Amenajarea scenei.

Sursa: „Ce este ce? Dicţionar de referinţă pentru tânăr» Petru Monastyrsky

De culise. Partea din spate a scenei, care servește drept cameră de rezervă pentru depozitarea peisajului.

Gratare bare. Partea superioară situată deasupra tablei scenei. Elementul principal al grătarului este pardoseala grinzilor montate la o distanță adecvată unele de altele. Această poziție le permite să ridice sau să coboare peisajul și alte elemente ale spectacolului în curs. Deasupra și dedesubtul grătarului sunt instalate blocuri pentru cabluri în mișcare, corpuri de iluminat și tot ce trebuie ascuns de ochii spectatorilor.

Comprimat. Podea în cutia de scenă. Este plasat astfel încât să nu existe crăpături în el. Acest lucru este legat de protecția sănătății și siguranța piciorului. În teatrele de teatru, tableta este realizată cu plăci turnante și inele concentrice. Această „mică mecanizare” vă permite să rezolvați probleme creative suplimentare.

Inel cerc. Unul dintre cele mai importante elemente ale mașinilor de pe scenă este un cerc încorporat în tabletă și care se rotește la același nivel cu partea staționară a tabletei. În ultimele trei sau patru decenii, un inel a apărut și în mașinile de scenă. Se poate roti cu cercul dacă este fixat cu elemente de fixare adecvate. Dacă este necesar, se poate roti independent de cerc. Această mecanică complexă ajută la rezolvarea multor idei scenografice ale artistului și regizorului. Mai ales când cercul, să zicem, se mișcă în sensul acelor de ceasornic, iar inelul se mișcă în sens invers acelor de ceasornic. Dacă aceste instrumente sunt utilizate corect, pot apărea efecte video suplimentare.

Avanscenă. O parte a scenei, ușor extinsă în sală. În teatrele de teatru, servește ca decor pentru scene mici în fața unei perdele închise, care sunt legătura de legătură între scenele principale ale piesei.

"Buzunar". Spații de serviciu convenabile pe ambele părți ale cutiei de scenă, unde, în primul rând, pot fi stocate elemente de design scenic pentru spectacole din repertoriul actual și, în al doilea rând, pot fi montate camioane de mișcare pe care se asambla peisajul necesar pentru livrarea pe scenă, astfel încât că următorul poate fi jucat pe baza episodului lor de fundal. Astfel, în timp ce furka stângă este implicată în performanță, cea dreaptă este încărcată pentru episodul următor. Această tehnologie asigură dinamica schimbării „scenei de acțiune”.

De culise. În teatru, o parte din decorul suspendat, o parte din „îmbrăcămintea de scenă”. Situate pe părțile laterale ale cutiei de scenă, paralele sau în unghi cu portalul, limitează spațiul de joc, maschează decorul stând pe părțile laterale ale scenei, acoperă spațiile laterale ale scenei, ascund echipamente tehnice, echipamente de iluminat și artiști gata să concerteze. Perdelele fac ceea ce este în spatele lor invizibil.

Portal scenic. Decupaje în peretele frontal al scenei care o separă de sala, portalurile din stânga și din dreapta formează așa-numita oglindă a scenei. Pe lângă cele de piatră permanentă de pe scenă, există două mobile, cu ajutorul lor scena putând fi redusă în dimensiuni.

Oglindă de scenă. Recepție în portalul arhitectural care separă cutia de scenă de sala.

Decor. În zilele noastre, atunci când te hotărăști asupra designului artistic al unei piese de teatru, este de preferat să vorbim mai degrabă despre scenografie decât despre decor. De când există teatrul, decorul pentru spectacole a fost o componentă obligatorie doar ca caracteristică a scenei. Acest lucru a fost cerut, în primul rând, de scopul spectacolului, în care actorii au povestit intriga. În al doilea rând, observațiile autorului au fost obligate să le formateze în funcție de promptul locului acțiunii. Dar de când figura regizorului a apărut în teatru, totul a început să se schimbe spre crearea imaginii spectacolului, interpretarea ei emoțională... Teatrul a încetat să mai fie un spectacol simplu, a început să vorbească în alegorii și aluzii. În acest caz, decorul elementar nu mai putea fi de folos: nu putea asigura nicio uniune interesantă între scenă și public. În noile condiții a devenit necesară scenografia, care de-a lungul timpului a început să cucerească din ce în ce mai mult inimile atât ale publicului, cât și ale celor mai mari artiști și creatori ai spectacolului.

Hainele de scenă. Încadrarea cutiei de scenă, constând din aripi, arcade și fundal. Tampoanele sunt fixate deasupra tabletei pe tije orizontale. Ele „ascund” întreaga gospodărie situată în partea de sus; valpa este și un baldachin, dar este situat mai aproape de privitor și acoperă caloriferul și primul intrados. Covoarele acoperă o podea din lemn care nu este foarte atractivă ca aspect; în fiecare teatru serios există mai multe astfel de seturi, în funcție de circumstanțe. De regulă, îmbrăcămintea de scenă este destul de scumpă.

Paduga. O bandă de material de aceeași culoare ca și cutia de scenă este suspendată orizontal de partea de sus a cutiei de scenă. De asemenea, blochează vederea spectatorilor asupra „murdăriei tehnice situate sub grătare (sofite, iluminat, alte elemente de design).

Valance. Un volan este o chenar de dantelă care trece de-a lungul marginii a ceva. Fixat pe o tijă.

Mreană. O parte a mecanismului scenei este o bară de la podul din stânga la dreapta, coborând și ridicând elementele de peisaj atașate acestuia, conduse de mâini sau de un motor.

Pe fundal. Un tablou mare care poate servi drept fundal pentru un spectacol. Trebuie amintit că fundalul nu trebuie să fie neapărat pitoresc. Uneori poate fi pur și simplu o parte din îmbrăcămintea scenei. Aceasta înseamnă că poate fi neutru în aceeași culoare cu aripile și pernutele.

Sofit. O baterie de lumini asamblate într-o anumită secvență programată, îndreptate în jos spre tabletă sau pe fundal sau spre auditoriu, sau către diferite părți ale cutiei de scenă.

Rampă. O barieră lungă, joasă, de-a lungul prosceniului, care ascunde de public corpurile de iluminat destinate scenei.

Avanscenă. Spațiul scenicînaintea cortinei. Prosceniul este, de asemenea, o zonă suplimentară care poate fi folosită pentru interludii, screensavere între picturi și pentru comunicarea cu publicul.

O perdea. Cortina care desparte scena de sala, dupa fiecare actiune cortina, pentru ca dupa pauza sa se ridice din nou. Pe lângă cortina principală, teatrele mari au și o super perdea agățată de prima tijă și o cortină de foc, care este coborâtă după fiecare reprezentație pentru a izola scena de sală. În fiecare zi înainte de începerea spectacolului, cortina de foc se ridică și atârnă acolo, în vârf, în pregătire pentru luptă, în caz de incendiu.

