Artiști celebri ai timpului nostru, cărora le lipseau pensulele și vopselele pentru a-și exprima geniul, încântă și șocă nu numai cu lucrările lor, ci și cu felul în care exact le-au creat.

Vopsele, creioane, pensule și pânze - probabil că asta este tot ce aveți nevoie pentru a crea o operă de artă uimitoare. Da, mai mult talent! Acești artiști, fără îndoială, o au. La urma urmei, nici măcar nu aveau nevoie de materiale obișnuite pentru a scrie capodopere unice. Uite ce se poate întâmpla când un geniu își asumă sarcina de a desen.

1. Jet art de Tarinan von Anhalt

Prințesa din Florida Tarinan von Anhalt nu folosește pensule pentru picturile ei. Sunt create folosind... un avion. Cum face ea? De fapt, artistul aruncă pur și simplu sticle de vopsea, iar tracțiunea cu reacție a motorului de avion „creează” un model unic pe pânză. A trebuit să te gândești la așa ceva? Dar jet art nu este ideea ei. Prințesa a „împrumutat” tehnica jet art de la soțul ei Jurgen von Anhalt. Crearea unor astfel de imagini nu este atât de ușoară și, uneori, chiar pune viața în pericol: curenții de aer ating viteze și putere enorme, pot fi comparați cu vânturile de uragan, iar temperatura unui astfel de „uragan” poate depăși 250 de grade Celsius. Riscul combinat cu creativitatea îi permite prințesei să primească aproximativ 50.000 de dolari pentru una dintre creațiile ei.

2. Ani Kay și chinul artistic

O copie a picturii marelui Leonardo da Vinci" ultima cina„, a scris artistul indian Ani Kay în propria sa limbă. Au fost folosite cele mai comune vopsele. Ca urmare de ani lungi Creativitatea lui Ani otrăvește în mod constant corpul ei, experimentând simptome de intoxicație: dureri de cap, greață și slăbiciune. Dar indianul încăpățânat este gata să accepte tortura de dragul artei din nou și din nou.

3. Tablouri sângeroase de Vinicius Quesada

Vinicius Quesada este un artist brazilian scandalos ale cărui picturi i se dă literalmente cu propriul sânge și... urină. Capodoperele în trei culori ale brazilianului valorează mult pentru el: la fiecare 60 de zile, Vinicia cheltuiește 450 de mililitri de sânge pentru a picta picturi care șochează și uimesc publicul.

4. Lucrări de artă menstruală de Lani Beloso

Și din nou - sânge. Artistul hawaian nu acceptă nici culori. Picturile ei sunt create cu propriul ei sânge menstrual. Oricât de ciudat ar suna, lucrările lui Lani sunt cu adevărat feminine, ce să spun. Totul a început din disperare. Într-o zi, o tânără care suferea de menoragie, hotărând să afle cât de mult sânge pierde de fapt în perioadele patologic grele, a început să facă o imagine din propriile secreții. Timp de un an întreg, la fiecare menstruație, a făcut același lucru, creând astfel un ciclu de 13 tablouri.

5. Ben Wilson și capodoperele mestecate

Artistul Ben Wilson din Londra a decis să nu folosească vopsele sau pânze obișnuite și a început să-și creeze picturile din gumă de mestecat, pe care le-a găsit pe străzile Londrei. Creațiile drăguțe ale „maestrului de gumă de mestecat” decorează asfaltul gri al orașului, iar portofoliul lui Ben conține fotografii cu picturile sale neobișnuite.

6. Finger art de Judith Brown

Această artistă doar se distrează creând astfel de picturi neobișnuite cu particule minuscule de cărbune și degetele ei, ea nici măcar nu consideră opera ei ca fiind artă. Dar degete în loc de pensule și cărbune în loc de vopsea - atât de neobișnuit și, vezi tu, frumos. Frumos este și numele seriei de picturi de Judith – praf de diamant.

7. Artistul autodidact Paolo Troilo

Maestrul monocromului picteaza si cu degetele, folosind vopsele acrilice. Odată un om de afaceri italian de succes, Paolo Troilo a fost votat cel mai bun creativ al Italiei din 2007. Fără o singură pensulă, pictează picturi atât de realiste încât uneori nu se pot distinge de fotografiile alb-negru.

8. Capodopere auto de Ian Cook

Nu degeaba se spune că în fiecare geniu trăiește Copil mic. Tânărul pictor din Marea Britanie Ian Cook este o confirmare clară în acest sens. Pictează imagini de parcă s-ar juca cu comenzile unei mașini de jucărie. 40 de pânze colorate care înfățișează mașini au fost create folosind vopsele, dar în loc de pensule în mâinile artistului există jucării telecomandate pe roți.

9. Tom's Otman and Delicious Art

Vrei doar să faci aceste poze și să le lingi. La urma urmei, au fost scrise nu cu vopsele, ci cu înghețată adevărată. Creatorul unei astfel de picturi „gustoase” este Othman Toma, rezident de la Bagdad. Inspirat de delicatețe, artistul își fotografiază lucrările finite alături de „vopsele”: portocale, ciocolată cu fructe de pădure.

10. Elisabetta Rogai – rafinamentul vinului învechit

Artista italiană Elisabetta Rogai folosește și ea culori delicioase pentru creațiile sale. Are vin alb și roșu și pânză în arsenalul ei. Ce iese din asta? Tablouri incredibile care își schimbă nuanțele în timp, la fel cum un vin vechi, învechit, își schimbă aroma și gustul. Lucrări live!

11. Picturile pete ale lui Hong Yi

Ce poate fi mai rău pentru o gospodină exemplară decât semnele de la cești de cafea pe o față de masă albă? Dar, se pare, artistul din Shanghai Hong Yi nu este o casnică exemplară. În timp ce își creează picturile, ea lasă pete ca acestea pe pânză din când în când. Și nu pentru că îi place să bea cafea în timp ce lucrează, ci pentru că așa pictează, fără a folosi pensule sau vopsele.

12. Pictura cu cafea și arta berii de Karen Eland

Artista Karen Eland a încercat, de asemenea, să picteze folosind cafea în loc de vopsele. Și a făcut-o destul de bine. Reproduceri dintre cele mai multe lucrări celebre, făcute cu lichid de cafea, arată ca niște tablouri adevărate. Singura diferență sunt nuanțele de maro și semnul semnăturii Karen sub forma unei cești de cafea la fiecare lucrare.

Experimentând ulterior cu lichior, bere și ceai (nu, nu le-a băut), Eland a ajuns la concluzia că picturile ei au ieșit cel mai bine din bere. O sticlă de băutură îmbătătoare înlocuiește acuarelele pentru o pânză.

13. Pupici de la Natalie Irish

Trebuie să iubești atât de mult arta încât, fără a înceta să creezi, să-ți săruți opera din când în când! Acestea sunt exact sentimentele pe care le trăiește Natalie Irish. Mare dragoste - nu există altă modalitate de a descrie picturile ei, pictate nu cu pensule și vopsele, ci cu buze și ruj. Câteva zeci de nuanțe de ruj, câteva sute de sărutări - și astfel de capodopere se obțin.

14. Kira Ein Warzeji - sânii în loc de mâini

Americana Kira Ein Warzeji a pus și ea multă dragoste în artă - ea tablouri magice scris pe piept. Este greu de imaginat câte culori a turnat artista pe pieptul ei. Dar nu degeaba!

