Dactylographie

La typification dans l'art était maîtrisée bien avant le réalisme. L'art de chaque époque - basé sur les normes esthétiques de son temps et dans le formes d'art- reflète les traits caractéristiques ou typiques de la modernité inhérents aux personnages des œuvres d'art, aux conditions dans lesquelles ces personnages ont agi. Chez les réalistes critiques, la typification représente un degré plus élevé de ce principe de connaissance artistique et de réflexion de la réalité que chez leurs prédécesseurs. Elle s'exprime dans la combinaison et l'interconnexion organique de personnages typiques et de circonstances typiques. Parmi les moyens de typification réaliste, le psychologisme n'occupe pas la dernière place, c'est-à-dire révélant le monde spirituel complexe - le monde des pensées et des sentiments du personnage. Mais monde spirituel héros réalisme critique socialement déterminée. Cela détermine un degré plus profond d'historicisme chez les réalistes critiques par rapport aux romantiques. Mais les personnages dessinés par les réalistes critiques ressemblent moins à des schémas sociologiques. Ce n'est pas tant le détail extérieur dans la description du personnage - un portrait, un costume, mais plutôt son apparence psychologique qui recrée une image profondément individualisée.

Parlant de typification, Balzac a soutenu qu'à côté des principales caractéristiques inhérentes à de nombreuses personnes représentant telle ou telle classe, telle ou telle couche sociale, l'artiste incarne l'unicité Traits de personnalité une personnalité concrète distincte à la fois dans son apparence extérieure, dans un portrait individualisé de la parole, les caractéristiques des vêtements, la démarche, les manières, les gestes et dans son apparence intérieure et spirituelle.

réalistes du XIXe siècle lors de la création d'images artistiques, ils montraient le héros en développement, décrivaient l'évolution du personnage, qui était déterminée par l'interaction complexe de l'individu et de la société. En cela, ils différaient nettement des éclaireurs et des romantiques. D'abord et un excellent exempleétait le roman "Rouge et Noir" de Stendhal, où la dynamique profonde du personnage de Julien Sorel - le personnage principal de cet ouvrage - se révèle à travers les étapes de sa biographie.

Réalisme en littérature

Dès le début des années 30. 19ème siècle le réalisme critique commence de plus en plus à supplanter le romantisme non seulement en peinture, mais aussi en littérature. Les œuvres de Mérimée, Stendhal, Balzac apparaissent, dans lesquelles se forment les principes d'une compréhension réaliste de la vie. Le réalisme critique dans le travail de Dickens, Thackeray et un certain nombre d'autres auteurs commence à définir le visage processus littéraire en Angleterre depuis le début des années 1930. En Allemagne, Heine a jeté les bases du réalisme critique dans son travail.

Développement intensif en Russie littérature réaliste donné des résultats exceptionnels. Ils sont devenus un exemple pour la littérature mondiale et n'ont pas perdu leur valeur artistique toujours. C'est "Eugene Onegin" de A. Pushkin, "Hero of Our Time" romantiquement réaliste de M. Lermontov, " Âmes mortes"N. Gogol, les romans de L. Tolstoï "Anna Karénine" et "Guerre et Paix", les romans de F. Dostoïevski "Crime et Châtiment", "L'Idiot", "Les Frères Karamazov", "Démons", histoires, romans et pièces de théâtre par A. Tchekhov et autres.

Dans la peinture russe, le réalisme s'est imposé au milieu du XIXe siècle. Une étude attentive de la nature, un profond intérêt pour la vie des gens se conjuguent avec la dénonciation du système féodal. Une brillante galaxie de maîtres réalistes du dernier tiers du XIXe siècle. unis dans un groupe de "vagabonds" (V. G. Perov, N. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, N. N. Ge, I. I. Shishkin, A. K. Savrasov, I. I. Levitan et autres).

La critique de Belinsky de «l'école naturaliste» dans la littérature a joué un rôle important dans la formation de la littérature réaliste en Russie. Belinsky a fait l'éloge de "Dead Souls" de NV Gogol pour son pathétique négatif, sa "dénonciation de la Russie" et son humour. Belinsky a souligné le pouvoir cognitif de l'art : l'art « extrait son essence de la réalité », étant non seulement un miroir de la réalité en général, mais aussi un miroir vie publique. Servir l'intérêt général relève de la nature de l'art et est conforme à la liberté de l'artiste : il doit d'abord être citoyen ; il est à la fois enquêteur et accusateur de la vie. Belinsky a affirmé l'idée de l'unité de l'esthétique et de l'éthique. L'art véritable est toujours moral, et le contenu de l'art est « une question morale, résolue esthétiquement ». Le peuple est la couche de travail originale de la nation, à cause de cela, l'art doit être populaire. La tâche de l'intelligentsia démocratique est d'aider le peuple russe à " grandir en lui-même ", et le peuple a besoin d'être instruit, éclairé et éduqué.

VG Chernyshevsky voyait la plus haute beauté non pas dans des idées abstraites comme le "cathédralisme", mais dans la vie elle-même. Le beau est la vie, disait-il, cet être est beau dans lequel nous voyons la vie telle qu'elle devrait être selon nos concepts. Beau est l'objet qui montre la vie en soi ou nous rappelle la vie. Chernyshevsky considérait le concept de beauté comme une classe sociale et historiquement conditionné. Pour les travailleurs, l'idéal de beauté est associé à la santé, d'où l'idéal populaire beauté féminine. À Des gens éduqués les notions de beauté peuvent être perverties. Chaque époque historique a sa propre idée de la beauté. D'une œuvre d'art, il exigeait la reproduction de la vie (connaissance de la vie sous une forme sensuellement concrète par la typification comme généralisation des traits essentiels de l'original) ; explications de la vie; le verdict de la réalité et le désir d'être un manuel de vie.

D. I. Pisarev a proclamé l'idée que l'esthétique ne peut pas devenir une science, puisque la science repose sur des connaissances expérimentales et que l'arbitraire règne dans l'art. Le beau objectivement n'existe pas, les goûts subjectifs peuvent varier à l'infini. L'histoire mène de la beauté à l'utilité : plus l'histoire de l'humanité est longue, plus elle devient intelligente et indifférente à la beauté pure. L'idée paradoxale de Pisarev "les bottes sont plus hautes que Pouchkine", et la vie est plus riche et plus haute que n'importe quel art, a provoqué à un moment donné une vive controverse.

