Artă abstractă: definiție, tipuri și artiști. Pictură de artiști contemporani: Artă abstractă Compoziție de artă abstractă

Abstracţionism abstracţionism

(din latină abstractio - distragere), artă neobiectivă, una dintre cele mai influente direcții artistice al XX-lea, care a apărut la început. anii 1910 Metoda creativă a abstractionismului se bazează pe o respingere completă a „asemănării vieții”, a descrierii formelor realității. Pictura abstracta se bazează pe relațiile de pete colorate, linii, linii; sculptura - pe combinatii de forme geometrice volumetrice si plate. Cu ajutorul construcțiilor abstracte, artiștii doreau să exprime modele interne și esențe înțelese intuitiv ale lumii, Universului, ascunse în spatele formelor vizibile.

Data nașterii abstracționismului este considerată a fi 1910, când V.V. Kandinsky a expus prima lucrare abstractă din istoria artei (acuarela) la München și a scris un tratat „Despre spiritualul în artă”, în care și-a fundamentat metoda creativă cu descoperirile științei. Curând, abstracționismul devine o mișcare puternică, în cadrul căreia apar diverse direcții: abstracția lirică (picturi de Kandinsky și maeștri ai unificării). „Călărețul albastru” cu formele lor fluide, „muzicale” și expresivitatea emoțională a culorii) și abstracția geometrică (K.S. Malevici, P. Mondrian, parțial de R. Delaunay, ale cărui compoziții se bazează pe combinații de elementare forme geometrice: pătrate, dreptunghiuri, cruci, cercuri). Opera programatică a lui Malevici a fost faimoasa sa „Pătratul Negru” (1915). Artistul și-a numit metoda Suprematism (din latinescul supremus - cel mai înalt). Dorința de a se rupe de realitatea pământească l-a condus la o fascinație pentru spațiu (Malevici a fost unul dintre autorii celebrei piese „Victorie asupra Soarelui”). Artistul și-a numit compozițiile abstracte „planiți” și „arhitectoni”, simbolizând „ideea de dinamism universal”.

La început. Secolului 20 arta abstractă s-a răspândit în multe țări occidentale. În 1912 s-a născut neoplasticismul în Olanda. Creatorul neoplasticismului, P. Mondrian, împreună cu T. van Doesburg, au fondat grupul De Stijl (1917) și o revistă cu același nume (apărată până în 1922). „Elementul uman” a fost complet alungat din arta lor. Membrii grupului De Stijl au creat pânze în care suprafețele căptușite cu o rețea de linii formau celule dreptunghiulare umplute cu culori pure, uniforme, care, potrivit lui Mondrian, exprimau ideea de frumusețe plastică pură. El a vrut să creeze o pictură „lipită de individualitate” și, prin urmare, să posede „semnificație mondială”.
În 1918-20 în Rusia a apărut pe baza ideilor de suprematism constructivism, care a unit arhitecții (K.S. Melnikov, A. A. Vesnin etc.), sculptori (V. E. Tatlin, N. Gabo, A. Pevzner), grafică ( El Lissitzky, A.M. Rodcenko). Esența regiei a fost subliniată de Vesnin: „Lucrurile create de artiștii contemporani ar trebui să fie structuri pure, fără balastul reprezentării”. Rol important Bauhaus, asociație artistică fondată în 1919 în Germania de arhitectul V. Gropius (P. Klee; V.V. Kandinsky, El Lissitzky etc.), a jucat un rol în dezvoltarea constructivismului. În 1930, criticul francez M. Seyfor a creat grupul Circle and Square la Paris. În 1931, la Paris a luat naștere asociația „Abstracție – Creativitate”, fondată de emigranții din Rusia N. Gabo și A. Pevzner. O mișcare deosebit de radicală a fost tachisme (din francezul tache - pată). Tachiștii (P. Soulages, H. Hartung, J. Mathieu etc.) s-au descurcat fără perii. Au stropit și stropit cu vopsea pe pânză, apoi au mânjit-o sau au călcat-o în picioare. Au amestecat funingine, gudron, cărbune, nisip și sticlă spartă cu vopsele, crezând că culoarea murdăriei nu este mai puțin frumoasă decât cea a cerului. Odată cu începutul celui de-al Doilea Război Mondial, centrul artei abstracte s-a mutat în SUA (J. Pollock, A. Gorky, W. Kuning, Fr. Klein, M. Tobey, M. Rothko). În anii 1960 a început o nouă ascensiune a artei abstracte. Această direcție în artă rămâne actuală și astăzi, dar nu mai ocupă o poziție dominantă, ca la început. Secolului 20

(Sursa: „Art. Enciclopedie ilustrată modernă.” Editat de Prof. Gorkin A.P.; M.: Rosman; 2007.)

