Despre artiști celebri puteți găsi o cantitate imensă de informații - cum au trăit, cum și-au creat lucrări nemuritoare. Mulți oameni de obicei nu se gândesc la caracteristicile caracterului și stilului de viață al artistului. Dar unele fapte din biografia sau istoria creării acestei sau acelei imagini sunt uneori foarte distractive și chiar provocatoare.

Pablo Picasso
Artiștii buni copiază, artiștii mari fură.

Când s-a născut Pablo Picasso, moașa îl considera născut mort. Copilul a fost salvat de unchiul său, care fuma trabucuri și, văzând copilul întins pe masă, i-a suflat fum în față, după care Pablo a început să răcnească. Astfel, putem spune că fumatul i-a salvat viața lui Picasso.

Se pare că Pablo s-a născut artist - primul său cuvânt a fost PIZ, prescurtare pentru LAPIZ („creion” în spaniolă).

ÎN primii aniÎn timpul vieții sale la Paris, Picasso a fost atât de sărac încât a fost uneori obligat să ardă cu picturile sale în loc de lemne de foc.

Picasso purta haine lungi și avea, de asemenea par lung, ceea ce era nemaiauzit la acea vreme

Numele complet al lui Picasso este format din 23 de cuvinte: Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Clito Ruiz and-Picasso.

Vincent van Gogh
Nu vă fie frică să faceți greșeli. Mulți oameni cred că vor deveni buni dacă nu fac nimic rău.

Se crede că abundența de pete galbene și galbene de diferite nuanțe din picturile sale este cauzată de utilizarea intensă a medicamentelor pentru epilepsie, care s-a dezvoltat în urma consumului excesiv de absint. „Noapte înstelată”, „Floarea soarelui”.

În timpul vieții sale tulburi, Van Gogh a vizitat mai mult de un spital de psihiatrie cu diagnostice variind de la schizofrenie la psihoză maniaco-depresivă. Cel mai faimos tablou al său, „Noaptea înstelată”, a fost pictat în 1889 într-un spital din orașul San Remy.

S-a sinucis. S-a împușcat în stomac în timp ce se ascundea într-o curte a fermei în spatele unui morman de gunoi de grajd. Avea 37 de ani.

De-a lungul vieții sale, Van Gogh a suferit de o stimă de sine scăzută. A vândut doar una dintre lucrările sale în timpul vieții - Viia Roșie la Arles. Iar faima i-a venit abia după moartea sa. Dacă Van Gogh ar ști cât de populară va deveni opera lui.

Van Gogh nu și-a tăiat toată urechea, ci doar o bucată din lobul urechii, care nu l-a durut cu greu. Cu toate acestea, există încă o legendă larg răspândită că artistul și-a amputat întreaga ureche. Această legendă s-a reflectat chiar și în comportamentul unui pacient care se operează pe sine sau insistă asupra unei anumite operații - se numea sindromul Van Gogh.

Leonardo da Vinci
Cine trăiește în frică moare de frică.

Leonardo a fost primul care a explicat de ce cerul este albastru. În cartea „Despre pictură”, el a scris: „Albăstrul cerului apare din cauza grosimii particulelor de aer iluminate, care se află între Pământ și întunericul de deasupra”.

Leonardo era ambidextru - era la fel de bun cu mâna dreaptă și cu mâna stângă. Ei spun chiar că ar putea scrie diferite texte în același timp mâini diferite. Cu toate acestea, el a scris majoritatea lucrărilor sale cu mâna stângă de la dreapta la stânga.

A cântat cu măiestrie la liră. Când cazul lui Leonardo a fost audiat la tribunalul din Milano, el a apărut acolo tocmai ca muzician, și nu ca artist sau inventator.

Leonardo a fost primul pictor care a dezmembrat cadavre pentru a înțelege locația și structura mușchilor.

Leonardo da Vinci era un vegetarian strict și nu a băut niciodată lapte de vacă, pentru că îl considera furt.

Salvador Dali
Dacă nu aș avea dușmani, nu aș fi ceea ce sunt. Dar, slavă Domnului, au fost destui dușmani.

Ajuns la New York în 1934, a purtat în mâini o pâine de 2 metri lungime ca accesoriu și, în timp ce vizita o expoziție de creativitate suprarealistă din Londra, s-a îmbrăcat într-un costum de scafandru.

Dali a scris pictura „Persistența memoriei” („Ore blânde”) sub impresia teoriei relativității a lui Einstein. Ideea a prins contur în capul lui Salvador în timp ce se uita la o bucată de brânză Camembert într-o zi fierbinte de august.

Salvador Dali se ducea adesea la culcare cu o cheie în mână. Așezat pe un scaun, a adormit cu o cheie grea strânsă între degete. Treptat, strânsoarea s-a slăbit, cheia a căzut și a lovit o farfurie întinsă pe podea. Gândurile apărute în timpul somnului de somn ar putea fi idei noi sau soluții la probleme complexe.

În timpul vieții sale, marele artist a lăsat moștenire să fie înmormântat în așa fel încât oamenii să poată merge pe mormânt, așa că trupul său a fost zidit într-un perete la Muzeul Dali din Figueres. Fotografia cu blițul nu este permisă în această cameră.

Porecla lui Salvador Dali era „Avida Dollars”, care tradus înseamnă „pasionat de dolari”.

Logo-ul Chupa Chups a fost desenat de Salvador Dali. Într-o formă ușor modificată, a supraviețuit până în zilele noastre.

Aproape fiecare dintre lucrările lui Dali conține fie un portret, fie o silueta a lui.

Henri Matisse
Florile înfloresc peste tot pentru toți cei care vor să le vadă.