L. N. Tolstoï a commencé par s'opposer à l'esthétique révolutionnaire-démocratique utilitaire, mais plus tard, ayant connu une crise spirituelle, il est tombé dans une sorte de nihilisme culturel général. À travers l'art, une personne est "infectée" par les sentiments de l'artiste. Mais une telle "infection" avec les sentiments des autres est rarement justifiée. Les travailleurs vivent selon leurs véritables idéaux. Tolstoï a rejeté Shakespeare, Dante, Beethoven, Raphaël, Michel-Ange, estimant que leur art est sauvage et dénué de sens, car il est incompréhensible pour le peuple. Tolstoï a également rejeté son propre travail de création; les contes folkloriques et autres histoires pour le peuple lui semblaient beaucoup plus importants, dont le principal avantage est l'accessibilité et la compréhensibilité. L'esthétique et l'éthique sont liées, selon Tolstoï, de manière inversement proportionnelle : dès qu'une personne perd sens moral, il devient donc particulièrement sensible à l'esthétique.

La décadence du réalisme critique

réalisme comme style artistique existé depuis relativement peu de temps. Déjà là fin XIX dans. entré dans l'arène symbolisme (du fr. symbolisme, grec symbolon- signe, symbole), ouvertement opposé au réalisme. Né comme direction littéraire en France dans les années 1960 et 1970. (Baudelaire, Verlaine, A. Rimbaud, Mallarmé), plus tard le symbolisme est devenu un phénomène culturel paneuropéen, capturant le théâtre, la peinture, la musique (écrivains et dramaturges M. Maeterlinck, G. Hofmannsthal, O. Wilde, artistes E. Munch, M. K. Čiurlionis, compositeur A. N. Skryabin et autres). En Russie, le symbolisme apparaît dans les années 90. 19ème siècle (D. S. Merezhkovsky, V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont et autres), et au début du XXe siècle. il a été développé dans les travaux de A. Blok, A. Bely, Vyach. Ivanova et d'autres Les symbolistes ont opposé leur poétique et leur esthétique au réalisme et au naturalisme dans l'art. Ils reconnaissaient le dualisme du réel et de l'idéal, l'opposition du personnel et du social. La vie spirituelle et morale d'une personne était interprétée par les symbolistes presque toujours dans un esprit religieux. Puisque l'intuitif, l'inconscient était considéré par eux comme l'essentiel de la créativité artistique, ils se sont souvent tournés vers les idées des romantiques, des mystiques, vers les enseignements de Platon et de Kant. De nombreux symbolistes ont insisté sur la valeur intrinsèque de l'art, estimant qu'il est supérieur et plus primaire que la vie.

La vague de symbolisme s'est rapidement estompée, mais le symbolisme a néanmoins eu un impact significatif sur le développement de l'art au XXe siècle, en particulier sur le surréalisme et l'expressionnisme.

Le philosophe russe N. A. Berdyaev, qui a défendu une large compréhension du réalisme, a écrit que l'ensemble de la Russie littérature XIX dans. est en dehors du classicisme et du romantisme, puisqu'il est réaliste au sens le plus profond du terme. Seul le classicisme n'appartient pas au réalisme, puisqu'il est inhumain dans son principe. La tragédie grecque, la plus parfaite de toutes les créations humaines, n'est pas du classicisme, ce qui veut dire qu'elle appartient aussi au réalisme.

Un contemporain de Berdyaev, le philosophe GG Shpet, a cependant parlé en termes très négatifs du réalisme. Les années 40 du 19ème siècle constituent peut-être le dernier style naturel, écrivait Shpet. Selon la tâche philosophique de l'époque, ce devait être le style de l'esprit réalisé dans la réalité - le style est fort, justifié, strict, sérieux, raisonnable. En fait, la vie quotidienne est souvent prise pour la réalité et remplace le culte : la démocratie et le philistinisme occultent la spiritualité. Le réalisme spirituel est resté un problème non résolu, car les moyens de symboliser un tel réel n'ont pas été trouvés. La philosophie de l'histoire a été endiguée par l'histoire empirique. La rationalité stricte a été remplacée par la prudence dissolue et le confort prudent. Le naturalisme, qui à un moment donné était considéré comme le dernier mot, dit Shpet, était un pur nihilisme esthétique. Selon son idée, le naturalisme est une négation fondamentale non seulement du style, mais aussi de la direction. La « direction » dans le naturalisme est remplacée par l'enseignement, la morale, car le nihiliste, niant la créativité inutile, ne peut s'inventer aucune justification, si ce n'est une justification utilitaire. Historiquement, le réalisme s'est effondré en Russie dans les années 1940. 19ème siècle avec Gogol. Shpet voit le salut de l'art dans l'apparition du symbolisme, opposé au réalisme.

• Cm.: Berdyaev N. A. O esclavage et liberté humaine // Jalons. 1915. Tome 4.

L'image artistique est la spécificité de l'art, qui se crée par typification et individualisation.

La typification est la connaissance de la réalité et son analyse, à la suite de laquelle la sélection et la généralisation du matériel de vie, sa systématisation, l'identification du significatif, la découverte des tendances essentielles de l'univers et des formes de vie folk-nationales sont réalisées dehors.

L'individualisation est l'incarnation des personnages humains et de leur originalité unique, la vision personnelle de l'artiste de la vie publique et privée, les contradictions et les conflits du temps, le développement concret-sensuel du monde miraculeux et du monde objectif au moyen de l'art. les mots.

Un personnage est l'ensemble des figures d'une œuvre, à l'exception des paroles.

Le type (empreinte, forme, échantillon) est la manifestation la plus élevée du caractère, et le caractère (empreinte, trait distinctif) est la présence universelle d'une personne dans des œuvres complexes. Un personnage peut se développer à partir d'un type, mais un type ne peut pas se développer à partir d'un personnage.

Le héros est un personnage complexe, aux multiples facettes, c'est le porte-parole de l'action scénaristique qui révèle le contenu d'œuvres littéraires, cinématographiques et théâtrales. L'auteur, qui est directement présent en tant que héros, est appelé un héros lyrique (epos, lyrics). Le héros littéraire s'oppose au personnage littéraire, qui agit comme un contraste avec le héros, et participe à l'intrigue

Un prototype est une personnalité historique ou contemporaine spécifique de l'auteur, qui a servi de point de départ à la création d'une image. Le prototype a remplacé le problème de la relation de l'art par une véritable analyse des goûts et des dégoûts personnels de l'écrivain. La valeur de la recherche sur les prototypes dépend de la nature du prototype lui-même.

Question 4. L'unité du tout artistique. La structure d'une œuvre d'art.