Sinonime:

Vedeți ce înseamnă „artă abstractă” în alte dicționare:

- [Dicționar cuvinte străine Limba rusă

Artă abstractă Dicționar de sinonime rusești. abstractionism substantiv, număr de sinonime: 2 artă abstractă (1) ... Dicţionar de sinonime

abstracţionism- a, m. abstractionnisme m., engleză. abstractism.1926. Ray 1998. O mișcare extrem de formalistă în pictură, sculptură și grafică. SIS 1985. Spre deosebire de abstractionism, realismul este intotdeauna concret. Zalygin Caracteristicile documentarului. Lex. SIS 1964... Dicţionar istoric Galicisme ale limbii ruse

ABSTRACȚIONISM, huh, soț. ÎN Arte Frumoase Secolul 20: regie, adepții descriu lumea reala ca o combinație de forme abstracte sau pete de culoare. | adj. abstract, oh, oh. Dicţionar Ozhegova. SI. Ozhegov, N.Yu... Dicționarul explicativ al lui Ozhegov

- (latină abstractio - distragere) - o direcție în arta secolului XX, în primul rând pictura, care a abandonat reprezentarea formelor realității. Credo-ul estetic al abstractionismului a fost stabilit de V. Kandinsky. Artă abstractă -… … Enciclopedia Studiilor Culturale

- (lat. abstractio removal, distraction) direcția artei non-figurative, care a abandonat reprezentarea formelor apropiate de realitate în pictură și sculptură. Unul dintre scopurile artei abstracte este atingerea... ... Wikipedia

Abstracţionism- (din latină abstractus abstract) revendicare abstractă, fără rost, nefigurativă; mișcare din secolul al XX-lea, care a prezentat ideea de a refuza să descrie formele realității. Scopul este de a crea compoziții cu emoții diferite. conținut cu... ... Dicționar enciclopedic umanitar rus

abstracţionism- a, numai unități, m. O mișcare în pictură, sculptură și grafică a secolului XX, ai cărei adepți reproduc lumea reală sub formă de forme abstracte, pete de culoare, linii etc. Încă din timpul lui Apollinaire, paralela între muzică și așa mai departe a devenit un obicei... Dicționar popular al limbii ruse

abstracţionism- (din latină abstractio removal, distraction) o direcție în arta secolului XX, ai cărei adepți refuză fundamental să înfățișeze obiecte și fenomene reale (în special în pictură, sculptură și grafică); expresia supremă a modernismului... Dicţionar terminologic-tezaurîn studiile literare

Abstracţionism- (Latina abstrahere) – 1. direcție formalistă în pictură, fondată de V. Kandinsky (1910 1914), care s-a întruchipat ulterior în tendința principală în dezvoltarea altor mișcări ale artei plastice, în principal în cultura occidentală(cubism,...... Dicţionar enciclopedicîn psihologie şi pedagogie

Cărți

Madrid. Muzeul Thyssen-Bornemisza, Alexandru, Babin, Atentie speciala devotat picturii suprarealiştilor, cubiştilor, precum şi avangardei ruse. Arta abstractă americană și arta pop nu sunt ignorate. Ca întotdeauna, povestea autoarei îl va ajuta pe cititor... Categorie: ediții VIP Serie:

Apariția artei abstracte:

Abstracționismul ca mișcare a apărut la începutul secolului al XX-lea. simultan în mai multe tari europene. Fondatorii și inspiratorii recunoscuți ai acestei mișcări sunt artiștii Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka și Robert Delaunay, care au conturat principalele principii ale artei abstracte în lucrările lor teoretice și în declarațiile lor de politică. Diferite în scopuri și obiective, învățăturile lor erau unite într-un singur lucru: abstracționismul ca cel mai înalt stadiu de dezvoltare Arte Frumoase creează forme care sunt unice pentru artă. „Eliberat” de copierea realității, se transformă într-un mijloc de transmitere prin diverse imagini picturale a principiului spiritual de neînțeles al universului, eterne „esențe spirituale”, „forțe cosmice”.

