loisirs personnels et collectifs; exprimer sa propre opinion sur les œuvres d'art classique et contemporain; œuvre d'art indépendante.
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Sujet de la leçon |
Éléments de contenu |
Des questions Activité de projet
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Tâches |
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Septembre 02-06
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CULTURE ARTISTIQUE DU MONDE PRIMAIRE - 3 heures Le mythe est à la base des premières idées sur le monde. Mythes cosmogoniques. images anciennes |
Reflet des idées sur le monde et la vie dans les mythes. Le mythe comme fait d'attitude. Mythes cosmogoniques. Des images anciennes au cœur des modèles verticaux et horizontaux du monde : arbre du monde, montagne du monde, route. Rituel magique comme moyen de maîtrise illusoire du monde. Le rite de fécondité est une reproduction du mythe primaire. |
Quel rôle les mythes jouaient-ils dans la vie des peuples primitifs ? Quels mythes sont classés comme cosmogoniques ? Qu'y a-t-il de commun dans la fabrication de mythes de diverses civilisations anciennes ? |
Leçon 1. Page 14-18
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09-13 |
Rites agricoles slaves. Le folklore comme reflet du mythe primaire. |
Reproduction des mythes primaires des anciens Slaves. Rites païens de fertilité. Période de Noël. Semaine des crêpes. semaine russe. Semik. Ivan Kopala. Le conte de la princesse Nesmeyana comme reflet de l'idée de la fertilité. |
Quels rituels modernes connaissez-vous ? De quoi témoigne le rite de Shrovetide ? |
Leçon 2 Page 19-23
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3 |
16-17 |
La naissance de l'art. Image artistique Le principal moyen de réflexion et de connaissance du monde dans l'art primitif. Ornement géométrique. Imagerie des éléments primaires architecturaux. |
La naissance de l'art. Reflet dans des images artistiques d'idées sur le monde qui l'entoure. Art rupestre du Paléolithique et du Mésolithique dans les grottes d'Altamira et de Lascaux. Ornement géométrique néolithique comme symbole de la transition du chaos à la forme. Édifice religieux - Stonehenge. |
Quelles formes d'art caractérisent le monde primitif ? Comment les images artistiques du Paléolithique, du Mésolithique et du Néolithique reflètent-elles les conditions de vie à ces périodes ? Question créative. Quelles superstitions sont associées aux anciennes images mythologiques ?
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Lecon 3 Page 23-29
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23-27 |
CULTURE ARTISTIQUE DU MONDE ANTIQUE – 14 heures MÉSOPOTAMIE Ziggourat mésopotamienne - demeure de dieu. La brique émaillée et le motif rythmique sont les principaux moyens décoratifs. |
Ziggourat mésopotamienne - demeure de dieu. Les ziggourats d'Ette-meniguru à Ur et Etemenanki à Babylone. La brique émaillée et le motif rythmique sont les principaux moyens décoratifs. Porte d'Ishtar, Procession Road à New Babylon. Le réalisme des images d'animaux sauvages est la spécificité des beaux-arts mésopotamiens. |
Quelles sont les caractéristiques des structures architecturales des cités-États de Mésopotamie ? A quoi sont-ils dus ? Quels moyens décoratifs les architectes ont-ils utilisés pour décorer les temples d'Eteienniguru à Ur et d'Etamenanki à New Babylon ? Quelles réalités se reflètent dans les reliefs assyro-babyloniens ? |
Leçon 4 Page 32-37
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Octobre 30-04
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L'EGYPTE ANCIENNE L'incarnation de l'idée de vie éternelle dans l'architecture des nécropoles. Le temple au sol est un symbole de l'auto-renaissance éternelle du dieu Ra. |
L'incarnation de l'idée vie éternelle dans l'architecture des nécropoles. Pyramides de Gizeh. Le temple au sol est un symbole de l'auto-renaissance éternelle du dieu Ra. Temple d'Amon-Ra à Karnak. |
Quel était le culte funéraire des anciens Égyptiens ? Comment l'architecture des nécropoles égyptiennes reflète-t-elle l'idée de la vie éternelle ? |
Leçon 5 Page 38-43
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14-18 |
L'EGYPTE ANCIENNE La magie. Décor des tombes. Le canon de l'image d'une figure dans un avion |
Le rôle de la magie dans le culte funéraire. Décor de sarcophages et de tombes en garant de la vie éternelle. Le canon de l'image d'une figure sur un avion. Sarcophage de la reine Kaui. Tombe de Ramsès IX dans la Vallée des Rois. |
Comment la conception des tombes de la noblesse a-t-elle changé à différentes périodes de la culture égyptienne ? Comment les éléments décoratifs des sarcophages indiquent-ils leur rôle de talisman des « restes sacrés » ? Quelle est la nouveauté de la conception du culte funéraire à l'ère du Nouvel Empire ? |
Leçon 6 Page 44-49
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21-25 |
INDE ANTIQUE Le temple hindou est un analogue mystique du sacrifice corporel et de la montagne sacrée. Le rôle de la décoration sculpturale |
L'hindouisme en tant que fusion de croyances, de traditions et de normes de comportement. Le temple hindou est un analogue mystique du sacrifice corporel et de la montagne sacrée. Temple de Kandarya Mahadeva à Khajuraho. |
Comment les formes architecturales du temple hindou reproduisent-elles la mythologie des Hindous ? Quel rôle joue le décor des temples hindous ? |
Leçon 7 Page 50-54
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28-03 |
INDE ANTIQUE Édifices religieux bouddhistes - symbole du cosmos et de la présence divine |
Les édifices religieux du bouddhisme comme symbole du cosmos et de la présence divine. Grand stupa à Sanchi. Particularités de la sculpture bouddhique : le relief de la porte du Grand Stupa de Sanchi. Peinture à fresque des temples rupestres d'Ajanta. |
Quels sont les principaux types d'architecture des temples bouddhistes. Quelle est la différence et le design décoratif? Pourquoi les peintures murales d'Ajanta sont-elles appelées l'encyclopédie de la vie indienne ? Comment se comparent-ils (en termes d'intrigues, d'images, d'ambiance) avec les hauts-reliefs en pierre des temples hindous ? |
Leçon 8 Page 55-59
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Novembre04-08 |
AMÉRIQUE ANTIQUE L'architecture des temples des Indiens de Mésamérique comme incarnation du mythe de la victime qui a donné la vie |
Rituel sacrificiel au nom de la vie - la base architecture religieuse et soulagement. La Pyramide du Soleil à Teotihuacan est un prototype de l'architecture des temples des Indiens de Mésamérique. Temple de Huitzilopochtli à Tenochtitlan. Complexe Maya à Palenque. |
Quel mythe indien Nahua est à la base de la Fête des Morts dans le Mexique actuel ? Formuler l'idée clé des beaux-arts des Indiens de Mésamérique. Donne des exemples. Activité de projet. Suivre l'influence des images anciennes sur la vie moderne. Comment l'esthétique de l'égyptien, de l'indien, de l'ancien américain |
Leçon 9 Page 60-67
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11-15 |
CULTURE CRETO-MYCENEENNE Architecture et décor crétois-mycéniens comme reflet du mythe |
Architecture et décor créto-mycéniens comme reflet du mythe d'Europe et de Zeus, de Thésée et du Minotaure. Labyrinthe de Knossos du roi Minos en Crète. Palais du roi Agamemnon à Mycènes. |
Comparez l'architecture de Knossos et des palais mycéniens. Trouvez les Différences. Quel type de décor a été utilisé pour décorer le palais du roi Minos ? |
Leçon 10 Page 68-73
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18-22 |
LA GRÈCE ANCIENNE Temple grec - une image architecturale de l'union des personnes et des dieux |
La mythologie est à la base de la vision du monde des anciens Grecs. L'Acropole d'Athènes comme expression de l'idéal de beauté de la Grèce antique. Le Parthénon est un exemple de grands classiques. |
Quelles sont les principales caractéristiques des ordres architecturaux apparus en Grèce pendant la période archaïque. À quels dieux les temples grecs étaient-ils dédiés ? Quels traits caractéristiques des classiques l'ensemble architectural de l'Acropole athénienne avait-il? Pourquoi le Parthénon est-il considéré comme le temple le plus parfait de l'ordre dorique ? |
Leçon 11 Page 74-79
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Décembre 02-06
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LA GRÈCE ANCIENNE Évolution du relief grec de l'archaïque au haut classique |
L'évolution du relief grec de l'archaïque au grand classique. Temple d'Athéna à Sélinonte. Temple de Zeus à Olympie. Les métopes et la frise ionique du Parthénon comme reflet du programme mythologique, idéologique et esthétique de l'Acropole athénienne. |
Quelle nouveauté Phidias a-t-il apportée au relief ? Pourquoi son travail est-il le summum des arts plastiques grecs ? Quelle idée la frise ionique du Parthénon exprimait-elle ? Comment l'apparence du Parthénon allie-t-elle les formes strictes des classiques à l'éclat décoratif des archaia ? |
Leçon 12 Page 80-83
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09-13 |
LA GRÈCE ANCIENNE Sculpture de la Grèce antique de l'archaïque au classique tardif |
Sculpture de la Grèce antique : évolution de l'archaïque au classique tardif. Kuros et aboiements. La statue de Doryphore est un exemple du style géométrique de Polykleitos. La sculpture de Phidias est le summum de l'art plastique grec. La nouvelle beauté des derniers classiques. Scopas. Ménade. |
Quel est selon vous le charme de la sculpture archaïque ? Quel rôle joue le vêtement dans l'interprétation de l'image ? Comment la sculpture nous permet-elle d'imaginer l'attitude des Grecs à l'époque des grands classiques anciens et tardifs ? |
Leçon 13 Page 84-88
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16-20 |
LA GRÈCE ANCIENNE Synthèse des traditions orientales et anciennes dans l'hellénisme. Gigantisme des formes architecturales. Expression et naturalisme du décor sculptural |
Synthèse des traditions orientales et antiques de l'hellénisme. Hermaphrodite endormi. Agésandre. Vénus Mélos. Gigantisme des formes architecturales. Expression et naturalisme du décor sculptural. Autel de Pergame. |
Quelles sont les caractéristiques de l'art hellénistique ? Quelle est la raison de l'apparition des deux faces de la beauté dans la plasticité de l'hellénisme ? Quelles techniques picturales les sculpteurs hellénistiques ont-ils utilisées pour transmettre le drame et l'expression ? |
Leçon 14 Page 88-93
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23-27 |
ROME ANTIQUE Caractéristiques de l'urbanisme romain. Bâtiments publics des périodes République et Empire |
L'architecture comme miroir de la grandeur de l'État. Caractéristiques de l'urbanisme romain. Forum romain, Colisée, Panthéon. |
Quelles structures ont façonné les villes de la Rome antique ? Quel élément architectural est au cœur de toute structure romaine - un pont, un aqueduc, un amphithéâtre, un arc de triomphe ? Comment comprenez-vous l'expression : « Auguste a pris la brique de Rome et l'a laissée en marbre ? Donne des exemples. |
Leçon 15 Page 94-99
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Janvier 30.12-09.01
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ROME ANTIQUE Plan de maison romaine. Fresque et mosaïque - le principal moyen de décoration |
Plan de maison romaine. Les fresques et les mosaïques sont les principaux moyens de décoration. Maison des Vettii, maison du poète tragique à Pompéi. Portrait sculptural. Julius Brutus, Octavian August, Constantin le Grand. |
Quelle était la particularité de la maison romaine ? Quels moyens artistiques les Romains utilisaient-ils pour décorer leurs maisons ? Donne des exemples. Activité de projet. Trouvez à Moscou des structures architecturales construites dans les ordres dorique, ionique et corinthien. Quels éléments décoratifs aident à déterminer leur conformité à une commande particulière. Rassemblez des informations et expliquez comment le strict respect des proportions inhérent à l'Antiquité affecte la création des vêtements de tous les jours, la décoration intérieure et l'aménagement du jardin. |
Leçon 16 Page 100-105
Inventez une histoire dans n'importe quel genre, où, vous imaginant en tant qu'habitant de la Rome antique, vous décrivez votre maison.