La fiction est un ensemble d'œuvres littéraires, dont chacune est un tout indépendant. Une œuvre littéraire qui existe en tant que texte complet est le résultat de la créativité de l'écrivain. Habituellement, l'œuvre a un titre, souvent dans les œuvres lyriques, sa fonction est remplie par la première ligne. La tradition séculaire de la conception extérieure du texte souligne la signification particulière du titre de l'œuvre. Après le titre, les diverses connexions de cette œuvre avec d'autres se révèlent. Ce sont des propriétés typologiques, sur la base desquelles l'œuvre appartient à un certain genre littéraire, genre, catégorie esthétique, organisation rhétorique du discours, style. L'œuvre est comprise comme une sorte d'unité. La volonté créative, l'intention de l'auteur, une composition bien pensée organisent un certain ensemble. L'unité d'une œuvre d'art réside dans le fait que

l'œuvre existe en tant que texte qui a certaines limites, cadres, c'est-à-dire fin et début.

De même avec mince. l'œuvre est aussi un autre cadre, car elle fonctionne comme un objet esthétique, comme une « unité » de fiction. La lecture d'un texte génère des images dans l'esprit du lecteur, des représentations d'objets dans leur intégrité, ce qui est la condition la plus importante pour la perception esthétique et ce à quoi aspire l'écrivain lorsqu'il travaille sur une œuvre.

Ainsi, l'œuvre est en quelque sorte enfermée dans un double cadre : en tant que monde conditionnel créé par l'auteur, séparé de la réalité première, et en tant que texte, délimité des autres textes.

Une autre approche de l'unité d'une œuvre est axiologique : dans quelle mesure le résultat souhaité a été atteint.

Une profonde justification de l'unité d'une œuvre littéraire comme critère de sa perfection esthétique est donnée dans l'Esthétique de Hegel. Il croit qu'en art il n'y a pas de détails aléatoires qui ne sont pas liés à l'ensemble, l'essence de la créativité artistique réside dans la création d'une forme correspondant au contenu.

L'unité artistique, la cohérence de l'ensemble et des parties d'une œuvre appartiennent aux règles séculaires de l'esthétique ; c'est une des constantes du mouvement de la pensée esthétique, qui garde aussi sa signification pour la littérature moderne. Dans la critique littéraire moderne, une vision est affirmée de l'histoire de la littérature comme un changement dans les types d'art. conscience : mytho-épique, traditionaliste, individu-auteur. Conformément à la typologie de la conscience artistique évoquée ci-dessus, la fiction proprement dite peut être traditionaliste, où domine la poétique du style et du genre, ou auctoriale individuelle, où il y a la poétique de l'auteur. La formation d'un nouveau type de conscience artistique - celle de l'auteur individuel - était subjectivement perçue comme une libération de toutes sortes de règles et d'interdits. La compréhension de l'unité de l'œuvre évolue également. Suivant la tradition stylistique du genre, le respect du canon du genre cesse d'être une mesure de la valeur d'une œuvre. La responsabilité du début artistique n'est transférée qu'à l'auteur. Pour les écrivains ayant une conscience artistique de type auteur individuel, l'unité de l'œuvre est assurée principalement par l'idée de l'auteur du concept créatif de l'œuvre, voici les origines du style original, c'est-à-dire unité, correspondance harmonique les uns aux autres de tous les côtés et les méthodes de l'image.

Le concept créatif de l'œuvre, compris sur la base du texte littéraire et des déclarations non artistiques de l'auteur, des matériaux de l'histoire de la création, du contexte de son travail et de la vision du monde en général, aide à identifier les tendances centripètes dans le monde artistique de l'œuvre, la diversité de la forme de la « présence » de l'auteur dans le texte.

Parlant de l'unité du tout artistique, c'est-à-dire quant à l'unité d'une œuvre d'art, il faut prêter attention au modèle structurel d'une œuvre d'art.

Au centre - Contenu artistique, où la méthode, le thème, l'idée, le pathos, le genre, l'image sont déterminés. Le contenu artistique est revêtu d'une forme - composition, art. discours, style, forme, genre.

C'est pendant la période de domination du type de conscience artistique de l'auteur individuel qu'une propriété de la littérature telle que sa dialogicité est le plus pleinement réalisée. Et chaque nouvelle interprétation d'une œuvre est en même temps une nouvelle compréhension de son unité artistique. Ainsi, dans une variété de lectures et d'interprétations - adéquates ou polémiques par rapport au concept de l'auteur, profondes ou superficielles, pleines de pathétique cognitif ou franchement journalistiques, un riche potentiel de perception des œuvres classiques se réalise.

Dactylographie

l'incarnation du typique dans la littérature, la généralisation sous-jacente à la création d'une image artistique, le processus de création du typique. T. est également compris comme la synthèse en une image humaine de toute une série caractéristiques typiques que l'artiste a trouvé dans diverses personnes réelles, ainsi que le déploiement, mettant fin à ces possibilités que l'auteur a vues dans le connu de lui Vrais gens. Dans des personnages typiques, dans leur interaction, dans leur lien avec les circonstances, la vision du monde de l'auteur s'incarne.

La typisation est un moyen de généralisation artistique de la réalité, qui implique l'individualisation, l'originalité et l'unicité des valeurs esthétiques créées par l'artiste.

Taper c'est :

• 1. L'image du général à travers le singulier, c'est-à-dire combinaison de caractéristique et d'individualité dans une seule image artistique.
• 2. Un personnage récurrent ou une situation généralisée.
• 3. Expérience littéraire de la création monde artistique accumulé par plusieurs générations d'auteurs.

La notion de sujet

Le thème est le sujet de l'image, c'est-à-dire le matériau pris pour être affiché dans l'œuvre. En fait, le thème est le point de départ de la création de toute œuvre. En règle générale, il y a plusieurs thèmes dans l'œuvre, mais l'un est dominant. Les sujets sont historiquement conditionnés, comme changer avec le temps, mais il y a aussi des thèmes "éternels" qui restent d'actualité à tout moment - les thèmes des pères et des enfants, du bien et du mal, de la trahison, de l'amour, etc.

Un thème est un cercle de phénomènes et d'événements qui forment la base d'une œuvre ; objet d'image artistique; de quoi parle l'auteur et ce qu'il veut attirer l'attention principale des lecteurs.

La base du monde intérieur de l'œuvre est son thème. Ce mot remonte au grec ancien thema - ce qui est la base.