Ca fenomen artistic, abstracționismul a avut o influență uriașă asupra formării și dezvoltării stilului arhitectural modern, designului, artelor industriale, aplicate și decorative.

Caracteristicile artei abstracte:

Arta abstractă (din latinescul Abstractus - abstract) este una dintre principalele mișcări artistice din arta secolului XX, în care structura lucrării se bazează exclusiv pe elemente formale - linie, pată de culoare, configurație abstractă. Lucrările de artă abstractă sunt desprinse de formele vieții în sine: compozițiile neobiective întruchipează impresiile și fanteziile subiective ale artistului, fluxul conștiinței sale, ele generează asociații libere, mișcarea gândirii și empatia emoțională.

De la apariția artei abstracte, în ea au apărut două linii principale:

Primul – geometric, sau abstracție logică, creând spațiu prin combinarea formelor geometrice, a planurilor colorate, a liniilor drepte și întrerupte. Ea este întruchipată în Suprematismul lui K. Malevich, neoplasticismul lui P. Mondrian, orfismul lui R. Delaunay, în opera maeștrilor abstracției postpictrice și op art;
A doua este abstractizarea lirico-emoțională, în care compozițiile sunt organizate din forme și ritmuri care curg liber, este reprezentată de opera lui V. Kandinsky, lucrările maeștrilor expresionismului abstract, tachismului și artei informale.

Maeștri în artă abstractă:

Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka, Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers și alții.

Picturi ale artiștilor:

Abstracţionism (din latină abstractus - la distanță, abstract)- o mișcare foarte largă în arta secolului XX, care a apărut la începutul anilor 1910 în mai multe țări europene. Abstracționismul se caracterizează prin utilizarea unor elemente exclusiv formale pentru a afișa realitatea, unde imitarea sau reprezentarea exactă a realității nu era un scop în sine.

Termenul de abstractionism provine din latinescul abstraho - a se îndepărta, a distrage atenția. Este general acceptat că aceasta este o direcție, sau chiar un stil; abstractionismul este cu totul altceva, iar cei care interpretează acest concept în acest fel se înșală fără să vrea. Arta abstractă este înțeleasă de artiști și teoreticieni ai artei ca o modalitate de a înțelege realitatea prin mijloacele artei plastice, supusă abstracției complete din forma obiectelor vizibile ale realității însăși. La fel ca arta figurativă (obiectivă), abstracționismul se descompune în mai multe stiluri și direcții: abstractizare geometrică, lirică, gestuală, analitică și mișcări mai particulare: Suprematism, Aranformel, Nuageism, Tachisme etc. De fapt, căutările artiștilor din toate timpurile au fost și vor fi întotdeauna limitate doar de aceste două ipostaze: arta figurativă și cea abstractă. Nu există a treia opțiune, așa cum se spune.

Fondatorii artei abstracte sunt artiștii ruși Wassily Kandinsky și Kazimir Malevich, olandezul Piet Mondrian, francezul Robert Delaunay și cehul Frantisek Kupka. Metoda lor de desen s-a bazat pe dorința de „armonizare”, crearea anumitor combinații de culori și forme geometrice pentru a evoca diverse asocieri în privitor.

În abstractionism se pot distinge două direcții clare: abstracția geometrică, bazată în primul rând pe configurații clar definite (Malevich, Mondrian), și abstracția lirică, în care compoziția este organizată din forme care curg liber (Kandinsky). Există, de asemenea, câteva alte mișcări independente mari în arta abstractă.

La începutul anilor '50, celebrul impresionist A. Matisse s-a orientat pentru prima dată către pictura abstractă. Și în 1950, la Paris, artiștii J. Devagne și E. Pilet au deschis un atelier în care au început să învețe tinerii pictori cum să scape de viziunea realistă, să creeze picturi abstracte folosind mijloace exclusiv picturale și să nu folosească mai mult de trei tonuri într-o compoziție. , ca și în arta abstractă, în opinia lor, forma este cel mai adesea determinată de culoare. Devagne și Pilet credeau că principala condiție pentru a crea o pictură abstractă bună era alegerea celor mai precise culori. Pictura abstractă a lui Devan Apoteoza lui Marat (1951) a fost primită cu mare entuziasm de critici. Ei au scris despre tablou că acesta nu este doar un portret intelectual al unei figuri revoluționare celebre, ci și „o sărbătoare a culorii pure, jocul dinamic al curbelor și liniilor drepte”, „acest lucru este dovada că abstracția exprimă nu numai valori spirituale. , dar și arta figurativă poate aborda evenimente istorice și politice.”