În 1961, pictura lui Henri Matisse „The Boat” (Le Bateau), expusă la Muzeul din New York artă contemporană, atârnat cu capul în jos timp de patruzeci și șapte de zile. Tabloul a fost agățat în galerie pe 17 octombrie și abia pe 3 decembrie a observat cineva greșeala.

Henri Matisse suferea de depresie și insomnie, uneori plângând în somn și trezindu-se țipând. Într-o zi, fără niciun motiv, i s-a făcut brusc frică să nu orbească. Și chiar a învățat să cânte la vioară pentru a-și putea câștiga existența ca muzician de stradă când și-a pierdut vederea.

Mulți ani Matisse a trăit în sărăcie. Avea vreo patruzeci de ani când a reușit în sfârșit să-și întrețină familia pe cont propriu.

Henri Matisse nu a pictat niciodată pietre, case de cristal limpede, câmpuri cultivate.

În ultimii 10 ani de viață, a fost diagnosticat cu cancer duodenal și a trebuit să rămână într-un scaun cu rotile.

Edvard Munch
În arta mea am încercat să-mi explic viața și sensul ei, am încercat, de asemenea, să-i ajut pe alții să-și explice viața.

Munch avea doar cinci ani când mama lui a murit de tuberculoză, iar apoi și-a pierdut sora mai mare. De atunci, tema morții a apărut de mai multe ori în opera sa și drumul vietiiÎncă de la primii pași, artista s-a declarat ca o dramă de viață.

Tabloul său „Țipătul” este cea mai scumpă operă de artă vândută la o licitație publică.

Era obsedat de muncă și el însuși a spus asta: „A scrie pentru mine este o boală și o intoxicare. O boală de care nu vreau să scap și o intoxicație în care vreau să rămân.”

Paul Gauguin
Arta este o abstractizare, extrage-o din natură, fanteziază pe baza ei și gândește-te mai mult la procesul de creație decât la rezultat.

Artistul s-a născut la Paris, dar și-a petrecut copilăria în Peru. De aici și dragostea lui pentru țările exotice și tropicale.

Gauguin a schimbat cu ușurință tehnicile și materialele. De asemenea, era interesat de sculptura în lemn. Întâmpinând adesea dificultăți financiare, nu a putut să cumpere vopsele. Apoi luă cuțitul și lemnele. El a decorat ușile casei sale din Insulele Marquesas cu panouri sculptate.

Paul Gauguin a lucrat ca muncitor la Canalul Panama.

Artistul a pictat naturi moarte în principal fără a apela la un model.

În 1889, după ce a studiat amănunțit Biblia, a pictat patru pânze în care s-a înfățișat după chipul lui Hristos.

Relațiile frecvente și promiscue cu fetele au făcut ca Gauguin să se îmbolnăvească de sifilis.

Renoir Pierre Auguste
La patruzeci de ani am descoperit că regele tuturor culorilor este negrul.

În jurul anului 1880, Renoir i-a spart prima dată pe a lui mana dreapta. În loc să fie supărat și îndurerat din cauza asta, ia pensula cu stânga, iar după un timp nimeni nu se îndoiește că va putea picta capodopere cu ambele mâini.

A reușit să picteze aproximativ 6.000 de tablouri în decurs de 60 de ani.

Renoir era atât de îndrăgostit de pictură, încât nu a încetat să lucreze nici la bătrânețe, când era bolnav. sub diferite forme artrită și pictat cu o pensulă legată de mânecă. Într-o zi, prietenul său apropiat Matisse l-a întrebat: „Auguste, de ce nu renunți la pictură, suferi atât de mult?” Renoir s-a limitat la a răspunde: „La douleur passe, la beauté reste” (Durerea trece, dar frumusețea rămâne).

Pictura artiștii contemporani de vânzare

Marile capodopere ale picturii pe care le întâlnești în fiecare zi în muzee, cărți, jocuri, filme și chiar publicitate nu sunt doar Frumoasă poză, dar și un cod cu multe detalii și interpretări semantice.

Prin urmare, nu este surprinzător că imaginile pe care toată lumea le-a văzut deja de un milion de ori vă pot testa de mai multe ori logica, atenția, inteligența și cunoașterea istoriei. Căutați scene pitorești, expuneți mituri locale. Acesta nu este doar antrenament mental, ci și mod bun pentru a eclipsa pe toți băieții deștepți enervanti în următoarea conversație. Și impresionează o persoană drăguță cu o licărire slabă de gând în ochii ei fără fund.

DISPOZITIE BOTICELIANA

Botticelli Sandro. Nașterea lui Venus, 1482-1486.

Uffizi, Florența

Stil: Renașterea timpurie

La prima vedere Venus, tocmai născută din spuma mării, acoperindu-și caste sânii și pântecele, înoată până la țărm pe o scoică. În stânga, Zephyr și soția sa Chloris îi sufla trandafiri. Pe mal, nimfa Ora din anumite motive se grăbește să acopere goliciunea lui Venus cu o mantie violetă. Însă femeia goală nerușinată se simte grozav și în ceea ce a născut mama ei, nu dă atenție grijilor și privește înainte, prin privitor. O ușoară tristețe a înghețat în ochii zeiței, de parcă ar merge în viața pământească pentru a câștiga bani... scuze, avea să sufere chinuri.

