Deci, au fost doi poli principali:

• Tragedia ca o demonstrație a normei luptei morale a unei persoane în procesul de autoafirmare personală
• Comedia, ca imagine a unei abateri de la normă, o etalare a laturilor absurde și, prin urmare, amuzante ale vieții - aceștia sunt cei doi poli ai înțelegerii artistice a lumii în teatrul clasicismului

!!! Cuvântul „normă” este cheia aici. Nu există absolut nicio cale fără o normă.

Despre comedie, N. Boileau a scris:

Dacă vrei să devii celebru în comedie,

Alege natura ca mentor...

Cunoașteți orășenii, studiați curtenii;

Căutați în mod conștient personaje printre ele.

În sistemul ordonat ierarhic al genurilor dramatice ale clasicismului, comedia a ocupat un loc gen scăzut, fiind antipodul tragediei. S-a adresat acelei sfere a manifestărilor umane în care au funcționat situații reduse, au domnit lumea cotidianului, interesul propriu, vicii umane și sociale.

Comediile lui Moliere. Comediile lui J.B.Molière sunt apogeul comediilor clasicismului.

Dacă comedia pre-Molieră a căutat mai ales să amuze privitorul, introducându-l în stilul elegant de salon, atunci comedia Moliere, absorbind principiile carnavalului și râsului, conținea în același timp adevărul vieții și autenticitatea tipică a personajelor.

Totuși, teoreticianul clasicismului N. Boileau, în timp ce aducea un omagiu marelui comediant francez în calitate de creator al „înaltei comedie”, l-a condamnat în același timp pentru că a apelat la tradiţii farsale şi de carnaval.

În caz contrar, Moliere este fidel legilor clasicismului - caracterul eroului, de regulă, este concentrat pe o singură pasiune. Enciclopedistul Denis Diderot l-a creditat pe Moliere cu faptul că în „Avarul” și „Tartuffe” dramaturgul „a recreat pe toți oamenii zgârciți și pe tartufii lumii. Iată cele mai exprimate trăsături generale, cele mai caracteristice, dar nu este un portret al niciunuia dintre ei, așa că niciunul nu se recunoaște pe sine.”

Pentru Moliere, esența comediei stă în primul rând în critica viciilor dăunătoare din punct de vedere social și o credință optimistă în triumful rațiunii umane(„Tartuffe”, „Avarul”, „Mizantropul”).

Problema caracterului în comedia clasică „The Miser”

Tradiția literară a piesei lui Moliere este legată de izvoarele antice. Unul dintre prototipurile Harpagonului lui Molière este, fără îndoială, imaginea avarului din comedia „Oala mică” a vechiului dramaturg roman Plautus.

Comedia lui Molière este tipică "comedie cu personaje" Designul scenic al ideii principale a piesei poartă caracteristicile convenției:

• intriga este convențională, complex, confuz, cu o serie de ciocniri neobișnuite, greșeli, recunoașteri, caracteristice așa-numitei „comedie a erorilor”
• condiţional până la un punct eroii piese de teatru - tineri buni, servitori iute la minte și devotați.

În fața noastră se află o abstracție binecunoscută în conformitate cu principiile teatrului clasic, dar este atât de magistral concepută din punct de vedere al efectului scenic, prezentată privitorului cu atâta inteligență încât ideea de zgârcenie, întruchipată în imaginea lui Harpagon, devine o idee concretă, vizibilă.

Moliere nu descrie caracterul unei persoane în toată amploarea și diversitatea trăsăturilor sale, ci numai o trăsătură dominantă a lui, subordonând totul ei acțiune scenică. Pușkin a subliniat pe bună dreptate această trăsătură a comediei dramaturgului francez: „În Shakespeare, Shylock este zgârcit, viclean, răzbunător, iubitor de copii și plin de spirit. În Molière - Avarul este zgârcit și asta-i tot.” Omul zgârcit al lui Moliere este ridicol și jalnic, la fel cum este ridicol în sursele primare antice. Este dezgustător, dar nu înfricoșător. Harpagonul lui Moliere este în primul rând un personaj de comedie. Moliere a arătat latura amuzantă a viciului, a făcut-o privitorului râde de viciu.

Despre Moliere: 1622-1673, Franta. Născut în familia unui tapițar și decorator de curte, a primit o educație excelentă. Cunoștea limbi antice literatura antica, istorie, filozofie etc. De acolo am câștigat convingeri despre libertatea persoanei umane. Ar fi putut fi un om de știință, un avocat sau să calce pe urmele tatălui său, dar a devenit actor (și asta a fost păcat). A jucat la Teatrul Brilliant, în ciuda talentului său pentru roluri comice, aproape toată trupa a pus în scenă tragedii. Doi ani mai târziu, teatrul s-a desființat și au devenit un teatru ambulant. Moliere s-a uitat la oameni, la viață, la personaje, și-a dat seama că sunt mai buni comedianți decât tragedii și a început să scrie comedii. La Paris au fost primiți cu încântare, Ludovic al 14-lea le-a lăsat teatrul de curte pentru a fi rupt în bucăți, iar apoi și-au luat al lor - Palais Royal. Acolo a pus în scenă faxuri și comedii pe teme de actualitate, a ridiculizat viciile societății, uneori ale indivizilor și, firește, și-a făcut dușmani. Cu toate acestea, a fost favorizat de rege și a devenit favoritul lui. Louis a devenit chiar finul fiului său primul născut pentru a alunga zvonurile și bârfele din căsătoria lui. Și totuși, oamenilor le-au plăcut piesele și chiar și mie le-au plăcut)

Dramaturgul a murit după a patra reprezentație din The Imaginary Invalid; s-a simțit rău pe scenă și abia a terminat spectacolul. În aceeași noapte a murit Moliere. Înmormântarea lui Moliere, care a murit fără pocăință bisericească și nu a renunțat la profesia „rușinoasă” de actor, s-a transformat într-un scandal public. Arhiepiscopul Parisului, care nu l-a iertat pe Moliere pentru Tartuffe, nu a permis ca marele scriitor să fie îngropat după obiceiul rit bisericesc. A fost nevoie de intervenția regelui. Înmormântarea a avut loc seara târziu, fără a fi respectate ceremonii adecvate, în afara gardului cimitirului, unde erau de obicei îngropați vagabonzi și sinucideri necunoscuți. Cu toate acestea, în spatele sicriului lui Moliere, împreună cu familia, prietenii și colegii săi, se afla o mulțime mare de oameni obișnuiți, a căror părere Moliere a ascultat atât de subtil.

În clasicism, regulile pentru construirea comediei nu au fost interpretate la fel de strict ca regulile tragediei și au permis o variație mai largă. Împărtășind principiile clasicismului ca sistem artistic, Moliere a făcut adevărate descoperiri în domeniul comediei. El a cerut o reprezentare veridică a realității, preferând să treacă de la observarea directă a fenomenelor vieții la crearea unor personaje tipice. Aceste personaje, sub condeiul dramaturgului, capătă definiție socială; Prin urmare, multe dintre observațiile sale s-au dovedit a fi profetice: astfel, de exemplu, este reprezentarea particularităților psihologiei burgheze. Satira în comediile lui Moliere a fost întotdeauna cuprinsă sens social. Comicul nu a pictat portrete și nici nu a înregistrat fenomene secundare ale realității. A creat comedii care descriau viața și obiceiurile de zi cu zi societate modernă, dar pentru Moliere a fost în esență o formă de exprimare a protestului social, o cerere de dreptate socială. Viziunea sa asupra lumii se baza pe cunoștințe experimentale, pe observații concrete ale vieții, pe care le-a preferat speculațiilor abstracte. În părerile sale despre moralitate, Moliere era convins că doar respectarea legilor naturale este cheia comportamentului uman rațional și moral. Dar a scris comedii, ceea ce înseamnă că atenția i-a fost atrasă de încălcări ale normelor naturii umane, abateri de la instinctele naturale în numele valorilor exagerate. În comediile sale sunt înfățișate două tipuri de „proști”: cei care nu își cunosc natura și legile ei (Moliere încearcă să învețe și să trezească astfel de oameni) și cei care schilodesc în mod deliberat natura lor sau a altcuiva (el consideră că persoane periculoase și care necesită izolare) . Potrivit dramaturgului, dacă natura unei persoane este pervertită, el devine un monstru moral; Idealurile false, false, stau la baza moralității false, pervertite. Moliere cerea o rigoare morală autentică, restricții rezonabile asupra individului; Libertatea personală pentru el nu este aderarea oarbă la chemarea naturii, ci capacitatea de a-și subordona natura cerințelor rațiunii. Prin urmare, eroii săi pozitivi sunt rezonabili și sensibili.

Moliere a scris comedii doua tipuri; diferă în conținut, intriga, natură comică și structură. Comedii domestice , scurt, scris în proză, intriga amintește de faruri. Și, de fapt, « înaltă comedie» .

1. Dedicat problemelor sociale importante (nu doar ridiculizării manierelor ca în „Funny Primroses”, ci și expunerii viciilor societății).

2. În cinci acte.

3. În versuri.

4. Respectarea deplină a trinității clasice (loc, timp, acțiune)

5. Comic: personaj comic, comic intelectual.

6. Fără convenții.

7. Caracterul eroilor este relevat de factori externi și interni. Factori externi – evenimente, situații, acțiuni. Experiențe interne - spirituale.

8. Roluri standard. Tinerii eroi sunt de obicei îndrăgostiți ; servitorii lor (de obicei vicleni, complici ai stăpânilor lor); erou excentric (un clovn, un personaj plin de contradicții comice); erou-înțelept , sau raționator .