Il existe trois niveaux principaux thèmes artistiques. Premièrement, dans une œuvre d'art, sont nécessairement évoqués des thèmes éternels - ceux qui ont inquiété divers auteurs de tout temps : de l'Antiquité à nos jours. Ils peuvent être divisés en deux groupes: ontologiques sont associés à l'être, anthropologiques - à l'homme. Les sujets ontologiques sont la vie et la mort, le mouvement et l'immobilité, la lumière et l'obscurité, le chaos et l'espace. Ce sont ces thèmes qui sous-tendent les paroles philosophiques de Tyutchev, dans lesquelles se déroule une image de la lutte éternelle de deux principes opposés - le chaos et l'espace, le jour et la nuit, la lumière et les ténèbres.

Au centre des paroles philosophiques de Pouchkine, au contraire, se trouvent des problèmes anthropologiques tels que l'amour et la haine, le bien et le mal, la jeunesse et la vieillesse, la transgression et le pardon, le but et le sens de la vie.

Le deuxième niveau de thèmes artistiques est son aspect culturel et historique. Cela est dû au fait que l'action de chaque œuvre implique l'image d'un pays et d'une époque spécifiques. La littérature est inextricablement liée à l'histoire : la nature du héros et du conflit est largement déterminée par la situation historique qui se reflète dans l'œuvre. Alors, F.M. Dostoïevski a écrit que l'intrigue de son roman "Crime et châtiment" "justifie en partie le présent" (lettre à M.N. Katkov), et I.S. Tourgueniev a daté avec précision les événements décrits dans Pères et fils (l'action du roman, écrit en 1861, commence le 20 mai 1859). La tâche des deux auteurs n'était pas seulement de poser dans leurs œuvres les problèmes universels les plus importants et de proposer des moyens de les résoudre, mais aussi de créer l'image d'un contemporain - un homme des années soixante du XIXe siècle, un roturier, un nihiliste , un expérimentateur qui cherche à faire entrer toute la complexité des phénomènes vivants dans le cadre de sa théorie.

Le troisième niveau thématique est associé à l'image de la vie caractères individuels. Souvent (surtout dans les paroles, dans oeuvres autobiographiques) il est directement lié à la vie de l'auteur, sa vision du monde, ses expériences, expérience personnelle. Ainsi, dans le roman "Un héros de notre temps", Pechorine porte en grande partie l'empreinte des pensées de Lermontov et de l'expérience de vie de Lermontov. Certains fragments des entrées du journal de Lermontov sont proches du Journal de Pechorin. Le travail de Marina Tsvetaeva, Vladimir Mayakovsky, Sergei Yesenin, Vladimir Vysotsky est de nature confessionnelle.

ÉTUDES LITTÉRAIRES

1. La théorie de la littérature comme science. La place de la théorie de la littérature dans un certain nombre de disciplines philologiques.

THÉORIE DE LA LITTÉRATURE - la partie théorique de la critique littéraire, qui est incluse dans la critique littéraire avec l'histoire de la littérature et critique littéraire, en s'appuyant sur ces domaines de la critique littéraire et en leur donnant en même temps une justification fondamentale. En revanche, T. l. étroitement lié à la philosophie et à l'esthétique. Le développement de questions telles que la question de l'essence de la connaissance de la réalité, et donc de sa connaissance poétique (théorie de la réflexion de Lénine), la question des fondements de l'évaluation esthétique, de la fonction sociale la littérature comme l'une des formes de l'idéologie, etc., mettez T. l. étroitement liés aux disciplines citées. T. l. étudie la nature de la connaissance poétique de la réalité et les principes de son étude (méthodologie), ainsi que ses formes historiques (poétique).

Résumant l'expérience du processus artistique mondial, la théorie de la littérature, en tant que type de cognition humaine, explore la nature des valeurs spirituelles et esthétiques (caractère, caractère, sentiments), crée des règles et des lois sur la façon de construire la poésie, la prose et dramatiques, est appelé à expliquer l'essence d'un phénomène social maîtrisé et compris par la critique littéraire en général. Sans théorie du sujet, il n'y a pas d'histoire du sujet.

Les dispositions générales de cette science doivent être utilisées par les écrivains. Pour apprécier l'art, il faut être esthétique. Et en ce sens, la théorie littéraire soulève et élargit éducation artistique et l'instruction publique

Le concept de typage

Dactylographie- l'incarnation du typique dans la littérature, la généralisation sous-jacente à la création d'une image artistique, le processus de création du typique. La typification est également comprise comme la synthèse dans une image humaine de toute une gamme de caractéristiques typiques que l'artiste a trouvées chez différentes personnes réelles, ainsi que le déploiement, mettant fin à ces possibilités que l'auteur a vues chez des personnes réelles connues de lui. . Dans des personnages typiques, dans leur interaction, dans leur lien avec les circonstances, la vision du monde de l'auteur s'incarne.

La création d'une base idéologique et thématique, la traduction de cette base en images et en formes, n'est possible qu'avec le rôle décisif dans ce processus de ce qu'on appelle dans la critique littéraire les concepts de « typification » et « d'individualisation ». Par conséquent, ces catégories agissent légitimement comme les lois les plus importantes de la pensée en images. La typification et l'individualisation font référence au processus de synthèse artistique, à la croissance des échafaudages dans le domaine de la connaissance de la littérature à l'aide de la pensée abstraite. Le résultat de la typification et de l'individualisation sont des images - des types.

L'artiste peut montrer non seulement le type. personne, mais aussi les circonstances typiques dans lesquelles vit une personne, les actions typiques, les événements. À cet égard, on peut aussi parler du type de vie et du type de paysage. D'une manière générale, un phénomène typique est généralement compris comme un tel phénomène qui contient certaines caractéristiques spécifiques essentielles et, par conséquent, sert d'exposant à un certain nombre de phénomènes.

Par exemple, dans de nombreux romans français du XIXe siècle, les images de la fonction dite "d'entrepôt napoléonien", elles sont très similaires, contiennent la même généralisation. Devant le chercheur apparaît le type de Napoléon du temps de paix, lorsqu'il est remplacé par un millionnaire, Rothschild. Et pourtant, ces personnages sont différents, ils se distinguent par leur insolite. L'individualisation de la créativité artistique est au plus proche de la réalité elle-même, de la vie. En science, la réalité ne se reflète que dans de pures généralisations, abstractions, abstractions.

La spécificité figurative de la littérature en tant que forme de conscience sociale et de cognition de la réalité (prof. Gulyaev N.A.)

Comme déjà noté, l'artiste est directement impliqué dans le processus activité cognitive. Il ne peut pas étudier et représenter la réalité, étant distrait des goûts et des dégoûts humains. D'où, comme conséquence, la partialité de la connaissance artistique. L'artiste aborde l'étude de son sujet non pas comme un contemplatif, mais comme un combattant actif pour ses idéaux.