„Lumea întreagă este un teatru!”

MĂ MER LA CLASĂ

Zoya SANINA,
școala Anninskaya,
districtul Lomonosovsky,
Regiunea Leningrad

„Lumea întreagă este un teatru!”

Experiență de lucru analitic cu producții dramaturgice în clasele a VII-a-VIII de liceu

Iar studiul operelor dramatice într-un curs de literatură școlară este un proces special din punct de vedere metodologic - acest lucru este facilitat de specificul dramei (operele sunt destinate mai mult spectacolului pe scenă decât lecturii), atunci când chiar și în cursul analiză detaliatăÎntr-o piesă, este adesea imposibil să se realizeze principalul lucru - „transferul”, deși mental, al tuturor replicilor, mișcărilor și experiențelor personajelor de pe hârtie într-o situație similară cu situația din viața reală. Producțiile teatrale (în mare parte producții pe o scenă profesională, dar sunt posibile și spectacole de amatori cu participarea copiilor înșiși) bazate pe lucrările studiate la școală sunt un bun asistent pentru elevi și profesori, deoarece ajută la o mai bună simțire a ideii și patosului opera, pentru a „cufunda” în epoca atmosferei, a înțelege gândurile și sentimentele autorului-dramaturg, a realiza stilul său individual.

O vizită la teatru ajută la dezvoltarea discursului scris al elevilor prin crearea mai întâi a unei recenzii (în clasele a VII-a și a VIII-a, la lecțiile de limba și literatura rusă, școlarii primesc tehnicile de bază, de bază, pentru analizarea unui text, necesare redactării lui), și apoi o revizuire, care dezvoltă analiza abilităților critice.

După ce au citit și analizat piesa în clasă, elevii sunt deja pregătiți pentru vizitarea teatrului: au primit informații despre autor și epoca în care a fost scrisă lucrarea, cunosc întorsăturile intriga ale piesei, au o idee despre sistem de imagini și principalele caracteristici ale personajelor și, prin urmare, în timpul spectacolului nu vor fi spectatori pasivi, ci mai degrabă. tineri critici, capabile să evalueze ideile regizorului și să le compare cu intenția autorului și să compare propriile imagini mentale ale personajelor cu modul în care actorii prezintă aceste roluri. Scrierea unei recenzii sau recenzii a unei performanțe are scopul de a ajuta elevii să-și înțeleagă gândurile, sentimentele și preferințele.

Acest articol va oferi exemple despre munca elevilor de clasa a VII-a la o recenzie a piesei „Romeo și Julieta” la Teatrul Casa Baltică (produsă de B. Tseitlin) și a elevilor de clasa a VIII-a la o recenzie a piesei „Intrigă și dragoste ” la Teatrul Dramatic Bolșoi (producție T. Chkheidze).

Individualitatea percepției și aprecierii oricărui producție teatrală necesită absența unui plan de rechemare și revizuire. Cu toate acestea, elevii au nevoie cu siguranță de întrebări de susținere, fraze, cuvinte care să le atragă atenția asupra celor mai importante momente ale spectacolului în legătură cu trăsăturile textului original, regie și actorie.

În timpul unei discuții despre piesa cu elevii de clasa a șaptea, aceștia au fost rugați să răspundă (oral) la următoarele întrebări:

• Care este impresia ta despre performanță în ansamblu (ce ți-a plăcut, ce nu ți-a plăcut)?
• Amintiți-vă numele director de productie performanţă, actori principali. Vă sunt familiari din alte spectacole și filme?
• Ce este unic la performanță? Care constatările directorului ti-a placut cel mai mult? Care nu ti-au placut?
• Descrie imaginile personajelor principale create de actorii de teatru. Sunt în ton? imagini cu eroi, creat de actori pe scenă, la ideile tale?
• Care dintre personajele piesei ți-a plăcut cel mai mult înainte de a vizita teatrul? S-a schimbat părerea după vizionarea spectacolului? Dacă da, ce l-a influențat?
• Cum folosește directorul spațiu scenic? (Care sunt avantajele și dezavantajele decor performanţă? Se potrivesc ideea regizorului, observatiile autorului, gândurile tale înainte de spectacol?)
• Descrie costumele personajele piesei. Ți-au plăcut? Contribuie ele la dezvăluirea caracterului principalului și Caractere mici?
• Ați observat folosirea muzicii în piesă? A ajutat sau a împiedicat înțelegerea cheii punere în scenă joacă?

Cursul discuției poate fi diferit, în funcție de impresie generala din reprezentație, precum și nivelul de înțelegere a piesei de către elevi. După o astfel de analiză, elevii de clasa a VII-a învață principalele puncte cheie ale analizei, pe baza cărora li se cere să scrie o recenzie a performanței. Trebuie remarcat faptul că există un aspect negativ semnificativ al discuției în clasă: elevii dezvoltă o medie, așa-numita „idee colectivă” pe aproape toate problemele, ca urmare a căreia profesorul riscă să primească o anumită cantitate de feedback destul de monoton cu judecăți de valoare complet similare. Cu toate acestea, nu trebuie să uităm că în această etapă sarcina principală este de a dezvolta abilitățile și abilitățile de a scrie o recenzie a performanței, împreună cu îmbunătățirea căreia va apărea cu siguranță individualitatea afirmațiilor.

În timp ce lucrau la o recenzie a piesei „Romeo și Julieta”, majoritatea elevilor de clasa a șaptea s-au concentrat să se gândească la originalitatea producției (și este într-adevăr destul de originală) și la impresiile lor.

„...Și așa a început spectacolul: spectrul etern și sângeros al vrăjmășiei care însoțește omenirea. Originalitatea spectacolului este că a început pe Limba engleză. Vocea prezentatorului ne vorbește despre frumosul oraș italian Verona. Se pare că a fost creat pentru bucuria și fericirea oamenilor, dar nu există odihnă pentru ei: se ceartă, se luptă, se ucid între ei. În oraș locuiesc două familii nobiliare - Montagues și Capuleți. In acest țară frumoasăși dragostea a două tinere făpturi a înflorit.”

Shimenkova Sveta

„...Sfârșitul piesei este și el ciudat: personajele principale în haine negre, care înseamnă moarte, merg la poartă, la lumină. Sunt împreună pentru totdeauna și nimic nu poate opri asta.”

Semenyuta Zhenya

„...Adevărat, nu mi-au plăcut multe lucruri din piesă. În primul rând, era puțin peisaj, așa că nu era interesant de urmărit. Dar apoi mi-am amintit că pe vremea lui Shakespeare nu existau deloc peisaje în teatru. În al doilea rând, punctul culminant al piesei, când Romeo află de moartea Julietei, nu este foarte tensionat. Și un alt dezavantaj este sfârșitul: în lucrare este tragic, dar pe scenă personajele principale au rămas împreună (deși privesc totul dintr-o altă lume), iar familiile care erau în dezacord de mult timp au făcut pace.