De exemplu: Tartuffe, Mizantrop, Negustor printre nobilimi, Don Juan, în general, tot ce trebuia citit. Aceste comedii conțin elemente de farsă și comedie de intriga și comedie de maniere, dar de fapt acestea sunt comedii ale clasicismului. Moliere însuși a descris semnificația conținutului lor social după cum urmează: „Nu poți pătrunde oamenii mai bine decât descriindu-le deficiențele. Oamenii ascultă cu indiferență reproșurile, dar nu suportă ridicolul... Comedia salvează oamenii de viciile lor.” Don JuanÎnainte de el, totul a fost transformat într-o piesă edificatoare creștină, dar el a mers pe un alt drum. Piesa este plină de concretețe socială și cotidiană (vezi punctul „fără convenții”). Personajul principal nu este o greblă abstractă sau întruchiparea desfrânării universale, ci un reprezentant al unui anumit tip de nobili francezi. Este o persoană tipică, concretă, nu un simbol. Crearea propriei dvs Don Juan, Moliere a denunţat nu desfrânarea în general, ci imoralitatea inerentă aristocratului francez din secolul 17. Sunt o mulţime de detalii din viata reala, dar cred că veți găsi asta în biletul corespunzător. Ipocrit- nu este întruchiparea ipocriziei ca viciu uman universal, este un tip generalizat social. Nu degeaba nu este deloc singur în comedie: servitorul său Laurent, executorul judecătoresc Loyal și bătrâna - mama lui Orgon, Madame Pernel - sunt ipocriti. Toți își acoperă acțiunile inestetice cu discursuri evlavioase și monitorizează cu atenție comportamentul celorlalți.

Mizantrop a fost chiar recunoscută de strictul Boileau ca o cu adevărat „comedia de înaltă”. În ea, Moliere arăta nedreptatea sistemului social, declinul moral, răzvrătirea unei personalități puternice și nobile împotriva răului social. Contrastează două filosofii, două viziuni asupra lumii (Alceste și Flint sunt opuse). Este lipsită de orice efecte teatrale, dialogul aici înlocuiește complet acțiunea, iar comedia personajelor este comedia situațiilor. „Mizantropul” a fost creat în timpul proceselor serioase care au avut loc pe Moliere. Acest lucru, poate, explică conținutul său - profund și trist. Comedia acestei piese esențial tragice este legată tocmai de personajul personajului principal, care este înzestrat cu slăbiciuni. Alceste are un temperament fierbinte, îi lipsește simțul proporției și al tactului, predă oameni nesemnificativi, idealizează femeia nedemnă Celimene, o iubește, îi iartă totul, suferă, dar speră că va reînvia calitățile bune pe care le-a pierdut. Dar el se înșeală, nu vede că ea aparține deja mediului pe care el îl respinge. Alceste este o expresie a idealului lui Moliere, într-un fel un raționator, care transmite opinia autorului publicului.

Despre Negustor în nobilime(nu este pe bilete, dar este pe listă):

Reprezentând oameni din starea a treia, burghezii, Moliere îi împarte în trei grupuri: cei care erau caracterizați de patriarhie, inerție și conservatorism; oameni de un tip nou, cu sentimente Stimă de sineși, în sfârșit, cei care imită nobilimea, ceea ce are un efect dăunător asupra psihicului lor. Acestea din urmă includ personaj principal„Burghezii dintre nobilimi” domnule Jourdain.

Acesta este un om complet capturat de un singur vis - să devină un nobil. Oportunitatea de a se apropia de oamenii nobili este fericirea pentru el, toată ambiția lui constă în a obține asemănări cu aceștia, întreaga sa viață este dorința de a-i imita. Gândul la noblețe îl stăpânește complet; în această orbire mentală el pierde orice înțelegere corectă a lumii. Acționează fără raționament, în detrimentul său. El ajunge la punctul de depravare spirituală și începe să-i fie rușine de părinții săi. El este păcălit de oricine vrea; este jefuit de profesori de muzică, dans, scrimă, filozofie, croitori și diverși ucenici. Nepoliticosul, relele maniere, ignoranța, vulgaritatea limbajului și manierele domnului Jourdain contrastează comic cu pretențiile sale de grație și luciu nobile. Dar Jourdain stârnește râs, nu dezgust, pentru că, spre deosebire de alți parveniți asemănători, el venerează dezinteresat nobilimii, din ignoranță, ca pe un fel de vis de frumos.

Domnul Jourdain i se opune soția sa, un adevărat reprezentant al filistinismului. Acest lucru este sănătos femeie practică cu stima de sine. Ea încearcă din toate puterile ei să reziste maniei soțului ei, pretențiilor lui nepotrivite și, cel mai important, să curețe casa de oaspeți neinvitați care trăiesc în detrimentul lui Jourdain și exploatează credulitatea și vanitatea lui. Spre deosebire de soțul ei, ea nu are niciun respect pentru titlul de nobilime și preferă să-și căsătorească fiica cu un bărbat care să-i fie egal și să nu privească cu dispreț rudele ei burgheze. Generația mai tânără - fiica lui Jourdain Lucille și logodnicul ei Cleont - sunt oameni de un tip nou. Lucille a primit buna educatie, ea îl iubește pe Cleonte pentru virtuțile sale. Cleont este nobil, dar nu prin origine, ci prin caracter și calități morale: cinstit, sincer, iubitor, poate fi de folos societății și statului.

Cine sunt cei pe care Jourdain vrea să-i imite? Contele Dorant și marchiza Dorimena sunt oameni de naștere nobilă, au maniere rafinate și o politețe captivantă. Dar contele este un biet aventurier, un escroc, gata de orice răutate, chiar de proxenetism, de dragul banilor. Dorimena, împreună cu Dorant, îl jefuiește pe Jourdain. Concluzia la care Moliere conduce privitorul este evidentă: chiar dacă Jourdain este ignorant și simplist, deși este ridicol și egoist, este un om cinstit și nu are ce să-l disprețuiască. Din punct de vedere moral, încrezător și naiv în visele sale, Jourdain este mai înalt decât aristocrații. Așadar, baletul-comedia, al cărui scop inițial era să-l distreze pe rege în castelul său din Chambord, unde mergea la vânătoare, a devenit, sub condeiul lui Molière, o operă satirică, socială.

22. „Mizantrop”

Scurtă recapitulare:

1 ACȚIUNE. În capitala Parisului locuiesc doi prieteni, Alceste și Philinte. Încă de la începutul piesei, Alceste arde de indignare pentru că Philinte l-a salutat călduros și i-a cântat laude omului pe care tocmai îl văzuse, chiar și al cărui nume își amintește cu greu. Filint asigură că toate relațiile sunt construite pe politețe, pentru că este ca un avans - a spus el bunătate - primești bunătate în schimb, e frumos. Alceste susține că o astfel de „prietenie” nu are valoare, că disprețuiește rasa umană pentru înșelăciune, ipocrizie și depravare; Alceste nu vrea să spună o minciună dacă nu îi place o persoană - este gata să spună asta, dar nu va minți și nu va minți și servil de dragul carierei sau al banilor. Este gata chiar să piardă un proces în care el, cel potrivit, dă în judecată un om care și-a realizat averea în cele mai dezgustătoare moduri, dar căruia, totuși, toată lumea este binevenită și nimeni nu va spune o vorbă rea. Alceste respinge sfatul lui Philinte de a mitui judecătorii - și consideră că posibila lui pierdere este o ocazie de a spune lumii despre corupția oamenilor și depravarea lumii. Philinte observă însă că Alceste, disprețuind întregul neam uman și dorind să evadeze din oraș, nu-și atribuie ura lui Celimene, o frumusețe cochetă și ipocrită - deși Elianta, verișoara lui Celimene, ar fi o soție mult mai potrivită pentru sincera sa. și natură directă. Dar Alceste crede că Selimene este frumoasă și pură, deși acoperită cu un strop de viciu, dar cu al ei dragoste adevarata el speră să-și curețe iubitul de murdăria luminii.

Prietenilor li se alătură Oroante, care își exprimă dorința arzătoare de a deveni prietenul lui Alceste, căruia acesta încearcă să-l refuze politicos, spunând că este nedemn de o asemenea onoare. Oroant îi cere lui Alceste să-și spună părerea cu privire la sonetul care i-a venit în minte, după care citește versurile. Poeziile lui Oroante sunt gunoaie, pompoase, clișee, iar Alceste, după ce i-a cerut mult lui Oroante să fie sincer, îi răspunde că se presupune că a spus unuia dintre cunoscuţii mei poet că grafomania trebuie reținută în sine, că poezia modernă este un ordin de mărime mai rea decât cea antică cântece franceze(și cântă de două ori un astfel de cântec) încât prostiile autorilor profesioniști mai pot fi tolerate, dar atunci când un amator nu numai că scrie, ci se grăbește și să-și citească rimele tuturor, aceasta nu mai este o opțiune. Oroant, însă, ia totul personal și pleacă jignit. Philint îi sugerează lui Alceste că, cu sinceritatea sa, el și-a făcut un alt dușman.

2 ACȚIUNE. Alceste îi spune iubitei sale, Celimene, despre sentimentele sale, dar este nemulțumit de faptul că Celimene îi arată favoarea tuturor fanilor ei. El vrea să fie singur în inima ei și să nu o împartă cu nimeni. Selimene relatează că este surprinsă de acest nou mod de a-i face complimente iubitei ei - mormăi și înjurături. Alceste vorbește despre dragostea lui de foc și vrea să discute serios cu Celimene. Dar servitorul lui Celimene, bascul, vorbește despre oameni care au venit în vizită, iar a-i refuza înseamnă a-ți face dușmani periculoși. Alceste nu vrea să asculte vorbăria mincinoasă a lumii și calomniile, dar rămâne. Invitații îi cer pe rând părerea Celimenei despre cunoștințele lor comune, iar în fiecare dintre cei absenți, Celimena notează câteva trăsături demne de un râs malefic. Alceste este indignat de modul în care oaspeții, cu lingușire și aprobare, își obligă iubitul să calomnieze. Toată lumea observă că nu este așa și este într-un fel greșit să îi reproșezi persoanei dragi. Oaspeții pleacă treptat, iar Alceste este dus în judecată de un jandarm.