În a doua jumătate a anilor 50, în Statele Unite au apărut arta instalației și arta pop, care oarecum mai târziu l-au glorificat pe Andy Warhol cu circulația sa nesfârșită de portrete ale lui Marilyn Monroe și cutii de mâncare pentru câini - abstractionism colaj. În artele plastice din anii ’60, cea mai puțin agresivă formă statică de abstractizare, minimalismul, a devenit populară. În același timp, Barnett Newman, fondatorul abstracționismului geometric american, împreună cu A. Lieberman, A. Held și K. Noland, au lucrat cu succes la dezvoltarea în continuare a ideilor neoplasticismului olandez și suprematismului rus.

O altă mișcare a picturii americane se numește abstractionism „cromatic” sau „post-pictor”. Reprezentanții săi au fost într-o oarecare măsură inspirați de fauvism și postimpresionism. Stilul dur, contururile accentuat de ascuțite ale operelor lui E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella au lăsat treptat locul picturilor de natură melancolică contemplativă. În anii 70 și 80, pictura americană a revenit la figurativitate. Mai mult, o manifestare atât de extremă precum fotorealismul a devenit larg răspândită. Majoritatea istoricilor de artă sunt de acord că anii 70 sunt momentul adevărului pentru arta americană, deoarece în această perioadă s-a eliberat în cele din urmă de influența europeană și a devenit pur american. Cu toate acestea, în ciuda revenirii formelor și genurilor tradiționale, de la portrete la pictura istorica, nici abstractionismul nu a dispărut.

Picturile și lucrările de artă „nereprezentativă” au fost create ca și înainte, întrucât revenirea la realism în SUA a fost depășită nu de abstractionism ca atare, ci de canonizarea acestuia, interzicerea artei figurative, care s-a identificat în primul rând cu realismul nostru socialist. , și, prin urmare, nu a putut să nu fie considerată odioasă într-o societate „liberă democratică”, o interdicție a genurilor „joase”, a funcții sociale artă. În același timp, stilul picturii abstracte a dobândit o anumită moliciune care îi lipsea înainte - volume raționalizate, contururi neclare, bogăție de semitonuri, scheme de culori subtile (E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. . Chese, A. .Byalobrod). Cu toate acestea, stilul hard nu a dispărut complet; a dispărut în fundal și s-a păstrat în opera geometrienilor și artiștilor expresioniști ai generației mai vechi (H. Buchwald, D. Ashbaugh, J. Gareth etc.).

Toate aceste tendințe au pus bazele dezvoltării artă abstractă modernă. Nu poate exista nimic înghețat sau definitiv în creativitate, deoarece asta ar fi moartea pentru ea. Dar indiferent de calea pe care o parcurge abstracționismul, indiferent de transformările pe care le suferă, esența lui rămâne întotdeauna neschimbată. Este că abstractionismul în arta plastică este cel mai accesibil și nobil mod de a surprinde existența personală și într-o formă care este cea mai adecvată - ca o imprimare în facsimil. În același timp, abstractionismul este o realizare directă a libertății.

În secolul trecut, mișcarea abstractă a devenit o adevărată descoperire în istoria artei, dar a fost destul de natural - oamenii erau mereu în căutare de noi forme, proprietăți și idei. Dar chiar și în secolul nostru, acest stil de artă ridică multe întrebări. Ce este arta abstractă? Să vorbim mai departe despre asta.

Artă abstractă în pictură și artă

În stil abstracţionism artistul folosește un limbaj vizual de forme, contururi, linii și culori pentru a interpreta subiectul. Acest lucru contrastează cu formele de artă tradiționale, care au o interpretare mai literară a subiectului - transmiterea „realității”. Abstractionismul se îndepărtează cât mai mult de arta plastică clasică; este lume obiectivă deloc ca în viața reală.