Regizorul probabil nu a vrut ca sfârșitul să fie atât de trist, dar cred că sfârșitul ar trebui să fie așa cum l-a văzut Shakespeare.”

Lukina Zhenya

Acompaniamentul muzical al spectacolului este de remarcat:

„...În timpul spectacolului a sunat o muzică solemnă, care a caracterizat starea personajelor principale. De exemplu, când Romeo vorbea cu Julieta stând pe balcon, muzica era foarte frumoasă, ascultând-o, am înțeles cum se simțeau personajele: erau fericiți, era dragoste adevărată.”

Lukina Zhenya

„...Totuși, muzica nu ajută peste tot în această performanță. De exemplu, punctul culminant, când Romeo află de moartea Julietei, nu este foarte tensionat și incitant...”

Semenyuta Zhenya

Și, desigur, imaginile eroilor create de actori merită să fie apreciate.

„...Imaginile personajelor principale sunt atent gândite în piesă. Julieta (K. Danilova) este o fată fragilă, veselă. Romeo (A. Mascalin) este un nebun îndrăgostit care nu se va opri la nimic pentru a câștiga dragostea Julietei. Bonă (E. Eliseeva) este o femeie plinuță și veselă care a hrănit Julieta. Fratele Lorenzo (I. Tikhonenko) - inteligent, o persoana amabila, care îi ajută pe îndrăgostiți și se învinovățește pentru moartea lor. Toate aceste roluri au fost bine gândite și executate. Dar cel mai mult mi-a plăcut Mercutio interpretat de artistul Ryabichin. Acesta este un om înflăcărat, curajos, dezinteresat, care iubește foarte mult viața și, murind, blestemă ambele familii, din vina cărora moare, se stinge tânăr, ca mulți alți oameni care au fost uciși în aceste vâlvă.

Personajele secundare sunt, de asemenea, importante în piesă. Tatăl Julietei, interpretat de A. Sekirin, se remarcă prin caracterul său unic. Acest bărbat este destul de crud și încăpățânat, este sigur că fiica lui va fi fericită cu Paris, deși nici nu o întreabă despre asta. Paris (V. Volkov) este înfățișat ca un omuleț amuzant și prost care a văzut cât de frumoasă era Julieta și a decis să se căsătorească cu ea, fără să se gândească dacă îl iubea sau nu...”

Semenyuta Zhenya

În lucrările lor inițiale, elevii de clasa a VII-a, în cele mai multe cazuri, nu acordă atenție ideii de performanță, simbolismului detaliilor și peisajului și așa mai departe. Treptat, recenziile se transformă în reflecții mai amănunțite și mai atente asupra caracteristicilor producției, unicității spectacolelor actorilor și rolul peisajului și al costumelor. Prin urmare, atunci când lucrați cu elevii de clasa a VIII-a, puteți evita discuțiile verbale despre piesa în clasă și îi puteți încuraja să se concentreze asupra propriilor gânduri. În loc de o schiță, pentru a evita transformarea revizuirii în răspunsuri secvențiale la întrebări cu afirmații standard precum „Mi-a plăcut foarte mult această performanță”, elevii pot folosi cuvinte de sprijinși expresii care sunt cel mai bine plasate non-secvențial:

Acest aranjament amintește de un mozaic, care, dacă este asamblat într-o ordine sau alta, ne va oferi o trecere în revistă destul de completă a performanței.

Reflectând asupra piesei „Sprețe și dragoste” de la Bolșoi teatru de teatru, elevii de clasa a VIII-a acordă atenție în primul rând trăsăturilor titlului (construit pe principiul antitezei) și intriga piesei ( poveste eternă dragoste):

„Montarea unei piese la BDT necesită actori minunați, regie originală, piese celebre. Toate acestea se combină în tragedia „Sprețenia și dragostea”. Aceasta este o poveste din viața burgheziei, opusă lumii bogăției și nobilimii. Aici se ciocnesc două principii: înșelăciune și dragoste. Ce mai este în piesă? Înțelegem că iubirea...”

Zlobina Vika

„Pe care se bazează piesa lui Schiller „Smecheria și dragostea”. poveste tragică dragostea pentru Louise și Ferdinand. Titlul în sine conține un contrast între două principii: înșelăciunea se opune puterii iubirii, iar în spectacolul BDT, după părerea mea, există mai mult înșelăciune decât dragoste. Eroii tragediei sunt împărțiți în două grupe: filistenii care caută adevărul și fericirea în această lume crudă, reprezentați de profesorul de muzică Miller și membrii familiei sale (soția și fiica sa Louise) și cercurile aristocratice curtenești (Președintele). von Walter, Hall Marshal Kalb, Lady Milford, secretar Wurm)..."

Kuprik Nadya

"Dragoste! Dragostea este cel mai frumos dintre toate sentimentele umane. Dar cât de trist este când ceva interferează cu dragostea. Și cât de groaznic este când două inimi iubitoare sunt sortite să moară.

Complotul nemuritor al lui „Romeo și Julieta” se repetă în tragedia lui Friedrich Schiller „Sprețe și dragoste”. Doi tineri sunt îndrăgostiți unul de celălalt. Dar dragostea lor este îngreunată de diferența dintre statut social: Ei aparțin unor clase diferite. Este maior, fiul președintelui de la palatul unui duce german. Este o burgheză, fiica unui profesor de muzică. Fiecare se opune dragostei lor. Louise și Ferdinand, copleșiți de disperare, decid să se sinucidă.”

Zeleznova Ksenia

Din manuale și articole critice din reviste, elevii pot afla informații suplimentare despre opera, actori și teatru și le pot include în recenzie.

„Îmi amintesc această performanță pentru că am văzut mulți actori pe care îi cunoșteam din filme și producții de televiziune în serie. Acesta este A.Yu. Tolubeev, K.Yu. Lavrov, N. Usatova și, bineînțeles, Alisa Freundlich, celebră din filmul „Cei trei mușchetari”. Îmi amintesc bine personajele lor. Eroul von Walter este foarte schimbător: la început pare bun, apoi rău, apoi din nou bun. Îmi amintesc de Lady Milford cu ea dragoste pasională, a fost lovit de puterea distructivă și autodistructivă a lui Wurm. Aceștia sunt oameni adevărați vii, cu sentimentele lor reale și comportamentul non-fictiv. Imaginile cu Ferdinand și Louise îmi rămân în memorie. Deși au fost interpretați de artiști nu foarte tineri M. Morozov și E. Popova, au interpretat perfect rolurile de tineri eroi.”