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13-17 |
ART CHRETIEN PREMIER Types d'églises chrétiennes : rotonde et basilique. Décor mosaïque. Symbolisme chrétien |
Types de temples : rotonde et basilique. L'ordre de placement du décor en mosaïque. symbolisme chrétien. Mausolées de Constance à Rome, Galla Placidia à Ravenne. Basilique de Santa Maria Maggiore à Rome. |
Quels types de temples étaient répandus à l'époque du christianisme primitif ? Qu'y a-t-il de commun dans la décoration des églises paléochrétiennes de tout type ? Quels lieux se distinguent particulièrement lors de la décoration de l'intérieur avec des mosaïques dans les églises à coupole centrale, dans les basiliques ? Quelle interprétation les images des mosaïques romaines antiques ont-elles reçues dans l'art chrétien ? Compléter la tâche finale en culture artistique ancien mondeà partir d'un fichier à ElZhur. |
Leçon 17 Page 105-111
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20-24 |
CULTURE ARTISTIQUE DU MOYEN AGE - 14 heures Byzance et la Russie antique - 7 heures Temple byzantin à dôme central comme demeure de Dieu sur terre. Symbolisme de l'espace |
Temple byzantin à dôme central comme demeure de Dieu sur terre. Cathédrale Sainte-Sophie de Constantinople. Symbolisme architectural de l'église à coupoles croisées. L'ordre de placement du décor. Symbolisme cosmique de l'église à coupoles croisées. |
Quelles sont les caractéristiques du style byzantin ? Qu'est-ce qui détermine la symbolique cosmique de la cathédrale byzantine ? Comment le décor de l'église à coupoles croisées reflète-t-il l'idée symbolique de l'Église éternelle ? |
Leçon 18 Page 114-118
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27-31 |
Byzance et la Russie antique Symboles topographiques et temporels du temple. Diversité stylistique des églises à coupoles croisées de la Russie antique |
Symbolisme topographique et temporel de l'église à coupoles croisées et sa diversité stylistique. |
Comment la vie terrestre de Jésus-Christ se reflète-t-elle dans l'architecture de l'église à coupoles croisées ? Expliquez comment le sentiment de la circulation éternelle du temps est obtenu dans la décoration du temple byzantin ? Quelles sont les différences typiques des écoles de construction locales de l'ancienne Russie ? |
Leçon 19 Page 119-123
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Février 3-7
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Byzance et la Russie antique Style byzantin dans la décoration en mosaïque |
Style byzantin : Cathédrale Sainte-Sophie de Kyiv. École de construction de Vladimir-Souzdal : Église de l'Intercession sur la Nerl. École de construction de Novgorod : Église de la Transfiguration sur Ilyin. Style byzantin à décor de mosaïque. Cathédrale Sainte-Sophie de Constantinople. Église de San Vitale à Ravenne. Cathédrale Sainte-Sophie de Kyiv. |
Quelles techniques picturales dans le temple byzantin ont créé l'atmosphère du monde suprasensible ? Quelle est la raison du passage de la technique du modelage coloré du visage à la stylisation linéaire ? |
Leçon 20 Page 123-126
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10-14 |
Byzance et la Russie antique Formation de l'école de peinture d'icônes de Moscou. Iconostase russe |
École de peinture d'icônes de Moscou. Iconostase russe. Andreï Roublev. Sauvé le rang de Zvenigorod. L'icône de Rublev "Trinity" est un symbole de l'unité nationale des terres russes. |
Parlez-nous des caractéristiques de l'iconographie byzantine. Par quelles méthodes artistiques Théophane le Grec a-t-il obtenu l'impression du détachement complet des saints du monde matériel pécheur ? |
Leçon 21 Page 126-131
S'appuyer sur le matérielCD et le texte du manuel ANALYSER comment Théophane le Grec relie l'état détaché aux caractéristiques individuelles de chaque personnage. |
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17-21 |
Byzance et la Russie antique École d'architecture de Moscou. L'architecture de Moscou au début. Caractéristiques de la Renaissance dans l'ensemble du Kremlin de Moscou. Un nouveau type de temple de tente |
L'évolution de l'école d'architecture de Moscou. Première école de Moscou. Cathédrale Spassky du monastère Spa-so-Andronikov. Tendances Renaissance dans l'ensemble du Kremlin de Moscou. Cathédrale de l'Assomption. Cathédrale de l'Archange. Chambre à facettes. Un temple au toit en croupe comme synthèse figurative d'un temple à ciboire et d'éléments architecturaux de la Renaissance. Église de l'Ascension à Kolomenskoïe. Denys. |
Expliquez pourquoi Andrei Rublev est considéré comme le créateur de l'iconostase russe. Comparez la "Trinité" d'Andrei Rublev et une mosaïque paléochrétienne de l'église romaine de Santa Maria Maggiore. Par quels moyens picturaux l'artiste transmet-il au spectateur l'idée d'unir les terres russes ? |
Leçon 22 pp.132-135
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Mars 03-07
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Byzance et la Russie antique Peintures à fresque sur le thème du Grossissement de la Vierge. 10-14 chant Znamenny |
Peintures à fresque sur le thème akathiste dans l'église de la Nativité de la Vierge à Ferapontovo. Chant Znamenny. |
Comment l'architecture du temple reflète-t-elle les idées maîtresses de l'époque ? Quels sont les éléments architecturaux et décoratifs des cathédrales du débutXVIsiècles témoignent de la continuité de l'architecture moscovite de Vladimir-Souzdal et de la Renaissance ? Terminez la tâche finale sur la culture du Moyen Âge à partir du dossier d'ElZhur. |
Leçon 23 Page 135-140 Tâche créative. Inventez une histoire dans n'importe quel genre avec l'inclusion obligatoire d'une description des églises: la cathédrale Sainte-Sophie de Constantinople, l'église de l'Intercession sur le Nerl, la cathédrale de l'Assomption du Kremlin de Moscou, l'église de l'Ascension à Kolomenskoïe |
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24 |
17-21 |
Europe de l'Ouest - 4 heures culture pré-romaine. "Renaissance carolingienne". Architecture, mosaïque et décoration de fresques |
Culture pré-romaine : la "Renaissance carolingienne". Symbolisme architectural et décoration en mosaïque de la chapelle de Charlemagne à Aix-la-Chapelle. L'évolution du type basilical du temple. Église Saint-Michel de Cux en Languedoc. Décoration à fresque d'une basilique préromane. Église Saint-Jean à Müster. |
Pourquoi les peintures murales de Denys sur le thème de l'akathisme sont-elles en accord avec l'apparition solennelle majeure des temples d'IvanIII? Comment les mélodies d'église qui sonnaient dans les églises russes du débutXVIsiècle, avec des peintures sur les murs ? Donne des exemples. Activité de projet. Trouvez des bâtiments architecturaux à Moscou construits dans le style byzantin. Quels éléments d'architecture et de décor témoignent de la continuité des églises russes par rapport aux églises byzantines ? Mettez en valeur des éléments rappelant l'influence du style byzantin sur la culture russe dans les vêtements à la mode, les bijoux, les décors de théâtre et les événements de foire. |
Leçon 24 Page 140-145
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24-28 |
Europe de l'Ouest culture romaine. Représenter la vie d'une personne du Moyen Âge dans l'architecture des basiliques monastiques, des bas-reliefs, des fresques, des vitraux |
Credo de la culture romane. Représenter la vie d'un personnage du Moyen Âge dans l'architecture, les bas-reliefs, la décoration de fresques, les vitraux des basiliques monastiques. Abbaye Saint-Pierre de Moissac. Église Saint-Jean à Müster. Église Saint-Aposteln à Cologne. |
Par quels signes la chapelle d'Aix-la-Chapelle est-elle perçue comme une réplique de l'architecture de la Rome antique ? En quoi les basiliques de la "Renaissance carolingienne" diffèrent-elles des basiliques paléochrétiennes ? Quelles sont les caractéristiques du décor pittoresque des basiliques préromanes ? |
Leçon 25 Page 146-152
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26 |
Avril 31.03-04.04
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Europe de l'Ouest Gothique - 2 heures. Temple gothique - une image du monde. Le décor intérieur du temple : vitraux, sculpture, tapisseries |
Temple gothique - une image du monde. Église Saint-Denis près de Paris. Le décor intérieur d'un temple gothique : vitraux, sculptures, tapisseries. Cathédrale Notre-Dame de Paris. Chant grégorien. |
Comment l'idée principale du développement culturel des régions occidentale et orientale s'exprime-t-elle dans l'architecture et la décoration de la basilique romane et de la cathédrale byzantine ? A quoi servait le décor de pierre d'une basilique romane ? Comment l'idéal roman de beauté spirituelle s'est-il reflété dans la sculpture et la peinture à fresque ? |
Leçon 26 Page 152-158
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14-18 |
Europe de l'Ouest Gothique. Jalons de développement style gothique. Caractéristiques régionales du gothique. France |
Les principales étapes du développement du style gothique. Caractéristiques régionales du gothique. France : Cathédrale Notre-Dame de Chartres, Abbaye Saint-Denis près de Paris, Cathédrale Notre-Dame de Rouen. Allemagne : cathédrale Saint-Pierre de Cologne, église Frauenkirche de Nuremberg. Angleterre : Cathédrale de l'Abbaye de Westminster à Londres. Espagne : Cathédrale de Tolède. Italie : Église de Santa Maria Novella à Florence. |
Quelle est la différence entre une cathédrale gothique et une basilique romane (en termes de contenu idéologique, de fonctions, de décor) ? Quel rôle jouait le vitrail à l'intérieur d'une cathédrale gothique ? Terminez la tâche finale sur la culture d'Europe occidentale à partir du dossier d'ElZhur. Terminez la tâche finale sur la culture artistique de l'Europe occidentale à partir du dossier d'ElZhur. |
Leçon 27 Page 158-164
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28 |
21-25 |
Art nouveau - Ars no Proto-Renaissance en Italie. L'esthétique d'Ars est nouvelle dans la littérature wa (3 heures) |