15. Arta sexuală de Tim Patch

El ia pânza și pictează, dar nu pensule. Și ce credeți că folosește artistul australian pentru a-și picta pânzele? Da, chiar locul de care nu este deloc timid. Bărbăția lui Tim este pe măsură. De macar, pozele lui pictate cu penisul lui sunt minunate. Trebuie spus că artistul folosește nu numai organul genital masculin principal, ci și „al cincilea punct” ca instrument de desen. Cu ajutorul ei, Tim proiectează fundalul imaginii. Maestrul însuși nu își ia munca în serios și chiar și pseudonimul său este frivol - Pricasso. Imitând scandalosul genialului Picasso, artistul șochează vizitatorii expozițiilor nu numai cu picturile sale, ci și cu claritatea procesului de creație a acestora.

Destul de ciudat, multe picturi celebre sunt asociate cu adevărat misterioase și Povești mistice. Voi spune mai mult, mulți critici de artă cred că aproape Satan însuși a contribuit la crearea unui număr de picturi. Prea des, fapte uimitoare și evenimente inexplicabile s-au întâmplat acestor capodopere fatale - incendii, morți, nebunia autorilor...

Una dintre cele mai faimoase picturi „blestemate” este „Băiatul care plânge” - o reproducere a unei picturi a artistului spaniol Giovanni Bragolin. Povestea creării sale este următoarea: artistul a vrut să picteze un portret al unui copil care plângea și și-a luat-o pe al său ca șef. fiul mic. Dar, din moment ce bebelușul nu putea plânge la cerere, tatăl l-a adus în mod intenționat la lacrimi aprinzându-i chibrituri în fața feței.

Artistul știa că fiul său era îngrozit de foc, dar arta era mai valoroasă pentru el decât nervii propriul copil, și a continuat să-l batjocorească. Într-o zi, condus până la isterie, bebelușul nu a suportat și a strigat, vărsând lacrimi: „Arde-te!” Acest blestem nu a întârziat să devină realitate - două săptămâni mai târziu, băiatul a murit de pneumonie, iar în curând tatăl său a ars de viu în propria casă... Aceasta este povestea de fundal. Pictura, sau mai degrabă reproducerea sa, și-a câștigat faima de rău augur în 1985 în Anglia.

Acest lucru s-a întâmplat datorită unei serii de coincidențe ciudate - incendiile în clădirile rezidențiale au început să aibă loc unul după altul în nordul Angliei. Au fost victime umane. Unele victime au menționat că din toată proprietatea, doar o reproducere ieftină care înfățișează un copil care plângea a supraviețuit în mod miraculos. Și astfel de rapoarte au devenit din ce în ce mai numeroase, până când, în cele din urmă, unul dintre inspectorii de pompieri a anunțat public că în toate casele arse, fără excepție, „Băiatul Plângător” a fost găsit intact.

Imediat, ziarele au fost copleșite de un val de scrisori care relatau diverse accidente, decese și incendii survenite după ce proprietarii au cumpărat acest tablou. Desigur, „Băiatul care plânge” a început imediat să fie considerat blestemat, povestea creării sale a ieșit la suprafață și a devenit copleșită de zvonuri și ficțiune... Drept urmare, unul dintre ziare a publicat o declarație oficială că toți cei care au această reproducere trebuie să scăpați imediat de el, iar autoritățile De acum încolo este interzis să îl cumpărați și să îl păstrați acasă.

Încă " băiat care plânge” are o reputație proastă, mai ales în nordul Angliei. Apropo, originalul nu a fost încă găsit. Adevărat, unii îndoielnici (mai ales aici în Rusia) au atârnat în mod deliberat acest portret pe peretele lor și, se pare, nimeni nu a fost ars. Dar totuși sunt foarte puțini oameni care doresc să testeze legenda în practică.

O altă „capodopera de foc” faimoasă este „Nuferi” de impresionistul Monet. Artistul însuși a fost primul care a suferit din cauza asta - atelierul său aproape că a ars din motive necunoscute.

Apoi, noii proprietari ai „Nuferilor” au ars - un cabaret din Montmartre, casa unui filantrop francez și chiar Muzeul din New York. artele contemporane. În prezent, pictura se află la Muzeul Mormoton, în Franța, și nu-și prezintă proprietățile sale „periculoase la incendiu”. Pa.

În Muzeul Regal din Edinburgh se află un alt tablou, mai puțin cunoscut și neremarcabil în exterior, „piromanul”. Acesta este portretul unui bărbat în vârstă cu brațul întins. Potrivit legendei, uneori degetele de pe mâna unui bătrân pictat în ulei încep să se miște. Iar cel care a văzut acest fenomen neobișnuit va muri cu siguranță din cauza focului în viitorul foarte apropiat.

Două victime celebre ale portretului sunt Lord Seymour și căpitanul de mare Belfast. Amândoi au susținut că l-au văzut pe bătrân mișcându-și degetele, iar amândoi au murit ulterior în incendiu. Oamenii superstițioși au cerut chiar directorului muzeului să îndepărteze pictura periculoasă, dar el, desigur, nu a fost de acord - acest portret nedescris, fără valoare anume, atrage majoritatea vizitatorilor.

Celebra „La Giaconda” de Leonardo da Vinci nu numai că încântă, dar și sperie oamenii. Pe lângă presupuneri, ficțiune, legende despre opera în sine și despre zâmbetul Monei Lisei, există o teorie că acest lucru portret celebruîn lume are un efect extrem de negativ asupra privitorului. De exemplu, au fost înregistrate oficial peste o sută de cazuri în care vizitatorii care s-au uitat mult timp la tablou și-au pierdut cunoștința.

Cel mai caz celebru s-a întâmplat cu scriitor francez Stendhal, care a leșinat în timp ce admira capodopera. Se știe că însăși Mona Lisa, care a pozat pentru artistă, a murit tânără, la vârsta de 28 de ani. Și marele maestru Leonardo însuși nu a lucrat la niciuna dintre creațiile sale la fel de lung și atent ca la „La Gioconda”. Timp de șase ani, până la moartea sa, Leonardo a rescris și a corectat tabloul, dar nu a realizat niciodată pe deplin ceea ce și-a dorit.

Pictura lui Velazquez „Venus cu oglindă” s-a bucurat, de asemenea, de discredit. Toți cei care l-au cumpărat fie au dat faliment, fie au murit violent. Nici măcar muzeele nu au vrut să includă compoziția sa principală, iar pictura și-a schimbat constant „înregistrarea”. S-a încheiat cu faptul că într-o zi un vizitator nebun a atacat pânza și a tăiat-o cu un cuțit.

Un alt tablou „blestemat” care este larg cunoscut este opera artistului suprarealist californian „Hands Resist Him” de Bill Stoneham. Artistul a pictat-o ​​în 1972 dintr-o fotografie în care el și sora lui mai mică stau în fața casei lor. În imagine, un băiat cu trăsături faciale neclare și o păpușă de mărimea unei fete vie au înghețat în fața unei uși de sticlă, de care sunt apăsate mâinile mici ale copiilor din interior. Există multe povești înfiorătoare asociate cu această imagine. Totul a început cu faptul că primul critic de artă care a văzut și apreciat opera a murit brusc.

