O serie de lucrări iconice ale celebrului spaniol.

Goya

Francisco de Goya este un artist și gravor renumit spaniol. Și-a câștigat faima inițială ca creator de tapiserii frumoase, dar adevărata faimă i-a venit ca artist de curte al coroanei spaniole. Ceea ce face lucrările lui Goya unice este abordarea sa creativă și utilizarea îndrăzneață a culorilor. Stilul maestrului a inspirat mulți imitatori și a avut o influență serioasă asupra lumii artei.

Umbrelă (1777)

Această piesă face parte dintr-o serie de 63 de lucrări pe care artistul le-a creat la începutul carierei sale. Se crede că lucrul la acest ciclu l-a ajutat pe maestru să studieze modalitățile de interacțiune umană, care mai târziu s-au dovedit a fi importante la crearea capodoperelor ulterioare. „Umbrella” combină motive ale modei franceze și spaniole.

Câine (1823)

Grupul de celebre „Tablouri negre” create de Francisco în etapele ulterioare ale creativității sale include și o imagine a unui câine, care este ușor de pierdut în spațiu artistic tablouri. De obicei, lucrarea este interpretată ca un simbol al luptei unei persoane cu necazurile și forțele malefice.

Mahi (1797–1805)

Ambele lucrări („Maja Nud” și „Maja Dressed”) sunt amplasate una lângă alta în aceeași sală a Muzeului Prado (Madrid). Dintre artiștii care au realizat picturi inspirate din aceste lucrări ale lui Goya, trebuie să remarcăm pe Ignacio Zuloaga și Edouard Manet. Până astăzi nu se știe cine a servit drept model pentru personaj principal picturi, dar în mod tradițional cea de-a 13-a ducesa de Alba este numită sursa de inspirație a artistului.

Pe piedestalul monumentului artistului, instalat în fața Muzeului Prado, se află o imagine sculpturală bazată pe pictura „Nud Macha”.

Capra Mare (1821–1823)

Pictura Neagră este adesea văzută de criticii de artă ca o satira pe tema superstiției și îl înfățișează pe Satana vorbind unui grup de vrăjitoare.

Carol al IV-lea și familia sa (1801)

Portretul îl prezintă pe regele Spaniei îmbrăcat ostentativ și familia sa. Trebuie remarcat faptul că reticența artistului de a linguși și de a fi fals a dus la faptul că Goya, conform cercetătorilor moderni, a arătat în portretul monarhului și al familiei sale natura coruptă a puterii lor. Probabil că persoana abia vizibilă din stânga este autorul lucrării.

Dezastre de război (1810–1820)

Această serie de 82 de tipărituri este printre cele mai semnificative lucrări ale lui Goya. Istoricii de artă împart seria în trei părți:

• Primele 47 de gravuri arată ororile războiului.
• Al doilea 18 lucrări descriu consecințele foametei.
• Ultimele 17 reflectă dezamăgirea asociată cu restaurarea monarhiei Bourbon.

Această serie este o vizualizare fenomenală a poziției autorului, care conține indignare și declarații politice îndrăznețe.

Dezastre de război. 39 de lucrări din serie.

Somnul rațiunii dă naștere monștrilor (1799)

Această compoziție face parte din seria „Caprichos”, formată din 80 de lucrări. Artistul care doarme printre instrumente este înconjurat de monștri care simbolizează ignoranța și alte vicii ale societății.

Saturn devorându-și fiul (1819–1823)

Această capodoperă se bazează pe mitul roman, conform căruia Titanul Saturn și-a mâncat copiii, deoarece era prezis că va muri din mâna unuia dintre fiii săi. Cu toate acestea, profeția era destinată să devină realitate.
„Saturn Devouring His Son” este un portret tulburător, care face parte dintr-o serie de „picturi negre”.

La 3 mai 1808 (1814)

La 2 mai 1808, madrilenii s-au răsculat împotriva ocupanților francezi. Goya înfățișează această scenă în tabloul „Al treilea mai 1808”. În centrul pânzei se află o lovitură de răzbunare a trupelor franceze, în urma căreia sute de spanioli au fost împușcați. Pictura, revoluționară ca stil și nivel de simbolism, l-a inspirat pe Pablo Picasso să creeze faimosul „Guernica”.

Înmormântarea unei sardine (circa 1808–1814)

Academia din San Fernando, Madrid Goya prezintă carnavalul popular ca un festival demonic. Sub presiunea Inchiziției, artistul a fost nevoit să schimbe versiunea originală a picturii și să înlocuiască inscripția de pe banner mortus (mortus) cu o grimasă a măștii. Bucuria clocotită și bucuria distorsionată a mulțimii nestăpânite sunt o alegorie grotescă asupra ordinii sociale existente. În opera sa, Goya se răzvrătește împotriva ordinelor stabilite de Inchiziție și demonstrează în fața lor neputința contemporanilor săi.