3 ACȚIUNE. Clitander și Acast, doi dintre invitați, pretendenți la mâna lui Celimene, sunt de acord că cel dintre ei care va continua hărțuirea va primi confirmarea afecțiunii ei de la fată. Odată cu apariția lui Selimene, ei încep să vorbească despre Arsinoe, un prieten comun care nu are atât de mulți fani ca Selimene și, prin urmare, predică cu sfințenie abținerea de la vicii; Mai mult, Arsinoe este îndrăgostită de Alceste, care nu-i împărtășește sentimentele, dându-și inima lui Celimene, iar pentru aceasta Arsinoe o urăște.

Arsinoe, care a sosit în vizită, este întâmpinat cu bucurie de toată lumea, iar cei doi marchizi pleacă, lăsând-o pe doamne în pace. Ei fac schimb de plăcere, după care Arsinoe vorbește despre bârfe care se presupune că pun la îndoială castitatea lui Celimene. Ea răspunde vorbind despre alte bârfe - despre ipocrizia lui Arsinoe. Apare Alceste și întrerupe conversația, Selimene pleacă să scrie o scrisoare importantă, iar Arsinoe rămâne alături de iubitul ei. Ea îl duce la ea acasă pentru a-i arăta o scrisoare care se presupune că compromite devotamentul lui Celimene față de Alceste.

4 ACȚIUNE. Philinte îi spune lui Eliante despre modul în care Alceste a refuzat să recunoască poeziile lui Oroante ca fiind demne, criticând sonetul în conformitate cu sinceritatea sa obișnuită. S-a împăcat cu greu cu poetul, iar Elianta constată că îi place personajul lui Alceste și ar fi bucuroasă să-i devină soție. Philinte recunoaște că Elianta poate conta pe el ca mire dacă Celimene se căsătorește cu Alceste. Alceste apare cu o scrisoare, furios de gelozie. După ce au încercat să-și răcorească furia, Philinte și Eliante îl lasă cu Celimene. Ea jură că îl iubește pe Alceste, iar scrisoarea a fost pur și simplu interpretată greșit de el și, cel mai probabil, această scrisoare nu este deloc adresată domnului, ci doamnei - ceea ce îi înlătură scandalosul. Alceste, refuzând să-l asculte pe Celimene, recunoaște în cele din urmă că dragostea îl face să uite de scrisoare și el însuși vrea să-și justifice iubita. Dubois, servitorul lui Alceste, insistă că stăpânul său are mari probleme, că se confruntă cu o concluzie că prieten bun I-a spus lui Alceste să se ascundă și i-a scris o scrisoare, pe care Dubois a uitat-o ​​în hol, dar o va aduce. Selimene îl grăbește pe Alceste să afle care este problema.

5 ACȚIUNE. Alceste a fost condamnat să plătească o sumă uriașă într-un dosar pierdut până la urmă, despre care Alceste a vorbit cu Philint la începutul piesei. Dar Alcest nu vrea să facă apel la decizia - acum este ferm convins de depravarea și greșeala oamenilor, vrea să lase ceea ce s-a întâmplat drept motiv pentru a declara lumii ura sa față de rasa umană. În plus, același ticălos care a câștigat procesul împotriva lui îi atribuie lui Alceste „cărțica ticăloasă” pe care a publicat-o - iar „poetul” Orontes, jignit de Alceste, ia parte la aceasta. Alceste se ascunde în adâncul scenei, iar Orontes, care apare, începe să ceară recunoașterea lui Celimene a dragostei ei pentru el. Alceste iese și începe, împreună cu Orontes, să ceară fetei o decizie finală - astfel încât aceasta să-și recunoască preferința pentru unul dintre ei. Selimene este jenată și nu vrea să vorbească deschis despre sentimentele ei, dar bărbații insistă. Marchezii veniți, Elianta, Philinte, Arsinoe, au citit cu voce tare scrisoarea lui Celimene către unul dintre marchizi, în care ea face aluzie la reciprocitate, defăimând pe toți ceilalți cunoscuți prezenți pe scenă, cu excepția lui Elianta și Philint. Toți, după ce au auzit „martorul” despre ei înșiși, sunt jigniți și părăsesc scena, și doar Alceste rămasă spune că nu este supărat pe iubita lui și este gata să o ierte totul dacă ea acceptă să părăsească orașul cu el și locuiește căsătorit într-un colț liniștit. Celimene vorbește cu ostilitate despre evadarea din lume la o vârstă atât de fragedă, iar după ce și-a repetat de două ori judecata cu privire la această idee, Alceste exclamă că nu mai vrea să rămână în această societate și promite că va uita de dragostea lui Celimene.

„Mizantropul” aparține „înalte comedii” ale lui Moliere, care a trecut dintr-un sitcom cu elemente de teatru popular (farsă, vocabular scăzut etc.), deși nu complet (în „Tartuffe”, de exemplu, elementele de farsă sunt păstrat - de exemplu, Orgon se ascunde sub masă pentru a vedea întâlnirea soției sale și Tartuffe, care o hărțuiește), spre comedie intelectuală. Comediile înalte ale lui Moliere sunt comedii de caracter, iar în ele cursul acțiunii și conflictele dramatice apar și se dezvoltă datorită caracteristicilor personajelor personajelor principale - iar personajele personajelor principale ale „comediilor înalte” au trăsături exagerate care provoacă conflict între ei între personajele dintre ei și societate.

Deci, după „Don Juan” în 1666, Moliere a scris și pus în scenă „Mizantropul”, iar această comedie este cea mai înaltă reflectare a „înaltei comedie” - este complet lipsită de efecte teatrale, iar acțiunea și drama sunt create numai de dialoguri și ciocniri de personaje. În „Mizantropul” sunt respectate toate cele trei unități și, în general, aceasta este una dintre comediile „cele mai clasiciste” ale lui Moliere (în comparație cu același „Don Juan”, în care regulile clasicismului sunt încălcate liber).

Personajul principal este Alceste (mizantrop - „nu oameni iubitori"), sincer și direct (acesta este al lui caracteristică), disprețuind societatea pentru minciuni și ipocrizie, disperat să lupte cu ea (nu vrea să câștige un proces judiciar cu mită), visând să evadeze în singurătate - ceea ce se întâmplă la sfârșitul lucrării. Al doilea personaj principal este Philinte, un prieten al lui Alceste, care, ca și Alceste, este conștient de esența înșelăciunii, egoismului și lăcomiei în societatea umană, dar se adaptează la aceasta pentru a supraviețui în societatea umană. De asemenea, încearcă să-i explice lui Alceste că „neregularitățile” pe care le vede sunt reflectări ale unor mici greșeli din natura umană, care ar trebui tratate cu condescendență. Totuși, Alceste nu vrea să-și ascundă atitudinea față de oameni, nu vrea să meargă împotriva firii sale, slujește la curte, unde pentru a se ridica nu este nevoie de isprăvi în fața patriei, ci de activitate imorală, care , cu toate acestea, nu provoacă nicio cenzură din partea societății.

Așa se naște opoziția dintre eroul excentric (Alceste) și eroul înțelept (Philint). Philinte, pe baza înțelegerii sale a situației, face un compromis, în timp ce Alcestus nu vrea să ierte „slăbiciunea naturii umane”. Deși Philinte încearcă pe cât posibil să înfrâneze impulsurile lui Alcest care scapă de limitele obiceiurilor sociale și le fac mai puțin periculoase pentru el însuși, Alcest, eroul rebel, își exprimă deschis protestul față de urâțenia socială pe care o întâlnește peste tot. Cu toate acestea, comportamentul său este perceput fie ca „eroism nobil”, fie ca excentricitate.

Alceste, în legătură cu regulile clasicismului, nu este complet ideal - iar efectul comic al „comediei triste”, cum se numește „Mizantropul”, se naște din cauza slăbiciunilor lui Alceste - dragostea sa puternică și geloasă, iertând neajunsurile lui Celimene. , ardoarea și necumpătarea lui cu limba atunci când formează vicii. Totuși, acest lucru îl face și mai simpatic și mai plin de viață - în conformitate cu poetica de bază a clasicismului.

23. „Tartuf”

Scurtă relatare de la briefley.ru:

Madame Pernelle îl protejează pe Tartuffe de gospodărie. În casa venerabilului Orgon, la invitația proprietarului, un anume domnule Tartuffe. Orgon îl adora, considerându-l un exemplu incomparabil de dreptate și înțelepciune: discursurile lui Tartuffe erau extrem de sublime, învățăturile sale - datorită cărora Orgon a aflat că lumea este o mare cloacă, iar acum nu va clipi, îngropându-și soția, copii și alți oameni dragi - extrem de util, evlavia a stârnit admirație; și cât de altruist prețuia Tartuffe moralitatea familiei lui Orgon... Dintre toți membrii gospodăriei, admirația lui Orgon pentru noul om neprihănit era împărtășită, totuși, numai de mama lui, Madame Pernelle. La început, doamna Pernelle a spus că singurul din această casă om bun- Tartuf. Dorina, servitoarea Marianei, după părerea ei, este o persoană nepoliticosă zgomotoasă, Elmira, soția lui Orgon, este risipitoare, fratele ei Cleanthes este un liber gânditor, copiii lui Orgon, Damis, un prost și Mariana o fată modestă, dar într-o piscină liniștită! Dar toți văd în Tartuffe cine a fost cu adevărat - un sfânt ipocrit, care profită inteligent de amăgirea lui Orgon în simplele sale interese pământești: să mănânce bine și să doarmă moale, să aibă un acoperiș de încredere deasupra capului și alte beneficii.