Apoi, poza a fost achiziționată de un actor american, care, de asemenea, nu a trăit mult. După moartea sa, lucrarea a dispărut pentru scurt timp, dar apoi a fost găsită accidental într-un morman de gunoi. Familia care a ridicat capodopera de coșmar s-a gândit să o atârne în creșă. Drept urmare, fetița a început să alerge în dormitorul părinților în fiecare noapte și să țipe că copiii din imagine se luptă și își schimbă locația. Tatăl meu a instalat o cameră cu senzor de mișcare în cameră și s-a stins de mai multe ori în timpul nopții.

Desigur, familia s-a grăbit să scape de un astfel de dar al destinului, iar în curând Hands Resist Him a fost scos la licitație online. Și apoi au venit numeroase scrisori către organizatori cu plângeri că în timp ce vizionau filmul, oamenii s-au simțit rău, iar unii chiar au avut infarct. A fost cumpărat de proprietarul unui privat Galerie de artă, iar acum au început să vină plângeri la adresa lui. Doi exorciști americani l-au abordat chiar și cu oferte pentru serviciile lor. Iar psihicii care au văzut imaginea susțin în unanimitate că din ea emană răul.

Fotografie - prototipul picturii „Mâinile îi rezistă”:

Există mai multe capodopere ale picturii rusești care au și ele povești triste. De exemplu, tabloul „Troica” de Perov, cunoscut de toată lumea încă de la școală. Această imagine emoționantă și tristă înfățișează trei copii țărani din familii sărace care trag o sarcină grea, înhămați la ea în felul cailor de tracțiune. În centru este cel blond un baietel. Perov a căutat un copil pentru imagine până când a întâlnit o femeie cu un fiu de 12 ani pe nume Vasya, care se plimba prin Moscova într-un pelerinaj.

Vasia a rămas singura consolare a mamei sale, care și-a îngropat soțul și alți copii. La început nu a vrut ca fiul ei să pozeze pentru pictor, dar apoi a fost de acord. Cu toate acestea, la scurt timp după ce pictura a fost finalizată, băiatul a murit... Se știe că după moartea fiului ei, o femeie săracă a venit la Perov, rugându-l să-i vândă un portret al copilului ei iubit, dar pictura era deja atârnând Galeria Tretiakov. Adevărat, Perov a răspuns durerii mamei sale și a pictat separat un portret al lui Vasya, special pentru ea.

Unul dintre cele mai strălucitoare și extraordinare genii ale picturii ruse, Mikhail Vrubel, are lucrări care sunt asociate și cu tragediile personale ale artistului însuși. Astfel, portretul fiului său iubit Savva a fost pictat de acesta cu puțin timp înainte de moartea copilului. Mai mult, băiatul s-a îmbolnăvit pe neașteptate și a murit subit. Și „Demonul învins” a avut un efect dăunător asupra psihicului și sănătății lui Vrubel însuși.

Artistul nu a putut să se desprindă de imagine, a continuat să adauge la fața Spiritului învins și, de asemenea, să schimbe culoarea. „Demonul învins” era deja agățat în expoziție, iar Vrubel a continuat să intre în sală, fără să acorde atenție vizitatorilor, s-a așezat în fața tabloului și a continuat să lucreze, ca posedat. Cei apropiați au devenit îngrijorați de starea lui și a fost examinat de celebrul psihiatru rus Bekhterev. Diagnosticul a fost teribil - tabes măduva spinării, aproape de nebunie și moarte. Vrubel a fost internat la spital, dar tratamentul nu a ajutat, iar la scurt timp a murit.

O poveste interesantă este legată de pictura „Maslenița”, care a împodobit pentru o lungă perioadă de timp holul Hotelului Ucraina. A atârnat și a atârnat, nimeni nu s-a uitat cu adevărat la el, până când a devenit brusc clar că autorul acestei lucrări era o persoană bolnavă mintal pe nume Kuplin, care a copiat în felul său pictura artistului Antonov. De fapt, nu există nimic deosebit de teribil sau remarcabil în imaginea unei persoane bolnave mintal, dar timp de șase luni a entuziasmat vastitatea Runetului.

tabloul lui Antonov

Pictura lui Kuplin

Un student a scris o postare pe blog despre ea în 2006. Esența sa s-a rezumat la faptul că, potrivit unui profesor de la una dintre universitățile din Moscova, în pictură există un semn sută la sută, dar nu evident, prin care se vede imediat că artistul este nebun. Și chiar și presupus pe baza acestui semn, puteți face imediat un diagnostic corect. Dar, așa cum a scris studentul, vicleanul profesor nu a descoperit semnul, ci a dat doar indicii vagi. Și așa, spun ei, oameni buni, ajutați pe oricine poate, pentru că eu nu o găsesc eu, sunt toată epuizată și obosită. Nu este greu de imaginat ce a început aici.

Postarea s-a răspândit în întreaga rețea, mulți utilizatori s-au grăbit să caute răspunsul și să-l certa pe profesor. Poza a câștigat popularitate sălbatică, la fel ca blogul studentului și numele profesorului. Nimeni nu a reușit să rezolve ghicitoarea și, în cele din urmă, când toată lumea s-a săturat de această poveste, au decis:

1. Nu există niciun semn, iar profesorul i-a „îndreptat greșit” în mod deliberat pe studenți, astfel încât să nu sară peste cursuri.
2. Profesorul este el însuși psihopat (s-au citat chiar și fapte că a fost tratat efectiv în străinătate).
3. Kuplin s-a asociat cu omul de zăpadă care se profilează pe fundalul imaginii, iar aceasta este soluția principală la mister.
4. Nu a existat un profesor și toată povestea a fost un flash mob genial.

Apropo, au fost date și multe ipoteze originale pentru acest semn, dar niciuna dintre ele nu a fost recunoscută ca fiind corectă. Povestea a dispărut treptat, deși chiar și acum poți întâlni uneori ecouri ale ei pe RuNet. În ceea ce privește imaginea, pentru unii chiar face o impresie ciudată și provoacă senzații neplăcute.

Pe vremea lui Pușkin, portretul Mariei Lopukhina a fost una dintre principalele „povesti de groază”. Fata a trăit o viață scurtă și nefericită, iar după ce a pictat portretul a murit de consum. Tatăl ei Ivan Lopukhin a fost un faimos mistic și maestru al lojii masonice. De aceea s-au răspândit zvonuri că ar fi reușit să atragă spiritul fiicei sale decedate în acest portret. Și că dacă fetele tinere se uită la poză, vor muri în curând. Potrivit bârfelor din salon, portretul Mariei a distrus cel puțin zece nobile de vârstă căsătoribilă...

Zvonurile au fost oprite de filantropul Tretiakov, care în 1880 a cumpărat portretul pentru galeria sa. Nu a existat o mortalitate semnificativă în rândul vizitatorilor de sex feminin. Conversațiile s-au stins. Dar reziduul a rămas.

Zeci de oameni care, într-un fel sau altul, au intrat în contact cu pictura lui Edvard Munch „The Scream”, a cărui valoare experții o estimează la 70 de milioane de dolari, au fost expuși unei destine malefice: s-au îmbolnăvit, s-au certat cu cei dragi, au căzut într-o depresie severă sau chiar a murit brusc. Toate acestea au dat picturii o reputație proastă, astfel încât vizitatorii muzeului l-au privit cu prudență, amintindu-și povesti de groaza care a vorbit despre capodopera.