Si l'écrivain n'a pas d'idéal, alors il passe du maître de la réalité à son esclave, perd ses repères dans le labyrinthe complexe des faits. A. N. Tolstoï a écrit: "Je ne peux pas ouvrir les yeux sur le monde avant que toute ma conscience ne soit capturée par l'idée du monde - alors le microdistrict apparaît devant moi significatif et utile. Moi, écrivain soviétique, je suis embrassé par l'idée de reconstruction et de construction d'un nouveau monde "C'est avec ça que j'ouvre les yeux. Je vois les images du monde, je comprends leur sens, leur lien mutuel, leur rapport à moi et mon rapport à eux" * .

* (Alexeï Tolstoï. Sobr. op. En 10 volumes, T. 10. M., 1961, p. 257.)

L'image artistique, son lien avec l'humain

Connaître artistiquement la nature et la société signifie montrer leur rôle positif ou négatif dans la vie humaine, provoquant ainsi le désir de les affirmer ou de les nier. Le résultat de la cognition, ses pensées et ses sentiments qui ont surgi au cours du processus d'activité créatrice, l'écrivain exprime sous une forme spécifique - dans images artistiques qui contiennent à la fois des éléments objectifs et subjectifs.

L'image artistique n'est pas un instantané photographique de la réalité, mais sa reproduction créative, elle contient nécessairement un moment subjectif - l'attitude de l'auteur envers le représenté. L'écrivain humaniste affirme par son œuvre des idées progressistes, sert le bien et la justice. Sans rechercher la beauté, l'art perd sa spiritualité, se transforme en cimetière de mots, de couleurs ou de sons. V. G. Belinsky a écrit : "... Mort œuvre d'art s'il dépeint la vie dans le seul but de dépeindre la vie, sans aucune impulsion subjective puissante qui ait son origine dans la pensée dominante de l'époque, s'il n'est pas un cri de souffrance ou un dithyrambe de joie, s'il n'est pas une question ou une réponse à une question" * .

* (V.G. Belinski. Poly. coll. cit., volume 6, page 271.)

L'art n'est pas une imitation mécanique de la nature. Un imitateur, au mieux, ne fait que doubler le sujet de l'image, mais ne crée pas de nouvelles valeurs esthétiques. Dans son travail, il n'y a aucune corrélation décrite avec vie humaine, il n'y a pas de sens humain.

Une image artistique devient esthétiquement signifiante lorsqu'elle contient un contenu humain, lorsqu'elle est éclairée par la pensée, révèle la réalité dans sa relation à l'homme. Bien sûr, cette question ne doit pas être prise à la légère. Toutes les images, prises isolément, ne montrent pas leur fonction humaniste. Mais s'il est considéré comme faisant partie du système figuratif de l'œuvre, alors il orientation humaniste ressort en toute clarté.

Une connaissance directe avec Plushkin N. V. Gogol prépare Description détaillée village forteresse et le jardin du maître. Chichikov entre dans les possessions de Plyushkin le long du trottoir, où "des bûches, comme des touches de piano, montaient et descendaient", il voit des toits pleins de trous, comme un tamis, des huttes aux fenêtres bourrées de chiffons, des odons de pain, au sommet desquels " toutes sortes de déchets ont poussé ". Chichikov passe devant le jardin du maître, qui a frappé l'imagination par sa négligence: chemins envahis, tonnelles tremblantes, ici et houblon, "étouffant les buissons anciens en dessous", et un bouleau au sommet cassé, et un tremble aux feuilles fanées, et beaucoup Suite.

Bien sûr, dans ces images, considérées séparément, le contenu humaniste n'est pas encore révélé, mais dans la conception idéologique générale, chacune d'elles porte une certaine charge. Gogol avec une habileté magnifique crée une image de désolation, dans laquelle Plyushkin est coupable. Et cela expose Plushkin comme une âme morte, apporter la mort aussi bien dans la nature que dans la société.

Représenter fidèlement tel ou tel phénomène, c'est le présenter par rapport à l'idéal. La vérité artistique ne peut pas être neutre, elle contient toujours un grand contenu humaniste, accorde les pensées et les sentiments d'une personne à une certaine "vague" esthétique. NV Gogol et autres classiques XIX dans. atteint une grande puissance artistique en raison du fait qu'ils n'étaient pas objectivistes-impartiaux. Dans leurs œuvres, révélant la vérité de la vie, ils montraient l'écart de leur société contemporaine par rapport à la "norme humaine".

L'art en tant que phénomène esthétique commence là où la figuration ne se transforme pas en une fin en soi, mais devient un moyen d'exprimer des idées humanistes. Une image artistique est une forme spécifique de connaissance de la réalité. Sa spécificité réside dans le fait qu'en plus de sa spécificité de vie, elle comporte organiquement une appréciation esthétique de la vie, reflétant chaque phénomène dans sa relation à une personne. L'image artistique est l'arme de l'écrivain dans la lutte pour l'idéal. Avec son aide, il défend le beau et démystifie le laid, affecte émotionnellement le lecteur, l'éduque esthétiquement, suscitant en lui un sentiment de colère contre tout ce qui entrave l'établissement de la beauté sur terre.

Idée esthétique, son originalité et son lien avec l'image

L'image artistique perdrait toutes ses qualités fondamentales si elle n'était pas porteuse de l'idée esthétique qui lui donne vie. De plus, chaque image de l'œuvre exprime quelque chose qui lui est propre, individuel et en même temps subordonné à une seule concept idéologique. Une véritable œuvre d'art ressemble à un organisme parfait, dans lequel chaque organe est unique et participe nécessairement à la vie de l'ensemble.

L'image unifiée du village fortifié de Plyushkin, comme nous l'avons vu, est constituée d'une multitude de micro-images individuelles, qui, à leur tour, servent de liens nécessaires à la création de l'image de Plyushkin. Mais Plyushkin lui-même, avec Manilov, Sobakevich, Nozdrev et d'autres héros du poème, n'est également qu'un lien dans l'image grandiose de la Russie serf, dans laquelle règnent les «âmes mortes».

Une œuvre d'art est souvent un entrelacement complexe d'idées esthétiques. Mais dans cette diversité règnent les lois les plus strictes de l'interaction. Chaque image, restant elle-même, est en accord volontaire avec les images adjacentes et avec l'œuvre dans son ensemble. Le concept idéologique général de l'auteur remplit des fonctions organisationnelles. Sans son principe organisateur, les images individuelles se transformeraient en liens indépendants les uns des autres et perdraient leur signification esthétique.