Proto-Renaissance en Italie. La "Divine Comédie" de Dante Alighieri comme reflet de l'esthétique d'Ars est nouvelle en littérature. L'ancien principe de "l'imitation de la nature" en peinture. Giotto. Cycle de fresques de la Chapelle des Scrovegni à Padoue. |
Quelles sont les grandes étapes du développement du style gothique en France ? Quelles sont les caractéristiques du gothique en Allemagne, en Angleterre, en Espagne, en Italie ? Question créative. Comparez la décoration d'une cathédrale byzantine, d'une ancienne église russe, d'une basilique préromane et romane, d'une cathédrale gothique. La réponse doit être présentée sous forme de tableau. |
Leçon 28 Page 165-171 |
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29 |
Peut 28.04-02.05
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Art nouveau - Ars nova Cycles allégoriques Ars nova |
Cycles allégoriques Ars nova sur le thème du Triomphe de la Repentance et du Triomphe de la Mort. Cycle de fresques d'Andrea da Bonaiuti dans la chapelle espagnole de la cathédrale de Santa Maria Novella à Florence. Cycle de fresques du Maître du Triomphe de la Mort au cimetière de Pise de Camposanto. Le courant musical Ars nova. |
Comment la nouvelle pensée humaniste s'est-elle manifestée dans la littérature ? Quelle est l'innovation de Giotto ? |
Leçon 29 Page 172-178
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30 |
05-08 |
Art nouveau - Ars nova La spécificité d'Are est nouvelle dans le Nord |
La spécificité d'Ars est nouvelle dans le Nord. Jan Van Eyck. Autel "Adoration de l'Agneau" dans l'église Saint-Bavon à Gand. |
Quel parallèle sémantique peut-on voir entre la peinture et la musique d'Ars nova ? Terminez la tâche finale sur la culture artistique d'Ars nova à partir du dossier d'ElZhur. |
Leçon 30. Épouser 178-184
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31 |
12-16 |
CULTURE ARTISTIQUE DE L'ORIENT ET DU PROCHE-ORIENT AU MOYEN AGE - 4 heures Chine L'interaction du yin et du yang est la base de la culture chinoise. L'architecture comme incarnation des idées mythologiques, religieuses et morales de la Chine ancienne Japon Les jardins japonais comme quintessence de la mythologie du shintoïsme et des visions philosophiques et religieuses du bouddhisme |
L'harmonie éternelle du yin et du yang est la base de la culture chinoise. L'ensemble du Temple du Ciel à Pékin est un exemple de la fusion des idées mythologiques, religieuses et morales de la Chine ancienne. Le culte de la nature est le credo de l'architecture japonaise. Les jardins japonais comme une fusion de la mythologie shintoïste et des croyances philosophiques et religieuses du bouddhisme. Jardin d'Eden au monastère Byodoin à Uji. Jardin de roche philosophique Ryoanji à Kyoto. Jardin de thé "Pins et luths" Villa Katsura près de Kyoto. |
Qu'est-ce qui détermine les caractéristiques d'Ars nova aux Pays-Bas ? Quelles caractéristiques gothiques le Retable de Gand de Jan van Eyck conserve-t-il ? Pourquoi le Retable de Gand de Jan van Eyck est-il considéré comme un exemple de peinture de la Renaissance ? Terminez la tâche finale sur la culture Ars nova à partir du fichier joint à ElZhur. Comment l'idée d'harmonie entre le Ciel et la Terre se reflète-t-elle dans les formes architecturales du Temple du Ciel ?
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Leçon 31 Page 184-
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32 |
19-23 |
Moyen-Orient - 2 heures L'image du paradis dans l'architecture des mosquées. Proche Orient |
L'image du paradis dans l'architecture des mosquées et des bâtiments publics. Mosquée à colonnes de Cordoue. Mosquée bleue en forme de dôme à Istanbul. Place du Registan à Samarcande. |
Pourquoi les jardins sont-ils un type particulier d'art japonais ? Comment l'idée de trouver un "cœur vide" trouve-t-elle son expression dans la conception des jardins philosophiques ? Terminez la tâche finale sur la culture de l'Extrême-Orient à partir du dossier d'ElZhur. |
Leçon 32 Page 192-201 Leçon 33 Page 202-209
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34 |
26-30 |
L'image du paradis musulman dans l'architecture des palais L'image du paradis musulman dans l'architecture des palais |
La mosquée des Omeyyades à Cordoue. Mosquée bleue en forme de dôme à Istanbul. Place du Registan à Samarcande. L'image du paradis musulman dans l'architecture des palais. Alhambra à Grenade. |
Quelles différences existent dans l'organisation de l'espace intérieur et le décor de la mosquée et de la basilique à colonnes ? Quels moyens décoratifs les architectes ont-ils utilisés pour créer l'image du jardin d'Eden dans les mosquées à coupoles ? Quels éléments ont formé l'image du Jardin d'Eden de l'Alhambra ?
Trouvez des exemples de l'influence du décor arabo-musulman vie artistique L'Europe occidentale se reflète dans notre vie quotidienne. Montrer la spécificité de la combinaison de l'idée arabo-musulmane et de la tradition artistique nationale dans la Coupe du monde. |
Leçon 34 Page 210-216 Leçon 35 Page 216-225
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PROGRAMME PÉDAGOGIQUE DU COURS
ART DU MONDE
11e année
basé sur le programme d'Emokhonova L.G.
Niveau de base
Manuel: 11e année: Emokhonova L.G. Culture artistique mondiale: un manuel pour la 10e année: enseignement général secondaire (complet) (niveau de base): Centre d'édition "Academy". 2009
Compilé par : Slepko Zoya Ivanovna- professeur de beaux-arts, la catégorie de qualification la plus élevée
Année académique 2013 - 2014
NOTE EXPLICATIVE
Le programme de travail est basé sur :
Arrêté du Ministère de l'éducation et des sciences de la Fédération de Russie du 5 mars 2004 n ° 1089 «Sur l'approbation de la composante fédérale de l'État normes éducatives enseignement primaire général, général de base et général secondaire (complet) » ;
Arrêté du Ministère de l'éducation et des sciences de la Fédération de Russie du 09.03.2004 n° 1312 "sur l'approbation du programme fédéral de base et des programmes exemplaires pour les établissements d'enseignement de la Fédération de Russie mettant en œuvre des programmes d'enseignement général" ;
Programmes LG Emokhonova "World Art Culture" Grade 10-11 // Programmes des établissements d'enseignement: World Art Culture "Manuel scolaire universitaire". 10-11 années. - M.: "Lumières", 2008.
Le programme est conçu pour 35 heures de formation à raison de 1 heure par semaine.
Le programme de culture artistique mondiale a été élaboré sur la base de la norme nationale d'enseignement secondaire (complet) (niveau de base), en tenant compte des recommandations du programme exemplaire.
Basé sur la partie obligatoire du programme, fixée dans la norme et divulguée dans le programme exemplaire, le programme, en observant la continuité, propose sa propre approche de la divulgation du contenu, sa propre séquence d'étude des sujets et des sections du sujet.
L'étude du CMH vise à atteindre les buts et objectifs suivants :
La formation des idées holistiques des étudiants sur les traditions historiques et les valeurs de la culture artistique des peuples du monde.
L'étude des chefs-d'œuvre de l'art mondial créés à diverses époques artistiques et historiques, la compréhension des traits caractéristiques de la vision du monde et du style d'artistes créatifs exceptionnels;
Formation et développement de concepts sur l'ère, le style et la direction artistiques et historiques, comprenant les modèles les plus importants de leur changement et de leur développement dans la civilisation historique;
Prise de conscience du rôle et de la place de l'Homme dans la culture artistique tout au long de son développement historique, reflet de l'éternelle recherche d'un idéal esthétique dans les meilleures oeuvres art mondial;
Éducation du goût artistique;
Développement des sentiments, des émotions, de la pensée figurative-associative et des capacités artistiques et créatives.
Le cours sur la culture artistique mondiale au niveau de base systématise les connaissances sur la culture et l'art acquises aux niveaux précédents de l'enseignement dans les établissements d'enseignement. Il donne une vision holistique de la culture artistique mondiale et de la logique de son développement dans une perspective historique.
La couche de culture la plus ancienne se caractérise par un lien direct entre l'art et la mythologie, par conséquent, pour étudier la culture du monde antique, des monuments ont été choisis qui reflétaient le plus pleinement l'influence sur processus créatif conscience mythologique dont on rencontre parfois des récurrences dans la vie moderne.
L'étude du MHC vise à développer les compétences et les capacités pédagogiques générales des étudiants:
Capacité à organiser de manière autonome et motivée son activité cognitive ;
Établir des connexions et des dépendances réelles simples ;
Évaluer, comparer et classer les phénomènes de la culture artistique ;
Rechercher les informations nécessaires dans des sources de différents types;
Utiliser les ressources multimédias et les technologies informatiques pour la conception d'œuvres créatives ;
Comprendre la valeur de l'éducation artistique comme moyen de développer la culture de l'individu, déterminer sa propre attitude envers les œuvres d'art classique et contemporain ;
Conformément aux exigences spécifiées dans la norme d'État, l'étudiant doit :
savoir/comprendre :
- les principaux types et genres d'art ;
- étudié les tendances et les styles de la culture artistique mondiale ;
- chefs-d'œuvre de la culture artistique mondiale;
- caractéristiques du langage de divers types d'art;
être capable de:
- de reconnaître les œuvres étudiées et de les corréler à une certaine époque, style, direction ;
- établir des liens stylistiques et scénaristiques entre des œuvres de différents types d'art;
- utiliser diverses sources d'information sur la culture artistique mondiale ;
- réaliser des tâches pédagogiques et créatives (rapports, messages) ;
utiliser les connaissances acquises dans les activités pratiques et la vie quotidienne pour :
- le choix des voies de leur développement culturel ;
- organisation de loisirs personnels et collectifs ;
- exprimer sa propre opinion sur les œuvres d'art classique et contemporain ;
- créativité artistique indépendante.