Ivanov Zhenya

„Tragedia lui Schiller „Ștemețenia și dragostea” a devenit punctul culminant al realismului educațional, iar Schiller a fost primul care a scris nu numai despre regi și nobili, ci și despre oameni normali. Această idee a fost transferată pe scenă și întruchipată minunat în piesa lui T.N. Chkheidze.”

Abramov Zhenya

Caracteristicile personajelor principale și secundare oferite de elevii de clasa a VIII-a includ o descriere a trăsăturilor inerente unui anumit personaj, precum și judecăți și aprecieri personale.

„Această tragedie a fost pusă în scenă la Teatrul Dramatic Bolșoi de regizorul T.N. Chkheidze. În piesă joacă mulți actori celebri: K. Lavrov, N. Usatova, A. Freundlich și alții. Acesta, mi se pare, este succesul spectacolului. I-am văzut jucând cu respirația tăiată, mai ales când Alisa Freindlich a apărut pe scenă (apropo, în acea zi a primit premiul Golden Mask pentru marile realizări în artă). Actorii acestui teatru se desfășoară atât de minunat încât ești imediat și necondiționat atras de complot.

Cât despre roluri, acestea nu sunt asemănătoare între ele. De exemplu, von Walter este interpretat de K.Yu. Lavrov. Actorul a reușit să ne arate un conducător dur, ferm, hotărât, puternic și neiertător și un tată amabil, iubitor, care își ascunde sentimentele de fiul său, neștiind cum să le exprime. Acest tată este în contrast cu un alt tată, mai sincer și mai tandru față de fiica sa - profesorul de muzică Miller, interpretat de V.M. Ivcenko. Rolul Wurm, secretarul personal al Președintelui, este jucat de A.Yu. Tolubeev. Aceasta este foarte erou viclean care face totul în folosul său. Puteți observa că el apare în acele episoade în care se întâmplă ceva intrigant, de parcă ar fi un spion pentru Duce. Von Kalb joacă rolul lui A.F. Chevychelov. Cred că acesta este un rol foarte interesant, reprezentând toți socialiștii care se bârfesc constant unul pe altul. Ferdinand interpretat de M.L. Morozov, deși un nobil prin naștere, nu seamănă deloc cu tatăl său, președintele și anturajul său. Adevărat, în unele cazuri apar în el prejudecăți nobile, dar este foarte emoționant, este unul dintre acei Sturmeri care au fost împotriva ordinii existente și au luptat pentru libertatea personală. Iubita lui Louise (actrița E.K. Popova) este o eroină calmă, hotărâtă, gata să facă orice pentru dragoste.”

Kuprik Nadya

„Ceea ce mi-a plăcut cel mai mult a fost felul în care au fost jucați Miller, fiica lui Louise și fiul președintelui, Ferdinand. Toate aceste roluri sunt interpretate de artiști populari. În producția lui Chkheidze, Louise este o fată tânără care este gata să facă orice pentru dragoste. Ferdinand, în schimb, este influențat de cei din jur, se străduiește pentru putere, dar este iubitor și nu uită de loialitate. Miller este un tată grijuliu care își imaginează cât de tragic s-ar putea sfârși dragostea fiicei sale. Și cred că are dreptate când crede că Louise și Ferdinand, reprezentanți ai diferitelor clase, nu vor fi fericiți în dragoste. Principalii oponenți ai iubirii lor sunt Wurm, viclean, insidios, apare mereu acolo unde se întâmplă ceva, întotdeauna își ia drumul; Lady Milford este o persoană ambiguă; atât înșelăciunea, cât și dragostea sunt exprimate clar în ea. În această performanță, în opinia mea, există încă mai multă dragoste decât înșelăciune.”

Abramov Zhenya

„Cel mai mult mi-a plăcut interpretarea Ninei Usatova, care a jucat rolul mamei lui Louise. Când am citit tragedia, exact așa mi-am imaginat-o. Această eroină este curajoasă, deșteaptă și corectă, este complet de partea fiicei ei; ea spune mereu ce crede, chiar și despre curteni. Mi-a plăcut foarte mult Alisa Freindlich. Lady Milford a reușit să întruchipeze calitățile femeii burgheze blânde și dulci, care a fost cândva în tinerețe, și ale aristocratului maiestuos și mândru.”

Kuprik Nadya

„...Dar, mi se pare, cel mai frapant personaj este Lady Milford. Acest rol a fost jucat de Artista Poporului din URSS Alisa Brunovna Freindlikh. Lady Milford a experimentat multe în viață: sărăcia, moartea celor dragi, nu cunoștea fericirea umană. Pasiunea fatală a forțat-o să facă orice pentru a atinge dragostea lui Ferdinand. Cu toate acestea, realizând că nu poate rupe lanțul care îi leagă pe iubiții, Lady Milford se retrage. În această eroină, înșelăciunea și dragostea s-au contopit împreună. Acest rol este jucat foarte emoțional. Nu e de mirare, când spectacolul s-a încheiat, s-a anunțat că Alisa Freindlich a primit premiul Golden Mask pentru cea mai bună imagine de scenă. Părea să se fi obișnuit cu eroina ei și se pare că aceasta este doamna despre care a scris Schiller.”

Zeleznova Ksenia

De asemenea, este interesant de observat modul în care regizorul folosește spațiul scenic.

„Producătorul Chkheidze, ca și Schiller, nu se teme să spargă granițele clasicismului. Mi-a plăcut că scena arăta două case deodată: casa lui Ferdinand și casa lui Louise. Camerele din aceste case sunt separate de perdele transparente - acest lucru îi permite regizorului să transmită cu exactitate semnificația unei anumite mișcări în scenă.”

Lazarev Mişa

„Interiorul scenei în sine reprezintă detalii a trei case diferite: în casa lui Miller există o masă simplă din lemn cu exact aceleași scaune, în livingul lui Lady Milford există o canapea confortabilă și luxoasă cu o masă pentru băuturi, iar în în interiorul palatului există o masă cu hârtii de afaceri și o călimară, iar lângă ea este un scaun moale cu spătar înalt. În fundal este o ușă care se deschide din când în când. În spatele ușii se vede o rază de lumină, parcă ar fi într-o altă lume: acolo a fugit Louise, bând otravă pentru a scăpa de toate problemele ei.”

Abramov Zhenya

„Peisajul piesei este, de asemenea, interesant. Pe o scenă se află atât casa unui simplu negustor, cât și palatul președintelui. E ca și cum două lumi s-ar fi conectat: viețile oamenilor săraci și bogaților. Pe de altă parte, acestea sunt două lumi de sentimente - înșelăciune și dragoste. Și erau despărțiți doar de perdele albe transparente, care apoi erau ridicate și apoi coborâte din nou. Sărăcia din interiorul casei lui Miller a fost accentuată de o masă joasă și două scaune. Și în palatul prezidențial era o masă luxoasă pe labe de leu, pe ea era un mic sfeșnic; alaturi este un scaun mare cu spatar inalt; luxul era accentuat și de un candelabru luxos. Poziția în societate a fost determinată și de iluminat: casa lui Miller era luminată de jos, palatul Lady Milford din lateral, casa lui von Walter de sus.”

