L'impressionnisme est un mouvement artistique né dans les années 70. XIXème siècle en peinture française, puis manifesté dans la musique, la littérature, le théâtre.
L'impressionnisme en peinture a commencé à prendre forme bien avant la célèbre exposition de 1874. Edouard Manet est traditionnellement considéré comme le fondateur des impressionnistes. Il s'est beaucoup inspiré des œuvres classiques de Titien, Rembrandt, Rubens, Velazquez. Manet exprime sa vision des images sur ses toiles, ajoutant des traits « vibrants » qui créent l'effet d'incomplétude. En 1863, Manet crée "Olympia", qui provoque un grand scandale dans le milieu culturel.
À première vue, l'image est conforme aux canons traditionnels, mais en même temps, elle porte déjà des tendances innovantes. Environ 87 critiques ont été écrites sur Olympia dans diverses publications parisiennes. De nombreuses critiques négatives lui sont tombées dessus - l'artiste a été accusée de vulgarité. Et seuls quelques articles pourraient être qualifiés de bienveillants.
Manet dans son travail a utilisé la technique de superposition d'une seule couche de peinture, ce qui a créé l'effet de taches. Par la suite, cette méthode de superposition de peintures a été adoptée par les artistes impressionnistes comme base pour les images sur les peintures.
Un trait distinctif de l'impressionnisme était la fixation la plus subtile d'impressions fugaces, d'une manière particulière de reproduire l'environnement lumineux à l'aide d'une mosaïque complexe de couleurs pures, de traits décoratifs superficiels.
Il est curieux qu'au début de leur recherche, les artistes aient utilisé un cyanomètre - un instrument pour déterminer le bleu du ciel. La couleur noire a été exclue de la palette, elle a été remplacée par d'autres nuances de couleurs, ce qui a permis de ne pas gâcher l'ambiance ensoleillée des peintures.
Les impressionnistes se sont concentrés sur les dernières découvertes scientifiques de son temps. La théorie des couleurs de Chevrel et Helmholtz se résume à ceci : un rayon de soleil est divisé en ses couleurs constitutives, et, en conséquence, deux peintures placées sur la toile renforcent l'effet pictural, et lorsque les peintures sont mélangées, elles perdent leur intensité.
L'esthétique de l'impressionnisme a pris forme, en partie, comme une tentative de se libérer de manière décisive des conventions du classicisme dans l'art, ainsi que du symbolisme persistant et de la réflexion de la peinture romantique tardive, qui invitait chacun à voir des idées cryptées nécessitant une interprétation attentive. . L'impressionnisme revendiquait non seulement la beauté de la réalité quotidienne, mais la fixation d'une atmosphère colorée, sans détail ni interprétation, dépeignant le monde comme un phénomène optique en constante évolution.
Les artistes impressionnistes ont développé un système complet de plein air. Les précurseurs de ce trait de style sont des peintres paysagistes issus de l'école de Barbizon dont les principaux représentants sont Camille Corot et John Constable.
Travailler dans un espace ouvert a donné plus d'occasions de capturer les moindres changements de couleur dans temps différent journées.
Claude Monet a créé plusieurs séries de peintures sur le même sujet, par exemple, Cathédrale de Rouen (une série de 50 peintures), Meules de foin (une série de 15 peintures), Étang aux nénuphars, etc. Le principal indicateur de ces séries était une changement de lumière et de couleurs dans l'image d'un même objet, écrit à différents moments de la journée.
Une autre réalisation de l'impressionnisme est le développement d'un système de peinture original, où les tons complexes sont décomposés en couleurs pures transmises par des traits séparés. Les artistes n'ont pas mélangé les couleurs sur la palette, mais ont préféré appliquer des traits directement sur la toile. Cette technique a donné aux peintures une inquiétude, une variabilité et un relief particuliers. Les œuvres des artistes étaient remplies de couleurs et de lumière.
L'exposition du 15 avril 1874 à Paris est le résultat de la période de formation et de présentation au grand public d'une nouvelle tendance. L'exposition a été déployée dans le studio du photographe Félix Nadar, boulevard des Capucines.
Le nom "Impressionnisme" est né après l'exposition, qui présentait le tableau de Monet "Impression. Lever du soleil". Le critique L. Leroy, dans sa critique de Sharivari, a fait une description ludique de l'exposition de 1874, citant en exemple l'œuvre de Monet. Un autre critique, Maurice Denis, reproche aux impressionnistes leur manque d'individualité, de sentiment et de poésie.
Une trentaine d'artistes ont présenté leurs œuvres lors de la première exposition. C'était le plus un grand nombre de, en comparaison avec les expositions ultérieures jusqu'en 1886.
Il est impossible de ne pas parler des réactions positives de la société russe. Les artistes et critiques démocrates russes, toujours passionnés par vie artistique France - I. V. Kramskoy, I. E. Repin et V. V. Stasov - ont hautement apprécié les réalisations des impressionnistes dès la toute première exposition.
La nouvelle étape de l'histoire de l'art, qui a commencé avec l'exposition de 1874, n'était pas une explosion soudaine de tendances révolutionnaires - c'était l'aboutissement d'un développement lent et cohérent.
Malgré le fait que tous les grands maîtres du passé ont contribué au développement des principes de l'impressionnisme, les racines immédiates du courant se trouvent le plus facilement dans les vingt années précédant l'exposition historique.