Arta abstractă provoacă atât mintea observatorului, cât și emoțiile sale - pentru a aprecia pe deplin o operă de artă, observatorul trebuie să se elibereze de nevoia de a înțelege ceea ce artistul încearcă să spună, dar trebuie să simtă emoția de răspuns pentru el însuși. Toate aspectele vieții se pretează la interpretare prin artă abstractă - credință, frici, pasiuni, reacții la muzică sau natură, calcule științifice și matematice etc.

Această mișcare în artă a apărut în secolul al XX-lea, împreună cu cubismul, suprarealismul, dadaismul și altele, deși timpul exact necunoscut. Principalii reprezentanți ai stilului de artă abstractă în pictură sunt considerați a fi artiști precum Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka și Piet Mondrian. Despre creativitatea lor și tablouri importante discursul va merge mai departe.

Tablouri ale artiștilor celebri: artă abstractă

Vasili Kandinsky

Kandinsky a fost unul dintre pionierii artei abstracte. Și-a început căutarea în impresionism și abia apoi a ajuns la stilul abstracționismului. În munca sa, el a exploatat relația dintre culoare și formă pentru a crea o experiență estetică care a îmbrățișat atât viziunea, cât și emoțiile privitorului. El credea că abstracția completă oferă spațiu pentru o expresie profundă și transcendentă, iar copierea realității doar interferează cu acest proces.

Pictura a fost profund spirituală pentru Kandinsky. El a căutat să transmită profunzimea emoției umane printr-un limbaj vizual universal de forme și culori abstracte care ar transcende granițele fizice și culturale. El a văzut abstracţionism ca mod vizual ideal care poate exprima „necesitatea interioară” a artistului și poate transmite ideile umane si emotii. El se considera un profet a cărui misiune era să împărtășească aceste idealuri lumii în beneficiul societății.

„Compoziția IV” (1911)

Ascunse în culori strălucitoare și linii negre clare, înfățișează mai mulți cazaci cu sulițe, precum și bărci, figuri și un castel pe vârful unui deal. Ca multe picturi din această perioadă, închipuie o bătălie apocaliptică care va duce la pacea veșnică.

Pentru a facilita dezvoltarea unui stil de pictură non-obiectiv, așa cum este descris în lucrarea sa Despre spiritual în artă (1912), Kandinsky reduce obiectele la simboluri pictografice. Înlăturând majoritatea referințelor la lumea exterioară, Kandinsky și-a exprimat viziunea într-un mod mai universal, traducând esența spirituală a subiectului prin toate aceste forme într-un limbaj vizual. Multe dintre aceste figuri simbolice au fost repetate și rafinate în lucrările sale ulterioare, devenind și mai abstracte.

Kazimir Malevici

Ideile lui Malevici despre formă și semnificație în artă duc cumva la o concentrare asupra teoriei stilului de artă abstractă. Cu care a lucrat Malevici stiluri diferiteîn pictură, dar s-a concentrat cel mai mult pe studiul formelor geometrice pure (pătrate, triunghiuri, cercuri) și relația lor între ele în spațiul pictural.

Datorită contactelor sale din Occident, Malevich a reușit să transmită ideile sale despre pictură prietenilor artiști din Europa și Statele Unite și astfel să influențeze profund evoluția artă contemporană.

„Pătratul negru” (1915)

Pictura emblematică „Piața Neagră” a fost prezentată pentru prima dată de Malevici la o expoziție din Petrograd în 1915. Această lucrare întruchipează principiile teoretice ale suprematismului dezvoltate de Malevici în eseul său „De la cubism și futurism la suprematism: nou realismîn pictură”.

Pe pânza din fața privitorului există o formă abstractă sub forma unui pătrat negru desenat pe un fundal alb - este singurul element al compoziției. Deși pictura pare simplă, există elemente precum amprentele digitale și loviturile de pensulă vizibile prin straturile negre de vopsea.

Pentru Malevich, pătratul înseamnă sentimente, iar albul înseamnă gol, neant. El a văzut pătratul negru ca pe o prezență asemănătoare unui zeu, o icoană, de parcă ar putea deveni o nouă imagine sacră pentru arta non-figurativă. Chiar și la expoziție, acest tablou a fost amplasat în locul în care o icoană este de obicei plasată într-o casă rusească.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, unul dintre fondatorii mișcării olandeze De Stijl, este recunoscut pentru puritatea abstracțiunilor și a practicii sale metodice. El a simplificat destul de radical elementele picturilor sale pentru a reprezenta ceea ce a văzut nu direct, ci figurativ și pentru a crea un limbaj estetic clar și universal în pânzele sale.