Kuprik Nadya

„Mi-a plăcut foarte mult peisajul din piesă. Am fost uimit de cum au fost amplasate mai multe case și mai multe spații diferite pe o scenă. Cortina se ridică, iar în fața noastră se află casa muzicianului Miller; cade una dintre perdele – ne aflăm în casa bogată a președintelui von Walter; mai cade o cortină - și suntem în casa Lady Milford, favorita ducelui. Așa, datorită draperiilor albe, ne putem regăsi în locuri diferite. Este remarcabil că regizorul, în urma dramaturgului, nu se teme să încalce regulile clasicismului. Piesa nu menține unitatea de loc (suntem transportați dintr-o casă în alta) și timp (două dialoguri pot fi conduse simultan în locuri diferite).

Zeleznova Ksenia

„Mi-a atras atenția și cutia muzicală. Stătea în spatele scenei și la prima vedere nu era în niciun fel atrăgătoare. Dar, de fapt, cutia a jucat un rol important: era ca o legătură care leagă diferite clase. Cred că cutia simbolizează dragostea lui Louise și Ferdinand, consonanța sufletelor lor.”

Suslova Masha

Făcând o concluzie într-o revizuire a unei performanțe care este semnificativă și sinceră, elevii sunt probabil să ocolească clișeele binecunoscute în încercarea de a exprima cât mai exact de ce le-a plăcut (sau nu le-a plăcut) performanța dată.

„Piesa arată diferite tipuri de dragoste: iubire romantica Louise și Ferdinand, pasiunea fatală a Lady Milford, sentimentul distructiv al crudului dar puternic Wurm. Diverse și dragostea părintească. Și, deși personajele principale mor, înțelegem că dragostea totuși a câștigat.”

Lazarev Mişa

„După ce am citit tragedia „Ștemețenia și dragostea”, mi-am dat seama că nu există bariere în calea iubirii adevărate și, chiar dacă cei care iubesc mor, iubirea va trăi pentru totdeauna. Și teatrul m-a convins de asta și mai mult.”

Zeleznova Ksenia

Programele de literatură modernă oferă oportunități excelente de a apela la producții teatrale pentru o înțelegere mai profundă a operelor dramatice. Iar lucrările scrise vă permit să înțelegeți ceea ce ați văzut pe scenă, să vă exprimați atitudinea față de spectacol și să vă justificați punctul de vedere. Un cititor atent învață să fie un privitor inteligent. Teatrul ajută la „reînvie” cele mai bune creații ale literaturii clasice mondiale.

Articolul a fost publicat cu sprijinul site-ului ArtKassir.ru. Vizitând acest site, care se află la http://ArtKassir.ru, vă puteți familiariza cu afișele de teatru și concert din Moscova. Vrei sa faci pe plac celor dragi si sa oferi un cadou original? Biletele de teatru vor fi cea mai bună soluție pentru tine. Tot pe site-ul ArtKassir.ru găsiți bilete pentru evenimente sportive si concerte muzica clasica. Căutarea convenabilă pe categorii de site-uri, precum și un sistem de plată flexibil vă vor economisi timp și bani.

"...Catifea neagră curgea din tavan. Pliuri grele, languroase păreau să învăluie o singură rază de lumină. Perdelele încadrau altarul artei cu tandrețea unei mame care își îmbrățișează copilul. O podea netedă, vopsită în negru, și un perdea neagră pe peretele din spate.Totul este atât de negru și atât de strălucitor!Aici un curcubeu a trecut prin faldă,dar perdeaua dreaptă a zâmbit.Totul este atât de minunat și atât de magic aici!Deodată, chiar în mijloc, de nicăieri, o a apărut fata.Stătea doar în picioare și privea drept înainte.Și totul a înghețat în așteptare.Deodată ea a râs tare și zgomotos.Și raza de lumină,draperiile,podoul,tavanul și chiar și aerul au râs cu ea.Totul este așa minunat și atât de magic aici!..."
- Din povestea mea „Cel care a râs pe scenă”

Astăzi aș vrea să vorbesc despre scenă, spațiul scenic și despre cum să-l folosesc. Cum se distribuie peisajul și personajele? Cum poți ascunde ceva pe care publicul nu trebuie să-l vadă? Cum să folosești un minim de decor și recuzită, obținând rezultate maxime?

Să înțelegem mai întâi ce este o scenă ca spațiu. Desigur, nu sunt regizor profesionist, dar știu ceva. M-au învățat ceva în America (am fost membru al unui club de teatru acolo și am jucat în piese de teatru și muzicale), am ascultat ceva de la oameni cu experiență și am ajuns la unele dintre ele și eu. Deci, spațiul scenic poate fi împărțit aproximativ în pătrate (sau dreptunghiuri)), pe care punctele noastre de dans pot fi suprapuse foarte ușor și convenabil. Ar arata cam asa:

Da Da exact! Nu am amestecat stânga și dreapta =) Pe scenă, stânga și dreapta sunt determinate de poziția actorului/dansatorului/cântărețului și nu de poziția privitorului. Adică, dacă în scenariu vedeți „merge în aripa stângă”, atunci ar trebui să mergeți la stânga de la tine.

Cum se distribuie peisajul și personajele?
Desigur, crearea mizei în scenă este treaba regizorului. Dar și pe ei înșiși personaje trebuie să înțeleagă de ce și de ce se află într-un anumit punct al spațiului scenic. Pentru trimitere: punere în scenă(franceză mise en scène - plasare pe scenă) - locația actorilor pe scenă la un moment sau altul în timpul spectacolului (filmării). Cel mai important lucru pe care trebuie să-l faci corect este să nu întorci spatele publicului. Cu toate acestea, acest lucru se aplică numai rotației involuntare. Este clar că în dans există mișcări când trebuie să întorci spatele publicului. Ei bine, sau în producțiile de teatru pot exista și astfel de momente. Dar, de exemplu, dacă ai un dialog, pe scenă nu te poți întoarce complet către partenerul tău și nici măcar pe jumătate, pentru că chiar dacă partea centrală a sălii îți vede fața, atunci spectatorii din afară este puțin probabil să o facă. Și odată cu aceasta, se pierde și sunetul.