Parallèlement aux expositions du Salon, les expositions des impressionnistes se multiplient. Leurs œuvres ont démontré les nouvelles tendances de la peinture. C'était un reproche à la culture de salon et aux traditions d'exposition. À l'avenir, les artistes impressionnistes ont réussi à attirer à leurs côtés les admirateurs des nouvelles tendances de l'art.
Les connaissances théoriques et les formulations de l'impressionnisme ont commencé à prendre forme assez tard. Les artistes ont préféré plus de pratique et leurs propres expériences avec la lumière et la couleur. L'impressionnisme, essentiellement pictural, trace l'héritage du réalisme, il exprime clairement l'orientation et l'installation anti-académique, anti-salon de l'image de la réalité environnante de cette époque. Certains chercheurs notent que l'impressionnisme est devenu une ramification particulière du réalisme.
Sans aucun doute, dans l'art impressionniste, comme dans tout mouvement artistique, survenus pendant la période de rupture et de crise des traditions anciennes, se sont entremêlées, malgré toute son intégrité extérieure, des tendances diverses et même contradictoires.
Les principales caractéristiques étaient dans le thème des œuvres des artistes, dans les moyens expressivité artistique. Le livre d'Irina Vladimirova sur les impressionnistes comprend plusieurs chapitres: "Paysage, nature, impressions", "Ville, lieux de rencontres et de séparations", "Les loisirs comme mode de vie", "Personnes et personnages", "Portraits et autoportraits" , "Nature morte". Il décrit également l'histoire de la création et la localisation de chaque œuvre.
À l'apogée de l'impressionnisme, les artistes ont trouvé un équilibre harmonieux entre la réalité objective et sa perception. Les artistes ont essayé de capturer chaque rayon de lumière, le mouvement de la brise, le caractère changeant de la nature. Pour préserver la fraîcheur des peintures, les impressionnistes ont créé un système pictural original, qui s'est avéré plus tard très important pour le développement de l'art à l'avenir. Malgré les tendances générales de la peinture, chaque artiste a trouvé sa propre voie créative et les principaux genres en peinture.
L'impressionnisme classique est représenté par des artistes tels qu'Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas.
Considérez la contribution de certains artistes à la formation de l'impressionnisme.
Édouard Manet (1832-1883)
Manet a reçu ses premières leçons de peinture de T. Couture, grâce auxquelles le futur artiste a acquis de nombreuses compétences professionnelles nécessaires. En raison du manque d'attention de l'enseignant envers ses élèves, Manet quitte l'atelier du maître et s'engage dans l'auto-éducation. Il visite des expositions dans des musées, sa formation créative a été fortement influencée par les maîtres anciens, notamment espagnols.
Dans les années 1860, Manet a écrit deux ouvrages qui montrent les principes de base de son style artistique. Lola de Valence (1862) et La Flûtiste (1866) montrent Manet comme un artiste qui révèle le caractère du modèle à travers le rendu de la couleur.
Ses idées sur la technique du coup de pinceau et son attitude envers la couleur ont été adoptées par d'autres peintres impressionnistes. Dans les années 1870, Manet se rapproche de ses disciples et travaille en plein air sans noir sur la palette. L'avènement de l'impressionnisme est le résultat de l'évolution créatrice de Manet lui-même. Les peintures les plus impressionnistes de Manet sont Dans une barque (1874) et Claude Monet dans une barque (1874).
Manet a également peint de nombreux portraits de diverses dames laïques, actrices, mannequins, belle femme. Dans chaque portrait, l'unicité et l'individualité du modèle ont été transmises.
Peu de temps avant sa mort, Manet écrit l'un de ses chefs-d'œuvre - "Bar Folies-Bergere" (1881-1882). Ce tableau mêle plusieurs genres à la fois : portrait, nature morte, scène domestique.
N. N. Kalitina écrit: «La magie de l'art de Manet est telle que la jeune fille résiste à l'environnement, grâce auquel son humeur se révèle si clairement, et en même temps fait partie, car tout l'arrière-plan, vaguement deviné, indéfini, agité, est également résolu dans les tons bleu-noir, blanc bleuté, jaune.
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet était le leader incontesté et le fondateur de l'impressionnisme classique. Le genre principal de sa peinture était le paysage.
Dans sa jeunesse, Monet aimait la caricature et la caricature. Les premiers modèles de son travail étaient ses professeurs, ses camarades. Pour un échantillon, il a utilisé des dessins animés dans des journaux et des magazines. Il copie les dessins en Golois d'E. Karzh, poète et caricaturiste, ami de Gustave Coubret.
Au collège, Monet a été enseigné par Jacques-François Hauchard. Mais il est juste de noter l'influence sur Monet de Boudin, qui a soutenu l'artiste, lui a donné des conseils, l'a motivé à poursuivre son travail.
En novembre 1862 à Paris, Monet poursuit ses études à Paris avec Gleyre. Grâce à cela, Monet rencontre Basile, Renoir, Sisley dans son atelier. De jeunes artistes s'apprêtaient à entrer à l'École beaux-Arts, respectant son professeur, qui prenait peu pour ses leçons et donnait des conseils sous une forme douce.
Monet a créé ses peintures non pas comme une histoire, ni comme une illustration d'une idée ou d'un thème. Sa peinture, comme la vie, n'avait pas d'objectifs clairs. Il a vu le monde sans se concentrer sur les détails, sur certains principes, il est passé à la "vision du paysage" (terme de l'historien de l'art A. A. Fedorov-Davydov). Monet s'est efforcé d'être sans intrigue, une fusion des genres sur la toile. Les moyens de mettre en œuvre ses innovations étaient des croquis, qui étaient censés devenir des peintures finies. Tous les croquis ont été tirés de la nature.