Familia lui Orgon a fost complet dezgustată de învățăturile morale ale lui Tartuffe; cu grijile sale legate de decență, el și-a alungat aproape toți prietenii departe de casă. Dar de îndată ce cineva a vorbit urât despre acest zelot al evlaviei, doamna Pernelle a creat scene furtunoase, iar Orgon pur și simplu a rămas surd la orice discurs care nu era impregnat de admirație pentru Tartuffe. Când Orgon s-a întors dintr-o scurtă absență și a cerut de la servitoarea Dorina un raport despre știrile de acasă, vestea despre boala soției sale l-a lăsat complet indiferent, în timp ce povestea despre cum s-a întâmplat ca Tartuffe să mănânce exagerat la cină, apoi să doarmă până la prânz și bea prea mult vin la micul dejun, l-a umplut pe Orgon de compasiune pentru bietul om; „O, săracul!” - spune despre Tartuffe, în timp ce Dorina vorbește despre cât de rea a fost soția lui.

Fiica lui Orgon, Mariana, este îndrăgostită de un tânăr nobil pe nume Valer, iar fratele ei Damis este îndrăgostit de sora lui Valer. Orgon pare să-și fi dat deja acordul cu privire la căsătoria Marianei și a Valerei, dar din anumite motive continuă să amâne nunta. Damis, îngrijorat de propria sa soartă - căsătoria lui cu sora Valerei trebuia să urmeze nunții Marianei - i-a cerut lui Cleanthe să afle de la Orgon motivul întârzierii. Orgon a răspuns la întrebări atât de evaziv și de neînțeles, încât Cleanthes bănuia că se hotărâse cumva să elimine viitorul fiicei sale.

Exact cum vede Orgon viitorul Marianei a devenit clar atunci când i-a spus fiicei sale că perfecțiunile lui Tartuffe au nevoie de recompensă și acea recompensă va fi căsătoria lui cu ea, Mariana. Fata a rămas uluită, dar nu a îndrăznit să-și contrazică tatăl. Dorina a trebuit să o susțină: slujnica a încercat să-i explice lui Orgon că căsătoria Marianei cu Tartuffe - un cerșetor, un ciudat slăbit - ar însemna să devină subiectul ridicolului întregului oraș și, în plus, și-ar împinge fiica pe calea păcatului, căci oricât de virtuoasă ar fi fata, ea nu ar fi făcut-o. Pur și simplu este imposibil să încoroci un soț ca Tartuffe. Dorina a vorbit foarte pasional și convingător, dar, în ciuda acestui fapt, Orgon a rămas neclintit în hotărârea sa de a se rude cu Tartuffe.

Mariana era gata să se supună voinței tatălui ei - așa i-a spus datoria fiicei sale. Dorina a încercat să-și depășească supunerea, dictată de timiditatea firească și respectul față de tatăl ei, și aproape că a reușit să facă acest lucru, dezvăluind în fața Marianei imagini vii ale fericirii conjugale pregătite pentru el și Tartuffe.

Dar când Valer a întrebat-o pe Mariana dacă avea de gând să se supună testamentului lui Orgon, fata a răspuns că nu știe. Dar asta este doar pentru a „flirt”; ea o iubește sincer pe Valera. Într-un acces de disperare, Valer a sfătuit-o să facă ceea ce i-a poruncit tatăl ei, în timp ce el însuși se va găsi o mireasă care nu va înșela. acest cuvânt; Mariana a răspuns că va fi fericită doar de acest lucru și, ca urmare, îndrăgostiții aproape s-au despărțit pentru totdeauna, dar apoi a sosit la timp Dorina, care fusese deja influențată de acești iubiți cu „concesiunile” și „omisiunile” lor. Ea i-a convins pe tineri de necesitatea de a lupta pentru fericirea lor. Dar trebuie doar să acționeze nu direct, ci în moduri obișnuite, amânând timp - mireasa fie este bolnavă, fie semne rele vede și ceva va funcționa cu siguranță, pentru că toată lumea - Elmira, Cleanthes și Damis - este împotriva planului absurd al lui Orgon,

Damis, chiar prea hotărât, avea de gând să-și stăpânească în mod corespunzător Tartuffe, ca să uite să se căsătorească cu Mariana. Dorina a încercat să-i răcorească ardoarea, să-l convingă că se poate realiza mai mult cu viclenia decât cu amenințări, dar nu a reușit să-l convingă complet de asta.

Bănuind că Tartuffe nu este indiferent față de soția lui Orgon, Dorina a rugat-o pe Elmira să vorbească cu el și să afle ce crede el însuși despre căsătoria cu Mariana. Când Dorina i-a spus lui Tartuffe că doamna vrea să vorbească cu el față în față, sfântul s-a animat. La început, împrăștiind complimente grele în fața Elmirai, acesta nu i-a lăsat să deschidă gura, dar când în cele din urmă a pus o întrebare despre Mariana, Tartuffe a început să o asigure că inima lui era captivată de alta. Spre nedumerirea Elmirai - cum se face că un om cu viață sfântă este brusc cuprins de pasiunea trupească? - admiratorul ei i-a răspuns cu fervoare că da, este evlavios, dar în același timp este și bărbat, spunând că inima nu-i cremene... Imediat, fără cuvinte tocate, Tartuffe a invitat-o ​​pe Elmira să se răsfețe în deliciile iubirii. . Ca răspuns, Elmira a întrebat cum se va comporta, în opinia lui Tartuffe, soțul ei atunci când va afla despre hărțuirea lui urâtă. Dar Tartuffe spune că păcatul nu este un păcat atâta timp cât nimeni nu știe despre el. Elmira oferă o înțelegere: Orgon nu va afla nimic, Tartuffe, la rândul său, va încerca să o facă pe Mariana să se căsătorească cu Valere cât mai curând posibil.

Damis a stricat totul. A auzit conversația și, indignat, s-a repezit la tatăl său. Dar, așa cum s-ar putea aștepta, Orgon nu l-a crezut pe fiul său, ci pe Tartuffe, care de data aceasta s-a întrecut pe sine însuși în ipocrită înjosire de sine. T. se acuză de toate păcatele de moarte și spune că nici măcar nu va găsi scuze. Înfuriat, i-a ordonat lui Damis să iasă din vedere și a anunțat că astăzi Tartuffe se va căsători cu Mariana. Ca zestre, Orgon și-a dat întreaga avere viitorului său ginere.

Curata in ultima data a încercat să vorbească omenesc cu Tartuffe și să-l convingă să se împace cu Damis, să renunțe la proprietatea dobândită pe nedrept și Mariana - până la urmă, nu este potrivit ca un creștin să folosească o ceartă între tată și fiu pentru propria sa îmbogățire, cu atât mai puțin să condamne un fată la chinul de-o viață. Dar Tartuffe, un retor nobil, avea o scuză pentru toate.

Mariana l-a implorat pe tatăl ei să nu i-o dea lui Tartuffe – să-i ia zestrea, iar ea ar fi preferat să meargă la o mănăstire. Dar Orgon, care învățase ceva de la favoritul său, fără să clipească din ochi, l-a convins pe bietul vieții salvatoare de suflete cu un soț care provoacă doar dezgust - la urma urmei, mortificarea cărnii este doar utilă. În cele din urmă, Elmira nu a suportat asta - deoarece soțul ei nu crede cuvintele celor dragi, ar trebui să vadă cu ochii săi josnicia lui Tartuffe. Convins că trebuie să se asigure exact de opusul - de înalta moralitate a omului drept - Orgon a acceptat să se târască sub masă și de acolo să asculte conversația pe care Elmira și Tartuffe ar avea-o în privat.

Tartuffe s-a îndrăgostit imediat de discursurile prefăcute ale Elmirai despre care se presupune că avea un sentiment puternic pentru el, dar în același timp a dat dovadă de o anumită prudență: înainte de a refuza să se căsătorească cu Mariana, a vrut să primească de la mama ei vitregă, ca să spunem așa, o garanție palpabilă de tandrețe. sentimente. În ceea ce privește încălcarea poruncii, care va fi asociată cu livrarea acestui angajament, atunci, așa cum a asigurat-o Tartuffe pe Elmira, el are propriile sale moduri de a trata cu cerul.

Ceea ce a auzit Orgon de sub masă a fost suficient pentru ca credința lui oarbă în sfințenia lui Tartuffe să se prăbușească în cele din urmă. I-a ordonat ticălosului să plece imediat, a încercat să-și facă scuze, dar acum a fost inutil. Apoi Tartuffe și-a schimbat tonul și, înainte de a pleca cu mândrie, a promis că se va împăca brutal cu Orgon.

Amenințarea lui Tartuffe nu era neîntemeiată: în primul rând, Orgon reușise deja să emită un act de cadou casei sale, care astăzi a aparținut lui Tartuffe; în al doilea rând, i-a încredințat ticălosului un sicriu cu hârtii care îl incriminează pe Argas, prietenul său, care a fost nevoit să părăsească țara din motive politice.

Era necesar să cautăm urgent o cale de ieșire. Damis s-a oferit voluntar să-l bată pe Tartuffe și să-l descurajeze să-i facă rău, dar Cleanthe l-a oprit pe tânăr - el a susținut că se poate realiza mai mult cu mintea decât cu pumnii. Familia lui Orgon nu venise încă cu nimic când executorul judecătoresc, domnul Loyal, a apărut în pragul casei. A dat ordin să elibereze casa domnului Tartuffe până mâine dimineață. În acest moment, nu numai mâinile lui Damis au început să mâncărime, ci și Dorinei și chiar Orgon însuși.

După cum s-a dovedit, Tartuffe nu a ratat să folosească cea de-a doua ocazie pe care a avut-o pentru a-i strica viața recentului său binefăcător: Valère, încercând să salveze familia Marianei, îi avertizează cu vestea că ticălosul a predat un cufăr cu hârtii. rege, iar acum Orgon se confruntă cu arestarea pentru că l-a ajutat pe rebel. Orgon s-a hotărât să fugă înainte de a fi prea târziu, dar paznicii l-au trecut înainte: ofițerul care a intrat a anunțat că este arestat.