Portretul lui Francisco Bayeux (1795)

După 1794, Goya a realizat o serie de portrete din viață. Datorită observației ascuțite și tehnicii precise a artistului, lucrările sale se remarcă prin psihologism profund și pătrunderea în lumea interioară a unei persoane. Iată un portret al pictorului de curte și al cumnatului lui Goya, Francisco Bayeux (1734–1795), cu puțin timp înainte de moartea sa. O expresie facială obosită, ușor iritată și o redingotă cu nasturi neglijent caracterizează personalitatea modelului. În același timp, poziția înghețată, îndoirea caracteristică a mâinii și o privire atentă subliniază virtuțile interioare ale persoanei înfățișate.

Curtea Inchiziției (în jurul anului 1800)

Goya a abordat în mod repetat tema Inchiziției, subliniind cruzimea ceremoniei și soartă tragică victimele sale, care purtau bonetele ereticilor. Efectele de iluminare și modul de aplicare a culorilor ajută la înfățișarea procesului, care este condus de obscurantişti. Fețele judecătorilor - călugări și preoți - sunt distorsionate cu grimase ale morții, iar figurile lor se contopesc într-o singură masă amorfă.

Game of Blind Man's Bluff (1791)

Scene Viata de zi cu ziși divertismentul popular, care se caracterizează prin culori bogate și ușurință în compoziție, au dezvăluit noi tendințe în opera artistului. dezvăluie Goya lumea realaîn toată diversitatea ei nesfârșită. Atractivitatea acestei schițe pentru o tapiserie destinată să decoreze un cabinet din Palatul Escorial este evidentă în culori deschise, în ușurința mișcărilor personajelor. Pentru Goya, reprezentarea figurilor într-o culoare blândă, acuarelă este tipică; figurile personajelor par să se dizolve într-o ceață subțire.

Picturi celebre de Francisco Goya actualizat: 21 ianuarie 2018 de: Gleb

Când vine vorba de pictură, imaginația tinde să deseneze scene pastorale și portrete maiestuoase. Dar de fapt artă cu mai multe fațete. S-a întâmplat ca pensulele marilor artiști să producă picturi foarte controversate pe care aproape nimeni nu și-ar dori să le atârne în casa lor. În recenzia noastră, cele mai multe 10 poze infricosatoare artiști celebri.

1. Marele Dragon Roșu și Fiara din Marea. William Blake

William Blake este cunoscut astăzi pentru amprentele și poezia romantică, dar a fost în mare parte neapreciat în timpul vieții sale. Printurile și ilustrațiile lui Blake sunt clasice ale stilului romantic, dar astăzi ne vom uita la o serie de picturi în acuarelă ale lui Blake care îl înfățișează pe marele dragon roșu din Cartea Apocalipsei. Acest tablou înfățișează un mare dragon roșu, întruchiparea diavolului, stând pe o fiară cu șapte capete în mare.

2. Studiul portretului lui Inocențiu X de Velazquez. bacon Francis

Francis Bacon a fost unul dintre cei mai influenți artiști ai secolului al XX-lea. Picturile sale, izbitoare prin îndrăzneala și întunericul lor, se vând cu milioane de dolari. În timpul vieții sale, Bacon și-a pictat adesea propriile interpretări ale portretului Papei Inocențiu al X-lea. În lucrarea originală a lui Velazquez, Papa Inocențiu al X-lea privește gânditor de pe pânză, iar Bacon l-a înfățișat țipând.

3. Dante și Vergiliu în iad. Adolphe William Bouguereau

Infernul lui Dante, cu imaginea lui tortură cumplită, a inspirat artiști de la publicarea acestei lucrări. Bouguereau este cel mai bine cunoscut pentru reprezentările sale realiste scene clasice, dar acest tablou înfățișa cercul iadului, în care impostorii se luptă continuu, furându-și identitățile unul altuia prin mușcătură.

4. Moartea lui Marat. Edvard Munch

Edvard Munch este cel mai mult artist faimos Norvegia. A lui tablou faimos„The Scream”, care personifică melancolia, este ferm înrădăcinată în conștiința oricărei persoane cărora îi pasă de artă. Marat a fost unul dintre lideri Lideri politici Revolutia Franceza. Întrucât Marat suferea de o boală de piele, a petrecut cea mai mare parte a zilei în baie, unde a lucrat la lucrările sale. Acolo a fost ucis Marat de Charlotte Corday. Mai mult de un artist a descris moartea lui Marat, dar pictura lui Munch este deosebit de realistă și crudă.