Compte tenu de la nature idéologique de la discipline, le rapport entre les activités scolaires traditionnelles et les activités parascolaires visant à élargir ses horizons et la participation active au processus culturel moderne est décidé en faveur de ces dernières. Ce n'est pas un hasard si dans la norme les noms des monuments culturels sont mis en évidence en italique, dont la connaissance est souhaitable pour obtenir une image plus complète et colorée du développement artistique, mais dont l'étude dans la leçon n'est pas nécessaire. L'accent est mis sur l'acquisition de compétences permettant d'analyser des œuvres d'art.
CONTENU PRINCIPAL DU COURS 11e ANNÉE (35 HEURES)
CULTURE ART RENAISSANCE (9 HEURES)
Renaissance en Italie (5 heures)
Vision humaniste du monde comme base de la culture de la Renaissance. Florence est l'incarnation de l'idée de la Renaissance d'une ville "idéale" dans les traités, l'architecture et la peinture. Léon Battista Alberti. "Dix livres sur l'architecture". Filippo Brunelleschi. Dôme de la cathédrale de Santa Maria del Fiore. Refuge des innocents. Place Annunziata. Église de San Spirito. L'image de la place et de la rue en peinture. Masaccio. "La Résurrection de Tobitha et la Guérison du Paralytique", "La Distribution de l'Aumône", "La Guérison par l'Ombre". Réalisme de la Renaissance dans la sculpture. Donatello. Relief "aplati" "Fête d'Hérode". Statuette de David. Haute Renaissance. Changements qualitatifs dans la peinture. La nouvelle beauté de Léonard de Vinci. Image d'autel "Madonna avec une fleur", "La Gioconda" (portrait de Mona Lisa). Synthèse de la peinture et de l'architecture. Raphaël Santi. Fresques de la Stanza della Senyatura au Vatican : "Parnassus". Sculpture. Michel-Ange Buonarroti. La chapelle des Médicis dans l'église de San Lorenzo à Florence. Caractéristiques de l'école de peinture vénitienne. Esthétique de la fin de la Renaissance. Titien. "Amour terrestre et céleste", "Pieta". Musique de la Renaissance. Le rôle de la polyphonie dans le développement des genres musicaux profanes et cultes. Le passage de "l'écriture stricte" au madrigal. Giovanni de Palestrina. "Messe du Pape Marcello". Carlo Gesualdo. Madrigal "Je languis sans fin."
Renaissance nordique (4 heures)
Spécificités de la Renaissance nordique. Personnage grotesque-carnaval de la Renaissance aux Pays-Bas. Pieter Brueghel l'Ancien (Paysan). "Bataille de Maslenitsa et Carême". Cycle pittoresque "Mois": "Chasseurs dans la neige". Le caractère mystique de la Renaissance en Allemagne. Albrecht Dürer. Gravures de "l'Apocalypse": "Quatre cavaliers", "Voix de trompette". Tableau "Quatre Apôtres". Le caractère profane de la Renaissance française. Ecole Supérieure d'Architecture et des Beaux-Arts de Fontainebleau. Château de François Ier à Fontainebleau. Rosso Fiorentino. Galerie François I. Jean Goujon. Fontaine des Nymphes à Paris. Renaissance en Angleterre. Dramaturgie de William Shakespeare : la tragédie "Roméo et Juliette", la comédie "La mégère apprivoisée".
CULTURE ARTISTIQUE DU XVIIe SIECLE (5 HEURES)
Baroque (4 heures)
Nouvelle vision du monde à l'époque baroque et son reflet dans l'art. Ensembles architecturaux de Rome. Lorenzo Bernini. Place Saint-Pierre. Place Navone. Pont du Saint Ange. Nouveau design intérieur. Tente-ciboire dans la basilique Saint-Pierre de Rome. Les spécificités du baroque russe. Francesco Bartolomeo Rastrelli. Palais d'hiver et monastère Smolny à Saint-Pétersbourg. Palais de Catherine à Tsarskoïe Selo. Peinture de plafond baroque. Giovanni Battista Gauli (Baciccia). "Adoration du Nom de Jésus" dans l'église d'Il Gesu à Rome. Interaction des tendances baroques et réalistes en peinture. Pierre Paul Rubens. Triptyques d'autel "La montée de croix" et "Descente de croix" dans la cathédrale Notre-Dame d'Anvers. "L'éducation de Marie Médicis". Rembrandt Harmenszoon van Rijn. « La répudiation de l'apôtre Pierre ». Musique baroque. Cl Audio Monteverdi. Opéra "Orphée". Arcangelo Corelli. Concerto grosso "La veille de Noël" Jean-Sébastien Bach. Passion "La passion selon Matthieu".
Classicisme (1 heure)
Le "grand style royal" de Louis XIV en architecture. Versailles. Le classicisme dans les beaux-arts de France. Nicolas Poussin. "Le Royaume de Flore", "Orphée et Eurydice".
CULTURE ARTISTIQUE DU XVIII - PREMIÈRE MOITIÉ DU XIX SIÈCLE (8 HEURES)
Rococo (1 heure)
"Fêtes galantes" d'Antoine Watteau. "L'île de Cythère". Intérieur rococo. Les pastorales pittoresques de François Boucher. Bagatelles musicales de François Couperin.
Néoclassicisme, Empire (5 heures)
Musique des Lumières. Joseph Haydn. Cycle sonate-symphonique. Symphonie n° 85 "Reine". Wolfgang Amadeus Mozart. Opéra Don Juan. Requiem : "Jour de colère", "Lacrimosa". Ludwig van Beethoven. Cinquième Symphonie, Sonate au clair de lune. L'image de la ville « idéale » dans les ensembles classiques de Paris et Saint-Pétersbourg. Jacques Ange Gabriel. Place Louis XV à Paris. Giacomo Quarenghi. Académie des sciences de Saint-Pétersbourg. Andreï Dmitrievitch Zakharov. Amirauté à Pétersbourg. Décor sculptural. Ivan Ivanovitch Terebnev. La sortie de la Russie vers la mer.
Style impérial en architecture. La spécificité de l'Empire russe. Carl Rossi. Place du Palais, Palais Mikhailovsky à Saint-Pétersbourg. Intérieur Empire. Salle Blanche du Palais Mikhailovsky à Saint-Pétersbourg.
Néoclassicisme en peinture. Jacques Louis David. "Serment des Horaces". Canons classicistes dans la peinture académique russe. Karl Pavlovitch Brioullov. "Le dernier jour de Pompéi" . Alexandre Andreïevitch Ivanov. "L'apparition du Christ au peuple".
L'origine de l'école de musique classique en Russie. Mikhaïl Ivanovitch Glinka. Généralisations artistiques dans l'art lyrique. Opéra "La vie pour le tsar". Moyens expressifs inhabituels: la marche de Chernomor, le chœur persan de l'opéra "Ruslan et Lyudmila". La Naissance de la Symphonie Russe : Ouverture "Nuit à Madrid". Nouveautés en musique vocale de chambre : Romance lyrique "Je me souviens d'un moment merveilleux".
Romantisme (2 heures)
Idéal romantique et son incarnation dans la musique. Franz Schubert. Cycle vocal "Winter way". Richard Wagner. Opéra Tannhauser. Hector Berlioz. "Symphonie Fantastique". Johannes Brahms. "Danse hongroise n ° 1". Peinture du romantisme. Intrigues religieuses et thèmes littéraires dans la peinture des préraphaélites. John Everett Mille. "Le Christ dans la maison de ses parents." Dante Gabriel Rossetti. Béata Béatrix. Exotique et mystique. Eugène Delacroix. "Mort de Sardanapale". François Goya. "Colosse". L'image d'un héros romantique en peinture. Orest Adamovitch Kiprensky. "Portrait d'Evgr. V. Davydov.
CULTURE ARTISTIQUE DE LA SECONDE MOITIÉ DU XIX - DÉBUT DU XX SIÈCLE (7 HEURES)
Réalisme (3 heures)
Thèmes sociaux en peinture. Gustave Courbet. « Funérailles à Ornan ». Honoré Daumier. Série "Juges et Avocats". Ecole russe de réalisme. Vagabonds. Ilya Efimovitch Répine. "Barge Haulers sur la Volga". Vassili Ivanovitch Sourikov. Boyard Morozova. Directions dans le développement de la musique russe. Thème social en musique. Modeste Petrovitch Moussorgski. "Orphelin". Appel au rite russe comme manifestation de la nationalité dans la musique. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov. "Seeing Shrovetide" de l'opéra "The Snow Maiden". Thème historique en musique. Alexandre Porfirievitch Borodine. "Danses polovtsiennes" de l'opéra "Prince Igor". Principe lyrico-psychologique en musique. Pierre Ilitch Tchaïkovski. Ballet "Casse-Noisette". Le thème de "l'homme et le rock" en musique. Opéra "La Dame de Pique".
Impressionnisme, Symbolisme, Postimpressionnisme (2 heures)
Les principales caractéristiques de l'impressionnisme en peinture. Claude Oscar Monet. "Pie". Pierre Auguste Renoir. "Petit déjeuner des Rameurs". L'impressionnisme en sculpture. Auguste Rodin. "Citoyens de la Ville de Calais". Impressionnisme en musique. Claude Debussy. "Jardins sous la pluie", "Nuages". Symbolisme en peinture. Gustave Moreau. "Salomé" ("Vision"). Post-impressionnisme. Paul Cézanne. "Baigneurs". Vincent Van Gogh. "Semeur". Paul Gauguin. "Paysage avec un paon".
Moderne (2 heures)
L'incarnation de l'idée de beauté absolue dans l'Art nouveau. Gustave Klimt. "Frise Beethoven". Moderne en architecture. Victor Horta. L'hôtel particulier de Tassel à Bruxelles. Fédor Osipovitch Shekhtel. Le bâtiment de la gare de Yaroslavl à Moscou. Antonio Gaudi. Cathédrale de la Sainte Famille à Barcelone. La création de mythes est un trait caractéristique de l'Art nouveau russe en peinture. Valentin Alexandrovitch Serov. Ulysse et Nausicaa, L'Enlèvement d'Europe. Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel. "Démon". Les spécificités de la musique moderne russe. Alexandre Nikolaïevitch Scriabine. "Poème d'extase".