De fapt Pictura ilustrează mitul nașterii lui Venus. Rol principal interpretată de Simonetta Vespucci - prima frumusețe a Florenței, iubita lui Giuliano Medici și, potrivit zvonurilor, pasiunea secretă a lui Botticelli însuși. Trebuie să spun că cea mai nobilă Simonetta a fost căsătorită cu un al treilea, străin? Gesturile și proporțiile corpului lui Venus sunt scrise în conformitate cu canoanele sculpturii grecești clasice. Mantaua din mâinile lui Ora simbolizează granița dintre două lumi, iar coaja simbolizează puritatea și puritatea, dar de îndată ce ea pășește pe țărm...

Asta este! Datorită faptului că Botticelli a turnat peste tablou un strat protector de gălbenuș de ou, Nașterea lui Venus s-a păstrat mult mai bine decât multe capodopere.

ORA BRÂNZĂ

Dali Salvador. Persistența memoriei, 1931.

Muzeul de Artă Modernă, New York.

Stil: suprarealism.

La prima vedere Ceasul se topește pe fundalul sufocant al peisajului din Port Ligat.

De fapt Ceasul topit este o imagine a relativității și lăcomiei timpului, care se devorează pe sine și orice altceva, iar ceasul acoperit cu furnici simbolizează moartea. Pe malul pustiu, personificând golul interior, doarme însuși capul lui Dali, care este prizonier principal timp consumator.

Asta este! Inspirat de brânza Camembert topită, Dali a decis să topească un ceas pe pânza sa. Artistul a dat adesea explicații amuzante pentru picturile sale pentru a induce în mod deliberat oamenii în eroare. Și aceasta nu este o excepție.

REALISM MAGIC

Rene Magritte. Fiul omului, 1964.

Colecție privată

Stil: suprarealism.

La prima vedere Un yuppie frumos îmbrăcat este pe cale să fie lovit în față cu un măr... dar nu o face.

De faptÎn picturile lui Magritte, cel mai interesant lucru este întotdeauna, după cum a vrut norocul, ascuns de un obiect simplu. În acest caz este un măr, simbolizând ispita. Levitează persistent în fața unui om de afaceri rezervat, în fața căruia artistul l-a înfățișat pe „fiul lui Adam” și pe sine. Prin urmare, nu suntem atât de jigniți, pentru că știm cum arată fața lui Magritte.

OCHI, BUZE ȘI CEL MAI IMPORTANT, MÂINILE

Mona Lisa, 1503-1505.

Luvru, Paris

Stil: Înaltă Renaștere

La prima vedere O femeie curbă, cu sprâncene bărbierite și sâni rari, întorcându-se pe jumătate, stă pe un scaun pe fundalul unui peisaj misterios. De fapt, miracolul imaginii este în tehnica numită sfumato: datorită tranzițiilor netede de la lumină la umbră și umbririi ușoare a orbitelor, colțurile buzelor și mâinile grațioase, o imagine contradictorie a unei fete sfioase și a unei se formează stăpână voluptuoasă. Al doilea avantaj al imaginii este contrastul peisajului fantastic și o figură foarte reală. Sprâncenele smulse și fruntea ras nu sunt un semn de extremism, ci doar un tribut adus modei epocii Quattrocento.

Asta este! Contrar abisului de prostii scrise de criticii de artă, principala sarcină a lui Da Vinci a fost să reînvie chipul modelului.

REVELAȚIA „PROFESORULUI COȘMARURI”

Bosch Hieronymus. Grădina deliciilor pământești, 1500-1510.

Muzeul Prado, Madrid

Stil: Renașterea de Nord

La prima vedere Triptic pe teme biblice, amintind colectie imensa surprize mai amabile.

De faptÎn stânga, în Paradis, Dumnezeu o prezintă pe Eva lui Adam uluit. Viața pașnică a animalelor este perturbată de masa leului, iar o bufniță, mesager al nenorocirii, iese din sursa Vieții (clădirea din centru). În centru se află un prototip de petreceri erotice hippie - o grădină a plăcerilor, unde toată lumea eliberează instrucțiuni divine prin pădure: se joacă, mănâncă și se răsfăț în plăcerile carnale. Potrivit psihanalizei: cireșe, căpșuni, căpșuni și struguri, care se mănâncă aici, înseamnă sexualitate păcătoasă, peștele - pofta, iar păsările - pofta și desfrânarea. În dreapta, ca rezultat inevitabil, sunt monștri conduși de Satan Coaja de ou și mașini de tortură. Bosch ne arată influența corupătoare a poftei. Și totul a început atât de bine!

Asta este!În ciuda bacanalei BDSM descrise aici, această pictură respectă pe deplin canoanele biblice stricte și este plăcută de autoritățile bisericești.

Stil: baroc.

La prima vedere Un tânăr stilat cu o mulțime de băieți a zburat pe un cal înaripat pentru a flirta cu un fetișist gol.

De fapt Frumoasa Andromeda, legată de o stâncă, plănuia să fie mâncată de un monstru marin. Dar în timp ce scotocea cu condimente, tânărul Perseu, purtând sandale înaripate în ultima modă, a transformat monstrul în piatră. Aici vedem toate atributele la modă ale hipsterului grec antic: o cască de invizibilitate, un scut de oglindă cu capul Gorgonei Meduse și calul înaripat Pegasus. Dar miturile antice i-au servit lui Rubens mai mult ca pretext pentru a descrie farmecele feminine goale. Nu degeaba corpul ușor, ușor supraponderal al Andromedei este partea dominantă a imaginii, căreia privitorul îi acordă atenție în primul rând. Nu-i așa?

Asta este!În ciuda contribuției mari a lui Rubens la reprezentarea frumuseților goale, el are și partea lui de nedoritori care îl acuză că este prea entuziasmat de frumusețea înfloritoare a corpului feminin gol. Nu este o prostie?