5. Capete tăiate. Theodore Gericault

Cel mai lucrare celebră Gericault este „Plota Medusei” - un tablou uriaș în stil romantic. Înainte de a crea lucrări majore, Géricault a pictat picturi „de încălzire”, precum „Capete tăiate”, pentru care a folosit membre reale și capete tăiate. Artistul a luat material similar de la morgă.

6. Ispita Sfântului Antonie. Matthias Grunewald

Grunewald picta adesea imagini religioaseîn stilul Evului Mediu, deși a trăit în perioada Renașterii. Sfântul Antonie a trecut prin mai multe încercări ale credinței sale în timp ce locuia în deșert. Potrivit unei legende, Sfântul Antonie a fost ucis de demonii care trăiau într-o peșteră, dar a renăscut mai târziu și i-a distrus. Această imagineîl înfățișează pe Sfântul Antonie, care a fost atacat de demoni.

7. Natura moartă a măștilor. Emil Nolde

Emil Nolde a fost unul dintre primii artiști expresioniști, deși faima sa a fost în curând eclipsată de o serie de alți expresioniști, cum ar fi Munch. Esenta a acestui curent este o denaturare a realității pentru a arăta un punct de vedere subiectiv. Acest tablou a fost realizat de artist după cercetarea măștilor din Muzeul din Berlin.

8. Saturn devorându-și fiul. Francisco Goya

În miturile romane, care se bazează în mare măsură pe Mitologia greacă, tatăl zeilor și-a devorat proprii copii pentru ca ei să nu-l răstoarne niciodată de pe tron. Acest act de a ucide copii a fost descris de Goya. Pictura nu era destinată publicului, ci a fost pictată pe peretele casei artistului împreună cu alte câteva picturi întunecate, cunoscute în mod colectiv sub numele de „Pictura neagră”.

9. Judith și Holofernes. Caravaggio

În Vechiul Testament există o poveste despre curajoasa văduvă Judith. Iudeea a fost atacată de o armată condusă de generalul Holofernes. Judith a părăsit zidurile orașului și s-a îndreptat către tabăra armatei care asedia orașul. Acolo l-a sedus pe Holofernes cu ajutorul frumuseții sale. Când comandantul dormea ​​beat noaptea, Judith i-a tăiat capul. Această scenă este destul de populară printre artiști, dar versiunea lui Caravaggio este deosebit de înfiorătoare.

10. Grădina desfătărilor pământești. Hieronymus Bosch

De obicei, Hieronymus Bosch este asociat cu picturile fantastice și religioase. „Grădina deliciilor pământești” este un triptic. Cele trei panouri ale tabloului înfățișează, respectiv, Grădina Edenului și creația umanității, Grădina desfătărilor pământești și Pedeapsa pentru păcate care se produc în grădina pământească. Lucrările lui Bosch sunt unele dintre cele mai groaznice, dar și cele mai frumoase lucrări din istoria artei occidentale.

18 octombrie 2012

Saturn devorându-și copiii

1821-1823; 146x83 cm

Prado, Madrid

Goya și-a petrecut anii înainte de a emigra în Franța, lângă Madrid, pe malul Manzanares, într-o casă numită „Casa Surzilor”. Picturile murale ale acestei case, portrete, mai multe tablouri pentru biserici și seria grafică „Disparates” (tradusă prin absurd, nebunie) se numără printre creațiile ulterioare ale maestrului.

În picturile realizate folosind tehnologie pictura in ulei Pe pereții „Casei surzilor”, ei văd cel mai adesea imagini fantastice, monstruoase generate de imaginația morbidă a unui vechi artist, nu numai surd, ci și care începe să orbească, pentru care întreaga lume s-a transformat în întuneric. coşmaruri tragice.

Cu toate acestea, în prezent, s-a stabilit o legătură între picturi și evenimentele politice din acei ani, deși elementul de fantezie clar exprimat face de fapt dependența a ceea ce este reprezentat de evenimentele reale dificil de deslușit. Adevăratul sens al acestor lucrări este criptat și este strâns legat de credințe populare, dar grotescul tragic din aceste așa-numite „Pânze negre” este dus la limită...

Două bătrâne care mănâncă supă

1821-1823; 53x85 cm
pictura murală transferată pe pânză
Prado, Madrid

Paleta maestru în acest moment este formată în principal din negru, gri, ocru și maro; numai că uneori el intercalează pe neașteptate pete albe sau roșii de sânge în această colorare destul de sumbră. Sub sfârşitul XIX-lea secolul, „Pânzele negre” vor fi transferate de pe pereții „Casei surzilor” pe pânză. Casa în sine, în care, apropo, nu a fost creat niciodată Muzeul Goya, a fost în cele din urmă distrusă în 1910. Astăzi, în locul său există o stație de metrou, care poartă numele artistului - „Goya”...