Tartuffe a venit și el în casa lui Orgon cu ofițerul regal. Familia, inclusiv doamna Pernel, care văzuse în sfârșit lumina, a început să-l facă de rușine în unanimitate pe ticălosul ipocrit, enumerandu-i toate păcatele. Tom s-a săturat curând de asta și s-a întors către ofițer cu o cerere de a-și proteja persoana de atacuri josnice, dar ca răspuns, spre marea sa - și a tuturor - uimirea, a auzit că a fost arestat.

După cum a explicat ofițerul, de fapt nu a venit pentru Orgon, ci pentru a vedea cum Tartuffe ajunge la capăt în nerușinarea lui. Înțeleptul rege, dușman al minciunii și fortăreață a dreptății, a avut de la bun început suspiciuni cu privire la identitatea informatorului și s-a dovedit a avea dreptate, ca întotdeauna - sub numele de Tartuffe se ascundea un ticălos și un escroc, pe a cărui socoteală se ascundeau foarte multe fapte întunecate. Cu autoritatea sa, suveranul a anulat actul de dar pentru casă și l-a iertat pe Orgon pentru că l-a ajutat indirect pe fratele său rebel.

Tartuffe a fost dus la închisoare în dizgrație, dar Orgon nu a avut de ales decât să laude înțelepciunea și generozitatea monarhului și apoi să binecuvânteze uniunea dintre Valera și Mariana: „nu există un exemplu mai bun,

Care este adevărata dragoste și devotament a Valerei?

2 grupuri de comedii Moliere:

1) comedii domestice, comedia lor este o comedie de situații („Funny primps”, „Doctor reticent”, etc.).

2) "comedii înalte" Ele ar trebui să fie scrise în principal în versuri și constau din cinci acte. Comicismul este comedie de caracter, comedie intelectuală („Tartuffe sau înșelatorul”,„Don Juan”, „Mizantrop”, etc.).

Istoria creației :

Ediția I 1664(nu a ajuns la noi) Doar trei acte. Tartuffe este o figură spirituală. Mariana este complet absentă. Tartuffe iese cu dibăcie din asta când fiul lui Orgon îl prinde cu Elmira (mama vitregă). Triumful lui Tartuffe a mărturisit fără echivoc pericolul ipocriziei.

Piesa urma să fie prezentată în timpul festivalului de curte „Distracțiile insulei fermecate”, care a avut loc în mai 1664 la Versailles. Totuși, ea a supărat vacanța. Împotriva lui Moliere a apărut o adevărată conspirație, condusă de Regina Mamă Ana a Austriei. Moliere a fost acuzat că a insultat religia și biserica, cerând pedeapsă pentru aceasta. Spectacolele piesei au fost oprite.

Ediția a II-a 1667. (nici nu a ajuns)

A mai adăugat două acte (au fost 5), în care a înfățișat legăturile ipocritului Tartuffe cu instanța, tribunalul și poliția. Tartuffe a fost numit Panjulf ​​​​și s-a transformat într-un socialite, intenționând să se căsătorească cu fiica lui Orgon, Marianne. Se numea comedia "Amăgitor" s-a încheiat cu expunerea lui Panyulf și glorificarea regelui.

Ediția a III-a 1669. (a ajuns la noi) ipocritul a fost din nou numit Tartuffe, iar întreaga piesă a fost „Tartuffe sau înșelatorul”.

„Tartuffe” a provocat o confruntare furioasă între biserică, rege și Moliere:

1. Ideea unui rege al comediei * Apropo, Ludovic al XIV-lea îl iubea în general pe Moliere*aprobat. După reprezentarea piesei, M. a trimis prima „Petiție” regelui, s-a apărat de acuzațiile de lipsă de Dumnezeu și a vorbit despre rol public scriitor satiric. Regele nu a ridicat interdicția, dar nu a ascultat sfaturile sfinților turbați „să ardă nu numai cartea, ci și autorul ei, un demon, un ateu și un libertin, care a scris o piesă diavolească plină de urâciune, în de care bate joc de biserică și religie, la funcții sacre.” .

2. Regele a dat voie să pună în scenă piesa la a 2-a ediție oral, în grabă, la plecarea în armată. Imediat după premieră, comedia a fost din nou interzisă de președintele Parlamentului. Arhiepiscopul Parisului Refix a interzis tuturor enoriașilor și duhovnicilor ania „prezentați, citiți sau ascultați o piesă periculoasă” sub pedeapsa excomunicarii . Moliere i-a trimis regelui o a doua „Petiție”, în care a declarat că nu va mai scrie complet dacă regele nu va veni în apărarea sa. Regele a promis că va rezolva.

3. Este clar că, în ciuda tuturor interdicțiilor, toată lumea citește cartea: în case particulare, o distribuie în manuscris și o interpretează în spectacole în casă închisă. Regina Mamă a murit în 1666* cel care era tot indignat*, iar Ludovic al XIV-lea i-a promis rapid lui Moliere permisiunea de a-l pune în scenă.

1668 an - anul „pacii bisericești” între catolicismul ortodox și jansenism => toleranță în chestiuni religioase. Tartuful este permis. 9 februarie 1669 spectacolul a fost un mare succes.

Spre deosebire de tragediile, producțiile clasice stricte, impunătoare comediile se remarcau prin libertatea inventiei regizorului. Pe scenă, actorii și corul au cântat și dansat. Corul a jucat un rol și mai activ decât în ​​tragedie. Membrii corului au purtat măști fantastice și s-au îmbrăcat în costume complicate. Adesea costumele corului dădeau denumirea comediilor, așa cum a fost cazul lui Aristofan. Astfel, costumele albe curgătoare ale corului seamănă cu norii care trec pe cer: comedia s-a numit „Nori”. În comedia „Călăreții”, membrii corului erau îmbrăcați în călăreți, unul dintre grupurile aristocratice din Atena. Același lucru este valabil și pentru comediile „Broaște” și „Viespi”.

Figurinele antice și desenele pe vaze dau o idee despre cum arătau actorii din comedii. Pe corp au fost atașate perne, ceea ce a deformat silueta și i-a dat o formă amuzantă. Pantofii deosebit de joase făceau picioarele urâte și subțiri. Masca comică a mărit comic capul actorului.

Potrivit oamenilor de știință, comedia atică antică este reprezentată de aproximativ 40 de autori. Doar 1 comedie completă a lui Aristofan a ajuns la noi (din cele 44 care îi sunt atribuite). Din autorii rămași, și printre aceștia au fost maeștri semnificativi, precum Eupolis, Cratinus, au supraviețuit doar fragmente. Astăzi, vechea comedie attică poate fi judecată numai pe baza lucrărilor lui Aristofan.

CORUL ŞI ROLUL SĂU

Participarea corului a determinat principalele caracteristici ale construcției tragedie greacă antică. Ieșire din cor(așa-numita parodă) pe scenă (orchestră) în primele tragedii ale lui Eschil marcat al lor start; în majoritatea tragediilor lui Eschil și întotdeauna în Sofocle și Euripide, parodia este precedată de un monolog introductiv sau de o scenă întreagă care conține o enunțare a situației inițiale a intrigii sau care dă începutul acesteia. Această parte a tragediei, în conformitate cu scopul ei, se numește prolog (adică prefață). Întregul curs ulterior al tragediei are loc în alternanța scenelor corale și dialogice (episoade). La sfârșitul părții de discurs, actorii părăsesc orchestra, iar corul, lăsat singur, interpretează stasimul. Stasim înseamnă literalmente "cântec în picioare": corul îl cântă, rămânând în orchestră, dar însoțind cântarea cu anumite mișcări de dans. Cântecele atât în ​​parodă, cât și în stasim sunt de obicei simetrice în natură, adică sunt împărțite în strofe și antistrofe, care, de regulă, corespund exact unele cu altele în dimensiune poetică. Uneori strofele simetrice se termină cu un epod, o încheiere de cântec; ele pot fi, de asemenea, precedate de o scurtă introducere a luminatorului. Acesta din urmă participă și la scene dialogice, intrând în contact direct cu ceilalți actori. Pe lângă scenele pur de vorbire sau corale, așa-numita commos se găsește și în tragedie - o parte vocală comună a solistului și a corului, în care lamentațiile plângătoare ale actorului sunt răspunse de refrenele corului.

Dacă volumul și semnificația stasimelor corale variază de la poet la poet, numărul lor este strict reglementat: după a treia și ultima stasimă, acțiunea tragediei se îndreaptă spre deznodământul ei.În Eschil, o mică scenă dialogică finală este adesea însoțită de un cântec final extins, care însoțește plecarea corului din orchestră într-o procesiune solemnă sau funerară (așa-numitul exod). Urmașii săi, dimpotrivă, extind de obicei semnificativ scena dialogică, iar corul rămâne cu o mică parte, care este de natura unei concluzii din ceea ce se arată în orchestră. Fiecare dintre cei trei dramaturgi concurenți a prezentat la Marea Dionisie nu o singură piesă, ci un grup de lucrări, format din trei tragedii și o dramă satirică. Acest complex în întregime a fost numit tetralogie și, dacă tragediile incluse în el erau legate de unitatea intrigii, formând o trilogie coerentă (ca de obicei cu Eschil), atunci drama satirică le era adiacentă în conținut, înfățișând o episod din același ciclu de mituri într-o lumină amuzantă. În acele cazuri în care nu a existat o astfel de legătură (cum este de obicei cazul cu Sofocle și Euripide), tema dramei satirice a fost aleasă în mod liber de către artist. Antichitatea a considerat că fondatorul acestui gen este poetul Pratin (sfârșitul al VI-lea - primul sfert al secolului al V-lea î.Hr.) din orașul dorian Phlius, dar el nu a fost, cel mai probabil, creatorul dramei satirice, care a apărut mult mai devreme, ci primul poet care i-a dat formă literară specifică. În adăugarea obligatorie a dramei satirice la trilogia tragică, s-a păstrat fără îndoială amintirea trecutului „satir” al tragediei în sine; totodată, atmosfera de distracție relaxată generată de prezența satirilor în orchestră a readus spectatorul în atmosfera veselului festival de primăvară al lui Dionysos.