MARTIRU DE CĂRUNUL...

Rembrandt van Rijn. Veghea de noapte, 1642.

Rijksmuseum, Amsterdam.

Stil: baroc

La prima vedere Căpitanul Cock (în centru) i-a dat ordinul de a mărșălui locotenentului Reitenburg (dreapta) și toată lumea a început imediat să se frământe.

De fapt Chiar și detaliile îmbrăcămintei trăgătorilor se mișcă în imagine. Observați jocul magistral de lumini și umbre: contrastul aleii întunecate (în spate) și pătratul iluminat. O fată într-o rochie aurie strălucitoare compensează camisola strălucitoare a lui Reitenburg, iar halebarda lui stabilește direcția de mișcare pentru întreaga pânză.

Asta este! Din cauza funinginei care acoperea poza, multă vreme nimeni nu și-a dat seama că acțiunea are loc în timpul zilei - uitați-vă la umbra mâinii stângi a căpitanului Kok.

MONA LISA DE NORD

Vermeer Jan. Fata cu un cercel de perle, ca. 1565.

Mauritshuis, Haga.

Stil: baroc

La prima vedere O față obișnuită a unei fete obișnuite.

De fapt Artista a căutat să transmită momentul mișcării spontane în care fata întoarce capul, observând prezența noastră. După numele și declarațiile criticilor de artă, atenția privitorului este atrasă în primul rând de cercelul cu perle. După părerea noastră, captivat de privirea atrăgătoare și de buzele senzuale, care au rămas misterios de tăcuți de mai bine de trei sute de ani, privitorul cu discernământ este puțin probabil să-și amintească cercelul.

Asta este! Acest tablou are o „reproducție” modernă, foarte indecentă, dar nu v-am spus despre asta!

DEZASTRUL ROMÂN VECHI CU MÂND DE MALOA

Bryullov Karl. Ultima zi a Pompeii, 1830-1833.

Muzeul de Stat al Rusiei, Sankt Petersburg.

Stil: romanticism

La prima vedere Orașul este într-o mare de foc, haosul domnește peste tot. În centrul compoziției se află trupul unei femei bogate, care a căzut la moarte dintr-un car, pe care caii îl poartă în adâncul tabloului. În dreapta, doi frați își salvează tatăl în vârstă. Toată lumea intră în panică.

De faptÎn depărtare arde vulcanul Vezuvius, vinovatul dezastrului. Dar scena principală este iluminată nu de flacăra lui, ci de descoperirea remarcabilă a lui Bryullov - un al doilea fulger. Schema de culori a tabloului este albastru, roșu și culori galbene, iluminat de lumină albă, a fost foarte curajos pentru vremea lui.

Asta este! Bryullov a conceput „Pompeia” ca cale rapidă să devină celebru și nu a eșuat - tabloul a devenit obiectul de cult universal al rușilor, italienilor și francezilor.

Când vizitează un oraș sau o țară, călătorii nu ignoră muzee celebre. Acolo ei examinează îndeaproape picturile celebre, încercând să înțeleagă ce este special la ele. Unele fapte vă vor ajuta să înțelegeți acest lucru.

Cel mai misterios zâmbet din lume: „Mona Lisa” de Leonardo da Vinci (1452-1519)

• Cel mai misterios tablou din lume este considerat a fi „La Gioconda (Mona Lisa)”.
• Nu se știe cu siguranță cine a fost modelul și pentru cine a pictat pictorul. Există opinia că pictura a fost comandată de un florentin bogat. Dar cine ar aștepta atât de mult pentru un loc de muncă? Alți cercetători cred că femeia înfățișată este idealul Renașterii. Există o părere că Leonardo da Vinci a pictat tabloul din el însuși.

• Nimeni nu știe exact când a început pictura.
• Pânza nu este terminată.
• Titlul este o greșeală de ortografie. "Mona" - forma scurta„Madona”.
• Mona Lisa nu este complet perfectă. Femeia nu are sprâncene.

• Pictura deteriorată. În 1956, o piatră a fost aruncată în zona de deasupra cotului stâng al femeii.
• Leonardo da Vinci a fost o persoană neobișnuită. El nu este doar pictor, ci și inventator, om de știință, sculptor, inginer și arhitect. A venit chiar și cu modele pentru genți de mână!
• Artistul a făcut note personale de la dreapta la stânga, cu mâna stângă și în oglindă, dezmembrând cadavre pentru a înțelege structura mușchilor.

• Pictorul a lăsat în urmă o mică moștenire artistică - doar 20 de pânze.
• Leonardo da Vinci a cântat foarte bine la liră și a cântat bine.
• Cel mai adesea maestrul înfățișa femei.

„Prima zi pentru pensula rusă”: Karl Bryullov (1799-1852) și „Ultima zi a Pompeii”

• Mii de oameni au asediat Academia de Arte din Sankt Petersburg în 1834 pentru a vedea Ultima zi a Pompeii.
• Artistul a dedicat șase ani întregi creării acestui tablou.
• Mai era ceva în primele schițe actor- tâlhar. Dar apoi artistul a scos-o.

• K. Bryullov a creat imaginea pentru Demidov. Apoi crescătorul i-a făcut cadou.
• O plimbare prin ruinele Pompeii l-a inspirat foarte mult pe pictor. A participat chiar la săpături arheologice.
• Bryullov s-a făcut unul dintre personaje - un bărbat cu un caiet de schițe pe cap.
• Mai multe femei din imagine au trăsăturile iubitei creatorului, Yulia Samoilova.