În celebrul „Saturn devorându-și copiii”, zeul canibal, asemănător cu o pasăre de pradă cu ochi bombați, este înfățișat în cel mai terifiant moment, gura lui deschisă evocă asocieri cu porțile iadului, în spatele cărora copiii lui mor unul după altul. într-o agonie teribilă...

Luptă („Doi străini”)

1820-1823; 123x266 cm
pictura murală transferată pe pânză
Prado, Madrid

Rubens a abordat același subiect în 1636, dar a prezentat-o ​​într-un mod complet diferit, deși folosind o compoziție similară. Rubens îl face pe spectator să-l perceapă pe Saturn oarecum detașat, parcă din exterior. Goya ne face participanți neștiuți la o sărbătoare infernală - la fel cum ne invită să ne alăturăm două vrăjitoare bătrâne care mănâncă („Două bătrâne care mănâncă supă”).

St.Petersburg Universitate de stat Cultură și Artă

Facultatea de Cultură Mondială

Departamentul de Muzeologie şi mostenire culturala

Grupa 24/3-402

Rezumat pe tema: „Imagini întunecate” de Francisco Goya

Completat de: Lobyzaeva A.S.

Verificat de: candidat la științe filozofice,

Profesor asociat Mukhin A.S.

Saint Petersburg

Introducere

Partea 1. Biografie

Partea 2. „Imagini întunecate”

Concluzie

Introducere

Francisco José de Goya y Lucientes este numele unei persoane care a atras de mult timp și încă atrage atenția scriitorilor, regizorilor, criticilor de artă și artiștilor. Goya - un pictor cu o soartă dificilă și un talent original - este studiat și înțeles de mulți până astăzi, cărți de artă și filme îi sunt dedicate, Cercetare științifică, totuși, viziunea extraordinară, „magică” asupra lumii a lui Goya, reflectată în opera sa, rămâne încă un mister nerezolvat. Și așa va rămâne pentru totdeauna, pentru că nici miile de cuvinte din cărți, nici miile de cadre din filme nu vor da posibilitatea de a ști absolut lumea creativă artist, multifațetat și unic.

Unul dintre cele mai misterioase aspecte ale acestei lumi este „Tablourile întunecate” (uneori numele seriei este tradus literal ca „Tablouri negre”), care au fost pictate de Goya în anii 1820-1823. Acestea sunt picturi neobișnuite - erau fresce pe pereții casei lui Goya, în care a trăit câțiva ani. În acel moment, Goya a suferit o boală gravă și a suferit de surditate, ceea ce l-a împiedicat pe artist să trăiască pe deplin - și, prin urmare, casa lui a fost numită „Quinto del Sordo”, care se traduce din spaniolă prin „Casa surzilor”. Această serie de picturi, transferată pe pânză după moartea lui Goya, a fost necunoscută contemporanilor săi, cu excepția câtorva oameni, și a devenit faimoasă în lume mulți ani mai târziu ca una dintre cele mai neobișnuite și misterioase serii de picturi din arta spaniolă.

„Poze sumbre” și dedicate acest lucru, care acoperă și parțial biografia artistului - până la urmă calea creativă mereu strâns legată de calea vieții.

Partea 1. Biografie

În martie 1746, în provincia Aragoneză, în micul sat Fuendetodos, s-a născut Francisco José de Goya y Lucientes. Francisco a devenit fiul cel mai mic din familia unui maestru auritor, destul de faimos și venerat, și fiica unui hidalgo sărac. Familia avea, așadar, un venit mediu, dar fiii nu primeau o calitate foarte bună educația școlară. Într-un fel sau altul, toți cei trei fii și-au găsit apoi o ocupație demnă pentru ei înșiși - cel mai mare a devenit preot, cel din mijloc a călcat pe urmele tatălui său, iar cel mai tânăr a devenit un artist care va deveni faimos în întreaga lume. Francisco, la vârsta de treisprezece ani, a fost trimis să studieze în atelierul artistului José Luis San y Martinez când familia s-a mutat la Zaragoza. În timpul studiului său de trei ani, tânărul Goya a copiat în principal gravuri și mulaje, dar, după cum a recunoscut el însuși mai târziu, nu a primit deplina plăcere și rezultate dintr-un astfel de proces - a vrut să creeze cu adevărat, să creeze ceva propriu.

Așa că în 1763, Goya s-a mutat la Madrid pentru a intra la Academia Regală de Arte Frumoase. Eșuează, dar rămâne în continuare la Madrid, făcând cunoștință cu lucrările artiștilor de la curte și dezvoltându-și abilitățile. Apoi Goya face o călătorie în Italia, la întoarcere din care primește primul său serios comanda mare- Capitolul bisericii Nuestra Señora del Pilar din 1771 îi încredințează pictarea cupolei uneia dintre capelele bazilicilor. Această lucrare evocă multe recenzii elogioase; Goya primește alte comenzi, precum pictarea oratoriului Palatului Sobradiel.