În plus, scena nu ar trebui să fie aproape niciodată goală, cu excepția, bineînțeles, a acelor cazuri când este necesar să subliniem că eroul este singuratic, de exemplu..... dar acesta este deja un zbor de fantezie. Dar chiar și în astfel de cazuri, „golicul” scenei este gândit cu atenție. Aici sunetul și lumina vin în ajutor, dar mai multe despre asta mai târziu. Deci, cum umpleți spațiul? În primul rând, eroii nu ar trebui să fie prea aproape unul de celălalt. Dacă scena este mare și sunt două persoane pe ea și, de exemplu, un scaun, este suficient să puneți oamenii la o distanță decentă unul de celălalt, așezați scaunul pe marginea scenei, să zicem, la al 8-lea punct - și voilà, spațiul este umplut! Pe de altă parte, această distanță dintre personaje și decor trebuie să fie adecvată. De asemenea, piesele de mobilier sau orice alte decorațiuni voluminoase nu trebuie așezate într-o linie decât dacă scenariul o cere. De exemplu, dacă acțiunea are loc într-un templu antic, coloanele ar trebui să fie aliniate în 2 rânduri, acest lucru este logic și de înțeles. Dar este puțin probabil să așezi o canapea, o fereastră, un fotoliu, un dulap și un scaun clar unul lângă celălalt. bună idee. Va fi mult mai atractiv să plasezi ceva mai departe, ceva mai aproape, ceva drept și ceva în unghi. Și dacă trebuie să „îngustați” spațiul, pentru a înfățișa, de exemplu, o cameră mică, atunci puteți muta totul și pe toată lumea mai aproape de marginea scenei, adică ca și cum ați „elimina” 4, 5 și 6. puncte.

Cum să folosești un minim de decor și recuzită, obținând rezultate maxime?
Cum este cinematograful diferit de teatru? În filme, unele lucruri sunt mult mai realiste. De exemplu, într-un film ar putea ninge sau ploua. În teatru - nu, doar sunet, lumină și actorie. În general, pe scenă, multe lucruri rămân imaginare. Obiectele imaginare te ajută să scapi de peisaj și recuzită. Deci, în culise se presupune că ascunde ușa reală de la care apar eroii, sala simbolizează o fereastră și așa mai departe - exemplele pot fi date la nesfârșit. În spectacolele de dans sunt folosite în special obiecte și chiar fenomene imaginate pe scară largă. De ce? Pentru că este timpul să schimbi și să rearanjezi peisajul sau să scoți o grămadă de recuzită. Dacă personajul înțelege clar ce fel de obiect are în mâini, atunci orice persoană este destul de capabilă să-l facă pe spectator să creadă.

Cum să păstrezi atenția spectatorului?
De fapt, aceasta este o întreagă știință! Acest lucru vine cu experiența; aproape niciodată nu reușești să câștigi atenția privitorului așa. Dacă este un dans, este mai ușor, dar dacă este o producție teatrală, este mai dificil.

Deci, primul lucru este aspectul. Există unul mod bun nu priviți pe nimeni și pe toți deodată: pentru a face acest lucru, trebuie să alegeți un punct pe peretele îndepărtat al auditoriului; punctul ar trebui să fie direct în fața dvs. și puțin deasupra rândului îndepărtat.Acest lucru va crea iluzia că vă uitați la toți în același timp. Uneori, pentru a concentra atenția, actorii își aleg o „victimă” pentru ei înșiși și se uită la bietul om pe tot parcursul spectacolului lor. Uneori o poți face așa. Dar totul ar trebui să fie cu moderație))

Al doilea punct este expresia facială. Artele teatrale Nu o iau aici - totul este clar acolo, expresia facială ar trebui să fie complet clară. Când dansați, acordați atenție expresiilor faciale. 90% din dans implică zâmbetul. Dansul cu un chip de piatră-înmormântare, extrem de tensionat nu este o idee foarte bună. Așa că poți să te lași de tensiune =))))) Există dansuri în care trebuie să arăți ură sau tandrețe sau furie - orice emoție. Dar din nou, toate aceste puncte sunt discutate în timpul producției. Dacă nu ți s-au dat instrucțiuni „speciale” cu privire la expresiile faciale, zâmbetul))) Apropo, la fel ca atunci când înveți un monolog, trebuie să-l spui cu volumul potrivit încă de la început, trebuie să te obișnuiești și cu dansul cu un zambet. Pentru că atunci când urci pe scenă, pierzi deja 30% din ceea ce ai avut la proba generală (dacă nu mai mult), și zâmbetul tău. Prin urmare, zâmbetul ar trebui să fie un lucru firesc.

Al treilea punct este efectul surprizei. De asemenea, acest lucru nu este întotdeauna adecvat, dar este totuși important. Nu-i lăsa pe spectator să știe ce se va întâmpla în continuare, nu-l lăsa să prezică, surprinde-ți spectatorul - și el va urmări fără să-și ia ochii de la ochi. Pe scurt, nu fi previzibil.

Cum să ascunzi defectele și să arăți avantajele?
Chiar și cei mai străluciți actori au nevoie uneori de „haine”. Și când spun „haine”, nu mă refer la o cămașă și pantaloni. Îmbrăcămintea de scenă nu este doar un costum, ci și acele lucruri mărunte în spatele cărora se ascund emoțiile. Adică dacă eroul este supărat, dacă așteaptă, dacă este nervos, nu ar trebui să alerge pe scenă ca un idiot, apucându-se de păr și țipând sfâșietor întregului public. Dar o poți face astfel: o persoană bea apă dintr-un pahar de plastic; bea în sine, se uită undeva în jos sau, dimpotrivă, în sus..... băuturi, băuturi, băuturi, și apoi - rrrrraz! - Zdrobește puternic paharul din mână și îl aruncă în lateral, uitându-se la ceas. Este clar că este supărat și așteaptă ceva? Astfel de secrete ale regizorului ascund neajunsuri. Arătarea avantajelor este mult mai ușoară, cred că nu are rost să scrieți că nu trebuie să fie ascunse și atunci este o chestiune de tehnică. Rol important Contrastul joacă, de asemenea, un rol. Dacă nu doriți să arătați deficiențele tehnice ale cuiva, nu asociați o persoană mai puțin pricepută cu una mai experimentată și mai pricepută. Deși, aici, desigur, există o sabie cu două tăișuri: o coboară, o ridică pe cealaltă....

Sunt departe de a fi un profesionist. Repet: tot ce este scris în acest articol am învățat de la oameni cu experiență, am citit undeva, am ajuns și eu la ceva. Puteți și chiar ar trebui să vă certați cu gândurile și concluziile mele =) Dar am scris aici ceea ce mi se pare corect și utilizabil. Dar, când folosiți, amintiți-vă de proverbul ucrainean: prea mult este nesănătos!... =)
Succes cu producțiile tale!

Creatorul de producție teatrală, împreună cu regizorul, creează în piesă nu doar o „scenă de acțiune”, ci împrejurările teatrale în care se desfășoară o anumită acțiune scenică, atmosfera în care se desfășoară.