Într-o zi, un angajat al muzeului a scăpat accidental un tablou. După ceva timp, a început să aibă dureri de cap groaznice. Trebuie spus că înainte de acest incident nu avea idee ce este o durere de cap. Atacurile de migrenă au devenit din ce în ce mai dese și mai severe și s-au terminat cu sinuciderea bietului om.

Altă dată, un muncitor al muzeului a scăpat un tablou în timp ce acesta era atârnat de un perete pe altul. O săptămână mai târziu, a avut un accident de mașină îngrozitor, care l-a lăsat cu picioare, brațe rupte, mai multe coaste, un bazin fracturat și o comoție severă.

Unul dintre vizitatorii muzeului a încercat să atingă tabloul cu degetul. Câteva zile mai târziu, în casa lui a izbucnit un incendiu, în care bărbatul a ars până la moarte.

Viața lui Edvard Munch însuși, născut în 1863, a fost o serie de tragedii și tulburări nesfârșite. Boală, moartea rudelor, nebunie. Mama lui a murit de tuberculoză când copilul avea 5 ani. Nouă ani mai târziu, sora iubită a lui Edward, Sophia, a murit de o boală gravă. Apoi fratele Andreas a murit, iar doctorii au diagnosticat-o pe sora lui mai mică cu schizofrenie.

La începutul anilor '90, Munch a suferit o cădere nervoasă severă și perioadă lungă de timp a suferit un tratament cu electroșoc. Nu s-a căsătorit niciodată pentru că gândul la sex îl îngrozea. A murit la vârsta de 81 de ani, lăsând în dar orașului Oslo o uriașă moștenire creativă: 1200 de tablouri, 4500 de schițe și 18 mii. lucrări grafice. Dar punctul culminant al lucrării sale rămâne, desigur, „The Scream”.

Artistul olandez Pieter Bruegel cel Bătrân a pictat „Adorarea magilor” timp de doi ani. A „copiat” pe Fecioara Maria de la vărul său. Era o femeie stearpă, pentru care a primit lovituri constante de la soțul ei. Ea a fost cea care, așa cum bârfește simplu olandez medieval, a „infectat” poza. „Magii” a fost cumpărat de colecționari privați de patru ori. Și de fiecare dată s-a repetat aceeași poveste: nu s-a născut niciun copil în familie timp de 10-12 ani...

În cele din urmă, în 1637, arhitectul Jacob van Kampen a cumpărat tabloul. Până atunci avea deja trei copii, așa că blestemul nu l-a speriat în mod deosebit.

Probabil cea mai faimoasă poză proastă a spațiului de internet cu următoarea poveste: O anumită școală (deseori este menționată japoneza) a desenat această imagine înainte de a-și tăia venele (se aruncă pe fereastră, ia pastile, se spânzură, se îneacă într-o cadă). ).

Dacă te uiți la ea 5 minute la rând, fata se va schimba (ochii îi vor deveni roșii, părul se va înnegri, vor apărea colții). De fapt, este clar că imaginea nu a fost desenată de mână, așa cum multor oameni le place să pretindă. Deși nimeni nu dă răspunsuri clare cu privire la modul în care a apărut această imagine.

Următorul tablou atârnă modest, fără cadru, într-unul dintre magazinele din Vinnitsa. „Rain Woman” este cea mai scumpă dintre toate lucrările: costă 500 de dolari. Potrivit vânzătorilor, tabloul a fost deja cumpărat de trei ori și apoi returnat. Clienții explică că visează la ea. Și cineva chiar spune că o cunoaște pe această doamnă, dar nu își amintesc unde. Și toți cei care s-au uitat vreodată în ochii ei albi își vor aminti pentru totdeauna senzația unei zile ploioase, liniște, anxietate și frică.

Autorul său, artistul din Vinnița Svetlana Telets, a povestit de unde provine pictura neobișnuită. „În 1996, am absolvit Universitatea de Artă din Odesa. Grekova”, își amintește Svetlana. „Și cu șase luni înainte de nașterea „Femeie”, mi s-a părut întotdeauna că cineva mă urmărește constant. Am alungat astfel de gânduri de la mine și apoi într-o zi, apropo, deloc ploioasă, m-am așezat în fața unei pânze goale și m-am gândit ce să desenez. Și deodată am văzut clar contururile unei femei, chipul ei, culorile, nuanțe. Într-o clipă am observat toate detaliile imaginii. Principalul lucru l-am scris repede - l-am terminat în aproximativ cinci ore. Părea că cineva îmi călăuzește mâna. Și apoi am terminat de pictat încă o lună.”

Ajunsă la Vinnitsa, Svetlana a expus tabloul într-un salon de artă local. Cunoscătorii de artă veneau la ea din când în când și împărtășeau aceleași gânduri pe care ea însăși le-a avut în timpul muncii ei.

„A fost interesant de observat”, spune artistul, „cât de subtil poate un lucru să materializeze un gând și să-l inspire în alți oameni”.

Acum câțiva ani a apărut primul client. O femeie de afaceri singuratică s-a plimbat îndelung pe holuri, privind îndeaproape. După ce am cumpărat „Femeie”, l-am atârnat în dormitorul meu.
Două săptămâni mai târziu, un apel de noapte a sunat în apartamentul Svetlanei: „Vă rog să o luați. Nu pot sa dorm. Se pare că mai e cineva în apartament în afară de mine. Chiar l-am luat de pe perete și l-am ascuns în spatele dulapului, dar tot nu pot.”

Apoi a apărut un al doilea cumpărător. Apoi un tânăr a cumpărat tabloul. Și nici nu am putut suporta mult timp. I-a adus-o însuși artistului. Și nici măcar nu a luat banii înapoi.
„Visez la ea”, s-a plâns el. - În fiecare noapte apare și se plimbă în jurul meu ca o umbră. Încep să înnebunesc. Mi-e frica de poza asta!

Cel de-al treilea cumpărător, după ce a aflat despre notorietatea „Femei”, pur și simplu a renunțat. El a spus chiar că a crezut că fața sinistrei doamne este drăguță. Și probabil se va înțelege cu el. Nu s-a înțeles.
„La început nu am observat cât de albi erau ochii ei”, și-a amintit el. - Și apoi au început să apară peste tot. Au început durerile de cap, griji fără cauza. Am nevoie de el?!

Așa că „Rain Woman” s-a întors din nou la artist. Zvonul s-a răspândit în tot orașul că acest tablou a fost blestemat. Te poate înnebuni într-o singură noapte. Artista însăși nu mai este fericită că a pictat o asemenea groază. Cu toate acestea, Sveta nu își pierde încă optimismul:
- Fiecare tablou se naște pentru o anumită persoană. Cred că va exista cineva pentru care a fost scris „Femeie”. Cineva o caută – la fel cum ea îl caută pe el.

Ar fi interesant de știut câți dintre cititorii mei sunt care au vrut să încerce scrisul și să se apuce de pictură în serios, dar s-au oprit nu din cauza lipsei de timp sau a lipsei de imaginație, ci din cauza stereotipului larg răspândit că succesul în pictură poate fi doar realizat după lungi ani de educație artistică?

Mulți oameni cred că artiștii autodidacți pot scrie doar ca un hobby, dar nu pot conta pe succes, recunoaștere și bogăție.