• Moarta din prim plan este un simbol al căderii Antichității.
• Bryullov a fost cel care a deschis calea artiștilor ruși. Picturile sale au fost expuse ca ghid pentru pictorii începători. · După ce a pictat „Ultima zi a Pompeii”, maestrul a început să fie numit „divinul Carol”.

• Tabloul a devenit primul tablou rusesc care a făcut zgomot în întreaga lume.
• Artistul era surd la o ureche din cauza unei palme pe care i-a dat-o tatăl său.
• „Și „Ultima zi a Pompeii” a devenit prima zi pentru peria rusă”, a exclamat poetul E. A. Baratynsky.

• În atelierul lui Bryullov se putea auzi adesea poezie – citirea cu voce tare a ajutat artistul să lucreze.
• Unele dintre picturile pictorului au fost finalizate de studenții săi.
• El a dedicat chiar și o poezie acestei imagini.

Uniunea celor 14 cei mai buni artiști: The Wanderers

• Povestea lor a început în 1863, când absolvenții Academiei de Arte din Sankt Petersburg au cerut dreptul de a alege liber un subiect munca de concurs pentru a primi o medalie de aur. Au fost refuzați. Apoi a apărut „Artelul Artiștilor”, inclusiv pictori din Moscova și Sankt Petersburg.
• Cel mai cunoscut nume al asociației este „Asociația expozițiilor de artă itinerante”.

• Artiștii au fost nemulțumiți de sloganul Academiei de Arte - „Arta de dragul artei”. Ei au proclamat că arta ar trebui să fie pentru oameni.
• Prima expoziție a avut loc la Sankt Petersburg în 1871.
• Unul dintre fondatorii comunității a fost. Cele mai faimoase picturi ale sale sunt „Necunoscut” și „Doliu inconsolabil”.

• Există multe opinii despre pânza „Necunoscută” de I. N. Kramskoy. Unii cred că I. N. Kramskoy a portretizat-o pe Anna Karenina. Alții sugerează că aceasta este soția Decembristului. Uneori auzi ideea că aceasta este o actriță sau fiica unui artist. Mulți oameni confundă femeia cu eroina poeziei „Străinul”.
• Artiștii au fost susținuți activ de P. Tretyakov, multe dintre lucrările lui Peredvizhniki sunt acum păstrate în galeria sa - unul dintre cele mai mari și mai faimoase muzee din Rusia. În ea puteți vedea pânza „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan”, „Dimineața execuției Streltsy”, „Deasupra pace veșnică„I. I. Levitan și multe altele.

Pictură de Ilya Repin „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan”

• I. N. Kramskoy a lucrat adesea în portrete; M. E. Saltykov-Shchedrin, I. I. Shishkin, P. A. Tretyakov au pictat cu pensula.
• Personaje opere de gen I. N. Kramskoy pictează adesea femei, iar portrete - bărbați.
• V.I. Surikov a preferat să creeze picturi în care personajul principal era întregul popor, ca în pictura „Dimineața execuției Streltsy”.

• Aproape toate picturile prezintă o biserică.
• Isaac Levitan a fost considerat „cel mai bun pictor peisagist rus”.
• Cel mai mult, I. I. Levitan a fost inspirat de Volga. Îi plăcea în special orașul Ples, a cărui biserică este vizibilă în pictura „Deasupra păcii eterne”.

• V. I. Surikov mare importanță a dat detalii. A făcut întotdeauna o mulțime de schițe pentru picturi atât de mari precum „Lady Morozova”.
• Pictura „Sirene” de I. N. Kramskoy a fost creată pe baza „Noaptea de mai”.

Cântecul mării: Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817 – 1900)

• Una dintre cele mai artiști talentați a fost filantrop și colecționar.
• S-a născut în Feodosia, iar din copilărie a văzut marea și corăbiile.
• „I.K. Aivazovsky” a devenit cu adevărat numele adevărat al artistului în 1841. Înainte de aceasta, i s-a adresat oficial Hovhannes Ayvazyan.

• Artistul a cântat frumos la vioară.
• A devenit primul pictor rus ale cărui picturi au fost expuse la Luvru.
• Artistul a avut patru fiice. Era foarte îngrijorat că numele lui de familie nu fusese transmis nepoților săi. Și așa a adoptat fiul fiicei sale mai mari.

• Unele tablouri sunt semnate „Guy”. La urma urmei, tatăl pictorului marin, sosit în Feodosia, și-a schimbat numele de familie în „Gayvazovsky”.
• Abisul și corăbiile apar cel mai adesea în picturile acestui artist. Există însă și pânze cu peisaje din Orient, și pe o temă religioasă.
• În timpul vieții sale, pictorul a fost numit pionierul genului picturii maritime la Roma.

Pictură de Ivan Aivazovsky „Bătălia de la Navarino”

• Pentru picturi de luptă bătălii navale creatorul adora flota.
• În 1846, în timpul expoziției de aniversare a zece ani activitate creativă Escadrila de nave de război a lui I.K. Aivazovsky sub comanda lui V.A. Kornilov a sosit la Feodosia pentru a-l felicita pe eroul zilei.
• Cel mai faimos tablou de I.K. Aivazovsky este „Al nouălea val”. În ceea ce privește priceperea, a fost comparată cu pictura lui Karl Bryullov „Ultima zi a Pompeii”.

Pictură de Ivan Aivazovsky „Al nouălea val”

• Numele „Al nouălea val” a apărut pentru că în multe țări marinarii consideră că acest val este cel mai distructiv.
• Lui Tretiakov i-a plăcut atât de mult pictura „Al nouălea val” încât a vrut să o cumpere pentru galeria sa, dar pânza este păstrată la Muzeul Rus. ÎN Galeria Tretiakov Puteți vedea mai mult de două duzini de picturi ale pictorului marin, inclusiv „Curcubeul” și „Marea Neagră”.