Cel mai mult tablouri celebre Din anii 1920, Mondrian a redus formele la linii și dreptunghiuri, iar paleta la cele mai simple. Utilizarea echilibrului asimetric a devenit fundamentală în dezvoltarea artei moderne, iar lucrările sale iconice abstracte rămân influente în design și sunt familiare culturii populare de astăzi.

„Copacul cenușiu” (1912)

„The Grey Tree” este un exemplu al tranziției timpurii a lui Mondrian la stil abstracţionism. Lemnul tridimensional este redus la cele mai simple linii și planuri, folosind doar gri și negru.

Acest tablou face parte dintr-o serie de lucrări ale lui Mondrian care au fost realizate cu o abordare mai realistă, unde, de exemplu, copacii sunt reprezentați într-o manieră naturalistă. În timp ce lucrările ulterioare au devenit din ce în ce mai abstracte, de exemplu, liniile unui copac sunt reduse până când forma copacului este abia vizibilă și secundară compoziției generale a liniilor verticale și orizontale.

Aici se mai vede interesul lui Mondrian de a abandona organizarea structurata a liniilor. Acest pas a fost semnificativ pentru dezvoltarea lui Mondrian a abstracției pure.

Robert Delaunay

Delaunay a fost unul dintre primii artiști ai stilului de artă abstractă. Opera sa a influențat dezvoltarea acestei direcții, pe baza tensiunii compoziționale care a fost cauzată de opoziția culorilor. A căzut rapid sub influența coloristică neo-impresionistă și a urmat foarte îndeaproape schema de culori a lucrărilor în stilul abstracționismului. El a considerat culoarea și lumina principalele instrumente cu care se poate influența realitatea lumii.

Până în 1910, Delaunay și-a adus propria contribuție la cubism sub forma a două serii de picturi care înfățișează catedrale și Turnul Eiffel, care combina forme cubice, dinamica mișcării și culori deschise. Acest Metoda noua Utilizarea armoniei culorilor a ajutat la separarea acestui stil de cubismul ortodox, primind numele de Orphism și a influențat imediat artiștii europeni. Soția lui Delaunay, artista Sonia Turk-Delone, a continuat să picteze în același stil.

„Turnul Eiffel” (1911)

Lucrarea principală a lui Delaunay este dedicată turnul Eiffel- celebrul simbol al Franței. Acesta este unul dintre cele mai impresionante dintr-o serie de unsprezece picturi dedicate Turnului Eiffel între 1909 și 1911. Este vopsit în roșu aprins, ceea ce îl deosebește imediat de cenușiul orașului din jur. Dimensiunea impresionantă a pânzei sporește și mai mult măreția acestei clădiri. Ca o fantomă, turnul se ridică deasupra caselor din jur, scuturând metaforic însăși temeliile vechii ordini.

Tabloul lui Delaunay transmite acest sentiment de optimism nemărginit, inocență și prospețime al unui timp care nu a fost încă martor la două războaie mondiale.

Frantisek Kupka

František Kupka este un artist cehoslovac care pictează în acest stil abstracţionism, a absolvit Academia de Arte din Praga. În calitate de student, el a inspirat în primul rând teme patrioticeși a scris compoziții istorice. A lui lucrări timpurii au fost mai academici, cu toate acestea, stilul său a evoluat de-a lungul anilor și, în cele din urmă, sa mutat în arta abstractă. Scrise într-o manieră foarte realistă, chiar și lucrările sale timpurii conțineau teme și simboluri mistice suprareale, care au continuat la scrierea abstracțiunilor.

Kupka credea că artistul și opera sa participă la o activitate creativă continuă, a cărei natură nu este limitată, ca un absolut.

„Amorpha. Fuga în două culori” (1907-1908)

Începând din 1907-1908, Kupka a început să picteze o serie de portrete ale unei fete ținând o minge în mână, de parcă ar fi fost pe cale să se joace sau să danseze cu ea. Apoi a dezvoltat imagini din ce în ce mai schematice ale acestuia și, în cele din urmă, a primit o serie de desene complet abstracte. Au fost realizate într-o paletă limitată de roșu, albastru, negru și alb.