Comunicând cu mulți oameni, aud cel mai mult această părere forme diferite. Cunosc chiar mulți artiști care scriu cu pasiune și foarte bine, dar consideră picturile lor doar distractive doar pentru că ei înșiși nu au primit o educație artistică.

Din anumite motive, ei cred asta Un artist este o meserie care cu siguranță trebuie confirmată de o diplomă și note.Și dacă nu ai diplomă, nu poți deveni artist, nu poți picta imagini bune și chiar dacă scrii o lucrare „pentru tine”, atunci ți se interzice să te gândești măcar să o vinzi sau să o vinzi. punându-l la vedere public.

Se presupune că picturile artiștilor autodidacți sunt imediat recunoscute de experți ca fiind neprofesioniste și nu vor provoca decât critici și ridicol.

Pot să spun cu îndrăzneală că toate astea sunt o prostie! Nu pentru că eu sunt singurul care crede așa. Dar pentru că istoria cunoaște zeci de artiști autodidacți de succes, ale căror picturi și-au luat locul cuvenit în istoria picturii!

Mai mult, unii dintre acești artiști au reușit să devină celebri în timpul vieții, iar opera lor a influențat întreaga lume a picturii. Mai mult, printre aceștia se numără atât artiști ai secolelor trecute, cât și artiști moderni autodidacți.

De exemplu, vă voi spune doar despre unii dintre acești autodidacți.

1. Paul Gauguin / Eugène Henri Paul Gauguin

Poate unul dintre cei mai mari artiști autodidacți. Drumul său în lumea picturii a început cu faptul că el, lucrând ca broker și câștigând bani buni, a început să achiziționeze tablouri ale artiștilor contemporani.

Acest hobby l-a fascinat, a învățat să înțeleagă bine pictura și la un moment dat a început să încerce să se picteze singur. Arta l-a fascinat atât de mult încât a început să dedice din ce în ce mai puțin timp muncii și din ce în ce mai mult timp pentru a scrie.

Tabloul „Femeia cusătoare” a fost pictat de Gauguin când era agent de bursă.

La un moment dat Gauguin decide să se dedice în totalitate creativității, își părăsește familia și pleacă în Franța pentru a comunica cu oameni asemănători și pentru a munci. Aici a început să picteze pânze cu adevărat semnificative, dar de aici au început și problemele sale financiare.

Comunicarea cu elita artistică și colaborarea cu alți artiști au devenit singura lui școală.

În cele din urmă, Gauguin decide să se rupă complet de civilizație și să fuzioneze cu natura pentru a crea în condiții paradisiace, așa cum credea el. Pentru a face acest lucru, el navighează spre insule Oceanul Pacific, mai întâi la Tahiti, apoi la Insulele Marquesas.

Aici devine deziluzionat de simplitatea și sălbăticia „paradisului tropical”, înnebunește treptat și... pictează cele mai bune tablouri ale sale.

Picturi de Paul Gauguin

Din păcate, Gauguin a primit recunoașterea după moartea sa. La trei ani după moartea sa, în 1906, a fost organizată la Paris o expoziție cu picturile sale, care s-au epuizat complet și au devenit ulterior una dintre cele mai colecții scumpe pace. Lucrarea sa „Când este nunta?” incluse în clasamentul celor mai scumpe tablouri din lume.

2. Jack Vettriano (alias Jack Hoggan)

Povestea acestui maestru este, într-un fel, opusă celei precedente. Dacă Gauguin a murit în sărăcie, pictându-și picturile sub jugul lipsei de recunoaștere, atunci Hoggan a reușit să câștige milioane în timpul vieții saleși se transformă în patron al artelor doar prin picturile sale.

În același timp, a început să scrie la 21 de ani, când un prieten i-a dăruit un set vopsele de acuarelă. Noua afacere l-a fascinat atât de mult încât a început să încerce să copieze lucrările unor maeștri celebri în muzee. Și apoi a început să picteze tablouri pe baza propriilor subiecte.

Drept urmare, la prima sa expoziție, toate picturile au fost vândute, iar mai târziu lucrarea sa „The Singing Butler” a devenit o senzație în lumea artei: a fost cumpărată cu 1,3 milioane de dolari. Picturile lui Hoggan sunt cumpărate de vedetele de la Hollywood și oligarhii ruși , deși majoritatea criticii de artă Le consideră complet de prost gust.

Pictură de Jack Vettriano

Veniturile mari îi permit lui Jack să plătească burse pentru studenții dotați cu venituri mici și să se angajeze în activități de caritate. Și toate acestea - fără studii academice- La vârsta de 16 ani, tânărul Hoggan a început să lucreze ca miner, după care nu a studiat oficial nicăieri.

3. Henri Rousseau / Henri Julien Félix Rousseau

Unul dintre cei mai faimoși reprezentanți ai primitivismului în pictură, Rousseau s-a născut în familia unui instalator, după ce a absolvit școala a servit în armată, apoi a lucrat la vamă.

În acest moment a început să picteze și tocmai lipsa de educație i-a permis să-și formeze propria tehnică, în care bogăția de culori, subiectele strălucitoare și bogăția pânzei sunt combinate cu simplitatea și primitivitatea imaginii în sine. .

Tablouri de Henri Rousseau

Chiar și în timpul vieții artistului, picturile sale au fost foarte apreciate de Guillaume Apoliner și Gertrude Stein.

4. Maurice Utrillo / Maurice Utrillo

Un alt artist francez autodidact, fără o educație artistică, a reușit să devină o celebritate de renume mondial. Mama lui a fost model în atelierele de artă și l-a învățat și principiile de bază ale picturii.

Mai târziu, toate lecțiile sale au constat în observarea modului în care marii artiști pictau la Montmartre. Multă vreme, picturile sale nu au fost recunoscute de criticii serioși și a supraviețuit doar prin vânzările ocazionale ale operelor sale către publicul larg.

Pictură de Maurice Utrillo

Dar până la 30 de ani munca sa a început să fie remarcată, la patruzeci de ani a devenit celebru, iar la 42 de ani primește Legiunea de Onoare pentru contribuția sa la arta în Franța. După aceea, a creat încă 26 de ani și nu a fost deloc îngrijorat de lipsa unei diplome în educația artistică.

5. Maurice de Vlaminck

Un artist francez autodidact a cărui educație formală a fost finalizată în scoala de Muzica- părinții lui au vrut să-l vadă ca violoncelist. ÎN adolescent a început să picteze, la vârsta de 17 ani s-a angajat în autoeducație cu prietenul său Henri Rigalon și la 30 de ani și-a vândut primele tablouri.

Pictură de Maurice de Vlaminck

Până în acest moment, a reușit să se întrețină pe sine și pe soția sa cu lecții de violoncel și spectacole cu grupuri muzicale în diferite restaurante. Odată cu apariția faimei, s-a dedicat complet picturii și a lui picturile în stil fauvist în viitor au influențat serios opera impresioniștilor din secolul al XX-lea.

6. Aimo Katainen /Aimo Katajainen

finlandeză artist contemporan, ale cărei lucrări aparțin genului „artei naive”. Tablourile conțin mult albastru ultramarin, care la rândul său este foarte calmant... Subiectele picturilor sunt calme și pașnice.