Conflictul într-o piesă se manifestă întotdeauna doar în acțiune. Designul spectacolului participă la dezvoltarea sa și... permisiune. Conflictul, exprimat doar prin proiectare, este întotdeauna ilustrativ, conferă acțiunii un anumit caracter static prin „formularea” ei și există independent în performanță. Există excepții de la această regulă, atunci când un astfel de conflict deschis, vizual, este cerut de un gen special de spectacol: afiș, pamflet etc.

O condiție prealabilă pentru crearea designului unei performanțe este pentru mișcarea artistului și conflictul - baza expresivității oricărei arte. În artă, ca și în viață, nu există infinitate și imobilitate. O persoană pur și simplu nu le percepe.

Pentru percepție performanta teatrala In primul rand ai nevoie de un spatiu in care sa fie construit mediul acțiune scenică, există actori, și un spațiu în care este plasat publicul. Aceste două zone împreună sunt numite spațiu teatral, iar zonele sunt numite spectator și scenă.

Astfel, din toate cele de mai sus putem concluziona că performanța și designul său spațial există în condițiile unui mediu spațial, timp și ritm.

În teatru, timpul este o componentă obligatorie a spectacolului, doar că, spre deosebire de alte arte temporare, aici este calculat foarte precis, iar regizorul lucrează cu cronometrul în mână.

Orice artă există în condițiile unui anumit ritm. Ritmul se manifestă cel mai clar în muzică, poezie, dans, mai puțin sigur în proză, pictură, dar ritmul participă întotdeauna la organizarea unei opere de artă, obligând privitorul, ascultătorul să-și subordoneze ritmul intern, starea lor ritmică ritmului opera de artă, conectându-se astfel cu ea și cedându-se influenței sale.

În teatru, problema organizării ritmice a impactului spectacolului asupra spectatorului este una dintre cele mai dificile: odată cu începerea spectacolului, este necesar să se includă instantaneu un număr mare de oameni într-o varietate de ritmuri diferite. afirmă în ritmul unic al acțiunii scenice. Unii, după ce și-au cumpărat un bilet cu o lună înainte de spectacol, au venit la teatru pe jos, pregătiți în interior să perceapă o piesă cunoscută; un altul, în ultima zi a unei călătorii de afaceri, și-a cumpărat accidental un bilet de mână și, fără suflare, a zburat în sala deja slab luminată, fără să știe nici măcar ce spectacol avea să vadă. Desigur, pentru a-i aduce pe toți să fie pregătiți pentru percepție, sunt necesare mijloace și tehnici active.

Percepția fiecărui tip de artă necesită anumite condiții. Pentru a percepe pictura, ai nevoie de lumină, nu de întuneric, care, la rândul său, este necesar pentru a percepe un film; Pentru perceperea muzicii, tăcerea este o condiție prealabilă, iar sculptura nu poate fi percepută decât în ​​prezența unui fundal calm, uniform.

Creatorul de producție teatrală, care se ocupă de spațiul fizic (limitat de dimensiuni specifice), schimbându-i proporțiile, scara în raport cu figura umană, umplându-l cu diverse obiecte, luminând diferit, îl transformă într-un spațiu artistic corespunzător celui artistic și figurativ. obiectivele performanței.

Oricare ar fi caracterul spațiului teatral: o arenă, un prosceniu cu amfiteatru, o scenă, o sală în etape cu o scenă - nu poate fi decât de două feluri: real și iluzoriu.

Spațiu real nu-și ascunde adevărata dimensiune. Privitorul îi simte adâncimea, lățimea, înălțimea și totul în acest spațiu este în mod necesar proporțional cu figura umană. Dacă lângă actor există un scaun mic, toată lumea înțelege că este un scaun pentru copii.

Spațiu iluzoriu este de obicei creat în condițiile unei scene cutie, când artistul, folosind legile perspectivei, diverse deghizări și transformări ale adevăratelor dimensiuni ale zonei scenice și tehnici de creare a unui sentiment de profunzime în privitor, schimbă percepția asupra dimensiuni reale ale spațiului scenic, creând iluzia câmpurilor nesfârșite, a mării fără margini, a cerului fără fund, a obiectelor aflate la distanță etc. Un scaun mic în comparație cu actorul în aceste condiții iluzorii nu mai poate fi perceput ca un scaun de copil. , dar ca un scaun normal care stă departe, în contracție de perspectivă.

Pentru realizarea designului unui spectacol, artistul, în condițiile de spațiu, timp și ritm care i se oferă, folosește materiale împrumutate din alte arte plastice și folosite cu succes în teatru: plan, volum, textură, culoare, lumină, arhitectură. ale clădirii teatrului, diverse mecanisme și dispozitive tehnice. Teatrul nu are propriul său material, cum ar fi sculptura sau literatura. Material artist de teatru Este sintetic, flexibil și schimbător și capătă de fiecare dată un caracter în concordanță cu obiectivele unei anumite performanțe.

Într-o reprezentație, mișcarea poate fi descrisă de artist prin schimbarea culorii și a luminii, mutarea costumului pe un fundal colorat diferit, schimbarea pozițiilor de punere în scenă etc. De foarte multe ori mișcarea este descrisă pur și simplu ca mișcare.

Pe mișcarea continuă a platanului, al cărei centru este masa comitetului de partid, imaginea piesei „Minutes of one meeting” bazată pe piesa lui A. Gelman din ABDT numită după. M. Gorki. Mișcarea cercului cu viteza acelui minutelor face posibilă schimbarea imperceptibilă a poziției personajelor care stau la masă în raport cu privitorul și, în plus, fundalul se mișcă cu aceeași viteză, înfățișând pereții comitetul de petrecere, creează senzația că camera se rotește în jurul privitorului și formează un accent figurativ în spectacol: agățat de perete, portretul lui Lenin dispare mai întâi din câmpul vizual al privitorului împreună cu peretele în mișcare și, în final, când camera face o întoarcere completă, apare din nou. Datorită rotației camerei, această dispariție și reapariție a portretului nu pare a fi o metaforă intruzivă.

Un exemplu de soluție teatrală a unui conflict, când acțiunea și designul sunt inextricabil fuzionate într-un singur întreg figurativ, poate fi reprezentația deja menționată a Teatrului din Kiev. Lesya Ukrainka „În ziua nunții”.

Structura conflictuală activă în designul uniform al lui D. Leader pentru spectacolele „Macbeth” de W. Shakespeare și „Cariera lui Arturo Ui” de B. Brecht arată la fel de integrală. Designul acestor spectacole reprezintă intersecția a două străzi ale unui oraș modern cu stâlpi, o rețea de fire și capace de canal de comunicații subterane pe asfalt, de sub care vrăjitoarele din „Macbeth” și gangsterii din „Cariera lui Arturo”. Ui” se ridică la suprafață din lumea interlopă.