Il a peint des prairies, des collines, des fleurs, des rochers, des jardins, des rues de villages, la mer, des plages et bien plus encore, il s'est tourné vers l'image de la nature à différents moments de la journée. Souvent, il peint le même endroit à des moments différents, créant ainsi des cycles entiers à partir de ses œuvres. Le principe de son travail n'était pas l'image des objets dans l'image, mais la transmission exacte de la lumière.
Voici quelques exemples d'oeuvres de l'artiste - "Champ de coquelicots à Argenteuil" (1873), "Grenouille" (1869), "Etang aux nénuphars" (1899), "Meules de blé" (1891).
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Renoir est l'un des maîtres exceptionnels du portrait profane, en plus, il a travaillé dans les genres du paysage, de la scène domestique, de la nature morte.
La particularité de son travail est un intérêt pour la personnalité d'une personne, la divulgation de son caractère et de son âme. Dans ses toiles, Renoir essaie de souligner le sentiment de plénitude de l'être. L'artiste est attiré par les divertissements et les vacances, il peint des bals, des promenades avec leur mouvement et une variété de personnages, des danses.
Plus Œuvres remarquables artiste - "Portrait de l'actrice Jeanne Samary", "Parapluies", "Baignade dans la Seine", etc.
Il est intéressant de noter que Renoir s'est distingué par sa musicalité et, enfant, il a chanté dans la chorale de l'église sous la direction du compositeur et professeur exceptionnel Charles Gounod à Paris dans la cathédrale Saint-Eustache. C. Gounod a fortement recommandé au garçon d'étudier la musique. Mais en même temps, Renoir découvre son talent artistique - dès l'âge de 13 ans, il apprend déjà à peindre des plats en porcelaine.
Les cours de musique ont influencé la formation de la personnalité de l'artiste. Un certain nombre de ses œuvres sont liées à des thèmes musicaux. Ils réfléchissaient à jouer du piano, de la guitare, de la mandoline. Ce sont les tableaux "Leçon de guitare", "Jeune femme espagnole à la guitare", "Jeune femme au piano", "Femme jouant de la guitare", "Leçon de piano", etc.
Jean Frédéric Basile (1841-1870)
Selon ses amis artistes, Basil était l'impressionniste le plus prometteur et le plus remarquable.
Son travail est lumineux couleurs et spiritualité des images. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley et Claude Monet ont eu une grande influence sur son parcours créatif. L'appartement de Jean Frédéric pour peintres débutants était une sorte d'atelier et de logement.
Basilic principalement peint en plein air. L'idée principale de son travail était l'image de l'homme sur fond de nature. Ses premiers héros dans les peintures étaient ses amis artistes; de nombreux impressionnistes aimaient beaucoup se peindre dans leurs œuvres.
Frédéric Bazille a marqué le cours de l'impressionnisme réaliste dans son œuvre. Son tableau le plus célèbre, Family Reunion (1867), est autobiographique. L'artiste y représente des membres de sa famille. Cette œuvre a été présentée au Salon et a reçu une appréciation favorable du public.
En 1870, l'artiste meurt dans la guerre prussienne-française. Après la mort de l'artiste, ses amis artistes organisent la troisième exposition des impressionnistes, où ses toiles sont également exposées.
Camille Pissarro (1830-1903)
Camille Pissarro est l'un des plus grands représentants des peintres paysagistes après C. Monet. Son travail a été constamment exposé dans les expositions des impressionnistes. Dans ses œuvres, Pissarro préfère représenter les champs labourés, la vie et le travail des paysans. Ses peintures se distinguaient par la structure des formes et la clarté de la composition.
Plus tard, l'artiste a commencé à peindre et à peindre sur des thèmes urbains. N. N. Kalitina note dans son livre : « Il regarde les rues de la ville depuis les fenêtres étages supérieurs ou depuis les balcons, sans les introduire dans les compositions.
Sous l'influence de Georges-Pierre Seurat, l'artiste se lance dans le pointillisme. Cette technique implique l'imposition de chaque trait séparément, comme si vous mettiez des points. Mais les perspectives créatives dans ce domaine ne se sont pas réalisées et Pissarro est revenu à l'impressionnisme.
Les peintures les plus célèbres de Pissarro sont Boulevard Montmartre. Après-midi ensoleillé », « Passage de l'Opéra à Paris », « Place du théâtre français à Paris », « Jardin à Pontoise », « Vendanges », « Fenaison », etc.
Alfred Sisley (1839-1899)
Le genre principal de la peinture d'Alfred Sisley était le paysage. Dans son premiers travaux on y voit surtout l'influence de K. Corot. Peu à peu, au cours du travail en commun avec C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir, des couleurs claires commencent à apparaître dans ses œuvres.
L'artiste est attiré par les jeux de lumière, le changement d'état de l'atmosphère. Sisley aborde plusieurs fois le même paysage, le capturant à différents moments de la journée. Dans ses œuvres, l'artiste donne la priorité à l'image de l'eau et du ciel, qui change à chaque seconde. L'artiste a réussi à atteindre la perfection à l'aide de la couleur, chaque nuance de ses œuvres porte une sorte de symbolisme.