La festivalul „marelui Dionysius”, instituit de tiranul atenian Pisistratus, pe lângă corurile lirice cu obligatoriu ditiramb (un gen de lirică corală greacă antică) cerut în cultul lui Dionysos, au mai susținut coruri tragice. Tradiția antică îl numește pe Thespis primul poet tragic al Atenei și indică anul 534 î.Hr. e. ca la data primei produceri a tragediei din timpul „marelui Dionisie”. Această tragedie atică timpurie de la sfârșitul secolului al VI-lea și începutul secolului al V-lea. nu era încă o dramă în sensul deplin al cuvântului. A fost una dintre ramurile lirismului coral, dar se deosebea prin două trăsături semnificative:

1) pe lângă cor, a jucat un actor, care a adresat un mesaj corului, a schimbat replici cu corul sau cu conducătorul acestuia (luminar); spre deosebire de părțile vocale ale corului, acest actor, introdus, conform tradiției străvechi, de Thespis, nu a cântat, ci a recitat versuri trohaice sau iambice;
2) corul a luat parte la joc, înfățișând un grup de oameni plasați într-o legătură intriga cu cei pe care actorul i-a reprezentat. Părțile actorului erau încă foarte mici ca cantitate, iar el, totuși, era purtătorul dinamicii jocului, întrucât dispozițiile lirice ale corului se schimbau în funcție de mesajele sale.

Creșterea semnificației sociale a individului în viața polisului și interesul sporit pentru reprezentarea sa artistică duc la faptul că în dezvoltarea ulterioară a tragediei rolul corului scade, importanța actorului crește și numărul de actori crește; dar cel mai mult rămâne neschimbat structura în două părți, prezența părților corale și a părților actorului. Se reflectă chiar și în colorarea dialectală a limbajului tragediei: în timp ce corul tragic gravitează spre dialectul dorian al versurilor corale, actorul și-a pronunțat rolurile în mansardă, cu o oarecare amestecare a dialectului ionian, care până atunci era limba. din toată poezia greacă declamativă (epopee, iambică) . Natura în două părți a tragediei atice determină și structura sa externă. Dacă tragedia, așa cum s-a întâmplat de obicei mai târziu, a început cu părțile actorilor, atunci această primă parte, înainte de sosirea corului, a constituit un prolog. A urmat apoi parada, sosirea corului; corul a intrat din ambele părți în ritm de marș și a interpretat un cântec. Ulterior, a avut loc o alternanță de episoade (adăugiri, adică nou-veniți de actori), scene de actorie și stasim (melodii în picioare), părți corale, interpretate de obicei la plecarea actorilor. După ultima stasim a avut loc un exod (ieșire), partea finală, la finalul căreia atât actorii, cât și corul au părăsit locul jocului. În episoade și exoduri, este posibil un dialog între actor și luminarul (conducătorul) corului, precum și kommos, o parte lirică comună a actorului și a corului. Această ultimă formă este deosebit de caracteristică tânguirii tradiționale a tragediei. Părțile corului au structură strofică. Strofa corespunde antistrofei; pot fi urmate de noi strofe și antistrofe de altă structură (schemă: aa, bb, ss); Epodele sunt relativ rare.

Nu au existat pauze în sensul modern al cuvântului în tragedia atică. Jocul a continuat, iar corul aproape că nu a părăsit locul jocului în timpul acțiunii. În aceste condiții, schimbarea scenei de acțiune în mijlocul piesei sau întinderea acesteia pentru o lungă perioadă de timp a creat o încălcare bruscă a iluziei scenice. Tragedia timpurie (inclusiv Eschil) nu a fost foarte solicitantă în acest sens și s-a ocupat destul de liber atât de timp, cât și de loc, folosind diferite părți ale site-ului pe care s-a desfășurat jocul ca locuri diferite de acțiune; Ulterior, s-a obișnuit, deși nu absolut obligatoriu, ca tragedia să aibă loc într-un loc și să nu depășească o zi în durată. Aceste caracteristici ale construcției tragediei grecești dezvoltate au fost dobândite în secolul al XVI-lea. numele de „unitate de loc” și „unitate de timp și”. Poetică clasicismul francez a dat, după cum se știe, foarte mare importanță„unități” și le-a ridicat la principiul dramatic principal. Componentele necesare ale tragediei attice sunt „suferința”, mesajul mesagerului și bocetul corului. Un final catastrofal nu este deloc necesar pentru ea; multe tragedii au avut un rezultat reconciliator. Personaj iconic jocul, în general vorbind, necesita un final fericit, vesel, dar întrucât acest final era asigurat jocului în ansamblu de drama finală a satirilor, poetul putea alege finalul pe care îl considera necesar.

Artele teatrale. Pe baza trăsăturilor formale, putem defini comedia ca o operă de teatru sau artă scenă care stârnește râsul publicului. Cu toate acestea, este greu de găsit un alt termen care a provocat atâtea dezbateri teoretice în critica de artă, estetică și studii culturale de-a lungul istoriei existenței sale.

Termenul „comedie” este strâns legat de categoria filozofică și estetică a benzii desenate, în înțelegerea căreia există cel puțin șase grupuri principale de concepte teoretice: teorii ale calității negative; teorii ale degradarii; teorii de contrast; teorii ale contradicției; teorii ale abaterii de la normă; teorii ale reglementării sociale; precum şi teorii de tip mixt. Mai mult, în cadrul fiecăruia dintre grupuri se pot distinge teorii obiectiviste, subiectiviste și relativiste. Numai această listă simplă oferă o idee despre bogăția și diversitatea naturii râsului.

Merită menționată cea mai importantă funcție a comicului (și, în consecință, a comediei), care face parte integrantă din oricare dintre teorii: funcția euristică, cognitivă, în stăpânirea realității. Arta în general este un mod de a înțelege lumea din jurul nostru; funcțiile euristice sunt inerente oricăruia dintre tipurile sale, inclusiv teatrale, în fiecare dintre genurile sale. Cu toate acestea, funcția euristică a comediei este deosebit de clară: comedia vă permite să priviți fenomenele obișnuite dintr-un punct de vedere nou, neobișnuit; prezintă semnificații și contexte suplimentare; activează nu numai emoțiile publicului, ci și gândurile acestora.

Diversitatea naturii comicului determină în mod natural existența în cultura râsului a unui număr mare de tehnici și mijloace artistice: exagerare; parodie; grotesc; Călătorii; afirmație modestă; expunerea contrastului; convergența neașteptată a fenomenelor care se exclud reciproc; anacronism; etc. Utilizarea celor mai multe tehnici diferite determină varietatea uriașă a varietăților de gen ale comediei: farsă, lampoon, comedie lirică, vodevil, comedie grotesc, satira, comedie de aventură etc. (inclusiv formațiuni de gen intermediare complexe precum „comedia serioasă” și tragicomedia).

Există multe principii general acceptate pentru clasificarea intra-gen a comediei, construite pe baza anumitor componente structurale ale unei opere de teatru.

Astfel, pe baza semnificației sociale, comedia este de obicei împărțită în „scăzut” (bazat pe situații farsale) și „înalt” (dedicat social și serios). probleme morale). Farse franceze medievale LohanȘi Avocatul Patlen, precum și, de exemplu, vodevilurile lui F. Koni aparțin operelor de comedie „jos”. Exemple clasice de comedie „înaltă” sunt operele lui Aristofan ( Akharnans,viespi etc.) sau Vai de minte A. Griboedova.

Pe baza temei și a orientării sociale, comedia se împarte în liric(construit pe umor blând și plin de simpatie pentru personajele sale) și satiric(care vizează ridicolizarea derogatorie a viciilor și neajunsurilor sociale). Pe baza acestui principiu de clasificare, comedia lirică poate fi clasificată ca, de exemplu, Câine în iesle Lope de Vega sau Filumena Morturano Eduardo de Filippo, precum și numeroase comedii sovietice din anii 1930-1980 ai secolului XX. (V. Shkvarkin, V. Gusev, V. Rozov, B. Laskin, V. Konstantinov și B. Ratzer și alții). Exemple vii de comedie satirică - Ipocrit J.B.Moliere sau Caz A.V. Suhovo-Kobylina.

Punând arhitectura și compoziția în fruntea clasificării, ei disting sitcom(unde efectul comic apare în principal din răsturnări de situație neașteptate) și comedie de personaje(în care sursa comediei este ciocnirea tipurilor de personalitate care se resping reciproc). Astfel, printre operele lui Shakespeare se pot găsi și sitcom-uri ( Comedia erorilor), și comedii de personaje ( Îmblânzirea scorpiei).

Clasificarea comediei pe baza tipologiei intrigii este, de asemenea, comună: comedie domestică(De exemplu, Georges Dandin J.B.Moliere, Căsătorie N.V. Gogol); comedie romantica (În propria mea custodia P. Calderona, Comedie de modă veche A. Arbuzova); eroic comedie ( Cyrano de Bergerac E. Rostana, til Gr.Gorina); basm-simbolic comedie ( noaptea a doisprezecea W. Shakespeare, Umbră E. Schwartz), etc.

Cu toate acestea, oricare dintre clasificările de mai sus este foarte condiționată și schematică. Cu rare excepții, aproape toate comediile menționate mai sus sunt, fără îndoială, mult mai largi decât astfel de cadre sistematice. Astfel, fiecare dintre aceste clasificări, mai degrabă, îndeplinește funcții auxiliare ale unui fel de far, un ghid care ne permite să structuram cumva varietatea cu adevărat nelimitată de soiuri de comedie, cel mai flexibil, dinamic, gen în continuă evoluție.