L'image est la chair réelle de l'idée esthétique. Toute séparation forcée d'entre eux conduit à la perte de l'art. L'artiste a tendance à penser en images. Mais cela ne signifie pas du tout qu'il crée ses œuvres sans aucune difficulté, seulement par une intuition soudaine. L'image n'apparaît pas instantanément, elle devient plus claire avec toutes ses facettes au cours de l'activité créative, lorsque l'auteur parvient à refléter non seulement le contenu objectif de la vie, mais également à exprimer ses sentiments et ses pensées à ce sujet.

L'idée esthétique est le fruit non seulement de l'esprit, mais aussi des sentiments de l'artiste. Née, elle prend possession de tout son être, devenant une passion poétique, pathétique, sans laquelle Belinsky ne pourrait imaginer la créativité artistique. « Une idée lue ou entendue et, peut-être, comprise comme il se doit, mais non transmise par sa propre nature, non donnée l'empreinte de votre personnalité », écrit le critique, « est un capital mort non seulement poétique, mais aussi littéraire. activité" * .

* (V.G. Belinski. Poly. coll. cit., volume 10, page 312.)

L'écrivain ne peut « contaminer » le lecteur de son excitation que lorsqu'il l'éprouve lui-même profondément. Et sans impact esthétique, l'art est mort. Il transfère toute sa richesse spirituelle aux gens principalement par l'expérience. C'est le canal par lequel idées esthétiques pénétrer dans la conscience d'une personne, l'éduquer spirituellement.

Étant par nature une réalité esthétique, c'est-à-dire un reflet de la réalité à la lumière de l'idéal, l'image met en mouvement les sentiments et les pensées les plus profonds. C'est compréhensible pour tout le monde, mais chez certains, cela provoque une réaction émotionnelle positive, chez d'autres - une réaction négative. Et c'est naturel puisque système figuratif les œuvres expriment la classe, les positions de parti de l'écrivain, son attitude face aux problèmes fondamentaux de la vie.

Des formes féroces, par exemple, ont été prises par la lutte littéraire autour de " âmes mortes"Gogol, "Héros de notre temps" Lermontov, les romans de Tourgueniev. Les critiques des tendances conservatrices et progressistes leur ont donné des évaluations mutuellement exclusives. Les œuvres de Chernyshevsky, Nekrasov, Gorky et d'autres écrivains classiques ont suscité la même réaction discordante.

La force de l'impact de l'art dépend en grande partie de son caractère concret. Cependant, il serait faux de penser que seules les images qui reflètent les phénomènes matériels de la réalité (la nature, les choses, l'apparence d'une personne, etc.) ont une certitude concrète, une expressivité plastique. Les poètes exceptionnels atteignent également la plasticité dans le transfert des expériences humaines. Par exemple, dans les œuvres lyriques d'A. S. Pouchkine, Belinsky a trouvé un "relief d'expression plastique" * , une combinaison organique de "sentiment élégamment humain avec une forme plastiquement élégante" **. A. V. Lunacharsky, soulignant la richesse émotionnelle et intellectuelle de la poésie de Pouchkine, a noté que "les émotions et les pensées y sont presque toujours enfermées dans une image qui captive par son caractère concret et sa plasticité" ***.

* (V.G. Belinski. Poly, coll. cit., volume 7, page 323.)

** (V.G. Belinski. Poly, coll. cit., volume 7, page 340.)

*** (UN V. Lunacharsky. Classiques de la littérature russe. M., 1937, p.155.)

En même temps, la visualisation seule ne garantit pas encore l'art. De nombreuses œuvres, en particulier celles de nature naturaliste, sont très illustratives et concrètes dans la vie, mais elles ne sont pas capables de procurer une grande joie. La fiabilité dans le transfert des formes de vie externes et internes ne constitue pas encore le tout de l'art. La vérité artistique est impossible sans idées esthétiques.

Un véritable artiste affirme toujours le beau, veille toujours sur les intérêts humains. En fonction uniquement des circonstances historiques et autres, il résout son problème de différentes manières : soit en niant le laid, soit en révélant les beaux aspects de la réalité.

Quand il n'y a pas de lutte pour le beau, la désintégration de la créativité artistique commence, sa dégénérescence décadente. L'art, en vertu de sa nature humaniste, est l'un des moyens de communication spirituelle entre les personnes. Plus la pensée esthétique est significative, l'habileté de son incarnation, plus le sentiment qu'elle éveille est élevé, et plus rôle public travail d'écrivain.

Si l'idée incarnée par l'écrivain n'est pas esthétique dans son essence, alors elle s'avère fausse. Sa fausseté se manifeste dans le fait qu'elle entre en conflit à la fois avec le contenu objectif de la vie et avec un sens esthétique sain. La faillite artistique complète, par exemple, est subie par les défenseurs du capitalisme, qui s'efforcent dans leurs écrits de faire des colonisateurs et des entrepreneurs des amis du peuple. Quelque chose qui est de nature inhumaine ne peut pas être esthétiquement beau.

L'image comme forme particulière de généralisation

L'image artistique par sa nature même porte une généralisation. L'écrivain s'appuie toujours d'une manière ou d'une autre sur la réalité, mais il ne doit pas devenir l'esclave des faits. La créativité artistique est impensable sans la sélection du matériau, son traitement conformément à l'idée qui se développe dans l'œuvre.

Lorsque tel ou tel phénomène de la vie fait une certaine impression sur l'artiste, il le regarde de près, distingue les traits les plus significatifs qui ont frappé son imagination, écarte tout accident qui l'empêche d'exprimer clairement l'essence de la réalité qui s'est ouverte à lui et révélant l'intention de son auteur. Avec l'aide de sa propre imagination, il complète en quelque sorte les traits qui ont attiré son attention. Tel, en de façon générale, la manière la plus caractéristique de créer une image artistique.

I. S. Tourgueniev a déclaré: «Je rencontre, par exemple, dans ma vie des Fekla Andreevna, des Peter, des Ivan, et j'imagine que tout à coup dans cette Fekla Andreevna, dans ce Peter, dans cet Ivan, quelque chose me frappe quelque chose de spécial, quelque chose que j'ai Je ne le vois ni n'en entends parler, je le scrute, il me fait une impression particulière, j'y pense, puis ce Fekla, ce Pierre, cet Ivan s'éloignent, disparaissent on ne sait où, mais l'impression qu'ils ont produite , reste, mûrit. Je compare ces visages avec d'autres visages, les introduit dans la sphère de diverses actions, et maintenant tout un monde spécial est créé pour moi ... " * .