Les plus célèbres de ses oeuvres : "Allée de campagne" (1864), "Givre à Louveciennes" (1873), "Vue de Montmartre depuis l'île aux fleurs" (1869), "Première neige à Louveciennes" (1872), "Le Pont à Argenteuil" (1872 ).
Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas est un artiste qui a débuté sa carrière de créateur en étudiant à l'Ecole des Beaux-Arts. Il s'est inspiré d'artistes Renaissance italienne qui a influencé son travail en général. Au début, Degas a peint des peintures historiques, par exemple, « Les filles spartiates défient les jeunes spartiates à un concours. (1860). Le genre principal de sa peinture est le portrait. Dans ses œuvres, l'artiste s'appuie sur les traditions classiques. Il crée des œuvres marquées par un sens aigu de son temps.
Contrairement à ses collègues, Degas ne partage pas le regard joyeux et ouvert sur la vie et les choses inhérent à l'impressionnisme. L'artiste est plus proche de la tradition critique de l'art : la compassion pour le destin homme ordinaire, la capacité de voir l'âme des gens, leur monde intérieur, l'incohérence, la tragédie.
Pour Degas, les objets et l'intérieur entourant une personne jouent un rôle important dans la création d'un portrait. Voici quelques œuvres à titre d'exemple : « Désirée Dio avec orchestre » (1868-1869), « Portrait de femme » (1868), « Le couple Morbilli » (1867), etc.
Le principe du portrait dans l'œuvre de Degas se retrouve tout au long de son manière créative. Dans les années 1870, l'artiste dépeint la société française, notamment parisienne, dans ses œuvres en pleine gloire. Dans l'intérêt de l'artiste - la vie urbaine en mouvement. « Le mouvement était pour lui l'une des manifestations les plus importantes de la vie, et la capacité de l'art à le transmettre était la conquête la plus importante. peinture moderne”, - écrit N.N. Kalitina.
Au cours de cette période, des peintures telles que "Star" (1878), "Miss Lola au cirque de Fernando", "Epsom Races" et d'autres ont été créées.
Un nouveau cycle de créativité de Degas est son intérêt pour le ballet. Il montre la vie des coulisses des ballerines, parle de leur un dur travail et un entraînement intensif. Mais malgré cela, l'artiste parvient à trouver de la légèreté et de la légèreté dans le transfert de ses images.
Dans la série de peintures de ballet de Degas, des réalisations dans le domaine de la transmission de la lumière artificielle de la rampe sont visibles, elles parlent du talent coloriste de l'artiste. Plus des peintures célèbres" Blue Dancers " (1897), " Dance Class " (1874), " Dancer with a Bouquet " (1877), " Dancers in Pink " (1885) et autres.
À la fin de sa vie, en raison de la détérioration de sa vue, Degas s'essaye à la sculpture. Les mêmes ballerines, femmes, chevaux deviennent ses objets. En sculpture, Degas essaie de transmettre le mouvement, et pour apprécier la sculpture, il faut la considérer sous différents angles.
Impressionnisme (fr. impressionnisme, de impression- impression) - une tendance de l'art du dernier tiers du XIXe - début du XXe siècle, originaire de France puis diffusée dans le monde entier, dont les représentants ont cherché à développer des méthodes et des techniques permettant de capturer le plus naturellement et le plus vivement monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre leurs impressions passagères. Habituellement, le terme "impressionnisme" fait référence à une direction de la peinture (mais il s'agit avant tout d'un groupe de méthodes), bien que ses idées aient également été incarnées dans la littérature et la musique, où l'impressionnisme est également apparu dans un certain ensemble de méthodes et techniques de création littéraire et oeuvres musicales, dans lequel les auteurs ont cherché à transmettre la vie sous une forme sensuelle et directe, comme un reflet de leurs impressions
La tâche de l'artiste à cette époque était l'image la plus plausible de la réalité, ne montrant pas les sentiments subjectifs de l'artiste. S'il a été commandé portrait formel- ensuite il fallait montrer le client sous un jour favorable : sans difformités, mimiques stupides, etc. S'il s'agissait d'une histoire religieuse, il était nécessaire d'évoquer un sentiment de révérence et d'émerveillement. Si le paysage - alors montrez la beauté de la nature. Cependant, si l'artiste méprisait l'homme riche qui avait commandé le portrait, ou était un incroyant, alors il n'y avait pas le choix et tout ce qui restait était de développer sa propre technique unique et d'espérer bonne chance. Cependant, dans la seconde moitié du XIXe siècle, la photographie a commencé à se développer activement et la peinture réaliste a commencé à s'écarter progressivement, car même alors, il était extrêmement difficile de transmettre la réalité de manière aussi crédible qu'en photographie.
À bien des égards, avec l'avènement des impressionnistes, il est devenu clair que l'art peut avoir une valeur en tant que représentation subjective de l'auteur. Après tout, chaque personne perçoit la réalité différemment et y réagit à sa manière. Le plus intéressant de voir comment dans les yeux personnes différentes reflète la réalité et les émotions qu'ils ressentent en même temps.