În 1773, Goya s-a căsătorit cu Joseta Bayeu, sora influentului pictor al curții Francisco Bayeu; această căsătorie a jucat și un rol în stabilirea lui Goya în mediul artistic al acelei vremuri. Au trăit împreună cu Joseta până la moartea ei în 182, au avut mai mulți copii, dar un singur fiu, Javier, a trăit până la maturitate. Goya s-a stabilit în sfârșit la Madrid și a început să lucreze în atelierul rudei sale proaspăt făcute Francisco Bayeu, profesor la Academia Regală. Arte Frumoase San Fernando.

Primul ordin judecătoresc al lui Goya a fost carton pentru tapiserii pentru sala de mese a viitorului rege Carol al IV-lea din Palatul Escorial. Ulterior, Goya a primit alte comenzi pentru schițe de tapiserii pentru familia regală. Se apropie din ce în ce mai mult de curtea regală și, în curând, cere un post de pictor de curte - dar este refuzat. Acest lucru a fost facilitat și de cumnatul său Bayeu, care nu a vrut să împartă locul primului artist de curte. Și totuși Goya câștigă popularitate, mulți curteni încep să-și comandă portretele de la el, iar în curând Goya câștigă o reputație de minunat pictor portretist. Unele dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale din această perioadă sunt portretul contelui Floridoblanca (1783) și portretul marchizei de Pontes (1786).

În 1789, Charles devine noul rege al Spaniei. IV<#"justify">- „Doi bătrâni care mănâncă supă”

Locația picturilor din casă este cunoscută din fotografiile făcute de fotograful Jean Laurent în 1874. Datorită acestor fotografii, se știe că tablourile au fost și ele încadrate cu stuc, precum ferestrele și ușile din casă. În plus, puteți observa diferența de stare a picturilor înainte de a le transfera pe pânză și puteți vedea fragmentele lipsă.

Nu există informații concrete despre procesul de vopsire a peretelui în sine. În acest sens, au existat chiar zvonuri că tablourile nu au fost pictate de Goya - exista o teorie că ar fi fost pictate de Javier, fiul său, după ce Goya a plecat la Bordeaux. Cu toate acestea, istoricii de artă resping această teorie – tehnica în care au fost realizate frescele și stilul lor confirmă paternitatea artistului.

Nu se știe ce anume l-a determinat pe Goya să picteze pereții casei sale cu aceste scene particulare. Dar ceea ce se știe este că picturile nu au fost create în cea mai bună perioadă a vieții artistului. Condiția lui fizică era instabilă, iar starea de viață în Spania, în general, era instabilă. Se întâmpla în țară Război civil care s-a încheiat cu restaurarea monarhiei absolute. Trei ani ai acestui război au coincis cu perioada scrierii „Dark Canvases”. În tablouri este ușor de urmărit analogia cu situațiile din sfera socială, politică și religioasă a țării la acea vreme. Să analizăm câteva dintre lucrări.

„Saturn Devouring His Children” este o lucrare cu adevărat înfiorătoare, când o privește, o persoană trezește nu teamă, ci în orice caz ostilitate și anxietate. Zeitatea antică - Saturn - este înfățișată pe un fundal de întuneric negru ca cărbune, silueta sa este ruptă și pare să se convulse, mâinile sale, ca niște plexuri de ramuri de copac, țin corpul unui copil, al cărui cap este mușcat de Saturn. . Sângele iese în evidență pe pânză într-o culoare roșie alarmantă. Putem spune că Goya a scris asta într-o stare depresivă și, poate, cu gândul la războiul din Spania - poți compara Saturn cu o țară care își distruge propriii copii.

În tabloul „Judith și Holofernes” domnește energia acțiunii pământești, surprinsă în instantaneitatea ei. Tocmai sărită din patul lui Holofernes (puțin vizibil în dreapta), fără să-și mai aranjeze încă hainele răvășite, mototolite de mângâieri amoroase, eroina și-a ridicat sabia peste capul comandantului asirian adormit și o va tăia acum (aici între ea și Saturn apare prima corespondență vizual-semantică – a început să-și devoreze victima din cap). Mișcarea de cădere înainte a lui Judith, fața ei puternic evidențiată, umărul, mâna cu o sabie - toate acestea ies, de asemenea, din câmpul spațial al picturii, precum genunchii, mâinile și capul lui Saturn.