În 1912, la Salon d'Automne, una dintre aceste lucrări abstracte a fost expusă public pentru prima dată la Paris.

Stilul abstractionismului nu își pierde popularitatea în pictura secolului 21 - iubitorii de artă modernă nu sunt contrarii să-și decoreze casa cu o astfel de capodoperă, iar lucrările în acest stil merg sub ciocan la diferite licitații pentru sume fabuloase.

Următorul videoclip vă va ajuta să aflați și mai multe despre abstractionism în artă:

Pentru mine, stilul abstractionismului este, în primul rând, opoziție cu logica civilizației. Întreaga istorie a civilizației secolului trecut este construită pe formule, algoritmi, principii, ecuații și reguli. Cu toate acestea, este natura umană să se străduiască pentru echilibru și armonie. În acest sens, în zorii secolului revoluției științifice și tehnologice, apare o astfel de mișcare artistică, care nu se supune canoanelor clasice ale desenului, ci, dimpotrivă, îi servește drept scop de a da libertate inconștientului și haotic, la prima vedere lipsit de sens, dar oferind astfel unei persoane posibilitatea de a se elibera de influența normelor și dogmelor și de a menține armonia internă.

Abstracţionism(din latinescul abstractus - îndepărtat, abstract) o mișcare foarte largă în arta secolului XX, care a apărut la începutul anilor 1910 în mai multe țări europene. Abstracționismul se caracterizează prin utilizarea unor elemente exclusiv formale pentru a afișa realitatea, unde imitarea sau reprezentarea exactă a realității nu era un scop în sine.

Fondatorii artei abstracte sunt artiști ruși și olandezul Piet Mondrian, francezul Robert Delaunay și cehul Frantisek Kupka. Metoda lor de desen s-a bazat pe dorința de „armonizare”, crearea anumitor combinații de culori și forme geometrice pentru a evoca diverse asocieri în privitor.

Cubism- o mișcare de avangardă în arta plastică care a apărut la începutul secolului al XX-lea și se caracterizează prin utilizarea unor forme geometrice convenționale, dorința de a „împărți” obiectele reale în primitive stereometrice.

Regionalism (Rayism)- o direcție în arta abstractă a anilor 1910, bazată pe schimbarea spectrelor luminii și transmisia luminii. Ideea apariției formelor din „intersecția razelor reflectate ale diferitelor obiecte” este caracteristică, deoarece ceea ce o persoană percepe de fapt nu este obiectul în sine, ci „suma razelor care provin de la sursa de lumină și reflectă din obiectul."

Neoplasticismul- desemnarea direcției de artă abstractă care a existat în anii 1917-1928. în Olanda și artiști uniți grupați în jurul revistei „De Stijl” („Stil”). Caracterizat prin forme dreptunghiulare clare în arhitectură și pictura abstractaîn dispunerea unor planuri dreptunghiulare mari, vopsite în culorile primare ale spectrului.

orfism- direcția către pictura franceza anii 1910. Artiștii orfiști au căutat să exprime dinamica mișcării și muzicalitatea ritmurilor cu ajutorul „regularităților” de întrepătrundere a culorilor primare ale spectrului și intersecția reciprocă a suprafețelor curbe.

Suprematism- o mișcare în arta de avangardă fondată în anii 1910. Malevici. S-a exprimat în combinații de planuri multicolore ale celor mai simple forme geometrice. Combinația de forme geometrice multicolore formează compoziții suprematiste asimetrice echilibrate, impregnate de mișcare interioară.

Tahism- o mișcare în arta abstractă vest-europeană din anii 1950-60, cea mai răspândită în SUA. Este pictură cu pete care nu recreează imagini ale realității, ci exprimă activitatea inconștientă a artistului. Pe pânză sunt aplicate linii, linii și pete în tachisme mișcări rapide mâini fără un plan premeditat.

Expresionismul abstract- mișcarea artiștilor care pictează rapid și pe pânze mari, folosind trăsături negeometrice, pensule mari, uneori picurând vopsea pe pânză, pentru a dezvălui pe deplin emoțiile. Metoda de pictură expresivă aici este adesea la fel de importantă ca și pictura în sine.