L'artiste a une quantité incroyable de possibilités d'expression de soi. De plus, l'expression de soi elle-même est devenue beaucoup plus libre : prenez une intrigue, un sujet non standard, racontez autre chose que des sujets religieux ou historiques, utilisez votre propre technique, etc. Par exemple, les impressionnistes voulaient exprimer une impression passagère, la première émotion. C'est pourquoi leur travail est vague et comme inachevé. Cela a été fait afin de montrer une impression instantanée, alors que les objets n'avaient pas encore pris forme dans l'esprit et que seuls de légers débordements de lumière, des demi-teintes et des contours flous étaient visibles. Les personnes myopes me comprendront) imaginez que vous n'avez pas encore vu l'ensemble de l'objet, que vous le voyez de loin ou que vous ne le regardez tout simplement pas, mais que vous en formez déjà une sorte d'impression. Si vous essayez de représenter cela, il est probable que vous vous retrouviez avec quelque chose comme des peintures impressionnistes. Quelque chose comme un croquis. C'est pourquoi il s'est avéré que pour les impressionnistes, il était plus important non pas ce qui est représenté, mais comment.
Les principaux représentants de ce genre en peinture étaient : Monet, Manet, Sisley, Degas, Renoir, Cézanne. Séparément, Umlyam Turner doit être noté comme leur prédécesseur.
En parlant de l'intrigue :
Leurs peintures ne représentaient que les aspects positifs de la vie, n'affectant pas les problèmes sociaux, notamment la faim, la maladie, la mort. Cela a conduit plus tard à une scission parmi les impressionnistes eux-mêmes.
Schémas de couleurs
Les impressionnistes portaient une grande attention à la couleur, refusant fondamentalement les nuances sombres, en particulier le noir. Une telle attention à la couleur de leur travail a amené la couleur elle-même à une place très importante dans l'image et a incité les générations futures d'artistes et de designers à être attentives à la couleur en tant que telle.
Composition
La composition des impressionnistes ressemblait à la peinture japonaise, des schémas de composition complexes étaient utilisés, d'autres canons (non nombre d'or ou centre). En général, la structure de l'image est devenue plus souvent asymétrique, plus complexe et intéressante de ce point de vue.
La composition des impressionnistes a commencé à avoir plus sens indépendant, elle est devenue l'un des sujets de la peinture, contrairement à la peinture classique, où elle a plus souvent (mais pas toujours) porté le rôle du schéma par lequel toute œuvre a été construite. À la fin du XIXe siècle, il est devenu clair qu'il s'agit d'une impasse et que la composition elle-même peut véhiculer certaines émotions et soutenir l'intrigue de l'image.
Précurseurs
El Greco - parce qu'il a utilisé des techniques similaires pour appliquer la peinture et a acquis la couleur de lui signification symbolique. Il s'est également distingué par une manière très originale, l'individualité, à laquelle aspiraient également les impressionnistes.
Gravure japonaise - parce qu'elle a acquis une grande popularité en Europe au cours de ces années et a montré qu'une image peut être construite selon des règles complètement différentes de celles des canons classiques de l'art européen. Cela s'applique à la composition, à l'utilisation de la couleur, aux détails, etc. Aussi, dans les dessins et gravures japonais et en général orientaux, les scènes domestiques étaient beaucoup plus souvent représentées, ce qui était presque absent dans l'art européen.
Sens
Les impressionnistes ont laissé une marque lumineuse sur l'art mondial, développant techniques uniques lettres et ayant un impact énorme sur toutes les générations d'artistes suivantes avec leurs œuvres vives et mémorables, protestent contre l'école classique et oeuvre unique avec la couleur.S'efforçant d'obtenir un maximum d'immédiateté et de précision dans le transfert du monde visible, ils ont commencé à écrire principalement sur en plein air et rehaussé l'importance de l'étude de la nature, qui a presque supplanté le type traditionnel de peinture, soigneusement et lentement créé dans l'atelier.
Clarifiant constamment leur palette, les impressionnistes libèrent la peinture des vernis et peintures terreux et bruns. La noirceur conditionnelle, « muséale », de leurs toiles laisse place à un jeu infiniment divers de réflexes et d'ombres colorées. Ils ont infiniment élargi les possibilités des beaux-arts, ouvrant non seulement le monde du soleil, de la lumière et de l'air, mais aussi la beauté des brouillards londoniens, l'atmosphère agitée de la vie. grande ville, l'éparpillement de ses veilleuses et le rythme d'un mouvement incessant.
De par la méthode même du travail en plein air, le paysage, y compris le paysage urbain qu'ils découvrent, occupe une place très importante dans l'art des impressionnistes. Cependant, il ne faut pas supposer que leur peinture ne se caractérisait que par une perception « paysagère » de la réalité, qu'on leur reprochait souvent. La gamme thématique et d'intrigue de leur travail était assez large. Intérêt pour les gens, et surtout pour Vie moderne France, en sens largeétait inhérent à un certain nombre de représentants de cette tendance. Son pathos fondamentalement démocratique et affirmatif de vie s'opposait clairement à l'ordre mondial bourgeois.
En même temps, l'impressionnisme et, comme nous le verrons plus loin, le post-impressionnisme sont les deux faces, ou plutôt, deux étapes consécutives de ce changement fondamental qui a marqué la frontière entre l'art des temps modernes et celui des temps modernes. En ce sens, l'impressionnisme, d'une part, achève le développement de tout après l'art de la Renaissance, dont le principe directeur était le reflet du monde environnant dans des formes visuellement fiables de la réalité elle-même, et d'autre part, c'est le début du plus grand bouleversement de l'histoire des beaux-arts après la Renaissance, qui a jeté les bases d'une scène artistique qualitativement nouvelle -
artistique du XXe siècle.
fr. impression - impression) - une direction dans l'art du dernier tiers du XIXe - tôt. XX siècles, dont les représentants ont commencé à peindre des paysages et scènes de genre directement de la nature, essayant de transmettre l'éclat du soleil, le souffle du vent, le bruissement de l'herbe, le mouvement de la foule de la ville avec des couleurs très propres et intenses. Les impressionnistes se sont efforcés de capturer le monde réel dans sa mobilité et sa variabilité de la manière la plus naturelle et la plus impartiale, pour transmettre leurs impressions éphémères.