Picturi de Aimo Kataäinen

Înainte de a deveni artist, a studiat finanțele, a lucrat într-o clinică pentru reabilitarea alcoolicilor, dar în tot acest timp a pictat ca un hobby până când picturile sale au început să se vândă și să aducă un venit bun suficient pentru a trăi.

7. Ivan Generalić / Ivan Generalić

Artist primitivist croat care și-a făcut un nume cu picturi ale vieții rurale. A devenit celebru din întâmplare când unul dintre studenții Academiei din Zagreb i-a observat picturile și l-a invitat să facă o expoziție.

Pictură de Ivan Generalich

După ce expozițiile sale personale au avut loc la Sofia, Paris, Baden-Baden, Sao Paulo și Bruxelles, el a devenit unul dintre cei mai cunoscuți reprezentanți croați ai primitivismului.

8. Anna Moses / Anna Mary Robertson Moise(alias bunica Moise)

Artist american faimos care a început să picteze la vârsta de 67 de ani după moartea soțului ei, suferind deja de artrită. Nu avea educație artistică, dar pictura ei a fost observată accidental de un colecționar din New York în fereastra casei ei.

Pictură de Anna Moses

El a sugerat să organizeze o expoziție cu lucrările ei. Picturile bunicii Moise au devenit rapid atât de populare încât expozițiile ei au avut loc în multe țări europene și apoi în Japonia. La vârsta de 89 de ani, bunica a primit un premiu de la președintele american Harry Truman. Este de remarcat faptul că artistul a trăit 101 de ani!

9. Ekaterina Medvedeva

Cel mai faimos reprezentant al artei naive moderne din Rusia, Ekaterina Medvedeva nu a primit o educație artistică, dar a început să scrie când lucra cu jumătate de normă la oficiul poștal. Astăzi a intrat în clasamentul primilor 10.000 artiști ai lumii din secolul al XVIII-lea.

Pictură de Ekaterina Medvedeva

10. Kieron Williams / Kieron Williamson

autodidact minune englez, care a început să picteze în stil impresionist la vârsta de 5 ani, iar la 8 ani și-a scos pentru prima dată tablourile la licitație. La 13 ani, a vândut 33 de picturi ale sale la licitație cu 235 de mii de dolari într-o jumătate de oră, iar astăzi (are deja 18 ani) este milionar de dolari.

Picturi de Kieron Williams

Kieron pictează 6 tablouri pe săptămână și întotdeauna este o coadă pentru munca lui. Pur și simplu nu are timp pentru educație.

11. Paul Ledent / Pol Ledent

Artistul belgian este autodidact și creativ. Am devenit interesat de arte plastice în jurul vârstei de 40 de ani. Judecând după imagini, experimentează mult. Am studiat pictura pe cont propriu... și am aplicat imediat cunoștințele în practică.

Deși Paul a luat câteva lecții de pictură, și-a învățat majoritatea hobby-ului pe cont propriu. Am participat la expoziții, pictat tablouri la comandă.

Tablouri de Paul Ledent

In experienta mea, oamenii care gândesc creativ scriu interesant și liber, ale căror capete nu sunt pline de cunoștințe artistice academice. Și, apropo, nu mai puțin decât artiștii profesioniști obțin un anumit succes în nișa artei. Doar că astfel de oameni nu le este frică să privească lucrurile obișnuite puțin mai larg.

12. Jorge Maciel / JORGE MACIEL

Autodidact brazilian, artist autodidact modern talentat. El produce flori minunate și naturi moarte colorate.

Tablouri de Jorge Maciel

Această listă de artiști autodidacți poate fi continuată foarte mult timp. Se poate spune că Van Gogh, unul dintre cei mai influenți artiști ai lumii, nu a primit educație formală, a studiat sporadic cu diverși maeștri și nu a învățat niciodată să picteze figura umană (care, de altfel, i-a modelat stilul).

Îți poți aminti de Philip Malyavin, Niko Pirosmani, Bill Traylor și multe alte nume: mulți artiști celebri au fost autodidacți, adică au studiat pe cont propriu!

Toate acestea sunt o confirmare a faptului că pentru succesul în pictură un special educația artistică Nu este necesar să ai.

Da, este mai ușor cu el, dar poți deveni un artist bun fără el. La urma urmei, nimeni nu a anulat autoeducația... La fel ca și fără talent - am vorbit deja despre asta... Principalul lucru este să ai o dorință arzătoare de a învăța pe cont propriu și de a descoperi toate fațetele luminoase ale picturii în practică.

Salutări, prieteni, abonați și cititori de blog!

Numele lui, aforismele și sloganuri va rămâne cu noi timp de secole. A încercat, creând ceva nou, în unele locuri nu asemănător cu alte lucruri și în unele locuri chiar ciudat de neînțeles...

Tablouri, sculpturi, ceramică, precum și tabloul „tovarăș de viață”, pe care l-a pictat în copilărie și are o influență mondială. Din păcate, ea Nu mulți îi înțeleg opera... Și totuși, picturile sale sunt considerate cele mai „furate” din întreaga lume!

Pablo Picasso este fondatorul stilului cubist de pictură.În timpul vieții sale creatoare a realizat aproximativ 50 de mii de lucrări. Pe lângă picturi (1.885 de piese), a lucrat la sculptură (1.228 de piese), ceramică (2.880 de piese), au fost desenate peste 7.000 de desene, precum și 30.000 de gravuri și litografii.

A avut o influență puternică asupra dezvoltării Arte vizualeîn secolul al XX-lea. A trăit mult timp ( 91 de ani), o viață creativă interesantă și bogată...

Nu există aproape o persoană care să nu fi auzit și să nu știe despre stilul unicȘi viata creativa Pablo Picasso. Prin urmare, în acest articol voi descrie doar fapte interesante și impresionante din biografia celebrului creator spaniol.

Picasso s-a născut în sudul Spaniei în 1881, în orașul Malaga. Primele mele lecții de desen le-am primit de la tatăl meu, care era profesor de artă la acea vreme.

Mânca fapt interesant din viata lui ... Când viitorul artist de renume mondial avea 8 ani, și-a creat prima pictură serioasă în ulei "Picador" , de care nu s-a despărțit de-a lungul vieții.

"Picador" - Picasso 1889

Impresionat de performanța pe care a văzut-o la corrida, la care a participat împreună cu tatăl său, micuțul Pablo a portretizat un picador în costum galben, așezat curajos pe un cal.

Aparent, primul său tablou are un sens mai profund decât pare la prima vedere, dacă Pablo Picasso nu s-a despărțit niciodată de el... Un fel de legătură cu copilăria prin prima impresie profundă este posibilă!

Cel puțin înainte de a deveni artist, există o legătură directă și amintiri din copilărie... de care mi-am amintit destul de întâmplător când am deschis un tub de vopsea cu ulei

„Fiecare copil este un artist! Dificultatea este să rămână artist după plecare copilărie» - un citat celebru al artistului nu putea veni la un moment mai bun! O declarație subtilă de gândire, o frază grozavă, nu-i așa!!!

Tot ce rămâne este să înveți să rămâi cu sufletul curat al unui copil pe tot parcursul vieții sale de adult și conștient!