CULTURE ARTISTIQUE DU XX SIECLE (6 HEURES)
Modernisme (5 heures)
Modernisme en peinture. Une nouvelle vision de la beauté. Agression de la couleur dans le fauvisme. Henri Matisse. "Danse". Vibration de la surface picturale dans l'expressionnisme. Arnold Schoenberg. "Regard rouge". Déformation des formes dans le cubisme. Pablo Picasso. "Les Filles d'Avignon". Refus du pictorialisme dans l'abstractionnisme. Vassily Vassilievitch Kandinsky. "Composition n° 8". L'irrationalisme du subconscient dans le surréalisme. Salvador Dalí. "Tristan et Iseult". Modernisme en architecture. Le constructivisme de Charles Edouard Le Corbusier. Villa Savoie à Poissy. "Constructivisme soviétique" de Vladimir Evgrafovich Tatlin. Tour du III International. Architecture organique de Frank Lloyd Wright. "Maison sur la cascade" à Ber-Ran. Fonctionnalisme d'Oscar Niemeyer. Ensemble de la ville du Brésil. Modernisme en musique. Hétérogénéité stylistique de la musique du XXe siècle. Dodécaphonie de la "Nouvelle école viennoise". Anton von Webern. "La lumière des yeux" "Nouvelle simplicité" de Sergueï Sergueïevitch Prokofiev. Ballet Roméo et Juliette. Musique philosophique de Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch. Septième Symphonie (Leningrad). Polystylistique d'Alfred Garrievitch Schnittke. Requiem.
Synthèse dans l'art du XXe siècle. Théâtre du directeur de Konstantin Sergeevich Stanislavsky et Vladimir Ivanovich Nemirovich-Danchenko. Théâtre d'art de Moscou. Performance basée sur la pièce d'Anton Pavlovitch Tchekhov "Les Trois Sœurs". Le théâtre épique de Bertolt Brecht. "Un homme gentil du Sichuan." Cinéma. Sergueï Mikhaïlovitch Eisenstein. Cuirassé Potemkine. Federico Fellini. Répétition d'orchestre.
Postmodernisme (1 heure)
La vision du monde postmoderne est un retour aux origines mythologiques. Nouveaux types d'art et formes de synthèse. Andy Warhol. "Appuyez sur le couvercle avant d'ouvrir." Ferdinand Botero. "Mona Lisa". Gueorgui Pouzenkov. "Tour du Temps Mona 500". Salvador Dalí. Salle Mae West du Théâtre-Musée Dalí de Figueres. Youri Leiderman. Spectacle "Hassid Duchamp".
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TOTAL |
: 35 |
TYPOLOGIE DES COURS
DANS LE SYSTEME DE SUPER-TACHE ARTISTIQUE ET PEDAGOGIQUE
Les leçons de la culture artistique mondiale ne sont pas similaires les unes aux autres, ni aux leçons des autres disciplines. En concevant des leçons, le développement des élèves est indirectement projeté. Et dans ce contexte, le centre sémantique est extrêmement important, l'idée qui sous-tend l'interaction de l'enseignant avec les enfants, l'inspirant et le guidant. C'est une sorte de super-tâche artistique et pédagogique.
Il existe quatre types de super-tâches artistiques et pédagogiques des leçons de culture artistique mondiale en 11e année. C'est l'immersion, la compréhension, la comparaison, la généralisation.
La super-tâche artistique et pédagogique d'immersion est définie par l'enseignant dans le cas où l'idée inspirante de la leçon est la vie émotionnelle et figurative d'un chef-d'œuvre artistique, la pénétration personnelle et sémantique dans son aura, son essence profonde, son style. Dans le processus d'une telle immersion, l'effet de présence est atteint, renforcé par la perception subjective de chaque participant à la leçon (élèves et enseignants). La coloration émotionnelle des savoirs nous permet de nous rapprocher au maximum des époques et des styles étudiés, de les vivre "ici et maintenant".
L'accompagnement musical et poétique contribue à une plus grande richesse émotionnelle et à une ouverture des frontières de la leçon, donnant lieu à une vision personnelle d'une œuvre d'art.
La super-tâche artistique et pédagogique de compréhension a un caractère cognitif et créatif prononcé. Au cours d'enseignements construits sur cette dominante sémantique, il y a non seulement maîtrise, mais aussi remise en cause personnelle des œuvres d'art et des conditions culturelles et historiques, grâce ou malgré lesquelles elles ont été créées. Ces leçons sont extrêmement importantes pour la formation et le développement de la vision du monde d'un adolescent.
La compréhension implique l'utilisation des connaissances des enfants sur le sujet étudié. phénomène culturel et la stimulation active de leurs capacités de raisonnement et d'analyse indépendante des caractéristiques des monuments d'art.
La super-tâche artistique et pédagogique de comparaison vise la comparaison émotionnelle et analytique des images artistiques, leurs caractéristiques de formation de style, les étapes de développement des formes d'art et les fondements idéologiques des époques culturelles.
La super-tâche artistique et pédagogique de généralisation est le noyau sémantique des leçons finales dans diverses sections thématiques. Les leçons basées sur une telle super-tâche vous permettent de :
1) généraliser l'expérience socioculturelle accumulée par les étudiants au moment de l'étude d'un matériau artistique et historique spécifique;
2) activer le bagage émotionnel et cognitif reçu dans le cours MHC ;
3) atteindre un nouveau niveau de compréhension de l'image artistique centrale de l'époque.
Pour la réussite de la mise en œuvre de la super-tâche artistique et pédagogique, le type de cours est important. Nous avons choisi quatre types : image-modèle, recherche, contemplation, panorama. Un rapport flexible du type de leçon et de la super-tâche définie a prouvé son efficacité dans la pratique, augmentant le niveau de réactivité émotionnelle et l'activité créative des élèves.
Dans une leçon de modèle d'image, il est important de trouver un grain émotionnel et artistique qui incarne le plus fidèlement la dominante sémantique du sujet. Un détail architectural, une technique picturale, une forme littéraire ou musicale peuvent agir comme un tel grain.
La leçon, construite selon le type de modèle d'image, donne à l'enseignant la possibilité de couvrir de manière holistique à la fois le contenu et le contexte émotionnel-figuratif du matériel, et les étudiants - de vivre pleinement et profondément le travail, le style, l'époque, tout en trouvant un écho de leurs propres pensées et sentiments dans le sujet de l'art.
Dans une leçon de modèle d'image, on peut combiner organiquement les aspects émotionnels et rationnels de la perception de la culture artistique.
Dans le cadre de la leçon de recherche, il est important de ne pas glisser dans le ton didactique de la présentation de la matière. Ce type de cours impose des exigences particulières à l'enseignant. L'étude des chefs-d'œuvre de la culture artistique mondiale en classe est un processus d'étude réfléchie, de raisonnement constant et de réflexion de l'enseignant avec les enfants. L'enseignant dans le contexte de la leçon (nous entendons à la fois le contexte informatif, artistique et émotionnel-figuratif) ne déclare pas la vérité, mais implique constamment les enfants dans le processus de sa découverte, ne faisant que de petits commentaires de temps en temps.
Il est proposé de combiner le travail de groupe avec un travail indépendant et individuel dans les leçons de ce type, qui peuvent être organisées à l'aide de cartes individuelles - une carte cognitive-créative, une carte de réflexion, une carte de recherche.
Tout comme une leçon de modèle d'image, la leçon de contemplation reflète le mieux la nature de l'art et est conçue principalement pour une influence externe et sensuelle. Vous ne pouvez pas enseigner aux enfants l'art de la contemplation à l'aide d'instructions et de schémas imposés. Ce processus est aussi individuel et unique que chaque enfant, chaque personne sur terre est unique. Aux cours de contemplation, l'intonation et une atmosphère bienveillante particulière sont importantes, vous permettant d'exprimer librement votre opinion et de poser des questions. Toute œuvre d'art n'existe pas seulement sous sa forme matérielle (sur toile, en pierre, en notation musicale, en mots, sur film, etc.). Il commence vraiment à vivre et à révéler sa véritable signification profonde au moment de sa perception.
Ces techniques artistiques et pédagogiques comprennent la contemplation artistique et émotionnelle, la comparaison artistique et figurative, l'observation artistique et psychologique.
Un large aperçu qui vous permet de capturer l'apparence d'œuvres d'un ou plusieurs styles, différents types d'art, dans le cadre de l'étude de la culture artistique mondiale, est tout simplement nécessaire. Ces leçons sont contenues dans chaque section thématique du cours. En règle générale, ils conviennent aux sujets finaux généralistes ou aux sujets qui incluent un large éventail d'œuvres et d'images.
Classement par types de cours de la section thématique" Culture artistique Renaissance"
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Contemplation |
- Leçon 33 |
La période antique, qui se caractérise par l'essor et l'épanouissement de l'Hellade (comme les anciens Grecs appelaient leur pays), est la plus intéressante pour la plupart des historiens de l'art. Et pas en vain ! En effet, à cette époque, l'origine et la formation des principes et des formes de presque tous les genres de l'art contemporain ont eu lieu. Au total, les scientifiques divisent l'histoire du développement de ce pays en cinq périodes. Regardons la typologie et parlons de la formation de certains types d'art.
Époque égéenne Cette période est le plus clairement représentée par deux monuments - les palais mycéniens et de Knossos. Ce dernier est mieux connu aujourd'hui sous le nom de Labyrinthe du mythe de Thésée et du Minotaure. Après des fouilles archéologiques, les scientifiques ont confirmé la véracité de cette légende. Seul le premier étage a été conservé, mais il compte plus de trois cents pièces ! Outre les palais, la période crétoise-mycénienne est connue pour les masques des chefs achéens et les petites sculptures crétoises. Les figurines trouvées dans les secrets du palais étonnent par leur filigrane. Les femmes avec des serpents ont l'air très réalistes et gracieuses. Ainsi, la culture de la Grèce antique, dont un résumé est présenté dans l'article, est née de la symbiose de l'ancienne civilisation insulaire de Crète et des tribus achéennes et doriennes arrivées qui se sont installées dans la péninsule balkanique.
Période homérique Cette époque est significativement différente matériellement de la précédente. Du XIe au IXe siècle av. J.-C., il s'est passé beaucoup de choses événements importants. Tout d'abord, la civilisation précédente a péri. Les scientifiques suggèrent qu'en raison d'une éruption volcanique. Plus loin du statut d'État, il y a eu un retour à la structure communale. En fait, la société était en train de se reformer. Un point important est que sur fond de déclin matériel, la culture spirituelle a été pleinement préservée et a continué à se développer. On le voit dans les œuvres d'Homère, qui reflètent précisément cette époque critique. La guerre de Troie appartient à la fin de la période minoenne et l'écrivain lui-même a vécu au début de l'ère archaïque. C'est-à-dire que l'Iliade et l'Odyssée sont les seules preuves de cette période, car à part elles et les découvertes archéologiques, on ne sait rien d'elle aujourd'hui.
époque archaïque.À cette époque, il y a une croissance et une formation rapides d'États-États. La pièce commence à être frappée, la formation de l'alphabet et la formation de l'écriture ont lieu. À une époque archaïque, les Jeux olympiques apparaissent, un culte d'un corps sain et athlétique se forme. C'est durant cette période que la culture de la Grèce antique est née.
période classique. Tout ce qui nous captive aujourd'hui avec la culture de la Grèce antique a été créé précisément à cette époque. Philosophie et science, peinture et sculpture, oratoire et poésie, tous ces genres connaissent un essor et un développement singulier. L'apogée de l'expression créative de soi était l'ensemble architectural d'Athènes, qui étonne toujours le public par son harmonie et l'élégance des formes.