Grande définition
Définition incomplète ↓
IMPRESSIONNISME
Français impressionnisme, d'impression - impression), direction dans l'art du con. 1860 - début. années 1880 Le plus clairement manifesté dans la peinture. Principaux représentants : C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte et J. F. Basil. Avec eux, E. Manet et E. Degas ont exposé leurs peintures, bien que le style de leurs œuvres ne puisse être qualifié de complètement impressionniste. Le nom "Impressionnistes" a été attribué à un groupe de jeunes artistes après leur première exposition commune à Paris (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley, etc.), qui a provoqué une furieuse indignation du public et des critiques. L'une des peintures présentées par C. Monet (1872) s'appelait «Impression. Sunrise ”(“ L’impression. Soleil levant ”), et le critique a qualifié de manière moqueuse les artistes “impressionnistes” - “impressionnistes”. Les peintres se produisirent sous ce nom lors de la troisième exposition collective (1877). Parallèlement, ils commencent à publier la revue Impressionniste, dont chaque numéro est consacré à l'œuvre d'un des membres du groupe.
Les impressionnistes ont cherché à capturer le monde dans sa constante variabilité, sa fluidité, expriment avec impartialité leurs impressions immédiates. L'impressionnisme s'appuyait sur les dernières découvertes de l'optique et de la théorie des couleurs (décomposition spectrale du rayon solaire en les sept couleurs de l'arc-en-ciel) ; en cela il est conforme à l'esprit analyse scientifique, caractéristique de con. 19ème siècle Cependant, les impressionnistes eux-mêmes n'ont pas tenté de définir base théorique son art, insistant sur la spontanéité, l'intuitivité de la créativité de l'artiste. Principes artistiques Les impressionnistes n'étaient pas unis. Monet a peint des paysages uniquement en contact direct avec la nature, en plein air (en plein air) et a même construit un atelier dans un bateau. Degas travaille dans l'atelier à partir de souvenirs ou à partir de photographies. Contrairement aux représentants des mouvements radicaux ultérieurs, les artistes ne sont pas allés au-delà du système spatial illusoire de la Renaissance basé sur l'utilisation de la perspective directe. Ils ont fermement adhéré à la méthode de travail d'après nature, qu'ils ont érigée en principe de base la créativité. Les artistes se sont efforcés de « peindre ce que vous voyez » et « comme vous voyez ». L'application cohérente de cette méthode a entraîné la transformation de tous les fondements du système pictural existant : couleur, composition, construction spatiale. Des couleurs pures ont été appliquées sur la toile par petits traits séparés: des «points» multicolores se côtoient, se mélangeant dans un spectacle coloré non pas sur la palette ni sur la toile, mais dans l'œil du spectateur. Les impressionnistes ont atteint une sonorité de couleur sans précédent, une richesse de nuances sans précédent. Le coup de pinceau est devenu un moyen d'expression indépendant, remplissant la surface de l'image d'une vibration chatoyante animée de particules de couleur. La toile était assimilée à une mosaïque chatoyante de couleurs précieuses. Les nuances noires, grises, brunes prédominaient dans l'ancienne peinture; dans les toiles des impressionnistes, les couleurs brillaient de mille feux. Les impressionnistes n'ont pas utilisé le clair-obscur pour rendre les volumes, ils ont abandonné les ombres sombres, les ombres de leurs peintures sont également devenues colorées. Les artistes ont largement utilisé des tons supplémentaires (rouge et vert, jaune et violet), dont le contraste augmentait l'intensité de la couleur. Dans les tableaux de Monet, les couleurs s'éclaircissent et se dissolvent dans l'éclat des rayons. lumière du soleil, les couleurs locales ont pris de nombreuses nuances.
Les impressionnistes dépeignaient le monde environnant en mouvement perpétuel, le passage d'un état à un autre. Ils commencent à peindre une série de tableaux, voulant montrer comment un même motif change selon l'heure de la journée, l'éclairage, les conditions météorologiques, etc. (cycles Boulevard Montmartre par C. Pissarro, 1897 ; Cathédrale de Rouen, 1893-95, et "Parlement de Londres", 1903-04, C. Monet). Les artistes ont trouvé le moyen de refléter dans les toiles le mouvement des nuages (A. Sisley. « Louan à Saint-Mamme », 1882), le jeu de l'éclat du soleil (O. Renoir. « Swing », 1876), les rafales de vent (C. Monet. "Terrasse à Sainte-Adresse", 1866), jets de pluie (G. Caillebotte. "Jer. Effet de pluie", 1875), chutes de neige (C. Pissarro. "Passage de l'Opéra. Effet de neige", 1898), courses rapides de chevaux (E. Manet "Courses à Longchamp", 1865).