POVESTE

Prima încercare cunoscută de studiu teoretic al comediei - Poetică filozoful grec antic Aristotel , al IV-lea secol î.Hr. (din greacă - artă poetică, știința formelor structurale opere de artă, teorie literară). Concentrându-se în primul rând pe tragedie și epopee, Aristotel se îndreaptă spre comedie doar fragmentar, făcând analogii cu tragedia. (Există o ipoteză că inițial Poetică constă din două părți; totuși, partea a doua, dedicată comediei, s-a pierdut iremediabil). Totuși, aici Aristotel are o afirmație foarte interesantă: „... istoria comediei ne este necunoscută, pentru că la început nu i-au dat atenție...” Se pare că aceasta este o dovadă paradoxală a răspândirii extrem de largi a elementul de comedie, care a făcut parte integrantă nu numai din acțiunile rituale păgâne, ci și din viața de zi cu zi. Adică, existența comediei a fost percepută atât de natural încât nu părea să necesite multă gândire.

Deja în secolul al V-lea. î.Hr. actori amatori ambulanți au interpretat scene cotidiene și satirice cu caracter improvizațional, care îmbina dialogul, dansul și cântul (așa-numitele spectacole de mimă - din greacă - imitator, imitație). În mimă, natura democratică, liberă a comediei este clar vizibilă, rezistând constant oricărei reglementări: de exemplu, spre deosebire de alte tipuri de teatru antic, femeile au luat parte și la aceste spectacole. Poeții greci antici Sofron și Xenarh au dat mimei o formă literară. De atunci, dezvoltarea comediei a urmat două linii: populară, în principal creativitate de improvizație, și profesională - artă scenică și literară.

Primul comedian antic cunoscut pe scară largă a fost Aristofan (secolul al V-lea î.Hr.), care a scris aproximativ 40 de comedii, dintre care au supraviețuit 11. Piesele sale s-au remarcat prin orientarea lor socio-politică acută, problemele moderne și ridicolul satiric al viciilor morale și sociale ( Lume,Lisistrata,nori,broaște,Păsări si etc.). Totuși, la vremea aceea, comedia era un lanț de episoade individuale, în principal declarative, intercalate cu cântare corală. În secolul al III-lea. î.Hr. comedia capătă o mai mare integritate structurală: stabilește o intriga-intrigă atent dezvoltată. În plus, comedia începe să reflecte moravurile moderne (opera unui reprezentant major al acestei tendințe, comediantul Menander, este cunoscută din fragmente supraviețuitoare).

De asemenea, comedia a dezvoltat aceste tradiții. Roma antică(Plautus, Terence): intrigi complicate, teme de zi cu zi, personaje de mască de comedie care cultivă trăsături mai tipice decât individuale.

În perioada formării și instaurării creștinismului, arta teatrală a cunoscut timp de câteva secole o eră a persecuțiilor, interdicțiilor și uitării. Abia prin secolul al IX-lea. teatrul a început să fie reînviat în drame liturgice, spectacole religioase și dramatizări ale episoadelor evanghelice care făceau parte din slujba de Crăciun sau de Paște. Cu toate acestea, tradițiile teatrale vii s-au păstrat tocmai datorită comediei populare de improvizație, a spectacolelor de actori ambulanți care au fost numiți diferit în diferite țări (histrioni, bufoni, vaganți, shpilmans, mimi, jongleri, franci, huglars etc.). În ciuda persecuției brutale a Bisericii creștine, elementul comic a domnit sărbători populare, carnavale, procesiuni etc.

Reînvierea comediei profesionale literare și scenice a început în secolele XIV-XVI. din scene de conținut cotidian, care au fost din ce în ce mai stabilite în tipuri variate teatru religios (miracol, mister, piesa de moralitate). În cultura urbană Evul Mediu târziu au fost aprobate astfel de spectacole de comedie precum farsă, soti (Franța), interlude (Anglia), fastnachtspiel (Germania), commedia dell'arte (Italia), pasos (Spania) etc.

Până la începutul Renașterii în context viata artistica lucrările culturii antice au fost returnate - monumentele antice grecești și romane supraviețuitoare de literatură, filozofie și estetică au fost traduse în limbile europene. Dezvoltare creativă tradiții străvechi a dat un impuls puternic dezvoltării unei noi comedii literare. T.N. " comedie științifică„, bazată pe adaptări ale operelor lui Plautus și Terence, a apărut în Italia, unde percepția latinei a fost în mod natural facilitată (Ariosto, Machiavelli etc.), și în secolele XV-XVI. răspândit în toată Europa. Comedia renascentista a atins cel mai inalt apogeu in Spania (Cervantes, Lope de Vega, Calderon, Tirso de Molina) si, bineinteles, in Anglia (Ben Jonson si culmea artei dramatice comedice - W. Shakespeare). În opera acestor dramaturgi a apărut, pentru prima dată, o tendință de consolidare a două linii de artă teatrală comică, care existau anterior izolate una de cealaltă: linia teatrului popular de improvizație și a teatrului oficial. Acest lucru s-a manifestat în primul rând în compunerea comediilor: după ce au abandonat principiile străvechi ale poeticii, dramaturgii Renașterii au urmat spiritul liber și liber al teatrului popular.

O linie specială de dezvoltare în istoria comediei este reprezentată de comedia dell'arte italiană, care a continuat și dezvoltat pe deplin tradițiile teatrului popular de improvizație. Commedia dell'arte a avut o influență imensă asupra aproape întregii dezvoltări ulterioare a artei - de la comedia literară (începând cu Moliere) până la estetica generală a Epocii de Argint.

Cu toate acestea, până în secolul al XVII-lea, odată cu apariția clasicismului, principiul antic al „trei unități” a primit statutul de canon dramatic. Acest lucru este valabil în primul rând pentru „genul înalt” al tragediei, dar teoreticienii clasicismului (în primul rând N. Boileau) au cerut reglementare compozițională și comedie. Cu toate acestea, practica teatrală în direct a comediei a spart granițele stricte ale clasicismului. Dezvoltarea dramei clasiciste în Franța a fost deosebit de interesantă și paradoxală. Aici, două vârfuri creative au apărut simultan, arta lor nu numai că se contrazice, ci, de fapt, negând reciproc metodele creative ale celuilalt. Este vorba de J. Racine, care a reprezentat expresia completă și perfectă a unei tragedii clasiciste raționale, canonizate, și J. B. Moliere, care a distrus constant canonul clasicist și a fost recunoscut drept fondatorul unei noi comedii realiste europene. Astfel, genul de comedie și-a dovedit încă o dată capacitatea de a trece „în travers”, flexibilitatea și potențialul inepuizabil de reînnoire.

În secolul al XVIII-lea Comedianții iluministici dezvoltă tradițiile realiste stabilite de Shakespeare și Molière. În comedia iluminismului se intensifică motivele satirice. Cu toate acestea, comedia de acest timp nu s-a limitat la ridiculizarea viciilor societății moderne, ci și a oferit exemple pozitive- în principal în imaginile personajelor din a treia stare. Epoca Luminilor a produs numeroși comedianți interesanți: P. Beaumarchais, A. R. Lesage și P. Marivaux (Franța), G. E. Lessing (Germania), G. Fielding și R. Sheridan (Anglia). Linia comedia dell'arte a fost dezvoltată la un nou nivel în Italia de C. Goldoni și C. Gozzi.

secolul al 19-lea a adus în principal dezvoltarea comediei distractive europene de intriga (E. Scribe, E. Labiche, E. Ogier, V. Sardou etc.) și a comediei satirice realiste (G. Buchner, K. Gutskov, E. Zola, G. Hauptmann). , B .Nušić, A.Fredro etc.).

Foarte interesant și cu adevărat inovator la sfârșitul secolului al XIX-lea. a devenit engleză" comedie de idei" Fondatorul său a fost strălucitul maestru al paradoxului O. Wilde, iar B. Shaw a continuat și a stabilit-o în opera sa.

Arta secolului XX. Există tendința de a amesteca genuri, de a le complica și de a dezvolta diverse formațiuni inter-gen. Nici comedia nu a scăpat din acest trend. Diversitatea tipurilor scenice de comedie a fost mult facilitată de dezvoltarea artei regiei, experimentând genuri de spectacole. Una dintre liniile suplimentare de dezvoltare a comediei necesită o mențiune specială.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea. În Rusia au apărut comedii de A.P.Cehov. Este curios că aspectul lor nu a fost pregătit de nimic. Comedia rusă s-a dezvoltat inițial în conformitate cu o tendință satirică și educațională strălucitoare: A. Sumarokov, Y. Knyazhnin, V. Kapnist, I. Krylov etc. Odată cu formarea și dezvoltarea realismului în comedia rusă, dezvoltarea psihologică a personajelor s-a adâncit, și imaginile-măști stabile au fost înlocuite cu personaje personalizate; totuși, sunetul satiric a rămas destul de distinct. A. Griboyedov, N. Gogol, I. Turgheniev, L. Tolstoi, A. Ostrovsky, M. Saltykov-Shchedrin, A. Suhovo-Kobylin și alții au scris în această tradiție. În plus, cântecele ușoare și pline de viață erau foarte populare în Comedii de vodevil de teatru de comedie rusă (F. Koni, D. Lensky, V. Sollogub, P. Karatygin, începutul N. Nekrasov etc.).