„Pelerinaj la San Isidro” răsună mai mult munca timpurie Goya, pictat în 1788 - „ Festival popularîn ziua Sfântului Isidor”. Ambele lucrări înfățișează una dintre sărbătorile preferate ale madrilenilor. În fiecare an, pe 15 mai, mergeau pe malul râului Manzanares pentru a face picnic, a dansa și a bea apă tămăduitoare din izvor, care, potrivit legendei, a fost găsit de Sfântul Isidor. Și, dacă în 1788 pictorul a prezentat această scenă ca pe o sărbătoare națională colorată și veselă, plină de distracție fără griji, atunci în versiunea ulterioară din „Casa surzilor” domină tonurile de negru și domnește un sentiment alarmant de inevitabil dezastru iminent. . O mulțime de oameni strânși strâns unii se plimbă pe pământul uscat și denivelat. Fețele lor sunt distorsionate cu grimase teribile, exprimând frică, durere, groază, răutate și furie bestială.

Aceleași motive apar și în Sabatul vrăjitoarelor. Centrul compozițional al tabloului este și o mulțime fără chip, urâtă, concentrată în jurul figurii unui țap în haină monahală, care ascultă fiecare cuvânt al mesagerului Satanei. Fețele oamenilor sunt grimase urâte care nici măcar nu arată ca fețele oamenilor – Goya părea să vrea să sublinieze modul în care o persoană își poate pierde cu ușurință aspectul uman.

În „Duel cu bâte” se poate găsi, de asemenea, un răspuns la evenimentele militare care au loc în apropierea artistului - doi oameni care sunt atât de asemănători unul cu celălalt încearcă să se schilodice unul pe altul cu bâte grele într-un duel orb brutal. Nu se vede cum stau picioarele lor pe pământ - par să plutească în spațiu, la fel ca personajele din picturile „Atropos sau Fates” și „Asmodeus”.

Aceste picturi sunt pline de misticism, par să înfățișeze ceva complet diferit, lume ireală, este imposibil de spus chiar cine sunt personajele din tablouri - oameni sau un fel de creaturi fantastice. Intriga picturii „Atropos” - interpretarea imaginilor zeițe grecești antice soarta - Moir<#"justify">Concluzie

pictura artist mistic goya

Pânzele din „Casa surzilor” sunt un fenomen extraordinar în pictura spaniolă, atrăgând până astăzi interesul multora. Pe de o parte, pictate în fila mișcării romantismului care a dominat perioada vieții artistului, ele, pe de altă parte, se deosebesc de alte picturi prin conținut, dramatism, emotivitate și tehnică.

Francisco Goya este cu adevărat un mare artist spaniol și, după ce i-am studiat toată opera, putem vorbi cu încredere despre cât de complet și multifațet a fost geniul său creativ. Contrastul acestor „pânze întunecate” cu pictura sa de curte este izbitor - aceeași persoană a creat portrete realiste, realizate în culori deschise, colorate, ceremoniale, a pictat peisaje minunate și picturi pe subiecte istorice, și în același timp a creat lucrări care scufundă privitorul într-o lume uimitoare, fantasmagoric, o lume a nopții și a magiei întunecate, o lume diferită de cea reală, o lume care a fost creată de imaginația artistului. Vrăjitori, vrăjitoare, animale în haine umane, creaturi demonice, bătrâni decrepiți, urâți - nimeni nu a îndrăznit să scrie ceea ce a scris Goya. Aceste pânze ajută la înțelegerea misterioasei lumi interioare a artistului, calea către înțelegere care încearcă să fie găsită de mulți ani.

Îndrumare

Ai nevoie de ajutor pentru a studia un subiect?

Specialiștii noștri vă vor consilia sau vă vor oferi servicii de îndrumare pe teme care vă interesează.
Trimiteți cererea dvs indicând subiectul chiar acum pentru a afla despre posibilitatea de a obține o consultație.

„Imagini sumbre”

Deci, să ne oprim asupra unui anumit moment din biografia lui Goya - 1819. Artistul cumpără o proprietate cu două etaje pe malul râului Manzanares, în vecinătatea Madridului. În aceeași perioadă, s-a îmbolnăvit din nou grav. Artistul se luptă cu boala, dar surditatea îl prinde din ce în ce mai mult. Prin urmare, numele ciudat dat de însuși Goya moșiei - „Casa surzilor” - „Quinto del Sordo” - nu este deloc întâmplător. În următorii trei ani, Goya și-a pictat pereții casei folosind tehnica a secco pe tencuială umedă din nou. Se știe cu siguranță că „Imaginile întunecate” au fost pictate peste imaginile anterioare, pe care Goya le-a folosit ca bază.