Hellénisme. La dernière Epoque développement de la culture grecque est intéressant précisément en raison de son ambiguïté. D'une part, il y a une unification du grec et Traditions orientales grâce aux conquêtes d'Alexandre le Grand. D'autre part, Rome s'empare de la Grèce, mais cette dernière la conquiert avec sa culture. Architecture Le Parthénon est probablement l'un des monuments les plus célèbres du monde antique. Et les éléments doriques ou ioniques, tels que les colonnes, sont inhérents à certains styles architecturaux ultérieurs. Fondamentalement, le développement de ce type d'art, nous pouvons retracer les temples. Après tout, c'est dans ce type de bâtiments que le plus d'efforts, de moyens et de compétences ont été investis. Même les palais avaient moins de valeur que les lieux de sacrifices aux dieux. La beauté des temples grecs antiques réside dans le fait qu'ils n'étaient pas de formidables temples de célestes mystérieux et cruels. Selon la structure interne, elles ressemblaient à des maisons ordinaires, seulement elles étaient équipées de manière plus élégante et étaient plus richement meublées. Comment pourrait-il en être autrement si les dieux eux-mêmes étaient dépeints comme des humains, avec les mêmes problèmes, querelles et joies ? À l'avenir, trois ordres de colonnes ont formé la base de la plupart des styles d'architecture européenne. C'est avec leur aide que la culture de la Grèce antique est brièvement, mais très largement et durablement entrée dans la vie de l'homme moderne.
peinture de vases. Les œuvres de ce type d'art sont les plus nombreuses et les plus étudiées à ce jour. Les premiers monuments de cette civilisation sont des céramiques émaillées noires - des plats très beaux et élégants, dont des copies ont servi de souvenirs, de décorations et d'objets de collection à toutes les époques ultérieures. La peinture des vaisseaux a traversé plusieurs étapes de développement. Au début c'était simple ornements géométriques connu depuis l'époque de la culture minoenne. Ensuite, des spirales, des méandres et d'autres détails leur sont ajoutés. En cours de formation, la peinture sur vase acquiert les caractéristiques de la peinture. Des scènes de la mythologie et de la vie quotidienne des anciens Grecs, des figures humaines, des images d'animaux et des scènes quotidiennes apparaissent sur les navires. Il est à noter que les artistes ont réussi non seulement à transmettre le mouvement dans leurs peintures, mais aussi à donner des traits personnels aux personnages. Grâce à leurs attributs, les dieux et les héros individuels sont facilement reconnaissables.
Mythologie. Les peuples du monde antique percevaient la réalité environnante un peu différemment de ce que nous avons l'habitude de comprendre. Les divinités étaient la principale force responsable de ce qui se passait dans la vie d'une personne. L'ancien panthéon grec comprenait de nombreux dieux, demi-dieux et héros, mais les principaux étaient douze olympiens. Les noms de certains d'entre eux étaient déjà connus durant la civilisation crétoise-mycénienne. Ils sont mentionnés sur des tablettes d'argile en écriture linéaire. Il est à noter qu'à ce stade, ils avaient des homologues féminins et masculins du même personnage. Par exemple, il y avait Zeus-il et Zeus-elle. Aujourd'hui, nous connaissons les dieux de la Grèce antique grâce aux monuments des beaux-arts et de la littérature qui sont restés pendant des siècles. Sculptures, fresques, figurines, pièces de théâtre et histoires - dans tout cela, la vision du monde des Hellènes se reflétait. De telles opinions ont fait leur temps. La culture artistique de la Grèce antique, en bref, a eu une influence primordiale sur la formation de nombreuses écoles européennes de divers arts. Les artistes de la Renaissance ont ressuscité et développé les idées de style, d'harmonie et de forme déjà connues dans la Grèce classique.
Architecture La Grèce antique s'est développée en trois étapes. La période d'environ 600 à 480 av. e. a été marquée par un échec de l'invasion perse. Après la libération de leur terre, les Grecs ont recommencé à créer librement. Cette période était dite « archaïque ». L'architecture de la Grèce antique a connu son apogée de 480 à 323 av. e. Au cours de cette période, Alexandre le Grand a conquis de vastes territoires qui différaient considérablement dans leurs cultures. Cela a eu un effet dévastateur sur l'art grec classique. La période tardive - l'hellénisme - s'est terminée en 30 av. e. Les Romains ont alors conquis l'Égypte ancienne, qui était sous l'influence de la Grèce. Les ruines des temples appartiennent à la période archaïque. Ces anciennes structures ont été l'une des plus grandes réalisations de l'architecture. A cette époque, le bois a été remplacé par le marbre blanc et le calcaire. Vraisemblablement, le prototype des temples antiques était la demeure des Grecs. Il ressemblait à un bâtiment rectangulaire, devant lequel deux colonnes étaient installées. Cette structure assez simple a jeté les bases de structures de planification plus complexes. En règle générale, le temple était installé sur une base en gradins. Il n'y avait pas de fenêtres dans le bâtiment ; une statue d'une divinité était placée à l'intérieur. Le bâtiment était entouré de colonnes sur deux ou une rangée. Ils servaient de support à un toit à pignon et à des poutres au plafond. Seuls les prêtres étaient autorisés à visiter l'intérieur. Le reste du peuple a vu le temple de l'extérieur. La construction du temple était soumise à certaines lois, des proportions, des tailles et un nombre de colonnes précisément établis étaient utilisés. L'architecture de la Grèce antique était caractérisée par trois directions : corinthienne, ionique, dorique. Ce dernier s'est formé à l'époque archaïque. Ainsi, le style dorique était le plus ancien. C'était une combinaison de puissance et de simplicité. Le nom du style vient des peuples doriques qui l'ont créé. Le style ionique s'est formé en Asie Mineure, dans sa région ionienne. De là, il a été adopté par la Grèce antique. L'architecture de ce style se distinguait par l'harmonie et l'élégance des colonnes. La partie médiane de la capitale ressemblait à un oreiller avec les coins tordus en spirale. A l'époque hellénistique, l'architecture de la Grèce antique se caractérise par une volonté de faste, une certaine grandeur. A cette époque, les chapiteaux corinthiens (parties de couronnement des colonnes) étaient le plus souvent utilisés. Leur décor est dominé par des motifs végétaux, principalement à l'image de feuilles d'acanthe. Au 5ème siècle avant JC e. architecture grecque antique a connu son apogée. Le célèbre homme d'État Périclès a eu une grande influence sur la formation de l'art à cette époque classique. Son règne est marqué par le début de constructions à grande échelle à Athènes, le plus grand centre artistique et culturel de la Grèce antique. Les travaux principaux ont été effectués à l'Acropole - sur une ancienne colline. Les Grecs ont su dans leur architecture perfectionner l'unité du contenu constructif et artistique des édifices. A noter qu'au Ve siècle av. e. l'architecture et la sculpture de la Grèce antique ont connu leur apogée. Pendant cette période, les plus grands monuments historiques ont été créés. Cependant, les premières œuvres ont survécu jusqu'à ce jour. Sculpteurs grecs. Aux VIIe-VIe siècles av. e. les statues se distinguent par une étonnante symétrie - une partie du corps reflète l'autre. Les sculptures étaient dans des positions enchaînées - les bras tendus étaient pressés contre le corps musclé. Malgré l'absence de tout signe de mouvement (tourner la tête ou s'incliner), les lèvres des statues s'entrouvrent en un léger sourire. art de la sculpture les périodes ultérieures se distinguent par une grande variété de formes. Au 1er siècle avant JC e, à la suite de l'expansion active de l'Empire romain, l'architecture grecque antique prend plus de caractéristiques des conquérants, perdant la sienne.
Dans les temps anciens, sur la haute colline de l'Acropole, la ville de Kekropia a été érigée, qui a ensuite reçu un nouveau nom - Athènes. Il vaut mieux admirer l'Acropole d'Athènes au lever ou au coucher du soleil, c'est à cette époque que les ruines de l'ancienne grande ville prennent vie et semblent se reconstruire.
Histoire de l'Acropole d'Athènes
Jetons un coup d'œil à l'histoire de la ville. Le roi Kekrops est considéré comme le fondateur d'Athènes. Ce grand homme est crédité de la fondation de 12 villes grecques, de l'introduction d'une interdiction des sacrifices humains et, surtout, de l'introduction du culte de Zeus le Tonnerre. L'arrivée de la grandeur de la déesse Athéna a lieu sous le règne d'un autre roi - Erechtonius, c'est durant les années de son règne que la ville fut rebaptisée Athènes.
Environ au IIe millénaire av. J.-C., le territoire de l'Acropole contenait entièrement Athènes. Elle était entourée de puissantes murailles. Sur le côté en pente ouest, une fortification particulièrement forte d'Enneapilon "Nine-Gate" a été érigée. À l'extérieur des murs se trouvait le palais des rois athéniens. C'est en elle que fut placé plus tard le sanctuaire d'Athéna, et au fur et à mesure que la ville grandissait, l'Acropole devint un centre religieux dédié à la patronne de la ville. Architecture de l'Acropole d'Athènes.
La construction de l'ensemble de l'Acropole athénienne a commencé après les grandes victoires des Grecs sur les Perses. En 449, le plan de Périclès pour embellir cette région fut approuvé. L'Acropole d'Athènes allait devenir le grand symbole d'une grande victoire. Aucun argent ou matériel n'a été épargné. Périclès pouvait obtenir tout ce qu'il voulait pour cette affaire.
Des tonnes de matériel ont été amenées sur la colline principale de la capitale grecque. C'était considéré comme une fierté pour tout le monde de travailler dans cette installation. Plusieurs excellents architectes ont été impliqués ici à la fois, mais Phidias a joué le rôle principal.
Propylées de l'Acropole d'Athènes
L'architecte Ménesiclès a créé les bâtiments des Propylées, qui sont l'entrée de l'Acropole, ornés de portiques et d'une colonnade. Une structure similaire introduit le visiteur Endroit sacré dans absolument nouveau monde pas comme la réalité quotidienne. A l'autre extrémité des Propylées, une statue de la patronne de la ville d'Athéna Promachos, exécutée personnellement par Phidias, a été installée. En parlant de Phidias, on peut dire que c'est de ses mains qu'est sortie la célèbre statue de Zeus à Olympie, qui est devenue l'une des sept merveilles du monde du monde antique. Le casque et la lance de la guerrière Athéna ont été vus même par les marins naviguant à travers l'Attique.