* (Écrivains russes sur le travail littéraire. Tome 2, page 755.)

L'image artistique est finalement un phénomène de la vie, mais fondue dans le creuset de la conscience créatrice de l'écrivain, recréée selon son idéal esthétique, débarrassée des strates sans importance. Par conséquent, une œuvre d'art affecte souvent une personne plus fortement que la réalité qui est devenue le sujet d'une image artistique. Il ne contient que le nécessaire, au service d'objectifs esthétiques élevés.

Artiste en cours travail créatif fait une sorte de découverte du monde. Grâce à son sens de l'observation et à sa sensibilité esthétique, il découvre et généralise en images des aspects de la vie qui échappent souvent au regard d'un observateur inexpérimenté. Ainsi, dans les images d'Onéguine, Oblomov, Klim Samgin et Semyon Davydov, l'essence et la signification sociale d'un certain type de personnes qui existaient dans la société s'expriment sous une forme sensuelle unique.

L'art, en se concentrant sur le beau ou le laid, rend les gens plus réceptifs à la beauté.

M. Gorky a un jour fait remarquer: "... John Ruskin a proclamé une vérité profonde, disant que les couchers de soleil en Angleterre sont devenus plus beaux après les peintures de Turner." grand écrivain dans ce cas, il a souligné la capacité de la créativité artistique à développer les goûts esthétiques d'une personne, à faciliter son accès aux richesses esthétiques de la nature.

L'artiste réaliste a le don de saisir l'essentiel dans une multitude de faits homogènes. La possibilité d'une telle généralisation lui est suggérée par la réalité elle-même. Les phénomènes de la nature et de la société, avec toutes leurs caractéristiques individuelles, ont des caractéristiques similaires et liées. Il n'est pas difficile, par exemple, de trouver ce qui est commun (pour une certaine zone géographique) au début du printemps, de l'automne, de l'hiver, de l'été, du lever et du coucher du soleil, etc., bien que chaque année, il apporte ses propres modifications à ces modèles . Les gens aussi, avec toute leur originalité, portent l'empreinte de leur profession, de leur nationalité, de leur position sociale. Par conséquent, l'écrivain, en règle générale, décrivant l'individu, peut corriger les échecs de l'observation par la vie elle-même: couper tout ce qui est insignifiant du représenté, le renforcer avec des détails caractéristiques empruntés aux phénomènes du même cercle avec lui et créer un image concrète remplie d'un sens généralisant. La généralisation par l'individu, qui reçoit sa vie dans une image artistique individuelle, s'appelle la typification.

La typification et ses formes

Trouver le commun dans l'individu est le plus caractéristique de l'art réaliste. Tous les écrivains ne suivent pas cette voie. Les classiques, par exemple, partaient généralement du général, n'utilisant le singulier que comme illustration d'une certaine thèse morale et politique développée dans l'ouvrage. Une telle technique conduisait souvent à la schématisation des personnages, à la perte de leurs caractéristiques individuelles.

Les principes réalistes de généralisation ont triomphé lorsque l'art a été réalisé comme un reflet de la réalité, et l'image artistique comme l'incarnation dans l'individu des traits typiques de la vie elle-même.

Résumant les réalisations des écrivains réalistes, Belinsky a écrit: «Maintenant, par« idéal »*, ils n'entendent pas une exagération, pas un mensonge, pas un fantasme enfantin, mais un fait de la réalité, tel qu'il est, mais un fait non écrit éloigné de la réalité, mais emporté par la fantaisie du poète, illuminé par la lumière d'un sens général (et non exceptionnel, particulier et accidentel), élevé à la perle de la création, et donc plus semblable à lui-même, ... que la copie la plus servile en réalité est fidèle à son original" ** .

* (Le mot "idéal" dans ce cas a le même sens que "type".)

** (V.G. Belinski. Poly. coll. cit., volume 6, page 526.)

La typification, en règle générale, s'accompagne d'un épaississement des phénomènes reproduits, d'une intensification de leurs traits caractéristiques, ce qui leur confère une plus grande expressivité émotionnelle. Une telle méthode découle de la nature même de la création artistique, qui est une lutte pour l'affirmation du beau ou la négation du laid.

« L'art vise, écrivait M. Gorki, à exagérer le bien, pour qu'il devienne encore meilleur, à exagérer le mal — hostile à l'homme, le défigurant — pour qu'il suscite le dégoût, enflamme la volonté de détruire les honteuses abominations de vie créée par le philistinisme vulgaire et avide Au fond, l'art est une lutte pour ou contre l'art indifférent - il n'y a pas et ne peut pas y avoir, car l'homme n'est pas un appareil photographique, il ne "fixe" pas la réalité, mais soit affirme ou le modifie, le détruit" * .

* (M. Gorki. Sobr. cit., volume 27, pages 444-445.)

Par conséquent, la typification est impossible sans fiction. La condensation poétique a lieu même là où les personnages ne se détachent pas extérieurement de leur environnement. En eux, les principaux traits de caractère sont généralement condensés par rapport à leurs prototypes de vie. Oblomov, et Bazarov, et Pavel Vlasov, et Levinson, et Grigory Melekhov étaient des "étrangers familiers" pour leur temps. Ils sont mis en avant par la vie, mais en eux, comme dans un focus, se réfractent les propriétés de nombreuses personnes de leur entourage.

Comme vous le savez, il existe d'autres façons de créer une image typique. Parfois, dans la société elle-même, on trouve de tels individus qui, pour ainsi dire, ont concentré en eux-mêmes les traits les plus caractéristiques des personnes d'une certaine couche sociale dans une certaine époque historique(Chapaev, N. Ostrovsky, Meresyev, etc.).

La réflexion sous la forme figurative d'un seul aboutit à la création d'une image atypique. Lefort dans le roman "Pierre le Grand" d'A. Tolstoï n'est pas typique des habitants de la colonie allemande, qui n'étaient pas des assistants désintéressés du jeune tsar dans ses réformes. La pièce de théâtre d'A. Volodin "The Appointment" dépeint un patron exceptionnellement gentil, Lyamin. Profitant de la faiblesse de son caractère, les subordonnés ont d'abord complètement arrêté le travail, puis, honteux, se sont mis au travail avec zèle. Il est possible qu'un tel cas ait eu lieu dans la vie, mais Volodine essaie de présenter celui-ci comme typique, ce qui a rencontré l'objection de la critique.