Pictură de Ivan Aivazovsky „Marea Neagră”

• Pictorul a creat aproximativ 6.000 de tablouri într-o varietate de formate în timpul vieții sale.
• Aivazovsky nu a pictat niciodată din viață, a examinat doar atent și atent obiectul, apoi l-a pictat în atelierul său.
• Aivazovsky nu s-a descurcat bine cu oamenii, așa că tabloul „Adio lui Pușkin de la mare” a fost pictat într-un duet cu Repin.

Pictură de Ivan Aivazovsky „Pușkin pe Marea Neagră”

• Pe pânza oricărui artist, fie că este o furtună sau o bătălie, există întotdeauna o imagine a speranței.
• Pânzele artistului devin adesea ținta furtului.
• Marinistul a primit zece comenzi. A aruncat cinci dintre ele (cele care i-au fost date în Turcia) în mare.

În această secțiune a site-ului am încercat să colectăm cele mai uimitoare și Fapte interesante despre picturile create de artiști vreodată.

Un escroc care se numea prințesa Tarakanova

În faimoasa pictură a lui Flavitsky „Prițesa Tarakanova”, eroina este înfățișată înainte de moartea ei în timpul inundației din Sankt Petersburg din 1777. Cu toate acestea, adevărata escroc, care s-a numit prințesa Tarakanova și s-a pozat ca fiica Elizavetei Petrovna și sora lui Emelyan Pugachev, a murit în captivitate din consum cu doi ani mai devreme.

„Piața Neagră” atârnă cu susul în jos în Galeria Tretiakov

Studiile „Pătratului Negru” al lui Malevich folosind un microscop și raze X au arătat că încă două lucrări timpurii, pictat cu vopsele colorate - unul aparține perioadei cubo-futuriste a operei artistului, al doilea perioadei proto-suprematiste. De asemenea, sub un strat de vopsea a fost găsită inscripția „Bătălia negrilor pe timp de noapte” realizată de Malevich, care se referă la un tablou comic absolut negru de Alphonse Allais, pictat cu 30 de ani mai devreme. Iar locația și direcția inscripției indică faptul că pictura atârnă cu susul în jos în Galeria Tretiakov.

Ce falsificator a devenit atât de faimos încât să apară la vânzare falsuri ale falsurilor sale?

Artistul de origine maghiară Elmir de Hory a devenit celebru ca unul dintre cei mai pricepuți falsificatori de pictori celebri. După ce și-a început „cariera” prin a imita lucrările lui Picasso, de Hory a reușit să vândă mii de falsuri în timpul vieții, deși în sens legal nu este complet corect să le numim falsuri, deoarece de Hory nu a semnat nici măcar un tablou cu acest nume. a creatorului original. Faptul că stăpânește imitația sa a devenit atât de faimos în lumea artei încât acum apar falsuri ale lui de Hory însuși. În 2014, două tablouri în stil Claude Monet care i-au fost atribuite au fost scoase la licitație în Noua Zeelandă, dar un expert în opera lui de Hory a putut recunoaște faptul unei duble falsificări.

Oamenii de știință i-au cerut lui Kustodiev să-și picteze portretul, în timp ce nu erau încă celebri

În 1921, doi tineri oameni de știință l-au abordat pe artistul Boris Kustodiev cu o cerere de a-și picta portretul. Argumentul lor a fost că Kustodiev pictează doar vedete și sunt siguri că vor deveni și ele celebre, chiar dacă acum nu sunt deosebit de cunoscute nimănui. Acești oameni de știință au fost Pyotr Kapitsa și Nikolai Semenov, viitor laureatii Nobelîn fizică și respectiv în chimie. Contra cost, i-au dat artistului o pungă de mei și un cocoș primit pentru repararea morii.

Titlul cărui pictură Rembrandt este opusă intenției artistului?

Pictată în 1642, pictura lui Rembrandt „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg” a devenit în cele din urmă mai cunoscută sub numele de „Căpitanul de noapte”. Cu toate acestea, în timpul restaurării pânzei în 1947, a devenit clar că cuvântul „noapte” nu este foarte potrivit aici. Rembrandt a acoperit tabloul cu mai multe straturi de lac închis, apoi ani lungiÎn timp ce se afla în Primăria din Amsterdam, ea a devenit și o victimă a funinginei de la șemineu. Curățarea pânzei, cuplată cu analiza umbrelor personajelor, a arătat că acțiunea s-a desfășurat între prânz și ora două după-amiaza.

De ce au pictat profesorii americani peste decorațiunile lui George Washington din tablou?

Pictura lui Emanuel Leutze „Washington Crosses the Delaware” înfățișează trecerea râului cu bărci de către o bandă de rebeli în timpul Revoluției Americane. George Washington însuși, stând într-o ipostază cu piciorul drept îndoit la genunchi, poate fi văzut ieșind de sub fusta camisolei, două decorațiuni rotunde roșii, care fac parte dintr-un lanț de ceas. Deoarece imaginea a fost publicată în mod repetat în manualele școlilor americane, mulți profesori au încercat să picteze peste aceste decorațiuni, astfel încât copiii să nu le asocieze cu organele genitale.

Versiunea nudă a Monei Lisei

Unul dintre elevii lui Leonardo da Vinci a fost un tânăr pe nume Salai. Mulți istorici de artă sunt siguri că el a fost modelul pentru picturile lui Leonardo „Ioan Botezătorul” și „Bacchus”. Există și versiuni conform cărora Salai, îmbrăcată într-o rochie de femeie, a servit drept imagine a Mona Lisei însăși și că a existat o relație intimă între elev și profesor. Lucrările proprii ale lui Szalai sunt puțin cunoscute, una dintre ele fiind o versiune nud a Monei Vanna numită Monna Vanna.