O bucată de asfalt în golul scenei, încâlcită în fire, înconjurată de stâlpi metalici, împânzită, ca ciupercile otrăvitoare, cu capace de cămin - intrări la lumea interlopă unde viețile rele nu sunt cotidiene, ci circumstanțe teatrale, nu cotidiene, ci medii teatrale.

O platformă făcută din scânduri cenușii vechi, cu un buchet de centimetri proaspăt tăiați și mormane de flori este, de asemenea, o scenă teatrală, nu o scenă de acțiune de zi cu zi, nu un adevăr de zi cu zi, ci un adevăr teatral.

Un camion cu platformă minuscul, plin cu mobilier de epocă și plin de oameni, astfel încât să nu cadă un măr, care conduce în centrul semicercului unei scene goale din „Inspectorul general” al lui Meyerhold, de asemenea, nu este un casnic, ci un mediu teatral pentru existenţa actorilor pe scenă.

Dar spațiul scenic în sine este mort și inexpresiv. Și imediat ce aprindeți o lanternă de buzunar și direcționați un fascicul subțire pe plăcile tabletei sau aprindeți spoturile albastre la volum maxim, scena prinde viață: apar contraste de întuneric și lumină, cald și rece. . .

Pentru a realiza o producție teatrală sunt necesare anumite condiții, un anumit spațiu în care actorii vor juca și publicul va fi amplasat. În fiecare teatru - într-o clădire special construită, în piața în care concertează trupe ambulante, la circ, pe scenă - spațiile auditoriului și scenei sunt amenajate peste tot. Natura relației dintre actor și spectator și condițiile de percepție a spectacolului depind de modul în care aceste două spații se relaționează, de modul în care este determinată forma lor etc.Formarea sălilor și a zonei scenice este determinată nu numai de cerinţele sociale şi estetice ale unei epoci date, dar şi caracteristici creative direcții artistice, stabilit în acest stadiu de dezvoltare. Relația ambelor spații între ele, modalitățile de îmbinare a acestora, constituie subiectul istoriei scenei de teatru.

Publicul și spațiile scenice constituie împreună spațiul teatral. Orice formă de spațiu teatral se bazează pe două principii de localizare a actorilor și a spectatorilor unul față de celălalt: axial și central. În soluția axială a teatrului, zona scenă este situată frontal în fața publicului și aceștia se află, parcă, pe aceeași axă cu interpreții. În centru sau, așa cum o mai spun ei, radial, scaunele pentru spectatori înconjoară scena pe trei sau patru laturi.

Fundamental pentru toate tipurile de scene este modul de a combina ambele spații. Și aici pot exista doar două soluții: fie o separare clară a volumului scenei și a auditoriului, fie îmbinarea lor parțială sau completă într-un spațiu unic, nedivizat. Cu alte cuvinte, într-o versiune, sala și scena sunt amplasate, parcă, în încăperi diferite atingându-se, în cealaltă, atât sala, cât și scena sunt amplasate într-un singur volum spațial.

În funcție de soluțiile de mai sus, este posibilă clasificarea destul de precisă a diferitelor forme ale scenei (Fig. 1).

O zonă de scenă delimitată pe toate părțile de pereți, dintre care unul are o deschidere largă spre auditoriu, se numește box stage. Locurile pentru spectatori sunt amplasate în fața scenei de-a lungul față a acesteia, în vizibilitatea normală a zonei de joc. Astfel, scena de box aparține tipului de teatru axial, cu o separare accentuată a ambelor spații. Scena cutie este caracterizată de un spațiu scenic închis și, prin urmare, aparține categoriei scenelor închise. O etapă în care dimensiunile deschiderii portalului coincid cu lățimea și înălțimea sălii este un tip de cutie.

Scena arenei are o formă arbitrară, dar mai des o platformă rotundă, în jurul căreia sunt amplasate locurile publicului. Scena arenei este un exemplu tipic de teatru de centru. Spațiile scenei și ale sălii sunt îmbinate aici.

O scenă spațială este de fapt unul dintre tipurile de arenă și aparține, de asemenea, tipului central de teatru. Spre deosebire de o arenă, o zonă de scenă spațială nu este înconjurată de locuri pentru spectatori din toate părțile, ci doar parțial, cu un unghi mic de acoperire. În funcție de soluție, scena spațială poate fi fie axială, fie centrală. ÎN solutii moderne Pentru a obține o mai mare versatilitate a spațiului scenic, o scenă spațială este adesea combinată cu o scenă cu box. Arena și scena spațială aparțin scenelor tip deschisși sunt adesea numite scene deschise.

Orez. 1. Forme de bază de etapă: 1 - etapă de cutie; 2 - scena arenei; 3 - scena spațială (a - zonă deschisă, b - zonă deschisă cu o scenă cutie); 4 - treapta de inel (a - deschis, b - închis); 5 - etapă simultană (a - platformă unică, b - platforme separate)

Există două tipuri de etaj inel: închis și deschis. În principiu, aceasta este o platformă de scenă realizată sub forma unui inel mobil sau fix, în interiorul căreia există locuri pentru spectatori. Cea mai mare parte a acestui inel poate fi ascuns de public prin pereți, iar apoi inelul este folosit ca una dintre modalitățile de mecanizare a boxului. În forma sa cea mai pură, scena de inel nu este separată de sala, aflându-se în același spațiu cu acesta. Etapa inelă aparține categoriei scenelor axiale.

Esența unei scene simultane este afișarea simultană a diferitelor scene de acțiune pe una sau mai multe scene amplasate în sala. Compozițiile variate ale zonelor de joc și locurilor pentru spectatori nu ne permit să clasificam această scenă ca unul sau altul. Un lucru este cert, că în această soluție a spațiului teatral se realizează cea mai completă îmbinare a zonei scenice și a spectatorilor, ale căror limite sunt uneori greu de determinat.

Toate formele existente spațiul teatral variază într-un fel sau altul principiile menționate ale poziției relative a spațiului scenic și a scaunelor pentru spectatori. Aceste principii pot fi urmărite până la primele clădiri ale teatrului din Grecia antică la clădirile moderne.

Scena de bază a unui teatru modern este o scenă. Prin urmare, înainte de a trece la prezentarea principalelor etape ale dezvoltării arhitecturii teatrului, este necesar să ne oprim asupra structurii, echipamentelor și tehnologiei de proiectare a spectacolului.

Artă monumentală(lat. monumentum, din moneo - îți amintesc) - una dintre artele plastice spațiale plastice și non-arte plastice; acest tip de ele includ lucrări de mare format, realizate în concordanță cu mediul arhitectural sau natural, prin unitate compozițională și interacțiune cu care ele însele dobândesc completitudine ideologică și imaginativă și comunică același lucru mediului. Operele de artă monumentală sunt create de maeștri diferite profesii creative si in tehnici diferite. Arta monumentală include monumente și compoziții sculpturale memoriale, picturi și mozaicuri, decorațiuni decorative ale clădirilor, vitralii