„Fata pe minge” - Pablo Picasso, 1905 Muzeul Pușkin, Moscova

Viața artistului a fost plină de diverse evenimente și experiențe. A experimentat pragul sărăciei și a supraviețuit ororii războiului, a rezistat probelor faimei și bogăției mondiale... S-a putut bucura de o viață liniștită, calmă în sudul Franței și acolo, inspirat de frumusețea locală, a putut crea lucrări noi și interesante

Artistul a fost căsătorit de două ori, prima lui soție Olga Khokhlova(perioada 1917-1935) - balerin de origine rusă, în această căsătorie a avut un fiu, Paulo. În plus, a avut trei copii nelegitimi de la două femei iubite cu care mai târziu și-a împărțit viața.

A doua sotie Jacqueline stâncă(perioada 1961-1973), care a trăit cu el până la sfârșitul vieții și l-a inspirat pe artist să creeze o serie de picturi. Apropo, i-a dedicat-o cel mai mare număr lucrări!

Jacqueline Rock

În orice moment, artiștii aveau nevoie de muze care i-au inspirat pe creatori să creeze noi lucrări. Este bine când știm cine este înfățișat în imagine... Dar chiar și tinerele despre care știm puțin sau nimic... și uneori ne dorim foarte mult să le cunoaștem soarta!

După cel de-al Doilea Război Mondial, fondatorul cubismului s-a stabilit în sudul Franței mediteraneene și a trăit acolo pentru tot restul vieții.

Pablo Picasso a părăsit această lume în 1973, la vârsta de 91 de ani la vila sa Notre-Dame-de-Vie din orașul Mougins, unde a locuit în ultimii 12 ani.

E la doar 15 km de mine, foarte aproape. În sudul Franței a fost cu adevărat fericit ca artist și ca persoană simplă.

Pablo Picasso în a lui ultima casa 1967 Mougins

Notă interesantă: în fotografie, în colțul peretelui, atârnă un tablou cu un autoportret al autorului, pictat în 1906. Și asta înseamnă că artistul, pe lângă pictura copiilor "Picador", A mai păstrat și alte lucrări vechi. Probabil, ca majoritatea artiștilor, fondatorul cubismului a păstrat acele lucrări care îi erau cele mai dragi...

Influența globală a lui Pablo Picasso și moștenirea cubismului

Picasso a avut o influență imensă asupra artiștilor tari diferite , a fost și laureat internațional al Premiului pentru Întărirea Păcii între Națiuni

Potrivit experților mondiali, Pablo Picasso este considerat cel mai scump artist din lume, deci, de exemplu, o imagine „Nud, frunze verzi și bust” a fost vândut la licitație la Londra pentru mai puțin de 107 milioane de dolari.

Opera altui artist „Femeile algeriene” Stabiliți complet un preț record, atenție! …. 180 de milioane de dolari! Ei bine, aceste tablouri sunt furate mult mai des decât altele...

„Nud, frunze verzi și bust” - Pablo Picasso 1932, tablou atârnat de personalul galeriei pentru licitație, Londra

„Femeile algeriene” - Pablo Picasso 1955 Pregătirea pentru licitații. Casa de licitații Christie's, Londra

Muzeul Picasso a fost deschis la Barcelona în 1960. unde, ca semn al dragostei sale pentru oraș, a dăruit aproximativ 2.500 dintre lucrările sale (pânze, gravuri și desene) și 140 de produse ceramice

În Paris Muzeul Pablo Picasso a fost deschis în 1985– moștenitorii artistului au transferat aici lucrările, aproximativ 200 de tablouri, 160 de sculpturi, mii de desene, precum și colecția personală a lui Picasso.

Și în 2003, în el a fost deschis Muzeul Picasso oras natal Milaj.

De asemenea , Muzeul Ermitaj adăpostește lucrăriși câteva sculpturi ceramice ale operei sale.

La următoarea mea călătorie la Sankt Petersburg din 2014, am vizitat muzeul, precum și sălile în care sunt depozitate capodoperele sale.

Apropo, în sudul Franței în orașul Antibes există un Muzeu Picasso „Bucuria vieții”(„La Joie de vivre”) Muzeul este situat în fostul atelier al artistului. Orașul Antibes este situat între Nisa și Cannes.

Opera de după război a lui Picasso a fost multifațetă. Picturile și desenele create la sfârșitul anului 1946 sunt depozitate în sălile Muzeului Picasso „Bucuria vieții”

Muzeul Pablo Picasso din Antibes

În principiu, este imposibil să descrii întreaga opera și viața lui Pablo Picassoîntr-un mic articol de recenzie. Au fost scrise cărți întregi și s-au făcut multe filme despre creatorul de renume mondial al stilului cubism.

Apropo, cum înțelegeți cuvântul „creativitate”? De exemplu, m-am încurcat... pentru că nu vă puteți explica înțelegerea și viziunea pe scurt.

Nepoata celebrei artiste spaniole Marina Picasso aduce și ea o contribuție semnificativă în lumea artei. Ea este organizatoarea expoziției internaționale de la Cannes „Artiste du Monde”, („Artist of the World”), care are loc anual în toamnă.

Aș dori să închei acest articol despre viața creativă a artistului cu propriile sale cuvinte: „Pictura este o activitate pentru nevăzători. Artistul pictează nu ceea ce vede, ci ceea ce simte.”

dragi prieteni, desenează și creează ceea ce simți cu adevărat... Nu-ți fie teamă să fii „orb” creativ, lasă să se deschidă în fața ta o nouă lume interesantă!!!

Dacă nu desenezi încă, dar chiar ți-ar plăcea, atunci cu siguranță îți va fi util să citești, poate că și tu ai temeri similare?

Lăsați comentarii la acest articol și, de asemenea, împărtășiți aceste informații prietenilor dvs. pe rețelele sociale. rețele din partea stângă

Video pentru desert: Vă invit într-o excursie la singurul muzeu din lume al artistului francez Pierre Bonnard de pe Coasta de Azur din Franța

Prieteni, la articol nu s-a pierdut printre multe alte articole pe internet,salvați-l în marcajele dvs.În acest fel, puteți reveni oricând la lectură.

Pune-ți întrebările de mai jos în comentarii, de obicei răspund rapid la toate întrebările

Revoltătoarea lui Salvador Dali - „Pentru mine, să te îmbogățești nu este umilitor, este umilitor să mor sub un gard”

Acesta nu este primul din istoria picturii rusești. Merită căutat în miniaturi și fresce antice din cărțile rusești. Dar cu siguranță „Portretul lui A.Ya. Naryshkina cu copiii ei Alexandra și Tatyana” este unul dintre cele mai vechi portrete de familie în ulei din Rusia.

Moda portretelor a apărut sub Petru I, când curtenii au fost nevoiți să le ordone să placă împăratului, imitând obiceiul european. La acea vreme, se obișnuia să se înfățișeze copiii ca copii mici ale adulților.. Ambele fete din imagine sunt îmbrăcate în rochii „ca ale mamei lor” și au părul făcut ca femeile adulte.

Artistul descrie cu atenție atât modelul de pe țesătura rochiei, cât și penele din păr, arătând clar că acesta este un bogat și nobilă doamnă cu copii. Cu toate acestea, contrar formalității portretului de familie, fetele din pânză se agață copilăresc de mama lor, iar ea își îmbrățișează cu tandrețe fiica cea mică.