Les impressionnistes ont développé de nouveaux principes pour construire la composition. Auparavant, l'espace de l'image était assimilé à une scène, maintenant les scènes capturées ressemblaient à un instantané, un cadre photo. Inventé au 19ème siècle la photographie a eu un impact significatif sur la composition de la peinture impressionniste, en particulier dans l'œuvre d'E. Degas, qui était lui-même un photographe passionné et, selon ses propres mots, cherchait à surprendre les ballerines représentées, à les voir « comme si par un trou de serrure », quand leurs poses, les lignes du corps sont naturelles, expressives et authentiques. Réalisant des peintures en plein air, le désir de capter des éclairages changeant rapidement a obligé les artistes à accélérer le travail, à écrire "alla prima" (en une seule étape), sans esquisses préalables. La fragmentation, le « caractère aléatoire » de la composition et la manière picturale dynamique ont créé une sensation de fraîcheur particulière dans les peintures des impressionnistes.
Le genre impressionniste préféré était le paysage ; le portrait était aussi une sorte de « paysage du visage » (O. Renoir, « Portrait de l'actrice J. Samary », 1877). De plus, les artistes ont considérablement élargi la gamme des sujets de peinture, se tournant vers des sujets qui étaient auparavant considérés comme indignes d'attention: festivités, les courses de chevaux, les pique-niques de la bohème artistique, la vie des coulisses des théâtres, etc. Cependant, leurs peintures n'ont pas une intrigue détaillée, un récit détaillé ; la vie humaine se dissout dans la nature ou dans l'atmosphère de la ville. Les impressionnistes n'écrivaient pas des événements, mais des humeurs, des nuances de sentiments. Les artistes ont fondamentalement rejeté l'histoire et thèmes littéraires, évité de représenter dramatique, côtés sombres vie (guerres, catastrophes, etc.). Ils ont cherché à libérer l'art de l'accomplissement de tâches sociales, politiques et morales, de l'obligation d'évaluer les phénomènes représentés. Les artistes ont chanté la beauté du monde, sachant transformer le motif le plus quotidien (rénovation d'une chambre, brouillard gris londonien, fumée des locomotives à vapeur, etc.) en un spectacle enchanteur (G. Caillebotte. "Parquette", 1875 ; C .Monet. "Gare Saint-Lazare", 1877).
En 1886, la dernière exposition des impressionnistes a lieu (O. Renoir et K. Monet n'y participent pas). À cette époque, des désaccords importants entre les membres du groupe ont été révélés. Les possibilités de la méthode impressionniste ont été épuisées et chacun des artistes a commencé à chercher sa propre voie dans l'art.
L'impressionnisme en tant que méthode créative holistique était un phénomène principalement art français Cependant, le travail des impressionnistes a eu un impact sur toute la peinture européenne. En quête de renouveau langage artistique, éclaircissant la palette colorée, exposant les techniques picturales font désormais partie intégrante de l'arsenal des artistes. Dans d'autres pays, J. Whistler (Angleterre et USA), M. Lieberman, L. Corinth (Allemagne), J. Sorolla (Espagne) étaient proches de l'impressionnisme. L'influence de l'impressionnisme a été ressentie par de nombreux artistes russes (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar et autres).
En plus de la peinture, l'impressionnisme s'est incarné dans le travail de certains sculpteurs (E. Degas et O. Rodin en France, M. Rosso en Italie, P. P. Trubetskoy en Russie) dans un modelage libre et vivant de formes fluides et douces qui crée un jeu complexe. de la lumière à la surface du matériau et un sentiment d'incomplétude de l'œuvre ; dans les poses, le moment du mouvement, le développement est capturé. En musique, la proximité avec l'impressionnisme se retrouve dans les œuvres de C. Debussy ("Voiles", "Brumes", "Reflets dans l'eau", etc.).
Grande définition
Définition incomplète ↓
Impressionnisme(Impressionnisme, impression française - impression) est une direction de la peinture née en France dans les années 1860. et a largement déterminé le développement de l'art au XIXe siècle. Les figures centrales de cette tendance étaient Cézanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir et Sisley, et la contribution de chacun d'eux à son développement est unique. Les impressionnistes s'opposaient aux conventions du classicisme, du romantisme et de l'académisme, affirmaient la beauté de la réalité quotidienne, des motifs simples et démocratiques, parvenaient à une authenticité vivante de l'image, tentaient de capter "l'impression" de ce que l'œil voit à un moment donné.Le thème le plus typique des impressionnistes est le paysage, mais ils ont également abordé de nombreux autres sujets dans leur travail. Degas, par exemple, représente des courses, des ballerines et des blanchisseuses, tandis que Renoir représente des femmes et des enfants charmants. Dans les paysages impressionnistes créés en plein air, un motif simple et quotidien est souvent transformé par une lumière en mouvement omniprésente, ce qui apporte un sentiment de fête à l'image. Dans certaines méthodes de construction impressionniste de la composition et de l'espace, l'influence de la gravure japonaise et en partie de la photographie est perceptible. Les impressionnistes ont créé la première peinture aux multiples facettes Vie courante ville moderne, a capturé l'originalité de son paysage et l'apparence des gens qui l'habitent, leur mode de vie, de travail et de divertissement.
Les impressionnistes n'ont pas cherché à aborder les problèmes sociaux aigus, la philosophie ou la créativité outrancière, se concentrant uniquement sur différentes manières expression des impressions de la vie quotidienne. Dans un effort pour "voir le moment" et refléter l'ambiance.