Piesele timpurii într-un act ale lui Cehov ( Urs,Oferi,Nuntă,Aniversare etc.) au fost scrise în întregime în conformitate cu tradiția vodevilului, îmbogățită cu dezvoltarea psihologică a personajelor personajelor. Cu toate acestea, piesele în mai multe acte ale lui Cehov au condus teatrul rusescîn nedumerire – nu e de mirare prima reprezentație Pescăruși la Teatrul Alexandrinsky (1896) a eșuat, în ciuda spectacolului strălucit al lui V.F. Komissarzhevskaya (Nina). Se crede că Cehov a fost descoperit pentru scenă de K.S. Stanislavsky, care a montat la tânăra Moscova. Teatru de Artă Pescăruş de mare,unchiul Vania,Livada de cireși. Spectacolele s-au bucurat de un succes extraordinar și au marcat începutul unei tradiții scenice de interpretare Piesele lui Cehov. Cu toate acestea, în același timp, K.S. Stanislavsky a regândit complet genul autorului, pe care Cehov l-a definit cu insistență drept „comedie”. Producțiile pieselor lui Cehov de la Teatrul de Artă din Moscova au fost subtile, neobișnuit de bogate din punct de vedere psihologic, emoționante, tragice, dar deloc amuzante (apropo, tocmai această împrejurare l-a supărat pe Cehov însuși). A trecut mai bine de un deceniu până a devenit clar că dramaturgia uimitor de inovatoare a lui Cehov a deschis practic o nouă varietate de gen comedie – tragicomedie, cu propria sa specială tehnici artisticeși mijloace de exprimare care nu sunt susceptibile de interpretare în scenă prin intermediul regiei și actoriei realiste tradiționale. Abia la mijlocul secolului al XX-lea. Studiile teatrale și studiile culturale au identificat tragicomedia nu ca un intermediar, ci ca principalul gen teatral, explorând structura și arhitectura sa.

Cu toate acestea, istoria comediei tradiționale în secolul al XX-lea. are multe zone interesante și diverse. Este greu de enumerat toate tipurile de comedie ale secolului XX: acuzatoare social, excentrică, politică, „întunecată”, romantică, fantastică, intelectuală etc. și așa mai departe. Și, așa cum se cuvine acestui gen, comedia a răspuns mereu viu la cele mai actuale și actuale tendințe din viata sociala. Comedia îndeplinește întotdeauna „ordinea socială” în sine în sens larg, - indiferent dacă acest ordin a fost „lansat” de sus sau și-a luat naștere în adâncurile societății. Și apoi totul depinde de talentul și viziunea asupra lumii a dramaturgului; Depinde doar de asta dacă comedia lui va rămâne un fleac de actualitate sau va intra în fondul de aur al clasicilor, rămânând relevantă mulți ani.

Astfel, în Rusia, în primii ani postrevoluționari, când se introducea activ o nouă ideologie asociată cu predominanța publicului asupra personalului, aceste tendințe s-au reflectat imediat în comedie. În piese de teatru Mystery-Buff, Și mai târziu - GândacȘi Baie V. Mayakovsky a ridiculizat sarcastic idealurile anterioare proclamate de „filistinism” și a propus un nou tip erou pozitiv cufundat în muncă. N. Pogodin scrie o comedie Aristocrați, în care vorbește cu multă simpatie despre reeducarea în lagăr a criminalilor „apropiați social”, spre deosebire de deținuții politici. N. Erdman în comedie Mandat ridiculizează filistenii și Nepmen; și scrie și scenariul filmului de G. Alexandrov Băieți amuzanți, o comedie lirică muzicală în care continuă căutarea caracterului eroilor vremurilor moderne.

Totuși, principalul gen de comedie la acea vreme a devenit o comedie lirică inofensivă, impregnată de simpatie pentru personaje, unde cele mai simple situații amuzante se referă exclusiv la probleme morale, dar nu și sociale. Dramaturgi V. Kataev ( Pătratarea unui cerc), V. Gusev ( Glorie,Primavara la Moscova), V. Shkvarkin ( Fată obișnuită,Copilul altcuiva) etc. Astfel de povești vesele, fără pretenții, de multe ori de natură vodevil, împlineau un fel de „ordine socială” a publicului de masă. Exact așa a fost comedia oficială în decursul anilor 1950 și începutul anilor 1980. Numele comedianților sovietici A. Sofronov, V. Minko, M. Slobodsky, V. Mass și M. Chervinsky, L. Lench, B. Laskin, Ts. Solodar sunt amintite în prezent doar de specialiști. Au fost uitate și numeroase comedii de V. Konstantinov și B. Ratzer, care timp de câteva decenii au fost liderii de necontestat ai repertoriului teatrului sovietic.

Comedii satirice rare perioada sovietică (Spumă S. Mikhalkova, Tabletă sub limbă A. Makaenka și alții) au expus doar neajunsuri individuale.

Cu toate acestea, chiar și în condiții de cenzură, au apărut fontanelele comediei satirice sociale. Autorii au „deghizat” adesea într-un fel sau altul. Astfel, E. Schwartz și-a exprimat piesele sub formă de basme, evitând cu grijă orice realități specifice ( Umbră,Dragonul, Un miracol obișnuit si etc.). Alți dramaturgi s-au adresat comediilor lor pentru tânărul spectator(S. Lungin, I. Nusinov - Pana de gasca, R. Pogodin – Coboara de pe acoperis, si etc.).

Și totuși, principalele succese ale dramaturgiei comedice din perioada sovietică și post-sovietică sunt asociate în primul rând cu formarea și dezvoltarea genului tragicomedia. Este foarte semnificativ faptul că, la mijlocul anilor 1970, notele tragicomice au sunat în mod clar în opera celui mai popular dramaturg sovietic, A. Arbuzov. Cu tragicomedie sunt asociate nume atât de strălucitoare precum A. Vampilov, M. Roshchin, E. Radzinsky, A. Sokolova, A. Chervinsky, L. Petrushevskaya, Gr. Gorin, A. Shipenko și mulți alții, continuând tradițiile lui dramă într-o nouă rundă A. Cehov.

Tatiana Shabalina

Comedia (din greaca komos, oda - cantec, sarbatoare in cinstea lui Dionysos) este un gen dramatic in care personajele, actiunile, situatiile sunt impregnate de comic, prezentate in forme amuzante. Perioadă lungă de timp(până în epoca clasicismului) comedia era considerată un gen „jos”. Trăsături de gen ale comediei: prezența efectului de surpriză, prezența contradicției comedice, opoziție (urât - frumos, nesemnificativ - sublim, fals - adevărat etc.), prezența „râsului” ca chip pozitiv invizibil al opera, personaje clar desenate, prezența alogismelor, jocurilor de cuvinte, caricaturii, bufoneriei, parodiilor, folosirea de către autor a situațiilor și dialogurilor de hiperbole, grotesc, comic. Tipuri de benzi desenate: umor, satiră, ironie, sarcasm, râs de carnaval, glumă, ridicol, joc de cuvinte. Există comedie de situații, comedie de intrigi, comedie de personaje, comedie de maniere, comedie de idei, comedie de stări, comedie de slapstick, comedie domestică, comedie lirică, comedie satirică, comedie eroică, comedie sentimentală.

Cel mai faimos autor de comedie antică este Aristofan (11 comedii din 425-388 î.Hr. - „Călăreți”, „Nori”, „Lysistrata”, „Broaște”). Soiuri de comedie antică - siciliană și mansardă (vechi, mijlociu, nou); În plus, în comedia romană (care era apropiată de atic) se obișnuiește să se distingă togata, palliata, atellana literară, mimica și comedia populară. Proprietățile comediilor antice: dominația atitudinii personale a autorului, ridiculizarea anumitor vicii umane, aprecieri normative, o divizare clară a binelui și a răului, pozitiv și negativ.

În Evul Mediu au apărut farsa, interludiul, soti și fastnachtspiel.

În Renaștere, punctul de plecare al comediei a fost natura umană, ideea omului ca măsură a tuturor lucrurilor. Dramaturgii dezvăluie posibilitățile benzii desenate - „abilitatea de a explora însăși starea lumii”. Creează exemple excelente de comedie; W. Shakespeare („Visul unei nopți de vară”, „A douăsprezecea noapte”, „Îmblânzirea scorpiei”, „Mult zgomot pentru nimic”). Una dintre ideile comediilor lui Shakespeare este ideea puterii neîmpărțite a naturii asupra sufletului uman.

Literatura europeană creează tipuri stabile de comedie: „comedie învățată” italiană, comedia dell’arte, comedia spaniolă „pelerina și sabia”, comedia-balet, comedia „înaltă” a clasicismului francez.

În epoca clasicismului, viciile umane, trăsături opuse virtuții, precum ignoranța, ipocrizia, mizantropia, au devenit obiectul ridicolului (comediile lui J.-B. Molière „Burghezii în nobilime”, „Tartuffe”, „Imaginarul”. Invalid"). Principalul punct de referință al clasiciștilor îl constituie normele morale și estetice abstracte.

În Epoca Iluminismului, bunul simț devine punctul de plecare pentru comedianți. În epoca romantismului, „analiza comediei pornește din idei despre perfecțiunea irealizabilă a lumii, cu ajutorul cărora individul este evaluat, și, pe de altă parte, din idei despre perfecțiunea irealizabilă a individului, cu care lumea este verificată. Punctul de plecare al criticii se deplasează constant de la lume la individ și de la individ la lume. Ironia face loc autoironiei (de exemplu, la G. Heine), autoironia se dezvoltă în scepticism mondial. Scepticismul mondial față de ironia romantică - frate tristețea lumii, tragedie romantică.”

În secolul al XIX-lea, comicul a fost refractat printr-un ideal estetic extins, care includea idei populare despre viață și om. Această tendință se reflectă în literatura rusă, unde sunt distribuite comedii satirice, acuzatoare social (D.I. Fonvizin, A.S. Griboyedov, N.V. Gogol, A.N. Ostrovsky). În literatura secolului al XX-lea au apărut comediile sociale, cotidiene și lirice (V. Mayakovsky, M. Zoshchenko, M. Bulgakov).

Caut aici:

• ce este comedia în definiția literaturii