2. V.A. Tropinin - „Portretul lui A.V. Tropinin" (în jurul anului 1818)

Artistul pictează un portret al fiului său Arsenie, în vârstă de zece ani. Este clar că vrea să arate vivacitatea și spontaneitatea copilului. Acest lucru este indicat atât de întoarcerea capului, cât și de privirea interesată a băiatului.

Și totuși, atât modul în care lucrează maestrul, cât și poziția copilului sunt mai potrivite pentru un model adult de sânge nobil. In ciuda faptului ca Tropinin însuși nu era nici nobil, nici măcar un om liber . Artistul a fost iobag și a primit libertatea abia în 1823 la vârsta de 47 de ani.

3. V.A. Serov - „Portretul lui Mika Morozov” (1901)

Interesul pentru personalitatea și viața interioară a copilului s-a intensificat până la începutul secolului al XX-lea. Acest lucru este clar vizibil în celebrul portret al lui Mika, în vârstă de 4 ani, fiul celebrului filantrop rus Mihail Morozov.

Toată atenția artistului este concentrată asupra băiatului. Privirea privitorului nu este distrasă nici de scaun, nici de peretele gri-maro, dar este imposibil să te desprinzi de copil și de ochii lui larg deschiși. Privind la băiatul neliniștit, care știe în mod clar o sută de moduri de a petrece timpul mai interesant decât să stea pe un scaun, nu ai crede că va deveni critic de teatru și critic literar, un expert în opera lui Shakespeare. Dar această muncă va necesita o perseverență considerabilă din partea lui în viitor.

4. V.A. Serov - „Fata cu piersici” (1887)

Un alt portret celebru al lui Valentin Serov o înfățișează pe Vera Mamontova, în vârstă de 11 ani. A fost scris cu câțiva ani înainte de filmul cu Mika Morozov. Artistul, în propriile sale cuvinte, a căutat prospețimea și completitudinea, care există în viață, dar dispar în pictură. Pentru a obține acest efect, Serov a forțat fata la el în fiecare zi timp de aproape două luni.

5. M.A. Vrubel - „Fată pe fundalul unui covor persan” (1886)

Mikhail Vrubel rămânea adesea fără bani, așa că uneori trebuia să-și ducă tablourile la un birou de împrumut. Atunci artistul a decis să picteze un portret al fiicei proprietarului acestui birou de împrumut. Era sigur dinainte că va vinde tabloul tatălui fetei pentru bani buni..

Cu toate acestea, cămătatorului nu i-a plăcut nici tabloul în sine, nici designul acestuia: micuța orientală și-a pus mâinile pe trandafiri și un pumnal, simboluri ale iubirii și morții. A refuzat să cumpere portretul.

6. V.M. Vasnețov - „Alyonushka” (1881)

Comploturile de basm sunt una dintre temele preferate din lucrările lui Viktor Vasnetsov. Dar de data aceasta artistul nu a intenționat să scrie un basm. Executat pentru prima dată în 1880, pictura a fost numită „Alyonushka (prost)”.

Cuvântul „prost” ar putea fi folosit pentru a descrie un orfan sau un prost sfânt, așa că artistul a conceput și a realizat un comentariu despre viața dificilă a orfanilor ruși. Abia un an mai târziu, când Vasnetsov a reluat pânza și publicul a făcut cunoștință cu basmul, a apărut o imagine pitorească a surorii Alyonushka.

7. N.P. Bogdanov-Belsky - „La ușa școlii” (1897)

Vedem o viață de copil complet diferită în pictura „La ușile școlii”. Pânza arată nu numai sărăcia țăranilor, ci și dorința lor de a-și schimba soarta. in orice caz cel mai interesant lucru la această lucrare este că este autobiografică.

Nikolai Bogdanov-Belsky era fiul unui fermier sărac și și-a primit educația doar datorită aceluiași rural ca în imagine. La fel ca băiatul din poza aici, viitorul artist a venit să studieze. A fost acceptat în școală, talentul său a fost remarcat, iar mai târziu și-a încheiat educația la Academia Imperială de Arte sub conducerea lui Ilya Repin.

8. V.G. Perov - „Troica” (1866)

Vasily Perov credea că viața țărănească și greutățile pe care săracii trebuie să le îndure de la naștere până la moarte ar trebui să devină o temă importantă a picturii. În Troika, el a abordat o problemă teribilă - folosirea nemiloasă a muncii copiilor..

Copiii, deseori copii din sat, erau angajați în acel moment în serviciu pentru o miză și au devenit de fapt proprietatea stăpânului lor. Artistul arată cât de lipsiți de apărare sunt în fața oricăreia dintre cerințele sale, chiar și a unora atât de inumane precum târând un butoi uriaș de apă pe o sanie în frigul amar.

9. Z.E. Serebryakova - „La micul dejun” (1914)

Privitorul vede o scenă de acasă: bunica toarnă deja supă, iar copiii nu vor să mănânce fără mama lor și așteaptă ca și ea să se așeze la masă. Este clar că li se învață eticheta la masă încă de la o vârstă fragedă. Masa este acoperită cu o față de masă albă, iar lângă farfurii sunt șervețele.

Acest tablou se numește uneori „La cină” deoarece pe masă există o pavodă. Totuși, la vremea aceea în multe case se obișnuia să se pună pe masă ceva ușor, precum lapte și produse de patiserie, în jurul orei 8 dimineața, iar la prânz să se servească așa-numitul mic dejun mare cu supă.

Semyon Chuikov s-a născut în Bishkek (Kârgâzstan) și unul dintre cele mai faimoase cicluri ale sale, „Kyrgyz Collective Farm Suite”, este asociat cu pământurile sale natale. Artistul a început această serie de picturi în 1939, dar războiul a intervenit și a reușit să o termine abia în 1948 - pânza „Fiica Kârgâzstanului sovietic”.

O fată calmă se plimbă liberă cu cărțile în mâini peste câmp. Ea așteaptă cu încredere, aceasta este casa ei, este atât parte din acest pământ, cât și proprietarul lui.. Criticii de artă au remarcat că eroina atrage atenția privitorului nu atât prin frumusețea aspectului ei, cât prin caracterul și determinarea ei, iar întreaga imagine este o combinație de simplitate și putere.

11. Fyodor Reshetnikov - „Ajuns în vacanță” (1948)

Băiatul roșu în uniformă Suvorov zâmbește larg. Bunicul a stat atent și a acceptat solemn raportul plin de umor. Fata în cravată de pionier arată bucuroasă. Pomul de Crăciun este împodobit. Rudele întâlnesc un băiat plecat la studii. Poza miroase a sărbătoare, dar rămâne întrebarea: unde sunt părinții?

Mai probabil, În spatele complotului vesel se ascunde unul complet diferit, tragic.. Băieții ai căror părinți au murit „din mâna ocupanților germani” erau adesea duși la școlile Suvorov. Confirmarea indirectă a acestui lucru poate fi văzută într-un mic detaliu: în dreapta copacului de pe perete atârnă un portret al unui militar într-o coroană de molid, iar acesta este un semn de doliu.

12. S.A. Grigoriev - „Portarul” (1949)

Autor: Sergey Alekseevich Grigoriev (ucrainean Sergey Oleksiyovych Grigor'ev; 1910-1988) - Afanasyev V. A. Sergey Grigor'ev - Kiev: Mystetstvo, 1973. - 58 p. - (Artists of Ukraine.0). 15, Utilizare corectă,