Parthénon - le premier temple
Le temple principal de l'Acropole athénienne est le Parthénon. Auparavant, il contenait une autre statue d'Athéna Parthénos, également réalisée par Phidias. La statue a été réalisée en technique chrysoéléphantine, comme Zeus Olympien. Mais ce miracle ne nous est pas parvenu, il ne reste donc plus qu'à en croire les rumeurs et les images. Les colonnes du Parthénon, en marbre, ont perdu leur blancheur originelle au fil des siècles. Maintenant, ses colonnes brunâtres se détachent magnifiquement sur le ciel du soir. Le Parthénon était le temple d'Athéna Polias la Gardienne. Un tel nom, en raison de la position du bâtiment, était généralement abrégé en Grand Temple ou même simplement en Temple.
La construction du Parthénon a été réalisée en 447-428 avant JC sous la direction des architectes Iktin et de son assistant Kallikrat, bien sûr, non sans la participation de Phidias. Le temple était censé être l'incarnation de la démocratie. De grands calculs ont été faits pour sa construction, c'est pourquoi le bâtiment a été achevé en seulement 9 ans. D'autres décorations se sont poursuivies jusqu'en 432.
Érechthéion - le deuxième temple
Le deuxième temple de l'Acropole est l'ancien Érechthéion, également dédié à Athéna. Il y avait une différence fonctionnelle entre l'Érechthéion et le Panthéon. Le Panthéon était destiné aux besoins publics, l'Érechthéion, en fait, était le temple des prêtres. Le temple, selon la légende, a été construit sur le site de la dispute entre Poséidon et Athéna pour le droit de régner à Athènes. Les anciens de la ville étaient censés résoudre le différend, à leur demande, le pouvoir était donné à l'un des dieux, dont le don serait le plus utile pour la ville. Poséidon a fait jaillir un ruisseau d'eau salée de la colline de l'Acropole, tandis qu'Athéna a fait pousser un olivier. La fille de Zeus a été déclarée vainqueur et l'olivier était le symbole de la ville.
Le temple, selon la légende, a été construit sur le site de la dispute entre Poséidon et Athéna pour le droit de régner à Athènes. Les anciens de la ville étaient censés résoudre le différend, à leur demande, le pouvoir était donné à l'un des dieux, dont le don serait le plus utile pour la ville. Poséidon a fait jaillir un ruisseau d'eau salée de la colline de l'Acropole, tandis qu'Athéna a fait pousser un olivier. La fille de Zeus a été déclarée vainqueur et l'olivier était le symbole de la ville.
Dans l'une des salles du temple, il y avait une trace de l'impact du trident de Poséidon sur le rocher. Près de cet endroit se trouve l'entrée de la grotte où, selon une autre légende, vivait le serpent d'Athéna, qui est la personnification du glorieux roi-héros Erechthonius.
Dans le même complexe, il y a la tombe d'Erechthonius lui-même, et dans la partie ouest du temple, il y a un puits d'eau salée, comme s'il était apparu à la demande du même Poséidon.
Temple d'Athéna Nike
Athéna dans l'Acropole a trouvé son incarnation sous une autre forme - Athéna Nike. Le premier temple dédié à la déesse de la victoire a été détruit pendant les guerres avec les Perses, donc, après la conclusion de la trêve, il a été décidé de restaurer le sanctuaire. Le temple a été construit par Callicrates en 427-424 av.
Avec l'arrivée des Turcs, le temple fut démantelé pour la construction de fortifications. La restauration du temple a été réalisée dans les années 1830, après la restauration de la Grèce en tant qu'État indépendant. La prochaine reconstruction a été réalisée en 1935-1940, et depuis lors, le temple apparaît dans toute sa splendeur aux visiteurs du complexe.
L'Acropole est un complexe majestueux de beaux bâtiments avec une histoire riche et intéressante. C'est un morceau de la Grèce, sans lequel il est difficile de se faire une image globale de son ancienne grandeur.
Plan de l'Acropole d'Athènes.
Architecture de la Rome antique. Symboles architecturaux de la grandeur romaine. Forum romain, le centre des affaires et de la vie sociale " ville Eternelle". Le Panthéon est le temple de tous les dieux. Le Colisée est un majestueux bâtiment spectaculaire de la Rome antique.
La composition de l'ensemble urbain romain caractéristique - la forme porte des traces de l'influence des compositions de l'agora grecque et des habitations folkloriques.
Le type prédominant de bâtiment résidentiel développé était l'atrium-péristyle. Habituellement, il était situé sur une zone allongée, clôturée des rues avec des murs extérieurs vierges. La partie avant de la maison était occupée par un atrium - une pièce fermée, sur les côtés de laquelle se trouvaient des salons et des buanderies. Au centre de l'atrium, il y avait une piscine, au-dessus de laquelle une partie ouverte était laissée dans le toit pour l'éclairage et l'écoulement de l'eau dans la piscine. Derrière l'atrium, à travers le tablinum, se trouvait un péristyle avec un jardin à l'intérieur. L'ensemble de la composition s'est développé en profondeur le long de l'axe avec un dévoilement cohérent des espaces principaux.
À Forums romains la même idée d'une composition axiale fermée a été reflétée - un péristyle d'ordre, mais agrandi à la taille d'une place de la ville. Dans la période initiale, les forums servaient généralement de marchés, et des boutiques, et parfois d'autres bâtiments publics, jouxtaient les galeries sur leur périmètre. Au fil du temps, ils se sont transformés en places de parade pour des réunions publiques, des cérémonies solennelles, des activités religieuses, etc.
Le temple, situé au milieu du côté étroit d'un carré rectangulaire sur son axe principal, est devenu le centre idéologique et compositionnel. Montant sur le podium, il a dominé la composition. En plan, le temple avait la forme d'un rectangle auquel était attaché un portique. Une telle composition du temple était traditionnelle à Rome et avait ses origines dans les types de temples les plus anciens de la période étrusque-archaïque. Dans la composition du forum, la construction frontale du temple soulignait sa structure axiale profonde, et un riche portique (ordre composite, corinthien, moins souvent ionique) accentuait l'entrée du temple. Depuis la période républicaine, plusieurs forums se sont successivement érigés à Rome. Les empereurs ultérieurs ont interprété le forum comme un monument à leur propre gloire.
Dans sa splendeur, le luxe, la taille et la complexité de la composition se distinguent Forum de l'empereur Trajan(architecte Apollodore de Damas, 112-117). En plus de la place principale et du temple, une salle allongée à cinq travées y a été érigée - une basilique d'une superficie de 55x159 m et deux bâtiments de bibliothèque symétriques, entre lesquels un mémorial a été érigé sur une petite place. la colonne Trajane Haut de 38 m, son tronc de marbre est recouvert d'un ruban en spirale d'un bas-relief de 2500 personnages représentant des épisodes des campagnes victorieuses de Trajan. L'arc de triomphe sert d'entrée principale, la statue de l'empereur est installée au centre de la place, le temple est dans ses profondeurs. Les colonnades et les portiques en marbre, de tailles diverses et parfois énormes, constituaient le motif principal de l'ensemble.
Construits en conjonction avec les forums et sur les routes principales, les arcs de triomphe sont l'un des types les plus courants de structures commémoratives à Rome. Les exemples sont arc de Titus(années 70), arc de Constantin(IVe siècle), où l'ensemble monumental est revêtu d'un riche habit décoratif à l'ordre relâché.
Arc de Constantin, placé près du Colisée, surpasse les autres non seulement par sa taille (21,5 m de haut, 25 m de large), mais aussi par l'abondance de décorations. Certains détails (par exemple, reliefs ronds et rectangulaires, figures, etc.) sont tirés de monuments architecturaux d'une époque antérieure, ce qui était un phénomène courant dans l'architecture de la fin de Rome. La richesse plastique et la grande taille de la structure sont conçues pour exprimer de manière convaincante les idées du pouvoir de l'empereur, qui règne à la fois à Rome même et dans les vastes colonies impériales.
Les formes arquées et voûtées se sont d'abord généralisées dans les structures utilitaires - ponts et aqueducs. Conduites d'eau de ville - aqueducs- occupait une place particulière dans l'amélioration des villes dont la croissance nécessitait de plus en plus d'eau. L'eau fournie par les environs vallonnés aux réservoirs de la ville coulait à travers des canaux de pierre (plateaux) enduits de mortier hydraulique, qui dans les endroits bas et aux intersections de rivières ou de ravins étaient soutenus par des structures voûtées. Les arcades majestueuses des ponts et des aqueducs déjà à l'époque républicaine déterminaient le type de structures. Caractéristique pour ces types de structures; Aqueduc Marcia à Rome, 144 avant JC et etc.
certains d'entre eux se sont élevés au niveau des meilleurs exemples d'architecture romaine, non seulement techniquement, mais aussi architecturalement et artistiquement. Ils devraient inclure Le pont de Trajan à Alcantra en Espagne (98-106 après JC) et un aqueduc dans la ville de Nîmes en France (IIe siècle après JC), traversant le fleuve. Garde, etc...
Longueur Pont-aqueduc de Gardskogo 275 m. Il se compose de trois niveaux de culées voûtées d'une hauteur totale de 49 m. La portée de la plus grande arche est une valeur énorme pour l'époque - 24,5 m. Les culées et les arches sont construites à sec avec des pierres taillées avec précision. L'arcade se distingue par la simplicité des formes et l'harmonie des relations, la clarté de la tectonique, la grande échelle et la texture expressive. La beauté monumentale et raffinée de la composition est obtenue exclusivement à l'aide de formes constructives.
La construction de palais se poursuivait à Rome à grande échelle. S'est particulièrement démarqué Palais Impérial sur le Palatin, composé de l'actuel palais des réceptions solennelles et de la demeure de l'empereur. Les pièces de devant étaient disposées autour d'une vaste cour à péristyle. La pièce principale - la salle du trône - était frappante par sa taille. La halle était couverte d'un arc cylindrique d'une portée de 29,3 m, qui s'élevait à 43-44 m au-dessus du niveau du sol.Les locaux principaux de la partie résidentielle étaient également regroupés autour des péristyles sur les terrasses des collines, selon les méthodes de construire des villas. La construction de villas a également pris une grande ampleur à Rome. En plus des grands complexes de palais, les principes de l'architecture des jardins et des parcs, qui ont été développés de manière intensive à partir du 1er siècle avant JC, y ont été mis en œuvre avec la plus grande ampleur. ( La villa d'Hadrien à Tibur, premier étage. 2e siècle, etc.).
Les édifices publics les plus grandioses de Rome, réalisés à l'époque impériale, sont associés au développement de structures en béton voûtées en arc.