În 1823, Goya a plecat la Bordeaux și și-a lăsat moșia nepotului său Mariano - poate pentru a proteja proprietatea de o posibilă confiscare după restaurarea monarhiei absolute în Spania de către Ferdinand al VII-lea. Timp de o jumătate de secol, picturile „Casa Surzilor” au fost necunoscute publicului, cu excepția câtorva prieteni ai artistului și specialiști. În 1874, artistul Salvador Martinez Cubells, la cererea bancherului francez Frederic Emile d'Erlanger, a început să transfere toate picturile de pe pereți pe pânze.Aceasta a durat câțiva ani.D'Erlanger a vrut să vândă tablourile la World Expoziție la Paris, dar acest lucru nu era destinat să se întâmple, iar în 1881 a donat picturile Muzeului Prado din Madrid, unde ele rămân până astăzi.

Goya însuși nu a dat nume „Tablourilor sumbre”. Acest lucru a fost făcut de prietenul său, artistul Antonio Brugada, care, după moartea lui Goya în 1828, a catalogat întregul ciclu. Drept urmare, picturile au primit următoarele titluri:

Primul etaj al casei.

- „Festival în San Isidro”

- „Sabatul vrăjitoarelor”

- „Judith și Holofernes”

- „Saturn devorându-și copiii”

- „Dona Leocadia Zorilla”

- „Bătrânul și călugărul” sau „Doi bătrâni”.

Al doilea etaj al casei.

- „Viziuni fantastice” sau „Asmodeus”

- „Pelerinaj la izvorul San Isidro”

- „Atropos” sau „Soarta”

- „Duel cu bâtele”

- „Femei care râd”

- „Bărbații care citesc”

- "Câine"

- „Doi bătrâni care mănâncă supă”

Locația picturilor din casă este cunoscută din fotografiile făcute de fotograful Jean Laurent în 1874. Datorită acestor fotografii, se știe că tablourile au fost și ele încadrate cu stuc, precum ferestrele și ușile din casă. În plus, puteți observa diferența de stare a picturilor înainte de a le transfera pe pânză și puteți vedea fragmentele lipsă.

Nu există informații concrete despre procesul de vopsire a peretelui în sine. În acest sens, au existat chiar zvonuri că tablourile nu au fost pictate de Goya - exista o teorie că ar fi fost pictate de Javier, fiul său, după ce Goya a plecat la Bordeaux. Cu toate acestea, istoricii de artă resping această teorie – tehnica în care au fost realizate frescele și stilul lor confirmă paternitatea artistului.

Nu se știe ce anume l-a determinat pe Goya să picteze pereții casei sale cu aceste scene particulare. Dar ceea ce se știe este că picturile nu au fost create în cea mai bună perioadă a vieții artistului. Condiția lui fizică era instabilă, iar starea de viață în Spania, în general, era instabilă. A fost un război civil în țară, care s-a încheiat cu restaurarea monarhiei absolute. Trei ani ai acestui război au coincis cu perioada scrierii „Dark Canvases”. În tablouri este ușor de urmărit analogia cu situațiile din sfera socială, politică și religioasă a țării la acea vreme. Să analizăm câteva dintre lucrări.

„Saturn Devouring His Children” este o lucrare cu adevărat înfiorătoare, când o privește, o persoană trezește nu teamă, ci în orice caz ostilitate și anxietate. Zeitatea antică - Saturn - este înfățișată pe un fundal de întuneric negru ca cărbune, silueta sa este ruptă și pare să se convulse, mâinile sale, ca niște plexuri de ramuri de copac, țin corpul unui copil, al cărui cap este mușcat de Saturn. . Sângele iese în evidență pe pânză într-o culoare roșie alarmantă. Putem spune că Goya a scris asta într-o stare depresivă și, poate, cu gândul la războiul din Spania - poți compara Saturn cu o țară care își distruge propriii copii.

În tabloul „Judith și Holofernes” domnește energia acțiunii pământești, surprinsă în instantaneitatea ei. Tocmai sărită din patul lui Holofernes (puțin vizibil în dreapta), fără să-și mai aranjeze încă hainele răvășite, mototolite de mângâieri amoroase, eroina și-a ridicat sabia peste capul comandantului asirian adormit și o va tăia acum (aici între ea și Saturn apare prima corespondență vizual-semantică – a început să-și devoreze victima din cap). Mișcarea de cădere înainte a lui Judith, fața ei puternic evidențiată, umărul, mâna cu o sabie - toate acestea ies, de asemenea, din câmpul spațial al picturii, precum genunchii, mâinile și capul lui Saturn.