Ce tablou rusesc celebru a fost creat sub impresia luptei cu tauri?

Ilya Repin a fost inspirată de mai multe evenimente pentru a crea tabloul „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan”. Prima este asasinarea țarului Alexandru al II-lea dintr-o explozie a unei bombe, a doua este vizita lui Repin la concertul Rimski-Korsakov în același an, unde a fost impresionat de muzica suitei simfonice „Antar” și a vrut să transmită această dispoziție. pe pânză. Iar stimulul final pentru artist a fost o vizită la o coridă în Spania, după care a scris în jurnalul său: „Nenorocire, morți vii„, crima și sângele constituie o forță atractivă... Și eu, probabil că m-am infectat cu această sângerărie, la sosirea acasă, m-am apucat imediat de a lucra la scena sângeroasă.”

Cine, în afară de artistul Manet, a pictat tabloul „Prânzul pe iarbă”?

Artiștii Edouard Manet și Claude Monet sunt uneori confuzi - la urma urmei, amândoi erau francezi, au trăit în același timp și au creat impresionism. Monet a împrumutat chiar titlul uneia dintre cele mai faimoase picturi ale lui Manet, „Luncheon on the Grass” și a scris propriul său „Luncheon on the Grass”.

De ce pictura lui Gauguin „Satul breton în zăpadă” a fost vândută sub titlul „ cascada Niagara»?

Pictura lui Paul Gauguin „Satul breton în zăpadă” a fost vândută la licitație după moartea sa. Licitația a atârnat-o din greșeală cu capul în jos și a expus-o sub numele „Cascada Niagara”.

De ce unul dintre cazacii din tabloul „Cazaci” stă fără cămașă?

În pictura „Cazaci” a lui Repin, există un singur cazac la masă, gol de la brâu în sus. Cert este că acest personaj este un jucător pasionat, iar pachetul se află lângă el. Când jucau pentru bani în Sich, exista o tradiție de a-și scoate cămășile pentru ca nimeni să nu trișeze ascunzând cărțile în mâneci.

Cărui artist îi plăcea să plaseze reproduceri ale celorlalte picturi ale sale pe pereții camerelor reprezentate?

În colțul din stânga sus al picturii lui Reșetnikov „Deuce Again” atârnă o reproducere a celuilalt tablou faimos- „Am sosit în vacanță.” La rândul său, o reproducere a „Fs Again” este situată în colțul din stânga sus al tabloului „Reexamination”, pentru care același băiat a pozat. A ei personaj principal vara stă la masă într-o casă rurală și se înghesuie, în timp ce restul copiilor se joacă pe stradă.

Ce afacere de milioane de dolari s-a prăbușit din cauza unei mișcări incomode a cotului?

În 2006, magnatul american Steve Wynn a fost de acord să vândă visul lui Pablo Picasso pentru 139 de milioane de dolari, ceea ce ar fi fost unul dintre cele mai mari prețuri din istorie pentru o operă de artă. Cu toate acestea, când a demonstrat pictura, Winn și-a fluturat prea mult brațele și a rupt pânza cu cotul. Proprietarul a considerat acest lucru ca pe un semn de sus și a decis să nu vândă tabloul după restaurare.

Când aproape și-a stricat Repin pictura „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan”?

În 1913, un pictor de icoane bolnav mintal a tăiat cu un cuțit tabloul lui Repin „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan”. Datorită muncii la timp a restauratorilor, pictura a fost restaurată la forma sa inițială. Repin însuși a venit la Moscova și a rescris capul lui Ivan cel Groaznic într-o schemă de culori neplăcută liliac, care nu se potrivea cu restul schemei de culori a imaginii - opiniile artistului despre pictură s-au schimbat foarte mult de-a lungul a 20 de ani. Restauratorii au eliminat aceste corecții și au adus pictura la o potrivire exactă cu fotografiile sale detaliate. Dar Repin, văzând mai târziu tabloul restaurat, nu a observat nimic.

De ce a aprins Picasso soba cu picturile sale?

În timpul primilor săi ani la Paris, Picasso a fost atât de sărac încât uneori a fost forțat să-și ardă picturile în loc de lemne de foc.

Ce tablou a stat mult timp cu capul în jos într-un muzeu?

Pictura lui Henri Matisse „Barca” a fost expusă la Muzeul de Artă Modernă din New York în 1961. Abia după 47 de zile a observat cineva că tabloul atârna cu capul în jos.

Băieți, ne punem suflet în site. Multumesc pentru aceasta
că descoperi această frumusețe. Mulțumesc pentru inspirație și pielea de găină.
Alatura-te noua FacebookȘi In contact cu

Pictura nu este deloc plictisitoare, așa cum cred mulți. Tehnica excelentă de pictură, inovația artistului și impresia de neșters pe care o transmite pictura - toate acestea încântă privitorul atent. Și în spatele multor picturi se află povești de creație interesante; ele conțin detalii subtile și chiar obiecte străine. Uită-te doar la lăcusta descoperită în pictura lui Van Gogh, care vine din secolul al XIX-lea.

site-ul web a dezgropat fapte neobișnuite despre tablouri celebre sa va povestesc despre ele.