Il arrive que l'écrivain, accentuant l'image, va à la violation de la plausibilité externe. Dans un effort pour montrer le plus expressivement possible l'essence du phénomène représenté, il recourt souvent à l'hyperbole, au grotesque. Ainsi, dans "l'Histoire d'une ville" de Saltykov-Shchedrin, l'image du maire Brudasty avec un organe dans la tête apparaît. Bien sûr, c'est invraisemblable, mais c'est artistiquement justifié. Le satiriste a voulu souligner la raideur, l'automatisme des actions du bureaucrate réactionnaire, qui, ayant perdu tout humain, a acquis la ressemblance d'une poupée mécanique, avec un automate qui ne peut prononcer que deux mots.

Répondant aux critiques qui ont noté l'invraisemblance de l'image de Brodystoy, M.E. Saltykov-Shchedrin a écrit: "Mais pourquoi le prendre si littéralement?!", Mais dans le fait qu'il y a des gens dont toute l'existence est épuisée par ces deux mots" * . Dans les conditions de la Russie autocratique, selon le satiriste, les administrateurs zélés comme Brodasty étaient typiques, et leur apparition dans la littérature était donc justifiée.

* (MOI. Saltykov-Shchedrin sur la littérature et l'art. M., 1953, p.405.)

Considérant le travail de Gogol, Belinsky a noté que l'auteur de The Inspector General and Dead Souls n'avait pas radié ses héros de la nature: il n'était pas si facile de trouver un Khlestakov ou Plyushkin complètement «prêt à l'emploi» dans la vie. Mais d'autre part, Gogol, selon le critique, a rencontré pas mal de fonctionnaires et de propriétaires terriens "avec la possibilité de devenir eux" * . Gogol, dans le processus de travail créatif, a aiguisé les caractéristiques et les caractéristiques possibles inhérentes aux Khlestakov et Plyushkin historiques réels, et a créé des types artistiques d'un grand pouvoir de généralisation.

* (Voir : V. G. Belinsky. Poly. coll. cit., volume 2, p. 245.)

Il existe une opinion selon laquelle la typification n'est inhérente qu'à l'art réaliste. Ce n'est pas vrai. Les écrivains créent également des images typiques type romantique en pensant. Cependant, la typicité s'établit différemment dans le romantisme que dans le réalisme. Le héros positif ici n'est pas en corrélation avec l'environnement qui lui a donné naissance, mais avec le monde spirituel de l'auteur lui-même et les forces sociales qu'il représente. Bien sûr, Mpyri n'est pas typique en tant que novice monastique, mais il semble concentrer en lui les rêves épris de liberté de Lermontov et de ses contemporains, proches du poète en termes de pensées et de sentiments. Bonbons dans les romans utopiques de J. Sand, bien sûr, ils sont absolument atypiques en tant que nobles, mais leurs humeurs sont caractéristiques à la fois pour l'écrivain elle-même et pour tous les partisans du socialisme utopique français.

Caractère et circonstances

Le typique en littérature ne se réduit pas à l'expression de l'essence de certaines caractéristiques sociales d'une personne. Une image artistique - un personnage - n'est pas seulement la personnification d'une certaine force sociale, mais aussi une personnalité humaine "vivante" très spécifique. L'ensemble des caractéristiques de base qui définissent caractéristiques individuelles un héros s'appelle un personnage. Par exemple, Oblomov Goncharova n'est pas seulement l'incarnation de la noblesse. C'est un gentleman à l'apparence humaine individuelle, avec ses habitudes, ses penchants, etc. Le général et l'individuel sont en lui dans une synthèse organique, ce qui permet de parler d'Oblomov comme d'un type artistique magistralement esquissé. Reconnaître les seules qualités sociales des personnages conduit au schématisme et sape le fondement de la spécificité de l'art.

Révolution d'Octobre et Guerre civile en Russie sont reflétés par A. Tolstoï dans l'épopée "Marcher à travers les tourments" à travers l'imbrication complexe des destins de nombreux héros, dont chacun est le représentant d'un certain groupe social et en même temps l'individualité humaine unique. Voici Katya et Dasha Bulavins, et l'ingénieur Telegin, et le noble Roshchin, et l'avocat Smokovnikov, et bien d'autres. Tous ces visages fictifs sont entraînés dans le maelström de la réalité événements historiques. A. Tolstoï crée une image impressionnante, pour ainsi dire, de l'hystérie vivante.

La même essence sociale peut être combinée avec des caractères différents. Dans la "Jeune Garde" de Fadeev, toutes les Jeunes Gardes sont similaires dans leurs convictions idéologiques. Ils ont été élevés par le Parti communiste et la Ligue des jeunes communistes, et sont dévoués sans bornes à la patrie socialiste. Mais ce général apparaît dans leur réfraction individuelle. Chacun d'eux a sa propre apparence unique, représente une personnalité humaine spécifique, se manifeste de différentes manières dans la lutte contre l'ennemi. Par conséquent, Oleg Koshevoy, Ulyana Gromova, Ivan Zemnukhov, Sergei Tyulenin sont des images artistiques typiques.

Le caractère révèle pleinement son contenu lorsqu'il est placé dans les circonstances qui lui correspondent. Un écrivain de talent soumet généralement ses personnages à diverses épreuves, qui permettent de révéler leur essence sociale, leurs caractéristiques individuelles.

Les circonstances sont l'environnement, les conditions sociales, relations de vie dans lequel une personne doit agir. Lorsqu'il les représente, l'art recourt aussi très souvent à l'affûtage. Il écarte tout ce qui est insignifiant, met en évidence le plus caractéristique. L'écrivain choisit dans la masse des événements une telle situation qui lui permet de montrer avec la plus grande clarté toutes les pensées et sentiments cachés des personnages.

Cependant, les circonstances ne peuvent pas être construites arbitrairement, c'est-à-dire qu'elles ne peuvent pas être artificiellement ajustées à la "croissance" des caractères recherchés. Leur choix se justifie artistiquement lorsqu'il correspond non seulement à l'intention de l'auteur, mais aussi aux lois objectives de la vie réelle.

Par conséquent, la littérature est le reflet de la réalité dans les images artistiques. L'imagerie est l'essence même de sa spécificité. De plus, la spécificité de sa forme est déterminée par les caractéristiques de son sujet. L'écrivain apprend la nature et la société en relation avec l'homme. Lui-même est directement impliqué dans le processus de cognition et révèle non pas l'essence naturelle, mais esthétique, humaine des choses et des phénomènes, leur donne son évaluation. Par conséquent, la créativité artistique est toujours subjectivement colorée, éclairée par un idéal esthétique, elle représente une lutte pour l'établissement de la beauté sur terre.