Théâtres romains basé sur Traditions grecques, mais contrairement aux théâtres grecs, dont les sièges du public étaient situés sur les pentes naturelles des montagnes, il s'agissait de bâtiments autonomes avec une sous-structure complexe qui supportait des sièges pour les spectateurs, avec des murs radiaux, des piliers et des escaliers et des passages à l'intérieur du demi-cercle principal dans terme de volume ( Théâtre de Marcellus à Rome, II s. BC, qui a accueilli environ 13 000 spectateurs, etc.).
Colisée (Colisée)(75-80 après JC) - le plus grand amphithéâtre de Rome, destiné aux combats de gladiateurs et autres compétitions. De plan elliptique (les dimensions dans les axes principaux sont d'environ 156x188 m) et grandiose en hauteur (48,5 m), il pouvait accueillir jusqu'à 50 000 spectateurs. En plan, le bâtiment est divisé par des passages transversaux et annulaires. Entre les trois rangées extérieures de piliers, un système de galeries principales de distribution a été aménagé. Un système d'escaliers reliait les galeries avec des sorties régulièrement espacées dans l'entonnoir de l'amphithéâtre et des entrées extérieures au bâtiment disposées sur tout le périmètre.
La base structurelle est composée de 80 murs et piliers dirigés radialement qui portent les voûtes des plafonds. Le mur extérieur est fait de carreaux de travertin; dans la partie supérieure, il se compose de deux couches : l'intérieure est en béton et l'extérieure en travertin. Le marbre et le frappement étaient largement utilisés pour les parements et autres travaux décoratifs.
Avec une grande compréhension des propriétés et du travail du matériau, les architectes ont combiné différents types de compositions de pierre et de béton. Dans les éléments les plus sollicités (piliers, arcs longitudinaux, etc.), le matériau le plus durable - le travertin - est utilisé ; murs radiaux en tuf doublés de briques et partiellement relevés par des arcs en briques ; la voûte en béton inclinée a une pierre ponce légère comme charge afin d'alléger le poids. Des arcs en brique de différentes conceptions pénètrent dans l'épaisseur du béton à la fois dans les voûtes et dans les murs radiaux. La structure «à ossature» du Colisée était fonctionnellement opportune, fournissait l'éclairage des galeries internes, des passages et des escaliers, et était économique en termes de coût des matériaux.
Le Colisée fournit également le premier exemple connu dans l'histoire de la solution audacieuse des structures d'auvent sous la forme d'une couverture disposée périodiquement. Sur le mur du quatrième niveau, des supports ont été conservés qui servaient de supports aux tiges, auxquelles un auvent géant en soie était attaché à l'aide de cordes, protégeant le public des rayons brûlants du soleil.
L'aspect extérieur du Colisée est monumental en raison de la taille énorme et de l'unité du développement plastique du mur sous la forme d'une arcade d'ordre à plusieurs niveaux. Le système d'ordres donne à la composition une échelle et, avec cela, un caractère particulier de la relation entre la sculpture et le mur. En même temps, les façades sont un peu sèches, les proportions sont lourdes. L'utilisation de l'arcade d'ordre a introduit la dualité tectonique dans la composition : le système d'ordre à plusieurs niveaux, complet en lui-même, sert ici exclusivement à des fins décoratives et plastiques, ne créant qu'une impression illusoire du cadre d'ordre du bâtiment, éclairant visuellement son réseau.
bains romains- complexes complexes de nombreuses salles et cours destinées aux ablutions et à diverses activités liées aux loisirs et aux divertissements (salles et espaces ouverts pour les exercices sportifs, salles de réunion, salles de jeux et de conversations, etc.). La composition était basée sur des salles d'ablution avec un passage progressif d'une chambre froide (frigidarium) à une chambre chaude (tepidarium) puis à une pièce à la température la plus élevée (caldarium), contenant un bassin d'eau chaude au centre. Les salles situées le long de l'axe principal atteignaient des dimensions énormes, puisque les grands bains étaient destinés aux larges masses de la plèbe.
Toutes les salles et pièces étaient chauffées par de l'air chaud, qui passait par des canaux spéciaux, qui étaient disposés sous le sol et dans les murs des bâtiments.
A Rome, 11 grands bains impériaux et environ 800 petits bains privés ont été construits. Le plus célèbre Thermes de Caracalla(206-216) et les bains de Dioclétien(306). Le bâtiment principal du terme atteint parfois une taille énorme (les thermes de Caracalla-216x120 m). Entouré de jardins, d'espaces de loisirs et de divertissement, il occupait, avec ces derniers, une superficie importante (les thermes de Caracalla - 363x535 m).
La base technique de l'apparition de structures aussi grandioses était l'expérience accumulée dans la création de formes constructives audacieuses - arcs et dômes en béton. En termes, ces formes interagissent spatialement les unes avec les autres, formant une structure complexe. Ayant réduit au minimum la masse «inerte» des structures, les architectes ont réparti leurs efforts de manière économique et opportune. Donnant des formes différentes aux structures, ils ont exploité les possibilités de remboursement mutuel des efforts horizontaux par les voûtes elles-mêmes. Ainsi, le plafond de la salle centrale se composait généralement de trois voûtes croisées adjacentes d'une portée allant jusqu'à 25 m, basées sur des culées transversales, entre lesquelles étaient jetées des voûtes cylindriques.
De grandes et petites salles, réunies en enfilades, créaient un intérieur complexe, frappant par l'éclat et le luxe de la décoration, une abondance de lumière et d'air. Une grande importance à l'intérieur était attachée aux éléments d'ordre et aux articulations traités de manière décorative. Avec l'aide de l'ordre et du développement plastique des surfaces des voûtes, un effet visuel de la légèreté de la structure a été créé, l'idée de la spatialité de l'intérieur a été soulignée. ( Thermes de Caracalla à Rome, 206-216. Reconstruction intérieure)
L'une des salles centrales du terme était souvent de forme ronde avec un couvercle en forme de dôme. Ses dimensions atteignirent de grandes tailles : le diamètre du caldarium des termes de Caracalla était de 34 m.Le développement de structures en dôme dans les termes contribua à l'émergence d'une composition de type rotonde dans laquelle la forme en dôme devint dominante.
Panthéon à Rome(environ 125) est l'exemple le plus parfait d'un temple grandiose en rotonde, dans lequel le diamètre du dôme atteignait 43,2 m.Au Panthéon, les tâches constructives et artistiques de création du plus grand de Rome (inégalé jusqu'au XXe siècle) grand- l'espace en forme de dôme de travée ont été brillamment résolus.
La voûte sphérique est constituée de couches horizontales de béton et de rangées de briques cuites, représentant une masse monolithique sans charpente. Pour alléger le poids, le dôme diminue progressivement d'épaisseur vers le haut, et des granulats légers - pierre ponce concassée - sont introduits dans le béton. Le dôme repose sur un mur de 6 m d'épaisseur dont les fondations sont en béton avec enduit de travertin. Au fur et à mesure que le mur s'élève, le travertin est remplacé par du tuf plus léger et, dans la partie supérieure, par des gravats de brique. Les moellons de brique servent également de remplissage pour la zone inférieure du dôme. Ainsi, dans la conception du Panthéon, un système d'allègement du poids du granulat de béton a été systématiquement réalisé.
Le système de déchargement des arcs en briques dans l'épaisseur du béton répartit uniformément les forces du dôme sur les culées et décharge le mur au-dessus des niches, réduisant ainsi la charge sur les colonnes. Un système d'arcs à plusieurs niveaux avec une subordination clairement définie des parties principales et secondaires a permis de répartir rationnellement les efforts dans la structure, en la libérant de la masse inerte. Elle a contribué à la préservation de l'édifice malgré les tremblements de terre.
La structure artistique du bâtiment est déterminée par la forme constructive : un puissant volume bombé à l'extérieur, un espace unique et intégral à l'intérieur. Le volume centré de la rotonde est interprété de l'extérieur comme une composition frontale axiale. Devant le majestueux portique à huit colonnes de l'ordre corinthien (la hauteur des colonnes est de 14 m), il y avait autrefois une cour rectangulaire avec une entrée solennelle et un arc de triomphe en forme de forum. L'espace développé sous le portique avec quatre rangées de colonnes intermédiaires, pour ainsi dire, prépare le visiteur à la perception du vaste espace de l'intérieur.
La coupole, au sommet de laquelle se trouve une ouverture lumineuse ronde de 9 m de diamètre, domine l'intérieur. Cinq rangées de caissons décroissants vers le haut créent l'impression d'un "cadre" en forme de dôme, allégeant visuellement le réseau. En même temps, ils donnent au dôme une plasticité et une échelle en rapport avec les divisions de l'intérieur. L'ordre du gradin inférieur, accentuant les niches profondes, alterne efficacement avec des piliers massifs bordés de marbre.
La bande d'attique, intermédiaire entre l'ordre et le dôme, souligne en contraste les formes du dôme et de l'ordre principal avec une petite échelle de division. La tectonique expressive de la composition est combinée à l'effet d'un éclairage diffus venant d'en haut et aux subtiles nuances de couleurs créées par le revêtement en marbre. L'intérieur riche, majestueux et festif contraste avec l'extérieur du Panthéon, où domine la simplicité du volume monumental.
Une place importante dans la construction était occupée par des salles couvertes - des basiliques, qui servaient à divers types de réunions et de réunions du tribunal. Ce sont des bâtiments rectangulaires de plan allongé, divisés intérieurement par des rangées de supports en espaces allongés - nefs. La nef centrale était plus large et plus haute que les latérales et était éclairée par des ouvertures dans la partie supérieure des murs.
Basilique à trois nefs de Constantin(312) - une des plus grandes basiliques de Rome. La nef centrale, large de 23,5 m, longue de 80 m et haute de 35 m, était couverte de trois voûtes croisées. Les nefs latérales étaient couvertes de voûtes cylindriques transversales, qui reposaient sur de puissantes culées cintrées, qui servaient également de support aux voûtes de la nef médiane. La poussée des voûtes croisées était éteinte par les mêmes appuis, qui étaient partiellement dégagés au-dessus des bas-côtés. Dans les murs longitudinaux de la nef médiane, au-dessus des voûtes des parties latérales, des ouvertures d'éclairage en arc ont été aménagées. Comme dans d'autres édifices majeurs de Rome (les thermes, le Panthéon, etc.), l'attention principale dans la Basilique de Constantin est donnée à la création de grands espaces intérieurs. L'intérieur richement conçu, qui était similaire dans la composition et la décoration aux intérieurs des thermes, s'opposait à l'apparence simple et concise du bâtiment.
Au IVe siècle. avec l'adoption du christianisme par Rome sur la base de la basilique, de nouveaux types d'édifices religieux ont commencé à se développer - les églises basiliques. La basilique chrétienne était particulièrement répandue dans la construction religieuse du Moyen Âge occidental.