„Pelerinaj la San Isidro” face ecou lucrării anterioare a lui Goya, scrisă în 1788, „Folc Festival de Ziua Sfântului Isidor”. Ambele lucrări înfățișează una dintre sărbătorile preferate ale madrilenilor. În fiecare an, pe 15 mai, mergeau pe malul râului Manzanares pentru a face picnic, a dansa și a bea apă tămăduitoare din izvor, care, potrivit legendei, a fost găsit de Sfântul Isidor. Și, dacă în 1788 pictorul a prezentat această scenă ca pe o sărbătoare națională colorată și veselă, plină de distracție fără griji, atunci în versiunea ulterioară din „Casa surzilor” domină tonurile de negru și domnește un sentiment alarmant de inevitabil dezastru iminent. . O mulțime de oameni strânși strâns unii se plimbă pe pământul uscat și denivelat. Fețele lor sunt distorsionate cu grimase teribile, exprimând frică, durere, groază, răutate și furie bestială.

Aceleași motive apar și în Sabatul vrăjitoarelor. Centrul compozițional al tabloului este și o mulțime fără chip, urâtă, concentrată în jurul figurii unui țap în haină monahală, care ascultă fiecare cuvânt al mesagerului Satanei. Fețele oamenilor sunt grimase urâte care nici măcar nu arată ca fețele oamenilor – Goya părea să vrea să sublinieze modul în care o persoană își poate pierde cu ușurință aspectul uman.

În „Duel cu bâte” se poate găsi, de asemenea, un răspuns la evenimentele militare care au loc în apropierea artistului - doi oameni care sunt atât de asemănători unul cu celălalt încearcă să se schilodice unul pe altul cu bâte grele într-un duel orb brutal. Nu se vede cum stau picioarele lor pe pământ - par să plutească în spațiu, la fel ca personajele din picturile „Atropos sau Fates” și „Asmodeus”.

Aceste picturi sunt pline de misticism, par să înfățișeze o lume complet diferită, ireală; este imposibil să spunem chiar cine sunt personajele din tablouri - oameni sau un fel de creaturi fantastice. Intriga picturii „Atropos” este o interpretare a imaginilor zeițelor grecești antice ale destinului - Moir sau soarta ca atare Homer, Hesiod, Virgil si altii autori antici. Moirai erau conduși de Atropa, o zeiță nemiloasă care tăia firul vieții cu foarfecele ei. Însoțitorii ei au fost Clotho și Lachesis, dar există și o a patra figură pe pânză, care seamănă cu un bărbat ale cărui mâini sunt legate - poate pentru că este neputincios în fața zeițelor care îi determină soarta.

„Câinele” este pictat în culori mai deschise decât alte „pânze întunecate”, dar încă poartă tristețe și deznădejde - pictura înfățișează capul unui câine care se îneacă fie în valurile mării, fie în grămezi de nisip - complotul exact al pictura este inexplicabilă, poate că nu a fost deloc terminată, se poate doar specula. Botul câinelui este îndreptat în sus, ochii săi triști privesc undeva în față, parcă ar căuta mântuirea. Într-o fotografie a lui Laurent făcută în 1874, se pot vedea în tablou contururi asemănătoare unei stânci și figuri de păsări, la care se poate uita câinele.

Gama tuturor celor paisprezece picturi este negru, maro, nisip, nuanțe închise; practic nu există culori strălucitoare și bogate în picturi, cu excepția faptului că în „Duelul” iese în evidență o bucată de cer albastru, iar în „Saturn” există sânge roșu aprins. Datorită unor astfel de tonuri, emoțiile pe care subiecții tablourilor în sine le poartă se intensifică de multe ori. Nu întâmplător aceste picturi se numesc „Lumbre”.

Dar trebuie spus că toate denumirile și interpretările picturilor sunt rezultatul activităților altor oameni, altor generații. Nu ni se oferă ocazia să știm ce era cu adevărat în interiorul artistului când și-a pictat pereții casei, în ce scop a făcut-o, cui a vrut să lase aceste tablouri și ce să spună cu ele. Nu se pot face decât analogii cu faptele biografice cunoscute despre Goya, cu evenimentele care au avut loc în anii 1820 în Spania. Aceste evenimente nu au putut să nu se reflecte în opera lui Goya, care a fost atent și sensibil, îngrijorat de schimbările din viața țării sale, observând vicii și slăbiciunile umane și expunându-le, așa cum a făcut în seria „Caprichos”.

Cert este că picturile murale „Casa surzilor” reprezintă o moștenire unică a artei spaniole și mondiale; picturile sunt cu adevărat neobișnuite și remarcabile pentru perioada de timp în care au fost pictate. În ele îl vedem pe „adevăratul” Goya - la urma urmei, artistul le-a pictat pe pereții casei sale, și nu pentru a le expune public sau a le vinde - ceea ce înseamnă că și-a putut transmite cu acuratețe gândurile și afirmațiile despre acestea. pânze.