1. Lăcusta care l-a văzut pe Van Gogh

În 2017, cercetătorii de la Muzeul de Artă Nelson-Atkins din Statele Unite au descoperit o lăcustă uscată în pictura lui Vincent van Gogh „Olive Trees”. Tabloul a fost pictat în 1889, ceea ce înseamnă că lăcusta a stat acolo mai bine de 120 de ani și l-a văzut pe legendarul pictor însuși.

Cel mai probabil, insecta a rămas blocată în vopsea în timp ce era deja moartă. Rămășițele lui erau acoperite în verde și maro.

2. Pisica care a salvat copilul

Când spunem „Aivazovsky”, ne imaginăm marea. Când vedem valuri, o barcă cu pânze sau surf într-o imagine, exclamăm: „Aivazovsky pur!” Dar, de fapt, artistul a scris talentat nu numai peisaje marine. A creat autoportrete, inclusiv în stil grafic, peisaje din Sankt Petersburg și lucrări pe teme biblice.

În timp ce picturile sale maritime făceau furori în jurul lumii, Aivazovsky a călătorit mult. Constantinopolul i-a impresionat mai ales imaginația, iar artistul a pictat mai multe vederi ale acestui oraș, de exemplu, „Cafenea lângă Moscheea Ortakoy”.

Altă dată, Aivazovsky a fost captivat de peisajele, spațiul și natura ucrainene. Apoi a creat destul tablou faimos « Mori de vântîn stepa ucraineană...”, precum și alte câteva scene ucrainene de gen.

Mai mult, în a lui lista creativă Peisajele orientale, precum și subiectele armenești, ocupă un loc aparte.

4. Bine și rău (căsătorie inegală)

Dacă împărțiți pictura lui Vasily Pukirev „Căsătoria inegală” în diagonală în două părți (din colțul din dreapta sus până în stânga jos), atunci în jumătatea dreaptă veți găsi mireasa și cei 2 prieteni ai ei. Și în stânga sunt cei invitați din partea mirelui: artistul și-a descris în mod deliberat fețele ca fiind neplăcute. Astfel, pânza este împărțită în 2 părți semantice, care personifică binele și răul.

5. Un tablou, 2 artiști

Autorul tabloului „Dimineața în pădure de conifere» Ivan Shishkin este adesea indicat. Dar, de fapt, Shishkin a pictat doar pădurea din această imagine. Iar ursuleții drăguți, familiari tuturor celor de dulce din ambalajele de bomboane, aparțin stiloului lui Konstantin Savitsky. Artistul le-a realizat conform schițelor lui Shishkin. Cu toate acestea, colecționarul Pavel Tretyakov și-a șters numele, deoarece, în opinia sa, în imagine, „de la concept la execuție, totul vorbește despre modul de pictură, despre metoda creativă specifică lui Shișkin”.

6. Reflecție perfidă

În pictura lui Alexandru Ivanov „Apariția lui Hristos către popor”, în colțul din stânga puteți vedea un bătrân într-o pânză gri deschis. Dar în reflectarea în apă puteți vedea că bandajul este roșu. Poate că în schițele artistului acest articol de îmbrăcăminte a fost inițial stacojiu, iar pictorul a uitat pur și simplu să schimbe culoarea în versiunea finală.

7. Clonele femeii pe care o iubești

În pânza epică „Ultima zi a Pompeii”, în mijlocul mulțimii, Karl Bryullov și-a descris-o pe iubita sa, Contesa Yulia Samoilova. Și de mai multe ori: conform criticilor de artă, imaginea ei este întruchipată în diferite fete in poza de cel putin 4 ori.

8. Farsa lui Giotto

Giotto a pictat Bazilica Sf. Francisc în secolul al XIII-lea, iar în 2011, restauratorii l-au zărit pe diavolul în nori într-una dintre fresce: pentru a face acest lucru au trebuit să se apropie de scena care înfățișează moartea Sf. Francisc. Dacă te uiți la frescă în timp ce stai pe podea, nu este nimic scandalos în ea. Dar, de îndată ce s-a înarmat cu o scară, în norii din dreapta a fost descoperit un profil cu un rânjet viclean, un nas cârlig și chiar coarne.

A doua versiune este mai interesantă și se bazează pe date cu raze X. A arătat că pictura a fost pictată peste imaginea unei domnișoare, a cărei față a fost complet păstrată în versiunea ulterioară - a fost inclusă neschimbată în portretul „necunoscutului”. Dar poza și costumul au fost refăcute de artist. Cel mai probabil, portretul o înfățișează pe Olympiada Balbekova, prima soție a poetului și editorului Nikolai Struisky. După moartea ei, Struisky i-a cerut autorului să refacă portretul pentru a nu-și pune de rușine noua soție.

10. Greșeala lui Repin

În pictura „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan 16 noiembrie 1581”, Ilya Repin a făcut o greșeală notabilă din punctul de vedere al istoriei artei.

Problema constă în interiorul palatului din Alexandrovskaya Sloboda. Artistul a trebuit să descrie el însuși aspectul camerei, bazându-se pe cunoștințele sale. La urma urmei, s-a păstrat puțin din camerele regale din vremurile lui Ivan cel Groaznic.

Există un tablou atârnat pe perete în spatele eroilor. Este destul de greu să-l vezi, dar este clar că acesta este portretul unui bărbat în inaltime maxima. În mâinile sale este un sceptru și un orb, pe cap este o șapcă Monomakh. Dar adevărul este că Repin înfățișează un eveniment care a avut loc în 1581, iar portretele regale de acest tip au apărut în Rus’ abia în secolul al XVII-lea. Și chiar și la sfârșitul secolului al XVII-lea, onorabilul format mare, când regii sunt pictați la toată înălțimea, apare în principal doar pe icoane.