Nom " Impressionnisme" est né après l'exposition de 1874 à Paris, qui exposait le tableau de Monet " Impression. The Rising Sun" (1872 ; le tableau a été volé au musée Marmottan à Paris en 1985 et est maintenant sur la liste d'Interpol).
Plus de sept expositions impressionnistes ont eu lieu entre 1876 et 1886 ; à la fin de ce dernier, seul Monet continua à suivre strictement les idéaux de l'impressionnisme. Les "impressionnistes" sont aussi appelés artistes hors de France qui ont peint sous l'influence de l'impressionnisme français (par exemple, l'Anglais F. W. Steer).
Artistes impressionnistes
Peintures impressionnistes célèbres:
| Edgar Degas |
Claude Monet |
L'impressionnisme (impressionnisme français, de l'impression - impression), une tendance de l'art du dernier tiers du XIXe - début du XXe siècle, dont les maîtres, fixant leurs impressions fugitives, ont cherché à capturer le plus naturellement et le plus impartialement possible le monde réel dans sa mobilité et variabilité. L'impressionnisme est né dans la peinture française à la fin des années 1860. Edouard Manet (qui n'était pas formellement membre du groupe impressionniste), Degas, Renoir, Monet ont apporté fraîcheur et immédiateté à la perception de la vie dans les beaux-arts.
Les artistes français se sont tournés vers l'image de situations instantanées, arrachées au courant de la réalité, la vie spirituelle d'une personne, l'image de passions fortes, la spiritualisation de la nature, l'intérêt pour le passé national, le désir de formes d'art synthétiques se conjuguent avec les motifs de la tristesse du monde, le désir d'explorer et de recréer "l'ombre", "côté nuit l'âme humaine, avec la fameuse "ironie romantique", qui permettait aux romantiques de comparer et d'assimiler hardiment le haut et le bas, le tragique et le comique, le réel et le fantastique. Les artistes impressionnistes ont utilisé les réalités fragmentaires des situations, utilisé des éléments apparemment déséquilibrés constructions compositionnelles, angles inattendus, points de vue, tranches de figures.
Dans les années 1870-1880, le paysage de l'impressionnisme français se formait: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley développaient un système cohérent de plein air, créaient dans leurs peintures une sensation de soleil étincelant, la richesse des couleurs de la nature, la dissolution des formes dans la vibration de la lumière et de l'air. Le nom de la direction vient du nom du tableau de Claude Monet "Impression. Rising Sun" ("Impression. Soleil levant"; exposé en 1874, aujourd'hui au Musée Marmottan, Paris). La décomposition de couleurs complexes en composants purs, qui se superposaient sur la toile en traits séparés, ombres colorées, reflets et valéries donnaient naissance à une peinture impressionniste d'une légèreté et d'un frémissement sans précédent.
Certains aspects et techniques de cette tendance en peinture ont été utilisés par des peintres allemands (M. Lieberman, L. Corinth), américains (J. Whistler), suédois (A.L. Zorn), russes (K.A. Korovin, I.E. Grabar) et bien d'autres. écoles nationales d'art. Le concept d'impressionnisme s'applique également à la sculpture des années 1880-1910, qui présente quelques traits impressionnistes - la volonté de rendre le mouvement instantané, la fluidité et la douceur de la forme, l'esquisse plastique (œuvres d'O. Rodin, statuettes en bronze de Degas, etc. .). L'impressionnisme en beaux-Arts influencé le développement des moyens d'expression de la littérature contemporaine, la musique, le théâtre. En interaction et en polémique avec le système pictural de ce style en culture artistique En France, à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, le néo-impressionnisme et le post-impressionnisme sont apparus.
néo-impressionnisme(Néo-impressionnisme français) - une tendance dans la peinture qui est apparue en France vers 1885, lorsque ses principaux maîtres, J. Seurat et P. Signac, ont développé une nouvelle technique de peinture du divisionnisme. Les néo-impressionnistes français et leurs successeurs (T. van Reiselberg en Belgique, G. Segantini en Italie et autres), développant les tendances de l'impressionnisme tardif, ont cherché à appliquer les découvertes modernes dans le domaine de l'optique à l'art, donnant un caractère méthodique à les méthodes de décomposition des tons en couleurs pures ; en même temps, ils ont surmonté le caractère aléatoire, la fragmentation de la composition impressionniste, ont eu recours à des solutions décoratives plates dans leurs paysages et à des peintures sur panneaux à plusieurs figures.
post-impressionnisme(de lat. post - après et impressionnisme) - le nom collectif des principales tendances de la peinture française de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Depuis le milieu des années 1880, les maîtres post-impressionnistes recherchent de nouveaux des moyens d'expression capable de dépasser l'empirisme de la pensée artistique et permettant de passer de la fixation impressionniste de moments individuels de la vie à l'incarnation de ses états à long terme, de ses constantes matérielles et spirituelles. La période du post-impressionnisme se caractérise par l'interaction active des tendances individuelles et des systèmes créatifs individuels. Le post-impressionnisme se classe généralement comme l'œuvre de maîtres néo-impressionnistes, le groupe Nabis, ainsi que V. van Gogh, P. Cézanne, P. Gauguin.
Les données de référence et biographiques de la "Planet Small Bay Painting Gallery" sont préparées sur la base des documents de "l'histoire de l'art étranger" (édité par M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), " Encyclopédie de l'artétranger art classique", "Grande Encyclopédie Russe".
